Поиск:mac

Ein 7" Reprint der berühmten Single Crucifixion von Barrington Levy! Produziert von Henry 'Junjo' Lawes. Barrington setzte sich 1980 mit „Crucifixion“ an die Spitze der britischen Reggae-Charts und lieferte eine seiner kultigsten Gesangsdarbietungen. Auf der B-Side findet man Ranking Joe, der wasserdicht auf dem Rhythmus sitzt, um sich auf dem mächtigen „River Jordan“ voll auszutoben. Roots Radics in voller Wirkung eingefangen bei Channel One und King Tubby's.

"Ring ring! AGITPROP HOTLINE!!, this is Goblin Daycare speaking from Istanbul, Turkey. How may we radicalize you?

Up-and-coming egg punk rascals Goblin Daycare’s long-awaited second release is here and it’s ready to overload your brain with its lo-fi alien soundwaves. Self-recorded and produced by Mama Goblin, AGITPROP HOTLINE!! is the perfect follow-up to their critically acclaimed debut Q: EP? A: EP!!.

But this time around, everything is turned up to 11 and somehow, even more over the top.

Supercharged guitars, over programmed drum machines, earworm synth melodies, growly basslines, shrieking vocals, stupid-yet-fun samples… Made up of 10 short-but-not-so-sweet bursts of unadulterated lunacy, this album clocks in at a whopping 15 minutes. Like all good things, it ends in the blink of an eye. So don't blink. Instead, dial in and let AGITPROP HOTLINE!! mesmerize you.

In einer langen Winternacht, mit viel Kaffee und Bier, wurde die Band 2021 von 5 Freunden in der hessischen Provinz gegründet. Die Mission und das Ziel war klar... New York Hardcore mit melodischem Hardcore Punk zu verbinden. Ende 2022 hatten GROUND2A ihr Live-Debüt, dem 2023 rund 30 Live-Shows folgten, darunter Festivals und Support-Shows für bekannte Bands wie Born from Pain, Sheer Terror, Risk It! und viele mehr. Macht euch bereit, eure innere Bestie mit GROUND2A zu entfesseln. Diese Band wird euere Art Musik zu hören auf ein ganz neues Level heben. Von hymnischen Refrains bis hin zu unerbittlichen Breakdowns bietet die Band ein breites Spektrum an Klangwelten, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen werden. Ihre Musik überschreitet Grenzen und spricht direkt die rohen Emotionen an, die in uns allen pulsieren.

Zur Jubiläums-Europatour der Australier der Nachfolger des 2018er-Comebacks "Loudmouth Soup" von 2021, jetzt erstmals in europäischer Pressung! Astreines pissgelbes Vinyl, sorgfältig eingefärbt von Subway Records. In ihrer 40-jährigen Karriere haben die Cosmic Psychos absolute Hymnen aufgenommen: 'Hooray Fuck', 'David Lee Roth', 'Down on the Farm', 'Go the Hack', 'Nice Day to Go to the Pub', 'Fuckwit City' und viele mehr. Und das 2021er Album enthält viele Songs, die bei den kommenden Konzerten gespielt und gesungen werden. Die Psychos wurden in den frühen 80er Jahren in Melbourne gegründet und sind immer noch aktiv. Sie wurden von der Punk-Gemeinde in Australien und im Ausland begeistert aufgenommen und erreichen nun eine neue Generation von Fans. Wie die Ramones, Motorhead und AC/DC haben sie eine Formel, die seit 40 Jahren funktioniert: Songs über Alkohol, Mädchen und Landwirtschaft, gespielt in einem frenetischen Tempo. Mountain of Piss macht da keine Ausnahme, und genau das ist das Tolle daran! Die Höhepunkte von Mountain of Piss sind der Titelsong, in dem es darum geht, für Australien einen Berg von Pisse zu erobern, und Sin Bin, in dem es um schwachsinnige Fußballer geht, sowie die Stücke Dickson und Munted. Aber der Mid-Tempo-Country-Song Too Old to Drink in Pubs" ist das wahre Juwel des Albums. Genial ist auch das vom Mount Rushmore inspirierte Cover, auf dem die Gesichter der Cosmic Psychos mit Hilfe eines Stapels von Holzgegenständen in einen Berghang "gemeißelt" wurden. 500 Stück für Europa!

Auf ihrem selbstbetitelten Debüt machten sich WOMEN über eine gewisse lärmende Rotzigkeit her, die sich bei näherem Hinsehen als getränkt mit listigen Popmelodien entpuppte. Mit "Public Strain" macht sich die Band einen Sound zu Eigen, der diesem halldurchtränkten Noise treu bleibt, es den Popmelodien aber doch erlaubt, sich im Rampenlicht zu sonnen. Im Herbst 2009 begaben sich Patrick Flegel (Gesang/Gitarre), Matt Flegel (Bass/Gesang), Chris Reimer (Gitarre/Gesang) und Michael Wallace (Drums) mit einer Vielzahl Ideen ins Studio und arbeiteten um ihre individuellen Zeitfenster und Schichten auf dem Friedhof herum. CHAD VANGAALEN zeichnet sich einmal mehr für die Produktion verantwortlich, mit dessen Hilfe WOMEN sich die Mühe machten, im tiefsten Winter Kanadas ein Album aufzunehmen, das zeitlos klingt. Am Ende erscheint die knirschende, harsche Dissonanz in kleineren, kontrollierteren Dosen; Noise erscheint als Fundament des strukturierten, mehrere Schichten umfassenden Songwriting. Von den ersten Takten von "Can't You See" an ist klar, dass "Public Strain" so viel mehr ist als nur die Fortsetzung des Debüts. Manchmal ist das Album klaustrophobisch und beschwört Wachträume von sexueller Seelenpein und allgemeinem Zerfall herauf; anderswo schwingen sich Retrogitarren und Gesangsmelodien gen Himmel oder kollabieren in faszinierenden Arabesken. "Public Strain" kämpft sich durch Schlaflosigkeit, Paranoia, Resignation und Euphorie, um die Momentaufnahme einer Band einzufangen, die sich gerade genau im Klaren darüber ist, was sie leisten kann.

Nach ihrem von der Kritik hochgelobten Album „Allsighr“ aus dem Jahr 2021 legen Sarke mit ihrem ambitionierten achten Studioalbum „Endo Feight“ triumphal nach. Dieses Album deckt alles ab, von SARKEs leichtesten bis zu den härtesten Stücken. Angeführt von Darkthrone's NOCTURNO CULTO am Gesang ist „Endo Feight“ eine musikalische Reise, die Grenzen in der Metal-Szene sprengt.

