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"Flood" ist eine Platte und eine Wiedergeburt, für die die Band aus Minnesota fünf Jahre Arbeit aufgegeben hat, um schließlich 13 Tracks in nur 10 Tagen an der texanischen Grenze aufzunehmen. Während die aufschlussreichen Sessions im letzten Jahr auf der Sonic Ranch mit den langjährigen Produzenten Caleb Wright (Charly Bliss, Samia) und Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) stattfanden, begann der Entstehungsprozess des Albums vor gefühlt einer Ewigkeit. In derselben Nacht, in der Hippo Campus ihre letzte Platte "LP3" feierten, erfuhren sie, dass jemand, den sie liebten, unerwartet verstorben war. Die Peitschenhiebe des Erwachsenwerdens wurden durch die Auswirkungen von Tod, Niedergeschlagenheit, Sucht und Angst noch verstärkt, so dass sie sich dem überwältigenden Ziel verschrieben, etwas Tiefgreifendes und Lebensveränderndes zu schaffen. Sie wurden gemeinsam nüchtern, nahmen regelmäßig an Gruppentherapien teil, schrieben mehr als 100 Songs, traten einen Schritt zurück und stellten plötzlich fest, dass ihnen das, was sie machten, eigentlich keinen Spaß brachte. Für eine Band, die eine Milliarde Streams überschritten hat, historische Veranstaltungsorte wie Red Rocks ausverkauft hat, auf Festivalbühnen auf der ganzen Welt aufgetreten ist - und das alles dank des unwiderstehlichen, frühlingshaften Songwritings, das ihre Reihe von experimentellen Pop- und emphatischen Rockalben füllt - wussten sie, dass das, was sie dieses Mal machten, einfach nicht gut genug war. Gemeinsam mit Wright und Cook räumten sie auf und warfen alle Vorurteile darüber über Bord, wie sie zu klingen gedachten. Sie versuchten nicht mehr, ein sogenanntes Meisterwerk zu erzwingen, und verpflichteten sich gegenseitig, das zu schneiden, was ihnen am besten gefiel: kein Hinterfragen oder Zurückhören, nur ein Mantra des Vorwärtsdrangs. Weniger als zwei Wochen später hatten Sänger Jake Luppen, Gitarrist Nathan Stocker, Schlagzeuger Whistler Allen und Bassist Zach Sutton "Flood" fertig. Auf "Flood" liefern Hippo Campus dicht gedrängte Thesen über Selbstkritik und Selbstvergebung, Ermächtigung und das Zurückbleiben hinter den Erwartungen, gescheiterte Beziehungen und das Finden eines Weges nach vorne. Die Gefühle sind roh, echt und ungeschützt, unterstützt von subtilen Tonartwechseln und Tempowechseln und der angeborenen Raffinesse, die sie so mühelos präsentieren können.

Acid, 1980 im belgischen Brügge gegründet, gelten als einer der ersten Vorläufer des Speed Metal auf dem europäischen Kontinent. Sängerin Kate de Lombaerd, die Gitarristen Dirk Simoens (Dizzy Lizzy) und Donald Devers (Demon), Bassist Peter (T-Bone) sowie Drummer Geert (Anvill) nahmen in Form von "Acid" (1983), "Maniac" (1983) und "Engine Beast" (1985) drei hoch geschätzte Alben für Giant Records auf, ehe sich Mitte der achtziger Jahre ihre Wege trennten. Um 2019 herum reifte in Kate de Lombaerd der Plan, es noch einmal zu versuchen. Unter der Mitwirkung von Mathieu Trobec (Bass), Gilles Reuse (Gitarre), Andreas Stieglitz (Gitarre) und Bastiaan Andriessen (Schlagzeug) fand man sich wenig später unter dem Namen Kate's Acid zusammen. Es folgten umjubelte Live-Auftritte u.a. beim Keep It True Rising (2021) und noch einmal beim Keep It True im Jahre 2023, wo auch das jetzt vorliegende Album "Blowing Your Ears Off" mitgeschnitten wurde.

Acid, 1980 im belgischen Brügge gegründet, gelten als einer der ersten Vorläufer des Speed Metal auf dem europäischen Kontinent. Sängerin Kate de Lombaerd, die Gitarristen Dirk Simoens (Dizzy Lizzy) und Donald Devers (Demon), Bassist Peter (T-Bone) sowie Drummer Geert (Anvill) nahmen in Form von "Acid" (1983), "Maniac" (1983) und "Engine Beast" (1985) drei hoch geschätzte Alben für Giant Records auf, ehe sich Mitte der achtziger Jahre ihre Wege trennten. Um 2019 herum reifte in Kate de Lombaerd der Plan, es noch einmal zu versuchen. Unter der Mitwirkung von Mathieu Trobec (Bass), Gilles Reuse (Gitarre), Andreas Stieglitz (Gitarre) und Bastiaan Andriessen (Schlagzeug) fand man sich wenig später unter dem Namen Kate's Acid zusammen. Es folgten umjubelte Live-Auftritte u.a. beim Keep It True Rising (2021) und noch einmal beim Keep It True im Jahre 2023, wo auch das jetzt vorliegende Album "Blowing Your Ears Off" mitgeschnitten wurde.

Andreas Vollenweider erklomm den Loreley-Felsen. Nicht um hier die schöne Aussicht auf den Rhein zu genießen und sich von Lore Lay, der Zauberin, auf Grund ihrer Schönheit den Verstand rauben zu lassen, was dann - der Sage nach - unweigerlich zu seinem Tod geführt hätte. Eher hatte er vorgehabt, mit seinen "Friends" (Walter Keiser - drums, percussions und Pedro Haldemann - percussions) am Abend des 29. August 1982 auf der Bühne des wunderschönen Freilichttheaters ein atemberaubendes Konzert zu geben. 1982 - die außergewöhnliche Karriere des jungen Andreas Vollenweiders, damals 28 Jahre alt - nahm gerade so richtig Fahrt auf. Ein Jahr zuvor hatte er sein Album "Behind The Gardens - Behind The Wall - Under The Tree" veröffentlicht. Ein Mega-Erfolg, weltweit. Mit seinem unverkennbaren, eigenen Stil, seiner sehr farbigen, dynamischen Musik, auch geprägt durch die Vielfalt an exotischen Klangfarben, begeisterte Vollenweider in kurzer Zeit ein Millionenpublikum. So gelingt es ihm auch mit seinen Mitstreitern, diese Magie an dem Abend auf dem Loreleyfelsen zu entfachen und das Publikum in seinen musikalischen Bann zu ziehen. Die sagenumwobene Lore Lay konnte sich zurücklehnen, ihre Zauberkünste waren nicht gefragt. Das erledigte der Zeremonienmeister Vollenweider persönlich, zusammen mit seinen beiden "Gehilfen": Sie verzauberten (musikalisch) das Publikum. Kleines Novum am Rande: Dieser Rockpalast wurde aus welchen Gründen auch immer nie gesendet. Umso mehr erfreulich, dass es ihn jetzt in toller Aualität gibt. Einzigartiges live-Konzert des damaligen 28jährigen Andreas Vollenweider, aufgenommen vom WDR beim Loreley Open Air Festival am 29.08.1982.

