quête:man da

Dies ist ein Text zum neuen Album der Band Madsen. Es heißt HOLLYWOOD und die meisten Infos dazu im Text hier sind wahr.
Hier drei generelle Fakten über Madsen:

Erstens: 2004 meldeten Madsen ein Patent für deutschsprachigen Punk und Rock beim zuständigen Rockmusikamt an. Dort ist aktuell weniger Betrieb als in den 00er-Jahren. Madsen nutzen dieses Patent seitdem ordentlich und jede andere Genrebeschreibung finde
ich unnötig.
Zweitens: Die Madsen GbR ist ein Familienunternehmen- echte Familie und die Ausgesuchte. Die Kinder der aktuellen Madsen-Generation werden perspektivisch auf die Übernahme der Band vorbereitet.
Drittens: HOLLYWOOD ist das neunte Album der Band.
Nach LICHTJAHRE (2018) lag überraschend für alle Beteiligten plötzlich ein schnell produziertes Punk Album in ihren Händen (NA GUT DANN NICHT, 2020). Noch mehr DIY als normal Madsen-DIY. Und auch neu: Sebastian Madsens erstes Soloalbum EIN BISSCHEN
SEELE (2022). Kommt mal wieder anders als geplant.
Zeitgleich: Gründen eines eigenen Labels: “GOOYBYE LOGIK RECORDS”.
Zeitgleich: Schreiben an HOLLYWOOD.
HOLLYWOOD entstand in den letzten fünf Jahren. Wenn man fünf Jahre an Musik schreibt, fließen viele Ideen die Elbe hoch bis ins Riesengebirge und wieder runter. Es wird hinterfragt und abgewogen, und: der Weg beginnt und endet in unterschiedlichen Musikwelten: Print ist noch mehr gestorben, super gestorben, toter als tot, aber immer noch wichtig, irgendwie.
TikTok-ability, Reels Reels Reels und wie kommen Künstler*innen an die wachsenden Einnahmen des digitalen Streaming-Markts ran??? Aber: Pressetext bleibt Pressetext und Madsen bleibt Madsen mit fünf Jahre mehr Leben erlebt.
HOLLYWOOD wurde live und ohne Metronom im Clouds Hill Studio eingespielt und von Simon Frontzek produziert. Madsen kennen Simon Frontzek seit der 8. Klasse von den Bundesjugendspielen. Vom Weit- und Hochspringen und vom Kugeln irgendwo hinwerfen.
Dann waren sie in verfeindeten Jugendgangs oder so, dazu gab es mal einen Artikel in der Visions. Aber das ist schon ein bisschen her.
Konsequent herstellen, was man selber gut findet, Arbeit in ein Detail stecken, das man liebt und vielleicht niemand raushören wird: Das war und ist Konsens zwischen 4x Madsen und 1x Duo Frontzek und Rudi Maier - dem Powerduo of Rock und Detail und of musikalischem
Feingefühl.