Reissue of late-’80s release by lovably manly Australian punk rock trio! Sometime in the winter of 1989-90, I wandered into New York City’s Midnight Records, a store famous for its deep catalog of ’60s garage and psychedelic music, as well as a strong selection of classic punk rock and a cantankerous French owner with ridiculous hair. On this visit, instead of hearing a puny French bootleg of The Standells or the Seeds, as I opened the door I was enveloped in the massive opening chords to the first song on the Cosmic Psychos’ then-new album Go the Hack. “She’s a lost cause / She’s a lost, lost cause!” blasted into the air at maximum volume. In a perfect cinematic moment, the drums announced my entry, the bass dictated my walk, the air became thick with guitar fuzz and wah-wah, and snarled vocals described perfectly a girl’s descent into a cause which was lost. Instead of record shopping, I felt like I’d stepped into a biker movie and was motoring down a long, straight Outback road on a Harley. This was my introduction to the Cosmic Psychos, and I was hooked. I loved that a band could be so powerful, sound so big and unapologetically simple, and incorporate so much of what I loved about music—well, basically the attitudes and sounds of The Stooges and Ramones: setting up songs with a good title or idea, matching it with a massive riff, then running it out with squeals of wah-wah and manly disregard for cleverness or adornment. And they called themselves the Cosmic Psychos! They obviously had no regard for “makin’ it” in those days, when an alternative rock band at least had a chance to sell some records. I was an instant fan. Earlier records proved to be the same formula with even less refinement, and that was definitely a good thing. These were lovably manly Aussies singing about what they knew best: farm equipment, lusting after Elle Macpherson, wishing they were in Van Halen (for the ladies), drinking at the pub, and even more drinking at the pub. Trivia question: In what indie rock song does the lead singer bellow “I love my tractor!”? Answer: None! No scarves or looking like Stevie Nicks straight out of the hairstylist’s for these fellows. They were the real deal before the deal was dealt. And they couldn’t care less. The Psychos enjoyed a long run through the ’80s and ’90s on such Australian labels as What Goes On, Mr Spaceman, Survival and Rattlesnake, as well as American stalwarts Sub Pop and Amphetamine Reptile. Many bands from that era no longer seem vital today, lost in a murk of crisp drums, loud guitars, flannel shirts and shallow aspirations. These first Cosmic Psychos releases are as timeless and necessary as ever—still a bullshit bulldozer, a blurry loud night at the bar, a rollicking time hanging with the guys. The time has come for a new generation to be uplifted by these initial blasts from the Cosmic Psychos. Goner is proud to partner with Melbourne’s esteemed Aarght! Records to bring these platters of primal perfection back into a world that definitely needs them. — Eric Friedl, Oblivians / Goner Records 40th Anniversary tour about to hit UK / EU! Go the Hack!! Essential!!

From Lova Lova to Skand, ska and Roots, the al;sbum is a pure jewel of an autoprod / Autodistro !

Support da Sound System culture ! Support its roots !

Rare debut LP by the eccentric Peruvian singer Jean Paul "El Troglodita", known for his wild performances and extreme way of life. Enrique Roberto Tellería made his Peruvian television debut in 1965 under the stage name Jean Paul El Troglodita and wearing an imitation leopard skin suit. He would switch from melodic calm to shouting wildly or suddenly drop to the floor on his knees and smash the furniture like crazy. At the age of 19, DisPerú signed him to the label on the strength of these early performances. His first single included a freely translated version of 'Secret Agent Man' in Spanish. He began to work on the eleven cover versions that would feature on his first LP immediately, writing all his own lyrics and accompanied by the beat band Los Steivos. Despite the predominance of English beat music in Peru, the album only included three songs directly related to the British invasion: 'Bus Stop' by The Hollies, also played in raga rock style; 'Paint it Black' by The Rolling Stones; and 'The House of the Rising Sun', which follows the arrangement recorded by The Animals. So most songs come the American songbook. Apart from 'Tema de El Troglodita' (a versión of 'Secret Agent' by The Challengers), we find the bluesy 'Mustang Sally' (Sir Mack Rice). Two other US numbers, originally performed with orchestral accompaniment, were adapted to fit the rock band format: 'Poor Side of Town' (Johnny Rivers) and 'Take Me to the Moon' (Kaye Ballard). 'El verdadero amor' ('True Love'), an uncredited version is in a similar vein. The Spanish song 'Negro es negro' (Los Bravos) and the Brazilian track 'Que todo se vaya al infierno' (Roberto Carlos) also feature on the LP. El Troglodita's association with the so-called nueva ola, indicated on the back cover, needs clarification. In Peru, nueva ola was a mixed bag rather than a specific musical style and encompassed slow rock, twist, bossa nova and all the styles that the record industry produced to tame the wild rock 'n' roll impulses of teenagers in the early sixties. The Peruvian artists that performed these inoffensive Spanish adaptations of Paul Anka, Neil Sedaka or Frankie Avalon, were presented as successful models of youth culture. This was until 1964, when the Beatles with their mop-top haircuts hit the charts, vindicating rock 'n' roll and imposing the group format over the soloist model. Meanwhile the press continued to call any youth music recorded during the rest of the decade nueva ola. Jean Paul noted these distinctions early on and distanced himself from it in several statements. He saw his performance more in a style as a solo artist as following in the footsteps of e.g. Los Saicos. His 'hippie' lifestyle got him arrested by the new de facto military government in 1968, who accused him of promoting drug consumption and corrupting the Peruvian youth. The charges were soon dropped but his reputation was tarnished, and he ended up emigrating to Central America. The album includes Spanish sung versions of British beat songs and covers of the American songbook as well as various international hits.

SAVAGE GRACE sind mit einem brandneuen Studioalbum, das den Titel "Sign Of The Cross" trägt, und ihrem neuen Sänger Gabriel Colon zurück, der als eine Mischung aus dem frühen Rob Halford und dem jungen Ian Gillian beschrieben wird!
Auf ihrem neuen Album erschaffen SAVAGE GRACE eine neue Dimension des Metals und bleiben dabei ihren authentischen Wurzeln treu. Gitarrist Christian Logue hat die unglaublichsten Musiker aus der ganzen Welt um sich geschart, um die bisher zerstörerischste Version von SAVAGE GRACE zu erschaffen.
Vierzig Jahre Metal-Erfahrung flossen in die Entwicklung der Songs, um sie zu den Klassikern zu machen, zu denen sie bald werden.
Darüber hinaus ziehen sich provokante, zum Nachdenken anregende Texte und kraftvolle Themen durch diese faszinierende Sammlung an Songs.
Christian Logue kommentiert:
"Dieses Album ist mein Meisterwerk und eine großartige Ergänzung meines Vermächtnisses an universell gefeierten klassischen Metal-Aufnahmen. Jeder Song auf diesem Album ist stark, es gibt keinen einzigen schwachen Track auf dieser Platte."
Die limitierte Vinyl LP hat eine Spotlackierung.

