Search:neu!

Nach den erfolgreichen Neuauflagen früherer Alben veröffentlichen die deutschen Metal-Titanen KREATOR nun erneut ihre Meilensteinalben „Enemy Of God“ (2005) und „Hordes Of Chaos“ (2009) in neu remasterten Versionen.

Kin Ping Meh wurde 1970 in Mannheim, Deutschland, gegründet. Die Band wurde in der Krautrock-Szene mit ihrer spannenden Mischung aus Pop-Rock mit progressiven und psychedelischen Elementen bekannt. Concrete ist das fünfte Album der Band und ihr erstes Live-Album, das während ihrer Tournee 1975 aufgenommen wurde und die Band in Bestform zeigt. Das lange Zeit vergriffene Album wurde nun endlich für Vinyl remastered und als 2LP neu aufgelegt.

Dieses 2-CD bzw 2LP-Set mit dem Titel Early Home Recordings versammelt 27 alte Aufnahmen aus den 1960er Jahren (hauptsächlich 1966-67) der Vor-Fairport Convention Sandy Denny. Sorgfältig remastered, enthält dieses Paket ein exklusives neues Essay des Fairport Convention-Biographen Patrick Humphries - der Sandy persönlich kannte. Enthalten sind zwei verschiedene seltene Demos ihres Klassikers 'Who Knows Where the Time Goes' von 1967 (bevor sie ihn mit den Strawbs aufnahm) und ein weiteres von 1968. Sie hatte dieses unglaubliche Talent, diese unglaubliche Stimme - sie spielte 'Who Knows Where the Time Goes', und ich fiel fast vom Stuhl. - Linda Thompson. Außerdem gibt es eine Reihe von Liedern aus Sandys Feder, darunter 'Boxful Of Treasures', das später in den Song 'Fotheringay' umgeschrieben wurde (von Fairport Convention's What We Did On Our Holidays Album). Fotheringay" erscheint hier auch in Demoform. ,Sie muss neu bewertet werden. Sie hat eine Art von Song geschrieben, die heute nur noch sehr selten geschrieben wird - emotional, musikalisch interessant, wirklich gut gesungen - ernsthaftes Songwriting. Sie war dem Rest haushoch überlegen. Und das bleibt sie auch." - Ashley Hutchings (Gründer von Fairport Convention). Außerdem gibt es gefühlvolle Coverversionen von Jackson C. Frank, Fred Neil, Anne Briggs, Dylan und vielen traditionellen Folksongs. Die endgültige Sammlung von Dennys frühen Demos, die von ihrem Nachlass autorisiert wurden, mit Sandys Tochter Georgia Lucas' eigenen charmanten Zeichnungen ihrer Mutter, die zum ersten Mal auf einer offiziellen Denny-Veröffentlichung erscheinen, sowie bisher unveröffentlichten Bildern Sandys der 1960er Jahre. Linernotes von Reissue-Produzent Pat Thomas.

Die umjubelelten, schrill-bunten Rockerinnen von The Hot Damn! sind mit einem Paukenschlag zurück und veröffentlichen ihre elektrisierende neue Single Can You Hear Me Now? zusammen mit der Ankündigung ihres mit Spannung erwarteten Debütalbums Dancing on the Milky Way, das am Freitag, den 27. September 2024, über Fat Earth Records erscheinen wird. Die vierköpfige britische Rockband wird als das ,farbenfrohe Chaos" des Rock bezeichnet und bringt mit jedem Song, jedem Video und einer energischen Live-Show nach der anderen wieder Farbe in die Musikszene. Mit knackigen Riffs und wilden Harmonien bringen The Hot Damn! dich zum Tanzen, bevor du es merkst. Die vier temperamentvollen Damen, die unter anderem von Kerrang!, Planet Rock und BBC Radio 2, BBC Radio 6 und Radio BOB gelobt wurden, sind keine Unbekannten in der Musikszene. entstand die Band u.a. aus der Asche von The Amorettes und Tequila Mockingbyrd und besteht aus den Talenten von Gill Montgomery (The Amorettes), Josie O'Toole (Tequila Mockingbyrd), Laurie Buchanan (Aaron Buchanan and the Cult Classics) und Lzi Hayes (New Device/Sophie Lloyd Band).The Hot Damn! aus Marlow, Buckinghamshire, mögen es laut, aber sie machen nicht nur mit ihrer Musik auf sich aufmerksam, sondern auch auf ein Thema, das ihnen am Herzen liegt - den Gehörschutz. Da die Band erkannt hat, wie wichtig die Gesundheit des Gehörs sowohl für das Publikum als auch für die Musiker ist, hat sie sich dazu verpflichtet, bei all ihren Konzerten Einweg-Ohrstöpsel anzubieten. Neben einzelnen Headline-Gigs reisen The Hot Damn! im November 2024 als Support von D-A-D durch Deutschland um ihr hart rockendes Werk zu präsentieren. CD mit zwei Akustik-Bonustracks, LP als Sunshine Yellow Vinyl!

Das Londoner Post-Punk-Quartett Desperate Journalist kehrt im Herbst 2024 mit ihrem nunmehr fünften Studioalbum voller sardonischem, schrägem Humor und leidenschaftlicher Musik zurück. Auf ,No Hero", das die Vorab-Singles ,Unsympathetic Parts 1 & 2" und ,Afraid" sowie die kommende Leadsingle ,You Say You're Lonely" enthält, versucht die Band, ihren zerklüfteten, düsteren Trademark-Sound in immer interessantere Bahnen zu lenken. Als kreativer Neustart sind die vorab veröffentlichten Singles glänzende, strahlende Wegweiserfür die Richtung in die Desperate Journalist ihren ursprünglichen dunkelen Indie-Sound in neue, immer reizvollere Formen und zerklüftete Winkel schieben und ziehen, ohne dabei die ihnen ganz eigene glühende Essenz zu verlieren. Es gibt klirrende Synthesizer, erhabene Gothic-Anklänge, es gibt stürmische Melodien, es gibt gespenstische Klaviereinlagen, berserkerhafte Gitarrenausbrüche und das eine oder andere Stück, das ein bisschen nach den famosen The Icicle Works klingt. Und es gibt (mindestens) einen gigantischen, verzweifelten Desperate Journalist-Refrain im Song ,7", der mit höchster Logik tatsächlich als Track Nummer 7 des Albums fungiert. Die beste aller Album-Tracknummern, ganz sicher, in diesem Fall ein Song, der auch als mögliche Single funktionieren würde und deshalb Album Fokus Track ist. ,Immer wenn wir etwas Neues schreiben, möchte ich, dass es gleichzeitig verrückter und poppiger ist als das, was wir vorher gemacht haben, und ich denke, dies ist das Album, auf dem wir in dieser Hinsicht wirklich einen Sprung nach vorne gemacht haben." - Jo Bevan 2024 Desperate Journalist besteht aus Jo Bevan (Gesang, Synthesizer und Drum Machine), Robert Hardy (Gitarren, Synthesizer und Klavier), Caroline Helbert (Schlagzeug, Drum Machine und Percussion) und Simon Drowner (Bass und Synthesizer). Erhältlich als weiße Vinyl-LP, Digipack-CD & Musik-Kassette!

