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Austrian electronic music producer Peter Kalcic, better known as B.Visible, is set to release his third studio album titled "Life is my Hobby" on October 10th through his own imprint, Data Snacks.
This new album sees B.Visible continuing to blend genres, drawing inspiration from the trip-hop sounds of the 90s, the R&B of the 80s, and mellow house music. True to his signature style, he maintains a balanced mix of acoustic drum sounds, electric pianos, and shimmering synths.
Unlike his previous works, the creation process for "Life is my Hobby" extended beyond the traditional studio setting. Much of the album was crafted in his newly moved apartment and various cafes in Vienna's 5th district. His collaboration partners were close to home, literally-Anda Reverie and Silvia Ponce Marti, his upstairs and downstairs neighbors, respectively, feature as vocalists on the album.
Silvia Ponce Marti's contribution for instance is featured on the track "Ella," which addresses the sensitive issue of the hyper-sexualization of the female body in today's society. She also created a stunning mixed media video for the song, which can be viewed here.
Anda Reverie appears on the track "Bad Karma," portraying an alien questioning the moral implications of humanity's destruction. The music video for this song brings the scenario to life with dreamy environments and unsettling projections.
B.Visible describes the album's creation as guided by causality, resulting in a less experimental and more accessible sound-his closest encounter with pop music to date. Asked about the title he keeps quite. The listener is encouraged to form their own opinion from the impressions.


BIO (EN)
Viennese producer B.Visible is always pushing his craft forward, with each concept being an evolution. His music is mutating organically as each project brings novelty, but always while blending sharp electronic components with dusty acoustic layers. That duality exists in every aspect of his creative journey, with DJ sets revolving around second-hand records and modern-day productions, but also his live project offering a whole new dimension and generosity to the audience. B.Visible melts the barrier between analog and digital in a such distinctive and elegant way that it feels natural.

Forgetting You Is Like Breathing Water, the self-titled debut from the duo of trumpeter Will Evans and guitarist, synthesist, producer and multi-instrumentalist Theo Trump, arrives like a vault revelation. It feels like a decades-old yet newly unearthed masterwork of gorgeous ambient improvisation, the sort of thing scholars live to research and shepherd into deluxe reissue.

The patient, crystalline chords that swell and resonate like a series of confessions; the textured brass murmurs that suggest a ’60s or ’70s Fire Music master at their most poignant. Provocative found-sound experiments threading arcane religious recordings through dystopian soundscapes. Ear-shattering free-noise tumult. Where and when did this music come from? Who are these voices?

As it turns out, Forgetting You Is Like Breathing Water springs from an engrossing human story, though it isn’t necessarily the one you’d expect. This work of stunning maturity is in fact an entrance by two little-known explorers in their early 20s, who grew up together in Virginia, in the shadow of the Blue Ridge Mountains. It documents one of those perfect, sparkling moments in post-adolescence when big decisions and responsibilities are right around the corner, but for a spell, two young artists are able to create among the comforts and nostalgia of their shared past.

It also represents a reunion of sorts, as Evans and Trump connected as toddlers, became inseparable as boys, then pursued independent lives and creative paths as young adults. “Theo is my oldest friend,” Evans says, “and I feel like that’s what this band is — us meeting right in the middle of our interests.”

Now, having conjured this magic, they’ve detached once again: Evans, whose other works include the indie/avant-jazz unit Angelica X, is currently based in New York City. Trump recently moved to England, where he’d participated in his family’s theatre company, to go to school and further his solo ambient project. “This album didn’t start out as something super ambitious,” Evans explains. “It was more just an excuse to spend time together again and make music.”

***

In conversation, Evans and Trump are a delight, especially for cynics who might think that Gen-Z is only capable of doomscrolling. They come across as kindly young intellectuals who grew up using the internet as it was intended, for exposure to ideas and art across genres and generations. Trump points to indie-folk and the oracular post-rock of late Talk Talk, Bark Psychosis and Gastr del Sol. Pressed for his guitar heroes, he cites Bill Orcutt, Mary Halvorson and Marc Ribot, and mentions his devotion to alt-country. Heyday electro-industrial stuff like Skinny Puppy and Nine Inch Nails also meant a lot to him.

Evans is equally intrepid, though his background has a greater jazz focus. Ambrose Akinmusire, among today’s most thoughtfully commanding trumpeters, is a favorite. As for the soulful murmur he offers throughout Forgetting You, Pharoah Sanders’ wistful and lyrical contributions to Floating Points’ work is a touchstone.

The two grew up down the street from each other in the northern Piedmont town of Batesville, Virginia. Their families were friends, holidays were celebrated together and they became the most loyal of pals. As children they had a pretend band.

Then life unfolded, they attended different schools and their paths diverged. Evans discovered John Coltrane and became a jazz obsessive, as Trump found punk and hardcore and later began making ambient music. As a dedicated jazz trumpeter, Evans studied formally and widely; Trump was an autodidact, teaching himself guitar and absorbing synthesis and production techniques. The late teens and very early 20s brought moves away from home and back to home, as well as plenty of listening and learning. The Covid pandemic meant an opportunity to reconnect on long walks. Through it all, together and apart, they remained reverent of each other.

By early 2023, they found themselves living again among the Blue Ridge Mountains. In the evening, after giving trumpet lessons in Charlottesville, Evans would make the eerily beautiful trek “over the mountain” to Trump’s home in Staunton, Virginia. They’d talk and eat and begin to improvise, deep into the night. Evans played trumpet and sometimes drums. (Given the wee-hours recording schedule, the neighbors didn’t appreciate the latter.) Trump plugged a rickety, junk-store Telecaster-style guitar into a cheap solid-state amp and explored open tunings; he also layered on lap steel, electric bass, synths and electronics.

