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Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Bloodred Hourglass (BRHG) meldet sich zurück mit ihrem mittlerweile siebten Studioalbum „We Should Be Buried Like This“. einem kompromisslosen Statement einer Band. die sich über die Jahre zu einer der eindrucksvollsten Kräfte im modernen Death Metal entwickelt hat. Beheimatet im finnischen Mikkeli wurden BRHG bekannt für ihre Fähigkeit. die rohe Wucht von Thrash- und Groove-Metal mit den atmosphärischen Sounds von Metalcore. Alternative Metal und Melodic Death Metal zu verschmelzen. Ihr Sound ist so kraftvoll wie emotional. so mitreißend wie facettenreich - eine Mischung. die ihnen regelmäßig positives Feedback. eine internationale Fangemeinde sowie den Ruf explosiver Live-Shows eingebracht hat. Mit „We Should Be Buried Like This“ schlägt die Band nun ihr bislang dunkelstes und schonungslosestes Kapitel auf. Ein Werk. das sie selbst als „Lieder für das Ende der Zeit“ beschreiben - ohne Trost. ohne Erklärungen. Stattdessen erwartet uns eine Geschichte vom Zerfall von Hoffnung. dem Verlöschen von Liebe. der Wiederholung familiärer Fehler und einer Welt. geprägt von Egozentrik. Entfremdung und Gleichgültigkeit. „Hier wird nicht gebettelt. nichts beschönigt“. erklärt die Band. „Wir wollen nichts beweisen. Dieses Album ist aus dem inneren Drang entstanden. Dinge aufzureißen und sie beim Namen zu nennen.“ Musikalisch ist „We Should Be Buried Like This“ das aggressivste und kompromissloseste Album. das BRHG je geschaffen haben. ohne dabei ihre charakteristische Melodik zu verlieren. Heftige Riffs. brachiale Energie und tiefe Emotionen ziehen sich wie ein roter Faden durch das gesamte Album.

Gastauftritte und neue klangliche Elemente sorgen für frische Akzente. doch der Kern bleibt unverkennbar BRHG - verfeinert über Jahre. einzigartig und intensiv

Zum 30-jährigen Jubiläum des legendären HELP-Albums veröffentlicht War Child Records eine streng limitierte 7”-Box-Edition (nur 500 Exemplare, einzeln nummeriert, mit bislang unveröffentlichten Fotos).

Das 1995 in nur einem Tag aufgenommene und von Brian Eno gemischte Album gilt bis heute als bedeutendstes Charity-Album aller Zeiten. Es vereinte Größen wie Oasis, Blur, Radiohead, Massive Attack, Portishead, Neneh Cherry sowie das Superprojekt The Smokin’ Mojo Filters (Sir Paul McCartney, Paul Weller & Noel Gallagher).

Das Album entstand als Reaktion der Musikindustrie auf den Jugoslawienkrieg und brachte mehr als £1,25 Mio. für die Kinder in Bosnien ein.

Ein unverzichtbares Sammlerstück – Musikgeschichte und Charity vereint in einer einzigartigen Edition.

„Manche nennen es Musik, doch für die meisten ist es Krach“, tönt’s im Intro. Das bedeutet damals
wie heute: Der Sänger und Gitarrist der Besten Band der Welt versucht gar nicht erst, seine musikalische
Herkunft zu leugnen und das ist damals wie heute etwas Gutes.
Nur am Rande sei bemerkt, dass FARIN URLAUB den Großteil des Krachs selbst eingespielt hat. Einzig
die Bläser und Streicher hat er sich ins Studio geholt und wer glaubt, „Endlich Urlaub!“ käme lediglich als
nostalgisches Hörerlebnis für den graumelierten Fan erster Stunde ums Eck, hat sich gewaltig in tiefliegende
Gewebsschichten geschnitten.
In „OK“ wird dem geneigten Hörer floskelfrei die Fresse poliert – mit scharf gezackten Gitarrenriffs und
dem roten Saft eines frisch zerfetzten Herzens. „Glücklich“, „Phänomenal egal“ und „Sumisu“ schreien
ungebrochen „IchIchIch“, wenn die Frage nach Singleauskopplungen im Raum steht.
Nur für jene, die unheilvollen Zeiten gern mit Vogelstrauß-Ignoranz oder gar sanfter Zerstreuung begegnen
wollen, wird’s hier gewohnt schwierig – auch wenn’s an musikalischer Vielgestaltigkeit nicht mangelt.
Unbequem kann man, wer hätte das gedacht, auch zu Surf-Sounds werden; wenn’s sein muss, geht’s sogar
rein instrumental. Auf „… und die Gitarre war noch warm“ wabert’s einem nämlich zu High Noon in bester
Morricone-Manier apokalyptisch entgegen.

Die Hardcore/Punk/Thrash Spezialisten von Fleischwolf waren noch nie Kostverächter: Ihre Musik nennen sie schlicht Mettcore, scheren sich um "Wokeness" und weitere Zeitgeist-Befindlichkeiten einen Dreck und haben eine ziemlich große Schnauze in die jede Menge Klartext und klarer Schnaps reinpasst! Mit ihrem wilden Genre-Mix und jeder Menge (Selbst)-Humor sind ihre harten Klänge voll auf Speed getrimmt, was eigentlich sehr passend ist: Seit ihrem Debut "Fleischwolf" und den beiden Nachfolgealben "Von uns für Euch" und "Gut geklaut" ist das Trio eindeutig auf der Überholspur! Ihr neuestes Werk erscheint als Doppel-10inch Vinyl und ist zum einem ein "Kleiner Vorgeschmack" auf das nächste Album mit drei neuen Songs: "Widerstand ist sinnlos - Asi Elixier" ist ein Thrash Metal-Hardcore Brett in bester Tankard-Manier! Jede Menge Spaß und Mitgröhlgarantie bietet "Genauso soll es auch sein" um dann dem alten Haudegen "Chuck Norris" mit reichlich Mötörhead-Charme, RocknRoll und Trompeten ein kleines Ständchen zu singen! Drei Volltreffer, die es in sich haben! Zum anderen ist die neue Fleischwolf aber mit der LP2 "Live" nach über 100 Konzerten auch eine Bestandsaufnahme und enthält 7 Songs mit dem ganzen Schweiss und Scheiss und Stimmung, den die Jungs auf der Bühne so von sich geben. Wer schon einmal bei einem Fleischwolf Konzert dabei war weiß was gemeint ist, den die Jungs sind auch noch großartige Entertainer - perfekt eingefangen auf Vinyl!

