Since its foundation in 2010, the newcomer quintet has brought a breath of fresh air to the scene and fans as well as the specialized press with their melange of crunchy guitars, driving drums and orchestral bombast. and orchestral bombast: the very young five-piece was was already highly praised by renowned magazines such as magazines such as Orkus and Sonic Seducer and even dubbed "heroes of tomorrow" by Metal Hammer. of tomorrow".
The debut album "Until Dawn", which was released in 2018, impressively underlined the potential that lies within the band. The official music video for the track "Born From Hope" has over over 1.3 million views to date, and the song has been streamed well over 2.5 million streams on Spotify.
Now the song, as well as all the others of the album, will be released on vinyl for the first time. REAPER ENTERTAINMENT presents the multicolored vinyl in a gatefold, strictly limited to 300 copies worldwide.
The Guardian wrote “the Canadian songwriter has one of the all-time great singing voices in popular music, an intensely romantic Chet Baker-ish instrument that seems to float with piercing direction, like a paper aeroplane thrown hard through mist.” With Uncut describing his songcraft “as delicate and lovely as a rare orchid” and Record Collector praising the album’s “sublime alien balladry” such are the accolades that have accrued throughout Chenaux’s unique and consummately uncompromising solo music for well over a decade now. Delights Of My Life opens a new chapter for the singer/guitarist and formally introduces the Eric Chenaux Trio, with Toronto-based musicians Ryan Driver on Wurlitzer organ and Phillipe Melanson on electronic percussion. Driver is a longtime collaborator, appearing on several of Chenaux’s solo albums (even embedded into the very title of the 2010 masterpiece Warm Weather With Ryan Driver). Melanson has a long list of involvements that include Bernice, Joseph Shabason, and U.S Girls, and a recent release with his Impossible Burger project on Chenaux’s own experimental label Rat-drifting, but this marks the first fulsome involvement between the two as players on a recording. In many ways Delights Of My Life also picks up right where Chenaux’s previous album left off, in its subversions of a classic, timeless jazz-inflected balladry, while the interplay of the trio formation indeed unfurls many new delights. Recording together at Chenaux’s spartan home studio in rural France, Driver’s harmonically warped organ and Melanson’s electroacoustic sampling and percussion hold time in newfound ways. Where previously Chenaux relied on a freeze/sustain pedal and minimalist rhythmic triggers to generate both pulse and chordal foundations, Melanson now paints timekeeping with expressive and intricate colourations, through live deployments of fluid sampled percussion (including orchestral timbres like timpani, kettle drums, and woodblock) that blur the boundaries between acoustic and electronic. Driver also ramps up his role in the song arrangements (prefigured in his support playing on Say Laura), teasing out chords and melodic filigree on Wurlitzer that percolate more prominently with Chenaux’s signature fried guitar solos and succulent singing. Both trio members add dulcet backing vocals, most notably on the 10-minute tour-de-force of fuzzed and ring-modulated swing “This Ain’t Life” that opens the record. All seven songs on the album groove and sway, simmer and sparkle, like nothing in the inestimable Chenaux discography to date. Chenaux’s tunes have the uncanny ability to sound like jazz standards; songs you feel you’ve heard before, though certainly never quite like this. Yet these are of course all originals, compositionally and interpretively, bent through an inimitable avant/out-music lens. Delights Of My Life conveys warm familiarity, shot through with the exuberantly experimental subversion and playful, even mischievous, iconoclasm that continues to mark Chenaux as defiantly, virtuosically, and genially one-of-kind
Mit "Dogs of War", ihrem ersten Soloalbum seit 2015, melden sich Mötley Crüe mit einer neuen Generation zurück - und erzählen von einem Aufstand gegen jeden Bastard des Lebens. Unfähig, sich zurückzulehnen und ihr Vermächtnis an die Leine zu legen, sind Mötley Crüe hier, um die Hörer daran zu erinnern, warum sie "The World's Most Notorious Rock Band" bleiben Wie schon in den letzten 40 Jahren gehen sie in Sachen Sound und Image neue Wege. Es gibt keinen Grund, darauf zu vertrauen, dass die Crüe etwas zu sagen haben - und wir sollten besser ganz Ohr sein. Mötley Crüe melden sich mit "Dogs of War" zurück, ihrer ersten Single seit 2015! Seit über 40 Jahren sind Vince Neil (voc), Nikki Sixx (bass), Tommy Lee (drums) und Mick Mars (guitar) als Band aktiv und on the road mit bahnbrechenden Show Highlights wie Tommy Lee's Achterbahn Schlagzeugperformance oder Nikki Sixx's Auftritte mit seinem flammenwerfenden Bass. Mötley Crüe hat über 5 Milliarden Streams auf digitalen Plattformen erreicht und hat über 8 Millionen Follower in den sozialen Medien. Sie haben weltweit über 100 Millionen Alben verkauft, 7 Platin- und Multi-Platin-Alben in den USA und 3 GRAMMY®-Nominierungen erhalten. Auch ihre Biografie "The Dirt - Confessions of the Worlds Most Notorious Rock Band" wurde 2001 ein New York Times und weltweiter Bestseller und erschien als Biopic 2019 auf Netflix.