Das Londoner Post-Punk-Quartett Desperate Journalist kehrt im Herbst 2024 mit ihrem nunmehr fünften Studioalbum voller sardonischem, schrägem Humor und leidenschaftlicher Musik zurück. Auf ,No Hero", das die Vorab-Singles ,Unsympathetic Parts 1 & 2" und ,Afraid" sowie die kommende Leadsingle ,You Say You're Lonely" enthält, versucht die Band, ihren zerklüfteten, düsteren Trademark-Sound in immer interessantere Bahnen zu lenken. Als kreativer Neustart sind die vorab veröffentlichten Singles glänzende, strahlende Wegweiserfür die Richtung in die Desperate Journalist ihren ursprünglichen dunkelen Indie-Sound in neue, immer reizvollere Formen und zerklüftete Winkel schieben und ziehen, ohne dabei die ihnen ganz eigene glühende Essenz zu verlieren. Es gibt klirrende Synthesizer, erhabene Gothic-Anklänge, es gibt stürmische Melodien, es gibt gespenstische Klaviereinlagen, berserkerhafte Gitarrenausbrüche und das eine oder andere Stück, das ein bisschen nach den famosen The Icicle Works klingt. Und es gibt (mindestens) einen gigantischen, verzweifelten Desperate Journalist-Refrain im Song ,7", der mit höchster Logik tatsächlich als Track Nummer 7 des Albums fungiert. Die beste aller Album-Tracknummern, ganz sicher, in diesem Fall ein Song, der auch als mögliche Single funktionieren würde und deshalb Album Fokus Track ist. ,Immer wenn wir etwas Neues schreiben, möchte ich, dass es gleichzeitig verrückter und poppiger ist als das, was wir vorher gemacht haben, und ich denke, dies ist das Album, auf dem wir in dieser Hinsicht wirklich einen Sprung nach vorne gemacht haben." - Jo Bevan 2024 Desperate Journalist besteht aus Jo Bevan (Gesang, Synthesizer und Drum Machine), Robert Hardy (Gitarren, Synthesizer und Klavier), Caroline Helbert (Schlagzeug, Drum Machine und Percussion) und Simon Drowner (Bass und Synthesizer). Erhältlich als weiße Vinyl-LP, Digipack-CD & Musik-Kassette!

"RA" war der Beginn einer neuen Ära für Deutschlands erfolgreichste Art- & Progressive-Rockband Eloy. Die Formation zuvor hatte sich komplett getrennt. Bandgründer Frank Bornemann als Sänger, Gitarrist, Songwriter, und zugleich Produzent der Band, sprühte aber noch vor Ideen, mit denen er den bislang so erfolgreichen Weg fortsetzen wollte. In Keyboarder Michael Gerlach fand er schließlich einen gleich gesinnten Partner, der sich bestens in die musikalischen Visionen einfinden konnte, und auch mit seinem perfekt geeigneten Equipment Klangbilder erzeugen konnte, welche dann, im Zusammenwirken mit Gitarre und Vocals, zu einzigartigen Kompositionen führten. Mit "RA" wandte sich Eloy einem Thema zu, welches man aus heutiger Sicht mit Blick auf die fatalen Entwicklungen auf unserem Planeten, und in der Gesellschaft schon fast als prophetisch betrachten muss. Eloy Mastermind Frank Bornemann erklärt heute, dass sich für ihn schon damals die Menschheit mit ersten Schritten in eine unmittelbare Zeitwende bewegte, deren Folgen im Detail zwar noch unabsehbar waren, aber das Leben unumkehrbar völlig verändern würde. Das Szenarium auf dem Album, welches sich dann im Kerninhalt von "RA" letztlich definiert und abbildet, überschreitet zwar noch manche Grenzen des heutigen Geschehens, ist aber deshalb nicht weniger spannend, und die Musik ist definitiv ein absolutes Unikat.

Limited to 500 copies! No repress! Transparent red vinyl! Hype sticker on front! 1961 schwappten die ersten Tropfen der neuen Surf-Welle in den Äther. Eine Gruppe kalifornischer Teenager namens The Belairs veröffentlichten mit "Mr. Moto" das ersten lupenreine Surf-Instrumental und viele weitere sollten folgen. Es war ein Lebensgefühl, es ging um Freiheit, Rebellion gegen die miefigen 50er, um Party und natürlich um die nächste Welle. All das spielte sich vorzugsweise im sonnigen Kalifornien ab. Der erste Hit des Genres war "Misirlou" von Dick Dale, das 1962 veröffentlicht wurde. Der Track stellt deutlich die drei Hauptkomponenten des Surf heraus: ein tragendes Gitarren-Thema (eben kein Gesang!), exotische Harmonien und Akkordfolgen sowie ein gehöriges Maß an Wildheit und Lautstärke! Leo Fender entwickelte dann für Dick Dale zwei Innovationen, ohne die die Surf-Musik nicht das geworden wäre, was sie ist: Den Fender Reverb - ein separates Federhall-Gerät - und den Fender-Showman-Verstärker. Dieses Equipment gehört gerade für Puristen auch heute noch zur Grundausstattung eines Surf-Gitarristen, der seinen Job ernst nimmt. Natürlich gab es jede Menge Bands, die nur eine oder zwei 7"-Singles veröffentlichten, die lokal verteilt oder bei Gigs verkauft wurden. Man braucht schon einen Mann mit Spürnase, um die Juwelen rauszupicken und die entsprechenden Preise für das Kleinvinyl zu zahlen. Unser Mann heißt DJ Crille, seinerseits Resident im Komet! Club in Hamburg (nahe Reeperbahn), und anerkannter Surf-Spezialist. Nebenher ist er auch für die Vocal Group Madness! LP und die Born To Hula Doppel-LP in der DJ Set Serie -beide auf Stag-O-Leeverantwortlich. Surfin Burt"s Surfin Safari! - Vol. 2 ist praktisch die perfekte Welle.

Die britische Band The Telescopes wurde 1987 gegründet. Das Line-up der Band ist seitdem im stetigen Fluss, so können zwischen 1 und 20 Musiker*innen an einer Aufnahme beteiligt sein. Die einzige Konstante ist der aus Northumbria stammende Stephen Lawrie, Komponist und Gründer der Band. Ursprünglich bei Cheree Records gesignt, wechselte die Band später zu What Goes On Records und erreichte regelmäßig die Spitze der Indie-Charts; ein Deal mit Creation Records führte dann auch zu einem größeren Mainstream-Erfolg. Die Musik der Telescopes kennt keine starren Grenzen, sie umfasst viele Genres und folgt - stets von Stephen Lawries Inspiration geleitet - ihrem eigenen Kurs. Im Laufe der Zeit hat sich gezeigt, dass die Musik von The Telescopes nicht nur dem wiederholten Hören standhält, sondern auch bei jedem Hören etwas Neues offenbart - ein roter Faden, der sich durch ein äußerst einflussreiches, mehr als drei Jahrzehnte umfassendes Werk zieht. The Telescopes wurden als Einfluss auf viele Künstler aller Genres auf der ganzen Welt zitiert.

Die britische Band The Telescopes wurde 1987 gegründet. Das Line-up der Band ist seitdem im stetigen Fluss, so können zwischen 1 und 20 Musiker*innen an einer Aufnahme beteiligt sein. Die einzige Konstante ist der aus Northumbria stammende Stephen Lawrie, Komponist und Gründer der Band. Ursprünglich bei Cheree Records gesignt, wechselte die Band später zu What Goes On Records und erreichte regelmäßig die Spitze der Indie-Charts; ein Deal mit Creation Records führte dann auch zu einem größeren Mainstream-Erfolg. Die Musik der Telescopes kennt keine starren Grenzen, sie umfasst viele Genres und folgt - stets von Stephen Lawries Inspiration geleitet - ihrem eigenen Kurs. Im Laufe der Zeit hat sich gezeigt, dass die Musik von The Telescopes nicht nur dem wiederholten Hören standhält, sondern auch bei jedem Hören etwas Neues offenbart - ein roter Faden, der sich durch ein äußerst einflussreiches, mehr als drei Jahrzehnte umfassendes Werk zieht. The Telescopes wurden als Einfluss auf viele Künstler aller Genres auf der ganzen Welt zitiert.