They locked in and relished each other’s gifts. In Trump, those include patience and intentionality and sonic decision-making; for Evans, a distinctive trumpet sound that both musicians think of as a singer’s voice. “Will’s playing is so thoughtful and well placed,” Trump says. “My goal from a producer’s mindset is that the trumpet will occupy the space that vocals would take.”

Often, they got lost in the best way. “The thing I look for most when I’m playing is that feeling of disappearing into what you’re doing,” Evans says. “Usually when that happens, the music is good.”

By the same token, they didn’t pursue free improvisation as an ethic, or as a pure process. Their goal was something closer to spontaneous composition. “We were trying to make good songs,” Evans says simply. Later, Trump did brilliant post-production work, expanding a modest setup into an enthralling soundworld. Under his judicious editorship, music that was wholly improvised sounds at times like a carefully composed new-music commission.

The results speak for themselves. “A Happy Death” summons up a swath of American desolation through the viewfinder of Wim Wenders. “Flesh of Lost Summers” and “Partings” are highlights from an essential ECM LP that never was. “A Collapse of Horses” infuses those seminal post-rock influences with the plod of doom metal or slowcore. The album’s final track, “The Mountains Are a Dream That Calls to Me,” was in fact the first thing the duo recorded, as an evocation of those twilit drives across the Blue Ridge Mountains. “Looking back at what we chose to name the songs,” Evans says, “and some of the sounds and how they make me feel, there is an air of impermanence and loss to this album.”

“I’m excited for everything that’s to come,” he adds, “but I recently thought, ‘Damn — that’s not going to happen again.’ It was a privilege for us to have that time together.”

In seiner über 50-jährigen Karriere hat sich der in Belgien lebende und in den USA geborene Folk-Singer-Songwriter Tucker Zimmerman einen gewissen Grad an Unbekanntheit bewahrt und sich einen Ruf als eines der am meisten unterschätzten Talente der amerikanischen Folkmusik erworben. Im Laufe der Jahre wurde Zimmerman von Musikerinnen wie Adrianne Lenker von Big Thief ("Tucker Zimmerman ist einer der größten Songwriter aller Zeiten") und Angel Olsen sowie von einigen der ganz Großen wiederentdeckt und hochgelobt - Tony Visconte sowie David Bowie (der Zimmerman als "überqualifiziert für Folk" bezeichnete) waren schon früh in Zimmerman unvollendeter Karriere Fans. Nun meldet sich Tucker Zimmerman mit "Dance Of Love" zurück, seinem 11. Studioalbum und gleichzeitig seinem 4AD-Debüt, bei dem Big Thief (und sowie Mat Davidson und Zach Burba) ihn als seine Begleitband und Kollaborateure unterstützen. Das Ergebnis dieser generationsübergreifenden Symbiose ist ein berührendes Manifest eines großen Songwriters, der eine Karriere im Schatten hatte. Nun tritt er mit 83 Jahren ins Licht und besingt große Freundschaften, harte, aber wertvollen Lektionen, weltlichen Erfahrungen und über die Liebe, mit er stets eng umschlugen durch ein langes und erfülltes Leben tänzelte.

In seiner über 50-jährigen Karriere hat sich der in Belgien lebende und in den USA geborene Folk-Singer-Songwriter Tucker Zimmerman einen gewissen Grad an Unbekanntheit bewahrt und sich einen Ruf als eines der am meisten unterschätzten Talente der amerikanischen Folkmusik erworben. Im Laufe der Jahre wurde Zimmerman von Musikerinnen wie Adrianne Lenker von Big Thief ("Tucker Zimmerman ist einer der größten Songwriter aller Zeiten") und Angel Olsen sowie von einigen der ganz Großen wiederentdeckt und hochgelobt - Tony Visconte sowie David Bowie (der Zimmerman als "überqualifiziert für Folk" bezeichnete) waren schon früh in Zimmerman unvollendeter Karriere Fans. Nun meldet sich Tucker Zimmerman mit "Dance Of Love" zurück, seinem 11. Studioalbum und gleichzeitig seinem 4AD-Debüt, bei dem Big Thief (und sowie Mat Davidson und Zach Burba) ihn als seine Begleitband und Kollaborateure unterstützen. Das Ergebnis dieser generationsübergreifenden Symbiose ist ein berührendes Manifest eines großen Songwriters, der eine Karriere im Schatten hatte. Nun tritt er mit 83 Jahren ins Licht und besingt große Freundschaften, harte, aber wertvollen Lektionen, weltlichen Erfahrungen und über die Liebe, mit er stets eng umschlugen durch ein langes und erfülltes Leben tänzelte.

DE MANNEN BROEDERS ist die erste Zusammenarbeit feat. Colin van Eeckhout und der flämischen Folk-Ikone Tonnie 'Broeder' Dieleman aus Zeeuws.
Ersterer ist der Frontmann der belgischen Post-Metaller AMENRA, einer Band, die für ihre überwältigende Härte in Sound und Gefühl bekannt ist.
Letzterer ist ein holländischer Folksänger, dessen Musik von der Kultur seiner seeländischen Heimat inspiriert ist und der bereits mit Baby Dee und
Bonnie Prince Billy zusammengearbeitet hat. Als die beiden sich trafen, spürten sie sofort eine Verbindung.
Das Ergebnis ist das 9-Track-Album Sober Maal (was übersetzt 'nüchternes Mahl' heißt und sich auf die Praxis bezieht, eine einfache Mahlzeit zu
essen, um Dankbarkeit zu üben), das unter dem Namen DE MANNEN BROEDERS veröffentlicht wird. Es wurde in weniger als fünf Tagen in der
Doopsgezinde Kerk aus dem 18. Jahrhundert in Middelburg in den Niederlanden geschrieben und aufgenommen.
Klanglich ist Sober Maal eine eindringliche, emotionsgeladene Reise, die sich in einer vergangenen Welt verwurzelt fühlt, aber dennoch völlig
eigenständig klingt und eine melancholische, aber dennoch hoffnungsvolle Note hat. Der Gesang von Colin und Tonnie verschmilzt mit dem Chor und
einer sparsamen Auswahl an Instrumenten, darunter ein Banjo, ein Klavier, eine Drehleier und die mächtige Zentralorgel - alles vermischt mit den
Klängen und dem Echo der Kirche.