Amanaz were serious, and they made a serious stab at an album. They titled their album Africa, according to original band member Keith Kabwe, “because of how it was shared and how its inhabitants were butchered and enslaved, its resources stolen… all the atrocities slave drivers committed. “ Thus, their “Kale,” a blues sung in Nyanja, that traced the continent’s arc from slavery to Zambia’s independence closes the album. Kabwe and rhythm guitarist John Kanyepa have a winsome softness to their vocals, which sit politely aside the feral growl of drummer Watson Baldwin Lungu, bassist Jerry Mausala and bandleader/lead guitarist Isaac Mpofu. Africa’s vibe ranges from anxious (“Amanaz”) to escapist (“Easy Street”) to straight-up pissed-off. On the “History of Man,” his voice whiskeyburned, his distorted guitar buzzing like swarming hornets, Mpofu indicts his species.
There’s a darkness to Africa not found on any other Zamrock records, and a melancholy drifts throughout, specifically on Mpofu’s more restrained “Khala My Friend,” which stands as an effective, bleak situation for the Zambian everyman, the average citizen of a struggling, new nation, who might have had relatives in conflict-torn countries on the horizon, who might have been struggling to find his next meal, who might have seen a bleaker future than his president promised. Then there’s the clear Velvet Underground-influence on the nostalgic “Sunday Morning,” which, as Kabwe
recalls, was the first song written for the album, back in 1968, when Velvet Undergound and Nico was a new release - and the underground funk of “Making The Scene.” The album also tackles traditional Zambian music and early-‘60s rock – punctuated, of course by Kanyepa’s wah-wah and Mpofu’s fuzz guitars. But every time Amanaz get too deep, too violent, they come back with an accessible song and woo their listener back to the groove. “Green Apple” is a civil song, featuring Kanyepa’s sighing guitar. It is a perfectly arranged album, from the dichotomy of Mpofu’s and Kanyepa’s lead and rhythm guitars, to the vocal harmonies, to the rhythm section’s sense of space and time, which allows Africa’s funk to build. Inexplicably, Africa was given two separate mixes and two separate presses: one version is dry, with the vocals and drums mixed loud, the other slathered in reverb, with the vocals and drums disappearing into the mix, and with the guitar solos mixed much louder. We’ve presented them both here as they each have their appeal: it’s up to the listener to pick the one he or she prefers. This is a highpoint of the Zamrock scene and we hope that this can be seen as its definitive reissue.

There are few people across the globe, who will have not been touched by the work of Frankie Knuckles. Forever regarded as ‘The Godfather of House’. A Grammy Award winner, Frankie had a street in Chicago named after him where the old Warehouse once stood to commemorate the first ever Frankie Knuckles Day on 25th August 2004. Five years ago, Frankie passed away in Chicago on 31st March 2014 leaving behind one of the greatest house music legacies spanning almost four decades.

Now he is commemorated once again by long time writing and production partner Eric Kupper who will release part II of the special commemorative album on vinyl around this date. Eric, himself a seasoned DJ producer and writer, working side by side with Frankie on many his seminal classics, as well as personally working on over 116 Billboard #1 Dance Records. Having both worked together for many years they established themselves at ‘Director’s Cut’ from 2011 and set about producing original releases and remixes based on the classic ‘Def Mix’ sound while sharing equal credits for their creations.

The album features some of Directors Cut’s best works with the Re-Directed version of the seminal classic ‘Baby Wants To Ride’ plus their re rubs of Inaya Day, Sybil, Hardsoul and Lou Rawls - You’ll Never Find Another Love Like Mine (Kenny Summit, Frankie Knuckles & Eric Kupper Unreleased Anthem).

This album is to be released in collaboration with The Frankie Knuckles Foundation who work to continue Frankie’s legacy whilst focusing on music in schools, LGBTQ youth homelessness, AIDS research / prevention & diabetes research / education.

The life-affirming energy at the heart of Sven Väth‘s recent album Catharsis is revisited, reanimated, and remixed by some of the most exciting names around, closing the circle on a superlative burst of
recent work that has not only given us the epic original LP, but also the extraordinary compilation What I Used To Play.

Roman Flügel, Benjamin Damage, Robert Hood, Planetary Assault Systems, Mano Le Tough… do we need to go on? This hand-picked list of luminaries have answered the call and certainly don’t disappoint, each fusing their signature sound with Sven‘s DNA to create a wild, uncompromising companion piece to the original album.

True to form, the running order is very much rooted on the dance floor, Silvi‘s Dream, revisited by Damiano von Erckert, explodes like a Balearic sunrise. Dreamy strings with a touch of Detroit create a lovely atmosphere while the beautiful piano sound goes right into your heart and appears as if you could feel the warm sun on your skin. Roman Flügel’s acidic rework of What I Used To Play is a homage to the 80s and the early sound of electronic music which creates nostalgic feelings and offers a greatly produced retro soundscape à la Kraftwerk. Staying close to the original, but with the perfect amount of spin, it’s a symbiotic interplay of synthetic bass pads, and a tiny bell melody. Robag Wruhme’s cranking minimal funk takes us down The Worm-hole. A concise interference sound builds
up sustained tension, tangled but structured, deep and yet driving. Robag took over the deep and dirty rhythms of the original perfectly and delivers a versatile piece. This opening salvo oozes quality and
sets things up perfectly for the electrified celebration of hi-octane technology come.

