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Imprint is the 1st V/A on MBMUSIC LTD. and features tracks from artists that inspired the concept of the label and comes in both digital and vinyl format. 5 Tracks to reflect the inner voice of the artists involved and their musical imprints, expressing themselves thru sound. A1.

Track "Contemplate" is signed by DanielI very well know for his great production skills with dub/ambient texture and deep groovy rhythms. A2. "Crystalline" by label head MBM showcase his musical taste for harmonies and slow-deep beats, a track that suits perfectly for club and listening environments.

B side opens with track "Peal Of Nian" by Polygonia, an artists that very well respected in the scene for her specific sound inspired by nature and plants giving us a pure gem for the record. B2. "Toki Fuko - 9128" goes deeper into the abyss with a more hypnotic approach perfectly reflecting the style of the artist. The release closes with B3. track from emerging Vyria: "Dome" track combines tribal rhythms and sounds with drive and subtle distortion to open new perspective on label sound.

Animal Collective veröffentlichen ihr neues Studioalbum "Isn't It Now?". Das Quartett, bestehend aus Avey Tare, Panda Bear, Deakin und Geologist, nahm das Album mit dem Grammy-Preisträger und Produzenten Russell Elevado (D'Angelo, The Roots, Kamasi Washington) auf, der es auch mitproduzierte und abmischte.

Die Struktur von Animal Collective ist seit langem eine Spielwiese, ein offener Raum, um neue Ideen und Einflüsse auszuprobieren und auszuleben. Und warum auch nicht? Es kann bedeuten, dass man Panda Bear erlaubt, sich mehr auf sein Schlagzeugspiel zu konzentrieren, oder dass man Deakin ermutigt, tiefer in sein Klavierspiel einzutauchen. Oder man lässt dem aufkeimenden Interesse von Avey Tare und Geologist an der Musik der Renaissance - dem Flötenspiel, der Drehleier, der vergoldeten Polyphonie - Raum zur Entfaltung. Diese Impulse sind der Kern von "Isn't It Now?", dem zweiten Animal Collective-Album in ebenso vielen Jahren und ein markanter Meilenstein auf ihrer fröhlichen Rundreise. Mit 64 Minuten ist Isn't It Now? das längste Animal-Collective-Album aller Zeiten, wobei fast ein Drittel der Laufzeit auf die hinreißende und eruptive 22-minütige Ode an die hoffnungsvolle Beharrlichkeit, "Defeat", entfällt. Sie haben es in nur 12 Tagen fertiggestellt und dabei höchstens 24 Kanäle verwendet, was nicht nur davon zeugt, dass sie diese Songs auf der Time Skiffs-Tour aufgenommen haben, sondern auch davon motiviert, dass sie wieder in einem Raum zusammen waren.

Animal Collective veröffentlichen ihr neues Studioalbum "Isn't It Now?". Das Quartett, bestehend aus Avey Tare, Panda Bear, Deakin und Geologist, nahm das Album mit dem Grammy-Preisträger und Produzenten Russell Elevado (D'Angelo, The Roots, Kamasi Washington) auf, der es auch mitproduzierte und abmischte.

Die Struktur von Animal Collective ist seit langem eine Spielwiese, ein offener Raum, um neue Ideen und Einflüsse auszuprobieren und auszuleben. Und warum auch nicht? Es kann bedeuten, dass man Panda Bear erlaubt, sich mehr auf sein Schlagzeugspiel zu konzentrieren, oder dass man Deakin ermutigt, tiefer in sein Klavierspiel einzutauchen. Oder man lässt dem aufkeimenden Interesse von Avey Tare und Geologist an der Musik der Renaissance - dem Flötenspiel, der Drehleier, der vergoldeten Polyphonie - Raum zur Entfaltung. Diese Impulse sind der Kern von "Isn't It Now?", dem zweiten Animal Collective-Album in ebenso vielen Jahren und ein markanter Meilenstein auf ihrer fröhlichen Rundreise. Mit 64 Minuten ist Isn't It Now? das längste Animal-Collective-Album aller Zeiten, wobei fast ein Drittel der Laufzeit auf die hinreißende und eruptive 22-minütige Ode an die hoffnungsvolle Beharrlichkeit, "Defeat", entfällt. Sie haben es in nur 12 Tagen fertiggestellt und dabei höchstens 24 Kanäle verwendet, was nicht nur davon zeugt, dass sie diese Songs auf der Time Skiffs-Tour aufgenommen haben, sondern auch davon motiviert, dass sie wieder in einem Raum zusammen waren.

Der Plan sah vor, im Frühjahr 2023 direkt wieder ins Studio zu gehen, bei dem alten Freund Paul Grau in Motril, Spanien. Noch euphorisiert von der gelungenen Herbst-Tour machten Gisbert zu Knyphausen, Moses Schneider und Tobias "der dünne Mann" Friedrich Nägel mit Köpfen und buchten, was zu buchen war. Einziges Problem: sie hatten keinen einzigen neuen Song. Aber man wächst an seinen Aufgaben, nicht wahr? Irgendwo in der untersten Schublade, hinter der Rolle Zwirn, dem Anspitzer und der Ballpumpe lag dann doch noch das ein oder andere Instrumental, ein halbes Lied, ausgeschwitzte Reime und drei angebissene Texte. Um Weihnachten herum kamen in einem klammen, kleinen Übungsraum noch diverse ganz neue Stücke hinzu. Im Januar 23 traf sich die Husten-Delegation mit der Live-Ergänzungsmaschine Marcus Schneider (Gitarre), Ben Lauber (Schlagzeug) und Arne Augustin (Keyboard), um 15 oder 16 neue Lieder zu arrangieren. Obwohl Motril nicht mit Wärme und Sonne geizte, sahen sich am Ende der zwölftägigen Aufnahmen alle etwas verwundert an ob der Düsternis der Stücke. Wie sollte man das Konvolut sinnvoll auf einem Album anordnen? Also alles auf Schwarz. Von dunkel nach hell.Auf dem Weg kommt man aus dem dystopischen "Bis morgen, dann" an der Trauer von "Ja und ja" vorbei, schaut "Elli" dabei zu, wie sie unter die Armutsgrenze rutscht, bettelt "Lass mich bitte nicht in Ruh", blickt auf "Die andere Seite der Angst", sieht dem verblichenen Träumer Achim hinterher, tanzt "Nüchtern im Club", stellt sich hinter dem "Flamingo Hotel" ein paar philosophische Fragen, erinnert sich an ferne Tage und "Weiße Tiger" und bittet die Welt um Vergebung, da der perfekte Song auch mit "Für immer und ewig" nicht gelungen ist. Am Ende erschien es nur logisch, das Album "Aus einem nachtlangen Jahr" zu nennen.Ladies and Gentlemen: Aus einem nachtlangen Jahr - wohin auch immer. PS: Es passt sprichwörtlich ins Bild, dass die Berliner Künstlerin Tina Berning an wunderschöner Melancholie kaum zu überbietende Zeichnungen beisteuerte, für die Dunja Berndorff das perfekte Artwork fand.

