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Faye Webster hat heute ihr neues Album “Underdressed At The Symphony” für den 01. März 2024 bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single “Lego Ring (feat. Lil Yachty)”.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Im zugehörigen Musikvideo spielen Faye und Yachty ein Videospiel, bei dem Fans die Möglichkeit haben, über diesen Link mitzuspielen.


Faye Webster - “Lego Ring (feat. Lil Yachty)” (Official Video)


Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.



“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Das Debütalbum der irischen Post-Punk Newcomer.
"Madra" (was auf Irisch "Hund" bedeutet) ist ein
gitarrenlastiges, instinktgeleitetes Album, auf dem sich die
irischen NewDad auf eine Reise der Selbsterkundung,
Selbstsabotage und Reflexion begeben. Durchtränkt von
Dysfunktion sucht "Madra" Trost im Schmerz und setzt
sich mit Themen wie Mobbing,
Selbstmedikation/Depression, Zerstörung, Co-Abhängigkeit
und Widerstand auseinander. Geschrieben in ihrer
Heimatstadt Galway, Irland, fanden die Aufnahmen des
Albums in den legendären Rockfield Studios (Black
Sabbath, Queen) in London statt, wo die Band inzwischen
auch wohnt. Julie Dawson, Cara Joshi und Fiachra
Parslow gründeten ihre Band, um bei der
Musik-Abschlussprüfung der Secondary School nicht solo
antreten zu müssen; kurz darauf stieß Sean O'Dowd
dazu, erst nur als Toningenieur, bald aber festes
Bandmitglied. Ihren Bandnamen NewDad ließen sie von
einem Zufallsgenerator erzeugen, und ein weiterer Zufall
kam ins Spiel, als kurz nach der Bandgründung Anfang
2020 die Welt plötzlich fast zum Stillstand kam. Trotzdem
schafften es die vier, im März 2021 ihre Debüt-EP
"Waves? zu veröffentlichen und im Januar 2022 den
Nachfolger "Banshee?. NewDad erinnern uns an die
Rastlosigkeit, all die Ängste und Beziehungsprobleme, mit
denen wir alle im Laufe unseres Lebens konfrontiert
werden. Sie verschmelzen Fantasie und Autobiografie mit
Einflüssen aus dem modernen Kino und Fernsehen - und
der ruhigen Küstenlandschaft von Galway, die den
Hintergrund ihrer prägenden Jahre bildet.

Auf ihrem Album "Intermundia" befasst sich die auf dem Land in der ostitalienischen Region Marche lebende Pianistin und Komponistin Olivia Belli mit spirituellen Orten, die eine besondere Verbindung zwischen Himmel und Erde haben sollen. "An diesen heiligen Orten treffen Himmel und Erde zusammen. Sie beruhigen und besänftigen oder betören und verzaubern und eröffnen einen Blick auf das Transzendente", erklärt Olivia Belli. "Hier wird man von allem Unwesentlichen der modernen Welt befreit und es gibt nur dich und deine Seele".Für die Komposition ihres Albums hat Olivia Belli acht spezielle, spirituelle Orte in ganz Mittelitalien besucht. Jedes Stück auf "Intermundia" repräsentiert das besondere, tiefe Gefühl, das sie dort empfunden hat. So ist erste Single "Valadier" von der einmaligen Atmosphäre des in einer Felsengrotte errichteten Tempels "Tempio di Valadier" inspiriert - ein Jahrhunderte altes Heiligtum in den Frasassi-Höhlen in der Provinz Ancona. Olivia Bellis ruhige, wehmütige Miniatur vermittelt die Hoffnung und das Gefühl der Absolution, das sie an diesem Ort erlebte."'Tempio di Valadier' ist mein Zufluchtsort, an dem ich versuche das wahrzunehmen, was real aber unsichtbar ist, um über die physischen Dinge hinaus den Geist zu formen," erörtert Olivia Belli. "Der Tempel vermittelt eine einzigartige Schönheit und eine besondere Atmosphäre, die von seiner Perfektion ausgeht und im Kontrast zum kahlen Felsen steht." Der Titel "Bet Ha Chaim" ist von dem gleichnamigen, alten jüdischen Friedhof in Pesaro inspiriert. Dieser Friedhof gilt seinem hebräischen Namen nach als "Haus des Lebens". In "Pian Perduto" vertont Olivia Belli die auf einer von drei Tälern umschlossenen Hochebene gelegene Landschaft, in der einst das Dorf Castelluccio zu finden war, bevor es durch ein Erdbeben unwiederbringlich zerstört wurde. "Sybil" ist dem Gipfel des Monte Sibyl im italienischen Apennin gewidmet, wo der Legende nach die Hellseherin Sibylle in einer Höhle lebte. "Sibyl" schließt das Album als Höhepunkt von Olivia Bellis musikalischer Pilgerreise ab. Kompositorisch ließ sich Olivia Belli für ihr Album durch das mittelalterliche Modalsystem der Kirchentonarten inspirieren. Sie ordnet die acht bekannten Modi den jeweiligen Stimmungen der von ihr besuchten Orten zu. Die so entstandenen acht Kompositionen unterbricht sie in der Reihenfolge des Albums mit vier nach dem italienischen Begriff für Atem "Respiro" benannten, ruhigen Klavierzwischenspielen. Sechs der Titel werden von einem Streichtrio begleitet. "Die Orte, die ich auf Intermundia vertonte, sind Plätze, an denen Menschen spirituelles Wachstum suchen und wir uns selbst besser wahrnehmen können. Solche Orte können überall sein - wir müssen sie nur finden" so Olivia Belli.

