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Teichmann + Söhne’s »Flows« is not so much the result of a collaborative process as it is a process in itself. Over the course of nine pieces, the Gebrüder Teichmann—Andi and Hannes—and their father Uli repeatedly find common ground between the very different musical styles, sound aesthetics, and subcultural codes they have internalised throughout their lives. The source material out of which the album evolved was culled from several recordings of rehearsal sessions in preparation for the trio’s concerts that took place between the years 2012 and 2022. The three added only a few overdubs to those recordings but edited them rigorously to both preserve and transform the spirit of their unlikely collaboration. The combination of Uli’s background as a versatile jazz artist and multi-instrumentalist with his sons’ penchant for dub techniques, modular synthesis, and live sampling as well as their interest in electronic dance music take on ever-different shapes. »Flows,« released on the occasion of Uli’s 80th birthday, is as joyful, lively and free-spirited as its makers.

It took the three musicians decades to get together to jam. Uli and Lu, the mother of Andi and Hannes, ran the legendary Jazzclub Kneiting between 1978 and 1983 while he also made a name for himself as a musician who, besides jazz, is knowledgeable in a plethora of music styles from all over the world and has an instrument collection to match. Naturally, Andi and Hannes rebelled against this versatility by opting for simplicity. Already as pre-teens, they formed a punk band and once they got a whiff of the burgeoning techno scene, strayed even further from their father’s path. They eventually moved from their native Regensburg to Berlin where they made a name for themselves with a slew of releases on seminal labels like Disko B or Kompakt before starting to more regularly collaborate with musicians from the realms of Contemporary Music, Improv, and Sound Art. Even after Uli had finally contributed some saxophone licks to the brother’s 2011 »They Made Us Do It« LP, it indeed needed someone else to make them do it, i.e. finally get together to reconcile their musical differences in a creative way.

Finding out that the three had never performed together, Yoichi Osaki from Berlin’s iconic Miss Hecker venue, a focal point of the city’s so-called Echtzeitmusik (real-time music) and Improv scene, scheduled them to play their first concert on April 1, 2012. Even though the date was chosen deliberately, things got serious very quickly and this first joint concert proved to be the first of many. It also laid the foundation for »Flows« since the three would start recording their rehearsals. Revisiting the roughly 90 recordings, some of which clock in at a full hour, after ten years of playing with each other then started what Hannes describes as a »form-finding process.« It was a holistic one and involved all three of them, extending also to their choice of cover artwork, a piece created by Lu, who died in 2016 and to whom the album is dedicated. For the collage, she had used photos of the place where it all began, Regensburg, and the river that flows through it, the Danube. This made the piece, coincidentally created around the time Teichmann + Söhne started playing their first concerts together, correlate perfectly with the working process of the three musicians on a visual level.

Similarly, Teichmann + Söhne can be thought of as a human-musical collage. It is a meeting of three different musicians who all have in common that they have occupied alternative spaces and perfected a variety of musical styles and subcultural codes throughout their lives. When those flow into each other, this necessarily creates something that is as unique as the nine tracks collected on this album. While it is mostly Uli who takes the lead on pieces like the appropriately titled »Im Zwischen« (»In the Inbetween«), the brothers respond by live sampling his playing, thus serving as a creative interface between acoustic sounds and electronic responses. This in turn provides a framework in which Uli can improvise on a variety of acoustic instruments like the saxophone and the clarinet as well as a mandolin and glockenspiel or even percussion. This indeed makes their music flow—across different generations, between different musical ideas and genres, into previously uncharted territory.

Remastered by Mischa Janisch 2LP

Das österreichische Musikduo Kruder & Dorfmeister, bestehend aus Peter Kruder und Richard Dorfmeister, startete in den 1990er Jahren eine Weltkarriere. Das Duo ist bekannt für seine Downtempo-Remixe von Hip-Hop-, Pop- und Drum-and-Bass-Songs. Ihr erfolgreiches Mix-Album "The K&D Sessions" (1998) wurde in Clubs von Ibiza bis New York rauf und runter gespielt und gilt als Klassiker des Genres. Im Laufe der Zeit wurden die beiden Musiker mit Remix-Arbeiten von Künstlern wie Madonna, Depeche Mode und Roni Size beauftragt. Danach gingen Kruder & Dorfmeister getrennte Wege und waren mit Soloprojekten erfolgreich. Mitten in der Pandemie 2020 veröffentlichten sie ein weiteres gemeinsames Album. Es trägt den Titel "1995" - eine Anspielung auf die Glanzzeit von Kruder & Dorfmeister. Im Oktober 2023 wird nun erstmals eine remasterte "Conversions - A K&D Selection" auf Doppel-Vinyl erscheinen. Ein nahezu historisches Musikdokument eines der erfolgreichsten österreichischen Musikduos

Nachfolger des von der Kritik gefeierten, selbstbetitelten Debütalbum, Vambo mit ihrem 2. Studioalbum. Zwölf Tracks dienen als Schaufenster für das beeindruckende musikalische Talent und die energiegeladenen Auftritte der Band. Die Songs bieten eine Mischung aus melodischen Refrains, knallharten Riffs und dynamischen Gitarrensoli und versprechen ein aufregendes Hörerlebnis. Das Album lässt sich sowohl von "klassischen" Rock-Sensibilitäten als auch von zeitgenössischen Einflüssen inspirieren und präsentiert eine frische und innovative Herangehensweise an das Genre. Produziert von Ray Stiles, ehemaliges Mitglied der 70er-Jahre-Glam-Rocker Mud und langjähriges Mitglied von The Hollies. Jack Stiles Gesang, mit seiner fesselnden Präsenz und kraftvollen Stimme, ist eine magnetische Kraft, an der Gitarre entfesselt Pete Lance eine donnernde Energie, die die Aufmerksamkeit des Publikums vom ersten Powerchord an auf sich zieht, David Flitt, ein dynamischer Schlagzeuger, der die treibende Kraft hinter Vambo ist, der Kraft und Subtilität verbindet. Schließlich noch James Scotts provokante Basslinien verleihen Vambos Musik Tiefe und Kraft. Wie in der "High Hopes"-Strecke des Classic Rock Magazine zu sehen ist, haben sich Vambo als aufstrebende Kraft in der Rockszene etabliert, die nicht zu übersehen ist. Als Live Band ausgiebig auf großen Festivals unterwegs, z.B. das Download Festival, das Isle of Wight Festival und das Stone Free Festival und als Support für Acts wie Jared James Nichols, Y&T, Praying Mantis, Stray und Cats in Space.