September 23rd ist die erste Veröffentlichung in William Basinskis neuer Arcadia Archive-Serie. September 23rd wurde im September 1982 in seinem ersten Loft im vormodernen DUMBO-Viertel in Brooklyn, New York, aufgenommen und ist ein erst kürzlich wiederentdeckter früher Eintrag in seinem inzwischen äußerst inspirierenden und einflussreichen Katalog. Ausgehend von einem Klavierstück, das Basinski Mitte der 1970er Jahre in der High School komponierte, entwickelte sich September 23rd schnell zu einem ganz anderen Werk. Wie Basinski erklärt: ,The original piano recordings were made on on a piano belonging to my downstairs neighbor, John Epperson - later known more famously as world-renowned drag artist, Lypsinka - at 351 Jay Street aka Casa Degli Artisti, our first loft in New York. It was recoded with a little portable (probably Radio Shack) cassette deck sitting on the piano as I improvised a piece I had been working on since high school. It was pretty terrible, but when I did the John Giorno/William Burroughs cut-up technique, suddenly I had something to put through the Frippertronics loop and feedback loop tape delay system - and boy did I get results. A very prolific time for a young, wacked-out queen in NYC."

September 23rd ist die erste Veröffentlichung in William Basinskis neuer Arcadia Archive-Serie. September 23rd wurde im September 1982 in seinem ersten Loft im vormodernen DUMBO-Viertel in Brooklyn, New York, aufgenommen und ist ein erst kürzlich wiederentdeckter früher Eintrag in seinem inzwischen äußerst inspirierenden und einflussreichen Katalog. Ausgehend von einem Klavierstück, das Basinski Mitte der 1970er Jahre in der High School komponierte, entwickelte sich September 23rd schnell zu einem ganz anderen Werk. Wie Basinski erklärt: ,The original piano recordings were made on on a piano belonging to my downstairs neighbor, John Epperson - later known more famously as world-renowned drag artist, Lypsinka - at 351 Jay Street aka Casa Degli Artisti, our first loft in New York. It was recoded with a little portable (probably Radio Shack) cassette deck sitting on the piano as I improvised a piece I had been working on since high school. It was pretty terrible, but when I did the John Giorno/William Burroughs cut-up technique, suddenly I had something to put through the Frippertronics loop and feedback loop tape delay system - and boy did I get results. A very prolific time for a young, wacked-out queen in NYC."

Das Londoner Post-Punk-Quartett Desperate Journalist kehrt im Herbst 2024 mit ihrem nunmehr fünften Studioalbum voller sardonischem, schrägem Humor und leidenschaftlicher Musik zurück. Auf ,No Hero", das die Vorab-Singles ,Unsympathetic Parts 1 & 2" und ,Afraid" sowie die kommende Leadsingle ,You Say You're Lonely" enthält, versucht die Band, ihren zerklüfteten, düsteren Trademark-Sound in immer interessantere Bahnen zu lenken. Als kreativer Neustart sind die vorab veröffentlichten Singles glänzende, strahlende Wegweiserfür die Richtung in die Desperate Journalist ihren ursprünglichen dunkelen Indie-Sound in neue, immer reizvollere Formen und zerklüftete Winkel schieben und ziehen, ohne dabei die ihnen ganz eigene glühende Essenz zu verlieren. Es gibt klirrende Synthesizer, erhabene Gothic-Anklänge, es gibt stürmische Melodien, es gibt gespenstische Klaviereinlagen, berserkerhafte Gitarrenausbrüche und das eine oder andere Stück, das ein bisschen nach den famosen The Icicle Works klingt. Und es gibt (mindestens) einen gigantischen, verzweifelten Desperate Journalist-Refrain im Song ,7", der mit höchster Logik tatsächlich als Track Nummer 7 des Albums fungiert. Die beste aller Album-Tracknummern, ganz sicher, in diesem Fall ein Song, der auch als mögliche Single funktionieren würde und deshalb Album Fokus Track ist. ,Immer wenn wir etwas Neues schreiben, möchte ich, dass es gleichzeitig verrückter und poppiger ist als das, was wir vorher gemacht haben, und ich denke, dies ist das Album, auf dem wir in dieser Hinsicht wirklich einen Sprung nach vorne gemacht haben." - Jo Bevan 2024 Desperate Journalist besteht aus Jo Bevan (Gesang, Synthesizer und Drum Machine), Robert Hardy (Gitarren, Synthesizer und Klavier), Caroline Helbert (Schlagzeug, Drum Machine und Percussion) und Simon Drowner (Bass und Synthesizer). Erhältlich als weiße Vinyl-LP, Digipack-CD & Musik-Kassette!

”Dieses Album ist nur ein kleiner Teil der riesigen Menge an unveröffentlichtem Material, das wir hoffentlich in naher Zukunft veröffentlichen werden, anstatt es in irgendeinem Archiv verstauben zu lassen.
Die Bigband-Stücke wurden 2014 aufgenommen, die Duette erst kürzlich. Chris White und Paul Moran
haben die Songs, für die sie neue Bandarrangements machen wollten, individuell ausgewählt. Die Stücke
von Willie Nelson und Kurt Elling wurden 2018 und 2019 aufgenommen, die von Curtis Stigers und Joss
Stone 2018.” (Van Morrison)
Van Morrison, zu gleichen Teilen blauäugiger Soul-Shouter und wildblütiger Poet-Zauberer, gehört zu
den wahren Erneuerern der populären Musik, ein rastlos Suchender, dessen beschwörender Gesang und alchemistische Verschmelzung von R&B, Jazz, Blues und keltischem Folk das vielleicht spirituellste Werk im
Rock & Roll-Kanon hervorgebracht hat. Seine Aufnahmen, die nur den Launen seiner eigenen Muse unterworfen sind, decken ein außerordentliches stilistisches Terrain ab und bewahren dennoch eine Konsistenz und
Reinheit, die unter seinen Zeitgenossen praktisch unerreicht ist. Sie sind verbunden durch die mythische
Kraft seiner einzigartigen musikalischen Vision und seines feurigen Gesangs: spiralförmige Wiederholungen von Wehklagen und Flüstern, die die Grenzen der Sprache umgehen, um emotionale Wahrheiten zu
artikulieren, die weit über den Rahmen der wörtlichen Bedeutung hinausgehen.

”Dieses Album ist nur ein kleiner Teil der riesigen Menge an unveröffentlichtem Material, das wir hoffentlich in naher Zukunft veröffentlichen werden, anstatt es in irgendeinem Archiv verstauben zu lassen.
Die Bigband-Stücke wurden 2014 aufgenommen, die Duette erst kürzlich. Chris White und Paul Moran
haben die Songs, für die sie neue Bandarrangements machen wollten, individuell ausgewählt. Die Stücke
von Willie Nelson und Kurt Elling wurden 2018 und 2019 aufgenommen, die von Curtis Stigers und Joss
Stone 2018.” (Van Morrison)
Van Morrison, zu gleichen Teilen blauäugiger Soul-Shouter und wildblütiger Poet-Zauberer, gehört zu
den wahren Erneuerern der populären Musik, ein rastlos Suchender, dessen beschwörender Gesang und alchemistische Verschmelzung von R&B, Jazz, Blues und keltischem Folk das vielleicht spirituellste Werk im
Rock & Roll-Kanon hervorgebracht hat. Seine Aufnahmen, die nur den Launen seiner eigenen Muse unterworfen sind, decken ein außerordentliches stilistisches Terrain ab und bewahren dennoch eine Konsistenz und
Reinheit, die unter seinen Zeitgenossen praktisch unerreicht ist. Sie sind verbunden durch die mythische
Kraft seiner einzigartigen musikalischen Vision und seines feurigen Gesangs: spiralförmige Wiederholungen von Wehklagen und Flüstern, die die Grenzen der Sprache umgehen, um emotionale Wahrheiten zu
artikulieren, die weit über den Rahmen der wörtlichen Bedeutung hinausgehen.