Neue Vinylfarbe 2024, klare LP, im Klappcover mit bedruckter Innenhülle! 16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe empor steigen, auf den Konzerten trifft sich jung und alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellenen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener "Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung "Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder des eigenen Kopfes. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits!

Das Duo in der Rockmusik funktioniert in der Regel nach dem Prinzip der Reduktion: Wer nur zu zweit auf der Bühne steht, setzt meist notgedrungen auf Akzente statt auf Flächen, auf Gerüst statt auf Schmuck. Weniger ist mehr, heißt dann die Devise, und es braucht schon eine ganze Menge Charisma (siehe White Stripes), musikalische Versiertheit (siehe Black Keys) oder schlichtweg Druck (siehe Royal Blood), um der Irritation etwas entgegenzustellen, die entsteht, wenn man auf das gewohnte Gesang-Gitarre-Bass-und-Schlagzeug-Setting verzichtet. Das hat durchaus etwas von dem verzweifelten Ennui, den Bands wie die Fehlfarben oder Abwärts vor über 40 Jahren formulierten. Hier wird robotisch gegroovt, neurotisch gesungen, und fatalistisch getextet - und das immer mit lockerer Faust, um den Zuhörern bei Bedarf schnell mal eine reinzimmern zu können.

The Chronicles Of Father Robin ist eine norwegische Prog-Rock-Supergruppe, deren Mitglieder von den norwegischen Symphonie-Prog-Masters Wobbler, den immer undefinierbaren Tusmørke, den erfahrenen Post-Rockern The Samuel Jackson Five und dem schwer fassbaren Prog-Juwel Jordsjø stammen. 'The Songs & Tales Of Airoea', an dem seit 30 Jahren gearbeitet wird, ist ein zusammenhängendes Dreifach-Konzeptalbum mit insgesamt 18 Songs, die über einen Zeitraum von drei Jahrzehnten in einer alternativen archaischen Welt angesiedelt sind. Die erste beiden Alben, 'Book I' & 'Book II', erscheinen nun als CD und LP. Durch lange Jam-Sessions und fein abgestimmte Arrangements entwickelte die Band ein fortlaufendes System, in dem jeder Song mit den anderen verknüpft ist. Ganzheitliche Impulsivität und Ideen, altruistische Freundschaft, Musik, Fantasien und ein schlüssiges Konzept.
Beginnend mit dem sakralen und atmosphärischen Over Westwinds führt 'Book II' weiter auf eine dynamische musikalische Reise durch üppige und abwechslungsreiche Klanglandschaften, die Visionen der goldenen Ära des Progressive Rock hervorrufen. Mit dem geschmackvollen Einsatz verschiedener Instrumente wie Flöte, Mellotron und Glockenspiel und alles verpackt in einer dynamischen und organischen Produktion, sind beide Alben Juwelen, die es für jeden Fan von Progressive Rock zu entdecken gilt.
'Book III' erscheint hoffentlich zeitnah.

"Moon Healer" ist ein anschauliches Beispiel dafür, was passiert, wenn Kreativität, Ambition und Dynamik zum ersten Mal seit Jahren wieder aufeinandertreffen. Wie das von der Kritik gelobte, 2014 erschienene Album "Sun Eater" ist "Moon Healer" musikalisch facettenreich, unverschämt brutal und überzeugend konzeptionell. Mit einem aufgefrischten Line-up, bestehend aus Frontmann und Mitbegründer Jonny Davy, den Gitarristen Tony Sannicandro und Al Glassman, Bassist Nick Schendzielos und Schlagzeuger (seit 2020) Navene Koperweis, knüpft die Band nahtlos an die Erfolge von "Sun Eater" an.