Brian Auger’s Oblivion Express was the phoenix that rose from the ashes of sixties combo The Trinity. Fusing R&B, jazz, soul and funk, keyboard maestro Brian Auger created a new breed of music that took the US and the UK by storm. Auger’s unique experimentation culminated in rhythm-infused jazz funk that united Black and white ’70s audiences. The 6 studio albums that make up Complete Oblivion illustrate the group’s diverse musical influences and progression, from the 1970 self titled debut’s heavy jazz-rock to the jazz fusion, latin and disco tinged Reinforcements from 1975 - this process no doubt powered by the groups’ evolving line up, which included guitarists Jim Mullen and Jack Mills, drummers Robbie McIntosh & Steve Ferrone, bassists Barry Dean and Clive Chaman and vocalist Alex Ligertwood. The musical highlights within Complete Oblivion are many, but particular highlights to mention have to be Total Eclipse (Oblivion Express), Fill Your Head With Laugher (A Better Land), the blistering cover of Eddie Harris’ Freedom Jazz Dance (Second Wind), the Barry Dean composition Whenever You're Ready, the version of Marvin Gaye’s Inner City Blues (Closer To It), Beginning Again (Straight Ahead) and the mind bending keyboard tour de force Brain Damage (Reinforcements). Given the groups legendary status among fellow musicians such as Zucchero and Herbie Hancock, DJ’s like Kenny Dope and Gilles Peterson and Auger’s legion of fans worldwide - that mission was fully accomplished - or to put it another way, in the words of super fans The Beastie Boys: “Those who remain oblivious to the obvious delights of Brian Auger’s Oblivion Express do so at their own risk!”

Sampha kündigt mit "LAHAI" sein mit Spannung erwartetes zweites Album an, das am 20. Oktober auf Young erscheint. Nach dem Namen seines Großvaters väterlicherseits benannt, der gleichzeitig auch Samphas zweiter Vorname ist, fließt die Musik auf "LAHAI" zwischen der Ehrfurcht vor dem Leben und der Magie der weltlichen Existenz und beschreibt das Chaos, das man erlebt, wenn man sich dem Kreislauf des Lebens und dem Jenseits stellt. Auf den 14 Tracks hat Sampha enge Freunde und Kollegen zusammengerufen - darunter fantastische Künstler wie Yaeji, Léa Sen, Sheila Maurice Grey (Kokoroko), Ibeyi, Morgan Simpson (Black Midi), Yussef Dayes, Laura Groves und Kwake Bass. Im Gegensatz zum Vorgänger "Process" ist "LAHAI" ein eher kollaboratives Album. Die neueste Single "Only", die von einem Musikvideo von Dexter Navy in Zusammenarbeit mit Sampha begleitet wird und auf dem Vorab Track "Spirit 2.0" folgt, zeigt einen extrem lebendigen Sampha, der melodisch über einen fragmentierten Hip-Hop-Beat mit Co-Produktion von spanischen Musiker El Guincho singt. Im Juni kehrte Sampha zum ersten Mal seit fünf Jahren für seine Satellite Business Residencies in London und New York auf die Bühne zurück. Das einzigartige Setup, bei dem Sampha und seine Band in der Mitte des Raums auftraten, ermöglichte den Fans einen intimen Zugang zu der improvisierten Performance neuer, unveröffentlichter Musik und alternativer Arrangements von Samphas Katalog, die das Publikum "wie gebannt" (Pitchfork) zurückließ. In diesem Herbst wird Sampha eine größere Version der Satellite Business Live-Show auf Tournee mitnehmen. Den Anfang machen mehrere Abende in London in der St. Johns at Hackney Church im Oktober, bevor er nach Nordamerika zurückkehrt, um in großen Städten aufzutreten: Los Angeles, Toronto, New York City, Chicago, San Francisco, Washington D.C., Philadelphia und Atlanta. Anfang Dezember kehrt er nach Europa zurück und spielt in Berlin, Amsterdam und Paris. Wie sein Schöpfer lässt sich auch "LAHAI" nicht in eine Schublade stecken. Das neue Album ist eine Mischung aus Jazz, Soul, Rap, Dance, Jungle und westafrikanischer Musik, mit der Sampha seine produktionstechnischen und stimmlichen Ambitionen auf ein neues Niveau hebt. Als begnadeter Sänger , Songwriter und Produzent ist es kein Wunder, dass Künstler wie Kendrick Lamar, Stormzy, Travis Scott und früher auch Drake, Solange, Frank Ocean, Beyoncé, Lil Wayne und Alicia Keys ihn für seine unnachahmliche Stimme sowie seine Beiträge zum Songwriting und zur Produktion ihrer Musik um Unterstützung baten. Zu seinen früheren kreativen Partnerschaften gehören die Modedesignerin Grace Wales Bonner, das Shy Light Zine mit Durimel (der auch das LAHAI-Artwork gedreht hat), sein Process-Film mit dem Regisseur Kahlil Joseph und kürzlich die Zusammenarbeit mit Jonny Lu, mit dem Sampha das Artwork für sein LAHAI-Album und sein neues Logo entwickelt hat. Wenn "Process", Samphas 2017 mit dem Mercury-Preis ausgezeichnetes Debütalbum, einen Künstler zeigte, der seinen eigenen Platz in der Welt suchte und schließlich auch fand, ist "LAHAI" eine Übung in der radikalen Akzeptanz und Freude am Leben und der Schönheit der Reise bis hierhin. Willkommen zu Samphas nächstem musikalischen Kapitel: LAHAI.