Die Hardcore/Punk/Thrash Spezialisten von Fleischwolf waren noch nie Kostverächter: Ihre Musik nennen sie schlicht Mettcore, scheren sich um "Wokeness" und weitere Zeitgeist-Befindlichkeiten einen Dreck und haben eine ziemlich große Schnauze in die jede Menge Klartext und klarer Schnaps reinpasst! Mit ihrem wilden Genre-Mix und jeder Menge (Selbst)-Humor sind ihre harten Klänge voll auf Speed getrimmt, was eigentlich sehr passend ist: Seit ihrem Debut "Fleischwolf" und den beiden Nachfolgealben "Von uns für Euch" und "Gut geklaut" ist das Trio eindeutig auf der Überholspur! Ihr neuestes Werk erscheint als Doppel-10inch Vinyl und ist zum einem ein "Kleiner Vorgeschmack" auf das nächste Album mit drei neuen Songs: "Widerstand ist sinnlos - Asi Elixier" ist ein Thrash Metal-Hardcore Brett in bester Tankard-Manier! Jede Menge Spaß und Mitgröhlgarantie bietet "Genauso soll es auch sein" um dann dem alten Haudegen "Chuck Norris" mit reichlich Mötörhead-Charme, RocknRoll und Trompeten ein kleines Ständchen zu singen! Drei Volltreffer, die es in sich haben! Zum anderen ist die neue Fleischwolf aber mit der LP2 "Live" nach über 100 Konzerten auch eine Bestandsaufnahme und enthält 7 Songs mit dem ganzen Schweiss und Scheiss und Stimmung, den die Jungs auf der Bühne so von sich geben. Wer schon einmal bei einem Fleischwolf Konzert dabei war weiß was gemeint ist, den die Jungs sind auch noch großartige Entertainer - perfekt eingefangen auf Vinyl!

Mit seinem neuen Album knüpft Star-Pianist Lang Lang an die Idee des weltweit erfolgreichen und beliebten
Albums „Piano Book“ an:
Piano Book 2 enthält eine neue persönliche Auswahl von Lang Langs Lieblingsmelodien der Klaviermusik
– „Meisterwerke im Kleinformat“, wie er sie nennt. Zeitlose Klassiker der Klavierliteratur und bekannte
moderne Kompositionen ergänzt durch ikonische Stücke aus Film, Anime & Games ergeben eine abwechslungsreiche Sammlung, die Klavierspieler und -liebhaber jeden Alters gleichermaßen begeistert.
”Ich hoffe, dass diese Werke dazu anregen, neue Schätze zu entdecken, vertraute Melodien neu zu erleben
und die Freude am Klavier aufs Neue zu entfachen.” - Lang Lang
Zusätzlich zur 2CD und 2LP Version ist das Album auch als limitierte „Score Edition“ verfügbar, die
zusätzlich zu den zwei CDs Zugang zum Download der Noten und Video Tutorials über einen integrierten
NFC Chip enthält.

Es gab eine Zeit - nennen wir sie Saturn-Rückkehr, nennen wir sie die frühen 90er Jahre, nennen wir sie den letzten Atemzug, bevor das Internet alles verschlang - als wir von den Zero Boys uns plötzlich einer ganz anderen Art von Feuer gegenüberstanden. Wir waren aus unserer Hardcore-Haut herausgewachsen - nicht aus Ablehnung, sondern aus einer Weiterentwicklung heraus. Wir waren unruhig. Songs kamen nicht mehr in Ausbrüchen purer Geschwindigkeit; sie verdrehten sich, dehnten sich aus, stellten Fragen. Struktur war nicht mehr der Feind. Wir ließen die Songs atmen, und im Gegenzug erzählten sie uns Dinge, die wir nicht erwartet hatten. Die hier versammelten Songs aus ,Make It Stop" (1991) und ,The Heimlich Maneuver" (1992) fangen diesen Moment ein. Diese beiden Alben, die innerhalb eines Jahres entstanden sind, sind Dokumente einer Zeit, in der wir unserem Instinkt folgten - die Grenzen unseres eigenen Sounds ausloteten und persönliche spirituelle Erkundungen durch den Fuzz und die Wut hindurchflochten. Es war nicht religiös. Es war eine Suche. Der Versuch, das Selbst im Lärm der Welt zu finden. Der Versuch, ehrlich über Verwirrung, Widerstand und die Teile von uns selbst zu sprechen, die nicht so einfach in Slogans oder Genres passen. Damals wussten wir, dass wir uns veränderten, aber wir wussten nicht, in welche Richtung. Jetzt, Jahrzehnte später, offenbart das Zurückhören etwas Klareres. Diese Songs - textlich, musikalisch, emotional - fühlen sich heute dringlicher an als damals. Die politischen Aussagen sind gut gealtert, was sowohl ein Triumph als auch eine Tragödie ist. Was wir in einem Moment kreativer Verbrennung geschrieben haben, klingt jetzt wie Warnsignale - über Institutionen, über Gewalt, über das stille Bedürfnis nach Sinn unter all dem. Also ja, ,Playback is Hell". Aber nicht die Hölle der Qualen. Die Hölle des Feuers. Die Hölle der Transformation. Die Hitze der Erinnerung und Bedeutung, die plötzlich wieder aufsteigt. Danke fürs Zuhören - damals, heute und in Zukunft. - Paul Mahern, 2025