Lee 'Scratch' Perrys posthumes Meisterwerk 'Destiny', das gemeinsam mit Bob Riddim entstand, ist eine transzendente Reise durch das Erbe und die Zukunft des Reggae. Mit Evie Pukupoos gefühlvollen Echos, Kabaka Pyramids revolutionärer Lyrik und Xana Romeos Neo-Roots-Infusion verbindet das Album ikonische Traditionen mit den modernen Sounds und Stimmen des Reggae. Weitere Highlights sind die kollaborative Präsentation der nächsten Reggae-Welle der kommenden Generation mit Blvk H3ro, Leno Banton und Wayne J ('Ring Pon My Finger') sowie eine Hommage an das Dub-Königtum mit Addis Pablos Melodica ('Infinity' (Dub)). 'Destiny' ist ein weiterer Beweis für Perrys unauslöschlichen Einfluss auf die jamaikanische und globale Musiklandschaft.

CHRISTL ist eine junge transmediale Künstler:in aus Wien, die sich nicht einrahmen lässt. Seien es audiovisuelle, bildnerische Werke oder Lyrik - CHRISTL verbindet all dies zu einem vollkommenen Ganzen. CHRISTL ist darin kompromisslos, kritisch & konfrontativ, im Fokus ihrer Kunst stehen Geschichten, Emotionen oder Ungerechtigkeit. Mit ihrem schriftstellerischen Debüt 'Ich glaub ich hasse mich' (19.09.23 via Haymon Verlag) stellte CHRISTL einmal mehr ihre künstlerische Vielseitigkeit unter Beweis. Ihr erstes Album 'Green Blue Violet / Grün Blau Violett' ist vor allem thematisch als musikalisches Pendant zu ihrem literarischen Debüt zu verstehen: CHRISTL widmet sich darin auf eindringliche Weise der Geschichte eines Aufwachsens, die einzigartig und gleichzeitig die von vielen ist. Musikalisch bewegt sich CHRISTL zwischen verschiedenen Genre-Welten und spielt mit Einflüssen aus Soul, Rock und Jazz, holt sich Inspiration von Artists wie Florence & the Machine, Fiona Apple, Brittany Howard, James Blake und Perfume Genius, während mancherorts auch Pop-"Klischees" in positivstem Sinne spielerisch ihren Platz finden.

Ltd. Edition Silver Vinyl
Direkt nachdem "The Reality Of Miracles" im Jahr 2020 in den Regalen stand, machten sich LIONHEART an die Aufnahmen für das nächste Album. Dabei beschloss man schon früh, dass es diesmal ein Konzeptalbum werden soll. Im Mittelpunkt des Albums steht der Zweite Weltkrieg, aber die Band wollte unbedingt ein Anti-Kriegs-Album machen, während sie gleichzeitig derer gedenken wollte, die für unsere Freiheit gekämpft haben.

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

KIRLIAN CAMERA sind ein kreativer Wirbelwind der musikalischen Innovation. Die mitreißende Kraft ihrer Inspiration manifestiert sich sowohl destruktiv, wenn es um das Einreißen von Grenzen in Bezug auf Genre, Stil und Konventionen geht, als auch konstruktiv, wie beim Errichten einer neuen Klangarchitektur auf den Ruinen der alten. Auch das jüngste Meisterwerk der Italiener, "Radio Signals for the Dying", folgt dieser Tradition und erklimmt dabei einen weiteren künstlerischen Höhepunkt. Oberflächlich betrachtet wandeln KIRLIAN CAMERA erneut auf dem dunklen musikalischen Pfad, den sie auf ihrem letzten Doppelalbum "Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)" (2021) eingeschlagen haben. Dass die italienischen Elektro-Provokateure direkt mit dem Nachfolger noch ein prächtiges Doppelwerk folgen lassen können, spricht Bände über ihre ungeheure kreative Energie. Dabei bringt "Radio Signals for the Dying" keineswegs eine bloße Wiederholung des glorreichen Vorgängers. Stattdessen verändern KIRLIAN CAMERA ihren Sound auf subtile Weise durch raffinierte Details, reizvolle Tricks, großartige Effekte, unerwartete Wendungen und musikalische Ausflüge sowie spannende Variationen bestehender Themen. Seit über vier Jahrzehnten erschaffen KIRLIAN CAMERA ein Reich vielschichtiger Klangkonstruktionen, okkulter Transzendenz und subversiver Inhalte, die schon immer zum Kern ihrer Kunst gehörten. In der Vergangenheit hat die im besten Sinne schamlose, zuweilen geradezu unverschämte Lust der Italiener an der Provokation der Welt einen ehrlichen Spiegel vorgehalten und damit wiederholt Kontroversen ausgelöst. Die Italiener haben nie damit aufgehört, nach neuen Antworten zu suchen und ihre Hörer auf eine abenteuerlichen musikalischen Reise zu okkulte Dimensionen und magischen Orte von gefährlicher Schönheit und freudiger Dunkelheit mitzunehmen. KIRLIAN CAMERA sind Elektro-Schamanen, Rockmystiker, Klangrevolutionäre und Hohepriester der freien Künste, die als musikalischer Phönix im kreativen Feuer von "Radio Signals for the Dying" erneut wiedergeboren werden.