Die gefeierte Pop-Rock-Band Pale Waves aus Manchester trat 2018 mit ihrem Debüterfolgsalbums „My
Mind Makes Noises“ auf die Bildfläche. Zwei Top-Five-Alben später und einer Unmenge an Unterstützung
von BBC Radio 1, Apple Music, Spotify, NME und mehr, ist die Band mit einer neuen Reife zurück, um
ihr viertes Studioalbum „Smitten“ zu begleiten.
Während sich die ersten drei Alben von Pale Waves auf die unmittelbare Gegenwart der Band konzentrierten, beschäftigt sich „Smitten“ viel mehr mit vergangenen Leben - einige davon sind jünger als andere.
Zwei Jahre nach „Unwanted“ und nach der darauffolgenden Tournee schrieb Heather an einem Punkt,
an dem sie endlich durchatmen und nachdenken konnte, als würde sie die Seiten eines längst vergessenen
Tagebuchs durchblättern und von dem, was sie fand, überrascht sein. „Ich ertappte mich dabei, dass ich
nicht nur über einen bestimmten Zeitraum schrieb, sondern über mein ganzes Leben, das Jahre zurückliegt“, sagt sie. „Wenn ich mich verliebe, verliebe ich mich zutiefst, und ich finde es interessant, dass man
von jemandem so fasziniert und verliebt sein kann, und dann kann er einem völlig fremd werden. Ich habe
das Gefühl, dass Smitten wirklich perfekt zusammenfasst, was ich an einem bestimmten Punkt für andere
empfunden habe.“

Der Soundtrack zur dritten Staffel von der Netflix Hit-Serie „Bridgerton” erscheint endlich auf Vinyl!
Mit einer frischen Mischung aus orchestralen Pop-Covern u.a. von Billie Eilishs ”Happier Than Ever”,
BTS’ ”Dynamite” und Sias ”Cheap Thrills”, neu interpretiert vom Vitamin String Quartet, und einzigartigen Originalkompositionen ist der Soundtrack wie gewohnt eine stimmungsvolle Symbiose zwischen
klassischer und zeitgenössischer Musik.
Weitere Highlights sind u.a. die Coverversionen zu Nick Jonas’ ”Jealous” von Shimmer und Taylor Swift,
und Lana Del Reys ”Snow On The Beach”, gecovert vom Atwood Quartet, bis hin zum #1 Global Viral
Spotify Hit ”Give Me Everything” von Pitbull, gecovert von Archer March.
Der Soundtrack ist ab dem 27.09.2024 als goldfarbene 2LP erhältlich.

The Skies, They Shift Like Chords, Roger Enos zweites Soloalbum für die Deutsche Grammophon, wurde im
Oktober 2023 unter allgemeinem Beifall veröffentlicht und enthielt zwölf schillernde musikalische Porträts,
die einen anregenden und nachdenklich stimmenden Weg durch Klang und Stille nachzeichneten. Nach einer
Reihe von Live-Auftritten, darunter ausverkaufte Shows in der Londoner Queen Elizabeth Hall und im National Sawdust in New York, präsentiert der britische Komponist und Musiker nun ein neues Mini-Album mit
acht Tracks, ”the skies: rarities”. Diese Sammlung besteht aus Neuinterpretationen und unveröffentlichten
Highlights der ”the skies...”-Aufnahmesession, zusammen mit Enos 2023 populärem World Piano Day-Track
”Through the Blue (Piano Version)” und dem ehemaligen Amazon Original Track ”Above and Below”.
„the skies:rarities“ beginnt mit zwei Stücken, die unterschiedliche Klangwelten erkunden; die Sänger des
Vocalconsort Berlin liefern den wortlosen Chor in ”Patterned Ground” für Chor und Elektronik, während
das Eröffnungsstück ”Breaking The Surface” von Scoring Berlin stammt.
”Viele dieser Tracks stammen aus Improvisationen”, erklärt Roger Eno. ”Aber sie werden dann ”aufgeräumt”,
was in der Regel bedeutet, dass Noten herausgenommen werden, um den verbleibenden Noten mehr Raum
zu geben, was wiederum den Leuten Zeit zum Nachdenken gibt.”

Der aus Pittsburgh stammende Montell Fish ist ein Multiinstrumentalist, Produzent, Sänger und Komponist, der sich auf die Entwicklung von Projekten konzentriert, die Welten schaffen. Montells unvoreingenommene Herangehensweise an das Songwriting erlaubt es den Zuhörern, sich in seiner Welt willkommen
zu fühlen, in der er der Autor, Regisseur und Star ist. Charlotte ist das mit Spannung erwartete Nachfolgealbum des JAIME-Albums von 2022 und der zweite Teil seiner Jaime, Charlotte, Marshall-Album-Trilogie.
Mit jeder Veröffentlichung hat er einen mehrschichtigen Turm aus Referenzen und Metaphern aufgebaut,
der mit den Ängsten eines begabten jungen Menschen schwankt, der die Widersprüche der Welt in Einklang
bringen will: in der Liebe, in der Religion, in der Kunst und im Glauben. Es ist die Art von Musik, die
intensive Gefühle und Fangemeinde hervorruft. Auf seinem neuesten Album Charlotte, dem Nachfolger
seines Durchbruchsalbums Jamie aus dem Jahr 2022, denkt Fish gerne über die großen Fragen des Lebens
nach: Wie prägt die Kindheit einen Menschen? Was bedeutet es, eine Gabe zu haben, zu der die Welt
Zugang haben will? Fish, der in einem streng religiösen Haushalt aufgewachsen ist und nun selbst in der
Welt unterwegs ist, um seine Kunst zu machen, hat eine grenzenlose Neugier auf die Art zu leben und zu
schaffen. Charlotte ist sein bisher vollendetstes Projekt, der Klang eines Generationstalents, das in seine
Kraft tritt.

Wann genau die Langhalslaute Bouzouki nach Griechenland kam, ist unklar. Ihre Wurzeln gehen bis ins vierte Jahrhundert vor Christus zurück. Die heutige Form des Instruments, benannt nach "Βυζί", dem griechischen Wort für die weibliche Brust, ist relativ jung und seit etwa 1920 in Athen und auf dem Peloponnes verbreitet. Ursprünglich in Bars und auf privaten Festen gespielt fand es durch das Revival des „Rebetiko“, dem „griechischen Blues“ ab den 1960er Jahren weitere Verbreitung. „Ursprünglich wurde auf der Bouzouki viel improvisiert“, meint Georgios Propkopiou, „viel mehr als später. Denn ab den Fünfzigerjahren wurde ihr Spiel professionell unterrichtet. Da wurde vieles festgelegter“. Seitdem ist der metallische Klang des Instruments fast zum Synonym für die griechische Folklore als Begleitung von Liedern und Tänzen geworden... vor allem bei dem Komponisten Mikis Theodorakis, der mehr als nur ein paar Ohrwürmer hervorgebracht hat.

Die Jazzkarriere der Bouzouki hingegen stand bislang noch aus. Es brauchte einen Umweg über Stockholm, damit etwas in Bewegung kam. „Die Kombination Bouzouki und Jazz liegt erst einmal nicht so nahe“, meint der Pianist Joel Lyssarides. „Für mich persönlich hängt sie mit meinem Großvater zusammen, einem griechischen Zyprioten. Er kam in den 1940ern nach Schweden. Griechische Musik mochte ich immer, ich war aber damit nicht wirklich vertraut. Jedenfalls fand ich die Bouzouki faszinierend. Während der Pandemie habe ich mir ein Instrument gekauft, um es ein wenig zu lernen. Beim Stöbern im Internet entdeckte ich dann Georgios durch ein TV-Konzert, ein Tribute an Theodorakis. Ich war total begeistert und habe in Stockholm herumgefragt, ob ihn jemand kennt. Tatsächlich spielte er zufällig ein paar Tage später in der Nähe in einer Hotelbar ein Konzert“.

Das war im Herbst 2022. Joel Lyssarides hörte Georgios Prokopiou zu, sprach ihn an und sie verabredeten sich zu einer Session. Sie jammten und improvisierten, fanden musikalisch schnell zusammen und im Sommer 2023 spielten sie ihr erstes gemeinsames Konzert. „Es ist sehr unüblich, dass jemand mit der Bouzouki über Changes improvisiert,“ erzählt Joel Lyssarides weiter. „Sie ist ja ein traditionelles Instrument mit klar definierter Rolle, meistens Begleitung mit gedoppelten Terzen und Sexten. Georgios aber macht viel mehr. Ich hatte zunächst keine Ahnung, wie unglaublich virtuos und stilistisch variabel er ist. Seine Vielseitigkeit öffnet viele Türen. Wir hatten von Anfang an sehr viel Spaß an den neuen Möglichkeiten. Und ich hatte vorher noch niemanden gehört, der so spielt. Dafür musste ich unbedingt Musik schreiben“.