Die neueste Veröffentlichung der US-Thrash-Legenden FLOTSAM AND JETSAM steht in den Startlöchern. Unter Beibehaltung ihres typischen schnellen und aggressiven Stils präsentiert „I Am the Weapon“ noch mehr musikalisches Können und Komplexität als zuvor.

Am the Weapon“ knüpft nicht nur nahtlos an die beiden herausragenden Vorgänger an, sondern geht auch in Sachen musikalisches Können und Komposition einen Schritt weiter. Während FLOTSAM AND JETSAM ihre Kernkompetenzen wie ihren aggressiven Stil kombiniert mit schnellen Tempi voll ausleben, gibt es auf „I Am the Weapon“ mehr überraschende Momente als je zuvor.
Von brutalen high-speed Tracks wie „I Am the Weapon“ hin zum atmosphärischen, aber nicht superschnellen „Burned My Bridges“ überzeugt jeder Track des Albums auf seine eigene Weise.

Die neueste Veröffentlichung der US-Thrash-Legenden FLOTSAM AND JETSAM steht in den Startlöchern. Unter Beibehaltung ihres typischen schnellen und aggressiven Stils präsentiert „I Am the Weapon“ noch mehr musikalisches Können und Komplexität als zuvor.

Am the Weapon“ knüpft nicht nur nahtlos an die beiden herausragenden Vorgänger an, sondern geht auch in Sachen musikalisches Können und Komposition einen Schritt weiter. Während FLOTSAM AND JETSAM ihre Kernkompetenzen wie ihren aggressiven Stil kombiniert mit schnellen Tempi voll ausleben, gibt es auf „I Am the Weapon“ mehr überraschende Momente als je zuvor.
Von brutalen high-speed Tracks wie „I Am the Weapon“ hin zum atmosphärischen, aber nicht superschnellen „Burned My Bridges“ überzeugt jeder Track des Albums auf seine eigene Weise.

Nilüfer Yanya veröffentlichr ihr neues Album ‘My Method Actor’ auf Ninja Tune!

Während sie am neuen Album schrieb, zog sich Nilüfer mit ihrer kreativen Partnerin Wilma Archer (Sudan Archives/ Celeste) ins Studio zurück. Sie war ein Jahr lang mit ihrem zweiten Album „PAINLESS“ auf Tournee und befand sich in einer Phase des Übergangs, zwischen Alben, zwischen Plattenfirmen und zwischen Wohnorten. „My Method Actor“ hat viel mit der Idee zu tun, von einem Lebensabschnitt in einen anderen zu wechseln. Die Samen für „My Method Actor“ wurden Anfang 2023 gepflanzt, aber erst im Frühjahr desselben Jahres begannen die ersten Triebe zu sprießen. Als die Songs zu entstehen begannen, zogen sich Yanya und Archer von der Welt zurück. „Dies ist in dieser Hinsicht das intensivste Album.“, sagt Yanya. „Weil es nur wir beide waren. Wir haben niemanden sonst in diese Blase gelassen.“ Sie schrieben und nahmen in kleinen Sessions auf, verteilt über London, Wales und Eastbourne. Die Atmosphäre des Albums spiegelt diesen Kokon kreativer Energie wider: Es umhüllt die Hörenden mit cineastischen Schwüngen und wirkt gleichzeitig intim, indem es ihn in die kleine Welt einlädt, die sie geschaffen haben, und seine Geheimnisse preisgibt.

Nilüfers vorheriges Album, „PAINLESS“, wurde durchweg als eines der herausragendsten Alben des Jahres 2022 gefeiert, mit glühenden Kritiken von The Guardian (Album der Woche), The Sunday Times, Crack Magazine, NME und anderen. Das Album enthält die herausragenden Tracks, „anotherlife“, „stabilise“ und „midnight sun“, die Nilüfer in der „Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ performte. Nilüfer trat auch in „Late Night with Stephen Colbert“, „Later with Jools Holland“ und in der Tiny Desk-Konzertreihe von NPR auf.

Sie hat Adele, The xx und Mitski auf ihrer Tournee begleitet, war Headlinende im Londoner Shepherd's Bush Empire und hat Shows in ganz Europa, Australien, Japan und den USA ausverkauft. Yanya wurde auch von Sampha, King Krule und Little Dragon geremixt und hat mit Bombay Bicycle Club und Liss zusammengearbeitet.

"Wir waren hier" heißt das neue Studioalbum von der Gruppe Die Nerven. Es ist das sechste Album des Trios. Die neuen Songs haben Kevin Kuhn, Julian Knoth und Max Rieger in einer vierwöchigen Session in einem ehemaligen Sterne-Restaurant am Stuttgarter Schlossplatz mit Blick auf die Oper aufgenommen. Und so nah wie auf "Wir waren hier" sind Die Nerven noch auf keinem Studioalbum der Aura ihrer Live-Auftritte gekommen - der musikalischen Spontaneität ihres Zusammenspiels auf der Bühne, dem Stop-and-Go ihrer Improvisationen, der Lust an der gegenseitigen Überraschung, und schließlich: der kollektiven Entäußerung in die Katharsis. Ihre Musik ist immer noch zornig, laut, dramatisch, vielleicht könnte man auch sagen: nihilistisch. Aber es handelt sich um einen reiferen Nihilismus, als man ihn von den Nerven bislang kannte. In ihrer Musik fliegt man immer noch über Halden voll Schrott, über dürre Heiden, wüste Länder und öde Städte. Aber es schillern nun auch schöne Klangtupfer über der Szene wie von den letzten Sonnenstrahlen vor einer ewigen Nacht oder von einem bunt schillernden Ölfilm auf einer verdreckten See.

"Wir waren hier" heißt das neue Studioalbum von der Gruppe Die Nerven. Es ist das sechste Album des Trios. Die neuen Songs haben Kevin Kuhn, Julian Knoth und Max Rieger in einer vierwöchigen Session in einem ehemaligen Sterne-Restaurant am Stuttgarter Schlossplatz mit Blick auf die Oper aufgenommen. Und so nah wie auf "Wir waren hier" sind Die Nerven noch auf keinem Studioalbum der Aura ihrer Live-Auftritte gekommen - der musikalischen Spontaneität ihres Zusammenspiels auf der Bühne, dem Stop-and-Go ihrer Improvisationen, der Lust an der gegenseitigen Überraschung, und schließlich: der kollektiven Entäußerung in die Katharsis. Ihre Musik ist immer noch zornig, laut, dramatisch, vielleicht könnte man auch sagen: nihilistisch. Aber es handelt sich um einen reiferen Nihilismus, als man ihn von den Nerven bislang kannte. In ihrer Musik fliegt man immer noch über Halden voll Schrott, über dürre Heiden, wüste Länder und öde Städte. Aber es schillern nun auch schöne Klangtupfer über der Szene wie von den letzten Sonnenstrahlen vor einer ewigen Nacht oder von einem bunt schillernden Ölfilm auf einer verdreckten See.

Sam Shepherd alias Floating Points hat heute angekündigt, dass sein neues Album, „Cascade“, am 13. September 2024 via Ninja Tune erscheint.