Für Maria Raquel gibt es keine Angst, wenn es darum geht, ihrer Leidenschaft zu folgen. Ob sie nun von Kolumbien nach New York zieht, um ihrem Traum zu folgen, oder ob sie mit den Größen der lateinamerikanischen Musik auf der Bühne steht, Maria kennt keine Bedenken. Auf ihrem Debütalbum 'Mucha Mujer' taucht Maria kopfüber in die klassischen Klänge von Boleros und Cumbias ein und bringt ihre rauchige Altstimme inmitten eines 16-köpfigen Live-Orchesters aus Perkussion, Streichern, Bläsern, Bass und Gitarre zur Geltung. Das Album besteht ausschließlich aus Eigenkompositionen und wurde auf analogem Band aufgenommen. Es erinnert an klassische Aufnahmen von Künstlern wie Omara Portuondo, Celia Cruz und La Lupe, doch Maria Raquel haucht diesen klassischen Genres neues Leben ein - die eindringliche Sehnsucht der Boleros kontrastiert mit der pulsierenden Beharrlichkeit der Cumbia. Mit einigen der besten Latin-Musiker New Yorks wie Reuben Rodriguez (Tito Puente), Marcos Lopez (Marc Anthony) und Ivan Renta (Eddie Palmieri), arrangiert und produziert von Mike Eckroth (Orquesta Akokán) und Jacob Plasse (Los Hacheros), stellt Mucha Mujer der Welt ein fesselndes neues Talent vor.

Als Kind der Punk/Metal/Hardcore-Bewegung Mitte der 90er Jahre verbinden DARKEST HOUR aus Washington, DC, die Leidenschaft, Energie und
Seele des Punk/Hardcore mit dem Stil, der Geschwindigkeit, der Rache und der Wut des melodischen Speed/Thrash/Death Metal. DARKEST HOUR
haben als einer der Pioniere des modernen Metal/Core den gesamten New Wave of American Metal Sound mitdefiniert. Ein Sound, der der Metalund Hardcore/Punk-Welt die Wiederbelebung gab, die sie sicherlich brauchte. Dieser Stil mischte den rohen Hardcore-Punk der 80er Jahre mit dem
skandinavischen Death Metal der 90er Jahre und schmiedete einen Sound, der später zur Vorlage für den modernen Metal wurde. Seit ihrer
Gründung vor 21 Jahren haben Darkest Hour 9 Studioalben (bei 11 verschiedenen Plattenfirmen) veröffentlicht, sind in großen Kinofilmen und
US-Fernsehshows aufgetreten, haben Videospiele gespielt und sind weltweit auf 6 der 7 Kontinente getourt.

Als Kind der Punk/Metal/Hardcore-Bewegung Mitte der 90er Jahre verbinden DARKEST HOUR aus Washington, DC, die Leidenschaft, Energie und
Seele des Punk/Hardcore mit dem Stil, der Geschwindigkeit, der Rache und der Wut des melodischen Speed/Thrash/Death Metal. DARKEST HOUR
haben als einer der Pioniere des modernen Metal/Core den gesamten New Wave of American Metal Sound mitdefiniert. Ein Sound, der der Metalund Hardcore/Punk-Welt die Wiederbelebung gab, die sie sicherlich brauchte. Dieser Stil mischte den rohen Hardcore-Punk der 80er Jahre mit dem
skandinavischen Death Metal der 90er Jahre und schmiedete einen Sound, der später zur Vorlage für den modernen Metal wurde. Seit ihrer
Gründung vor 21 Jahren haben Darkest Hour 9 Studioalben (bei 11 verschiedenen Plattenfirmen) veröffentlicht, sind in großen Kinofilmen und
US-Fernsehshows aufgetreten, haben Videospiele gespielt und sind weltweit auf 6 der 7 Kontinente getourt.