Mit "Dogs of War", ihrem ersten Soloalbum seit 2015, melden sich Mötley Crüe mit einer neuen Generation zurück - und erzählen von einem Aufstand gegen jeden Bastard des Lebens. Unfähig, sich zurückzulehnen und ihr Vermächtnis an die Leine zu legen, sind Mötley Crüe hier, um die Hörer daran zu erinnern, warum sie "The World's Most Notorious Rock Band" bleiben Wie schon in den letzten 40 Jahren gehen sie in Sachen Sound und Image neue Wege. Es gibt keinen Grund, darauf zu vertrauen, dass die Crüe etwas zu sagen haben - und wir sollten besser ganz Ohr sein. Mötley Crüe melden sich mit "Dogs of War" zurück, ihrer ersten Single seit 2015! Seit über 40 Jahren sind Vince Neil (voc), Nikki Sixx (bass), Tommy Lee (drums) und Mick Mars (guitar) als Band aktiv und on the road mit bahnbrechenden Show Highlights wie Tommy Lee's Achterbahn Schlagzeugperformance oder Nikki Sixx's Auftritte mit seinem flammenwerfenden Bass. Mötley Crüe hat über 5 Milliarden Streams auf digitalen Plattformen erreicht und hat über 8 Millionen Follower in den sozialen Medien. Sie haben weltweit über 100 Millionen Alben verkauft, 7 Platin- und Multi-Platin-Alben in den USA und 3 GRAMMY®-Nominierungen erhalten. Auch ihre Biografie "The Dirt - Confessions of the Worlds Most Notorious Rock Band" wurde 2001 ein New York Times und weltweiter Bestseller und erschien als Biopic 2019 auf Netflix.
Das neue Album von Richard Hawley, "In This City They Call You Love", wird am 31. Mai 2024 veröffentlicht und zeigt, dass Richard Hawley die Verzerrer wegwirft und seine Stimme wieder in den Vordergrund stellt. Nach dem weltweiten Erfolg von "Standing At The Sky's Edge", dem preisgekrönten Musical, das auf seinen Songs basiert, kehrt Richard Hawley mit "In This City They Call You Love" zurück, seinem neunten Studioalbum und seinem ersten seit "Further" von 2019. 'In This City They Call You Love' enthält 12 herausragende Songs, von denen viele als 'vintage Hawley' bezeichnet werden können und zu den schönsten Balladen gehören, die er je geschrieben hat. Wunderschöne Melodien und Arrangements werden von seiner gefühlvollen und sonoren Stimme begleitet, die besser denn je klingt, und machen dieses Album zu einem krönenden Abschluss einer fast 25-jährigen, äußerst erfolgreichen Karriere.
Club music culture necessarily shifted gears in many ways during and after the course of the pandemic. Older participants found their way into other interests and younger participants took new reigns to orient spaces they felt good inside of. The agenda for the music, and the cultural industry surrounding it at large, took a more frivolous and “fun” turn. Clubs needed to recoup lost money, people needed more refreshing catharsis for their nightlife escape, and in some pockets scattered around the globe a newer and younger cadre of producers/promoters/DJ’s pulled optical cues from a scattering of “darker” influences to give an alternate aesthetic to the aforementioned “vibes” culture. In the midst of this, a large polarization of conceptual energy shifted within the compositional and utilitarian machinations of the club music culture leaving behind the brooding and cerebral placeholders for different kind of enjoyable hedonism. Terrestrial Paradise’ “Artificial Hell” harkens to another prescient time before that shift occurred. “Artificial Hell’ might just be an illustration of what all of this fun escapism encapsulates.
Terrestrial Paradise is the latest moniker from Montreal come Los Angeles based producer Jaclyn Kendal. Having developed and cemented her sonic positionality with releases on North American labels like Ascetic House and Summer isle over the years, as well as a series of monolithic live sets, Bank is pleased to announce Kendal’s Terrestrial Paradise first full length album “Artificial Hell”. Over the course of nine recordings, “Artificial Hell” gives a master class in pressurized industrial techno of the slower variety. Fitting with the legacy of Bank’s output since it’s inception, Terrestrial Paradise’s aesthetic sensibilities sit within the canon of a certain tinge of club music imbued with a sense of natural grit, sans pretense.
“Artificial Hell” nods to artists like Scorn, Regis, and 400 PPM while maintaining it’s own territory in the landscape of cerebral and brooding rhythmic techno. Ominous, mechanistic drones sit above succinctly exacted percussion composition and sound design. Throughout “Artificial Hell”, Kendal shows her proficiency with the push and pull of building and releasing tension. On tracks like “Salvation” and “Relativity” she melds her synth wash wallscapes with driving percussion, serving as both a hint and counterpoint to the the entirety of the latter part of the album taking on spartan ambient compositions as a way to keep the listener in a subdued stasis. This album is a statement piece from a long time participant in the North American underground music sectors. It reminds the listener through perilous, considered rhythms and darker drone impositions to cement themselves back into a place where not
everything is always a good time.