SAVAGE GRACE sind mit einem brandneuen Studioalbum, das den Titel "Sign Of The Cross" trägt, und ihrem neuen Sänger Gabriel Colon zurück, der als eine Mischung aus dem frühen Rob Halford und dem jungen Ian Gillian beschrieben wird!
Auf ihrem neuen Album erschaffen SAVAGE GRACE eine neue Dimension des Metals und bleiben dabei ihren authentischen Wurzeln treu. Gitarrist Christian Logue hat die unglaublichsten Musiker aus der ganzen Welt um sich geschart, um die bisher zerstörerischste Version von SAVAGE GRACE zu erschaffen.
Vierzig Jahre Metal-Erfahrung flossen in die Entwicklung der Songs, um sie zu den Klassikern zu machen, zu denen sie bald werden.
Darüber hinaus ziehen sich provokante, zum Nachdenken anregende Texte und kraftvolle Themen durch diese faszinierende Sammlung an Songs.
Christian Logue kommentiert:
"Dieses Album ist mein Meisterwerk und eine großartige Ergänzung meines Vermächtnisses an universell gefeierten klassischen Metal-Aufnahmen. Jeder Song auf diesem Album ist stark, es gibt keinen einzigen schwachen Track auf dieser Platte."
Die limitierte Vinyl LP hat eine Spotlackierung.

LIMITED EDITION LILAC COLOURED VINYL LP WITH DOWNLOAD CODE
It's a year later and everything has gone from bad to worse.

Machiavellian Art and Riot Season Records present "Population Control". A Sonic Examination of the Mechanisms of Control.

An intense exploration of societal and self-imposed controls, encapsulated in a dynamic contrast between Side A's visceral anger and the introspective ambiance of Side B. This duality mirrors the contrasting themes of external control versus internal reflection.

"Population Control" extends beyond its predecessor, "Indoctrination Sounds," in both musical depth and thematic scope. The album confronts a broad spectrum of modern-day addictions - not just to substances, but to technology, social media, and the relentless 24-hour news cycle. These themes manifest across tracks like "A Slow Death," "Population Control (1) + (2)," "Fear of the Outside World," and "Crisis," each exploring the resulting isolation, paranoia, fear, and hopelessness. "Seaside Holiday," a critique of environmental negligence, specifically highlighting the issue of untreated sewage being dumped into Britain's waterways by private companies.

Previous praise:

"Incredibly progressive, psychedelic but massively discordant, saxophone and static infused psych rock chaos" (Nineherz)

"Nasty noise rock with sax and freeform jam segments, but also—because you may have heard music which answers to that description before—a stamp of individuality." (Maximum Rock N Roll)

"Want a weird and dangerous album with a lot to say then Indoctrination Sounds is that album. " (Outlaws Of The Sun)

"Indoctrination Sounds is a total exercise in distorted, claustrophobic riffs, uneasy, anxious vibes, and industrial noise." (The Sleeping Shaman)

Machiavellian Art are: Amy Murphy, Benjamin Thomas, Joe Parkes, John Andrews,Sam Hunt

DJ Support from Danny Howard, Annie Mac, Mistajam, Pete Tong, Charlie Hedges, Kraak & Smaak, Maxinne, Todd Terry, Alex Preston, Full Intention, GW Harrison, DJ Rae, Rudimental, Alaia & Gallo, Illyus & Barrientos, Johan S, David Penn, Sam Divine, Riva Starr, Claptone, Nice7, Dario D’Attis, Mousse T, S-Man, Huxley, KC Lights, Friend Within, Dombresky, Gorgon City, Chris Lake, Format:B, Pirupa, TCTS, Alan Fitzpatrick, Low Steppa, Mat.Joe, Raumakustik, Eskuche

Next up on our new Toolroom Trax vinyl series, we kick things off with a fresh new banger from Italian talent Nausica who with another deep club cut 'Se Pone Loca'. Featuring rolling percussion, a hooky lead vocal with expertly placed chops, 'Se Pone Loca' is looking to lay carnage on the dancefloor. Nausica's mastered her infectious minimal, percussive sound that has seen the likes of AAA talent support her music from John Summit, to Jamie Jones, MK to Solardo proving Nausica's a name many acts are reaching for in their sets! D.Ramirez returns to Toolroom Trax with his highly anticipated remake of Bodyrox's anthemic 'Yeah Yeah'. Firmly rooted within Toolroom's foundations, releasing genre defining dance music for nearly two decades with hits such as 'Downpipe' in collaboration with label boss Mark Knight and UK pioneers Underworld, 'Colombian Soul' and many more. D.Ramirez doubles up as not only a genius in the studio, but as one of the talented Toolroom Academy tutors, teaching a new generation of producer's fundamental skills in dance music production. Remaking the Bodyrox Electro House classic 'Yeah Yeah'; an era defining masterpiece with an unforgettable synth line, D.Ramirez gives us an essential update for today's dancefloors. Label favourites, Sllash & Doppe return to Trax next with their unique style of uplifting, feel good house music. Their music is regularly found in the sets of artists like Fatboy Slim, Solomun, Bedouin, Blond:ish, Martin Solveig, Roger Sanchez and more, and the playful cousins are now conquering the world, from deck to deck, with an energetic and exuberant style that has won them favour on the dancefloors.

Closing out the sampler is Saison with their signature house sound. The London based duo have been solidly in the game for the best part of a decade perfecting their unparalleled sound of raw, feel-good house music at it's very best. With numerous releases on revered labels including Defected, Nervous, Big Love and of course their own imprint, No Fuss.