„Cascade“ ist eine Eruption unvollendeter Angelegenheiten. Ende 2022 fand sich Shepherd, der dafür bekannt ist, so frei zwischen den Genres zu wechseln, wie es sein Künstlername andeutet, in der kalifornischen Wüste wieder, um an etwas Neuem zu arbeiten. „Mere Mortals“, seine erste Ballettmusik, die in Zusammenarbeit mit dem San Francisco Ballet entstand, sollte eine Kollision von Klang und Tanz sein, die die antike Parabel von Pandora durch das Prisma der Technologie erforscht. Auf „Promises“, seinem Vorgängeralbum, das 2021 veröffentlicht wurde, tauschte er seine typischen modularen Synthesizer-Teppiche und komplizierten Drum-Patterns gegen luftige Traumlandschaften aus, die er mit dem legendären Saxophonisten, Pharoah Sanders, und dem London Symphony Orchestra entwickelte. Diese Zusammenarbeit war so beliebt, dass eine Mercury Prize-Nominierung und ein ausverkauftes Konzert im Hollywood Bowl im September 2023 folgten. Zwischen diesen Projekten und einem bevorstehenden Anime-Score für Adult Swim, könnte es von außen betrachtet so aussehen, als ob Shepherd die Tanzfläche für immer verlassen würde. Aber während er tagsüber an seiner Ballettmusik schrieb, sehnte er sich nachts nach der schweißtreibenden Gemeinschaft einer Tanzfläche. Nach der pulsierenden Unbekümmertheit der elektronischen Musik. Im November 2019 veröffentlichte Shepherd sein von Kritiker:innen hochgelobtes zweites Studioalbum, „Crush“. „Cascade“ wurde als Nachfolger:in von „Crush“ konzipiert, um Album (und Publikum) die Möglichkeit zu geben, Floating Points noch einmal in seiner traditionellen Form auf einer Tanzfläche zu erleben: voller Buchla-Rhythmen, glitchenden Melodien, die einen Raum voller wogender Körper verzaubern. Die neun Songs dürfen bis zu acht Minuten am Stück schwelen und funken, was eine weitreichendere Erkundung von Sounds und Grooves als zuvor ermöglicht. Fast ein Jahrzehnt nach seinem vielbeachteten Debütalbum, „Elaenia“, hat der Komponist Wege gefunden, seine Experimente außerhalb der Clubmusik nahtlos in seine für die Tanzfläche konzipierte Musik einzubinden.

a A1. Vocoder Club Mix

Etran de L'Aïr, die Sterne der Luft, die am längsten bestehende Hochzeitsband in Agadez, der Hauptstadt der Tuareg-Gitarre, kehren mit einem neuen Album mit sonnenbeschienenem Wüstenklang zurück! Ihr erstes Album, No.1, brachte ihre Musik den Kritikern und Fans näher. Ihr zweites Album, Agadez, führte sie auf internationale Tourneen. Und jetzt sind sie zurück mit 100% SAHARA GUITAR, bereit, die Welt zu erobern, mit diesen swingenden Melodien, wie ein vom Meer her wehender Sandsturm . Etran de L'Aïr sind 100% SAHARA, und das gilt auch für die Band, alles Söhne aus Agadez, darunter die Brüder Moussa, Abdoulaye und Abdourahamane,und ihr lieber Freund, der jüngste der Gruppe, Alghabid. Alle Brüder schreiben und spielen Gitarre und tauschen die Instrumente aus, während Alghabid die vier auf dem Boden hält. Mit 100% SAHARA GUITAR sind Etran de L'Aïr zurück, um den Thron zu erobern, mit ihrem ersten Studioalbum! Und was für ein Sound das ist. Aufgenommen in sonnigen Studios an der Westküste, bringen die Brüder den alten Agadez-Sound auf ein neues Niveau. Sie fügen noch mehr Gitarren hinzu und verweben Schichten von halligen Melodien und schimmernden Harmonien zu einem Klangteppich. Wie viel Gitarre können sie in eine Platte packen? Die Antwort lautet 100%.

Etran de L'Aïr, die Sterne der Luft, die am längsten bestehende Hochzeitsband in Agadez, der Hauptstadt der Tuareg-Gitarre, kehren mit einem neuen Album mit sonnenbeschienenem Wüstenklang zurück! Ihr erstes Album, No.1, brachte ihre Musik den Kritikern und Fans näher. Ihr zweites Album, Agadez, führte sie auf internationale Tourneen. Und jetzt sind sie zurück mit 100% SAHARA GUITAR, bereit, die Welt zu erobern, mit diesen swingenden Melodien, wie ein vom Meer her wehender Sandsturm . Etran de L'Aïr sind 100% SAHARA, und das gilt auch für die Band, alles Söhne aus Agadez, darunter die Brüder Moussa, Abdoulaye und Abdourahamane,und ihr lieber Freund, der jüngste der Gruppe, Alghabid. Alle Brüder schreiben und spielen Gitarre und tauschen die Instrumente aus, während Alghabid die vier auf dem Boden hält. Mit 100% SAHARA GUITAR sind Etran de L'Aïr zurück, um den Thron zu erobern, mit ihrem ersten Studioalbum! Und was für ein Sound das ist. Aufgenommen in sonnigen Studios an der Westküste, bringen die Brüder den alten Agadez-Sound auf ein neues Niveau. Sie fügen noch mehr Gitarren hinzu und verweben Schichten von halligen Melodien und schimmernden Harmonien zu einem Klangteppich. Wie viel Gitarre können sie in eine Platte packen? Die Antwort lautet 100%.

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

Auf seinem zweiten und zugleich letzten Album für Impulse! Records ging der Trompeter in die Vollen: mit
einer erstklassig besetzten und von Wayne Shorter geleiteten größeren Formation, die gelegentlich Streicherverstärkung erhielt, und einem abwechslungsreichen Repertoire, das nahtlos Standards mit Originalen
von Hubbard verknüpfte.

Eine Sammlung für M. Ward-Fans jeden Jahrgangs. "For Beginners: The Best Of M. Ward" versammelt 14 Tracks aus seiner gesamten Merge Records Discografie, einschließlich des neu aufgenommenen Songs "Cry". "For Beginners" ist sowohl eine Fibel und ein Mixtape mit Lieblingsstücken. Die Reihenfolge der Songs ist so ausgetüftelt, dass ihnen neues Leben eingehaucht wird. Beginnend mit "Chinese Translation" und "Poison Cup" vom 2006 erschienenen Album "Post-War", zeigt "For Beginners", wie Ward sein Können im Studio ausbaut. Seine einzigartige Coverversion von David Bowies "Let's Dance", aus dem 2003er Album "Transfiguration of Vincent", geht über in das überschwängliche "Never Had Nobody Like You" vom 2009er Album "Hold Time". Anstatt einer sauberen Entwicklungslinie, die ein chronologisches Arrangement suggeriert, ist das, was "For Beginners" zusammenhält, ist Wards tadelloses Können als Songwriter, das im Fokus bleibt während sich sein Sound von Low-Fi-Heimaufnahmen zu elektrischen, radiotauglichen Stompern und wieder zurück bewegt. Pünktlich zum 35-jährigen Jubiläum von Merge Records wird dieses Album eines der beliebtesten Künstler des Labels veröffentlicht und enthält mit dem Song "Cry" die erste neue M. Ward Aufnahme auf Merge seit 2018. "Cry" ist eine reduzierte Coverversion des Godley & Creme Pop-Klassikers, aufgenommen mit dem Folk Bitch Trio aus Melbourne, Australien. M. Ward über "Cry": ""Cry" wurde in einem tasmanischen Museum für moderne Kunst namens MONA aufgenommen. Ich saß am Ende eines langen Flurs, nur wenige Meter entfernt von Anselm Kiefers Skulptur eines 20 Fuß hohen Stapel von Bleibüchern, und links und rechts von mir, um ein einziges Mikrofon herum, saß das Folk Bitch Trio; wir probten und nahmen "Cry" in etwa 30 Minuten auf. Es ist mir ein Vergnügen, diesen Song zu einer Sammlung meiner schönsten Erinnerungen an das Musikmachen hinzuzufügen." Der Song ist der perfekte Schlussstein für eine Sammlung dieser Art und fasst Wards Stärke als Musiker zusammen: der Reichtum, den er in spärlichen Aufnahmen erreicht, sein Talent für Zusammenarbeit und seine Fähigkeit, die Seele eines akribisch ausgearbeiteten Popsongs zu durchschauen. Ein Mittel, um auf die Zukunft seiner eigenen Arbeit zu blicken, aber auch ein Rückblick auf seine Vergangenheit.