Sampha kündigt mit "LAHAI" sein mit Spannung erwartetes zweites Album an, das am 20. Oktober auf Young erscheint. Nach dem Namen seines Großvaters väterlicherseits benannt, der gleichzeitig auch Samphas zweiter Vorname ist, fließt die Musik auf "LAHAI" zwischen der Ehrfurcht vor dem Leben und der Magie der weltlichen Existenz und beschreibt das Chaos, das man erlebt, wenn man sich dem Kreislauf des Lebens und dem Jenseits stellt. Auf den 14 Tracks hat Sampha enge Freunde und Kollegen zusammengerufen - darunter fantastische Künstler wie Yaeji, Léa Sen, Sheila Maurice Grey (Kokoroko), Ibeyi, Morgan Simpson (Black Midi), Yussef Dayes, Laura Groves und Kwake Bass. Im Gegensatz zum Vorgänger "Process" ist "LAHAI" ein eher kollaboratives Album. Die neueste Single "Only", die von einem Musikvideo von Dexter Navy in Zusammenarbeit mit Sampha begleitet wird und auf dem Vorab Track "Spirit 2.0" folgt, zeigt einen extrem lebendigen Sampha, der melodisch über einen fragmentierten Hip-Hop-Beat mit Co-Produktion von spanischen Musiker El Guincho singt. Im Juni kehrte Sampha zum ersten Mal seit fünf Jahren für seine Satellite Business Residencies in London und New York auf die Bühne zurück. Das einzigartige Setup, bei dem Sampha und seine Band in der Mitte des Raums auftraten, ermöglichte den Fans einen intimen Zugang zu der improvisierten Performance neuer, unveröffentlichter Musik und alternativer Arrangements von Samphas Katalog, die das Publikum "wie gebannt" (Pitchfork) zurückließ. In diesem Herbst wird Sampha eine größere Version der Satellite Business Live-Show auf Tournee mitnehmen. Den Anfang machen mehrere Abende in London in der St. Johns at Hackney Church im Oktober, bevor er nach Nordamerika zurückkehrt, um in großen Städten aufzutreten: Los Angeles, Toronto, New York City, Chicago, San Francisco, Washington D.C., Philadelphia und Atlanta. Anfang Dezember kehrt er nach Europa zurück und spielt in Berlin, Amsterdam und Paris. Wie sein Schöpfer lässt sich auch "LAHAI" nicht in eine Schublade stecken. Das neue Album ist eine Mischung aus Jazz, Soul, Rap, Dance, Jungle und westafrikanischer Musik, mit der Sampha seine produktionstechnischen und stimmlichen Ambitionen auf ein neues Niveau hebt. Als begnadeter Sänger , Songwriter und Produzent ist es kein Wunder, dass Künstler wie Kendrick Lamar, Stormzy, Travis Scott und früher auch Drake, Solange, Frank Ocean, Beyoncé, Lil Wayne und Alicia Keys ihn für seine unnachahmliche Stimme sowie seine Beiträge zum Songwriting und zur Produktion ihrer Musik um Unterstützung baten. Zu seinen früheren kreativen Partnerschaften gehören die Modedesignerin Grace Wales Bonner, das Shy Light Zine mit Durimel (der auch das LAHAI-Artwork gedreht hat), sein Process-Film mit dem Regisseur Kahlil Joseph und kürzlich die Zusammenarbeit mit Jonny Lu, mit dem Sampha das Artwork für sein LAHAI-Album und sein neues Logo entwickelt hat. Wenn "Process", Samphas 2017 mit dem Mercury-Preis ausgezeichnetes Debütalbum, einen Künstler zeigte, der seinen eigenen Platz in der Welt suchte und schließlich auch fand, ist "LAHAI" eine Übung in der radikalen Akzeptanz und Freude am Leben und der Schönheit der Reise bis hierhin. Willkommen zu Samphas nächstem musikalischen Kapitel: LAHAI.

In 2555, in a devastated future, the apocalypse threatens the Earth. The last hope lies with a man capable of time travel. His mission: to return to the past and change the course of events. His target: Gilbert Alibert, a Member of Parliament about to approve the construction of a nuclear power station with the Chinese company Axomako. This event in the present will cause a huge catastrophe in the future, with a radioactive cloud killing half the world's population every 70 years.

Jimmy Tellier and Florent Dorin composed and arranged the film's original music.

Seitdem seine Musik in Quentin Tarantinos Film "Django Unchained" sowie auf den Discovery Channel und National Geographic Kanälen zu hören war, kann Bruder Dege nicht länger behaupten, "eines der bestgehüteten Geheimnisse im tiefen Süden" zu sein. Dege ist Musiker, Schriftsteller, Arbeiter und Erbe einer langen Reihe ungewöhnlicher Charaktere, die im Süden der USA geboren und aufgewachsen sind. Wie das verrückte Liebeskind von Son House, Faulkner und Patti Smith hat sich Dege einen krummen Weg ins Gelobte Land gebahnt. Nach seinen beiden früheren gefeierten Soloalben ("Folk Songs Of The American Longhair" von 2009 und "How To Kill A Horse" von 2013) bietet "Scorched Earth Policy" eine Mischung aus neu aufgenommenen Studio-Songs, Demos, Coverversionen und Feldaufnahmen.

Seitdem seine Musik in Quentin Tarantinos Film "Django Unchained" sowie auf den Discovery Channel und National Geographic Kanälen zu hören war, kann Bruder Dege nicht länger behaupten, "eines der bestgehüteten Geheimnisse im tiefen Süden" zu sein. Dege ist Musiker, Schriftsteller, Arbeiter und Erbe einer langen Reihe ungewöhnlicher Charaktere, die im Süden der USA geboren und aufgewachsen sind. Wie das verrückte Liebeskind von Son House, Faulkner und Patti Smith hat sich Dege einen krummen Weg ins Gelobte Land gebahnt. Nach seinen beiden früheren gefeierten Soloalben ("Folk Songs Of The American Longhair" von 2009 und "How To Kill A Horse" von 2013) bietet "Scorched Earth Policy" eine Mischung aus neu aufgenommenen Studio-Songs, Demos, Coverversionen und Feldaufnahmen.