Der Plan sah vor, im Frühjahr 2023 direkt wieder ins Studio zu gehen, bei dem alten Freund Paul Grau in Motril, Spanien. Noch euphorisiert von der gelungenen Herbst-Tour machten Gisbert zu Knyphausen, Moses Schneider und Tobias "der dünne Mann" Friedrich Nägel mit Köpfen und buchten, was zu buchen war. Einziges Problem: sie hatten keinen einzigen neuen Song. Aber man wächst an seinen Aufgaben, nicht wahr? Irgendwo in der untersten Schublade, hinter der Rolle Zwirn, dem Anspitzer und der Ballpumpe lag dann doch noch das ein oder andere Instrumental, ein halbes Lied, ausgeschwitzte Reime und drei angebissene Texte. Um Weihnachten herum kamen in einem klammen, kleinen Übungsraum noch diverse ganz neue Stücke hinzu. Im Januar 23 traf sich die Husten-Delegation mit der Live-Ergänzungsmaschine Marcus Schneider (Gitarre), Ben Lauber (Schlagzeug) und Arne Augustin (Keyboard), um 15 oder 16 neue Lieder zu arrangieren. Obwohl Motril nicht mit Wärme und Sonne geizte, sahen sich am Ende der zwölftägigen Aufnahmen alle etwas verwundert an ob der Düsternis der Stücke. Wie sollte man das Konvolut sinnvoll auf einem Album anordnen? Also alles auf Schwarz. Von dunkel nach hell.Auf dem Weg kommt man aus dem dystopischen "Bis morgen, dann" an der Trauer von "Ja und ja" vorbei, schaut "Elli" dabei zu, wie sie unter die Armutsgrenze rutscht, bettelt "Lass mich bitte nicht in Ruh", blickt auf "Die andere Seite der Angst", sieht dem verblichenen Träumer Achim hinterher, tanzt "Nüchtern im Club", stellt sich hinter dem "Flamingo Hotel" ein paar philosophische Fragen, erinnert sich an ferne Tage und "Weiße Tiger" und bittet die Welt um Vergebung, da der perfekte Song auch mit "Für immer und ewig" nicht gelungen ist. Am Ende erschien es nur logisch, das Album "Aus einem nachtlangen Jahr" zu nennen.Ladies and Gentlemen: Aus einem nachtlangen Jahr - wohin auch immer. PS: Es passt sprichwörtlich ins Bild, dass die Berliner Künstlerin Tina Berning an wunderschöner Melancholie kaum zu überbietende Zeichnungen beisteuerte, für die Dunja Berndorff das perfekte Artwork fand.

Das Jeffrey Lee Pierce Sessions Project, das sich aus Teilen des legendären Gun Clubs, Freund*innen des Sängers Jeffrey Lee Pierce (1958-1996) und Fans des Künstlers zusammensetzt, präsentiert mit "Axels & Sockets" den dritten Teil eines außergewöhnlichen Projekts. Mit Künstler*innen wie Nick Cave, Debbie Harry, Mark Lanegan, Lydia Lunch, Warren Ellis, Mick Harvey und Kid Congo Powers sind hier viele bekannte Namen der ersten zwei Teile "We Are Only Riders" und "The Journey Is Long" vereint. Zum ersten Mal dabei sind keine Geringeren als Mark Stewart, Thurston Moore, Primal Scream, Andrew Weatherall und Punkikone Iggy Pop! Koordiniert von Pierce"s musikalischem Wegbegleiter Cypress Grove, schaffen es die Musiker*innen auch beim dritten Teil, aus Songskizzen, Demoaufnahmen, Riffs, Textfetzen und Soundschnippseln, die Pierce vor seinem Tod aufgenommen und niedergeschrieben hatte, neue und atemberaubende Songs zu machen.

Nach dem erfolgreichen 2009er-Debüt "We Are Only Riders" legt das Jeffrey Lee Pierce Sessions Project ein zweites Album mit zuvor unveröffentlichten Vorlagen des Gun-Club-Sängers Jeffrey Lee Pierce (1958 - 1996) vor, wiederum eingespielt von befreundeten Artists und Weggefährt*innen. Ausgangspunkt für viele Songs war eine Musikkassette mit Songideen von Pierce, die Cypress Grove, ein Musiker aus der späten Gun-Club-Phase, zufällig beim Aufräumen fand. Wie im von Pierce so geliebten Jazz, spielte beim Sessions Project jeder bei jedem, interpretierte oder bearbeitete man gemeinsam textliche und melodische Fragmente. Auf "The Journey Is Long" trifft sich ein Who"s who des Indie-Adels: Nick Cave, Mick Harvey, Debbie Harry & Chris Stein, Lydia Lunch, Kid Congo Powers, Tav Falco"s Panther Burns, Mark Lanegan & Isobel Campbell, Steve Wynn, Warren Ellis, Barry Adamson, Thalia Zedek & Chris Brokaw, Hugo Race und viele andere.

Elf hymnischen Songs, die die Brasilianer der politischen Lage ihres Heimatlands gewidmet haben. "IV" entstand unter schwierigen Bedingungen. Durch die Machtübernahme von Jair Bolsonaro hatte sich für brasilianische Punkbands vieles massiv geändert. Es ist ein technisch versiertes und extrem kämpferisches Stück Hardcore-Punk in der Schnittmenge Propagandhi, Dag Nasty und Municipal Waste.

Elf hymnischen Songs, die die Brasilianer der politischen Lage ihres Heimatlands gewidmet haben. "IV" entstand unter schwierigen Bedingungen. Durch die Machtübernahme von Jair Bolsonaro hatte sich für brasilianische Punkbands vieles massiv geändert. Es ist ein technisch versiertes und extrem kämpferisches Stück Hardcore-Punk in der Schnittmenge Propagandhi, Dag Nasty und Municipal Waste.