Live Wire/Blues Power ist ein Blues-Album von Albert King. Es wurde 1968 live im Fillmore Auditorium
aufgenommen. Der Rolling Stone bezeichnete das Album als ”die Überarbeitung eines klassischen Formats
durch einen Mann, um eine sehr persönliche Aussage zu machen, die alle Klischees aufruft, ohne auch nur
eine Sekunde lang selbst ein Klischee zu werden”. Die Encyclopedia of Popular Music bezeichnete es als
einen ”Klassiker, der Kings Musik dem weißen Rockpublikum näher brachte”.
Das Album erreichte Platz 150 in den Billboard 200.

Die neueste Veröffentlichung der US-Thrash-Legenden FLOTSAM AND JETSAM steht in den Startlöchern. Unter Beibehaltung ihres typischen schnellen und aggressiven Stils präsentiert „I Am the Weapon“ noch mehr musikalisches Können und Komplexität als zuvor.

Am the Weapon“ knüpft nicht nur nahtlos an die beiden herausragenden Vorgänger an, sondern geht auch in Sachen musikalisches Können und Komposition einen Schritt weiter. Während FLOTSAM AND JETSAM ihre Kernkompetenzen wie ihren aggressiven Stil kombiniert mit schnellen Tempi voll ausleben, gibt es auf „I Am the Weapon“ mehr überraschende Momente als je zuvor.
Von brutalen high-speed Tracks wie „I Am the Weapon“ hin zum atmosphärischen, aber nicht superschnellen „Burned My Bridges“ überzeugt jeder Track des Albums auf seine eigene Weise.

Nilüfer Yanya veröffentlichr ihr neues Album ‘My Method Actor’ auf Ninja Tune!

Während sie am neuen Album schrieb, zog sich Nilüfer mit ihrer kreativen Partnerin Wilma Archer (Sudan Archives/ Celeste) ins Studio zurück. Sie war ein Jahr lang mit ihrem zweiten Album „PAINLESS“ auf Tournee und befand sich in einer Phase des Übergangs, zwischen Alben, zwischen Plattenfirmen und zwischen Wohnorten. „My Method Actor“ hat viel mit der Idee zu tun, von einem Lebensabschnitt in einen anderen zu wechseln. Die Samen für „My Method Actor“ wurden Anfang 2023 gepflanzt, aber erst im Frühjahr desselben Jahres begannen die ersten Triebe zu sprießen. Als die Songs zu entstehen begannen, zogen sich Yanya und Archer von der Welt zurück. „Dies ist in dieser Hinsicht das intensivste Album.“, sagt Yanya. „Weil es nur wir beide waren. Wir haben niemanden sonst in diese Blase gelassen.“ Sie schrieben und nahmen in kleinen Sessions auf, verteilt über London, Wales und Eastbourne. Die Atmosphäre des Albums spiegelt diesen Kokon kreativer Energie wider: Es umhüllt die Hörenden mit cineastischen Schwüngen und wirkt gleichzeitig intim, indem es ihn in die kleine Welt einlädt, die sie geschaffen haben, und seine Geheimnisse preisgibt.

Nilüfers vorheriges Album, „PAINLESS“, wurde durchweg als eines der herausragendsten Alben des Jahres 2022 gefeiert, mit glühenden Kritiken von The Guardian (Album der Woche), The Sunday Times, Crack Magazine, NME und anderen. Das Album enthält die herausragenden Tracks, „anotherlife“, „stabilise“ und „midnight sun“, die Nilüfer in der „Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ performte. Nilüfer trat auch in „Late Night with Stephen Colbert“, „Later with Jools Holland“ und in der Tiny Desk-Konzertreihe von NPR auf.

Sie hat Adele, The xx und Mitski auf ihrer Tournee begleitet, war Headlinende im Londoner Shepherd's Bush Empire und hat Shows in ganz Europa, Australien, Japan und den USA ausverkauft. Yanya wurde auch von Sampha, King Krule und Little Dragon geremixt und hat mit Bombay Bicycle Club und Liss zusammengearbeitet.

Der Samen für ELEPHANT TREE wurde im Jahr 2013 irgendwo in Londons modrigen Seitengassen in einem Proberaum gepflanzt. Dort wuchsen aus dem Bass von Jack Townley und Sam Harts Schlagzeug die ersten Töne des späteren "Attack of the Altaica" Demos hervor. Damit war der Song geradezu prädestiniert zum Eröffnungsstück der neuen Raritätensammlung "Handful of Ten". Die ansteckende Mischung aus warmem, zerschmelzendem Gitarren-Fuzz und hochfliegenden Gesangsharmonien des Demos führte schnell zu einem Plattenvertrag und bereits im September 2014 erschien das erste Album "Theia". Das Debütalbum wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen hervorragend aufgenommen und dieser Meilenstein wird nun als Anniversary Edition neu aufgelegt. Eine Fülle von seltenen Fotos, Liner-Notes und Texten polieren das Artwork frisch auf. Die hart arbeitenden Engländer ruhten sich keineswegs auf ihren Lorbeeren aus, sondern legten im Jahr 2015 mit dem selbstbetitelten zweiten Langspieler "Elephant Tree" erfolgreich nach. Dagegen scheiterte ELEPHANT TREEs Versuch, mit einem Label näher der Heimat zu arbeiten, ohne eigenes Verschulden, an Problemen des neuen Partners. Dadurch erhielt das hoch gelobte "Habits" aus dem Jahr 2020 nicht die nötige anhaltende Unterstützung. ELEPHANT TREE veröffentlichen das gesuchte dritte Album zum zehnjährigen neu über Magnetic Eye, womit es endlich wieder verfügbar wird. Mit "Handful of Ten" blicken ELEPHANT TREE auf zehn aufregende Jahre zurück, die sie mit großartigen Stücken aus ihrem Archiv sowie neuen Tracks feiern. Langjährige Anhänger dürfen sich ebenso wie neue Freunde auf den einzigartigen melodischen Doom der Engländer freuen: nur Thriller, keine Filler!