Jonathan Kaspar‘s growling interpretation of We Are provides a melancholic atmosphere with fascinating percussion parts. Zaps shoot through the air like small laser pistols while we let ourselves
be carried away by the bass, the frisky vocal stutter effect is the icing on the cake. Speeding things up, the euphoric trance that engulfs Krystal Klear’s epic version of Feiern. Expansive strings increase up
to ecstasy and guide us to a love-filled unity. This remix is sure to be an excellent peak-time smasher for the open-air season. On to a wild ride of pure techno with Benjamin Damage, who delivers a dry and uncompromising Berlin Techno version of Mystic Voices. Harder pace but the string synthesizer harmony brings light to an otherwise gloomy environment. Next up is Luke Slater’s PAS Deep Heet Mix to add a retro nineties vibe to proceedings on Nyx. Entering a rough space with gigantic clap impacts, we are blessed with straightforward Techno. Shimmering and spooling, this groove hits the
mark. Then, as if it was ever in doubt, Sven‘s lofty place in the techno firmament is underlined by a peak-time contribution by non-less than Detroit legend Robert Hood. Unmistakable, you must recognize the signature Robert Hood drive on Butoh. Chord stabs fulfill the Detroit feeling with offtaking string elements and high-energy vocal transformations. It’s a warm embrace that triggers emotions. Planetary Assault Systems then blasts things ever deeper into the cosmos on a second outing of Nyx. Reduced and to the point but of course, true to form, with powerful tribal percussion parts and intensive cutting hi-hats.

From there on in, the collection gradually re-enters the atmosphere, burning with a phosphorescent, melancholy glow. Harald Björk extrapolates Being In Love into a hypnotic groove for the early hours. A playful and atmospheric electronica interpretation to soothe our souls due to disharmonious synth pads and a dreamy deformation of the original melody. Mano Le Tough harnesses the ethno-rhythms
and brooding energy of Catharsis into a low-slung, tribal stomper. Anomalous organ parts ring out and link up with a trance-like sequence, summer feelings arouse as you feel like you can almost smell Ibizan air. The collection comes full circle with a second equally seductive interpretation of Silvi‘s Dream by Florian Hollerith. Stripped-down and hypnotic, the homage to Sven's girlfriend Silvi is extended as a reverence to Sven himself. Sven's profound vocal clearly infuse time and space and leave a forever-lasting memory of love.

By accident or design, it somehow leaves us with the reassuring sense that, although this specific part of the journey may be drawing to a close, the mission of the man behind it all most definitely isn't.

written & produced by: Sven Väth & Gregor Tresher

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Big Bull. Jede Platte ist gleichermaßen ein Crash-Kurs in allem, was dieses spezielle Stück Musikgeschichte ausmacht: Fotos aus Hinterhöfen und Kellern; Essays, die bestimmte Aufnahmen beschreiben; Farbpaletten, die Zeit und Ort widerspiegeln. Mit über sieben Stunden und 55.000 Wörtern ist Epoch eine maximalistische Sammlung. Aber man muss kein Komplettist sein, um zu verstehen, was es bedeutet, sich mit seinen besten Freunden zusammenzukauern und Dinge zu erschaffen, für diese Dinge zu träumen, zu lernen, zu kämpfen und zu wachsen.

Neurotwin is a Trilogy:

Part I
In the fight against Alzheimer's, epilepsy, schizophrenia and other diseases characterized by an imbalance in neuronal activity, there are chemical weapons, such as those that try to prevent the protein fragments known as beta-amyloid plaques from developing in the cerebral cortex , and physical, such as electrical stimulation that allow to restore the functionality of brain cells. This last resort, which has already been shown to be effective in modifying the activity of the cerebral cortex, is today a weapon of general intervention. Converting it to precision requires the development of individualized and predictive brain models that allow identifying where and how much to stimulate each patient. To achieve this, an international European team is working on the creation of virtual replicas of the most unknown organ in the body: the Neurotwin project.