Lyssarides erzählte ACT-Chef und Produzent Andreas Brandis von der Idee für das Duo und auch dieser war sofort begeistert: „In der Lesart von ACT steht der Begriff Jazz vor allem für ein Vokabular mithilfe dessen Musiker:innen ihre eigene Geschichte vor ihrem persönlichen kulturellen Hintergrund erzählen. Es ist faszinierend, dass hier immer wieder Konstellationen entstehen, die es vorher nicht gegeben hat. Und die Musik, die Joel Lyssarides und Georgios Prokopiou gemeinsam kreieren ist einerseits absolut überraschend und neu, klingt jedoch gleichzeitig so organisch und natürlich, als hätte es diese Konstellation schon immer gegeben.“

Es sind aber nicht nur die Instrumente Klavier und Bouzouki, die sich getroffen haben, sondern auch die speziellen Charaktere und Geschichten der beiden Duopartner. Der Stockholmer Joel Lyssarides verbindet in seinem Spiel größte Virtuosität mit beeindruckender Leichtigkeit und einem starken Gespür für Stimmung und Dynamik. Er arbeitet mit so unterschiedlichen Künstler:innen wie Anne Sofie von Otter, Benny Anderson, Nils Landgren, Viktoria Tolstoy und ist Teil des Esbjörn Svensson Tributes „e.s.t. 30“. Das ACT-Debüt „Stay Now“ von Lyssarides‘ eigenem Trio wurde seit seinem Erscheinen 2022 allein auf Spotify eindrucksvolle 25 Millionen Mal gehört. Der Athener und Wahl-Stockholmer Georgios Prokopiou spielte zum ersten Mal mit sechseinhalb Jahren Bouzouki, gab mit acht seinen Konzerteinstand und hatte als Zehnjähriger bereits feste Musikengagements in Bars und Bordellen. Seitdem arbeitet er im klassischen Kontext ebenso wie in der Folklore und dem Experimentellen, spielt neben der Bouzouki außerdem Saz und andere Saiteninstrumente.

Die Voraussetzungen für das Album „Arcs & Rivers“ waren daher so vielfältig und offen, wie nur möglich. Nach einem Probekonzert in der Berliner ACT Art Collection, von dem das Live-Stück „Zafeirious Solo“ auf das Album übernommen wurde, trafen sich die beiden noch einmal am selben Ort, um mit Studio-Equipment auch andere Facetten aufnehmen zu können. „Wir wollten zum Beispiel leise Stellen dabeihaben, nah mikrofoniert. Außerdem den großartigen Klang des Flügels, der früher einmal Alfred Brendel gehört hat. Insgesamt aber war vieles sehr spontan. Das ganze Album wurde in einem Rutsch aufgenommen, innerhalb von vier Stunden, meistens mit den ersten Takes. Ich bin sonst oft Perfektionist und verbringe Tage mit der Nachbearbeitung von Musik im Studio. Diesmal hingegen sollte es so direkt und spontan wie möglich sein“. Und es funktionierte: „Arc & Rivers“ ist ein Dialogskizzenbuch mit normsetzender Wirkung. Egal ob neue Kompositionen oder Verarbeitungen traditioneller Rhythmen und Muster wie in „Kamilieriko Road“ – diese Musik hat eine schillernde, klangmagische Kraft. Und das Duo selbst strahlt eine Selbstverständlichkeit der Kulturverknüpfung aus, die die Enge der Stile hinter sich lässt. Und es macht klar: Es ist tatsächlich Zeit für etwas mehr Bouzouki im Jazz, in der Improvisation und auf den Bühnen der internationalen Musikwelt.

Nach dem Auftakt zu Blackmore’s Nights 25-jährigem Jubiläum mit der Re-Mixed Edition ihres Debütalbums "Shadow Of The Moon" im Jahr 2023, setzen Candice Night und Ritchie Blackmore die Feierlichkeiten mit der weltweiten Neuauflage ihres TOP 10 Albums "Fires At Midnight" fort. Die 25th Anniversary Edition wurde von den Original-Mehrspur-Bändern in 2024 vollständig neu abgemischt und erstmals sind alle bisherigen Bonus-Tracks auf einer Ausgabe vereint. Das ikonische Artwork wurde überarbeitet und um seltene Fotografien und persönliche Erinnerungen von Candice und Ritchie erweitert. "Fires At Midnight" erscheint zudem jetzt erstmals auch auf Vinyl.

Mehr als nur ein My Dying Bride Nebenprojekt.

High Parasite loten die Grenzen zwischen Metal, Gothic Rock und dunklem Synthie-Pop auf ihre unverwechselbare Art ganz neu aus.

Als verehrter und anerkannter Künstler, Gründungsmitglied und Sänger der bahnbrechenden My Dying Bride, die seit über drei Jahrzehnten Erfolge feiert, wird sich das Rampenlicht zweifellos auf Aarons unverwechselbares Profil richten. Zusammen mit Bassist, Sänger und Songwriter Tombs, der maßgeblich an der Entstehung von High Parasite beteiligt war, bildet er eine lebendige, atmende Einheit. Alle Songs tragen die klare Handschrift der Beiden. Zusammen bilden sie das schwarz schlagende Herz der fünfköpfigen Band, die von Sam Hill (Rhythmusgitarre), Jonny Hunter (Leadgitarre) und Dan Brown (Schlagzeug) ergänzt wird.

Zeitgleich mit der Veröffentlichung des Albums geht die Band auf ihre allererste UK-Tournee als Support von niemand Geringerem als Cradle of Filth.

Produziert von Gregor Mackintosh von Paradise Lost und gemastert von Tim Turan.

- Ltd. Col. LP: (White Vinyl)

Chicago veröffentlicht ein historisches Konzert, das von den Original-Mehrspurbändern von Gründungsmitglied und Trompeter Lee Loughnane und Toningenieur Tim Jessup neu abgemischt wurde. Die 26 Tracks umfassende Live-Sammlung wurde am 16. September 1971 aufgenommen, etwa eine Woche nach der Eröffnung des John F. Kennedy Center for the Performing Arts in der Hauptstadt des Landes. Mehr als 50 Jahre lang blieb das Konzert unveröffentlicht, mit Ausnahme der Aufführung von „Goodbye“, die 2018 auf Chicago Premiere feierte: VI Decades Live.




Die Show erkundet alle drei Studioalben, die Chicago seit ihrem Debüt 1969 veröffentlicht hat. Die Songs umfassen eine Reihe von Stilen und unterstreichen die Fähigkeit der Band, Genres nahtlos zu vermischen. Wenige Tage nach dem Auftritt im Kennedy Center begann die Band mit den Aufnahmen zu Chicago V. Das Album, das im Juli 1972 veröffentlicht wurde, markierte eine bedeutende Entwicklung im Sound der Band und wurde Chicagos erstes Nr. 1-Album. Um sich auf das Studio vorzubereiten, testete die Band laut Loughnane einige neue Songs in Washington D.C. „Ein Beispiel: Wir spielten ‚Saturday In The Park‘ zum ersten Mal bei der Show im Kennedy Center. Sie werden feststellen, dass wir noch nicht entschieden hatten, wer die Leadstimme singen sollte. Außerdem hatte Robert den zweiten Teil von 'Dialogue' noch nicht geschrieben.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

1976 nahm Rogers sein Debütalbum „Fogarty’s Cove“ auf und
startete damit eine Karriere, die auch heute noch, 41 Jahre
nach seinem Tod, ein begeistertes und fesselndes Publikum
findet. Das Album dreht sich ausschließlich um das Leben als
Seemann und enthält sein berühmtestes Seemannslied
„Barrett’s Privateers“, das a cappella gesungen wird, wobei
die „Friends of Fiddler’s Green“ die Stimmen der rauflustigen
Schiffsbesatzung übernehmen. Das Album etablierte die
beiden gemeinsamen Themen, die sich durch Stans
Lebenswerk ziehen: das Leben auf See und die bedrohten
Traditionen einer spezifisch kanadischen Erfahrung. Dieses
Album enthält die Fanfavoriten „Make And Break Harbour
“ und „Giant“. Die Aufnahme wurde neu gemastert und von
Borealis Records neu aufgelegt. Es ist ein Beweis für Stan
Rogers’ Einfluss als Songwriter, dass 40 Jahre nach seinem
plötzlichen tragischen Tod 1983 im jungen Alter von 33
Jahren immer noch Menschen – jung und alt – seine Lieder
singen und seinen Einfluss feiern.