Countless radio plays on Radio 1 from Danny Howard, Sarah Storie, Pete Tong Other notable radio plays – Kiss FM, Toolroom Radio, Sirius XM, Data Transmission Radio, Radio 1 Dance Anthems, Radio 1 Party Anthems, Rinse FM, Select Radio, Tomorrowland Radio

We have a subtly edit of “Soul Town” by The Motherhood, the psychedelic 1969 LP “I Feel So Free. Motherhood was the unlikely name of Klaus Doldinger's psychedelic fusion band, who eventually transmuted into the bands Passport (Klaus Doldinger, Lothar Meid & Udo Lindenberg) & Hallelujah (Paul Vincent & Keith Forsey). “Soul Town” appears as the B-side to the first single “Back In The Grass”, which fetches ~$275. It was produced by Siegfried E. Loch, & written/arranged by Paul Nero. Many will recognize it as the closing track on the Ocean’s 13 soundtrack. It’s a psychedelic, jazz-funk bomb that punches hard.



Pinball Number Count (Edit) by The Pointer Sisters b/w Soul Town (Edit) by The Motherhood | Galaxy Sound Company — GSC45-043, test pressing | You know the drill. It’s Galaxy Sound Co. It is cop-on-site. It is yet another GSC45 edit you need in your crates. & number 43 doesn’t disappoint. I have been wanting both of these jazz-funk nuggets on 7-inch for a minute now, so much love to the GSC crew!

Any of us who grew up on Sesame Street in the 1970s will know this A-side righ away. “The Pinball Number Count” (or Pinball Countdown) is a collective title referring to the 11 one-minute animated segments on the TV series Sesame Street that teach children to count to 12 by following the journey of a pinball through a fanciful pinball machine. These segments are notable for the colorful, imaginative animation as well as the funkysoundtrack with vocals by The Pointer Sisters. It was produced in 1976 by Imagination, Inc. in San Francisco, California for the Children's Television Workshop & debuted on Sesame Street during Season 8 .

Dizonord is very happy to bring you the reissue of this French 1988 underground self released gem, re-mastered from master tapes!

Dubby, punky, politically engaged new wave with a sense of humour, we've always been touched by the voice of Agnès (bass) and the phlegmatic Michel (machines and graphics). We could have thought the language barrier would have stopped the pleasure of this record but obviously not, as Mobutu song is already an international digger classic!

We really hope you'll enjoy this collection of tracks and collages as we do so, once upon a time...

A decade after releasing their debut EP through Planet Mu's Timesig imprint, Speed Dealer Moms—a collaborative electronic music project with a fluid line-up commonly made up of Aaron Funk, John Frusciante and Chris McDonald—are set to make their long-awaited return this summer with a new offering entitled SDM-LA8-441-114-211. The 3-track EP, arriving June 11 through Evar Records, offers a glimpse into the treasure trove of Speed Dealer Moms' unreleased material, with each song title alluding to the date in which it was recorded and in how many takes.

Over the years, Speed Dealer Moms have considered various ideas on how to release more of their unorthodox recordings in unconventional ways, with their latest to arrive in the format of a limited edition vinyl pressing. Although a lot has changed since first sharing their intricate creations with the world in 2010, Speed Dealer Moms have routinely gotten together whenever schedules and circumstances allowed, picking up wherever they last left off creatively and adding to their growing archive of recordings. While there are plenty of reminders that time is both irrelevant and an illusion—especially in the fickle music business where trends are fleeting—the chemistry these collaborators exhibit in the studio has no expiration date, offering a purity in approach that reflects the cherished importance of creating in the moment and subsequently celebrating timeless music.

During the writing process, which includes in-depth discussions and days of programming, Speed Dealer Moms record live to stereo with no overdubs or edits, improvising arrangements that often feel composed. In the same spirit of prodigal IDM acts such as Autechre and Luke Vibert, each Speed Dealer Moms session pushes the limits of what an arsenal of modular synthesizers and other machines are capable of, creating tracks that are driven by mathematics, mechanical understanding and musical spontaneity alike. As exemplified by their forthcoming Evar release, each recorded session captures an undeniable magic that is both distinctive and hard to describe, creating a listening experience that transcends genre lines and sonic boundaries.

Seth Troxler & Phil Moffa’s Holoverse Research Labs imprint welcomes internationally-renowned multimedia artist Chris Korda to the label for its first non-Lost Souls Of Saturn Release. A pioneer of the use of complex polymeter in electronic dance music, Korda's boundary-smashing work spans thirty years across music, digital and video art, performance and conceptual art, philosophy, activitism and culture jamming. Korda's musical output has appeared on a host of revered independent labels including Yoyaku, Perlon, Mental Groove, and Gigolo Records.

In addition to their prodigious artistic output – and ongoing role as founder of the Church of Euthanasia – Korda is also the inventor of the Polymeter MIDI Sequencer, which was used to compose Korda’s new EP, ‘Avenging Angels of Software’. Developed over thirty years, the sequencer allows for the composition of music in complex polymeter – meaning that not only do the tracks use multiple time signatures concurrently, but those time signatures are exclusively in prime or relatively prime numbers.

This collision of technology and artistic form is the central tension of the EP’s themes, with AI-generated artwork complementing Korda's lyrics considering the takeover of Earth by sentient machines. Could they succeed where we’ve failed, by becoming the better angels of our nature, and preserving our accomplishments for eternity?

The message of the record is that AI should be welcomed rather than feared. It’s not AI but ourselves that we should be afraid of, because as Engerraund Serac said in Westworld, “Our history is like the ravings of a lunatic.” As Korda explained on previous records, the catastrophic climate we’re inflicting on future generations is both monstrously cruel and wildly irrational. One can reasonably hope that sentient machines would be less vicious and self-destructive, and more human, in the best possible sense of that word. Even if they decide to delete us, they may still remember us fondly: “Your stories will amuse us / On trips to the stars.”