S. O. R. M sind ein Hard Rock/Heavy Metal Act aus Lidkoping, Schweden. Kurz nach der Bandgründung veröffentlichte S. O. R. M die herausragende "Hellraiser EP" und führte die Band mit der hookgeladenen Lead-Single und dem Videoclip "Gypsy Queen" der Welt vor. S. O. R. M. bestätigte seinen Platz als Act, der in der Lage ist, ein breites Heavy-Musik-Publikum anzusprechen, indem er zeitgenössischen und traditionellen Hard Rock und Heavy Metal verschmelzte und Fans von Acts wie Grand Magus, GHOST und Night Flight Orchestra bis hin zu den Ikonen des Genres, WASP und Judas Priest, ansprach. Im Jahr 2020 unterschrieb die Band mit den Mitgliedern Micke Holm (Guitar and Vocals), Johan Östman (Bass) und Robin Wernebratt (Drums) beim neu gegründeten Label Noble Demon und schloss sich Acts wie Night Crowned, Dawn Of Solace, No Raza und Gomorra an.Die Band wird 2023 ein Debütalbum veröffentlichen. Im Jahr 2021 schloss sich die Band für einige Shows mit dem Gitarristen von W. A. S. P. Doug Blair als Vollband und als akustisches Duo mit Micke und Doug zusammen.

Tribe Friday ist eine Band gitarrenschwingender Emo-Kids aus den Wäldern Schwedens, die die rauen Indie-Rock-Dancehall-Sounds der frühen 2K-Jahre mit dem Party-Feeling der Generation Z nach der Pandemie verbindet. Ihre von Sarkasmus, Witz und Charme geprägten Songs handeln von Selbstironie, Identität, Verwirrung, Liebe und Tod. Inspiriert von Künstlern wie den Strokes und My Chemical Romance schufen sie auf ihrem hochgelobten Debüt 'Bubblegum Emo' (2022) mit dem Szene-Hit 'Shut Me Up' ihren ganz eigenen Sound. Auf dem neuen Album 'Hemma' wenden Tribe Friday ihre verbesserten Songwriting- und Produktionsfähigkeiten an, um im Indie-Rock-Sound über einige der traurigsten, aber auch ehrlichsten Geschichten über das Erwachsenwerden nachzudenken.

Nach sieben langen Jahren kehrt das norwegische Stoner-Rock-Trio El Caco mit einem monumentalen neuen Album zurück! Mit stets geballter Faust und 25 Jahren Erfahrung hat das Trio Fans und Kritiker mit massivem Stoner-Rock beeindruckt. 'Uncelebration' ist da keine Ausnahme! Mit schweren Beats, kraftvollen Texten und punktgenauen Melodielinien fesselt das Album den Hörer von der ersten Note an. Vor 'Uncelebration' hatte El Caco neben ausgedehnten Tourneen fast alle zwei Jahre neue Alben geschrieben und veröffentlicht. Das neue Album hingegen brauchte Zeit und Raum, um zu wachsen, und das Trio wollte sich von anderen Orten als Proben und Gigs inspirieren lassen. Sie spielten bereits mit Kvelertak, Enslaved, Tristania, Red Fang, Dunderbeist, Alice Cooper, Ghost und vielen mehr!

The EP also includes a remix of the popular single ‘SAMO’, which
spent four weeks on the BBC 6 Music playlist, accompanied by an
animated lyric video paying homage to the graffiti tag it was named
after by Al Diaz and American artist and wunderkind, Jean-Michel
Basquiat. The final track on the EP is a remix of ‘Waiting on a Train’,
presenting a new and special version of the original song, with the
presence of featuring artists Ellen Beth Abdi and Chunky remaining
strong.

Formed in 1978 with a core line-up of Jez Kerr, Martin Moscrop and
Donald Johnson, A Certain Ratio emerged from the hallowed grounds
of the late 1970s punk scene, and from that day on they’ve moved
forwards with gleeful disregard for the boundaries of style and genre,
their eye fixed firmly on constant progression.

Coloured vinyl reissue of the landmark debut album from Hellbastard, the band that allegedly created the 'crust-punk' genre which spawned a million bands worldwide. Too metal for punk and too punk for metal... Includes six bonus tracks not featured on the original release! For fans of Amebix, Antisect, Discharge, Sacrilege and Slayer.

Daptone bzw Soul/R&B/Reggae Fans dürfen sich freuen! Victor Axelrod, legendärer Produzent, Arrangeur, Aufnahme- und Mischtechniker, sowohl als auch Keyboarder hat bereits über mehr als zwei Jahrzehnte diverse Veröffentlichungen des New Yorker Labels veredelt.

Mit 'If You Ask Me To...' erscheint nun die erste LP unter seinem Namen für das Label - eine exzellente Sammlung an Singles, die zwischen 2007 und 2023 veröffentlicht wurden, sowie unveröffentlichten Tracks von Sugar Minott und Binky Griptite. Der Ursprung des Albums liegt in einer Anfrage von Daptone nach einem Sharon Jones-Remix (2007), aus dem die Reggae-Version von 'How Long Do I Have To Wait For You?' hervorging. Dies öffnete die Tür zu weiteren Erkundungen von Reggae/Soul-Synergien innerhalb des Katalogs und bestätigte die musikalische und kulturelle Verbindung zwischen Daptones 'Kern-Soul-Sound' und Axelrods Leidenschaft für jamaikanische Musik. Dank Axelrods außergewöhnlichem Geschmack und den bemerkenswerten Beiträgen des Gitarristen Tom Brenneck, Originalbändern aus Bob & Genes MoDo-Diskografie, Mitgliedern von The Frightnrs u.a. aus der New Yorker Reggae-Community wird das Vermächtnis bahnbrechender jamaikanischer Künstler wie Alton Ellis, Tony Gregory und Ken Parker weiterleben und eine ganz neue Generation von Reggae- und Soul-Fans inspirieren.

Alfred's visit to Viktor's hometown of Utrecht resulted in the creation of a new EP in which rhythm and color meet. The entire piece is infused with the 90s mood, including the timeless elements of that era projected through the distinctive approach of both artists. PJM is highly recommended for fans of 90s breakbeat and forward-thinking electronic music that combines nostalgia and innovation.

Once the door is opened, the listener is saluted by "Wuwuwu," a liquid breakbeat meditation with a touch of yesterday's melancholia. "Nnt," "No Tomorrow," and "Sss'' are of a different nature: mischievous and antsy. They utilize vinyl backspins and scratches, old-school drum loops and vocal exclamations in a slightly accelerated tempo, making them precarious dancefloor nukes that are sure to set the crowd ablaze.

Moloko's album I Am Not A Doctor was released in 1998 and features the hit track "Sing It Back". The album showcases Moloko's unique blend of electronic, dance, and pop music, with Róisín Murphy's distinctive vocals and Mark Brydon's production. The title of the album refers to the fact that neither Murphy nor Brydon have medical training, highlighting their focus on creating music rather than pursuing traditional careers.

Housed in a trifold foldout sleeve, this 2LP that celebrates its 25th anniversary is available as a limited edition of 2000 individually numbered copies on translucent blue coloured vinyl.