ICHON, der Rapper und Sänger aus Montreuil (Paris), ist mit seinem neuen Album KASSESSA zurück. Seit Pour de vrai, seinem letzten Projekt, hat der Mann, der gerne sagt, dass er "Rap singt", Paris verlassen und geniesst die Ruhe auf dem Lande. Mit seinen Produzenten Loubenski und Max Baby hat er sich auf dem Dachboden seines Hauses eingenistet.

Dort skizzierte er die Konturen seines neuen Projekts. Das Rap Grundgerüst, das er immer in sich trug, vermischte sich mit seinen melodischen und instrumentalen Inspirationen der letzten Jahre. Wut und Inbrunst mischen sich mit Melancholie, einer Form von Offenheit und dem erzählerischen Feingefühl des Künstlers. Ichon versucht nicht, die Welt zu verändern, sondern uns für die Dauer seines Albums aus ihr herauszuholen. Auf KASSESSA ist es, als ob alle Teile von Ichon endlich zusammenkommen. Er hebt ab, und nimmt uns mit.

“Hellframes" ist ein halsbrecherisches Album, auf dem Game Over weiterhin ihren rasenden, verrückten Thrash Metal abliefern und gleichzeitig das Songwriting aus der Komfortzone herausschieben.

Eine hektische Mischung aus thrashigem Wahnsinn, Punk-Attitüde, ansteckenden Melodien und einigen gruseligen, obskuren Atmosphären. Textlich sind einige Tracks eng miteinander verwoben und erzählen die Geschichte eines Priesters aus dem 15. Jahrhundert, der einen okkulten Kult ins Leben rief, der in der Neuzeit durch Technologie wiederentdeckt wurde und unaussprechlich Böses aus der Hölle entfesselte. Andere Songs tauchen in die Tiefen der menschlichen Existenz und des Geistes ein - Sie erforschen Schmerz, Angst und die unerbittlichen Kämpfe, denen wir uns jeden Tag stellen.

Das klassische Album von 1997 wurde neu aufgenommen und 2011 veröffentlicht. Nach der Veröffentlichung ging das Label, bei dem es erschien, in Konkurs und nur wenige Exemplare gelangten in die Läden. Hier präsentieren wir es wieder in seiner vollen Pracht, mit aufgefrischtem Layout!
Der Black-Metal-Klassiker wird von Infernus, dem Meister des norwegischen Black-Metal-Riffs, dem ikonischen Sänger Pest und Tomas Asklund, einem der besten Schlagzeuger im extremen Metal, tighter als je zuvor gespielt.
Diese Wiederveröffentlichung zeigt, dass GORGOROTH ihrer Zeit mit dem ursprünglichen Songwriting weit voraus waren und diese Wiederveröffentlichung lässt jede sogenannte Konkurrenz weit hinter sich!

In ihrer fast drei Jahrzehnte währenden Geschichte haben sich IMPURE WILHELMINA vom dichten Post-Hardcore zu etwas weitaus filmischerem und erhabenerem entwickelt. Mit der neuen Mini-LP „Dead Decades“ geht das Schweizer Quartett noch einen Schritt weiter: Neben zwei Coverversionen von King Crimson („Fallen Angel“), The Cure („Plainsong“) und dem Komponisten Serge Gainsbourg („La Javanaise“) bisher unveröffentlichte Tracks aus den „Antidote“-Sessions.

Stand by your friends that are hurting. That’s what New Jersey power punks Teenage Halloween do
through soaring arrangements of melodic angst, wracked vocals that insist “I love you so much I would
die for you”, and passion-packed two-minute dispatches tackling topics from gender euphoria, to state
abuses, and an eternal quest for mental wellbeing. The results are potent punk vistas that document
young queer life at the edge of America. In February 2023, the group headed into Headroom Studios
in Philadelphia, PA, under the guiding hand of producer Joe Reinhart (Hop Along, Beach Bunny,
Joyce Manor), and tracked the 13 dispatches on isolation, uncertainty, and hope for better days, that
make up Till You Return. This second full-length outing (due for Oct 20th release via Don Giovanni)
finds the band, which operated as a ‘rotating cast’ in it’s early years, now firmly entrenched as an
essential four-piece comprised of Henderiks alongside Eli Frank (guitar, vocals), Tricia Marshall
(bass, vocals) and Peter Gargano (drums). The quartet maintains the vital energy of their previous
incarnations but brings an even more focused punch to the arrangements that leaves greater room for
Henderiks’ lyrics. Fans of the band will also have noticed the creative assent of Marshall who takes
the vocal lead on multiple songs that have become defining features of the band’s recent live shows
and which bring a fresh new viewpoint to the band’s ongoing sonic mission for a more equal and just
world.

Frank’s Christmas Greetings features Frank Sinatra performing a number of holiday standards. The
songs are lush and gentle,underscoring the warmth in Sinatra’s voice. These 20 wonderful season’s
greetings from “Ol’ Blue Eyes” make a worthwhile album addition to any Sinatra or Christmas music
collection. Frank's Christmas Greetings includes a.o. the following tracks: “Jingle Bells”, “Mistletoe
And Holly”, “O Little Town Of Bethelehem”, “Adeste Fideles” and more. Limited edition on coloured
"surprise" vinyl.

Mit “Twentysomething” gelang Jamie Cullum der internationale Durchbruch. Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint das Album jetzt erstmals auf Vinyl!