"Stories Of Life" - triosence malen Musik aus Geschichten, die das Leben schreibt Das Album "Stories of Life" des Genregrenzen neu definierenden Pianotrios triosence ist ein musikalisches Porträt von Momentaufnahmen aus dem Leben. In jedem Titel erkundet triosence-Bandleader und Komponist Bernhard Schüler die Tragik und Schönheit von Geschichten aus dem Alltag und malt diese Erlebnisse in betörend melodiöse, mitreißende Instrumentalkompositionen. Große Freude und tiefer Schmerz, scheinbar Banales und wahrhaft Lebensveränderndes liegen oft überraschend nah beieinander. Der Verlust einer Schwangerschaft in "Little Lost Wonder", die Liebe zu seiner kleinen Tochter in "Tamina's Lullaby", der Tod seines Onkels in "Dear Rainer" oder die Freude über wild wuchernde Garten-Gewächse seiner Lebensgefährtin in "Tomato Party" - "Stories of Life" ist die in Musik nachvollzogene Erkenntnis von Bernhard Schüler, dass im Leben all das verwoben ist. "Ich setze mich ans Klavier und spiele mir alles von der Seele. Schöne und traurige Erlebnisse, Beobachtungen, Empfindungen - Musik zu schreiben ist meine Art, über das Leben nachzudenken", erklärt er.Was "Stories Of Life" musikalisch auszeichnet, sind progressive Strukturen, die immer wieder in Stil, Tempo und Stimmung variieren; die mal laut oder leise sind, verträumt oder kraftvoll. Sie sollen den Hörer auf eine regelrechte Reise schicken, indem sie eine Reihe von starken Klangbildern erzeugen. "Wenn ich komponiere, habe ich das immer im Hinterkopf", so Bernhard Schüler. "Nämlich Geschichten mit meiner Musik zu erzählen. Das ist, was die Leute am meisten berührt." Auf "Stories Of Life" entwickeln er und seine Bandkollegen Tobias Schulte (Schlagzeug) und Omar Rodriguez Calvo (Bass) mit großer Leichtigkeit ihren melodiösen, stimmungsvollen Sound-Mix aus Weltbeat, Folk, Jazz, Rock und Pop konsequent weiter. "Wir gestalten ein totales Crossover", erklärt Bernhard Schüler, "das ist Musik, die zwar in klassischer Jazz-Formation daherkommt - mit Klavier, Bass und Schlagzeug - aber Jazz im herkömmlichen Sinn kann man das nicht mehr nennen. Mir geht es um starke Melodien und klare Songstrukturen. Eine Fokussierung auf das Wesentliche ist mir wichtig oder anders gesagt: musikalisch auf den Punkt zu kommen."Dem Maler Rainer Hoffmann ist nicht nur das Stück "Dear Rainer" gewidmet - mit "Stories Of Life" wird ihm auf besondere Weise ein Denkmal gesetzt. Sein Gemälde "Badere vid Ingetoprsjön" (Badende am Ingetorpssee) ziert denn auch das Cover-Artwork und im Booklet finden sich zehn weitere Bilder des Künstlers - jedes thematisch einem der Songs zugeordnet. "Leider hat die Kunst meines Onkels nie die Aufmerksamkeit und Anerkennung bekommen, die sie wirklich verdient hat", so Schüler. "Aber er hat ein sehr aufregendes Leben geführt und war ein wahrer Abenteurer, der bereits in frühen Jahren in die schwedische Wildnis gezogen ist und die ganze Welt bereist hat, um dort zu malen. Alles andere war ihm egal. Diese Leidenschaft für die Kunst - ohne Wenn und Aber - hat mich schon als kleiner Junge fasziniert, und wenn er damals Geschichten aus seinem Leben erzählt hat, saß ich mit großen Augen vor ihm." Eine dieser Geschichten greift Schüler in "Marrakesh Swing" auf - ein Flirt mit der Kultur einer Stadt, die er nie besucht hat, aber in seiner Komposition zu blühendem Leben erweckt. Der Hörer erlebt sie vor seinem geistigen Auge - in all ihren Facetten, Farben und ihrer Lebendigkeit.Mit "Tamina's Lullaby" ist nach langer Zeit wieder ein Stück für Soloklavier auf einem triosence-Album enthalten. Zudem schließt eine Referenz auf die Vergangenheit den Kreis der Geschichten auf "Stories of Life": Eine neue Instrumentalversion von "Like The Wind", das ursprünglich mit der US-Sängerin Sara Gazarek für das Album "Where Time Stands Still" aufgenommen wurde, bildet den Schlusspunkt des Albums.

Soul Jazz Records delve into the vast vaults of Discos Fuentes, one of the oldest and largest record companies in Latin America, known as "the Motown of Colombia". Discos Fuentes played a major role in spreading Afro-Latin sounds both to Colombia and around the world and this album explores that legacy. Latin Fire! features legendary Colombian artists such as Fruko, The Latin Brothers, Michi Sarmiento, Afrosound, Pedro Laza, Wganda Kenya and more and showcases the wide-ranging variety of styles that Discos Fuentes made unique to their sound. The album features music from the golden era of Fuentes; from late 50s and 1960s Cumbia through to the emergence of heavyweight and hardcore salsa and Afro-funk in the 1970s and up to the early 1980s.

Die Cinematic-Funk-Visionäre The Diasonics liefern mit ihrem neuen Album ,Ornithology", das am 3. Oktober über Record Kicks veröffentlicht wird, ein weiteres solides Set aus östlich angehauchtem Psychedelic, Cinematic und Disco-Funk. Nach ihrem 2022 von der Kritik gefeierten Debütalbum ,Origin of Forms", das von PopMatters zum Library Music Album of the Year gekürt wurde, kehren die in Moskau ansässigen Instrumentalisten The Diasonics mit ,Ornithology" zurück, einem zweiten Album, das ihre klanglichen Grenzen erweitert und gleichzeitig ihrem unverwechselbaren Stil treu bleibt. Aufgenommen in ihrem eigens errichteten Studio 23, das sich in einer umgebauten Lampenfabrik aus der Sowjet-Ära befindet, ist das Album das Ergebnis von zwei Jahren intensiver kreativer Erkundungen und Experimente. Mit ihrer ganz eigenen Mischung aus cineastischem Funk, östlich angehauchten Melodien, instrumentalem Hip-Hop und analogem Soul haben sich The Diasonics einen einzigartigen Platz in der globalen Funkszene geschaffen. ,Ornithology" markiert ein neues Kapitel: Inspiriert von wiederkehrenden Vogelmotiven in ihrer Umgebung, von Zügen und Bahnhöfen bis hin zu lokaler Folklore und den Schreien der Vögel, die über ihrem Studio kreisen, kanalisiert die Platte Ideen von Bewegung und Freiheit, sowohl thematisch als auch musikalisch. ,Das Thema Vögel und Ornithologie ergab sich ganz von selbst - wir fingen einfach an, überall um uns herum vogelähnliche Namen zu bemerken: Züge und Bahnhöfe, Geschäfte, Orte, Nachnamen von Menschen, Bücher und Filme", sagt die Band. "Wir besorgten uns ein paar alte Synthesizer und stimmten die Oszillatoren, während wir den Schreien der Möwen lauschten, die um die Fabrik flogen, in der sich unser Studio befand. Die Ideen von Flug, Freiheit und Raum wurden zentral für die Musik des neuen Albums." Klanglich gehören zu den wesentlichen Merkmalen von Ornithology nicht nur die Synthesizer, sondern auch Diana Grebs hypnotischer Gesang, der sich nahtlos in die Klangpalette einfügt und dem instrumentalen Funk Leben und Seele einhaucht. ,In unserer Vorstellung balancieren wir wie Vögel zwischen der Erde und dem Himmel und haben versucht, unsere eigene musikalische Sprache innerhalb des Konzepts der Ornithologie zu erschaffen, die den Wunsch eines jeden Menschen widerspiegelt, den Vögeln näher zu kommen und frei zu schweben, jenseits von physischen oder mentalen Grenzen." Die 2019 gegründete vierköpfige Band, bestehend aus Daniil Lutsenko (E-Gitarre), Kamil Gazizov (Keyboards), Maksim Brusov (Bass) und Anton Moskvin (Schlagzeug & Perkussion), erlangte durch eine Reihe von begehrten 45er-Scheiben auf Mocambo Records und Funk Night Records schnell Kultstatus. Ihr von der Kritik hochgelobtes Debütalbum Origin of Forms,, das von Henry Jenkins, dem Produzenten der australischen Kultband Surprise Chef, gemischt wurde, erschien 2022 auf Record Kicks und wurde von PopMatters (US) zum Library Music Album" des Jahres und von FIP (Radio France) zum Album des Monats gekürt. Das Vinyl war innerhalb weniger Wochen ausverkauft und ist nun in der internationalen Cinematic-Funk-Szene sehr gefragt. ,Origin of Forms" erhielt begeisterte Kritiken von Zeitschriften wie Wax Poetics, Mojo, Rolling Stone FR, Clash, Uncut und wurde von Jamie Cullum (BBC2), KEXP, Radio France und Huey Morgan, Don Letts, Cerys Matthews und Tom Ravenscroft von BBC 6 Music, um nur einige zu nennen, unterstützt und gespielt. Mit dem neuen Album Ornithology tauchen The Diasonics in üppige Synthesizer, stripped-down Grooves und rohes instrumentales Zusammenspiel ein, schöpfen aus der Library-Musik der 1970er Jahre, sowjetischer Jazz-Fusion und Disco-Funk und liefern eine weitere supersolide Veröffentlichung, die all die Einzigartigkeit bestätigt und vorantreibt, die ,Origin of Forms" so verlockend machte. Unverzichtbar für Fans von Khruangbin, Surprise Chef und instrumentalen Funk-Grooves.