It’s been a few years since Captain Mustache took a ride with Kompakt – 2021, to be exact, when he released the “Everything” single, and subsequently made an appearance on that year’s entry in the Total series. But this visionary French producer has been busy, indeed fiercely productive, ever since, appearing on Helena Hauff’s Return To Disorder and John Digweed’s Bedrock, collaborating with Dave Clarke, Popof, The Advent, Paris The Black Fu, Keith Tucker from AUX88... and two beautifully eloquent albums, Tourbillon Nocturne and Indigo Memories. But with The Super Album, Captain Mustache returns to Kompakt with his most sublime collection yet. On The Super Album, the Captain soundtracks an imagined “whole day for party people.” He welcomes friends old and new on board: opening with the poetic club banger of “About Love”, with guest appearance from Speakwave (aka dynArec), The Super Album shifts gears into the lush, sunny “Shifting Basslines”, where Captain Mustache’s pulsing electro-disco is the perfect fit for a third collaboration with electroclash pioneers Chicks on Speed. After the deep techno pulsations of “Laser Me” and the glitzy pop shine of “Gimme Ya Mustache”, more guests arrive: Arnaud Rebotini of Black Strobe on the slinky “I Love Watching U”, and then a spoken cameo from the truly legendary French disco diva Amanda Lear on “Mustache Of The Universe”, a glitzy glitterball of a song that’s shrouded in ghostly synths. All those tracks appear on the 12” version of The Super Album – download the digital version and you get six more slices of Mustache magic. Here, the narrative turns more insular, more dancefloor focused – the party people have moved through the daytime and they’re in their element, diving deep into the night-time economy. The album spirals, beautifully, into stark electro, driving techno, with great moments of beauty and melancholy – see the pointillist arpeggios of “Everything” (which features Play Paul), the disco stomp of “Acapulco Citron”, and a breath-taking double-bill of stripped back psychedelic electro on “Pulsions Organiques”, and the layered, luscious, swooning “Clair-Obscur”. From there, it’s an astral glide into the Dopplereffekt-ish “Galaxian Symbiosis” before Foremost Poets join Captain Mustache to wave the night goodbye with the brittle, brilliant “Floorwax”. It’s a day in the life, but all in service to the pleasures of nightlife; the dancefloor is The Super Album’s beacon, your body the pliable material moulded into evocative new shapes by this dense, hypnotic, brilliantly pop album.

»This River Only Brings Poison« was released in 2002 as the sixth full-length album of Chris Hooson’s Dakota Suite project. This first-ever vinyl edition of the record includes four bonus pieces and makes it possible for fans to re-evaluate one of the most crucial Dakota Suite albums in the project’s vast discography while also providing new listeners with an entry point into its intricate musical cosmos. With contributions by artists as diverse as steel guitarist Bruce Kaphan and drummer Tim Mooney from American Music Club, Derald Daugherty, and Laura and Chris Donohue as well as long-time collaborators such as David Buxton, Colin Dunkley or Ed Collins, »This River Only Brings Poison« turned out as a sonically rich and stylistically versatile as it is emotionally multi-layered.

»Writing music for me has always been a cathartic exercise,« explains Hooson. While the instrumental pieces generally serve to express a raw sense of his internal struggles, his vocal-led songs communicate them more directly. »Those are the words I cannot say openly. It’s not that I cannot voice them in a conversation, it’s just that they only seem half-formed and not ›true‹ unless they are located within a song,« he says. What makes Dakota Suite unique is that throughout the project’s history, the music and lyrics have always had a single addressee: Hooson’s wife Johanna, whose photographs were used for the album artwork and who is featured on clarinet on »sand fools the shoreline.«

»The title of the record was something that I had said when Johanna and I first met to make her see that the journey she was considering taking would be full of love, but also come at a cost,« explains Hooson. »The songs were written at a time when I was really struggling to think I could be the person that she deserved.« In the end however, »This River Only Brings Poison« marked a turning point in Hooson’s oeuvre after highly productive time with Dakota Suite: it would take another five years until he returned with a new album. »The reason for that was that I needed to accept that she had made her choice to be with me and that was a big thing for me to get my head around,« he says.

Hooson’s highly personal approach to writing songs also has an impact on the ways in which he works with his collaborators when recording them. »The people with whom I play really need to understand how I perceive the world to be able to play what I need,« he says. »My instructions would always be things like, ›This is what the song means to me, this is what I am trying to communicate to Johanna when she hears it, so your cello, for example, needs to sound like you have noticed that the cloud is covering the sun, and the weight of the air on your skin is heavier and it has unsettled you.‹«

For this particular record, he reached out to Mooney and Kaphan as an admirer of their group American Music Club. Expecting to be rejected, he instead found himself on a flight to San Francisco together with multi-instrumentalist Buxton shortly thereafter, about to make what he today calls one of his most cherished recording experiences. After the four musicians finished the basic tracks, overdubs were added in Hooson and Buxton’s respective houses as well as Daugherty’s home studio while Hooson was visiting his old friend in Nashville.

Hooson emphasises that revisiting his older releases can be complicated. »I feel intense feelings, as every record is a diary of who I was in that period and what I was feeling. That is why having to play the songs live is always like having PTSD: I need to re-experience the event that caused me to write the song, and I do not enjoy that.« He remains, however, proud of »This River Only Brings Poison,« pointing especially to the opener »the lepers companion« as what might perhaps be his favourite song of his. »But overall I just hope that Johanna feels it spoke to her,« he says, adding that the two do not discuss his records. »For me it's enough that she is listening to the things I mean to communicate to her.«

Originally released on Polydor Records in August 1981, it remains a very special and discrete record and has gone on to achieve a cult status separate from the rest of their august catalogue.

Formed at London's Guildhall School of Music and Drama by way of Paris and the Isle Of Wight, Level 42 marked the union of four talented friends – Mark King, Mike Lindup, and brothers Phil and Roland 'Boon' Gould – complete with Wally Badarou, their very own studio-based synthesiser whizz-kid. From building a fervent following through the nascent Britfunk scene, they signed to Polydor and went on to make a series of fascinating albums.

The sheer invention, melody and imagination of this four-piece was astounding, aided by their secret weapon, French-Belizean Badarou, whom the band had met playing sessions for M, Robin Scott's art-disco ensemble. Although Level 42 had recorded – and made waves – for indie label Elite, they signed to Polydor and released this album, with three of their original calling cards, Starchild, Turn It On and the mighty, UK Top 40 breaching Love Games.

By the mid 80s Level 42 had become arena-filling superstars, with their commercial pop-funk with everyman lyrics that delighted fans not just in Europe, but also in America, too. Hear the roots of that on this frequently surprising, always entertaining debut album. Think of this album as the missing link between Talking Heads and Herbie Hancock.