According to recent research, the decrease in power in the neuronal oscillations of the gamma band of the cerebral cortex (a pattern whose frequency ranges between 20 and 50 Hertz) favors the development of protein fragments related to Alzheimer's.

Transcranial application of weak electrical currents has proven to be an effective and painless way to modulate brain activity without side effects.

The objective is to create complete computational models of the brain with real data of living beings (human patients) and that allow to anticipate and specify the effects of non-invasive stimulation techniques on neurological mechanisms.

"Never turn your back on a friend."
- Alfred Hitchcock

Part II
The Neurotwin project is the successor to an initiative that encompasses many projects called Virtual Physiological Human, which was based on the idea of creating a complete model of a human being on a computer, to perform non-invasive tests at the computational level. Now the concept has been derived to "Digital Twin", which seeks not only to have an equal computational model for everyone, but to create "twin" digital models of each patient in order to be able to make personalized medicine from the genome of each individual. Specifically, in our project, we have focused on digital twin brains, which would be representations of patient brains created from data extracted with current neuroimaging and brain activity monitoring techniques.

"Mirrors are used to see the face, Art to see the soul."
- George Bernard Shaw

Part III
A digital twin is a computer system programmed in such a way that, receiving the same inputs as the physical object or process it is a twin of, it provides the same outputs.

Characteristics of digital twin technology
1 Connectivity
2 Homogenization
3 Reprogrammable and intelligent
4 Digital traces

"There is no light without shadows and no fullness of mind without imperfections. Life requires for its realization, not perfection, but fullness. Without imperfection, there is no progress or growth."
- Carl Gustav Young

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Big Bull. Jede Platte ist gleichermaßen ein Crash-Kurs in allem, was dieses spezielle Stück Musikgeschichte ausmacht: Fotos aus Hinterhöfen und Kellern; Essays, die bestimmte Aufnahmen beschreiben; Farbpaletten, die Zeit und Ort widerspiegeln. Mit über sieben Stunden und 55.000 Wörtern ist Epoch eine maximalistische Sammlung. Aber man muss kein Komplettist sein, um zu verstehen, was es bedeutet, sich mit seinen besten Freunden zusammenzukauern und Dinge zu erschaffen, für diese Dinge zu träumen, zu lernen, zu kämpfen und zu wachsen.

Das Blue-Note-Debüt eines außergewöhnlichen Musikers zwischen Pop und Jazz! Seit seiner Debütsingle „Cold War“ (2018) kennt man Cautious Clay. Der Titel wurde mehr als 150 Millionen Mal gestreamt und von Taylor Swift auf ihrem Album „Lover“ gesampelt. Als Songwriter hat Cautious Clay mit Billie Eilish, John Mayer, John Legend, Khalid, Kavinsky, Melanie Martinez, Remi Wolf und anderen gearbeitet. 2021 legte Cautious Clay mit “Deadpan Love” sein erstes Album vor, das im Musikexpress als “ein aufregender Tanz zwischen R’n’B und Indie Songwritertum” beschrieben wurde. Mit seinem zweiten Album „Karpeh“ setzt der in Cleveland, Ohio, geborene, in New York lebende Sänger, Songwriter, Produzent und Multiinstrumentalist zu seinem nächsten großen Karriereschritt an - die Zusammenarbeit mit dem Jazzlabel Blue Note Records! Mit einem Mix aus R&B, Hip-Hop, Leftfield-Indie-Pop und Jazz-Elementen hat sich Cautious Clay bislang einen Namen für poetische und emotional ehrliche Musik gemacht, auf Blue-Note-Records und in Zusammenarbeit mit Label-Größen wie Immanuel Wilkins und Ambrose Akinmusire fügt er seiner Musik jetzt eine weitere Dimension hinzu.