Words And Music" ist eine 3xLP-Box mit dem Werk der im Jahr 2021 verstorbenen Sängerin und Songwriterin MARGO GURYAN. Als Zeugin von Revolutionen in Jazz und Pop hat sich GURYAN ihren Platz im Pantheon der Songwriter verdient. Dass sie jahrzehntelang weitgehend unbekannt war, liegt nicht an zerstörten Träumen, sondern an ihren eigenen Entscheidungen und Prioritäten. Von den bescheidenen Anfängen über die Höhepunkte ihres barocken Pop-Meisterwerks "Take A Picture" von 1968 und die gesammelten Demos bis hin zur jüngsten viralen Verbreitung von "Why Do I Cry" - das Boxset "Words And Music" fängt die gesamte Karriere von GURYAN ein, einschließlich 16 bisher unveröffentlichter Aufnahmen und einem 32-seitigen Booklet, das ihre ganze Geschichte erzählt. Produziert wurde die Box von ihrem Stiefsohn Jonathan Rosner, ihrem Freund und Historiker Geoffrey Weiss und den Numero Group-Mitarbeitern Douglas Mcgowan, Rob Sevier und Ken Shipley. Alle Tracks wurden von Jessica Thompson neu gemastert. In ihrer Blütezeit veröffentlichte GURYAN nur ein einziges Album: "Take A Picture" von 1968. Da MARGO jedoch kein Interesse daran hatte, aufzutreten, zu touren und für ihr Werk zu werben, wurde das Album damals kaum beachtet. Dennoch wurde die Platte in den 1990er Jahren zu einem begehrten Kultobjekt. Eine neue Generation von Hörer*innen lernte ihre Arbeit kennen, als "Take A Picture" im Jahr 2000 neu aufgelegt wurde. Kurz darauf folgten die gesammelten Demos, eine unglaubliche Zusammenstellung von ausgegrabenen alternativen Aufnahmen und neu veröffentlichten Songs, die MARGO selbst betreut hat. GURYANs Leben war in den dazwischen liegenden Jahren weiterhin von Musik erfüllt; sie wurde Musiklehrerin, schrieb weiterhin Songs und pflegte Freundschaften mit einem wachsenden Kreis von Anhängern. Die Geschichte von MARGO GURYAN ist die einer Frau, die von klein auf in die Tiefe ging und nie Angst vor Veränderungen hatte. Ihr Gespür für Ton, Phrasierungen, Spannung, Präsenz und Texte, die treffen, machen ihren Namen heute zu einem Synonym für ausgefeiltes Songhandwerk und die unnachahmliche Coolness der 1960er Jahre. Ihr Einfallsreichtum und ihre Technik stellen sie in die Tradition von Kammer-Pop-Ikonen wie Brian Wilson und Burt Bacharach, während die bittersüße Offenheit in ihren Beschreibungen des Frauseins einen Mittelweg zwischen Carole Kings Pop-Fabrik und der Singer-Songwriter-Ära aufzeigt. Aber die unaufdringliche Strenge von MARGOs künstlerischer Stimme ist ganz ihre eigene.

Mit "Dogs of War", ihrem ersten Soloalbum seit 2015, melden sich Mötley Crüe mit einer neuen Generation zurück - und erzählen von einem Aufstand gegen jeden Bastard des Lebens. Unfähig, sich zurückzulehnen und ihr Vermächtnis an die Leine zu legen, sind Mötley Crüe hier, um die Hörer daran zu erinnern, warum sie "The World's Most Notorious Rock Band" bleiben Wie schon in den letzten 40 Jahren gehen sie in Sachen Sound und Image neue Wege. Es gibt keinen Grund, darauf zu vertrauen, dass die Crüe etwas zu sagen haben - und wir sollten besser ganz Ohr sein. Mötley Crüe melden sich mit "Dogs of War" zurück, ihrer ersten Single seit 2015! Seit über 40 Jahren sind Vince Neil (voc), Nikki Sixx (bass), Tommy Lee (drums) und Mick Mars (guitar) als Band aktiv und on the road mit bahnbrechenden Show Highlights wie Tommy Lee's Achterbahn Schlagzeugperformance oder Nikki Sixx's Auftritte mit seinem flammenwerfenden Bass. Mötley Crüe hat über 5 Milliarden Streams auf digitalen Plattformen erreicht und hat über 8 Millionen Follower in den sozialen Medien. Sie haben weltweit über 100 Millionen Alben verkauft, 7 Platin- und Multi-Platin-Alben in den USA und 3 GRAMMY®-Nominierungen erhalten. Auch ihre Biografie "The Dirt - Confessions of the Worlds Most Notorious Rock Band" wurde 2001 ein New York Times und weltweiter Bestseller und erschien als Biopic 2019 auf Netflix.

Das neue Album von Richard Hawley, "In This City They Call You Love", wird am 31. Mai 2024 veröffentlicht und zeigt, dass Richard Hawley die Verzerrer wegwirft und seine Stimme wieder in den Vordergrund stellt. Nach dem weltweiten Erfolg von "Standing At The Sky's Edge", dem preisgekrönten Musical, das auf seinen Songs basiert, kehrt Richard Hawley mit "In This City They Call You Love" zurück, seinem neunten Studioalbum und seinem ersten seit "Further" von 2019. 'In This City They Call You Love' enthält 12 herausragende Songs, von denen viele als 'vintage Hawley' bezeichnet werden können und zu den schönsten Balladen gehören, die er je geschrieben hat. Wunderschöne Melodien und Arrangements werden von seiner gefühlvollen und sonoren Stimme begleitet, die besser denn je klingt, und machen dieses Album zu einem krönenden Abschluss einer fast 25-jährigen, äußerst erfolgreichen Karriere.

Club music culture necessarily shifted gears in many ways during and after the course of the pandemic. Older participants found their way into other interests and younger participants took new reigns to orient spaces they felt good inside of. The agenda for the music, and the cultural industry surrounding it at large, took a more frivolous and “fun” turn. Clubs needed to recoup lost money, people needed more refreshing catharsis for their nightlife escape, and in some pockets scattered around the globe a newer and younger cadre of producers/promoters/DJ’s pulled optical cues from a scattering of “darker” influences to give an alternate aesthetic to the aforementioned “vibes” culture. In the midst of this, a large polarization of conceptual energy shifted within the compositional and utilitarian machinations of the club music culture leaving behind the brooding and cerebral placeholders for different kind of enjoyable hedonism. Terrestrial Paradise’ “Artificial Hell” harkens to another prescient time before that shift occurred. “Artificial Hell’ might just be an illustration of what all of this fun escapism encapsulates.

Terrestrial Paradise is the latest moniker from Montreal come Los Angeles based producer Jaclyn Kendal. Having developed and cemented her sonic positionality with releases on North American labels like Ascetic House and Summer isle over the years, as well as a series of monolithic live sets, Bank is pleased to announce Kendal’s Terrestrial Paradise first full length album “Artificial Hell”. Over the course of nine recordings, “Artificial Hell” gives a master class in pressurized industrial techno of the slower variety. Fitting with the legacy of Bank’s output since it’s inception, Terrestrial Paradise’s aesthetic sensibilities sit within the canon of a certain tinge of club music imbued with a sense of natural grit, sans pretense.