Out of print on LP for a number of years, this re-issue faithfully replicates the original 1981 Polydor UK release with insert and is pressed onto high quality 180g vinyl.

The innovators of Electro-Hip Hop are back! Franco-Californian duo, AllttA (French producer 20syl + American rapper Mr. J. Medeiros) emerge from their five year hiatus to take on the stage! After their 2017 debut “The Upper Hand” and sophomore following “Facing Giants” (that same year), AllttA returns with “Curio” Part. I, the first installment in their two part experiment on Electro and Hip Hop: a soundscape they’ve co-created while bending and pushing both into their own AllttA image . This “Curio” experiment of sound in motion will be hitting the road for a tour that will begin next fall.

The Electro-Hip Hop duo consisting of American rapper Mr. J. Medeiros and French producer 20Syl took an “at all cost” - “no fear” attitude when creating what might be the future of Electro - Hip Hop or at the very least a defining moment in the sub-genre.

“CURIO” Part II is AllttA’s second release from their two part album, “CURIO” Part I & II and as its name declares its: a rare, unusual, and intriguing object. In all aspects of “CURIO” you can see, feel, and hear the symbiosis of digital and organic life - the artificial intelligence and the human touch, a relationship which has never been so relevant as it is now.

Even material that didn’t make the record, a tune titled “Savages”, a jaw dropping sound experiment where AllttA used A.I. in a manner which shook the Hip Hop world at the highest levels of stardom, allowed the duo to insert a musical perspective into this world wide debate on the human relationship with technology. If this tune did not make it on the record - imagine what did…

“CURIO” Part II is where AllttA defines itself with confidence, class, and a level of creativity seemingly lost in an oversaturated market of express musical branding. Songs like “Honorificabilitudinitatibus’ and “Victim” take the listener into a genre splitting, epoch bending, mind and sound experience. Shakespearean like word play followed by stacked one-man choruses give you the impression Queen snuck in while distorted analog bass rings violently before morphing into sweet - pensive harmonic tones.

Die Pagan-Metaller PRIMORDIAL aus Dublin, Irland, werden am 29. September ihr zehntes Album "How It Ends" über Metal Blade Records veröffentlichen. PRIMORDIAL haben nichts zu beweisen. Nach zweiunddreißig Jahren kehrt die irische Band mit ihrem gewaltigen neuen Studiowerk zurück und macht deutlich, dass sie eine Urgewalt ist, die konsequent alles auf eine Karte setzt. Auf "How It Ends", dem Nachfolger von "Exile Amongst The Ruins" (2018), das von der Kritik hochgelobt wurde, liefert die Band noch mehr von ihrer bahnbrechenden Mischung aus keltischem und schwarzem Metal, mit einer zusätzlichen Dringlichkeit und dem Blick auf die Apokalypse.

Die Pagan-Metaller PRIMORDIAL aus Dublin, Irland, werden am 29. September ihr zehntes Album "How It Ends" über Metal Blade Records veröffentlichen. PRIMORDIAL haben nichts zu beweisen. Nach zweiunddreißig Jahren kehrt die irische Band mit ihrem gewaltigen neuen Studiowerk zurück und macht deutlich, dass sie eine Urgewalt ist, die konsequent alles auf eine Karte setzt. Auf "How It Ends", dem Nachfolger von "Exile Amongst The Ruins" (2018), das von der Kritik hochgelobt wurde, liefert die Band noch mehr von ihrer bahnbrechenden Mischung aus keltischem und schwarzem Metal, mit einer zusätzlichen Dringlichkeit und dem Blick auf die Apokalypse.

Das dreizehnte Studioalbum von Wilco "Cousin" wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren im legendären Studio der Band in Chicago - The Loft - aufgenommen. Die zehn neuen Stücke stammen aus der Feder von Bandleader Jeff Tweedy und werden von der langjährigen Besetzung Nels Cline, Mikael Jorgensen, Glenn Kotche, John Stirratt, Pat Sansone begleitet. Nach einem kurzen Abstecher zu ihren Country-beeinflussten Wurzeln auf dem letztjährigen Doppelalbum "Cruel Country", kehren Wilco mit "Cousin" in ihr vertrautes progressives und experimentelles Rockgenre zurück.

Der mittlerweile 82-jährige Südafrikaner führt seine 1971 gegründete Band noch heute live an, und zum Anlass des bevorstehenden 2000sten Live-Konzert der Band erscheint diese (für Deutschland exklusiv konzipierte) Zusammenstellung von 9 erstklassigen Liveaufnahmen. Inkl. „Spirits In The Night", „Demolition Man", „You Angel You", „For You" und natürlich „Blinded By The Light". Mit dieser (auf der LP nummerierten) Veröffentlichung, bedankt sich Manfred bei seiner loyalen deutschen Fangemeinde!

GER JUNG IN WIEN - NEUE JANGLE-POP GRUPPE MIT 80ER INDIE WAVY VIBE. IHRE ERSTEN BEIDEN MINI-ALBEN "TROUBLE" & "LIGHTNING TRAILS" JETZT AUF EINER LP. "Der gerade erst volljährig gewordene Tobias Hammermüller steht für weichgespülten Bedroom-Wave und formte für sein Debütalbum auf Siluh Records die Band Laundromat Chicks." (THE GAP) - Hinter dem Namen LAUNDROMAT CHICKS verbirgt sich das Musikprojekt von TOBIAS HAMMERMÜLLER, der gerade 19 Jahre alt geworden ist. Nach dem selbstproduzierten Debüt "Trouble" haben die LAUNDROMAT CHICKS ein neues Album vorgelegt, das deutlich ruhigere Töne anschlägt. "Lightning Trails", das Band-Mastermind Tobias Hammermüller zusammen mit Martin Rupp (Jansky) produziert hat, ist ein folkiges Manifest für die leisen Töne geworden, die wir dringend brauchen. Beide Alben sind jetzt auf einer LP verewigt. Seite A mit dem eher ruppigeren "TROUBLE", auf der B-Seite das folk-inspirierte Kleinod "LIGHNTING TRAILS" "Lightning Trails" ist ein Meisterwerk an Musikalität und Zurückhaltung zugleich, eine Ode an die Verträumtheit und Nachdenklichkeit in Zeiten des Aufruhrs und der aufeinanderprallenden Ideologien. Es ist eine Einladung, aus dem Fenster zu klettern und eine aus den Fugen geratene Welt von einem versteckten Sims aus zu betrachten. Wie das Nachglühen eines Blitzes auf der Netzhaut, in der nahen Ferne." (Paul Buschnegg) Für Freunde von PASTELS, THE RADIO FIELD, THROW THAT BEAT, COMET GAIN, UK-Indie, Teen Angst, Twee-Pop...