All-woman garage rock band from Phoenix return to pour another down one’s throat. Continuing to tour relentlessly around the world. Produced by Mark Rains (Hooveriii, Death Valley Girls, Hunx and His Punx). The Darts can’t stop, won’t stop! Hot on the heels on last year’s groundbreaking album Snake Oil, The Darts have returned guns blazing with a brand-new album, Boomerang! While on a break from their intense international touring schedule, the band stopped at
Station House Studio in Los Angeles to work with producer Mark Rains (Hooveriii, Death Valley Girls, Hunx and His Punx) with the mission of capturing the band’s raw rock spirit. From the opening chords of “Hang Around,” listeners are launched into an explosive garage party, with the Farfisa organ bringing a carnival and snarky gang vocals adding to the fray. The band doesn’t let up from there. With Nicole Laurenne on vocals and Farfisa, Christina Nunez on bass and backup vocals, Meliza Jackson on guitars, and Mary Rose Gonzales on drums, the tight lineup fuels the album’s themes of resilience and empowerment. Each track on Boomerang packs a punch, drawing the listener into a world of infectious hooks and soaring riffs. “Boomerang is a reference to the fact that, right after we released Snake Oil, we turned right around and went back into the studio to do a whole new full-length album! I can’t stop writing songs! But ‘boomerang’ also refers to a lyric on the album that describes toxic people and things that keep coming back into your life despite your repeated attempts to fling them as far away as possible. This album is my manifesto about finding strength the kind of strength it takes to do what you personally need to do to be peaceful and healthy. For me it meant cutting a lot of stuff out of my life, and that was really hard, but it also meant adding a lot of amazing stuff I never thought I’d see. I’m in a better place than I’ve ever been, and I think you can feel that power in this record.” – Nicole Laurenne
Jacken Elswyth is a London-based folk musician, banjo player, and instrument builder. At Fargrounds is her third solo album, her first for the Wrong Speed label and the latest in a rich catalogue that repositions the spectral, vulnerable sound of the banjo away from its familiar role as signifier of the past and onto lands brave, new and unexplored. “The living wood is imbued with qualities that require engagement and understanding. Working with cherry, oak or walnut involves naming it an equal partner. The parallel, synchronous transformations of wood into instrument, of growing tree into resonating sound, musical tradition into musical flourishing, lie at the heart of Jacken Elswyth’s practices both as an instrument builder and as a creative musician. One might consider her primarily as a worker in wood, but whose craft and fields of expression are absorbed by those transitional and interim processes that manifest change. The traditional tunes included here have been cultivated and maintained by generations of players and collectors, pruned, grafted, and shaped over time. However, in this setting, their long-established forms seem to morph and shift. They audibly accrue unique qualities, blossoming and swelling into new modes of being, bright-stepping arrangements unfolding with a liveliness hinting at practices of ritual and community. Meanwhile, other pieces, creative cornerstones of this collection, appear fluid, partially formed. They suggest not the cultivation of new growth from established stock, but instead the actions of something on the verge of taking form. Working with raw elements of melodic and tonal abstraction, they illuminate the process of emergence and evolution. In this context, the title At Fargrounds is telling. It suggests a point set at some distance from any centre of human concerns, a liminal space in which the cultivated world encounters the world of other living things in their living state. Here, the innate strangeness of the maintained environment–vast lawns, sculpted hedges, vacant playing fields–encounters sprawling vistas of driftwood, dense thickets of brambles, stony hillsides. Across a full century-and-a-quarter, long-standing rural and pastoral musical traditions, at some distance from their origins, have been preserved, nurtured and re-shaped under the folk revival. Placed here, these artefacts now sit in alignment with unvarnished documents featuring the raw elements of sound-making. Their working-together is achieved through a universally-applied interest in musical growth and development. The juxtaposition and combination of these elements gives evidence of new, emerging approaches to community and social music: familiar, known, yet charged with an alien vitality”–CWK Joynes. “...she knows how to knit atmospheres, and does so to especially powerful effect during Scene 4b’s three minutes of stunning bowed banjo, yearning with longing and dread, while showing off her talent, curiosity and range”–Jude Rogers review of Six Static Scenes (Guardian Folk Album Of The Month July 2022) "Jacken is an emotive player with high technical ability. Further, she builds banjos and other instruments, and that intimate knowledge of the bones and fibres holding everything together means that her playing has very few cracks" - Foxy Digitalis
Big Wave, the sixth full-length release from the Catalan singer-songwriter, strides boldly in a new direction, its songs charged with a fresh power -- precipitated by changes in her personal life. On her previous albums, particularly Hardcore From The Heart and Dripping Springs, Joana's music engages in a tug-of-war between fragility and intensity, a dynamic that has caught the attention of major publications such as Mojo, Uncut, and The Guardian, as well as Lauren Laverne, Guy Garvey and Gideon Coe on their BBC 6 Music show. Her songs have been described as "torrents of familiar heartache made startling and luminous". Big Wave retains her characteristic use of reverb and pop melody, but is tighter, fiercer, shrouded in distortion. An emotional and sonic ferocity because "I wanted to be more aggressive," Joana explains. "Because I was going through a period where I was feeling very uncomfortable."
A Londoner with Iraqi and Belarusian heritage, Flo Perlin began learning the cello at the age of five, later falling in love with the guitar when her Colombian teacher Cesar Rodriguez- Duran (the same person who taught Michael Kiwanuka) introduced her to the world of Bossa Nova, which influenced her own finger picking style.
Combining this experience with a diverse range of influences from artists such as Zero 7, Laura Marling, Buena Vista Social Club, Suzanne Vega and Erykah Badu, enabled Flo to develop an accomplished talent, further enhanced by a unique vocal style and ability that is instantly recognisable - a rare gift in today's musical landscape. In addition to the soothing and hypnotic nature of her voice, Flo Perlin is able to create beautifully crafted, melodic and poetic songs that address common yet complex issues, intertwined with profound and personal perspectives. In light of this, BBC 6 Music have described her as "a true storyteller".
'Clay' itself is a metaphor for the human capacity to adapt and adjust to different experiences and challenges. Just like clay, we mould and change shapes
Imagine Crowbar on a diet singing the Ramones refrains at an AC/DC show with Metallica as an opening act. "Rosa" is Italian for "pink" but it also refers to the flower itself. "Rosa" sounds incisive and unconventional, its nine tracks brimming with a buzzing energy and featuring playful vocals and melodies, muscular riffs and highly propulsive drums.