Deena Abdelwahed's first album is shifting the epicenter of contemporary electronic music south: 'Khonnar' will be released on November 16, 2018 by InFiné. Pronounced 'Ronnar' (an essential detail so as to avoid facile misinterpretation by French-speakers) it is a term that makes the most of Tunisia's cultural and linguistic spectrum. It evokes the dark, shameful and disturbing side of things, the one we usually seek to hide, but which Deena instead sticks our noses in with her debut. It is a testament to Deena's coming into her own as a world citizen, and as an artist. A self-construction made of frustrations and constraints, borne of retrograde mindsets, which are not the prerogative of either the East or the West, and which she tirelessly strives to expose and break. Throughout the 45 minutes of 'Khonnar", Deena breaks down the codes of bass, techno and experimental music, and writes the manifesto for a generation that does not seek to please or to conform, taking back control of its identity - with all the attendant losses and chaos. A new creative world order is taking shape, a new tilting point between north and south, the response of a connected and liberated youth who takes the control of the new decolonization. About Deena Abdelwahed A Tunisian producer and DJ, Deena Abdelwahed arrived in France at the age of 26 after earning her stripes on the Tunis scene and as part of the Arabstazy collective.

Das französische Label Infiné ist dafür bekannt, elektronische Musik jenseits ausgetretener Pfade zu veröffentlichen - hier wird Techno und House neu definiert. So passt es ganz gut, dass die aufstrebende tunesische DJ und Underground-Produzentin Deena Abdelwahed bei dem Lyoner Imprint eine Veröffentlichungsplattform gefunden hat. Abdelwahed performte in den letzten Jahren zwischen Boiler Room und Berghain in allen namhaften Clubs und hinterließ bei der globalen Dance-Gemeinde mehr als staunende Münder. Nach der im Frühjahr 2017 veröffentlichten EP "Klabb" präsentiert die Tunesierin mit "Khonnar" jetzt ihr sehnlichst erwartetes Debütalbum.

Was beide Tonträger vereint: sie verbinden nordafrikanische Klangelemente mit elektronischen Sounds, haben jedoch mit Weltmusik nichts am Hut.

Während sich die australischen Metal-Juggernauten Parkway Drive auf eine Welttournee vorbereiten, um ihr 20-jähriges Bandjubiläum zu feiern, kündigt Epitaph Records die Veröffentlichung der Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2004 an, zum ersten Mal auf Vinyl. Diese erweiterte Version von Don't Close Your Eyes enthält die ursprünglichen 8 Tracks der ersten EP der Band und zusätzlich Bonustracks von ihrem Split-Album mit I Killed the Prom Queen und von den Compilation-Alben What We've Built und True Till Death, Volume I.

Parkway Drive stammen aus der australischen Küstenstadt Byron Bay und stürmten aus ihrer ruhigen Umgebung heraus, um eine explosive Mischung aus komplizierten Metal-Riffs, heftigen Breakdowns und emotionaler Hardcore-Spannung zu bieten. Mit den Chartstürmern Horizons (2007) und Deep Blue (2010) entfachte die Band regionales Feuer, bevor sie 2012 mit Atlas den internationalen Markt eroberte. Mit Ire (2015) führte die Gruppe Clean-Gesang in ihr Werk ein, und auf Reverence (2018) und Darker Still (2022) bewegte sie sich weiter in Richtung eines melodischeren, aber nicht weniger aggressiven Metal-Stils.

Parkway Drive sind auch nach 20 Jahren immer noch eine Naturgewalt und einer der Top-Headliner in der harten Musikszene. Don't Close Your Eyes lässt die Anfänge der Band wieder aufleben und ihre größten Fans werden sich freuen, dieses Album endlich auf Vinyl zu haben.

Während sich die australischen Metal-Juggernauten Parkway Drive auf eine Welttournee vorbereiten, um ihr 20-jähriges Bandjubiläum zu feiern, kündigt Epitaph Records die Veröffentlichung der Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2004 an, zum ersten Mal auf Vinyl. Diese erweiterte Version von Don't Close Your Eyes enthält die ursprünglichen 8 Tracks der ersten EP der Band und zusätzlich Bonustracks von ihrem Split-Album mit I Killed the Prom Queen und von den Compilation-Alben What We've Built und True Till Death, Volume I.