JTQ experimentieren ständig mit verschiedenen Musikstilen, nach Soul- und Jazzalben, einem Chor- und einem Orchesteralbum, nehmen sie jetzt ein Funk-Rock-Album auf, das eigentlich die nächste The Prisoners-LP hätte sein können. Funky, teils punky Rock-Elemente wechseln sich ab mit Hammond-Funk-Instrumentals im Stil von Jimmy McGriff. James Taylor nahm viel mit Billy Childish und The Prisoners auf und fand es an der Zeit, seine Jazzband auch an diesem eher rock'n'rolligen Sound auszuprobieren. Während die Funk-Rock-Tracks auf BBC 6 laufen, spielt Jazz FM die Instrumentals.

Renegade Methodz is extremely proud to present a record featuring three of the most successful music exports coming from Greece.

ANNE, ENDLEC, SERA J.

Hailing from Thessaloniki, all three artists already have established their name on the international front with releases on some of the best labels of the scene.
This time they united to bring the heat on Renegade Methodz with six cuts of their unmistakable style for a lesson in proper techno production.
Presented symbolically under the name 'Rework Our Unity', this release serves as a united front of Techno music coming from Thessaloniki, aims to inspire future generations and to provide a glimpse of hope for the Greek electronic music scene.

Deicide ist eine der drei großen US-Death-Metal-Bands, zusammen mit Cannibal Corpse und Morbid Angel. Nach ihrem letzten Album "Overtures of Blasphemy", das 2018 erschienen ist, kehren Deicide nun mit ihrem neuen Werk "Banished By Sin" zurück.

Deicide sind bekannt für ihre kompromisslose Musik, und dafür, dass sie in den mehr als drei Jahrzehnten ihres Bestehens einige der esten und härtesten Death Metal-Songs hervorgebracht haben. Erwartet die intensivste, brutalste und einprägsamste Florida Death Metal-Platte!

A unique, dreamy Dutch-language indie-folk record reminiscent of Jessica Pratt and Joni Mitchell.



Catbug is the project of singer-songwriter Paulien Rondou who grew up in Duisburg, a Belgian village near Tervuren. After completing her 'Cabaret' studies at the Antwerp Conservatory, Paulien moved to her mother and stepfather's little farm in Westmalle. Although she left without any specific goal in mind, it didn't take long for the first wonderful songs to originate in this environment.

Catbug released her debut album Universe back in 2018. A record that immediately put her on the map within the Belgian music landscape. "Since the release of King Fisher, Catbug's first song, we have been sitting here on the edge of our seats", Radio 1 wrote about it at the time. Despite the fact that her musical career had clearly taken a direction, Paulien did not feel comfortable living the big city life. That said, it didn't take long before she left Antwerp behind to run the organic farm De Paardebloemhoeve in Malle. As it turned out, that farm was the ideal habitat for Paulien to work on her first Dutch-language album slapen onder een hunebed peacefully and quietly. This album was also well received in Belgium and was even picked up by Japanese label Think!Records. In one way or another, Catbug's music reached the Japanese label and, upon their request, several hundred vinyls were immediately sent out to Japan. In no time, all vinyls were sold out. Despite the fact that Catbug's lyrics are sung in Dutch, the people in Japan love her music.

Now, three years later, there's the brand new album Musjemeesje. The album has become an ode to all the birdson and around the farm, which again served as the breeding ground for all the new songs. One winter day in 2021, Paulien was given a pair of binoculars as a gift and decided to learn as much as she could about the birds on and around the farm. Soon she learnt to recognize the distinctive sounds and ways of flying of many different species, and a separate story began to form with each bird. There was something in them that Paulien identified with, and she wanted to try to map it out. This is where the idea was born of writing an album of songs about birds. "Birds always manage to uplift and inspire me with their crazy habits and their twittering. They reach out to the child in myself", Paulien added herself. For this album, Paulien worked with producer Aiko Devriendt again, who also did the mix. They recorded the album in pianist Guy Van Nuyten's studio and just like they did the last time, a conscious choice was made to keep it sober. Less is more. This resulted in a unique, dreamy Dutch-language indie-folk record reminiscent of Jessica Pratt and Joni Mitchell.

Erstmals auf Vinyl: Das On-U Sound-Album des legendären Trompeters Harry Beckett, einer Schlüsselfigur der britischen und europäischen Jazzszene, das 2008 nur als CD erschien. Kein geringerer als Charles Mingus nahm Beckett in seine Band auf, es kam zu Kollaborationen mit Zeitgenossen wie Dudu Pukwana, Graham Collier, Mike Westbrook und Ian Carr, Beckett inspirierte eine ganze Generation jüngerer Musiker (Courtney Pine) und Trendsetter (Gilles Peterson). Teilnehmende Musiker waren Junior Delgado (mit starker Vocalperformance), Carlton "Bubblers" Ogilvie (Veteran der UK-Reggae-Szene) und Alan Glen (Yardbirds!).