Daniil Trifonov, „einer der beeindruckendsten Pianisten unserer Zeit“ (New York Times) veröffentlicht sein
mit Spannung erwartetes Tschaikowsky-Album!
Der Starpianist erkundet darin ausgewählte Werke von Tschaikowsky für Klavier solo. Diese offenbaren die
intimere, private Seite des romantischen Komponisten, denn „Tschaikowsky war kein mürrischer Sonderling,
sondern pflegte vor allem in jüngeren Jahren sehr fröhliche Freundschaften und fand großen emotionalen
Rückhalt in seiner Familie“, sagt Trifonov.
Zu hören sind die frühe Klaviersonate in cis-Moll, „ein zu Unrecht übersehenes Meisterwerk“, welches
reich an wechselnden Stimmungen und originellen Ideen ist, das Thème original et variations in F-Dur und
das Kinderalbum op. 39. Zusammen eröffnen diese Werke einen Einblick in das, was Daniil Trifonov die
„private Ebene Tschaikowskys“ nennt – „einen Geist, geprägt von Erinnerungen an Jugend und Familie“.
Das Album endet mit der farbenprächtigen Suite aus Dornröschen. Diese wurde 1978 von dem damals erst
21-jährigen Pianisten und Dirigenten Mikhail Pletnev transkribiert, der im selben Jahr – genau wie Trifonov
33 Jahre später im Jahr 2011 mit einem spektakulären Sieg – den Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb
gewann. Pletnevs Bearbeitung für Soloklavier von Highlights aus dem beliebten Tschaikowsky-Ballett ist
für Daniil Trifonov „ein meisterhaftes Klavierwerk in sich“.

Berlin based producer and trombonist Youarei (Uri Selinger) and producer/instrumentalist Wandara (Idan Amos) team up on this increasingly unmissable label's third release, a slow motion dark disco affair that rumbles like stormy skies, complete with eerie pitched down vocals giving it a truly chilling edge. Flip it over and you'll find 'Mangal Remangaled', the remix from Ma Ze regulars UV & Nenor, adding more hypnotic chug to its atmosphere and some 'live voodoo drums' without compromising an inch of the original's spooky charm/menace. Bad juju, but of the very best kind.

"Album Blurb:
Robert Plant's ""Saving Grace"", sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, ""ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen"". Es entstand während der Lockdowns in „The Shire“, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein."

"Album Blurb:
Robert Plant's ""Saving Grace"", sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, ""ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen"". Es entstand während der Lockdowns in „The Shire“, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein."

RELEASE INFO: Robert Plant's "Saving Grace", sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, "ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen". Es entstand während der Lockdowns in „The Shire“, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein. MARKETING: Umfassende Marketingkampagne mit Print-Anzeigen in MINT, Classic Rock, ROCKS, Slam Magazine und GoodTimes. Begleitend Digitalmarketing mit Fokus auf Onlineversandhändler.

Pink Opaque Vinyl

Nachdem er das Kapitel seiner »Mathematics«-Reihe abgeschlossen hat, meldet sich Ed Sheeran endlich zurück und betritt 2025 selbstbewusst eine neue Phase. Indem er die gemeinsamen Nenner von Umfang, Rhythmus und Melodie erkundet, die musikalische Traditionen im Laufe der Geschichte verbinden, hat Sheeran eine Sammlung von Songs geschaffen, die diese Einflüsse nahtlos in einen kühnen, Pop-getriebenen Sound einfließen lassen.

White & Pink Marbled Vinyl

Nachdem er das Kapitel seiner »Mathematics«-Reihe abgeschlossen hat, meldet sich Ed Sheeran endlich zurück und betritt 2025 selbstbewusst eine neue Phase. Indem er die gemeinsamen Nenner von Umfang, Rhythmus und Melodie erkundet, die musikalische Traditionen im Laufe der Geschichte verbinden, hat Sheeran eine Sammlung von Songs geschaffen, die diese Einflüsse nahtlos in einen kühnen, Pop-getriebenen Sound einfließen lassen.

Teresa Rotschopf, a musician and composer from Vienna, presents her second solo album, »Currents and Orders« – a radical, delicate, yet grandiose sonic journey between experimental pop, new music, and improvised composition. The album will be presented live on August 27 as part of the »Pop-Kultur« festival (silent green, Berlin) and at the »ORF RadioKulturhaus« (Vienna) on 12 September.

»Currents and Orders« was recorded in an unusual location: a stalactite cave in Styria, Austria. Together with a small group of musicians (Maria Gstättner: bassoon, contraforte; Alex Kranabetter: tuba, trumpet, French horn; Patrick Dunst: saxophone, duduk; Florian Klinger: marimba, vibraphone, glockenspiel, cymbals, gong, stalactite; Patrick Pulsinger: gong, stalactite; Ulrich Schleicher: gong) and in co-production with Patrick Pulsinger, Rotschopf recorded the album in June 2023 – deep underground, far from daylight, but all the closer to archaic sounds and resonances.

The cave becomes not only an acoustic stage, but also a symbolic space of memory, retreat, and transformation. The album comprises four pieces – including two large-scale tracks:
- the opening, mantra-like title track »Currents and Orders« (over 10 minutes)
- the final, free-jazz, expressive »I Open My Gates (for You)« (over 20 minutes)

With a minimalist structure, choral voices, vibraphone, percussion, and wind instruments, fragile yet powerful soundscapes emerge, whose spatial depth is also palpable through the cave reverberation.