“Twentysomething” machte den Engländer 2003 noch nicht ganz zum Popstar, aber immerhin zum bestverkaufenden britischen Jazzkünstler in der Geschichte der UK-Charts. Das Album, auf dem der Sänger und Pianist eine peppige Mischung aus Jazzstandards, Pop-Covern und eigenen Songs bot, verkaufte sich weltweit über 2,5 Millionen Mal und brachte Jamie 11 x Platin, 11 x Gold und 2 x Silber ein.

Zum Jubiläum erscheint “Twentysomething” als ”20th Anniversary Edition” auf Doppel-LP mit fünf BonusTracks, darunter die Single Version des Ohrwurms “Everlasting Love”, die Jamie 2004 für den Soundtrack des Blockbusters “Bridget Jones: The Edge of Reason” aufgenommen hatte.

The Sworn Liars sind zurück von den Untoten mit einem Herz voller Severe Optimism. 12 neue tracks der süfisanten Mischung aus feinstem Knochenstaub und unheiligem Creep Weirdo Garage Rock. Spannend wie Sex mit Till Lindemann, krank, kurz und schaurig aber etwas um sich daran festzuhalten. Kommt auf nettem farbigen Vinyl mit Gedichtsbeiblatt, Sticker und einem verstörenden Poster fürs Kinderzimmer.

Timeless. A voice, once heard, forever recognized. Like Edith Piaf, or Patsy Cline. Not that Jill Barber sounds like them, but she has the kind of voice they had. Unmistakable. Somehow so connected to
the heart, that the song comes clear and true to the listener, naffected, unsullied by fashion, untouched by commercial necessity. It is a voice that stops time. And the songs. Great songs need an
underlying truth, even wisdom. Jill’s songs don’t sound “written”. They sound like standards, like they were always there, waiting for her voice to take full flight. For those that believe they don’t write songs
like they used to, there is new hope for old romantics: On Chances, Jill Barber takes a giant step forward from the typical confines of the singer-songwriter and delivers an album of original, fully orchestrated songs that are often mistaken for classics. The moment the music starts you are taken back to a time where music was romantic, where it dwelled in beauty, and was full of life.

With Chances, Jill has aligned herself with a talented array of performers in capturing the classic sound of a bygone era. Outside Music is proud to reissue Chances for its 15th Anniversary, pressed on limited edition Orchid coloured vinyl.

The lush psych-pop sound of Copenhagen's Halasan Bazar returns with their ambitious third album, "Burns". After numerous shows, recording sessions, a powerful collaboration LP and tours, "Burns" finds the band even more seasoned and impressive, giving the record a breezy naturalism from these gurus of their psychedelic craft.

Recorded in the French mountains, armed with a magical unending bag of weed, Halasan Bazar laid down these tunes mostly live - all vocals, acoustic guitars, drums and piano. This immediacy emphasizes their blissed out sonics, buoyant melodies and kaleidoscopic composition, each moment purposefully placed creating their rich sonic tapestry. Inspired by the greats of Greenwich Village's '60s folk, the lavish production of Lee Hazlewood, vocal harmonies of yesteryear and hallucinogenic day tripping. Some surf-y guitar vibes and plenty of driving piano jams too.

Tunes like "Freak" wave that Halasan flag proudly atop infectious guitar melodies and layered vocal harmonies creating a sing-a-long anthem for the misfits and the weirdos out there. "Get Sick and Die" incorporates swelling strings for an unexpectedly dreamy passage alongside sophisticated rock 'n' roll. One of many highlights, "Burns My Mind" has a driving, catchy groove and the entire band firing on all cylinders crafting a bombastic party atmosphere.

A beautiful and vivid album from an unapologetic band of freaks and dreamers, Halasan Bazar effortlessly leave their mark with "Burns".

Steve Rosborough, Moon Glyph Records

Die französisch-irische Alternative-Rock-Metal-Band MOLYBARON ist bekannt für ihren energiegeladenen, harten Sound, der Elemente aus Alt-Rock, Hard Rock und modernem Metal zu einem eklektischen, dynamischen Klangerlebnis verschmelzen lässt. MOLYBARON liefern eine intensiv rohe, originelle musikalische Signatur, welche Fans aller Genres anspricht. Mit "SOMETHING OMINOUS" verschieben MOLYBARON die Grenzen und präsentieren eine einzigartige Mischung aus tiefem Groove, stampfendem Metal und Heavy Rock. Songs voller Charakter, die durch eine donnernde Rhythmussektion, krachende Bässe unter riffgeladenen Gitarren und chilligen Synthies vermittelt werden. Tracks mit eingängigen Refrains, die durch nachdenklich stimmende Texte geprägt sind, nehmen den Hörer mit auf eine Reise voller Überraschungen und neuer Entdeckungen. Das Album ist ein Beweis für MOLYBARONs außergewöhnliches musikalisches Können, das mühelos durch ein breites Spektrum an Emotionen und Musikstilen navigiert und ein wahrhaft eindringliches Erlebnis schafft. Jeder Track ist akribisch ausgearbeitet und geht nahtlos von stampfenden Hymnen zu introspektiven Balladen über. Der unverkennbare Sound von MOLYBARON wird sich tief einprägen. Die Texte von "SOMETHING OMINOUS" befassen sich mit tiefgründigen und manchmal provokanten Themen und erforschen die Komplexität der menschlichen Erfahrung in der heutigen Zeit. Sie ziehen sich wie ein roter Faden durch die 10 bewusst knapp gehaltenen Songs und kommen direkt auf den Punkt, sind aber aktueller denn je: Alterung, Verfall und die Erosion der Gesellschaft. Das Album nähert sich dem akuten Bewusstsein für den Lauf der Zeit, wenn wir älter werden - dem nachklingenden Bedauern über kostbare Zeit, die mit unwichtigen Dingen und Beziehungen verbracht wurde, der Erwartung, die zu verlieren, die man liebt, und der Angst, alt und allein zu sein. Darüber hinaus geht es um den aktuellen Zustand der Politik - die Absprachen zwischen Staat, Medien und großen Unternehmen; die Manipulation der Öffentlichkeit, die systematische Zensur von Andersdenkenden und unabhängigem Journalismus. Dieses Album ist nicht einfach nur Musik; es ist berauschend und macht süchtig und hungrig nach mehr. "SOMETHING OMINOUS" ist ein Muss für Deine Sammlung.