- "Becketts Genialität besteht darin, dass er sich selbst immer treu bleibt, egal mit wem er auftritt. Seine sprudelnden, sprudelnden, improvisierten Melodien heben immer die Stimmung. „The Modern Sound Of Harry Beckett“ ist ein großartiger Klanggenuss." - The Guardian

- "Sherwoods Produktionsstil schafft hier eine perfekte Balance zwischen klanglicher Kreativität und respektvoller Zurückhaltung, und Beckett selbst ist brillant und kreiert Bläserlinien, die sich durch die Rillen schlängeln und schlängeln, anstatt auf ihnen zu reiten. Etablierte On-U Sound-Fans werden dies als unterhaltsame Kuriosität empfinden; Harry Beckett-Fans werden es vielleicht aufschlussreich finden."

Find 10 amazing hits recorded by one of Jazz finest combination ever on a a wonderful picture disc vinyl ! Including :Summertime, Autumn In New York, Cheek To Cheek...

Drei Jahre nach dem fesselnden Long Player Debüt ,Highly Refined Pirates" stellte die hochgradig stylische Seattler Indie Pop Band MINUS THE BEAR ihren mit beachtlichen Störimpulsen durchsetzten Prog Pop auf ihrem zweiten selbstmörderischem Album ,Menos El Oso" zur Schau. Die Jungs legten hierfür selbst ihre Hände an die Regler und übernahmen die Aufnahmen und Produktion gleich mit. Pendelnd zwischen verschiedensten Stilen, welche von '70s Prog Rockern (YES, RUSH) '80s Prototypen Punks (FUGAZI) bis hin zu '90s Art Rock Mind Fucks wie JAWBOX und JOAN OF ARC reichen, berufen sich MINUS THE BEAR auf eine moderne Liebesaffäre zwischen treibenden Tanz Rhythmen und höchst abgefahrenem Collegerock. Abgemischt wurde das Ganze vom Bandmitglied und angesehenen Studio Freak Matt Bayles (u.a.THE BLOOD BROTHERS, MASTODON, ISIS, PRETTY GIRLS MAKE GRAVES). Auf dem Album finden sich so illustre Gäste wie Judah Nagler & Josh Staples (THE VELVET TEEN), Michael Richardson (THE NEW TRUST) und HEATHER DUBY.

Co-founder and ever-present member of The Chesterfields, Simon Chesterfield's first solo album "Simon Chesterfield" features the results of a year long project re-imagining six of his own compositons as an orchestral performance. Co-produced by Ben Scott Turner, Rob Ellis (PJ Harvey) and Simon Chesterfield, the album was orchestrated by Charles Harrison. An imaginative video of lead track "Something" available on Youtube will accompany this release.

An ensemble of Wessex musicians were gathered together for this project, several of whom have now signed up for some Simon Chesterfield live adventures, including a launch party for the album on Friday 11th October at the wonderful Lyric Theatre in Bridport, Dorset. The players are: Joe Atkinson, Matt Barge, Jenny Bliss, Simon Chesterfield, Rob Ellis, Charles Harrison, Emma Kingston, Seiko Nemoto, Nick Squires, Helen Stickland, James Thornton, and Ben Scott Turner.

Australian indie folk rock band The Paper Kites release Evergreen, a compilation featuring the band’s debut EP Woodland and follow-up EP Young North for the first time on vinyl. Notably the release includes standout single "Bloom" which has been certified platinum in the U.S.A, Canada, Australia, Italy & the Netherlands. It melds earthy instrumentals to create a perfect backdrop for the band’s trademark harmonies that have garnered them a dedicated audience and over 1 billion streams across their catalog.

SITW’s fourth studio album is a satirical celebration of mistakes. A joyous lambasting of everyone and everything that’s wrong in the world, against the real-time backdrop of global uncertainty, corruption and political unrest.

A London Charivari. Rough Music. A gleeful old-fashioned cancelling. A Chaunter’s delight. 14th Century recording demons collecting mistakes in a sack. Women mugging rich merchants. Nettles being pissed on. Shit food at Lent. A terrible plan. An undoing. The aftermath of a car crash. Catching people doing something they shouldn’t. Nursery rhymes reimagined as death threats. Behind the sarcastic acerbic delivery, Nicola Kearey and Ian Carter convey thoughtful, essential interpretations encouraging us all to check ourselves, through the multi-layered music of cities through time.

This is about as far away from pastoral folk music as you can get.

In their typical wry city-weary style, a beady eye is cast over those committing wrongs in plain sight, with Kearey narrating a series of tales of people fucking up, or being fucked up, with some brief respite in Lavender - one of London’s oldest street melodies - the album being named after the 14th Century story of Tittivilus, the recording demon, who collects scribes’ mistakes (pokes) and the idle chatter of the “liars with their hairy tongues” congregation.

Despite this seriousness, the album’s working-class dry gallows humour carries a stoic “if you don’t laugh you’ll cry” feeling amongst the corruption, scandals and barefaced lies we all observe on a daily basis, with a warning that “only you can fix your deficits” and “it’s your words and deeds that matter…and let me tell you, they speak volumes”.

The core of the record imagines a sound of traditional London music, where the musical continuum is unbroken by the population decimated by the world wars, or by gentrification and social cleansing that has forced communities apart, and yet absorbs all the influences of all the communities that call London their home.

Carter and Kearey attempted sessions at The George Tavern, Whitechapel, and in Spitalfields, at Denis Severs’ House, and a restored weaver’s townhouse, carrying the aesthetic of the record in their heads as they moved from location to location, before settling into an old factory building and their own workshop. The resulting sparse and economical sound is harsher, more present, more essentially them. It is a mighty haranguing that demands your attention.