Reissue, limited

16-Band-Compilation, die mit der Nahtstelle zwischen Gitarren-Rock einerseits, Programming und Electro andererseits dealt und anhand von teils exclusiven Beiträgen von Prong, Ministry, Godflesh, Killing Joke, Krupps, Einstürzende Neubauten, Consolidated uva.jene Zusammenhänge herausarbeitet, die Gruppen wie Korn & Co.erst den Weg freigemacht haben.

16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe emporsteigen, auf den Konzerten trifft sich Jung und Alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener ,Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung ,Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder im eigenen Kopf. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits! Im Klappcover mit bedruckter Innenhülle, hier auf klassisch schwarzem Vinyl!

PYJÆN is the reflection of 5 souls. Their joy, their happiness, their worries and experiences come together in one unified higher identity. PYJÆN’s story will be expressed not only musically but also with other visual arts.

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Consisting of guitarist Dani Diodato, trumpeter Dylan Jones, saxophonist Ben Vize, drummer Charlie Hutchinson and bass player Benjamin Crane, PYJÆN have been touring in the UK this year with dates at iconic venues such as the Jazz Cafe, Vortex Jazz Club and Ronnie Scott’s as well as playing Glastonbury, Love Supreme and Brainchild Festival.

Described by Jazz Wise Review as having “a groove propelled with dynamism and formidable technique”, PYJÆN seamlessly meld funk, afro-beat and contemporary sounds with nods to hip-hop and disco, whilst acknowledging the traditional era of 1920s jazz and dance music.

Their debut self-titled album ‘PYJÆN’ was released on 20th September 2019, both digitally and physically with 300 limited copies of Vinyl being distributed across selected UK record stores, as well as Bandcamp.
The album will also be supported by a graphic novel, which will tell the story of PYJÆN and the influences and stories behind the songs.

Elf Songs und ein Klavier-Intro bieten den Hörern erstklassigen Speed/Thrash Metal, der sich locker zwischen internationalen Klassikern der 80er und 90er-Jahre, sowie aktuellsten Tipps von Heute einfügen wird.
Die Aufnahmen wirken wie ein zweiter Frühling der Band: ehrlich, direkt, frisch und ultra heavy!
Dies mag mitunter am bisher stärksten und reifsten Line-up in der Geschichte der Band liegen. Zu Beginn des Vorjahres rekrutierte man niemand geringeren als den aus Bulgarien stammenden und in Dänemark lebenden Saitenhexer Nikolay Atanasov (u.a. AGENT STEEL). Er komplementiert mit dem bereits davor dazugestoßenen Bassisten Lorenz Kandolf (u.a. TRAITOR) das Line-up. Den Kern der Gruppe bildet, seit dem mittlerweile als Klassiker gehandhabten, im "New Wave Of Thrash Metal" geltenden Debüt "Have Gun, Will Travel" (2010), Band-Gründer, Sänger, Gitarrist und Hauptkomponist Ricky Wagner, sowie der Ausnahme-Schlagzeuger Bastian "attt" Santen. Noch nie hat REZET so frisch geklungen und vor Angriffslust gestrotzt.

Produziert, gemixt und gemastert wurde das Album erneut von Eike Freese (HELLOWEEN; DEEP PURPLE; HEAVEN SHALL BURN uvm.), Hamburgs Rock & Metal-Produzenten par excellence, wobei Teile der Aufnahmen in den bandeigenen "Rad Toad Studios", im hohen Norden Schleswig-Holsteins, selbst durchgeführt wurden.
Pär Oloffsson (Exodus, Aborted, Pathology, Traitor, Finsterforst uvm.) bietet die dystopische Visualisierung der Scheibe und zeichnet das Bild einer mechanischen Landschaft, die von neuem Leben zurückerobert wird. Der "große Reset" war vermutlich noch nie so nah…

Elf Songs und ein Klavier-Intro bieten den Hörern erstklassigen Speed/Thrash Metal, der sich locker zwischen internationalen Klassikern der 80er und 90er-Jahre, sowie aktuellsten Tipps von Heute einfügen wird.
Die Aufnahmen wirken wie ein zweiter Frühling der Band: ehrlich, direkt, frisch und ultra heavy!
Dies mag mitunter am bisher stärksten und reifsten Line-up in der Geschichte der Band liegen. Zu Beginn des Vorjahres rekrutierte man niemand geringeren als den aus Bulgarien stammenden und in Dänemark lebenden Saitenhexer Nikolay Atanasov (u.a. AGENT STEEL). Er komplementiert mit dem bereits davor dazugestoßenen Bassisten Lorenz Kandolf (u.a. TRAITOR) das Line-up. Den Kern der Gruppe bildet, seit dem mittlerweile als Klassiker gehandhabten, im "New Wave Of Thrash Metal" geltenden Debüt "Have Gun, Will Travel" (2010), Band-Gründer, Sänger, Gitarrist und Hauptkomponist Ricky Wagner, sowie der Ausnahme-Schlagzeuger Bastian "attt" Santen. Noch nie hat REZET so frisch geklungen und vor Angriffslust gestrotzt.

Produziert, gemixt und gemastert wurde das Album erneut von Eike Freese (HELLOWEEN; DEEP PURPLE; HEAVEN SHALL BURN uvm.), Hamburgs Rock & Metal-Produzenten par excellence, wobei Teile der Aufnahmen in den bandeigenen "Rad Toad Studios", im hohen Norden Schleswig-Holsteins, selbst durchgeführt wurden.
Pär Oloffsson (Exodus, Aborted, Pathology, Traitor, Finsterforst uvm.) bietet die dystopische Visualisierung der Scheibe und zeichnet das Bild einer mechanischen Landschaft, die von neuem Leben zurückerobert wird. Der "große Reset" war vermutlich noch nie so nah…

Als eine der originellsten, vielschichtigsten und innovativsten Krautrock-Bands verschmelzen Embryo traditionelle ethnische Musik mit ihrem eigenen jazzigen Space-Rock-Stil. Im Laufe ihrer jahrzehntelangen Existenz hat die Gruppe die ganze Welt bereist, mit Hunderten von verschiedenen Musikern gespielt und Dutzende von Platten veröffentlicht. Auf beinahe jedem Album findet man unterschiedliche Besetzungen und Stilrichtungen. "Rocksession" ist ein weiteres Embryo-Album mit Material, das während der Sessions zwischen 1971 und 1972 aufgenommen wurde. Eigentlich wollte die Band diese Songs schon 1972 veröffentlichen. Aber Embryos damaliges Label United Artists war nicht so begeistert, also nahmen sie zuerst "Father, Son & Holy Ghosts" auf, um die Songs aus den vorherigen Sessions dann für "Rocksessions" sowie "Steig aus" zu verwenden. Die Besetzung (Dave King (b), Christian Burchard (dr), Jimmy Jackson (organ), Mal Waldron (e-piano) auf diesen beiden Alben ist fast identisch, mit dem Unterschied, dass Sigi Schwab von Roman Bunka bei "Steig Aus" an der Gitarre ersetzt wurde. "Rocksessions" war das erste Embryo-Album auf Brain, ein sehr vielseitiges Werk, das tief im typischen Jazzrock der Krautrock-Ära verwurzelt ist.