Imagine Crowbar on a diet singing the Ramones refrains at an AC/DC show with Metallica as an opening act. "Rosa" is Italian for "pink" but it also refers to the flower itself. "Rosa" sounds incisive and unconventional, its nine tracks brimming with a buzzing energy and featuring playful vocals and melodies, muscular riffs and highly propulsive drums.
In the process, the saxophonist presents some of his fiercest playing yet. The quartet's synergy is of a unique blend, with each player's distinct voice adding to an ensemble sound capable of conjuring both the quietest storm and the most passionate crescendo. Hershkovits's bountiful stylistic reach and fluent technique swirl around Oded's unmistakable tenor tone with Klampanis providing both backbone and melody, adaptable yet guiding - just like his rhythm- partner Almeid
9 tracks (+ 2 instrumental intermissions) released today by Overdrive records , filling a recording silence that lasted 12 years, thus rekindling that electric fire that has sculpted the sound of the band over the years, made of dynamic connections between bass and drums, and piercing and emotional guitars. FROM FIRE I SAVE THE FLAME delivers us a series of even more fluid and lyrical songs, a tense and inspired composition, vibrant with a renewed energy that feeds on opposites: tension and release, melody and dissonance, heart and brain. And for the occasion the trio wanted DON ZIENTARA at the mixer to best capture this new state of form. Who better than the sound engineer of Fugazi and many Dischord bands could make the sound of THREE SECOND KISS so vivid!
9 tracks (+ 2 instrumental intermissions) released today by Overdrive records , filling a recording silence that lasted 12 years, thus rekindling that electric fire that has sculpted the sound of the band over the years, made of dynamic connections between bass and drums, and piercing and emotional guitars. FROM FIRE I SAVE THE FLAME delivers us a series of even more fluid and lyrical songs, a tense and inspired composition, vibrant with a renewed energy that feeds on opposites: tension and release, melody and dissonance, heart and brain. And for the occasion the trio wanted DON ZIENTARA at the mixer to best capture this new state of form. Who better than the sound engineer of Fugazi and many Dischord bands could make the sound of THREE SECOND KISS so vivid!
9 tracks (+ 2 instrumental intermissions) released today by Overdrive records , filling a recording silence that lasted 12 years, thus rekindling that electric fire that has sculpted the sound of the band over the years, made of dynamic connections between bass and drums, and piercing and emotional guitars. FROM FIRE I SAVE THE FLAME delivers us a series of even more fluid and lyrical songs, a tense and inspired composition, vibrant with a renewed energy that feeds on opposites: tension and release, melody and dissonance, heart and brain. And for the occasion the trio wanted DON ZIENTARA at the mixer to best capture this new state of form. Who better than the sound engineer of Fugazi and many Dischord bands could make the sound of THREE SECOND KISS so vivid!
"Headstones" was the successor to the magnificent debut "Greater Art", released n 1995 and certified that these Swedes are ready for great things. Today, 28 years later, we could say that "Headstones" is an immortal album, one of the most important not only of Lake of Tears, but in the entire history of Doom Metal. Even though its main body synthetically moves in doom paths carved by "Greater Art", "Headstones" has many more innovative features to the point that we would do their music an injustice by trying to categorize it under labels. Here in time is perhaps the pivotal point where the first nuggets of the sound that would follow n the next albums are regognized. Heavy & upbeat riffs alternate with acoustic melodies, pompous drums & passionate vocals, overwhelm the 9 tracks that exist n "Headstones".
We'll skip the unenviable task of picking the best songs, as they're all miles away from the bar we usually set for good music. They move at unbelievable heights, to be fair. However, and this is highly subjective, special mention cannot be made for the all- time classic masterpieces like "A Foreign Road", "Raven land", "Headstones", "Burn Fire Burn", but also for the almost fourteen-minute-long epic saga "The Path Of The Gods (Upon The Highest Mountains, Part 2)" where once again they pick up the thread from where they left it one year ago
Das neue Album von Richard Hawley, "In This City They Call You Love", wird am 31. Mai 2024 veröffentlicht und zeigt, dass Richard Hawley die Verzerrer wegwirft und seine Stimme wieder in den Vordergrund stellt. Nach dem weltweiten Erfolg von "Standing At The Sky's Edge", dem preisgekrönten Musical, das auf seinen Songs basiert, kehrt Richard Hawley mit "In This City They Call You Love" zurück, seinem neunten Studioalbum und seinem ersten seit "Further" von 2019. 'In This City They Call You Love' enthält 12 herausragende Songs, von denen viele als 'vintage Hawley' bezeichnet werden können und zu den schönsten Balladen gehören, die er je geschrieben hat. Wunderschöne Melodien und Arrangements werden von seiner gefühlvollen und sonoren Stimme begleitet, die besser denn je klingt, und machen dieses Album zu einem krönenden Abschluss einer fast 25-jährigen, äußerst erfolgreichen Karriere.