Parkway Drive stammen aus der australischen Küstenstadt Byron Bay und stürmten aus ihrer ruhigen Umgebung heraus, um eine explosive Mischung aus komplizierten Metal-Riffs, heftigen Breakdowns und emotionaler Hardcore-Spannung zu bieten. Mit den Chartstürmern Horizons (2007) und Deep Blue (2010) entfachte die Band regionales Feuer, bevor sie 2012 mit Atlas den internationalen Markt eroberte. Mit Ire (2015) führte die Gruppe Clean-Gesang in ihr Werk ein, und auf Reverence (2018) und Darker Still (2022) bewegte sie sich weiter in Richtung eines melodischeren, aber nicht weniger aggressiven Metal-Stils.

Parkway Drive sind auch nach 20 Jahren immer noch eine Naturgewalt und einer der Top-Headliner in der harten Musikszene. Don't Close Your Eyes lässt die Anfänge der Band wieder aufleben und ihre größten Fans werden sich freuen, dieses Album endlich auf Vinyl zu haben.

Nostalgia's Glass" ist das elfte Studioalbum der aus Manchester stammenden und in Berlin lebenden Post-Punk-Kultband The Underground Youth, das am 18. August auf Fuzz Club erscheint. "Nostalgia's Glass wirft einen Blick zurück auf die Musik von The Underground Youth und formt neue Songs in einem Stil, der an die Vergangenheit der Band erinnert", schreibt Bandleader Craig Dyer: "Das Ziel war es, eine Sammlung von Songs zu schaffen, die unserem Backkatalog huldigen und versuchen, nicht nur die positiven, sondern auch die negativen Elemente der Nostalgie zu sezieren, vor allem die Romantisierung der Vergangenheit - sei es die Politik eines Landes, das kontroverse Vermächtnis von Film- und Musikikonen oder die sentimentale Idealisierung längst vergangener toxischer Beziehungen."The Underground Youth wurde 2008 als kreatives Projekt von Craig Dyer gegründet. Die Band, zu der neben Craig nun auch Olya Dyer (Schlagzeug), Leonard Kaage (Gitarre/Produzent) und Samira Zahidi (Bass) gehören, hat im Laufe der Jahre elf Alben und vier EPs veröffentlicht und dabei einen einzigartigen Sound entwickelt, der von cineastischer Lo-Fi-Psychedelia bis hin zu einer rauen und lauten, wenn auch romantisch-melancholischen Form des Post-Punk reicht. Umhüllt von einer dunklen Ästhetik und den Bildern verschiedener Kunstfilmbewegungen haben sich The Underground Youth eine treue weltweite Fangemeinde erspielt, die sie durch ihre ausgedehnten Tourneen durch Europa, Asien und Nordamerika kontinuierlich ausbauen. Vinyl in hellblau, 180gr, Kastentasche, bedruckte Innenhülle, mit DLC

Earthly Measures' second vinyl release of the year sees them team up with the talented & mystical producer & multi-instrumentalist Sidirum - bringing you Balearic & Downtempo flavours from Argentina - sounds that haven’t always been associated with his style. An EP that fills you with euphoria & nostalgia, trying to find those sounds that can take you to another time just by listening to them - as he puts it, "rhythms from the past".

For Sidirum this release is about the beauty of chance. Samples that he has found from near & far over many years of producing finally find a home. 'Donde' in particular is a special track, he says "it is the track where I found my voice again. I have not used it in a song for almost 10 years." 'Ex-Plane' is heavily influenced by his love for Reggae, which runs throughout the whole track. 'Total Interior' is a perfect dance-floor ready track - with the help of multi-instrumentalist Pedro Alvide, the track builds a musical progression that dives into perfect sunset vibes with uplifting energy - ready for a peak time festival set.

After a number of other releases, 'Iris' is an EP where Sidirum feels that he has finally found himself again musically. In a way it's a summary of the places he’s been in the past, intertwined with his ideas in the present, making for a truly unique & pleasant listening experience.

Nick The Record - This is ruddy bloody gorgeous!!!!!!!!!!!!!!! Only problem is choosing a favourite tune

Dom Servini - Gorgeous White Island moments on here! Beautiful.