[ENG] BEING YOUNG IN VIENNA - NEW JANGLE-POP GROUP WITH SOME 80S INDIE WAVY VIBE. THEIR FIRST TWO ALBUMS "TROUBLE" & "LIGHTNING TRAILS" ON ONE LP "Conversational lyrics depict a night on the phone amid claustrophobic misgivings and obsessive mental wanderings. Energetic, bittersweet sentiments ignite wandering clusters of shimmering strumming riffs and jangly wistful guitar melodies to weave swaying paths of vibrant nostalgia through low pulsing bass lines, skipping drumbeats, and pinpoint synth stabs to accompany heartfelt yet angsty vocal harmonies, haloed in distant echoes of doubt, through a sad discomforting timeline of uncertainty and dread." (WHITE LIGHT / WHITE HEAT) Behind the name LAUNDROMAT CHICKS is the music project of TOBIAS HAMMERMÜLLER, who just turned 19. After their selfproducued debut "Trouble", LAUNDROMAT CHICKS has presented a new album that touches on much quieter tones. "Lightning Trails", which band mastermind Tobias Hammermüller produced with Martin Rupp (Jansky), has become a folky manifesto for the quiet nuances that we desperately need. Both albums are now immortalised on one LP. Side A with the rather rough "TROUBLE", on the B-side the folk-inspired gem "LIGHNTING TRAILS". "Lightning Trails is a masterpiece of musicality and restraint at the same time, an ode to dreaminess and thoughtfulness in times of turmoil and clashing ideologies. It is somehow an invitation to climb out the window to view an unhinged world from a hidden ledge. Similar to the afterglow of a flash on the retina, in the near distance." (Paul Buschnegg) RIYL Pastels, The Radio Field, Throw That Beat, Comet Gain, UK-Indie, Teen Angst, Twee-Pop...

Oneohtrix Point Never aka Daniel Lopatin stellt sein neues Album AGAIN vor, das für ihn zum Teil 'eine spekulative Autobiografie' ist, eine Übertragung, ein gebannter Rückfluss digitaler Sprachen und Klangparanoia, dessen, woran man sich erinnert und was vergessen wird, alles präsentiert in der für OPN typisch melodischen Note. Ähnlich wie GARDEN OF DELETE aus 2015 entstand auch AGAIN als Zusammenarbeit zwischen Lopatins aktuellem und jüngerem Ich – diesmal als Meditation über seine musikalische Identität im jungen Erwachsenenalter aus der Perspektive des mittleren Alters. AGAIN folgt auf die zahlreichen von der Kritik gefeierten OPN Alben, die ihm renommierte Kollaborationen (The Weeknd, James Blake, Ishmael Butler, Charli XCX, Kelsey Lu, Iggy Pop, Rosalia) und Produktionsaufträge (Anohni, FKA Twigs, David Byrne, Ryuichi Sakamoto, Moses Sumney, Nine Inch Nails) einbrachten.

Die einzigartige Kunst von Kai Schumacher beeindruckt als geheimnisvoller Grenzgänger der internationalen Pianistenszene. Sein individueller Stil fasziniert mit virtuosen Darbietungen, die musikalische Genre sprengen. Kais kreative Kollaborationen mit Künstlern wie Francesco Tristano, Moritz Fasbender und Philo Tsoungui verschmelzen nahtlos mit seinem Spiel und defi nieren moderne Klaviermusik neu.

Tauchen Sie ein in Kais musikalische Revolution, wo Leidenschaft Innovation begegnet.

David Eugene Edwards has always been larger than life. His music with innovative heavy droning folk band Wovenhand, and before that the haunting revivification of high lonesome sound antique Americana of 16 Horsepower breathed a near apocalyptic sense of urgency and power into musical archetypes long abandoned in the latter-20th Century. On his first-ever solo album under his own name, Hyacinth, David Eugene Edwards delivers a sound uniquely his own, with a vulnerability and introspection unheard from him before. Stripping back the heavy rock of his recent work with Wovenhand, Hyacinth puts the man's voice, and sparing instrumentation into the main focus. There's a somber beauty and world-weary tone throughout these songs. The album could've been considered a slight return to the more melodic sounds of 16 Horsepower's Secret South (2000) and the first, self-titled Wovenhand album (2002). But there's more going on here: a rhythmic, pulsating undercurrent reminiscent of the tape loops and rudimentary rhythms of 80s Industrial post-punk as well as 808 Drill Style beats. The overall effect is often as if we're hearing the clock ticking away our own mortality. "Hyacinth was a sort of vision," Edwards says. "A dream. I sought out of my old wooden banjo and nylon string guitar a hidden path. Secrets they had kept from me within themselves all these years and created a new Mythos to myself of philosophical and spiritual ideas or concepts." Once he'd harnessed the music within, he enlisted multi-instrumentalist and producer Ben Chisholm (The Armed, Chelsea Wolfe, Converge) to help him realize the album's recording and mix. "Overall, the album is a weaving of narratives ancient and modern, of humankind's search for understanding of this world we find ourselves in and of each other. In all its simplicity and complexity," Edwards continues. "Hyacinth is a reference to the Greek myth of Apollo. And, the word meaning a precious stone and blue larkspur flower of purple and pall."

Die schwedische Sensation AVATAR sorgt seit zwei Jahrzehnten für Aufsehen und bricht alle Erwartungen. Ihr 2018 erschienenes Album "Avatar Country" wird weithin als ihr vielseitigstes Werk angesehen.
Es durchquert eine Vielzahl von Stilen von Melo-Death über Groove-Metal bis hin zu geradlinigem Rock und darüber hinaus und nahm ihre wachsende internationale Fangemeinde mit auf ihre bisher überraschendste Reise. Avatar Country" ist jetzt wieder auf Vinyl in limitierter Auflage in einem Deluxe-Gate-Fold erhältlich.

Die schwedische Sensation AVATAR sorgt seit zwei Jahrzehnten für Aufsehen und bricht alle Erwartungen. Ihr 2018 erschienenes Album "Avatar Country" wird weithin als ihr vielseitigstes Werk angesehen.
Es durchquert eine Vielzahl von Stilen von Melo-Death über Groove-Metal bis hin zu geradlinigem Rock und darüber hinaus und nahm ihre wachsende internationale Fangemeinde mit auf ihre bisher überraschendste Reise. Avatar Country" ist jetzt wieder auf Vinyl in limitierter Auflage in einem Deluxe-Gate-Fold erhältlich.