Stan Rogers beliebtestes Lied ist zweifellos „Northwest Passage“ –
eine zeitlose Komposition, die historische Erkundungen nahtlos mit
persönlicher Selbstbetrachtung verbindet. Die Liebe zum Land, der
Kummer einer schlechten Ernte, der ständige Geldmangel … Stan
schafft es, dies auf eine Weise einzufangen, die das Herz berührt. Als
Peter Gzowski von CBCs nationalem Radioprogramm Morningside
1995 die Kanadier aufforderte, eine alternative Nationalhymne
auszuwählen, war „Northwest Passage“ die überwältigende Wahl
seiner Zuhörer. Das gleichnamige Album ist eine poetische Odyssee,
die die Zuhörer durch die weiten Landschaften Kanadas führt, mit
Zwischenstopps in jeder Provinz. Das Album enthält die Fanfavoriten
„The Field Behind The Plow“, „The Idiot“, „Workin‘ Joe“ und „Free In
The Harbour“. Remastered und neu aufgelegt von Borealis Records.
Es ist ein Beweis für Stan Rogers’ Einfluss als Songwriter, dass 40
Jahre nach seinem plötzlichen tragischen Tod im Jahr 1983 im Alter
von nur 33 Jahren immer noch Menschen – jung und alt – seine
Lieder singen und seinen Einfluss feiern.

Es ist ein Beweis für Stan Rogers’ Wirkung als Songwriter,
dass 40 Jahre nach seinem plötzlichen, tragischen Tod bei
einem Flugzeugbrand im Jahr 1983, als er gerade einmal 33
Jahre alt war, immer noch Menschen – ob jung oder alt –
seine Lieder singen und seinen Einfluss feiern. Seine Lieder
„Northwest Passage“, „Barrett’s Privateers“ und „The Mary
Ellen Carter“ sind tief in der nordamerikanischen
Seefahrtskultur verwoben. Jetzt erhältlich: Neupressungen
seltener Stan Rogers-Aufnahmen auf Vinyl. „For The Family
“ erschien erstmals nur Monate nach seinem Tod und enthält
Interpretationen traditioneller kanadischer Volkslieder,
darunter auch solche von Rogers’ Onkel Lee Bushell und
Großvater Sidney Bushell. „Coffee House to Concert Hall“ ist
ein Kompilationsalbum mit Live-Auftritten, und der letzte Titel,
„Down the Road“, wurde fünf Tage vor Stan Rogers’ Tod live
in McCabe’s Guitar Shop aufgenommen. „Home in Halifax“ ist
ein Live-Album, das im März 1982 im Rebecca Cohn
Auditorium in Halifax, Nova Scotia, aufgenommen wurde.

Es ist ein Beweis für Stan Rogers’ Wirkung als Songwriter,
dass 40 Jahre nach seinem plötzlichen, tragischen Tod bei
einem Flugzeugbrand im Jahr 1983, als er gerade einmal 33
Jahre alt war, immer noch Menschen – ob jung oder alt –
seine Lieder singen und seinen Einfluss feiern. Seine Lieder
„Northwest Passage“, „Barrett’s Privateers“ und „The Mary
Ellen Carter“ sind tief in der nordamerikanischen
Seefahrtskultur verwoben. Jetzt erhältlich: Neupressungen
seltener Stan Rogers-Aufnahmen auf Vinyl. „For The Family
“ erschien erstmals nur Monate nach seinem Tod und enthält
Interpretationen traditioneller kanadischer Volkslieder,
darunter auch solche von Rogers’ Onkel Lee Bushell und
Großvater Sidney Bushell. „Coffee House to Concert Hall“ ist
ein Kompilationsalbum mit Live-Auftritten, und der letzte Titel,
„Down the Road“, wurde fünf Tage vor Stan Rogers’ Tod live
in McCabe’s Guitar Shop aufgenommen. „Home in Halifax“ ist
ein Live-Album, das im März 1982 im Rebecca Cohn
Auditorium in Halifax, Nova Scotia, aufgenommen wurde.

Es ist ein Beweis für Stan Rogers’ Wirkung als Songwriter,
dass 40 Jahre nach seinem plötzlichen, tragischen Tod bei
einem Flugzeugbrand im Jahr 1983, als er gerade einmal 33
Jahre alt war, immer noch Menschen – ob jung oder alt –
seine Lieder singen und seinen Einfluss feiern. Seine Lieder
„Northwest Passage“, „Barrett’s Privateers“ und „The Mary
Ellen Carter“ sind tief in der nordamerikanischen
Seefahrtskultur verwoben. Jetzt erhältlich: Neupressungen
seltener Stan Rogers-Aufnahmen auf Vinyl. „For The Family
“ erschien erstmals nur Monate nach seinem Tod und enthält
Interpretationen traditioneller kanadischer Volkslieder,
darunter auch solche von Rogers’ Onkel Lee Bushell und
Großvater Sidney Bushell. „Coffee House to Concert Hall“ ist
ein Kompilationsalbum mit Live-Auftritten, und der letzte Titel,
„Down the Road“, wurde fünf Tage vor Stan Rogers’ Tod live
in McCabe’s Guitar Shop aufgenommen. „Home in Halifax“ ist
ein Live-Album, das im März 1982 im Rebecca Cohn
Auditorium in Halifax, Nova Scotia, aufgenommen wurde.

Eclipse kehren zurück mit ihrem neunten Album "Megalomanium". Nach ihrem bisher erfolgreichsten Album "Paradigm" (das die massive Single "Viva La Victoria" enthält, die allein bisher über 26 Millionen Streams auf Spotify hat)) veröffentlichten die schwedischen Hard Rocker ihr letztes Album "Wired" Ende 2020 (Platz 23 der deutschen Charts). Trotz der fehlenden Tourneen gelang es ihnen, weiter zu wachsen. Das neue Album bietet den fröhlichen, hooklastigen und gitarrenorientierten Sound von Eclipse in seiner reinsten Form, 80er beeinflusster Melodic Hard Rock. Die Band ruht sich jedoch nicht auf Lorbeeren aus und bietet einige neue Elemente für einen Sound, der vor allem in Europa bereits Massen von Fans gewonnen hat. Während die erste Single "The Hardest Part is Losing You" einfach zeigt, dass die Inspiration intakt ist - eine der besten Hymnen von Eclipse überhaupt! - Songs wie "Got It!" oder das von Victor Crusner gesungene "High Road" zeigen, dass die Band sich nicht scheut, neue Wege zu gehen. Trotzdem können sie im hymnischen "Children of the Night" mit einem Riff, das die Erinnerungen an den besten Dio/Sabbath-Sound weckt, sehr hart rocken. Weitere Highlights sind das sofort erkennbare "Hearts Collide" und das treffend betitelte "Anthem", das die Fans, die die Shows der Band genießen, in Brand setzen wird. Megalomanium hat absolut alles, was man von den Jungs aus Stockholm erwarten würde, und noch mehr. Erik Martensson (auch W.E.T.) zeigt einmal mehr, warum er einer der gefragtesten Autoren und Produzenten der Szene ist. Sein Geschmack für Melodien, Songwriting und Harmonien ist absolut herausragend und wenn er sich mit Magnus Henrikssons Gitarren duelliert, ist absolute Magie da. Große Europa Tournee von Juni bis November.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Die neue EP, „blush“, ist eine Hommage an den eklektischen Sound der frühen 2000er Jahre, die nahtlos Elemente aus Club-, Rock- und Garagenmusik miteinander verbindet. Sie wurde von Girl Ultra in enger Zusammenarbeit mit ihren engen Freunden, Sam Katz und Kiddie, produziert. Die Songs mischen nahtlos Elemente von trockenem, klarem Gesang, resonanten akustischen Gitarren und pulsierenden Drums mit einem ansteckenden, von Clubmusik inspirierten Flair. Im Herzen der „blush“-EP liegt eine zutiefst emotionale Geschichte, die von der turbulenten Überschneidung von Anziehung, Verlangen und Melancholie erzählt. Girl Ultra teilt eine ehrliche Erkundung der modernen Weiblichkeit, die sich mit der komplexen Dynamik von Selbstbild und Sexualität auseinandersetzt, mit einem ergreifenden Hauch von Bitterkeit. Die neue Musik von Girl Ultra folgt auf ihre bahnbrechende, in Deutschland jedoch gänzlich übersehene EP, „EL SUR“, aus dem Jahr 2022, die in der New York Times, Pitchfork und Harper's Bazaar besprochen wurde. Der internationale Rolling Stone beschrieb die herausragende Single, „Punk“, mit Little Jesus, als „aufregende klangliche Wendung... ruhig, intensiv und unendlich eingängig“ - der Song hat mittlerweile mehr als sieben Millionen Streams. Nach der Veröffentlichung der EP nahm sie Sessions bei NPRs Tiny Desk Concert und KEXP in Seattle auf. Weitere Presseunterstützung erhielt sie von COLORS, DAZED und gal-dem.