Das neue Album von Richard Hawley, "In This City They Call You Love", wird am 31. Mai 2024 veröffentlicht und zeigt, dass Richard Hawley die Verzerrer wegwirft und seine Stimme wieder in den Vordergrund stellt. Nach dem weltweiten Erfolg von "Standing At The Sky's Edge", dem preisgekrönten Musical, das auf seinen Songs basiert, kehrt Richard Hawley mit "In This City They Call You Love" zurück, seinem neunten Studioalbum und seinem ersten seit "Further" von 2019. 'In This City They Call You Love' enthält 12 herausragende Songs, von denen viele als 'vintage Hawley' bezeichnet werden können und zu den schönsten Balladen gehören, die er je geschrieben hat. Wunderschöne Melodien und Arrangements werden von seiner gefühlvollen und sonoren Stimme begleitet, die besser denn je klingt, und machen dieses Album zu einem krönenden Abschluss einer fast 25-jährigen, äußerst erfolgreichen Karriere.
"Marv Won is a Detroit musical alchemist – a street poet laureate entrenched in the battle rap scene, as well as a cinematic world class producer as capable of channeling Dr. Dre as Donald Goines. Marv breaks new ground with his first Mello Music Group album “I’m Fine, Thanks For Asking” - a soul-baring endeavor, that weaves tales of struggle and triumph, drawing inspiration from his storied life in the Motor City.
As one of the most esteemed battle rappers, Marv Won brings a lyrical ferocity to his unapologetically raw and heartfelt rhymes. This album collaboration with Mello Music Group marks a pivotal moment in his career, showcasing a seamless fusion of his word play and production. The album, featuring collaborations with Quelle Chris, Elzhi, Freeway, Rapper Big Pooh of Little Brother and more, cements Marv Won's status in the rap game. Marv Won's storytelling transcends mere verses, painting vivid portraits of life in the D. Over ten self-produced tracks Marv showcases his ability behind the boards with tracks that blend epic orchestration and Joe Louis drums that hit like Tommy Hearns."
"Never sacrifice the art for anything and never leave home without your respect. Southwest representer Cash Lansky hails from the deserts of Tucson, Arizona about 45 minutes from the Southern border. His story is one of family, trials, growth, and being forced into a role all too many young boys face - being the Man of the House at a young age. Wise beyond his years, Cash grew up quick. This record is the heartfelt result of being able to reflect on that life and bring forth the lessons and stories that make great art.
A seasoned performer and respected member of the Arizona Hiphop scene and Southwest culture, Cash Lansky makes his indie label debut with Mello Music Group on this T-Wade and Mario Luciano produced album (Mario's credits include notable releases like Drake’s “8am in Charlotte”, Kendrick Lamar & Baby Keem’s “Savior” , J. Cole’s “Punchin’.the.clock”, Jack Harlow’s “Is That Ight?”, and H.E.R. & YG’s “Slide”). The new record is mixed by the legendary Willie Green. This is Rec-Center Rap straight from the heart of one the West's best."
Dark Distorted Signals proudly presents their 50st release: "Ordin Air - Ordinize" with a sampler vinyl, including 3 tracks, and a full album, 10 tracks as a cd and via downloadcode, all in one sealed package.
The digital release is also available on all mayor platforms. The vinyl comes as a black and white splatter. That same graphical theme extends to the layout of the cd. This special release is of the hand of Ordin Air, who again delivers his craftsmanschip in melodic techno. Hint: for those who bought the fysical package, look for the hidden gemns!
This full album is not a retrospective of himself, nor of the label. But all tracks combined are like a milestone, a beacon for those who need a textbook example of true dark melodic techno. Each track is unique and independently playable and essential for any DJ who wants to play relevant music. These are power tools! Play it loud!
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Released in 1982, 'Song of the Bailing Man' is an ‘inspired, invigorating, confounding, disturbing... yeah, one hell of a swinging way to go. Still the futility Ubu must have felt making far sighted music in a chronically near-sighted world is pressed hard into these grooves.’ (Melody Maker, David Fricke
Seit mehr als 15 Jahren steht die französische Alternative-Metal-Sensation ONLAP für kraftvolle und motivierende Musik und gewinnt damit die Herzen von Fans auf der ganzen Welt. Jetzt veröffentlichen sie ihr lang erwartetes Album "Waves". Nach einer Serie von Hit-Singles und beeindruckenden Musikvideos ist dies nun der finale Schritt auf dem Weg zur ersten Albumveröffentlichung der Band unter dem Dach von AFM Records. ONLAPs Musik ist die perfekte Mischung aus energiegeladenem Hard Rock und der rohen Modern Metal-Kraft. Alles mit einer einzigartigen melodischen Finesse. Ihre starken Texte über Motivation, Zusammenhalt, Liebe und andere Kämpfe runden das Paket ab, für das ihre Fans sie so sehr lieben.
Ackermann Ignites With My Dub Ep on Syncrophone, a Captivating 4-Track Odyssey Pulsating With Driving Rhythms, Infectious Melodies, and a Raw, Energetic Vibe. Buckle Up for the Title Track's Hypnotic Groove, the Infectious Vocal Sample "I Love My House Music" in "My House," and the Driving Synths and Vocals of "No Vacancy." but When Skudge Unleashes His Magic Groove on the "No Vacancy" Remix, Hold on Tight as He Twists the Original Into a Floor-Shattering Techno Tempest That Will Leave Dance Floors Trembling. Don't Miss Ackermann's Genre-Bending Exploration on Syncrophone. My Dub Ep Promises an Unforgettable Journey Through the Pulsating Depths of Techno Infused With Dub, a Sonic Adventure Guaranteed to Ignite Your Senses....
out of Stock
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Kein Zweifel: Ohne Axel Rudi Pell wäre diese Welt um vieles ärmer. Der Bochumer Gitarrist und Songschreiber hält auch auf seinem 22. (!)