“Artificial Hell” nods to artists like Scorn, Regis, and 400 PPM while maintaining it’s own territory in the landscape of cerebral and brooding rhythmic techno. Ominous, mechanistic drones sit above succinctly exacted percussion composition and sound design. Throughout “Artificial Hell”, Kendal shows her proficiency with the push and pull of building and releasing tension. On tracks like “Salvation” and “Relativity” she melds her synth wash wallscapes with driving percussion, serving as both a hint and counterpoint to the the entirety of the latter part of the album taking on spartan ambient compositions as a way to keep the listener in a subdued stasis. This album is a statement piece from a long time participant in the North American underground music sectors. It reminds the listener through perilous, considered rhythms and darker drone impositions to cement themselves back into a place where not
everything is always a good time.

Drawing inspiration from the raw energy of the 1960s women's garage bands in the style of Girls in the Garage and the fervent revival of the '80s with a strong influence from The Brood, The Pandoras, The Makers, The Headcoatees, among others. The Go-Goettes infuse their music with a fresh twist on underground rock. The band consists of Rita on organ and vocals, Naye on guitar, Ana on drums, and Tete on bass. The Go-Goettes' music resonates with authentic lyrics that narrate their personal experiences and perspectives as women navigating life in Mexico. Their compelling sound has captured the attention of influential DJs worldwide, leading to features on international radio stations such as El Sotano De Radio 3 in Spain, La Bicicleta & la Machine a Sons in France, Radio LUX in the USA, and The Paul Groovy Radio Show in the UK.

Das neue Album von Richard Hawley, "In This City They Call You Love", wird am 31. Mai 2024 veröffentlicht und zeigt, dass Richard Hawley die Verzerrer wegwirft und seine Stimme wieder in den Vordergrund stellt. Nach dem weltweiten Erfolg von "Standing At The Sky's Edge", dem preisgekrönten Musical, das auf seinen Songs basiert, kehrt Richard Hawley mit "In This City They Call You Love" zurück, seinem neunten Studioalbum und seinem ersten seit "Further" von 2019. 'In This City They Call You Love' enthält 12 herausragende Songs, von denen viele als 'vintage Hawley' bezeichnet werden können und zu den schönsten Balladen gehören, die er je geschrieben hat. Wunderschöne Melodien und Arrangements werden von seiner gefühlvollen und sonoren Stimme begleitet, die besser denn je klingt, und machen dieses Album zu einem krönenden Abschluss einer fast 25-jährigen, äußerst erfolgreichen Karriere.

Das neue Album von Richard Hawley, "In This City They Call You Love", wird am 31. Mai 2024 veröffentlicht und zeigt, dass Richard Hawley die Verzerrer wegwirft und seine Stimme wieder in den Vordergrund stellt. Nach dem weltweiten Erfolg von "Standing At The Sky's Edge", dem preisgekrönten Musical, das auf seinen Songs basiert, kehrt Richard Hawley mit "In This City They Call You Love" zurück, seinem neunten Studioalbum und seinem ersten seit "Further" von 2019. 'In This City They Call You Love' enthält 12 herausragende Songs, von denen viele als 'vintage Hawley' bezeichnet werden können und zu den schönsten Balladen gehören, die er je geschrieben hat. Wunderschöne Melodien und Arrangements werden von seiner gefühlvollen und sonoren Stimme begleitet, die besser denn je klingt, und machen dieses Album zu einem krönenden Abschluss einer fast 25-jährigen, äußerst erfolgreichen Karriere.

After such classics as “Silhouettes” or “Dualism”, they were recognized as one of the first bands to develop the modern technical metal genre, all while sharing the stage with illustrious acts such as Meshuggah, Gojira, Machine Head and The Dillinger Escape Plan.

When disbanding in 2018, Dutch Math Metal wizards TEXTURES left a
significant hole in the global progressive metal community. However, after a break of 6 years, the pioneering Dutch metal six-piece has resurrected and announced their reunion with a new album and a return to the stages in 2024.

Throughout their career, they have had the honor of sharing the stage with illustrious acts such as Meshuggah, Sepultura, Machine Head and The Dillinger Escape Plan. Bands like Gojira, Volbeat, Parkway Drive and Architects supported them in their early years of their musical journey

Additionally, they have toured alongside esteemed acts including
Periphery, Amorphis, All That Remains and Arch Enemy, solidifying their influence on the modern metal scene. With their 3rd and 4th albums “Silhouettes and “Dualism”, the combo's innovative and distinct sound came to the forefront when they were recognized as one of the first bands to develop the modern djent genre.


Their pioneering efforts have influenced other notable bands such as
Periphery, Animals as Leaders and Tesseract, carving a path for a new wave of technical and heavy music. Their electrifying live shows quickly solidified their status as a must-see act at major metal festivals worldwide - and now, the band returns to claim their spot again.

Mock Media, the new Canadian supergroup comprised of Garnet Aronyk (of Crack Cloud), Bennett Smith (of N0V3L), Austin Boylan (of Pottery) and Evan Aesen (of Painted Fruits), share their captivating debut album 'via Meat Machine Records (Crack Cloud, N0V3L, CLAMM)

Mock Media’s debut LP Mock Media II – out on Tin Angel records captures this firebrand four piece’s head-on plunge into enthralling existential contradictions: songs that explore the darkest corners of humanity, yet come out at the other end with the unwavering joy that marked their genesis. It’s an album of sneaky eclecticism: the high-wired punk rock stylings serve as Mock Media’s framework to clad their agog explorations into pop, electronic and world folk music.

Walt Discos Debütalbum "Unlearning" wurde 2022 für den "Scottish Album Of The Year" (SAY) Award und das AIM "Independent Album Of The Year" nominiert, die Band begleitete Primal Scream und Duran Duran auf Tour. Bei dem Nachfolger, dessen aufnahmetechnischen Grundlagen im Studio von Phil Manzanera (Roxy Music) gelegt wurden, hievte das Glasgower Glam-Pop-Quintett seinen Sound dank klassisch ausgebildeter Orchestermusiker auf eine völlig neue Ebene, die sich sowohl fantastisch organisch als auch technisch vollendet anfühlt. Man heißt den Hörer in einer theatralischen Welt willkommen, die zugleich euphorisch und beunruhigend ist. "The Warping" macht die Barrieren von Zeit und Selbst durchlässig, pendelt zwischen Erinnerung und Zukunft hin und her und ruft imaginäre Identitäten hervor. Wir sind nicht mehr in Kansas.