Louis Cole ist ein Singer-Songwriter und unverschämt talentierter Multiinstrumentalist mit einem ausgeprägten DIY-Ethos aus Los Angeles, Kalifornien. Er ist auf der Mission, tiefe Gefühle durch Musik zu erzeugen und ist das Aushängeschild einer allgemein dem Jazz nahestehenden Szene in L.A., zu der Genevieve Artadi (mit der Cole 2009 die Alt-Pop/ Elektrofunk-Band KNOWER gründete), Sam Gendel, Sam Wilkes, Jacob Mann, Thundercat-Keyboarder Dennis Hamm, Pedro Martins und viele mehr gehören. Sein neues Album, „Quality Over Opinion“, erscheint Mitte Oktober 2022 auf Brainfeeder Records.
Die 20 Tracks des Albums wurden von ihm selbst in seinem bescheidenen Heimstudio geschrieben, eingespielt und produziert, aber Louis lud eine Handvoll enger Freund*innen ein, ihren Beitrag zu leisten, u.a. Genevieve Artadi, den Saxophonisten Sam Gendel, den Pianisten Chris Fishman, Nate Wood von der Band Kneebody, Marlon Mackey und den Gitarristen Kurt Rosenwinkel. Louis' Hauptinstrument ist das Schlagzeug, und er hat einen Hintergrund im Jazz, obwohl die Musik, die er schreibt, wenig Ähnlichkeit mit Jazz im reinen oder klassischen Sinne hat. Dementsprechend gehören zu Coles Maßstäben für „Quality Over Opinion“ neben Jazz-Ikonen wie Miles Davis, der schwedischen Experimental-Metal-Band mit einem ausgeprägten Hang zu Jazz, Meshuggah, Morten Lauridsen und Super Mario Kart auch grenzüberschreitende Komponisten wie Gustav Mahler und György Ligeti. Coles verrückte Musikalität ist kein Geheimnis - seit einem Jahrzehnt lädt er Performance-Videos auf Youtube hoch und hat sich so eine treue Fangemeinde aufgebaut, die sowohl sein Handwerk als auch seinen ausgefallenen Stil zu schätzen weiß. Schlagzeug, Bass, Tasten... er hat eine sehr strenge Einstellung zum Üben und zur Perfektionierung seiner Kunst. Thundercat beschreibt ihn als „einen der größten Musiker von Los Angeles“ und lud ihn Anfang des Jahres ein, auf seiner jüngsten Japan-Tour Schlagzeug zu spielen. Die beiden haben häufig zusammen geschrieben, unter anderem auf Thundercats Liebeserklärung an Cole, „I Love Louis Cole“, aus seinem Grammy-gekröntem Album, „It Is What It Is“, auf „Bus In The Streets“ und „Jameel's Space Ride“ (aus Thundercats 2017er Werk, „Drunk“) und „Tunnels In The Air“ für Louis' 2018er Album, „Time“. Auch Flying Lotus hat seine Bewunderung für Louis zum Ausdruck gebracht und ihn während der Arbeit an seinem 2019er Album, „Flamagra“ als „super inspirierend“ bezeichnet. Im vergangenen Jahr begann Louis seine bisher größte Zusammenarbeit mit dem Grammy-prämierten Metropole Orkest, unter der Leitung von Jules Buckley, für eine Reihe einzigartiger Konzerte in den Niederlanden, die 2023 fortgesetzt werden, bevor er im Oktober dieses Jahres mit seiner Big Band durch die USA touren wird.

DJ Bone is a Detroit titan. He plays on the decks with high energy and next-level skill that few can match - which is why they call him the Terminator. He pulls no punches in the studio either, crafting all killer no-filler club weaponry as exemplified here by his new album Further. This is top-level techno on his own Subject Detroit label with lashings of machine soul, futuristic ideals and evocative atmospheres. Some cuts sink into deep inner grooves and take you on a mindful trip and some are more wildly expressive, but all of them bang in the club.

More French touch classics with the quintessential filtered disco looped bangers from Bangalter & DJ Falcon on 7" for the first time! As always, only 300 copies so don't miss out.

2xLP, 180g Vinyl. Zehn Jahre ist es her, dass ANE BRUN ihr erstes Jahrzehnt als Künstlerin mit der Veröffentlichung von SONGS 2003-13, einem karriereumfassenden Doppelalbum, markierte. Jetzt, wo ihr internationaler Ruf floriert, gibt SONGS 2013-23 der angesehenen, mit Platin ausgezeichneten und mit mehrfachen norwegischen und schwedischen Grammy-Auszeichnungen geehrten norwegischen Singer-Songwriterin die Möglichkeit, ihr zweites Jahrzehnt als Künstlerin zu feiern und gleichzeitig die fortlaufende, faszinierende Entwicklung ihres einzigartigen, fesselnden Talents zu illustrieren. Die Sammlung vereint Tracks des extrovertierten "When I'm Free" von 2015 und der Zwillingsveröffentlichungen der Pandemie-Ära, dem reich strukturierten "After The Great Storm" von 2020 und dem zerbrechlicheren, intimeren "How Beauty Holds The Hand Of Sorrow", und bietet mit dem brandneuen Song "Hand In The Fire" auch einen möglichen Hinweis auf Bruns nächste Schritte. Wie seine Vorgänger wird das Album von ihrem eigenen Label Balloon Ranger veröffentlicht und verkörpert Bruns Mischung aus kühnen, erhebenden Gefühlen und tröstlichen, melancholischen Melodien, vorgetragen von einer der einfühlsamsten Stimmen unserer Zeit.