GK Machine - Nice reggae vibes on Ex-Plane...Total Interior and Donde up my street too

Bill Brewster - V nice esp. total interior

Paul Cottam - In my head now

Jaye Ward - wow!! what a release! super deep very left of the field. deep AF brilliant thing indeed

Oscar Arroyo - Nice one.

Thomas Jackson - I like Donde!

Seit der Gründung 2015 ist bei Movements einiges passiert – der Name ist Programm und somit führt das Post-Hardcore-Quartett seinen Sound auf ihrem dritten Album RUCKUS! einen an expansive und manchmal unerwartete Orte. Das von Will Yip (Circa Survive, Code Orange) produzierte Album vereint Post-Hardcoreund Punk-Einflüsse mit einer gesunden Portion Pop-Songwriting, um ein Album zu erschaffen, das sich über die Konventionen der Szene hinwegsetzt und etwas völlig Einzigartiges schafft. Um dies zu erreichen, begab sich die Band - bestehend aus Sänger Patrick Miranda, Gitarrist Ira George, Schlagzeuger Spencer York und Bassist Austin Cressey - dreimal in das Studio 4 von Yip in Conshohocken, Pennsylvania, um die Songs zu schreiben und aufzunehmen, die schließlich zu RUCKUS! wurden. ”Ich glaube wirklich nicht, dass es einen strafferen Prozess hätte geben können, und ich glaube nicht, dass wir jemals Musik geschrieben haben, die so gut ist wie das, was wir für diese Platte zusammengestellt haben”, erklärt Miranda. Vom verzerrten Grind von ”Lead Pipe” über den synkopischen Groove von ”Killing Time” bis hin zum Pop-Glanz von ”Tightrope” - auf RUCKUS! integriert die Band ganz unterschiedliche Einflüsse wie die Gorillaz und die Strokes in ihren Sound, um die Vorurteile der Leute über ihren Sound herauszufordern.

Seit der Gründung 2015 ist bei Movements einiges passiert – der Name ist Programm und somit führt das Post-Hardcore-Quartett seinen Sound auf ihrem dritten Album RUCKUS! einen an expansive und manchmal unerwartete Orte. Das von Will Yip (Circa Survive, Code Orange) produzierte Album vereint Post-Hardcoreund Punk-Einflüsse mit einer gesunden Portion Pop-Songwriting, um ein Album zu erschaffen, das sich über die Konventionen der Szene hinwegsetzt und etwas völlig Einzigartiges schafft. Um dies zu erreichen, begab sich die Band - bestehend aus Sänger Patrick Miranda, Gitarrist Ira George, Schlagzeuger Spencer York und Bassist Austin Cressey - dreimal in das Studio 4 von Yip in Conshohocken, Pennsylvania, um die Songs zu schreiben und aufzunehmen, die schließlich zu RUCKUS! wurden. ”Ich glaube wirklich nicht, dass es einen strafferen Prozess hätte geben können, und ich glaube nicht, dass wir jemals Musik geschrieben haben, die so gut ist wie das, was wir für diese Platte zusammengestellt haben”, erklärt Miranda. Vom verzerrten Grind von ”Lead Pipe” über den synkopischen Groove von ”Killing Time” bis hin zum Pop-Glanz von ”Tightrope” - auf RUCKUS! integriert die Band ganz unterschiedliche Einflüsse wie die Gorillaz und die Strokes in ihren Sound, um die Vorurteile der Leute über ihren Sound herauszufordern.

Zum 20jährigen Firmen Jubiläum legt die Hamburger Indie Institution Grand Hotel van Cleef 20 Klassiker Alben als limitierte marbled Vinyle neu auf. Alle 3 Monate erscheinen je 5 legendäre Alben. In der letzten Runde sind Klassiker von Herrenmagazin, Adam Angst, Kettcar, Thees Uhlmann und Marcus Wiebusch mit dabei.

First appearing on TV screens in September 1968, Joe 90 was a unique nine year old boy with the ability to absorb the brain patterns of top experts

enabling him to become the most special agent of W.I.N. (World Intelligence Network).