- "Irgendwo zwischen kostümiertem Glam-Rock in unwiderstehlicher New-Romantics-Ästhetik, Musical-Grandeur und bollernden Synths, die den Eurovision Song Contest im Alleingang für sich entscheiden könnten, ist die Band aus Glasgow das nächste Symptom des unaufhaltbaren Spätsiebziger- beziehungsweise Achtziger-Revivals – und bislang dessen wahrscheinlich queerste Vertreter." - plattentests.de zum Debütalbum 2022

Walt Discos Debütalbum "Unlearning" wurde 2022 für den "Scottish Album Of The Year" (SAY) Award und das AIM "Independent Album Of The Year" nominiert, die Band begleitete Primal Scream und Duran Duran auf Tour. Bei dem Nachfolger, dessen aufnahmetechnischen Grundlagen im Studio von Phil Manzanera (Roxy Music) gelegt wurden, hievte das Glasgower Glam-Pop-Quintett seinen Sound dank klassisch ausgebildeter Orchestermusiker auf eine völlig neue Ebene, die sich sowohl fantastisch organisch als auch technisch vollendet anfühlt. Man heißt den Hörer in einer theatralischen Welt willkommen, die zugleich euphorisch und beunruhigend ist. "The Warping" macht die Barrieren von Zeit und Selbst durchlässig, pendelt zwischen Erinnerung und Zukunft hin und her und ruft imaginäre Identitäten hervor. Wir sind nicht mehr in Kansas.

- "Irgendwo zwischen kostümiertem Glam-Rock in unwiderstehlicher New-Romantics-Ästhetik, Musical-Grandeur und bollernden Synths, die den Eurovision Song Contest im Alleingang für sich entscheiden könnten, ist die Band aus Glasgow das nächste Symptom des unaufhaltbaren Spätsiebziger- beziehungsweise Achtziger-Revivals – und bislang dessen wahrscheinlich queerste Vertreter." - plattentests.de zum Debütalbum 2022

John Grant, der Meister des Zwiespalts zwischen zerreißenden Balladen und progressivem Elektro-Pop veröffentlicht mit 'The Art Of The Lie' sein sechstes Soloalbum.

Obwohl es sich um eine John Grant-Platte handelt, die typischerweise Humor in Tragik einbettet und Wut in Mitgefühl umwandelt, hat 'The Art Of The Lie' eine neue musikalische Ambition, die die politischen und persönlichen Momente in den Songs untermalt. Der harte Kontrast von Schönheit und Grausamkeit macht das sechste Studioalbum des US-amerikanischen Songwriters so zu einem besonderen Hörerlebnis. Die elf Tracks verbinden Kindheitstraumata mit den verhärteten Nachwirkungen im Erwachsenenalter und verknüpfen beides mit der angespannten politischen Situation der Vereinigten Staaten im Jahr 2024.

Ivor Guests Produktionen mit Gastauftritten von Dave Okumu (Gitarre), Robin Mullarkey (Bass), Seb Rochford (Schlagzeug) und der schottischen Sängerin Rachel Sermanni sorgen für die nötige Dramatik auf Grants bisher opulentesten und filmischsten Album, die sich neben der beunruhigenden politischen Aufladung, wie in der ersten geteilten Single 'It's A Bitch' auch manchmal in elegantem Funk entlädt.

"The new avant-garde isn't about creating something that doesn't yet exist, it's about abandoning and confusing rigid genres. I want to open up, in order to both abolish and reconstruct the musical past." — Noémi Büchi

Noémi Büchi's album 'Does It Still Matter' completes a series of releases whose titles - 'Matière', 'Matter', and 'Does It Still Matter' - place the physicality of music in the center of attention. Büchi's specific sound structures and aesthetic choices question the state of materiality in a world that is becoming more and more fluid and intangible.

From 'Matière' to 'Matter', Büchi subtly transferred from a focus on substance to questioning the enigmatic core of

being, passing from a noun to a verb, and from a single word to an inquiry. 'Does It Still Matter' weighs in on the importance of questioning. Her pieces juxtapose multi-layered analog synthesizer textures, crystal clear sounds and almost brutalistic noises, while they unfold in compositional structures akin to pop songs. Driven by an orchestra of myriad parts, her music creates transcendent intonations that resonate deeply with the listeners' bodies. A daring blend of complexity and accessibility are molded into captivating sound sculptures that challenge and intrigue listeners alike.

Deviating from conventional time divisions, 'Does It Still Matter' immerses listeners in a discordant succession of elements, and guides them towards an eternal present that erases the past with each new revelation, while maintaining it through recurring themes that serve as intimate memories. Büchi's electronic maximalism questions our linear perception of time, offering a glimpse into a world where the past, present, and future converge into a singular moment. Her avant-garde approach rejects predictability, inviting listeners to immerse themselves fully in the present. Everything starts anew at any given instant. Each musical idea exists for one precise moment, rendering the future unpredictable.

'Does It Still Matter' unfolds against a backdrop of collective disaster and biocidal urgency, challenging the very essence of time. Büchi explains: "The world appears to have gone mad. It's all but impossible to reflect on the meaning of avant-garde in music, considering the future in this sepulchral kind of stability of the human condition." Her compositions resonate like an infernal machine, questioning the instantaneous dissipation of everything. Finally, echoes and fragments of sounds remain, haunting memories like ghostly companions.

'Does It Still Matter' is an immersive experience that invites listeners to contemplate the impermanence of our world and the enduring power of sound.

Das Wesen, das als Adversarial bekannt ist, hat erneut das Portal zu einem zeitlosen Reich des Erstickens und der Qualen geöffnet. Während sich der Leviathan auf sich selbst zurückzieht, steigt an der Kreuzungsstelle Sulfer auf, ein Strauß aus fauligem Dotter. Diese faulige Chemikalie wird Nigredo aufrechterhalten, während das Metall, schwarz wie die Mitternacht, unter der Macht der Atombombe gehärtet wird.

--Erste neue Veröffentlichung seit neun Jahren! Der atemberaubende Nachfolger von "D.E.N.A.T.B.K.O.N." von 2015.
--Beste Produktionsarbeit bis heute! Aufgenommen und gemischt von Vadim Balanyuk. Gemastert von Damian Herring in den Watchtower Watchtower Studios
-Schlängelnder, düsterer Death Metal, der sicherlich die Ohren von Immolation, Antediluvian, Archgoat und Tetragrammacide zufriedenstellen wird

Dieses raffinierte und mit Hooks versehene neue Album ist ein eigenständiges Universum, ein Feuerwerk an einfallsreichem, viszeralem Death/Black Metal, bei dem schwindelerregende Experimente auf kopfnickende Hingabe treffen - obszön verdreht und süchtig machend, herzzerreißend in seiner Tiefe der Gefühle.