So This Is Christmas is a compilation of Coloured Vinyl, Limited Edition 13 christmas tracks released as LP on 26 Nov 2021. So This Is Christmas includes a.o. the following tracks: “De Staat - Let It Snow”, “Miss Montreal - Being Alone At Christmas”, “Elske De Wall - Last Christmas, One Last Time”, “Pete Philly - Have Yourself A Merry Little Christmas” and more.

blur’s classic second album Modern Life Is Rubbish turned 30 this year and to celebrate this occasion, Parlophone are releasing a limited, coloured vinyl edition, for National Album Day in October.

Modern Life Is Rubbish and its singles: For Tomorrow, Chemical World and Sunday Sunday have been featured across blur’s online channels throughout the year, with a colour*, 4K upgrade of the For Tomorrow video getting nearly 350k views in 3 months (*the first time a colour version of this video has ever been seen!).

The six-track release is the band in their early raw form. Their sound developed over their illustrious 25-year career, but ‘Captain’ is a reflection of a band who, at the time, were disrupting a thriving indie scene with a unique edgier, more angular sound. Their live reputation preceded them, never failing to impress the fast-expanding fanbase. 'Captain' was recorded in October 1997 and was initially released on Deceptive Records in January 1998. The band signed to EMI shortly before the release of 'Captain'.

With part of Dragibus F. de Quengo (Also creator of the Sonic Prpotest Festival), and two of the Ulan Bator musicians you will here get here a Rock'n'rool high time of a kind !

Record comes with a serygraphied sleeve and inserts and dowload codes !

ON THORNS I LAY sind griechische Titanen. Während ihre Kollegen von Rotting Christ, Septic Flesh und Nightfall eher dem symphonischen und schwarzen Metal zugeneigt waren, setzte die Band aus Athen auf ihrem Debüt von 1994 auf einen Hauch von Gothic. Das macht Sinn, schließlich sind sie nach einem Sonett von Shakespeare benannt.

ON THORNS I LAY haben bisher 9 Alben veröffentlicht, darunter Orama, Crystal Tears, Aegean Sorrow und Threnos, die großartige Kritiken erhielten (Scream Norwegen, Album des Monats, Inferno Finnland 5/5, Metal Storm Top 5 Alben des Jahres 2020 und viele andere...). Sie teilten die Bühne mit großartigen Bands wie Dream Theater, In Flames, Anathema, Amorphis, Katatonia, Rotting Christ, Tiamat, The Gathering, Satyricon, Septic Flesh und vielen mehr.

Ihr Musikstil ist purer, atmosphärischer, melodischer Doom Death Metal!

Das letzte Album "Threnos" folgte dem Pfad des atmosphärischen, aber dennoch emotionalen Doom Death Metal - eine Hommage an die Wurzeln und ein weiteres Mal das Markenzeichen der Band. ON THORNS I LAY erzählen weiterhin dichte Geschichten von Verlust und Verzweiflung.

Dreißig Jahre und zehn Alben später veröffentlichen ON THORNS I LAY nun ihr erstes Album bei Season of Mist. Ihr selbstbetitelter Longplayer treibt den Death-Doom in epische Höhen und wirft einen neuen, gotischen Glanz auf die muskulösen Riffs und den höhlenartigen Gesang, der an die seligen Tage des Peaceville-Death-Dooms der frühen 90er Jahre erinnert.

ON THORNS I LAY sind griechische Titanen. Während ihre Kollegen von Rotting Christ, Septic Flesh und Nightfall eher dem symphonischen und schwarzen Metal zugeneigt waren, setzte die Band aus Athen auf ihrem Debüt von 1994 auf einen Hauch von Gothic. Das macht Sinn, schließlich sind sie nach einem Sonett von Shakespeare benannt.

ON THORNS I LAY haben bisher 9 Alben veröffentlicht, darunter Orama, Crystal Tears, Aegean Sorrow und Threnos, die großartige Kritiken erhielten (Scream Norwegen, Album des Monats, Inferno Finnland 5/5, Metal Storm Top 5 Alben des Jahres 2020 und viele andere...). Sie teilten die Bühne mit großartigen Bands wie Dream Theater, In Flames, Anathema, Amorphis, Katatonia, Rotting Christ, Tiamat, The Gathering, Satyricon, Septic Flesh und vielen mehr.

Ihr Musikstil ist purer, atmosphärischer, melodischer Doom Death Metal!

Das letzte Album "Threnos" folgte dem Pfad des atmosphärischen, aber dennoch emotionalen Doom Death Metal - eine Hommage an die Wurzeln und ein weiteres Mal das Markenzeichen der Band. ON THORNS I LAY erzählen weiterhin dichte Geschichten von Verlust und Verzweiflung.

Dreißig Jahre und zehn Alben später veröffentlichen ON THORNS I LAY nun ihr erstes Album bei Season of Mist. Ihr selbstbetitelter Longplayer treibt den Death-Doom in epische Höhen und wirft einen neuen, gotischen Glanz auf die muskulösen Riffs und den höhlenartigen Gesang, der an die seligen Tage des Peaceville-Death-Dooms der frühen 90er Jahre erinnert.

Nicky Prince has never been bound by musical genre. The Milton Keyes born and raised. Vocalist has the versatility to fit any vibe while not compromising her signature sound. Although best known for her Garage hits with Zed Bias in the early 2000s, Nicky was performing and recording with various acts well before the height of Garage’s popularity. She started her career singing in Soul and Funk bands, and over the last two decades has lent her voice to Electro, Hip-Hop, Drum & Bass, House, and Ska tracks.
In 2009 Nicky graced listeners with her debut solo EP “See What You Mean.” Within only five tracks the singer-songwriter displays impressive range, from the up-tempo, energetic funk of “I’m Hearing You” to a bluesy rendition of Nina Simone’s “Don’t Let Me Be Misunderstood,” to the hushed tones of the EP’s sole acoustic number, “Balancing Scales.” She is backed on this effort by her band Soul Selecta, which includes renowned UK session players Dave Baldwin on Hammond organ and Robert ‘Skins’ Anderson on drums/percussion. Sadly, the release was criminally slept-on.