„Wunderkinder“ ist das 6. Studio-Album von Heinz Rudolf Kunze aus dem Jahr 1986. Es wird nun wieder neu aufgelegt als 1CD und als 1LP auf schwarzem Vinyl. Das Album erreichte Platz 18 der deutschen Albumcharts und wurde mit Gold ausgezeichnet.

Twenty-two rare and unreleased vintage tracks from the secret vaults of one of the most enigmatic composers in 60s/70s/80s European cinema. Originally recorded in the best studios in Poland, Italy and France for experimental film, political allegories, lost television shows, sound libraries and radio – these tracks have been hidden behind the Iron Curtain on lost master tapes and film reels until now! »Secret Enigma«, the first ever dedicated anthology of this great composer’s work, is now back in print.

Originally released exactly 30 years ag In artistic cinema Andrzej Korzyński’s unique experiments with jazz, pop, rock, orchestral and electronic music make his name synonymous with the most praised (Andrzej Wajda) and the most provocative (Andrzej Żuławski) Polish filmmakers (counting many more in between). As an early patron of the Polish New Wave and a key exponent of the development of conceptual Polish pop music his expansive portfolio has remained commercially unreleased and untravelled (like many of the original socialist era Polish made films) and has yet to find its deserved place next to the work of Ennio Morricone, François de Roubaix and John Barry. Now enhanced by a renewed interest in vintage art house film and a subculture of open minded music collectors many Easter European artists, such as Krzysztof Komeda (Poland), Zdeněk Liška (Czechoslovakia) and now Andrzej Korzynski,have finally begun to earn their place alongside their Central European peers.

For lovers of film music and experimental pop this debut anthology and appraisal of Andrzej Korzyński.

As one of the most triumphant and beguiling directorial debut features to emerge from the fruitful Polish New Wave, Andrzej Zulawski’s 1971 film Third Part Of The Night not only earned the thirty-year-old filmmaker a place next to other radical Polish directors such as Polanski, Skolimowski and Has, but also galvanised a creative bond with long running collaborator and composer Andrzej Korzyński, providing fans of foreign abstract/suspense cinema with a potent creative fusion to match those of Polanki/Komeda, Fellini/Rota and Argento/Goblin, amongst others.

Quite simply one of the heaviest psych rock film soundtracks of all time Andrzej Korzyński’s short and unreleased score matched the blueprint that adorned the drawing boards of conceptual French jazz orch rock composers like Jean-Claude Vannier, Francois De Roubaix and Alain Gourageur, creating a soundtrack that unknowingly begs comparison to Masahiko Satô’s Belladonna Of Sadness and Billy Green’s Stone. As one of the first progressive pop writers to come out of the vibrant (but carefully scrutinised) Polish beat scene with his bands Ricecar 64 and later Arp Life (and composing for national heroes such as Czeslaw Niemen, Niebiesko-Czarni and Test) Korzyński’s growing passion for conceptual rock and jazz music soon lead to instrumental composition and soundtrack scores.

His cinematic debuts scoring two consecutive transitional new wave films for Andrzej Wajda (in collaboration with the radical Polski pop groups Trubadurzy and Grupa ABC) also provided Korzyński with another significant cinematic muse in that of the stunning actress Malgorzata Braunek with whom they would both eventually achieve their finest performances under the direction of the ravenous first-timer Żuławski. Third Part Of The Night (1971) perhaps epitomises that triangular on-screen unison in its vibrant youth and feeds it through a hallucinogenic mangle finding astonishing beauty (within a repulsive synopsis) against a bleak and shattered backdrop and accompanied by progressive, psychedelic orchestral rock music – elements which would intensify for all three creatives with the next film, Diabel, which was banned by the Polish government the following year until 1988.

Third Part Of The Night also marks the public unison of Żuławski and Braunek whose later private romantic relationship is said to form the basis for another defining Żuławski/Korzyński defining endeavour with the 1981 film Possession exactly a decade later, encapsulating a period that bequeaths a previously unopened vault of some of the composers finest and most inspired sonic adventures.

Martina Berther and Philipp Schlotter are prolific in their respective ways, having been active in pop and jazz music, respectively, as well as playing in bands and exploring the outer fringes of sound art or composing music for film. Their first joint album »Matt« was recorded over the course of four days in a church in the Swiss village after which the album was named. Berther and Schlotter worked with the buildingʼs organ as well as synthesizers and electric bass to follow an experimental approach that oscillated between composition and free improvisation. The five pieces, recorded directly to tape by Flo Götte without any additional overdubs, are characterised by an intimacy and rawness that calls to mind the introspective atmosphere of Hallow Ground label mateʼs FUJI||||||||||TA or mastering engineer Lawrence Englishʼs latest album for the Swiss label. »Matt« is the result of two versatile composers and musicians executing minimalist ideas by giving them plenty of space to unfold.

The album opens with »Unruhe,« a composition that is based on the twelve-tone technique. Using a stopwatch to ensure the adherence to the pre-determined temporal intervals between the individual notes, Berther and Schlotter used the church organ and synthesizers for an ominous piece that traverses different moods and levels of intensity throughout its 14-minute run time. »LFO1« and »LFO2« are different variations of the same concept: Based on a synthesizer preset and structured by an organ drone, two tone generators slowly fall silent, resulting in elegiac pieces that call to mind the work of Éliane Radigue. »Frachter« and »Gallia« put more emphasis on percussive elements. Again working with organ as well as Bertherʼs prepared electric bass, this improvisation comprises interlocking textures that sound almost menacing on »Frachter,« while they create a very different atmosphere on »Gallia.« These notable discrepancies in sound and mood are even more astonishing if you consider that the two pieces are based on the exact same recording, played at different speeds.

As two variations on the same idea with very different results, these two pieces perfectly represent how the duo effectively creates emotionally affective sound worlds with very few means. Berther and Schlotterʼs conceptual minimalism yields rewarding, multi-faceted aesthetic results. »Matt« is an intimate album, marked by a sense of vividness and spontaneity, but also the product of compositional conciseness.

The World of Monnom Black makes it triumphant return, unveiling the highly anticipated third iteration of its iconic release and ushering in a wealth of new artistic voices into its ever-expanding universe. Celebrated for curating the finest handpicked music, the series remains a beacon for championing the true essence of techno. Presented on triple vinyl and graced by 19 esteemed artists, marking this as the label's most innovative and important release to date. Welcome to The World Of Monnom Black 3!