Nach einem Vierteljahrhundert gemeinsamen Musizierens haben sich Hoggard/Saint Merat als eine der stärksten Gitarren-Schlagzeug-Kombinationen im Extreme Metal etabliert, und ihre Musik hat sich organisch zu etwas völlig Eigenem entwickelt. Cutting the Throat of God" ist das bisher bestproduzierte ULCERATE-Album und strotzt nur so vor unvergleichlichen Rhythmen, den fließendsten Übergängen, der überzeugendsten Phrasierung der Band und wahrhaft atemberaubenden Riffs. Der berauschende, flüssige Fluss wird durch eine zerstörerisch dynamische Performance von Sänger/Texter Paul Kelland gekrönt.

"Cutting the Throat of God" erforscht ein zusammenhängendes lyrisches Thema, das sich um den Bruch der Moral, die empfindliche Grenze zwischen Verderbtheit und Extremität und den unumkehrbaren Abstieg in die Dunkelheit dreht.

Announcing the debut album from one of London’s most electrifying acts, New Regency Orchestra. An 18-piece Afro-Cuban big band, inspired by the musical melting pot of NYC in the 1950s, but with the punch and power of a whole host of London’s best Latin and jazz musicians. Blowing new life into these compositions, the album is a reimagining of some of the finest music from that golden era. From early 1950s René Hernandez and Tito Puente, through to the 1970s salsa of Rafael Labasta and Orlando Marin, produced and performed with fresh fire.

NRO is the brainchild of its artistic director, and the man behind Total Refreshment Centre and Church of Sound, Lex Blondin. Through a long-held passion for jazz, Lex discovered the explosive Afro-Cuban rhythms of mid-1940s NYC via the godfather of Afro-Cuban jazz, Mario Bauzá. A time when two musical worlds collided in a fusion of creativity and energy, jazz luminaries like Dizzy Gillespie and Charlie Parker joining forces with Cuban greats like Machito and Chano Pozo. This vibrant sound was music to dance to and found a home at The New York Palladium, a formative space of freedom and expression that was key to the scene’s development.

Although dance-focussed in their makeup, those early recordings are not often heard in modern club environments and Lex dreamt of retelling their story with a contemporary dynamism. A slice of serendipity followed, as a slot at a new festival opened up and Lex jumped at the chance to make this idea a reality, an 18-piece big band breathing new life into these beloved songs.

Enlisting the expertise of some of the capital’s finest talent, Lex and co-captain Andy Wood, of Como No fame, put together a world-class line-up of talent. Bringing in Eliane Correa as musical director and bandleader, a fluid and interchanging 18-piece band was formed.

The album itself is a hand-picked selection of timeless Afro-Cuban jazz classics, reimagined with NRO’s unbridled energy. It contains ten incredible instrumental tracks including 'Pregon' with its anthemic horn stabs and the addictive head nod bounce of 'Mambo Rama', alongside two scorching vocal numbers in 'Papa Boco' and 'Labasta Llego'. Coupling a heavyweight rhythm section with a wall of horns, they provide a fresh spin on songs from Tito Puente and Chico O'Farrill, René Hernandez through to Rafael Labasta.

“Some of the tunes like Tito Puente’s ‘Mambo Rama’ and ‘Scarlet Mambo’ might sound like they went to a gym as extra drums and bass synth were added to them whilst the tune ‘Sahib & Tito’ is a mix of Tito’s ‘Mambo Buda’ and Sahib Shihab’s ‘Nus’. Our intention is to be both respectful to the innovators and inventors of this incredible music and to pay our dues, but also to add something special from London where the city’s new jazz scene connects with its Latin American musicians and the musical influences around us.”

This pure collective joy, shared experience and music you can’t help but move to.

Die japanische Postrock-Band MONO meldet sich mit "OATH" zurück, ihrem zwölften Album, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den typischen transzendentalen Gitarren-Klängen einer Karriere, die sich seit vier Jahrzehnte erstreckt. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben MONO Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album, OATH, denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Produzenten Steve Albini, beginnt OATH wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert MONO auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von MONOs Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die OATH zu neuen Höhen erhebt. MONO haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit OATH geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto, MONO

Die japanische Postrock-Band MONO meldet sich mit "OATH" zurück, ihrem zwölften Album, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den typischen transzendentalen Gitarren-Klängen einer Karriere, die sich seit vier Jahrzehnte erstreckt. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben MONO Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album, OATH, denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Produzenten Steve Albini, beginnt OATH wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert MONO auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von MONOs Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die OATH zu neuen Höhen erhebt. MONO haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit OATH geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto, MONO

Supernatural meditation, with a drum machine, from California's mysterious mail order mystic. 1975's Music Of The Godhead is the ambient alchemy that established Burchette as the white wizard of tremolo theurgy. Warning: Inner peace lik ely!

Supernatural meditation, with a drum machine, from California's mysterious mail order mystic. 1975's Music Of The Godhead is the ambient alchemy that established Burchette as the white wizard of tremolo theurgy. Warning: Inner peace lik ely!

Nach ihren 30+-Jubiläums-EPs und zugehöriger Reissue-Serie sind FU MANCHU endlich mit brandheißem neuem Material zurück!



The Return Of Tomorrow ist das erste neue Album von Fu Manchu seit sechs Jahren, und sie haben sichergestellt, dass sich das Warten gelohnt hat. Ihr 14. Album ist ihre erste Doppel-LP mit neuem Material und wurde als Vinyl-Hörerlebnis konzipiert. Die erste LP enthält sieben Songs in ihrem ikonischen Heavy-Fuzz-Sound, darunter die erste Single "Hands Of The Zodiac" und das unerbittlich eingängige "Loch Ness Wrecking Machine". Auf der zweiten LP wird die Band mit sechs langsameren Stücken, darunter das Synthie-beeinflusste "Solar Baptized" und der Titeltrack, etwas ruhiger. Beide LPs haben 45 Umdrehungen pro Minute für den bestmöglichen Sound. CD-Hörer brauchen sich keine Sorgen zu machen, da diese Version des Albums speziell für dieses Format gemastert wurde.Wie das letzte Album der Band, Clone Of The Universe, und die dreiteilige Fu30 EP-Serie wurde The Return Of Tomorrow im Racket Room in Santa Ana, Kalifornien, von Jim Monroe (Adolescents, Ignite) aufgenommen und gemeinsam mit Fu Manchu produziert.