Studioalbum ‚Risen Symbol‘ die Fahne des melodischen Hard Rock hoch, ohne sie mit pseudo-modernen Stilvarianten oder effektheischenden Studiogimmicks zu verwässern. Gleichzeitig sucht er ständig nach neuen Einflüssen, spannenden Inspirationen und griffigen Hooks. Das Beste an den ARP-Hymnen: Sie sind treffgenau auf die charismatische Stimme von Frontmann Johnny Gioeli zugeschnitten. Der Amerikaner gehört zu den besten Rocksängern der Welt und bildet gemeinsam mit Pell, dem früheren Rainbow-Schlagzeuger Bobby Rondinelli und den beiden ARP-Langzeitmitgliedern Ferdy Doernberg (Keyboards) und Volker Krawczak (Bass) ein seit mehr als zehn Jahren perfekt eingespieltes Team, das Fans wie Medien gleichermaßen überzeugt. Veröffentlicht wird ‚Risen Symbol‘ am 14. Juni 2024 über Steamhammer/SPV. Für Ungeduldige gibt es am 3. April 2024 mit der ersten Single ‚Guardian Angel‘ und am 22. Mai 2024 mit dem Nachfolger ‚Darkest Hour‘ zwei Vorabsongs, die Pell treffend mit den Worten beschreibt: „Sowohl ‚Guardian Angel‘ als auch ‚Darkest Hour‘ sind typische-ARP-Songs, aber nicht unbedingt repräsentativ für ‚Risen Symbol‘.“
"Conquerors" ist das zweite Album von New Horizon, das sich als thematische Anthologie, präsentiert, die sich mit entscheidenden Momenten der Geschichte und den bemerkenswerten Persönlichkeiten, die sie geprägt haben, auseinandersetzt.
Der Track "Daimyo" entführt den Hörer in das feudale Japan des 16. Jahrhunderts und erzählt die Sage des berühmten Einigers Oda Nobunaga.
Nach einer bemerkenswerten Reise, die den Sänger Erik Grönwall zu Skid Row führte, begab sich New Horizons Gründer Jona Tee auf die Suche nach einem Sänger, der die Essenz des nächsten Kapitels der Band verkörpern könnte. Seine Suche führte ihn zu seinem langjährigen Freund Nils Molin, dem bekannten Sänger von Dynazty und Amaranthe. Nils souveräner Gesang verbindet sich nahtlos mit Tees vertrackten Melodien, was zu einem Sound führt, der sowohl vertraut als auch erfrischend innovativ ist. Mit "Conquerors", das kurz vor der Veröffentlichung steht, ist New Horizon auf
dem besten Weg, sich im Bereich des Power Metal weiter zu etablieren.
Seit über 20 Jahren sind The Decemberists eine der originellsten, gewagtesten und spannendsten amerikanischen Rockbands. Gegründet im Jahr 2000, setzten sich The Decemberists mit ihrer unverwechselbaren Form von Folk-Rock von Anfang an von der Masse ab, als sie 2001 Debüt veröffentlichten. Seitdem hat die Band neun Alben in voller Länge veröffentlicht, die nicht an ein bestimmtes Genre gebunden und äußerst ambitioniert sind und von an Americana angelehnten Storytelling-Epen bis hin zu Elementen des 70er Jahre Prog, Hard Rock und Disco reichen.
Jetzt meldet sich die beliebte Indie-Band mit ihrem ersten neuen Werk seit sechs Jahren zurück. Ihre neueste Single "Burial Ground", die bereits nach ihrem Live-Debüt im letzten Jahr ein Fan-Favorit war, nimmt den unverhohlenen Fatalismus des 2018 erschienenen Albums I'll Be Your Girl auf und verbindet ihn mit dem Jangle-Pop von The Dentists und den verträumten Harmonien der Beach Boys (mit Unterstützung von James Mercer von The Shins).
Mit den grossartigen Produktionsfähigkeiten des ehemaligen Bandkollegen und jetzigen Produzenten, Ingenieurs und Mixers Fotis Benardo (Rotting Christ, Sakis Tolis, Nightfall, On Thorns Ilay, Suicidal Angels) in seinem Athener Devasoundz Studio wurde "Remains Of A Dead World" zu einer Mischung aus all dem, was Nightrage zu einem integralen Biest gemacht hat. Die Band erweist sich als einer der letzten wahren Meister des Melodic-Death-Metal-Genres, mit völlig unaufhaltsamem Riffing, grandiosen Hooks mit überlebensgrossen Gitarrenmelodien und brutalem Gesang, die Ehrlichkeit und pure musikalische Darbietung direkt aus dem Herzen bieten. Das Mastering übernahm der befreundete George Nerantzis (Abbath, Dark Funeral, Pain Of Salvation, Sakis Tolis), dessen Fähigkeiten dem neuen Album einen immensen Sound voller Klarheit, Kraft und analogem Flair ermöglichten.
Die New Yorker Psych-Pop-Band Crumb kehrt mit AMAMA zurück, ihrem bisher unbeschwertesten und offenherzigsten Album. Eine Klanglandschaft voller spielerischer und patchworkartiger Experimente - glitchy pitch-shifted Vocals, Handy-Aufnahmen, nautische Blips, Saxophon-Soli, explodierende Drum-Samples und mit Hüpfkitt gedämpfte Piano-Saiten - AMAMA vertieft den hypnotischen Sound der Band in einer kohärenten Linie, die sich durch „Ice Melt“ (2021), „Jinx“ (2019) und die EPs „Locket“ und „Crumb“ zieht. AMAMA ist zweifellos Crumb - Sängerin und Multiinstrumentalistin Lila Ramani, Keyboarder und Saxophonist Bri Aronow, Bassist Jesse Brotter und Schlagzeuger Jonathan Gilad - in ihrer lebendigsten Form und bewegt sich an der Schnittstelle von Psychedelia, Pop, Jazz und Rock. AMAMA wurde zusammen mit Johnscott Sanford und Jonathan Rado in Los Angeles produziert.