Ron Dante was without question one of the hottest singers on the 1969 pop hit parade, sailing in the same commercial stratosphere as the Beatles, Rolling Stones, and 5th Dimension. As the lead singer of the Archies, he had the year’s biggest selling song with the #1 Hit “Sugar Sugar.” Ron’s golden voice was coveted by every producer in Manhattan and he was the “go to” guy at Don Kirschner’s legendary Brill Building. Even Madison Avenue called as Dante made national TV jingles for American Airlines, Coca-Cola, McDonalds, Tang, and Gillette. As a Broadway producer he had hits with “Ain’t Misbehavin” and “Children Of A Lessor God.” In a career high, Ron sold over 60 million records as the producer and background singer of the first nine Barry Manilow albums.

Once billed as "Europe's First Lady of Jazz," Rita Reys was a legend overseas during the second half of the 20th century, and certainly one of the top European jazz singers. Jazz Pictures at an Exhibition showcases a 1961 concert featuring Rita with the Pim Jacobs Trio (also including Pim's brother Ruud on bass), plus drum legend Kenny Clarke. This was the only time ever Reys and Clarke recorded together.

Doom (2005) is a science-fiction film based on the iconic video game series, starring Karl Urban and Dwayne Johnson. The film is centered around a group of marines sent on a rescue mission to a facility on Mars, which quickly turns into a game of survival when the team encounters demonic creatures. This release marks the first vinyl release of Clint Mansell's score, which comes as a 2-LP gatefold set pressed on Black Ice vinyl, with original artwork and a poster by illustrator Micha Huigen.

Multi-instrumentalist and synth wizard Paul White readies his third album for R&S Records, offering up a cinematic journey on ‘Peace In Chaos’ that captures the current mood with its shadowy electronic prowess. With an unabashed love of 80s synth music and film scores, the South London based producer presents an album of perhaps his most pop leaning tracks yet, following on from 2018’s ‘Rejuvenate’ and 2014’s ‘Shaker Notes’. Across eleven tracks, White delves into a world of esoteric electronic pop, as waves of melodic synths wash over towering drum patterns and majestic bass, with White adding his own enigmatic vocals to many of the productions.

inkl. Lyricsheet-Beilage Das Leben in einer Kleinstadt am Rande des Ruhrgebiets: geprägt durch Frustration, Langeweile und fehlendes Zugehörigkeitsgefühl. Empfundene Ausweglosigkeit gepaart mit einem tristen und nichtsagenden Stadtbild. Diesen Zustand thematisiert "Überleben-Koexistenz" von Narkose, die Einflüsse aus Hardcore, Post-Punk und Deutschpunk kombiniert. Narkose überzeugt mit intensiven, mitreißenden Live-Shows, schnellem, einprägsamem Sound und harten, teils überspitzten Texten. Auf dem Album befinden sich 13 rohe und stürmische Tracks mit einer Gesamtspielzeit von 27 Minuten.

Wojtek Mazolewski Quintet is returning with a new, refreshed lineup with a new full-length album, Beautiful People. The album was recorded in December "23 at Polish Radio"s S4 studio after a series of a dozen WMQ concerts Beautiful People is a soulful album heading into the realm of contemporary spiritual jazz while maintaining WMQ"s identity and Slavic tradition. The fresh material presents quality new energy, sound and composition of the band.

Die Band, die ihre ursprünglichen Wurzeln im Thrash-Metal und Screamo immer noch stolz auf ihren Ärmeln trägt, hat ihren Sound stetig weiterentwickelt und euphorische Elemente aus Post-Rock und Shoegaze mit spektakulärem Effekt eingebaut. "Eunoia", ein Wort, das das gegenseitige Wohlwollen zwischen einem Redner und seinem Publikum beschreibt, nimmt diese Dichotomie von Ruhe und Chaos auf und destilliert sie noch weiter, indem es die Band wirklich in ihrem Element zeigt, sowohl auf der Bühne als auch im Studio. Das Album besteht nur aus Songs, die die Band auf der Bühne spielen kann und will. Es wurde um die Idee herum geschrieben, nach Hoffnung und Inspiration im täglichen Leben zu suchen, während man sich machtlos gegen das Gewicht der Welt fühlt. Die Leadsingle ,Beyond the Raindrops" war einer der ersten Songs, die für das Projekt geschrieben wurden, wurde aber erst in letzter Minute aufgenommen. Der epische Halftime-Groove und die schwebenden, klangvollen Gitarren sind ebenso melancholisch wie großartig, und Tetsus zu Herzen gehender Text wurde im Moment geschrieben, als ehrliche Antwort auf die eindringliche Melodie des Songs. In anderen Stücken wie Whiteout" werden die frenetischen Ursprünge von Envy mit einem pochenden Schlagzeugsolo, das eine stakkatoartige Post-Hardcore-Gitarrenarbeit einleitet, und einem Gesang, der wild zwischen gutturalem Gebrüll und einem Ansturm von gesprochenen Worten schwankt, kanalisiert. Der Eröffnungstrack 'Imagination and Creation' wird von ENVY als ,ein Schritt vorwärts in die Zukunft, der die Vergangenheit als Nahrung nutzt" beschrieben. Blastbeat-Drums und kreischende Gitarren treiben eine trotzige und ansteckend hoffnungsvolle Gesangsmelodie ins Ungewisse, während eine Band mit einer so geschichtsträchtigen Vergangenheit lernt, das Jetzt zu schätzen, um sich für das zu wappnen, was als nächstes passiert. "Eunoia", ENVYs achtes Album, ist wahrhaftig ein Meilenstein; die perfekte Balance zwischen Aggression und Begeisterung, in der das wiederbelebte Lineup der Band ein latentes Gefühl der Machtlosigkeit angesichts einer zerbrochenen und zunehmend gespaltenen Welt erforscht.