Rotschopf first developed the desire to record in a cave in the summer of 2022. What began as a visual and sonic image became a concrete project – supported by the Austrian Cave Association. In June 2023, Rotschopf and her musicians spent three days in a cave in the Styrian forest. Almost a kilometer of cable was laid, and equipment and instruments were carried deep underground. Rotschopf describes the recording situation as a kind of return to herself: »I descended into this cave, as if I could descend into myself, into my own womb ... What we did in the cave could just as easily be called ›recording music,‹ but it could also be called ›remembering‹ – remembering the earth, the cave, and humanity.«

»Currents and Orders« is an album like a ritual: haunting, atmospheric, bold in its form, and deeply rooted in both physical and emotional space. Music that takes its time, uses space, and pushes boundaries.

The pre-release single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (release: July 17, 2025) is accompanied by a striking music video shot by Antoinette Zwirchmayr on 16mm film: Teresa Rotschopf holds a real owl in her hand – an image that is as magical as it is enigmatic.

Label owner Martin Hossbach read a review of Rotschopf's first solo album, »Messiah,« in 2018 and contacted the artist. Joint releases followed, including a drone album on the sub-label Martin Hossbach Score and a Pet Shop Boys cover version on Martin Hossbach Cover.

Teresa Rotschopf, Musikerin und Komponistin aus Wien, präsentiert mit »Currents and Orders« ihr zweites Soloalbum – eine radikale, zarte und zugleich groß angelegte Klangreise zwischen experimentellem Pop, Neuer Musik und improvisierter Komposition. Das Album wird am 27.8. im Rahmen des Festivals »Pop-Kultur« (silent green, Berlin) und am 12.9. im »ORF RadioKulturhaus« (Wien) live vorgestellt.

»Currents and Orders« entstand an einem ungewöhnlichen Ort: in einer Tropfsteinhöhle in der Steiermark, Österreich. Gemeinsam mit einer kleinen Gruppe von Musiker:innen (Maria Gstättner: Fagott, Kontraforte; Alex Kranabetter: Tuba, Trompete, Waldhorn; Patrick Dunst: Saxophon, Duduk; Florian Klinger: Marimbaphon, Vibraphon, Glockenspiel, Becken, Gong, Stalakmit; Patrick Pulsinger: Gong, Stalakmit; Ulrich Schleicher: Gong) und in Ko-Produktion mit Patrick Pulsinger nahm Rotschopf das Album im Juni 2023 auf – tief unter der Erde, fern von Tageslicht, dafür umso näher an archaischen Klängen und Resonanzen.

Die Höhle wird nicht nur zur akustischen Bühne, sondern auch zum symbolischen Raum der Erinnerung, des Rückzugs, der Transformation. So umfasst das Album vier Stücke – darunter zwei großformatige Tracks: - das eröffnende mantraartige Titelstück »Currents and Orders« (über 10 Minuten) - das finale, free-jazzig-expressive »I Open My Gates (For You)« (über 20 Minuten)

Mit minimalistischer Struktur, Chorstimmen, Vibraphon, Schlag- und Blasinstrumenten entstehen fragile und zugleich mächtige Klangwelten, deren räumliche Tiefe auch durch den Höhlenhall spürbar wird.

Der Wunsch, in einer Höhle aufzunehmen, kam Rotschopf im Sommer 2022. Was als visuelles und klangliches Bild begann, wurde zu einem konkreten Vorhaben – unterstützt vom Österreichischen Höhlenverein. Im Juni 2023 begab sich Rotschopf mit ihren Musiker:innen drei Tage lang in eine Höhle im steirischen Wald. Fast ein Kilometer Kabel wurde verlegt, Equipment und Instrumente tief unter die Erde getragen. Rotschopf beschreibt die Aufnahmesituation als eine Art Rückkehr in sich selbst: »Ich stieg in diese Höhle hinab, so als ob ich in mich selbst hinabsteigen könnte, in meinen eigenen Schoß [...] Was wir in der Höhle taten, könnte man ›Musik aufnehmen‹ nennen, genauso gut aber auch ›Erinnern‹ – Erinnern von Erde, Höhle und Menschsein.«

Currents and Orders ist ein Album wie ein Ritual: eindringlich, atmosphärisch, mutig in der Form und tief verwurzelt im physischen wie emotionalen Raum. Musik, die sich Zeit nimmt, Raum nutzt und Grenzen sprengt.

Die Vorab-Single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (VÖ: 17.7.205) wird begleitet von einem eindrücklichen Musikvideo, das Antoinette Zwirchmayr auf 16mm-Film drehte: Teresa Rotschopf hält darin eine echte Eule auf ihrer Hand – ein Bild, das genauso magisch wie rätselhaft wirkt.

Labelbetreiber Martin Hossbach las im Jahr 2018 eine Rezension des ersten Rotschopf-Soloalbums »Messiah« und nahm Kontakt zu der Künstlerin auf. Es folgten gemeinsame Veröffentlichungen – etwa ein Drone-Album auf dem Sub-Label Martin Hossbach Score und eine Pet-Shop-Boys-Coverversion auf Martin Hossbach Cover.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
„Absolut herausragend“, „ein wildes neues Talent“ und „elektrisierend“ sind nur einige der Superlative, mit
denen Andrey Gugnins Hyperion-Debütalbum mit Schostakowitschs Präludien und Klaviersonaten bei seiner
Veröffentlichung 2019 überhäuft wurde. Gugnin war der Gewinner des Internationalen Klavierwettbewerbs
von Sydney 2016, „von dessen Klavierspiel man einfach nicht genug bekommen kann“ (Gramophone).
Der in Moskau geborene Konzertpianist Andrey Gugnin erlangt schnell internationale Anerkennung als
leidenschaftlicher Virtuose, der über eine „außerordentlich vielseitige und agile Technik verfügt, die einer oft
inspirierten musikalischen Fantasie dient“ (Gramophone). Als gefragter Konzertsolist wurde Andrey Gugnin
zu Gastauftritten mit namhaften Orchestern auf der ganzen Welt eingeladen: dem London Philharmonic
Orchestra, dem Danish National Symphony Orchestra und dem Mariinsky Theatre Orchestra, um nur einige
zu nennen.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach. Das Album ist vollgepackt mit absoluten Hits aus ihrer gesamten Karriere, darunter Ready for the Floor, I Feel Better und Flutes, um nur einige zu nennen. Daneben gibt es mit Devotion einen neuen Track, auf dem die Band ihre ganze Stimmgewalt entfaltet und Pop-Hooks mit ihrer einzigartigen Dancefloor-Mentalität verbindet.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach. Das Album ist vollgepackt mit absoluten Hits aus ihrer gesamten Karriere, darunter Ready for the Floor, I Feel Better und Flutes, um nur einige zu nennen. Daneben gibt es mit Devotion einen neuen Track, auf dem die Band ihre ganze Stimmgewalt entfaltet und Pop-Hooks mit ihrer einzigartigen Dancefloor-Mentalität verbindet.