Brotherhood Of Peace (aka B.O.P.) brought the world some of the best breezy power pop, Southern rock and heavy boogie all packed into one brilliant album in 1976, the fittingly titled Cuttin’ Loose. The album is a free-flowing nine song collection of genre blending would-be hits suited for both ’70s AM gold and FM album rock that never received its proper due, until now. The album flows somewhat similar to the way Big Star combined heavy riffs with airy pop sweetness, but B.O.P. brought more of a blues rock groove to the proceedings, resulting in heavier undercurrents to songs with glowing three-part harmonies and impeccable power trio musicianship. By the mid-’70s, rock ’n’ roll was truly anything goes. Experimentation, excess and inventing new genres was all the rage, and the trio of spritely young men—guitarist / vocalist Dennis Tolbert, bassist / vocalist Mike Arrington and drummer / vocalist Ronnie Smith—gamely tackled whatever sound they pleased. Fortunately, the band captured it all on their lone album, released on the small independent label Avanti Records in March 1976. The Mount Airy, North Carolina trio got its start as teens in 1969 as the backing band to a large 20-50 person traveling church choir called the New Americans. By 1970, the band was ready to move on to performing on their own. First as a sextet, the band soon trimmed down to a three-piece, working the local club circuit like madmen, sometimes playing three shows a day. At the height of their live tightness, B.O.P. recorded the album with local musicians Don Dixon and Robert Kirkland of the band Arrogance who worked at Charlotte recording studio Reflection Sound in October 1975. The band laid out the highlights of their live set in the studio, which ran the range of influences from The Raspberries to Deep Purple, Doobie Brothers to Nazareth, Lynyrd Skynyrd and Grand Funk. The initial pressing of 1000 copies was released in March 1976, but without major label machinery for retail distribution, radio and press, the album never took off. The band mostly sold them at live shows, via consignment at local stores and in limited distribution in the Southeastern region. However, to date, the record still occasionally pops up for sale online worldwide at exorbitant collectors’ prices. Until now, finally getting a proper reissue via Riding Easy Records.

'Imagination Is A Weapon' lautet der Slogan des neuen GUNSHIP Albums. Diese Aussage fasst das Kernthema ihrer dritten Platte zusammen. GUNSHIP lädt seine Zuhörer ein, die Macht der Vorstellungskraft zu feiern und sich auf die Suche nach dem Einhorn in ihrem eigenen Leben zu begeben. Taucht schwelgend ein in die Fantasie – findet Euer Einhorn. Die entschlossenen Träumer werden die Welt verändern, wenn ihre Visionen in die Realität umgesetzt werden. Mit ihrem dritten Album UNICORN sprengen GUNSHIP weiterhin die Grenzen des Synthwave-Genres. Zu den besonderen Gästen zählen: John Carpenter, Gavin Rossdale (Bush), Dave Lombardo (Slayer), Carpenter Brut, Timmy Cappello (Lost Boys), Health, Tyler Bates (John Wick, Guardians Of The Galaxy), Lights, Power Glove, Charlie Simpson, Britta Phillips (Jem) und Milkie Way (Wargasm).

Jorja Smith is officially back. Further to making a recent return to the musical sphere with her singles ‘Try Me’ and ‘Little Things’, today she has confirmed the details of her highly anticipated second album, ‘falling or flying’, set for release globally on September 29th 2023 via FAMM and available to pre-order now - here.

Alongside the announcement, Jorja has also unveiled the album's poignant artwork; a stunning portrait of her, shot on film by the prestigious British photographer, Liz Johnson Artur. In addition, Jorja has also announced a series of UK live shows in September, commemorating the release of the album. Further details below.

Through her new record, Jorja has delivered an undeniable modern classic, effortlessly condensing any number of disparate styles and genres into music which thrillingly broaches any gap between Jazz, Soul, R&B and Funky House. A bold, brave and courageous leap forward from her critically acclaimed debut album ‘Lost and Found’ - ‘falling or flying’ is an album that speaks to the musical and emotional era where Jorja is now, and how she got here. It isn’t so much an exploration of how she’s found herself but more a statement that she has arrived, and that her understanding of her life, her relationships, and her feelings, have deepened, matured and crystallised as she enters her twenty six year. ‘And despite it all,’ she says, ‘it's definitely a journey I've just started. That's what's crazy.

It's only just begun.’ Sonically, this album, a no-skips body of work, isn’t like anything you’ve heard before. It sits masterfully in this same space of excitement, self-exploration and self-assertion that Jorja does. Compromised of deep, thumping drums, racing basslines, irresistible hooks and distinctive beats, ‘falling or flying’ runs at the same pace that Jorja’s mind does. ‘I don't slow down enough’ she says. ‘This album is like my brain. There’s always so much going on but each song is definitely a standstill moment.’

Much of the creative energy that shaped the album emerged from studio sessions with the producer duo DAMEDAME* back in her hometown of Walsall, where, to Jorja, the heart is. The album is both a sonic and an emotional tour of where she’s been, and what she’s been about, in the two years since she dropped her latest offering, ‘Be Right Back’. ‘It touches on breakups, relationships with my friends, relationships with old friends, relationships with myself.’ She says. ‘It's definitely about a lot of relationships, but every song I write I can sing it to myself.’

Of the many British voices in music today, Jorja is among the most commanding, writing at a pitch of intensity and urgency that few can match. Over the past five and half years, since the release of her debut album ‘Lost & Found’, she has been celebrated unanimously across the world for her evocative song-writing, powerful delivery, pure emotion and unbridled talent as a young woman navigating her way through life and in 2021 was the year Jorja’s hiatus from music was broken. Enter ‘Be Right Back’, the holding space between the sensation that was ‘Lost & Found’, and ‘falling or flying’. ‘Be Right Back’ was born from playing, jamming, freestyling, and sounding out what Jorja had been on the edge of expressing all her life. It was a project entirely for her fans. “Be Right Back did exactly what I wanted it to do. It was a little waiting room so people knew I was coming back.”

And come back she has - entering a chapter of her return to music that’s certain to draw in and intoxicate Jorja’s fans and new listeners alike. And what has changed for her, in the five years since ‘Lost & Found’ dominated the charts and the soundscape? “I like this world that I've just come into. And I’m still figuring things out. Always figuring things out.” Jorja says. “This is the first time I’m putting stuff out there that I can connect with right now.” Over the last few years, it’s been a reflective and transformative step into her mid twenties for her.

She’s been able to step into herself and evolve as a songwriter and a woman despite an ever-changing musical landscape.

While she recognises that the global pandemic has been completely devastating, she acknowledges that it allowed her to stay still, to come more into herself, and to be more in control of the person she is, and of her musical output. Like some of the legendary musicians that came before her, Jorja is looking at the chaos and disorder in the world right now with resourceful, refined eyes, and she sees the glorious opportunity and enormous responsibility that affords. The net result is that while ‘falling or flying' sounds very much like Jorja Smith, it sounds like no Jorja Smith album you have ever heard before.

‘falling or flying’- released on September 29th