Die Band, die ihre ursprünglichen Wurzeln im Thrash-Metal und Screamo immer noch stolz auf ihren Ärmeln trägt, hat ihren Sound stetig weiterentwickelt und euphorische Elemente aus Post-Rock und Shoegaze mit spektakulärem Effekt eingebaut. "Eunoia", ein Wort, das das gegenseitige Wohlwollen zwischen einem Redner und seinem Publikum beschreibt, nimmt diese Dichotomie von Ruhe und Chaos auf und destilliert sie noch weiter, indem es die Band wirklich in ihrem Element zeigt, sowohl auf der Bühne als auch im Studio. Das Album besteht nur aus Songs, die die Band auf der Bühne spielen kann und will. Es wurde um die Idee herum geschrieben, nach Hoffnung und Inspiration im täglichen Leben zu suchen, während man sich machtlos gegen das Gewicht der Welt fühlt. Die Leadsingle ,Beyond the Raindrops" war einer der ersten Songs, die für das Projekt geschrieben wurden, wurde aber erst in letzter Minute aufgenommen. Der epische Halftime-Groove und die schwebenden, klangvollen Gitarren sind ebenso melancholisch wie großartig, und Tetsus zu Herzen gehender Text wurde im Moment geschrieben, als ehrliche Antwort auf die eindringliche Melodie des Songs. In anderen Stücken wie Whiteout" werden die frenetischen Ursprünge von Envy mit einem pochenden Schlagzeugsolo, das eine stakkatoartige Post-Hardcore-Gitarrenarbeit einleitet, und einem Gesang, der wild zwischen gutturalem Gebrüll und einem Ansturm von gesprochenen Worten schwankt, kanalisiert. Der Eröffnungstrack 'Imagination and Creation' wird von ENVY als ,ein Schritt vorwärts in die Zukunft, der die Vergangenheit als Nahrung nutzt" beschrieben. Blastbeat-Drums und kreischende Gitarren treiben eine trotzige und ansteckend hoffnungsvolle Gesangsmelodie ins Ungewisse, während eine Band mit einer so geschichtsträchtigen Vergangenheit lernt, das Jetzt zu schätzen, um sich für das zu wappnen, was als nächstes passiert. "Eunoia", ENVYs achtes Album, ist wahrhaftig ein Meilenstein; die perfekte Balance zwischen Aggression und Begeisterung, in der das wiederbelebte Lineup der Band ein latentes Gefühl der Machtlosigkeit angesichts einer zerbrochenen und zunehmend gespaltenen Welt erforscht.

Lo-Fi-Indie-Garagen-Punkrock aus Wien! Nach dem 2023 erschienenen, großartigen Debütalbum "Goods for Conversation" (Bachelor Records) hier nun die erste 7"-Single des Wiener Trios. 60s Garage gewürzt mit einer Prise Surffeeling. On Top gibts noch den absolut charismatischen Gesang des umtriebigen Felix Schnabl aka Salamirecorder. Minimalistisch, schnörkellos, auf den Punkt. Nichts Aufgewärmtes. Alles frisch zubereitet. Ein top Doublesider der Lust auf mehr macht! Wenn man SALAMIRECORDER beschreiben müsste, wäre es wahrscheinlich wie ein schräger, leicht genervter Außenseiter, aber mit einem schmelzenden Herzen für Liebeslieder. Ein perfekter Mix aus 60s Back from the Grave Garage Punk und einer kleinen Prise frühen Trash Freakbeat Powerpop. oder so. Schräger, lauter, rocknrolliger Lärm halt.

Einmal im Jahr muss uns GOAT den Weg weisen - das selbstbetitelte neue Album im Oktober 2024! Der Ouroborus - also das Symbol der Schlange oder des Drachens, der seinen eigenen Schwanz frisst - erscheint den einen als Ausdruck der Brutalität der Natur. Für andere, die gnostisch veranlagt sind, symbolisiert er die Dualität des Göttlichen und des Irdischen im Menschen. Am häufigsten wird er jedoch einfach als Symbol für die endlosen Zyklen von Tod und Wiedergeburt verstanden, die das Leben auf diesem Planeten kennzeichnen. In der Welt von Goat, dem geheimnisvollen und immer wieder neu belebenden Kollektiv, das mit seinem neuesten Album ein weiteres Abenteuer jenseits dieser Ebene der Realität erlebt, ist dieses Bild von großer Bedeutung: Die Band, die bereits Alben mit den Titeln Requiem und Oh Death veröffentlicht hat, beweist mit ihrem gleichnamigen Album erneut, dass Transzendenz und Metamorphose ihre Leitmotive sind. Mit Goat beschwört die stets unberechenbare Band rhythmisch getriebene Rituale in einem unverwechselbaren, erhebenden und schillernden Stil herauf, der die Tanzfläche ebenso wie den Geist zu beflügeln vermag. "One More Death" und "Goatbrain` sind spektakuläre Vorboten, die einen hedonistischen Geist verkörpern, der von prägnantem Funk angetrieben wird und von einer gnadenlosen Fuzz/Wah-getränkten Gitarre besessen ist. An anderer Stelle ist die Liebe der Band zum Hip-Hop der Treibstoff für den epischen Albumabschluss ,Ourobourus", der ansteckenden Gesang mit atemloser Breakbeat-Action im Stil von Lalo Schifrin verbindet. Und das bedeutet auch, dass wir am Ende, wie das älteste allegorische Symbol der Alchemie, wieder dort sind, wo wir angefangen haben. Wie Brad Dourifs Figur Hazel Moates in dem Film Wiseblood von 1979 sagt: ,Wo du herkamst, ist nicht mehr da. wo du dachtest, dass du hingehst, war niemals. Und wo du bist, ist es nicht gut, es sei denn, du kannst davon wegkommen". In Goats ewigem Jetzt der Erneuerung und Offenbarung gab es nie ein wirksameres Mittel zur Flucht. Limitiertes, schwarzes Vinyl!