Die legendäre Swamp Blues Band aus dem New York der Neunziger, THE CHROME CRANKS, setzte sich zusammen aus Peter Arron, William Weber (G.G. ALLIN&THE MURDER JUNKIES), Jerry Teel (HONEYMOON KILLERS, BOSS HOG, JERRY TEEL&THE BIG CITY STOMPERS) und Bob Bert (SONIC YOUTH, PUSSY GALORE, FIVE DOLLAR PRIEST). 1994 nahmen sie im WMBR Studio in Boston auf und verließen es mit zehn neuen Tracks im Gepäck, ihre bis dato brutalsten, lautesten und intensivsten Songs. Endlich auf Vinyl mit großartigem Artwork und bisher ungesehenen Bildern!

Das Erlebnis, Mutter zu werden, prägte LIFE, die neue farb- und kontrastreiche Aufnahme der norwegischen
Geigerin. Samuelsen ist bekannt für ihre fantasievolle Programmgestaltung. Hier reflektiert sie musikalisch
in virtuosen Interpretationen über die unterschiedlichen Gefühle, die mit Elternschaft einhergehen können. Das Album präsentiert Musik von Olivia Belli, Bryce Dessner, Ludovico Einaudi, Nils Frahm, Jóhann
Jóhannsson, Mário Laginha, Hania Rani, Max Richter sowie Steve Reich, und auch Schubert findet sich
im Mix. Samuelsen wird auf dem Album von Musikerkollegen begleitet, darunter die Streicher von Scoring
Berlin unter der Leitung von Jonathan Stockhammer.
Die Idee zu LIFE kam Samuelsen nach der Geburt ihres ersten Kindes. Als sie mit ihrem zweiten Kind
schwanger wurde, nahm der Gedanke Gestalt an. Die Magie ihres leidenschaftlichen Spiels verbindet die
elf Titel, die junge Eltern ebenso ansprechen wie Menschen, die sich an die eigene Kindheit erinnern. »Ich
mache Musik, weil ich Geschichten erzählen will«, sagt Samuelsen. »Zwar sind es persönliche Geschichten,
aber ich möchte, dass sich so viele Menschen wie möglich darin wiederfinden.«

'Dream Pictures' ist das brandneue Studioalbum des US-Singer/Songwriter Andrew Combs aus Nashville, Tennessee. Die 12 neuen Songs bewegen sich galant zwischen Americana, Indie-Pop und Country-Folk.

Combs produzierte das Album gemeinsam mit dem Schlagzeuger Dom Billett. Die beiden Musiker begannen 2017 gemeinsam zu touren, und ihre Freundschaft ist auf dem Album fast durchgängig hörbar. Mit Ausnahme des Instrumentalisten Spencer Cullum, der die Pedal Steel beisteuerte, wurde Dream Pictures komplett von Combs und Billett aufgenommen und eingespielt. Die beiden nahmen alle Unvollkommenheiten in Kauf, die mit dem hausgemachten Aufnahmeprozess einhergingen und brachten die Rohheit der Aufnahmen mit der Finesse von Combs Songwriting perfekt in Einklang. Sie nahmen sogar Combs Gesang mit einer Reihe von Live-Auftritten im Studio auf und widerstanden so der Versuchung, verschiedene Takes zusammenzuschneiden, um ein poliertes Album er erhalten.

Kompakt is proud to announce, finally, a reissue of the first, self-titled GAS album. Originally released on electronica imprint Mille Plateaux back in 1996, it’s been unavailable in its original form ever since – the version of GAS included in 2008’s Nah Und Fern box featured several different tracks. Here, however, GAS is restored in all its glory, the debut full-length from Wolfgang Voigt’s most enigmatic, quixotic project.

There had, of course, been signs of what was to come. Back in 1995, Voigt essayed the first GAS release, a slender, yet remarkable four-track EP, Modern. Its centre label featured a reduced symbol – an overhead or lamp light, switched on, its glow radiating outwards in four bold black lines – a perfect representation of the tight, stylised ambient electronic pop contained on that 12”. A few curious compilation tracks were floating around, too, for Mille Plateaux’s Modulation & Transformation and Electric Ladyland series. If you were attentive enough, you could tell something was up.

But nothing quite prepared us for the languorous, effervescing loops and regular-like-clockwork beats that Voigt folded together on GAS. Its six long tracks, all untitled, neither begin nor end but hazily fade into earshot, vibrate majestically in your cochlea for fifteen-or-so minutes – some a bit shorter, some longer – and then meander away, reading the mise-en-scène for the next example of Voigt’s drift and dream logic to unfold. The material is referential in the most distant way, and you can sense only the most evanescent of ghostly presences, haunting these six compositions.

GAS feels, also, like a more pliable hint at what’s to come, as the GAS concept really solidified on its successor, 1997’s Zauberberg, and reach its apotheosis on Königsforst and Pop. Those three albums share a very similar palette – blurred, hazy samples, often of classical music, stacked and cross-thatched across a muted 4/4 thud. GAS, then, is an outlier of sorts: it’s more expansive in its remit, lighter in its mood, perhaps more fleet of foot. This, of course, is part of its charm.

In clearing space for Voigt, by preparing the terrain, GAS sits both at the edge of the forest, and at the verge of an expansive, wide-eyed future; one where GAS would become truly eternal.

Text by Jonathan Dale

Kompakt ist stolz, endlich eine Neuauflage des ersten, selbstbetitelten GAS-Albums ankündigen zu können. Ursprünglich im Jahr 1996 auf dem Electronica-Label Mille Plateaux veröffentlicht, ist es seitdem nicht mehr in seiner ursprünglichen Form erhältlich – die gleichnamige Version von GAS, die 2008 in der Nah Und Fern Box enthalten war, enthielt verschiedene andere Titel. Nun liegt das 3er Album in seinem naturbelassenen Originalzustand wieder vor.

Bereits 1995 zeichnete sich mit der Maxi GAS - Modern auf Profan, sowie einigen Kompilation-Beiträgen auf Modulation & Transformation und Electric Ladyland auf Mille Plateaux dieser frühe, weltentrückte, rätselhafte GAS Sound ab, der sich erst in den sechs scheinbar endlosen, majestätisch-sprudelnden Tracks des Albums voll entfaltete. Die Musik ist von ätherischer Leichtigkeit, in der wie aus einer anderen Sphäre abstrakte Referenzen aus weiter Ferne nur andeutungsweise herüberzuwehen scheinen.

Dieser frühe, eher sphärisch-leichte, gleich einer sonnendurchfluteten (Wald-)Lichtung anmutende GAS Sound, stellt gewissermaßen den Ausgangspunkt der audiovisuellen „Welt“-Reise in den düster-romantischen Acid-Wald dar, in den sich GAS ab 1997 mit den Alben Zauberberg, Königsforst, Oktember und ab 2000 mit Pop an anderer Stelle wieder hinaus und in seine ganz eigene Ewigkeit begeben hat.