The wide tapestry of sounds on ‘Inside Out’ reflects many of Richard's musical influences as a pianist. He has always strived to find his own voice when it comes to composition and improvisation, and this comes into focus with the music recorded here. The album features Richard's original compositions and two arrangements of tunes penned by the legendary Carla Bley. The album blends intricate melodies, evocative harmonies and energetic grooves alongside pieces where space becomes the sonic focus. When the band plays as a trio there is always a sense of exploration and freedom within the music and this feeling is what makes this band, and this record, a special one.
Die Komfortzone seiner eigenen Band zu verlassen, um sich auf neue musikalische Pfade zu begeben, erfordert Mut. Daran sollte es MARCO GLÜHMANN als Sänger einer der erfolgreichsten deutschen Artrock-Bands SYLVAN nicht mangeln, da er es ja gewohnt ist, ganz vorne im Rampenlicht zu stehen. Es spricht für seine enorme Kreativität, eine längere Schaffenspause seiner Haupt-Band zu nutzen, um sich ohne die notwendigen Kompromisse, Vorgaben und Beschränkungen seiner Mitstreiter neu auszuprobieren. Herausgekommen ist ein fantastisches Album, das voller Energie und Esprit steckt und irgendwo zwischen Rock, Artrock und anspruchsvoller Popmusik wandelt. Nachdem seine SYLVAN-Bandkollegen Volker Söhl und Johnny Beck letztes Jahr das Projekt VIOLENT JASPER vorstellten, darf man nun auf das Werk "A Fragile Present" ihres Frontmanns gespannt sein!
Speziell die erste Single "My eyes are wide open" hat Marco nicht nur in kürzester Zeit geschrieben, sondern auch die Lyrics sind geblieben. "Die Textstelle 'Lay your head on me, oh my little boy' bereitet mir immer noch Gänsehaut, da ich mir hier mich und meinen Sohn vorstelle und die Liebe, die Kurzweiligkeit des Moments, aber auch Verantwortung spüre, ihn in diese Welt zu ‚schicken'." so der Künstler weiter. Dass gerade dieser Song von keinem geringeren als MARILLION-Gitarrist STEVE ROTHEREY veredelt wurde, einem von Marcos musikalischen Helden, setzt ein ganz besonderes Ausrufezeichen.
Apropos Musiker, das Line-up liest sich wie ein "Who is who" der Artrock-/Progressive-Rock-Szene: neben dem bereits erwähnten STEVE ROTHERY gibt auch BILLY SHEERWOOD von YES ein Gastspiel: er steuerte die Chöre bei "Hear Our Voice" in allerbester YES-Manier bei. RPWL-Gitarrist KALLE WALLNER spielt die meisten Gitarren auf dem Album und war nicht nur als Co-Produzent, sondern auch als Arrangeur maßgeblich beteiligt. Natürlich gibt sich SYLVAN-Gitarrist JOHNNY BECK die Ehre und die Rhythmusgruppe besteht aus Drummer TOMMY EBERHARDT und dem Bassisten MARKUS GRÜTZNER (RPWL). All das wurde aufgenommen, gemischt und produziert von RPWL-Mastermind YOGI LANG in den Farm-Studios, der zudem noch einige Keyboards beigesteuert hat.
"A Fragile Present" ist ein wahres "Bilderbuch"-Album, das man sich schöner nicht wünschen könnte. Tolle und einprägsame Melodien, die einen nicht mehr loslassen, hochemotionale Musik und grandiose Musiker. All das will einen das Album wieder und wieder genießen lassen.
Line-Up:
Marco Glühmann - vocals, keyboards, guitars
Steve Rothery (Marillion) - guitar on "My eyes are wide open"
Billy Sheerwood (YES) - choir on "Hear our voice"
Kalle Wallner (RPWL) - guitars
Johnny Beck (Sylvan) - guitars
Yogi Lang (RPWL) - keyboards
Markus Grützner (RPWL) - bass
Tommy Eberhardt - drums
Die Presse meint:
eclipsed 8.5/10 - ALBUM DES MONATS: "Insgesamt ein wunderbares Album und Beispiel für gelungene Kooperation."
Piranha/Start: "Von dieser Progrock-Basis aus wagt Glühmann den Schritt in Richtung intelligenten Mainstream-rocks: Songs wie "For A While" oder "Reach Out" würden ins Programm der Rockpop-Sender passen, die noch 80s-Rock wie "Boys Of Sum-mer" oder "Kayleigh" in ihrer Playlist haben."
Rock Hard 7.5/10: "…eine ohrenfreundliche Progrock-Scheibe… die etwas straighter und rockiger daherkommt als die Sylvan-Platten. Die stilistische Ausrichtung kann überzeugen, und kompositorisch ist auch alles im deutlich grünen Bereich."
Good Times: "Bei solchen Cracks versteht es sich von selbst, dass mit A FRAGILE PRESENT ein lupenreines - äußerst lyrisches - Prog-Rock-Werk entstanden ist."