What we hear on SICK! is the most realized version of Earl to date: a man with the same wandering spirit as before, but with a newfound command of his celebrity. This Earl is far more serene and grounded in who he really is. You feel his curiosity when speaking with him; his thoughts tend to land broadly and touch on everything from African literature to spiritual jazz and ’90s hip-hop before centering on himself. When asked to unpack his own narrative, he tends to speak in terms of we and not I, leaning on the group aesthetic to explain his own rise. The emphasis isn’t surprising, given Earl’s recent love of fellowship, but for an artist who made his name as a loner, his optimism is refreshing to hear. For an album born out of seclusion, SICK! is a moving ode to evolution. As always, Earl is a testament to the healing powers of honesty and self-awareness.

By 1973, Herbie Hancock already had both feet planted firmly in the future — some 50 years based on the vast, electronic funk he crafted during this period. How could he have known that this music would soundtrack block parties in the ‘80s and give ground to a burgeoning hip-hop culture? How could a man so steeped in the history of jazz be so untethered to form and genre that he created a sound all his own? Did he envision a world much like we’re living in now, where smartphones dictate our lives and musical compositions co-mingle without adherence to artificial marketing terms? Herbie likely wasn’t that prescient, but I wouldn’t doubt his genius. Based on the interplanetary trance funk of Sextant, his 11th studio album, such foresight wouldn’t be surprising. Then and always, Herbie was the master of the road less traveled. He was the light guiding his peers where they needed to go.

"On August 26, 1965, we find John Coltrane and his quartet recording at RCA Victor Studios on 24th Street in Manhattan. In the tunes tracked for Sun Ship, we hear Coltrane revisiting ground he had covered in the past with heightened sensitivity and a deepened interest in timbre. Sun Ship is a portrait of Coltrane’s most important band during his most important year, and while it’s sometimes overlooked in Coltrane’s discography — probably because it was released posthumously — it’s a crucial document for understanding what this band had accomplished, and it also offers a glimpse of why Coltrane moved beyond it. He needed to be in places where he was less sure of himself."

“The Coup’s second album, 1994’s Genocide & Juice, was an emboldened level-up from their first full length. While early Coup material had moments that blossomed on later efforts, Genocide & Juice was where those ideas deepened, becoming more pronounced as their catalog grew. Production wise, it’s replete with colorful samples, thorough skits and big bass, a perfect intersection of ’90s sample-based ingenuity and West Coast funk.

Genocide & Juice is mainly two things: neighborhood tales and unapologetic worldviews bound with fisted activism — made by the group’s core members at the time — Riley, Pam the Funkstress and E-Roc. But there are voices and sound effects woven throughout that give it more texture. Killer production that was able to sound both clearly professional while retaining its edge. At a concise 14 tracks, this album is one of the best sophomore efforts by any group, in any genre.”

Let’s start with the scream. We tend to define our singers by how “great” their voice is, how deftly they can ascend and descend major and minor scales, and how they can turn up and turn down the emotion inherent in their voices. But when considering Wilson Pickett, it begins and ends with his scream. He could take you on a journey, he could butter you up, he could make you feel things in your vital organs, but you don’t get a nickname like “Wicked Pickett” because you’re a crooner.

Pickett’s “Hey Jude” forms the spiritual centerpiece and title track of hisfinal trip up to the mountain-top, his last true masterpiece LP. He’d take forays to Philadelphia for the new sound of soul, and even go vaguely disco in the late ’70s. But for his final album of the ’60s, a decade where he dominated the soul charts, he’d unwittingly help start southern rock, and scream his way across one of the most recognizable tunes in the history of song. Not bad for 31 minutes and eight seconds worth of music.

Bevor sie eine richtige Band wurden, begannen Greenleaf als loses Kollektiv von Freunden, die von den 70er Jahren inspirierten Hard Rock und Proto-Metal spielten. Unter der Leitung des Gitarristen Tommi Holappa, Mitbegründer der europäischen Desert-Rock-Band Dozer, spielten in den verschiedenen Konfigurationen von Greenleaf Mitglieder von Lowrider, Truckfighters, Demon Cleaner, Dozer und anderen mit. Und trotz der wechselnden Besetzung schafften sie es, über 14 Jahre hinweg mehrere Alben mit hochkarätigem Riff-Rock in ihrer ursprünglichen, unstrukturierten Form zu veröffentlichen.

Bevor sie eine richtige Band wurden, begannen Greenleaf als loses Kollektiv von Freunden, die von den 70er Jahren inspirierten Hard Rock und Proto-Metal spielten. Unter der Leitung des Gitarristen Tommi Holappa, Mitbegründer der europäischen Desert-Rock-Band Dozer, spielten in den verschiedenen Konfigurationen von Greenleaf Mitglieder von Lowrider, Truckfighters, Demon Cleaner, Dozer und anderen mit. Und trotz der wechselnden Besetzung schafften sie es, über 14 Jahre hinweg mehrere Alben mit hochkarätigem Riff-Rock in ihrer ursprünglichen, unstrukturierten Form zu veröffentlichen.

Bevor sie eine richtige Band wurden, begannen Greenleaf als loses Kollektiv von Freunden, die von den 70er Jahren inspirierten Hard Rock und Proto-Metal spielten. Unter der Leitung des Gitarristen Tommi Holappa, Mitbegründer der europäischen Desert-Rock-Band Dozer, spielten in den verschiedenen Konfigurationen von Greenleaf Mitglieder von Lowrider, Truckfighters, Demon Cleaner, Dozer und anderen mit. Und trotz der wechselnden Besetzung schafften sie es, über 14 Jahre hinweg mehrere Alben mit hochkarätigem Riff-Rock in ihrer ursprünglichen, unstrukturierten Form zu veröffentlichen.