Auf dem fünften Band dieser Motörhead-Konzert-Reihe
nehmen wir Sie mit in die spirituelle Heimat des britischen
Hardrocks - Donington - um Ihnen das donnernde
Live-Set der Band vom legendären Download Festival im
Juni 2008 zu präsentieren. Feat. Phil Campbell und
Mikkey Dee sowie einem Gastauftritt von Würzel bei Ace
of Spades/Overkill ist dies eine willkommene Ergänzung
zu dieser faszinierenden Sammlung von
Motörhead-Live-Auftritten und ein Muss für alle Fans, egal
ob komplett oder neu. Erhältlich als Doppel-LP im
Gatefold Sleeve in gelbem Vinyl.

Monte Fiasko, oder der Gipfel der Katastrophe. Das vierte Album der NDW-Postpunker ILLEGALE FARBEN aus Köln legt einen düster-treibenden Soundtrack unter diese großen und kleinen Krisen im Privaten und in der Welt. Die Themen sind dabei so abwechslungsreich wie die Sounds. Es geht um Einsamkeit, Selbstzweifel und Resignation. Illegale Farben zeigen sich also weiterhin nicht von ihrer Spaßvogel-Seite, der Tenor bleibt blau-grau. Neu sind auch die musikalischen Gäste auf Monte Fiasko, neben Stefanie Schrank von Locas in Love ist auch Cecilia Boström von The Baboon Show bei jeweils einem Song mit dabei. Stilistisch ist das Album ein gewagter Mix aus den postpunkigen Klängen der ersten beiden Alben, der kontemplativen Zurückhaltung des letzten Werks, "unbedeutend ungenau", und mitreißendem Indie-Rock. Immer mit einer guten Portion NDW abgerundet, sei es in der Musik oder in den Texten. Hier wurde ein "Album" im klassischen Sinn produziert, das sich natürlich bestenfalls auf LP anhören lässt.

Die Wiener Samsara Joyride mit ihrem zweitem Longplayer, dem ersten auf Tonzonen. Von Beginn an stand für die Band eine Fusion des klassischen Rocksounds der 70er und 90er Jahre im Mittelpunkt, dabei bewegt sich die Band stilistisch frei zwischen Blues-, Psych- und Stoner-Rock. Eingängige, hypnotisierende Riffs, durchsetzt mit euphorisierenden Gitarrensoli und markanten Bariton-Vocals bestimmen die Songs - ein Spiel zwischen Altbewährtem und Experimentellem, zwischen Wiederholungen und Wendungen. 2023 wurden sieben neue Tracks geschmiedet, die zwar noch erkennbar im Stil des Debütalbums gegründet sind, sich aber in Sachen Komplexität und Experimentierfreude deutlich abheben. "The Subtle And The Dense" tritt schon vom ersten Ton an nicht nur deutlich heavier und progressiver, sondern vor allem selbstbewusster auf. Es wurde deutlich mutiger mit dem Einsatz von Hintergrundstimmen und Gesangsharmonien experimentiert. Leadgitarrist Michael Haumer übernimmt den größten Teil des Background-Gesangs, wobei sein kräftiger Tenor Miehes dunklen Bariton perfekt ergänzt. Aber auch Laura Fichtenkamms klare und weiche Frauenstimme bildet einen harmonischen Kontrast zur Hauptstimme. Verglichen mit dem ersten Album ist der Gitarrensound von Miehe und Haumer gleichzeitig subtiler und dichter. Wo früher noch live improvisiert wurden, finden sich heute fast ausschließllich in akribischer Kleinarbeit ausgearbeitete Lead-Gitarren-Parts, die mühelos zwischen Blues-, Metal und Stonerrock wechseln. Andreas Mittermühlners mal peitschenden, mal wuchtig stampfenden, immer jedoch punktgenauen Drums und Daniel Batliners vibrierend-groovender, alles andere als im Hintergrund stehender Bass, bilden gemeinsam das Rückgrat und den Puls der Platte, und bieten so den schneidenden Höhen von Haumers Sologitarre Fundament und Rahmen zur Entfaltung. Daraus ergibt sich ein großes Ganzes, das manchmal nach Kyuss, manchmal nach Danzig oder Black Sabbath, manchmal sogar noch Tool oder All Them Witches klingt, immer aber nach Samsara Joyride und als Gesamtwerk weit über die Summe seiner Teile hinauswächst.