While “See What You Mean” was available on streaming services and CD, the EP
never received the vinyl treatment. So, rather than simply reissuing the project, Nicky has teamed with KU to offer what she calls a “reincarnation” of her debut on wax.

Now retitled “Listen Up,” this underrated affair has had new life breathed into it. To bring out the best in the original recordings, each song has been meticulously remastered by Christian Obermayer at Strype Audio. Then to fill out the 12”, Nicky has added a handful of unreleased songs, including a heavy groove cover of Michael Jackson’s “I Can’t Help It,” which sees her reconnect with Zed Bias; a punchy, funked up tune titled “Listen Up;” and the original version of “Balancing Scales” that reveals what the track sounded like before it was stripped down to just guitar and vocals. This offering perfectly captures Nicky’s distinct tastes and inspirations. Further, it fills a hole in your record collection that you didn’t know was there until now.

The album features tracks "Ode to a Conversation Stuck in Your Throat" (performed on Late Night with Seth Meyers), "Perfume" (Top #8 Most Spun at SiriusXM), "Sorry I Am" (Triple J's Best New Music)" and more.

In addition to a run of sold out headline dates in the US and UK/ EU, Del Water Gap has recently been on the road with Maggie Rogers, Arlo Parks, girl in red and Jeremy Zucker. His sophomore album I Miss You Already + I Haven't Left Yet will be out this fall.

Tear Gas wurde 2009 veröffentlicht und ist das vierte und wohl bemerkenswerteste Studioalbum von The Jacka. Das 19- Track-Album erreicht Platz 93 der Billboard Top 200 und ist vollgepackt mit Features aus der Bay Area und nationalen Legenden wie Andre Nickatina, Matt Blaque, E-40, Mistah F.A. B., Cellski, Zion I, AP.9 , Dubb 20, J. Stalin, Devin The Dude, Paul Wall, Masspike Miles, Planet Asia, Cormega, Ampichino und Freeway. Das Album enthält die Hitsingles „All Over Me feat. Matt Blaque“ und „Glamorous Lifestyles feat. Andre
Nickatina“.

ODESZA veröffentlichen eine gemeinsame EP mit dem Yellow House, dem Songwriter, Produzenten und Instrumentalisten Emile van Dango aus Kapstadt in Südafrika. Die verträumte „Flaws In Our Design“-EP wird ab dem 29. September 2023 auf himmelblau-transparentem Vinyl erhältlich sein.

„‚Heavier‘ war eine Zusammenarbeit, die vor fünf Jahren begann.“, so Harrison Mills & Clayton Knight von ODESZA. „Wir entdeckten Emile/ Yellow House auf Soundcloud und waren sofort von seiner Stimme und seiner Performance angetan! Nachdem wir erfolgreich ein paar Demos produziert hatten, flogen wir ihn aus Südafrika ein, um mit uns in unserem Studio in Seattle zu arbeiten.

Die Musik hatte von Anfang an diese unverwechselbare Energie, als hätten wir etwas Besonderes entdeckt. Wir fühlten uns zu einer einzigartigen Mischung aus elektronischer Produktion und Emiles unglaublicher Fähigkeit, nostalgische Melodien und erzählende Texte zu kreieren, hingezogen.“ Emile van Dango/ Yellow House sagte über „Heavier“, dass der Track „die Idee war, die vor fünf Jahren den Anstoß für die gesamte Zusammenarbeit gab. Von Anfang an hatte der Track diese unverwechselbare Energie, etwas Besonderes entdeckt zu haben. Er fängt genau den Moment ein, in dem sich unsere beiden Welten trafen."

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "HEAVN" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "HEAVN" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

First Vinyl Release for 1994 Britpop outfit Salad, fronted by Dutch vocalist and former MTV VJ Marijne Van Der Vugt (vocals and keyboards). Originally released on Island records as a compilation made up of their early singles , b-sides and EP material.

Comes with an exclusive hand-signed insert from Marijne.

Paul Kennedy (Guitar, Vocals), Pete Brown (Bass) and Rob Wakeman (Drums).

Supported Blur back in 1993 where they rose to prominence after a couple of EP releases. This compilation takes the best of their early years material. A must have for fans of Brit-Pop, British Alternative Rock and 90’s Indie.

140g Black Vinyl with exclusive signed print.
Features the tracks ‘Diminished Clothes’, ‘Kent’ and ‘On A Leash’.

It's rare to see Nassau, Covid and Grace Jones in the same sentence, but they were indeed part of the creative basis for DJ Vadim's brand new album, FEEL UP.

As a busy international DJ, this was nothing short of armageddon for Vadim. The skies were darkened, but rather than sink into inactivity and hibernation, DJ Vadim created within himself his own tropical music festival, an alternative universe that would share some kind of kinship with the recordings made at Compass Point Studios, orchestrated by Chris Blackwell for Grace Jones (1980-1982), James Brown, AC/DC, and many others...

It was a melting pot of world-class musicians, blending reggae, pop, soul and African rhythms and sounds... together creating one of the most influential albums of the period, and it was in this spirit that the inspiration and title of DJ Vadim's new album, FEEL UP (literally 'Feel good' / 'Have the strength, the courage'), was born.

Forty years after those sessions at Compass Point Studios, the same quest for discovery took place in Vadim's Barcelona studio. The desire for growth, self-discovery and the creation of new sounds took hold. The dubcatcher with its 80s digital sounds went out and came back with a wide variety of musical tapas.

Inhale, exhale, FEEL UP is the soundtrack you've been missing without even knowing it!

As a songwriter and a performer, he played a vital role in the development of the idiom.

Growing up in central Texas, he was impacted by a wide range of musical influences, such as the Texas honky- tonk of Ernest Tubb, the western swing of Bob Wills, and even the polka bands of German-American.

He had begun writing songs as a child and by the time he reached adulthood was starting to turn out fully realized masterpieces such as Night Life and Misery Mansion.

This release presents Nelson's underrated debut LP, ...And Then I Wrote, originally issued in 1962 on the Liberty label.