Das Wort "legendär" wird ja heutzutage inflationär verwendet. Aber im Fall von Antisect past es. Als Band/Kollektiv stehen sie, was die Wirkung angeht, die sie im Laufe der Jahre hatten, ganz oben auf der Liste anderer großer Namen aus der wütenden Ära des echten "Anti-Establishment"-Punkrocks der frühen 80er wie Discharge, Flux Of Pink Indians, Subhumans, Rudimentary Peni und sogar Crass. Ihr Debütalbum wurde vor vierzig Jahren im paranoiden Jahr 1984 veröffentlicht. Es ist ohne Zweifel eine klassische Kombination aus autonomer Philosophie und Hardcore-Thrash mit Einflüssen von Einflüssen von Discharge, Motörhead, Black Sabbath, Venom usw. Zum 40-jährigem Jubiläum dieses Crust Punk-Klassikers erscheint erstmalig eine offizielle und vollständig autorisierte Ausgabe seit der ursprünglichen Veröffentlichung. 100% analoges Vinyl, von Noel Summerville direkt von den Original-Masterbändern abgenommen. Ursprüngliche Artwork-Dateien wurden verwendet, um die Original-LP-Posterhülle zu reproduzieren, die mit einem zusätzlichen 8-seitigen Booklet geliefert wird. Auf schwarzem Vinyl und auf Rise Above!

Die griechische Progressive/Alternative Metal-Band Mother Of Millions meldet sich mit ihrem neuen Longplayer 'Magna Mater' zurück! Es ist das vierte Album der Band und hat einen deutlich härteren Ansatz als seine Vorgänger. 'Magna Mater' ist ein Album über Verlust, aber letztlich geht es um das Leben. Eine Empfehlung geht raus an alle Fans von Bands wie Riverside, Leprous, Crosses, Vola, Tesseract oder Monuments.

Die griechische Progressive/Alternative Metal-Band Mother Of Millions meldet sich mit ihrem neuen Longplayer 'Magna Mater' zurück! Es ist das vierte Album der Band und hat einen deutlich härteren Ansatz als seine Vorgänger. 'Magna Mater' ist ein Album über Verlust, aber letztlich geht es um das Leben. Eine Empfehlung geht raus an alle Fans von Bands wie Riverside, Leprous, Crosses, Vola, Tesseract oder Monuments.

Zur Feier seines 10-jährigen Jubiläums veröffentlicht der in Island lebende australische Komponist Ben Frost auf Mute eine limitierte rote Vinyl-Edition seines Studioalbums 'A U R O R A'.

Die limitierte Vinyl-Edition enthält ein alternatives Artwork und einen exklusiven Download seines mitreißenden Live-Auftritts von 2014 im Berliner Berghain.

'A U R O R A', das in den vergangenen Jahren nichts von seiner eindringlichen Kraft eingebüßt hat, wurde von allen Seiten gelobt und stand auf den Listen der Alben des Jahres von NPR, Rolling Stone, Clash, Crack, FACT, Stereogum und anderen.

Das von Frost zusammen mit Greg Fox (ex-Liturgy), Shahzad Ismaily und Thor Harris (ex-Swans) eingespielte und größtenteils im Osten der DR Kongo geschriebene Album verzichtet gänzlich auf Gitarre, Klavier, Streichinstrumente und natürliche hölzerne Intimität und bietet eine trotzige synthetische Welt aus wild geformten Klängen und galaktischen Interferenzen, stampfenden Fellen und reinem Metall.

Frost ist bekannt für seine bahnbrechenden Beiträge zu Komposition, Produktion, Klangkunst und Regie in den letzten 15 Jahren. Dazu gehören Soundtracks für Film- und Fernsehserien wie Fortitude, Raised by Wolves und die Netflix-Serien Dark und 1899 sowie Opernkreationen wie The Wasp Factory und The Murder of Halit Yozgat (die am Royal Opera House in London und an der Staatsoper Hannover aufgeführt wurden). Im Jahr 2024 veröffentlichte er sein erstes Studioalbum seit sechs Jahren mit dem Titel 'Scope Neglect', ein experimentelles, genreveränderndes Album, das aus Frosts Bewunderung für den Metal geschmiedet wurde, wobei er sich bewusst von dessen konventionellen Attributen entfernte.

Das neue Album des kroatisch-slowenischen Soul-Pop-Duos freekind., bestehend aus den beiden Jazzerinnen Sara Ester Gredelj (piano, voc) & Nina Korosak-Sercic (drums), kanalisiert die Essenz des goldenen Hip-Hop-Zeitalters, aber auf eine frische und innovative Weise, indem es Elemente aus Pop, Neo-Soul und Jazz einbezieht. freekind. Songs tragen eine starke Botschaft der Liebe und Hoffnung, ergänzt durch R&B- und Jazz-Grooves. Die Musikszene lernte das Duo 2020 mit einer ersten EP kennen, es folgten Auftritte auf europäischen Festivals wie Reeperbahnfestival, Eurosonic, Ljubljana Jazz Festival, Europavox oder Waves Vienna. 2023 erschien ihre Debüt-LP "Since Always And Forever" via Légère Recordings, aus der viele Songs auf Sendern wie FM4, RBB radioeins und Flux FM Berlin liefen.

This vibrant and soulful album is a tribute to the German composer Kurt Weill who was born in 1900. The accomplished and award-winning singer, lyricist, arranger and composer Lina Nyberg has assembled a Scandinavian all-star band that interprets her music and arrangements with grace and commitment. Together they create unique versions of Weill's works as well as the new ones. With inspiration from Lenya and Fitzgerald as well as Toneff and Faithfull, Lina takes these hundred-year-old immortal songs on a new journey.