Announcing the debut album from one of London’s most electrifying acts, New Regency Orchestra. An 18-piece Afro-Cuban big band, inspired by the musical melting pot of NYC in the 1950s, but with the punch and power of a whole host of London’s best Latin and jazz musicians. Blowing new life into these compositions, the album is a reimagining of some of the finest music from that golden era. From early 1950s René Hernandez and Tito Puente, through to the 1970s salsa of Rafael Labasta and Orlando Marin, produced and performed with fresh fire.
NRO is the brainchild of its artistic director, and the man behind Total Refreshment Centre and Church of Sound, Lex Blondin. Through a long-held passion for jazz, Lex discovered the explosive Afro-Cuban rhythms of mid-1940s NYC via the godfather of Afro-Cuban jazz, Mario Bauzá. A time when two musical worlds collided in a fusion of creativity and energy, jazz luminaries like Dizzy Gillespie and Charlie Parker joining forces with Cuban greats like Machito and Chano Pozo. This vibrant sound was music to dance to and found a home at The New York Palladium, a formative space of freedom and expression that was key to the scene’s development.
Although dance-focussed in their makeup, those early recordings are not often heard in modern club environments and Lex dreamt of retelling their story with a contemporary dynamism. A slice of serendipity followed, as a slot at a new festival opened up and Lex jumped at the chance to make this idea a reality, an 18-piece big band breathing new life into these beloved songs.
Enlisting the expertise of some of the capital’s finest talent, Lex and co-captain Andy Wood, of Como No fame, put together a world-class line-up of talent. Bringing in Eliane Correa as musical director and bandleader, a fluid and interchanging 18-piece band was formed.
The album itself is a hand-picked selection of timeless Afro-Cuban jazz classics, reimagined with NRO’s unbridled energy. It contains ten incredible instrumental tracks including 'Pregon' with its anthemic horn stabs and the addictive head nod bounce of 'Mambo Rama', alongside two scorching vocal numbers in 'Papa Boco' and 'Labasta Llego'. Coupling a heavyweight rhythm section with a wall of horns, they provide a fresh spin on songs from Tito Puente and Chico O'Farrill, René Hernandez through to Rafael Labasta.
“Some of the tunes like Tito Puente’s ‘Mambo Rama’ and ‘Scarlet Mambo’ might sound like they went to a gym as extra drums and bass synth were added to them whilst the tune ‘Sahib & Tito’ is a mix of Tito’s ‘Mambo Buda’ and Sahib Shihab’s ‘Nus’. Our intention is to be both respectful to the innovators and inventors of this incredible music and to pay our dues, but also to add something special from London where the city’s new jazz scene connects with its Latin American musicians and the musical influences around us.”
This pure collective joy, shared experience and music you can’t help but move to.
Die japanische Postrock-Band MONO meldet sich mit "OATH" zurück, ihrem zwölften Album, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den typischen transzendentalen Gitarren-Klängen einer Karriere, die sich seit vier Jahrzehnte erstreckt. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben MONO Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album, OATH, denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Produzenten Steve Albini, beginnt OATH wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert MONO auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von MONOs Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die OATH zu neuen Höhen erhebt. MONO haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit OATH geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto, MONO
Die japanische Postrock-Band MONO meldet sich mit "OATH" zurück, ihrem zwölften Album, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den typischen transzendentalen Gitarren-Klängen einer Karriere, die sich seit vier Jahrzehnte erstreckt. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben MONO Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album, OATH, denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Produzenten Steve Albini, beginnt OATH wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert MONO auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von MONOs Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die OATH zu neuen Höhen erhebt. MONO haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit OATH geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto, MONO
The next release in the Mr Bongo Cuban Classics series, is one of Juan Pablo Torres' most-known and loved albums, the iconic Super Son from 1977. A wonderful record of tripped-out rumbas, psych-Afro-Latin funk and quirky orchestrated tracks with a big band horn section courtesy of Torres’ band, Algo Nuevo.
As well as being the director of Algo Nuevo and Cuban all-star ensemble Estrellas De Areito, the trombonist, bandleader, arranger and producer also released a wealth of albums under his own name predominately on the state-owned imprint Areito/EGREM.
Post-revolution, there was a contrast in Cuba’s musical world. State censorship was at play, but professional musicians were on the government payroll which gave them an artistic freedom. Experimentation emanated in the ‘70s and ‘80s and Super Son is a prime example of that. ‘Y Que Bien' kicks off the album taking you down a tripped-out, cosmic rabbithole, psych guitars and skat vocals opening up into a joyful funk groove laced with jazzy Afro-Cuban horns stabs. Tracks such as 'Pastel En Descarga' seem to come out of nowhere and are completely unique. Fuzzed-up guitar lines and percussion lay the groundwork, with those jubilant horns adding to the energy of this forever building track.
Elsewhere, there’s the ‘70s TV theme-tune feeling of 'Con Aji Guaguao', a playful funk number that boils and bubbles with blistering trombone playing by Torres. Or ‘Son A Propulsión' and ‘Son Riendo’, two more brilliant examples of psychedelic funk, wrapped up in a blanket of Afro-Cuban rhythms. The former sweeping you up in rushes of wind as trumpets, trombones and distorted guitars trade off, the latter, an intergalactic fiesta of tradition and exploration.
Super Son is up there as one of the funkiest Cuban records around, a playful fusion of ideas from a producer, player and group on fine form and, for us, one of our favourite gems to come out of Cuba in this period. A sheer masterpiece.
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Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!
Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!
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