Pickle Darling has always existed just outside of the periphery. In a heightened time of fast music, algorithmic consumption and rapid virality, Lukas Mayo (they/them) has remained focused on the album. Their discography is a reflection of their creative evolution, and they deliberately look for ways to push sonic boundaries from release to release. Since debuting with Bigness in 2019 followed by Cosmonaut in 2021, Mayo has curated a catalog that is deeply personal and strangely tactile, where tiny, unexpected details_an off-kilter loop, a whispered aside, the warmth of an old Casio_become as crucial as melody itself. Their 2023 LP Laundromat was a precise and polished expansion of that world, a record that felt like it had been carefully placed behind glass. Their forthcoming fourth album, Battlebots, by contrast, is unruly and full of static: a collection of songs that feel like they could only ever exist on scratched CD-Rs passed between friends. Self-recorded in their home studio in Christchurch, New Zealand, it finds Mayo taking a scalpel to their own songwriting. Songs were stretched, chopped, reversed. Some ideas started as "unlistenable garbage" before morphing into something unexpectedly beautiful. If a song felt too straightforward, Mayo had to mess it up. That friction of old and new, organic and digital, melody and noise is what drives Battlebots. Drawing inspiration from a strange, scattered lineage: Four Tet's Rounds, The Books, Neneh Cherry's Broken Politics, The Wrens' Three types of reading ambiguity, but also the emotional directness of 2000s pop like Madonna's Ray of Light and Robyn's Body Talk, the result is an album that feels like a glitch in the system, pushing against past constraints while embracing the weird, beautiful mess of making something new.

Nach über einem Jahrzehnt psychedelischer Odysseen, Kultstatus und internationaler Tourneen kehrt Dresdens beliebtes Psych?Kollektiv The Roaring 420s mit "We're All In It Together" zurück - dem lang erwarteten dritten Album und zugleich triumphalen Abschiedswerk der Band in ihrer ursprünglichen Besetzung. Die Songs glänzen mit 60s-Gitarren, wirbelnden Orgeln, Reverse?Fuzzes und strahlenden Gesangsharmonien. Ob man es nun Garagenrock, Surf, Psych oder Exotica nennt - eines ist klar: Diese Fahrt wird wild. Und wir sind alle dabei.

Die Singer/Songwriterin CHELSEA WOLFE leidet unter Schlafparalyse und es ist die seltsame Verbindung zwischen dem Bewussten und dem Unbewussten, die sich ganz unfreiwillig in ihrer Arbeit manifestiert. Über ihre ersten vier Alben hinweg herrscht eine untergründige Spannung, ein verzerrtes und nebulöses Territorium, in dem dunkle Schatten über die das Himmlische und Grazile huschen. Bisher waren die persönliche Kämpfe WOLFEs mit den Grenzen zwischen Traum und Realität nur ein unterbewusster Einfluss auf ihre Arbeit. Mit ihrem fünften Album, "Abyss", konfrontiert sie die Grenzen zum ersten Mal offen und erschafft eine Filmmusik zu dem, was sie "Das verschwurbelte Nachleben. Ein umgekehrtes Gewitter. Die düstere Rückwärtsbewegung. Den Abgrund der Zeit." nennt. Das Material von CHELSEA WOLFE hat sich schon immer extrem privat angefühlt; von der fast schon voyeuristisch anmutenden Schlafzimmerproduktion ihres Debüts "The Grime And The Glow" bis zur schroffen Atmosphäre von "Pain Is Beauty" von 2013. "Abyss fängt diese Zweischneidigkeit ein, diesen Kampf zwischen dem Beruhigenden und der Erschütterung, und demonstriert damit, warum CHELSEA WOLFE eine der faszinierendsten Songwriterinnen dieses Jahrzehnts ist. Ltd 2LP im Klappcover "Her darkest, heaviest and most personal album yet . . . a haunting, doomy exercise in loud-quiet dynamics." Rolling Stone 2015

The Rebel returns on Legofunk with the first two tracks of his new album World of No Nation out this summer. Ethnic influences, a jazz touch and a clubby perspective in these completely original songs also thanks to the collaborations of excellent musicians from the roman scene and beyond.
Atom's Dance - produced by Tommaso Taroni, keys David Assuntino, flute Livio Ricci, drums Federico Balestra,percussion Nené Vasquez, double bass Luca Lauria.
Jungle Jazz - produced by Tommaso Taroni, Congas Massimiliano Troiani, sax Matteo Acclavio, Keys David Assuntino.

MIDICRONICA, known as the final legacy of Nujabes and the ending theme of the globally acclaimed anime "Samurai Champloo" and singer Hiro-a-key
(origami PRODUCTIONS), who is also active globally under the name Nenashi, have teamed up to release "Itsumosobani" on 7-inch vinyl.
This work is a split album of songs by Shin-Ski, the poster child of Lo-Fi Hip-Hop, and KO-ney, an official AKAI Professional player and one of Japan's leading finger
drummers, and includes two songs, the mellow and nostalgic "Itsumosobani" based on jazz, and the emotional and laid-back Itsumo Soba n".
Hiro-a-key's pale and fleeting singing voice and MIDICRONICA's unadorned words will touch your heart when you think of someone important.

„Force Majeure“ ist DAS Album, mit dem alles begann.
Nach ihren bahnbrechenden Erfolgen als Leadsängerin der legendären Hardrock-Band Warlock („All We
Are“, „I Rule The Ruins“, „Fur immer“ u.v.m.) markierte „Force Majeure“ den Beginn von Doro Peschs
Solokarriere. Seitdem hat sie sich im Laufe der folgenden Jahrzehnte zu der weiblichen deutschen MetalIkone entwickelt.
Das Album enthält Hits wie „World Gone Wild“ oder Doros Interpretation von „A Whiter Shade Of Pale“.
„Force Majeure“ erreichte in Deutschland im vergangenen Jahr schließlich verdientermaßen Gold-Status.
Ihr internationaler Erfolg zeigt sich in unzähligen Auszeichnungen aus aller Welt: der „Metal Goddess Legend Award“, der ihr in Las Vegas verliehen wurde, oder der „Legend Award“ in Großbritannien, während
sie in den USA in die „Hall Of Heavy Metal History“ aufgenommen wurde - um nur einige wenige zu nennen.
„Force Majeure“ wird zum ersten Mal überhaupt in einer streng limitierten Auflage als Picture-Vinyl erhältlich sein, inkl. höchstpersönlich von Doro verfassten Linernotes. Ein absolutes Must-Have für alle Hard
Rock- und Heavy Metal-Liebhaber aus aller Welt!