2022 entstand Dimbild als halbakustisches Nebenprojekt des renommierten Musikers Vintersorg, das die folkige Seite seiner Reise in vollem Umfang
einbezieht und die intensiven Metal-Kompositionen des Hauptacts außen vor lässt. Es ist etwas, das seit Jahren wächst, aber im Jahr 2022 nahm es
seine eigene Form an. In Abkehr von der unerbittlichen Energie des Metal verfolgt Dimbild einen gedämpfteren und introspektiveren Ansatz beim
Musikmachen. Das Projekt ermöglichte es Vintersorg, eine andere Facette seines künstlerischen Ausdrucks zu erforschen und tiefer in die Gefilde der
Folk- und Akustikmusik einzutauchen, in die ein Hauch von Melancholie eingeflochten ist. Die Musik von Dimbild, die sich von der Natur, der
Mythologie und existenziellen Themen inspirieren lässt, entführt den Hörer in eine andere Welt, in der sich Emotionen mit den Klängen von
Akustikgitarren, Perkussion und dem markanten Gesang von Vintersorg vermischen.

In über 35 Jahre haben Vibravoid 22 Studio Alben, zahllose Live Alben, Singles und EPs veröffentlicht, die Spitzenpositionen erreichten. "Live At Finkenbach 2015" schaffte es auf Platz 2 der offiziellen Vinyl Verkaufscharts. Bereits im Jahre 1988 gründete Psych Aktivist Dr. Koch die Light Show Society Düsseldorf. Bereits in den frühen 1990er Jahren entwickelte sich Vibravoid als einflussreichste neue Gruppe aus Düsseldorf. Zum Beispiel wurde Vibravoid in der Frühphase des Stoner Metals und der damit einsetzenden falschen Benutzung des Begriffs "Psychedelic" zu vielen Stoner- Festivals geladen. Zum Erstaunen des Publikums präsentierten Vibravoid Songs von Syd Barrett´s Pink Floyd, Silver Apples, CAN oder den Beatles, die den Stoner-Jüngern zu dieser Zeit nicht bekannt waren und als Songs von Vibravoid interpretiert wurden. Vibravoid hat es immer abgelehnt als "Stoner Band" vereinnahmt zu werden. Als Kinder der Flower Power Generation haben Vibravoid von der ersten Welle des Psychedelic und Kraut Rock gelernt, denn was heute als "Psych- und Krautrock" vermarktet wird,gab es damals noch nicht und musste von Bands wie Vibravoid erfunden werden. Im Jahr 2008 nahmen Vibravoid mit dem legendären Flower Power Erfinder Sky Saxon (The Seeds) nicht nur sein letztes Album auf, sondern zugleich auch das Testament einer ganzen Generation.Die Karriere von Vibravoid ist einzigartig, denn trotz ihres Erfoges ist Vibravoid immer noch Underground.

Als William J. Tsamis, Gründer der Epic-Metal-Heroen Warlord, am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren viel zu früh für immer von uns gegangen ist, schien dies für viele das Ende einer der kreativsten Metal-Formationen Amerikas zu markieren. Doch überraschender Weise schlugen Warlord zurück, mit neuer Besetzung und einem neuen Studioalbum, "Free Spirit Soar" (auf High Roller Records).

Mit Bass- und Gitarrenspuren von Bill Tsamis von Originalaufnahmen (auf zwei Stücken übernimmt Eric Juris dessen Parts), legt das aktuelle Line-Up um Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards) und Giles Lavery (Gesang) mit "From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues" jetzt ein weiteres Album nach.

Sänger Giles Lavery erklärt: "Wir wollten uns mit dieser Veröffentlichung in der aktuellen Besetzung (sowie Bills Gitarren- und Bassspuren von 2002) noch einmal das Album "Rising Out Of The Ashes" vornehmen, das Material aber mehr an Bills ursprünglicher Vision der Songs orientieren."

Das Vinyl von "From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues" umfasst acht Songs, wogegen die CD-Variante mit 14 Stücken aufwartet (darunter viele rare Versionen von längst vergriffenen Compilations).

"From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues" nährt die Vorfreude auf die anstehenden Live-Auftritte der neu formierten Warlord im Jahre 2024.

Als William J. Tsamis, Gründer der Epic-Metal-Heroen Warlord, am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren viel zu früh für immer von uns gegangen ist, schien dies für viele das Ende einer der kreativsten Metal-Formationen Amerikas zu markieren. Doch überraschender Weise schlugen Warlord zurück, mit neuer Besetzung und einem neuen Studioalbum, "Free Spirit Soar" (auf High Roller Records).

Mit Bass- und Gitarrenspuren von Bill Tsamis von Originalaufnahmen (auf zwei Stücken übernimmt Eric Juris dessen Parts), legt das aktuelle Line-Up um Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards) und Giles Lavery (Gesang) mit "From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues" jetzt ein weiteres Album nach.

Sänger Giles Lavery erklärt: "Wir wollten uns mit dieser Veröffentlichung in der aktuellen Besetzung (sowie Bills Gitarren- und Bassspuren von 2002) noch einmal das Album "Rising Out Of The Ashes" vornehmen, das Material aber mehr an Bills ursprünglicher Vision der Songs orientieren."

Das Vinyl von "From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues" umfasst acht Songs, wogegen die CD-Variante mit 14 Stücken aufwartet (darunter viele rare Versionen von längst vergriffenen Compilations).

"From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues" nährt die Vorfreude auf die anstehenden Live-Auftritte der neu formierten Warlord im Jahre 2024.

Eine berauschende Reise durch kopfnickende Grooves, mit fetter Instrumentierung und schrulliger Brillanz, die 70er Prog und moderne Stoner-Riffs vereint! Mammoth Volume melden sich mit einem neuen Album zurück, auf dem sie die Genres des 70er Jahre Progressive Rock und des modernen Stoner-Riffings perfekt miteinander verbinden. Das Ergebnis ist eine fesselnde Reise durch kopfnickende Grooves, fette Instrumentierung und schrullige Brillanz, die fesselnd ist. Mammoth Volume haben es sich zum Markenzeichen gemacht, unerwartete Orte aufzusuchen und immer wieder reizvolle Wendungen einzuschlagen, wenn wir denken, wir hätten sie durchschaut, und Raised Up By Witches ist ein nahtloser und aufregender neuer Trip, bei dem sie im Grunde das einzige Fahrzeug auf der Straße sind. Vielfarbiges Vinyl sowie Digipack-CD!

"Leopard II" heißt die 2. LP der Kolossalen Jugend aus Hamburg. Wurde schon ihr Debüt "Heile, heile boches" lobend aufgenommen, zählt "Leopard II" wohl zu den ernstzunehmendsten und wichtigsten deutschen Produktionen überhaupt. Im Original 1990 auf LADO erschienen. Die LP-Reissue enthält Linernotes von Dietmar Dath.