Das Album "Walk With Me" von Dog Eat Dog, veröffentlicht 2006 von Nuclear Blast und nur kurze Zeit erhältlich, zählt zu den versteckten Juwelen der Rockmusik. Lange vergriffen, hoch gehandelt und nun endlich wieder erhältlich als Digipak und Ltd. Edition Orange Vinyl.

Das Album "Walk With Me" von Dog Eat Dog, veröffentlicht 2006 von Nuclear Blast, ist ein beeindruckendes Zeugnis der kreativen Kraft und musikalischen Vielseitigkeit der Band. Obwohl es nur für kurze Zeit verfügbar war, hat es dennoch einen bleibenden Eindruck hinterlassen und zählt zu den versteckten Juwelen der Rockmusik.

Dog Eat Dog, bekannt für ihre innovative Mischung aus Rock, Punk und Funk, erlebte in den frühen 2000er Jahren eine Phase intensiver Kreativität. Nach mehreren erfolgreichen Alben und Touren entschied sich die Band, ein Album zu schaffen, das ihre musikalische Entwicklung und ihre Erfahrungen der letzten Jahre widerspiegeln sollte. Die Arbeit an "Walk With Me" begann, und die Bandmitglieder verbrachten unzählige Stunden im Studio, um ihre musikalischen Ideen zu perfektionieren.

2003 fanden sie mit Vibra ein neues Management und kamen so in Kontakt mit Claus Grabke. Mit ihm arbeiteten sie an Songs wie "M.I.L.F.", "Hell Yeah", "Cannonball" und "Undivided" für ihr neues Album. Bei letzterem singt Marta Jandová von Die Happy als Gastsängerin.

Das Album wurde mit viel Leidenschaft und Hingabe aufgenommen. Jeder Song auf "Walk With Me" erzählt seine eigene Geschichte und spiegelt die persönlichen und kollektiven Erlebnisse der Band wider. Die kraftvollen Rhythmen, eingängigen Melodien und tiefgründigen Texte zeigen Dog Eat Dog auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität.

"Walk With Me" ist vollgepackt mit energiegeladenen Tracks, die die einzigartige Mischung aus Rock, Punk und Funk der Band perfekt zur Geltung bringen. Songs wie "Undivided" und "Walk With Me" strotzen vor Dynamik und zeigen die musikalische Vielfalt der Band. Besonders hervorzuheben sind die kraftvollen Gitarrenriffs und die markante Stimme des Leadsängers, die jedem Song eine besondere Note verleihen.
Die Produktion des Albums ist erstklassig, mit einem klaren und dynamischen Sound, der die Energie und Leidenschaft der Band perfekt einfängt. Die sorgfältige Abmischung und die durchdachte Songstruktur machen "Walk With Me" zu einem Hörgenuss, der sowohl bei hoher Lautstärke als auch in ruhigen Momenten überzeugt.

Trotz der hohen Qualität des Albums war "Walk With Me" nur für eine kurze Zeit verfügbar. Dies lag an internen Problemen bei Nuclear Blast und unerwarteten rechtlichen Komplikationen, die dazu führten, dass das Album nach kurzer Zeit vom Markt genommen werden musste. Diese unglücklichen Umstände bedeuteten, dass viele Fans das Album nicht erwerben konnten, was es zu einem begehrten Sammlerstück machte.

"Walk With Me" ist ein herausragendes Album, das die kreative Essenz von Dog Eat Dog in ihrer besten Form einfängt. Die Kombination aus eingängigen Melodien, kraftvollen Rhythmen und einer faszinierenden Entstehungsgeschichte macht es zu einem unverzichtbaren Bestandteil jeder Musiksammlung. Nun haben Fans endlich die Möglichkeit, dieses Meisterwerk wieder als CD Digipack und Ltd. Edition Orange Vinyl zu kaufen - und auch digital ist es zum ersten Mal seit langer Zeit wieder verfügbar.

Das sechste Studioalbum von Shellac "To All Trains" besteht aus 10 Songs und hat eine Gesamtspiellänge von 28 Minuten. Die Band ist immer noch: Steve Albini (Gitarre), Todd Trainier (Schlagzeug) und Bob Weston (Bass). Aufgenommen und gemischt wurde "To All Trains" bei Electrical Audio in Chicago an einigen langen Wochenenden im November 2017, im Oktober 2019, im September 2021 und im März 2022. Das Album wurde von Bob & Steve bei Chicago Mastering Service gemastert. Artwork und Aufmachung von LP und CD sind identisch (die CD ist kleiner). Bob hat alle Fotos gemacht, einige mit einer schicken Kamera und andere mit einem Telefon. Wie immer hat die Tonqualität bei Shellac höchste Priorität. Die LPs werden von Green Vinyl Records in einem Spritzgussverfahren hergestellt. Dieses neue Verfahren verwendet zu 100 % recycelbares PET (wie Limonadenflaschen) und ist umweltfreundlich, da es kein PVC oder Phthalate enthält. Außerdem verbraucht das Verfahren 79 % weniger CO2 als herkömmliche hydraulische PVC-Vinylpressen. Die Platten wiegen 180 Gramm. Wie zuletzt bei Shellac, wird es für dieses Album keine Werbung, keine Presse- oder Radiopromotion, keine E-Promotion, keine Werbe- oder Rezensionsexemplare, keine Werbegimmicks und auch sonst kein kostenloses Mittagessen geben. Die Band wird weiterhin sporadisch und entspannt Shows spielen oder auf Tour gehen, so wie immer. Es gibt bei Shellac keine Korrelation zwischen Shows und Plattenveröffentlichungen. Shellac haben keine Website. Vielleicht sollten sie sich eine zulegen.