Punk is the Preacher, Rock`n`Roll is the Teacher! Mäd Lynx ist die deutsch-schwedische Punkcore (Hard) Rock Band um Heicore & Anni, die zwischen Berlin und Stockholm 2020 im Umfeld von The Baboon Show und Mona Reloeaded geboren wurde. Ihr Sound ist beeinflusst von Motörhead, Misfits, und The Runaways, feinster & purer MÄDCORE, wie sie es selbst nennen, eine Mischung aus Hard Rock, Rock und Punkrock. Die Debüt-EP, welche auf dem 2022 Kassettenlabel Tape Or Die erschien, brachte ihnen viel Kritikerlob und eine erste Reihe von Live-Shows ein. Die zweite EP - benannt nach einem Song von der ersten - mit fünf neuen Tracks (auch als Kassette bei Tape or Die) kommt nun als limitiertes, einseitig bespieltes 12"-Vinyl (klassisch schwarz, nummeriert) über Smith & Miller Records.

Mit seinem siebten Studioalbum kehrt der Musiker und Singer-Songwriter Juan Wauters mit einem Liebesbrief an seine Geburts- und Heimatstadt Montevideo, Uruguay, zurück. "MVD LUV" erscheint am 27. Juni 2025 über Captured Tracks. Mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn seiner Solokarriere hat Wauters seine musikalische Identität zu einem charismatischen und charmanten, authentischen und fesselnden Drahtseilakt geformt, der auf dem schmalen Grat zwischen Aufrichtigkeit und Performativität balanciert. Auf seinem neuen Album kommen seine Fähigkeiten als Songwriter voll zur Geltung. Die meisten Songs auf "MVD LUV" sind weniger als zwei Minuten lang und strotzen nur so vor Lebensfreude, aber das Album als Ganzes zeigt Wauters von seiner liebenswertesten Seite, denn er schreibt mit Zuneigung und Mitgefühl über die uruguayische Stadt, die er liebt und sein Zuhause nennt. Die klare Absicht, mit der Wauters Montevideo und seinen Charakter illustriert, zeichnet das Porträt eines Künstlers, der sich seinem Handwerk und seinem Thema mit großer Hingabe widmet. So gesehen ist "MVD LUV" mehr als nur ein Album - es ist eine Heimkehr. Dabei hat er sich die reichen musikalischen Traditionen von Montevideo zu eigen gemacht und gleichzeitig die Grenzen seines unverwechselbaren Songwritings weiter verschoben. "MVD LUV" ist eine Liebeserklärung an seine Wurzeln und seine Gegenwart und bringt uruguayische Klänge auf die Weltbühne, indem es Candombe- und Murga-Rhythmen in Wauters' charakteristische Mischung aus Folk, Pop und Experimenten einbezieht. Da Wauters einen Großteil seiner Karriere in den Vereinigten Staaten verbracht hat, trägt er seit langem die doppelte Identität eines Einwanderers und eines Einheimischen. Mit "MVD LUV" wollte er eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und die Essenz der Straßen, Häuser und des Gemeinschaftsgeistes von Montevideo einfangen. Das Album wurde an verschiedenen Orten in der Stadt aufgenommen, von seinem eigenen Studio bis hin zu Bürgersteigen, Dächern und den Wohnungen der beteiligten Musiker. Dieser Ansatz verleiht dem Projekt eine unverfälschte Authentizität und lässt Montevideo selbst wie eine aktive Präsenz in der Musik erscheinen. Thematisch beschäftigt sich "MVD LUV" mit Identität, Nostalgie und menschlichen Beziehungen. Tracks wie "Manejando por Pando" und "Siempre Vuelven" reflektieren über die Rückkehr nach Hause und den Lauf der Zeit, während "If It's Not Luv" und "Dime Amiga" sich mit Liebe, Kameradschaft und persönlicher Reflexion beschäftigen. "Ando con Miedo" fängt urbane Ängste ein und stellt Introspektion den pulsierenden Rhythmen der Stadt gegenüber. Wauters schafft damit eine zutiefst persönliche und doch universelle Meditation über Zugehörigkeit. Mit "MVD LUV" präsentiert Juan Wauters eine lebendige, tief empfundene Erkundung von Ort und Identität und schafft ein Album, das sich sowohl tief verwurzelt als auch universell anfühlt. Dieses Album führt den Hörer nicht nur in Montevideo ein, sondern lädt ihn ein, sich dort zu Hause zu fühlen.

Mit "But remember what you have had" setzt Stephen O'Malley seinen musikalischen Ansatz fort und erweitert ihn auf multiphonisches elektroakustisches Schreiben und akusmatisches Hören. Stephen O'Malley schöpft nicht nur aus seiner umfangreichen Erfahrung als Komponist und Live-Instrumentalist, sondern auch aus den zahllosen Studioproduktions- und Mixing-Sessions, an denen er im Laufe seiner vielen Projekte (solo, mit SUNN O))) oder KTL, um nur einige zu nennen) teilgenommen hat. Die Arbeit von Stephen O'Malley an diesem neuen Stück ist ehrgeizig, eine inspirierte Forschung, die sich mit den tiefen Verwicklungen zwischen Polyphonie, Intonation und Timbralität beschäftigt, die durch melodische Motive verstärkt werden. Dazu beschwört O'Malley sein ganz persönliches Klanguniversum herauf, das sich aus verstärkten Texturen, instrumentalen Dauertönen und roher Energie zusammensetzt, um sie in Wellenfronten, Wellen und Schlägen zu brechen, die eine komplexe, reiche und faszinierende Materie weben. "But remember what you have had" ragt als wichtiges Werk in Stephen O'Malleys Repertoire heraus: Es vereint die Vielfalt seines musikalischen Ansatzes auf beispielhafte Weise und legt gleichzeitig die Grundlagen und Versprechen für die Zukunft einer bereits außergewöhnlichen Reise.