Whilst there are arguably better-known scores amongst Barry Gray's sublime catalogue of work with the Andersons, the composer's work for Joe 90 is in many ways

the most consistent and inventive selection he ever wrote. Developing a theme for the new series was always the musician's starting point, and for Joe 90, the pop charts breezed into Gray's studio,

with an opening tune featuring a genuine groove. Mixing Gray's inventive electronics with 60s "surf rock" guitars was an inspired decision.

It is no wonder that this piece has gone on to enjoy a second life as a Northern Soul disco floor-filler.

For episodic incidentals, Gray was freed from the detached unearthly premise of Captain Scarlet and able to bring back a playful sensibility

and a more mature musical palette which are amply illustrated in this 24 track collection.

Tullio De Piscopo is an Italian drummer, percussionist and singer- songwriter born in Naples, Italy. During his musical career he began working as a session drummer, playing with international artists, including Chet Baker, Gil Evans, Gato Barbieri, Eumir Deodato and many others.

His 6th solo album Acqua E Viento, released in 1983, includes the Italian #1 single “Stop Bajon (Primavera)” which also ranked to #58 in the UK Singles Chart of that same year. “Stop Bajon (Primavera)” was a favourite in Rimini (Italy) Discotheques, a Balearic Islands classic, a Chicago favourite during the early house days, and became an anthem of the Italo Disco movement. The album includes guest musicians Don Cherry on trumpet, percussionst Famoudou Don Moye and composer and songwriter Pino Daniele.

"To kick off the yearlong celebration and provide the perfect summer soundtrack, Capitol Records and UMe will release a newly remastered and expanded edition of The Beach Boys career-spanning greatest hits collection, Sounds Of Summer: The Very Best Of The Beach Boys, on June 17. Originally released in 2003, the album soared to no. 16 in the US and stayed on the chart for 104 weeks. Now certified 4x platinum for sales of nearly four and a half million albums, the collection has been updated in both number of songs and audio quality, expanding the original 30-track best of with 50 more of the band’s most beloved songs for a total of 80 tracks that span their earliest hits to deeper fan-favorite cuts and from their 1962 debut album, Surfin’ Safari through to 1989’s Still Cruisin’.
Assembled by Mark Linett and Alan Boyd, the team behind 2013's GRAMMY® Award-winning SMiLE Sessions and last year’s acclaimed boxed set, Feel Flows – The Sunflower and Surf's Up Sessions 1969-1971, Sounds Of Summer features nearly every US Top 40 hit of The Beach Boys’ incredible career, including “California Girls,” “I Get Around,” “Surfer Girl,” “Surfin’ U.S.A.,” “Fun, Fun, Fun,” “God Only Knows,” “Good Vibrations,” “Be True To Your School,” “Wouldn’t It Be Nice,” “Kokomo,” “Barbara Ann,” “Help Me, Rhonda,” “In My Room,” and many others. Fifty additional tracks showcase a broad mix of songs from across their wide-ranging catalog with some of the many highlights including “All Summer Long,” “Disney Girls,” “Forever,” “Feel Flows,” “Friends,” “Roll Plymouth Rock,” “Sail on Sailor,” “Surf’s Up,” and “Wind Chimes.”
The collection boasts 24 new mixes including two first-time stereo mixes, plus 22 new-and-improved stereo mixes, which in some cases feature the latest in digital stereo extraction technology, allowing for the team to separate the original mono backing tracks for the first time.
The expanded edition of Sounds Of Summer will be available in a variety of formats, including a 3CD softpack, and as a Super Deluxe Edition 6LP vinyl boxed set on 180-gram black vinyl in two options – a standard set or a numbered, limited edition version featuring a rainbow foil slipcase and four collectible lithographs. Both versions will feature color printed sleeves that replicate the original “Capitol Catalog” sleeves that highlight the entire Beach Boys discography, and all formats will include a booklet with new liner notes and updated photos. The original 30-track version will also be available in its newly remastered and upgraded form on single CD or double gatefold LP on standard weight vinyl or as a higher-end limited edition numbered version pressed on 180-gram vinyl with a tip-on jacket and a lithograph. "