HOUSE OF COMMANDO, produziert von Oli Rüger & Tobi Wehner und gemastered von Howie Weinberg (bekannt für seine Arbeit mit Nirvana und U2), knüpft nahtlos an das erfolgreiche Debütalbum RED LIGHT HABITS von BIRD'S VIEW an.
Die deutschen Alternative-Rocker BIRD'S VIEW veröffentlichen ihr mit Spannung erwartetes zweites Studioalbum "House of Commando". Der Sound ist dabei eine einzigartige Kombination aus dem Punk von REFUSED, der Intensität von RED FANG und der Atmosphäre der FOO FIGHTERS.
Nachdem BIRD'S VIEW mit ihrem Debüt einen ersten kleinen Erfolg verbuchen konnten und mittlerweile von Wizzard Promotion vertreten werden, haben sie seit dem Release unter anderem mit SOULFLY, SKID ROW & GREEN LUNG getourt. Mit HOUSE OF COMMANDO machen sie nun einen weiteren Schritt in Richtung Rock-Olymp.
Die 11 neuen Tracks auf HOUSE OF COMMANDO hinterlassen bereits beim ersten Hören einen nachhaltigen Eindruck. Zu den Highlights des Albums gehören Stücke wie "Vienna", "Pin Drop“ und "Come Back Home"

Fast ein Jahrzehnt hat sich Jamie xx seit Veröffentlichung seines Solodebüts Zeit gelassen. „In Waves“, das zweite Album des Londoners, der mit seiner Band The xx zu den prägendsten Figuren der jüngeren Musikgeschichte gehört. Erneut lässt er seiner Liebe zur elektronischen Musik freien Lauf und entwirft die Geschichte einer Nacht, in der man in den himmlischen Puls von Schatten, Licht und Dancefloor-Rhythmen hinabtaucht.



“In Waves” hat seinen Ursprung in einem Mix, den Jamie 2020 für BBC Radio 1 machte. Hier tauchten neben Tracks der aktuellen Generation an UK-Dancemusic auch diverse musikalische Helden auf, etwa Roy Ayers, Fela Kuti, Tom Zé oder Philip Glass. Auch erste Versionen von Songs, die nun auf dem Album erscheinen werden, waren zu hören. “Es erinnerte mich daran, warum ich diese Musik liebe“, so Jamie, der zuvor lange mit der Frage gehadert hatte, wie es für ihn weitergehen würde. “Ich fand einfach Spaß am kreativen Prozess, ohne dabei an ein Ergebnis zu denken.“



Jamie xx pflügt auf „In Waves“ durch die Subgenres und Dekaden und fügt Northern Soul, Disco, Garage, Acid House, Techno, Tropicalia. Hip-Hop, Funk und den Sound der UK Underground Pirate Radios zusammen. Die kleinen Momente sind dabei so eindrucksvoll wie das übergreifende Ganze. Etwa jener Part bei “Treat Each Other Right“, der parallel zum Album-Announcement erscheinenden neuen Single: Zunächst wird man herausgerissen aus dem breiten Breakbeat-meets-Future-Soul-Vehikel, um sich mit den gepitchten Motown-Vocals plötzlich im Mittelwellenradio der 60er wiederzufinden. Die Worte “I’ll never let you down“ werden in die Ewigkeit gezogen, bevor ein biepender Puls über atmosphärischen Synths einsetzt und man direkt zurückgeführt wird in die schweißnasse Katharsis des Dancefloors.



Im Zeitalter der Algorithmen ist “In Waves” Zeugnis für pure menschliche Empfindung, ein lebensbejahendes Gegengift, das über den Kopfhörer in eine andere Dimension führt und zugleich gemeinsam auf der Tanzfläche erlebt werden will. Mit dabei sind u. a. Romy und Oliver, The Avalanches, Robyn und John Glacier.

Die US Death Metal-Ikonen NILE kehren mit ihrem mit lang ersehnten, zehnten Studioalbum The Underworld Awaits Us All zurück, das via Napalm Records erscheint.

Wieder einmal verbinden sie technische Präzision mit unbarmherziger Brutalität zu einer markerschütternden Death Metal-Attacke. Dabei beweisen ausnahmslos alle Bandmitglieder – von Gründungsmitglied und Gitarrist Karl Sanders, Schlagzeuger George Kollias, bis hin zu Sänger und Gitarristen Brian Kingsland Zach Jeter, sowie Bassist Dan Vadim Von – enormes musikalisches Können an ihren Instrumenten.
Das neue Album wurde erneut in Sanders' eigenem Serpent Headed Studios in Greenville, South Carolina produziert und aufgenommen. Für das Mixing und Mastering arbeitete die Band mit dem Produzenten Mark Lewis (Dying Fetus, Whitechapel, The Black Dahlia Murder) zusammen, der auch schon am Vorgängeralbum Vile Nilotic Rites beteiligt war und die gewaltige Bildwelt des Covers wurde von Micha "Xaay" Loranc gestaltet, der sich vom Jüngsten Gericht inspirieren ließ.

Wer sich in den letzten Jahren mit deutschsprachiger Metal- & Rockmusik beschäftigt hat, der kam an HERBST nicht vorbei. Nachdem die 4 Berliner mit ihrer ersten EP und dem Debütalbum „Ein letzter Abend“ ein ersten Achtungserfolg landen konnten, ging es auch direkt in den Tourbus mit ENGST quer durch die Republik.
Mit „Spiegel“ (VÖ: 20.09.24) folgt nun der neue, mitreißende Longplayer der Band. Treibend, mit krachenden Gitarren und Mörder-Hooklines, entfesseln die 10 neuen Tracks auf "Spiegel" eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Das Feature mit Ex-Annisokay Shouter Dave Grunewald und Alles Mit Stil zeigt eine der vielen Facetten des neuen Albums! So geht moderner, deutschsprachiger Metal im Jahr 2024!

"The Paradox" ist das sechste und ohne Zweifel vielseitigste Album der Thrasher ERADICATOR. Es erscheint im Jahr des 20. Jubiläums der Band. Zehn neue Songs befassen sich textlich mit der widersprüchlichen Natur des Menschseins und präsentieren viele musikalische Facetten, nicht nur des Thrash Metals.

"The Paradox" trägt die Handschrift von ERADICATOR und zeigt ihre ungebrochene Spielfreude. Damit hat sich die Band inzwischen auch live einen Namen gemacht. Die vier Sauerländer scheuen aber nicht davor, ihre neuen Kompositionen stilistisch zu verfeinern und weiterzuentwickeln.

ERADICATOR beginnen auf The Paradox atmosphärisch mit "Beyond The Shadow's Void": Der Track entwickelt sich zu einem stampfenden Headbanger, um sich zuletzt in einem Thrash-Gewitter zu ergießen. Neben Death Metal Growls, unter anderem im Titeltrack, findet mit "The Eleventh Hour (Ramble On)" erstmals eine Halbballade Einzug in das Band-Repertoire. ERADICATOR haben aber keineswegs verlernt die Thrash-Keule zu schwingen, was sie unter anderem mit "Drown In Chaos", "Hell Smiles Back" oder "Fake Dealer" und auch sonst unermüdlich unter Beweis stellen.
Die lyrischen Themen auf "The Paradox" spiegeln die Zwiespältigkeit und Ambivalenz des menschlichen Handelns und Denkens wider. In "Perpetual Sacrifice" geht es darum Schwächere zu verunglimpfen, um sich selbst größer zu fühlen sowie um die Umkehr zwischen Opfer und Täter. "When The Shooting Begins" handelt von der Paradoxität durch Krieg Frieden schaffen zu wollen - wobei im Regelfall die Wahrheit nach dem Aufschrei der Waffen eine der ersten Opfer ist. Das abschließende "Debris Of Demise" ist eine fiktive Erzählung davon, dass die Menschheit aufgrund von Umweltzerstörung den Planeten evakuieren muss, die rettende Arche wegen der großen Menge an Weltraumschrott den Orbit jedoch nicht verlassen kann. Sänger und Gitarrist Seba Stöber sagt dazu, "Dabei wollen wir uns nicht als Moralapostel profilieren, sondern viel mehr die Themen und Probleme unserer Zeit reflektieren. Als Künstler besteht die Aufgabe auch darin, einen Diskurs anzuregen!"

Gemixt und gemastert wurde das Album, wie schon sein Vorgänger, von Sebastian "Seeb" Levermann (Orden Ogan, Asphyx, Brainstorm), der es wieder geschafft hat, ERADICATOR mit einem authentischen Sound auszustatten. Nach 20 Jahren wissen die vier Musiker wie sie klingen möchten und genau so klingt "The Paradox".