Man könnte meinen, das musikalische Erbe der 1960er-Jahre sei bis zur Erschöpfung gefeiert worden (und da hätte man recht), und dennoch, und was noch erstaunlicher ist, werden die Pretty Things unter all den großen bahnbrechenden britischen Bands dieser Zeit immer noch routinemäßig unterschätzt und unterschätzt oft übersehen.Mit ihrer einzigartig rauhen Interpretation des R&B-Repertoires legten die Pretties die Vorlage für einen Sound, der später als ,English Freakbeat" bezeichnet wurde, und gingen in einer Ära der beispiellosen Pop-R/Evolution hin zu Psychedelia und darüber hinaus immer an die sprichwörtlichen Grenzen, indem sie wohl die ersten schrieben und aufnahmen und möglicherweise die beste Rockoper in ihrem Meisterwerk S.F. Sorrow (and what about Parachutes then?).In diesem Jahr jährt sich ihr Debüt ,Rosalyn" zum 60. Mal, was ein guter Vorwand zu sein scheint, ihr Vermächtnis mit einer Tribute-EP zu feiern. Doch anstatt die Klassiker abzudecken, haben sich die vier hier versammelten Psych-Pop- und Mod-nahen Künstler, Bandkollegen und Gare du Nord-Mitarbeiter dafür entschieden, in die weniger bekannten Tiefen des Pretty Things-Katalogs einzutauchen:Der Produzent und Multiinstrumentalist Andy Lewis spielt ,Walking Down The Street" aus den Electric Banana-Sessions von 1967. Der Pariser Popmeister Popincourt übernimmt ,You Don't Believe Me" aus dem Pretties-Album "Get the Picture" aus dem Jahr 1965. Dann ist da noch Ian Buttons ,Papernut Cambridge", der sich der seltsamen Stop-and-Go-Seltsamkeit des Kult-Pop-Juwels ,Defecting Grey" stellt, während Canterburys eigener kontinentaler Pop-Korrespondent Robert Rotifer ,House of Ten"von der häufig vergessenen, aber allgemein glorreichen Kammerpop-LP "Emotions" von 1967 einen Besuch abstattet.,Das ist ein großes Kompliment an die Band", schrieb Dick Taylor, Gitarrist der Pretties, als er um Zustimmung zur Veröffentlichung gebeten wurde, was alle seine Fans bei Gare du Nord Records sehr glücklich machte.,House of Four" (VÖ: 23.08.24/Gare du Nord) wird in einer limitierten Auflage von 300 Exemplaren als 10" EP mit 45 U/min (und digital) erscheinen, mit einer zusätzlichen Postkarte mit dem von Robert Rotifer liebevoll gezeichneten Puppenhaus-Covermotiv. Es ist ein anglo-französisch-österreichisches Cross-Continental kulturelles Unterfangen zu Ehren einer großartigen britischen Band, die sechs Jahrzehnte später immer noch kein bekannter Name ist (außer in den besten Haushalten), es aber immer verdient hat.Schade nur, dass Phil May nicht mehr da ist, um es zu hören ...

Es hat wieder begonnen...

Die thüringischen Meister des Makabren melden sich mit ihrem neuen, mittlerweile 17. Studio-Album "Abart" in der deutschen Metal-Szene zurück und setzen unbeirrt ihren bisher eingeschlagenen, ureigenen Weg fort.
"Abart" macht da weiter, wo der "Grenzgänger" Anfang 2023 aufgehört hat, und präsentiert die Thüringer Legenden in absoluter Bestform: Abwechslungsreiches Songwriting, das nahezu alle Facetten der einzelnen Metal-Stilistiken von Death über Black, Gothic, Dark und Doom abdeckt, wird von Mastermind M.Roths unverkennbaren Vocals Leben eingehaucht und in Kombination entstehen beängstigende, monströse Klangwelten, wie sie nur EISREGEN erschaffen können.

M.Roth und Yantit haben auch auf "Abart" ein eiskaltes Händchen für Melodien, die hängen bleiben und den Hörer verfolgen - Songs wie "Am Abgrund", "Im blutroten Raum" oder "Schöner sterben", verfügen über ein enormes Hitpotenzial, weit entfernt von jeglichem Mainstream.
Und: Einem der größten Bandhits der Thüringer wird ein Sequel spendiert - macht euch bereit für "Die Rückkehr der Elektro Hexe". Dazu gesellen sich die Songs "Elektro Baba Yaga" und mit "1000 tote Nutten 2024" wird einem weiteren Bandklassiker ein zeitgemäßes Gewand verpasst.

Polarisierend und einzigartig - der Tod bleibt auch anno 2024 ein Meister aus Thüringen.

Es hat wieder begonnen...

Die thüringischen Meister des Makabren melden sich mit ihrem neuen, mittlerweile 17. Studio-Album "Abart" in der deutschen Metal-Szene zurück und setzen unbeirrt ihren bisher eingeschlagenen, ureigenen Weg fort.
"Abart" macht da weiter, wo der "Grenzgänger" Anfang 2023 aufgehört hat, und präsentiert die Thüringer Legenden in absoluter Bestform: Abwechslungsreiches Songwriting, das nahezu alle Facetten der einzelnen Metal-Stilistiken von Death über Black, Gothic, Dark und Doom abdeckt, wird von Mastermind M.Roths unverkennbaren Vocals Leben eingehaucht und in Kombination entstehen beängstigende, monströse Klangwelten, wie sie nur EISREGEN erschaffen können.

M.Roth und Yantit haben auch auf "Abart" ein eiskaltes Händchen für Melodien, die hängen bleiben und den Hörer verfolgen - Songs wie "Am Abgrund", "Im blutroten Raum" oder "Schöner sterben", verfügen über ein enormes Hitpotenzial, weit entfernt von jeglichem Mainstream.
Und: Einem der größten Bandhits der Thüringer wird ein Sequel spendiert - macht euch bereit für "Die Rückkehr der Elektro Hexe". Dazu gesellen sich die Songs "Elektro Baba Yaga" und mit "1000 tote Nutten 2024" wird einem weiteren Bandklassiker ein zeitgemäßes Gewand verpasst.

Polarisierend und einzigartig - der Tod bleibt auch anno 2024 ein Meister aus Thüringen.

Es hat wieder begonnen...

Die thüringischen Meister des Makabren melden sich mit ihrem neuen, mittlerweile 17. Studio-Album "Abart" in der deutschen Metal-Szene zurück und setzen unbeirrt ihren bisher eingeschlagenen, ureigenen Weg fort.
"Abart" macht da weiter, wo der "Grenzgänger" Anfang 2023 aufgehört hat, und präsentiert die Thüringer Legenden in absoluter Bestform: Abwechslungsreiches Songwriting, das nahezu alle Facetten der einzelnen Metal-Stilistiken von Death über Black, Gothic, Dark und Doom abdeckt, wird von Mastermind M.Roths unverkennbaren Vocals Leben eingehaucht und in Kombination entstehen beängstigende, monströse Klangwelten, wie sie nur EISREGEN erschaffen können.

M.Roth und Yantit haben auch auf "Abart" ein eiskaltes Händchen für Melodien, die hängen bleiben und den Hörer verfolgen - Songs wie "Am Abgrund", "Im blutroten Raum" oder "Schöner sterben", verfügen über ein enormes Hitpotenzial, weit entfernt von jeglichem Mainstream.
Und: Einem der größten Bandhits der Thüringer wird ein Sequel spendiert - macht euch bereit für "Die Rückkehr der Elektro Hexe". Dazu gesellen sich die Songs "Elektro Baba Yaga" und mit "1000 tote Nutten 2024" wird einem weiteren Bandklassiker ein zeitgemäßes Gewand verpasst.

Polarisierend und einzigartig - der Tod bleibt auch anno 2024 ein Meister aus Thüringen.