Jess Kerber aus Nashville nahm im Alter von 12 Jahren erstmals eine Gitarre in die Hand, um mit ihren frühreifen Stimmungen und Zupfstilen zu experimentieren - beeinflusst von Gleichgesinnten wie Joni Mitchell und Susan Tedeschi. Dies führte zur Entwicklung einer einzigartigen Klangpalette und zu einem authentischen, persönlichen Zugang zum Songwriting. Inspiriert wurde sie gleichermaßen von ihrer Erziehung in Louisiana und dem Studium am Bostoner Berklee College of Music. Ihr Debütalbum "From Way Down Here" zeigt die Dynamik und Tiefe ihrer großartigen Stimme und ihrer nachdenklichen, humanistischen Texte, sowie die raffinierte Komplexität ihres Gitarrenspiels. Während der Entwicklung vieler dieser Kompositionen, bei frühen Live Auftritten in und um Boston und Cambridge, lernte Kerber den Songwriter Will Orchard kennen, der schnell zu einem Partner und Kollaborateur in der Entstehungsphase ihrer Aufnahmen wurde. Orchards Fähigkeiten als Produzent und Multiinstrumentalist heben Kerbers Arrangements auf eine neue Ebene, mit einer entwaffnenden Reinheit und Emotion in einer Dynamik, die derjenigen von Gillian Welch und David Rawlings angelehnt ist. Mit den Traditionen der Americana erschaffen Kerber und Orchard zusammen mit Mischtechniker Charlie Dahlke von The Brazen Youth ihr eigenes Subgenre, das gleichzeitig intim und und universell, tröstlich und rau ist. Über das gesamte Album hinweg erhält Kerbers reicher, samtener Tenor eine tiefe Zärtlichkeit und Wärme, während unterschiedliche Elemente wie Pedal Steel, Wurlitzer, Schlagzeug und Ambient-Gitarre für den schimmernden Background sorgen. Der Einfluss ihrer Erziehung - und und das, was sie liebevoll als ,Abgehobenheit vom Rest der Welt Gefühl" des tiefen Südens nennt - zeigt sich in den ehrlichen, geradlinigen und zeitlosen Qualität ihrer Kompositionen. "From Way Down Here" ist das seltene Debüt, das alle Merkmale einer erfahrenen Songwriterin aufweist. Sie konstruiert eine fesselnde Welt von rauer Schönheit und Wahrheit, deren Bann lange nach dem Verklingen der letzten Töne anhält.

Mit “Stop And Listen” gelang dem Hammond-B3-Organisten Baby Face Willette 1961 ein Album, das in keiner Soul-Jazz-Sammlung fehlen sollte. Zumal es auch Willettes letzte und beste Aufnahme für Blue Note war. Kritiker nennen diesen Klassiker oft in einem Atemzug mit Grant Greens Blue-Note-Debüt “Grant’s First Stand”, das kurz zuvor mit exakt der gleichen Besetzung eingespielt worden war.

Musiklegende BRIAN ENO und Konzeptkünstlerin BEATIE WOLFE veröffentlichen mit den gemeinsamen Alben LUMINAL und LATERAL zwei Projekte, die ebenso eigenständig wie miteinander verbunden sind.

Das Alternative Music/Vocal-Album LUMINAL featured Vocals + Lyrics von Wolfe und wurde von Eno produziert. Beide nennen die Musik auf dem für beide Künstler ungewöhnlichen Album „electric-countrydream-music“.

LATERAL bezeichnen beide dagegen als „ambient-landscape-dream-music“ und „like the familiar, but better“. Eno selbst gilt als Erfinder des Begriffes „Ambient Music“ in den 1970er Jahren.

Beide Alben erscheinen am 6.6. auf LP, CD und digital. Die Künstler sind Mitglieder von EarthPercent, einer Non-Profit-Organisation, die Klimaschutz innerhalb der Musikindustrie einfordert und unterstützt. Die schwarzen und limitierten LPs des Projektes werden deshalb in BioVinyl (bio-basiertem PVC) gepresst.

Musiklegende BRIAN ENO und Konzeptkünstlerin BEATIE WOLFE veröffentlichen mit den gemeinsamen Alben LUMINAL und LATERAL zwei Projekte, die ebenso eigenständig wie miteinander verbunden sind.

Das Alternative Music/Vocal-Album LUMINAL featured Vocals + Lyrics von Wolfe und wurde von Eno produziert. Beide nennen die Musik auf dem für beide Künstler ungewöhnlichen Album „electric-countrydream-music“.

LATERAL bezeichnen beide dagegen als „ambient-landscape-dream-music“ und „like the familiar, but better“. Eno selbst gilt als Erfinder des Begriffes „Ambient Music“ in den 1970er Jahren.

Beide Alben erscheinen am 6.6. auf LP, CD und digital. Die Künstler sind Mitglieder von EarthPercent, einer Non-Profit-Organisation, die Klimaschutz innerhalb der Musikindustrie einfordert und unterstützt. Die schwarzen und limitierten LPs des Projektes werden deshalb in BioVinyl (bio-basiertem PVC) gepresst.

Diese Ausgabe des bereits traditionellen Begleitalbums zur Redux-Veröffentlichung strotzt nur so vor faszinierenden Künstlern und spannenden Kollaborationen, die allesamt den Punkgöttern RAMONES huldigen. Möglich wird diese kunterbunte Versammlung durch die kurzen Punk-Tracks der Amerikaner. Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musikern und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Diese Ausgabe des bereits traditionellen Begleitalbums zur Redux-Veröffentlichung strotzt nur so vor faszinierenden Künstlern und spannenden Kollaborationen, die allesamt den Punkgöttern RAMONES huldigen. Möglich wird diese kunterbunte Versammlung durch die kurzen Punk-Tracks der Amerikaner. Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musikern und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musiker und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musiker und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Mit Songs so lässig und charmant wie alte Hollywood-Filme stellt sich der 21-jährige Amerikaner aron! (nur echt mit Ausrufezeichen) als neues Signing des Verve-Labels vor. Mit einer für die digitalen Welt angenehm analogen Musik hat er auf Instagram und TikTok schon Millionen von Klicks generiert.

Mit Strubbel-Frisur und Slacker-Look könnte man aron! für einen Indie-Rocker halten, aber der Eindruck täuscht. aron! schreibt swingende Melodien und clevere Texte, croont wie ein neuer Sinatra und ist fingerfertig an Gitarre und Tasten. Seine Lieder über die Liebe und das Leben im Allgemeinen sind Popmusik einer anderen Art, nostalgisch und gleichzeitig zeitlos modern.

aron! studierte Jazzgesang und Komposition für Film. Seinen „Vintage Pop“, wie er seine Musik nennt, veröffentlicht er jetzt bei Verve Records. „Es ist eine Art Singer-Songwriter-Jazz“, erklärt er. „Ich habe mich schon immer für die echten Romantiker interessiert. Die Leute machen heute dasselbe durch wie damals. Liebeskummer ist Liebeskummer, und Liebe ist Liebe. Wir sind alle Menschen, und darum geht es in den meisten meiner Songs“.

Sechs ins Ohr gehende Songs erscheinen jetzt beim berühmten Label von Ella Fitzgerald, Louis Armstrong und Blossom Dearie. Ein Kreis schließt sich und für den jungen aron! beginnt eine vielversprechende Musikkarriere.