Cerca:od d

Kann ein Albumtitel lügen? Ja, das kann er. Die vier Mitglieder der österreichischen Band BAITS nennen ihr zweites Studioalbum "All Filler No Killer". Doch der Inhalt ist genau das Gegenteil von dem, was auf dem Cover steht. Ist der Albumtitel eine subversive Kritik am Größenwahn eines alternden Rockstars? Das ist nicht ganz klar. Aber eines ist sicher: Das Album enthält keine Füller, nur Killer. Das Quartett um die charismatische Frontfrau Sonja Maier serviert auf "All Filler No Killer" 11 absolute Hits, die zwischen Nirvana, Weezer, Hole, Ramones und Amyl and the Sniffers oszillieren und dennoch eine einzigartige, unverwechselbare Identität bewahren. Punk ist nur das Basislager. Von dort aus erklimmt die vierköpfige Band musikalische Höhen, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Ob tanzbarer Popsong, mitreißender Garagenrock oder harmoniereiche Punkhymne - all diese Songs haben eines gemeinsam: Sie graben sich erst ins Ohr und dann direkt ins Herz.

1-2-3-4! Here we are and here we go! Broken Cuffs aus Kalifornien / U.S.A. veröffentliches ihren längst überfälligen ersten Longplayer und machen dabei keine Gefangenen. Aggressiv-vorwärtstreibender Streetpunk in bester Casualties , G.B.H. oder Exploited-Manier. Keiner der 11 Songs knackt dabei auch nur annähernd die 3 Minute Marke und auch textlich sind die Songs als Kampfansage gegen das Establishment und System auf den Punkt gebrachte Wut mit F**K You!-Attitude! ''Never Give Up The Fight. Fight ! Fight! Never Stop Fighting, This Is Your Life! knallt es aus den Boxen und das zieht sich durchs komplette Album. Extrem wütend, angepisst mit der perfekten Balance an Melodien und Chören! Ursprünglich 2005 gegründet um ein Jahr später schon wieder history zu sein, haben sich Broken Cuffs 2015 wieder zusammen gefunden und in den Folgejahren insbesondere auf den Clubbühnen für ordentlich Furore gesorgt. Diese geballte Power haben sie auch auf ihrem Debut-Album eingefangen! The real deal und genau SO muss Punk auch heute noch klingen!!!

Seit Jahren vergriffen und jetzt als 10 years Anniversary-Collector's Edition streng limitiert wieder erhältlich: Die Rude Boy RocknRoll-Show von den City Saints mit einem Dutzend hochexplosiven Streetpunk/RocknOi!-Shoutern plus exklusiven Bonus Song "Riot"! Das Debüt "Kicking ass for the working class" der Göteburger um Ex-Mitglieder von Perkele schlug zurecht ein wie eine Bombe und katapultierte die Band sofort in die Herzen der Szene! Songs wie "Gonna Balls", This is my life" oder "Public Animal No.1" sind fast forward-melodic Hymnen mit jeder Menge Dampf und einer Spielfreude, die jeden Lautsprecher zum Beben bringen.

Seit Jahren vergriffen und jetzt als 10 years Anniversary-Collector's Edition streng limitiert wieder erhältlich: Die Rude Boy RocknRoll-Show von den City Saints mit einem Dutzend hochexplosiven Streetpunk/RocknOi!-Shoutern plus exklusiven Bonus Song "Riot"! Das Debüt "Kicking ass for the working class" der Göteburger um Ex-Mitglieder von Perkele schlug zurecht ein wie eine Bombe und katapultierte die Band sofort in die Herzen der Szene! Songs wie "Gonna Balls", This is my life" oder "Public Animal No.1" sind fast forward-melodic Hymnen mit jeder Menge Dampf und einer Spielfreude, die jeden Lautsprecher zum Beben bringen.

REISSUE

28 Jahre sind OXO 86 jetzt auch schon dabei, 2022 sogar das erste Mal in den Charts, und präsentieren immer noch ihren Skapunk allerbestgelaunt. Das lange vergriffene "Akustikalbum" gibt's jetzt endlich wieder auf limitiertem Vinyl. Ursprünglich 2016 zum 20-jähigen Bandjubiläum erschienen, erfüllte sich die Bernauer Ausnahmeband einen langgehegten Wunsch und nahm 13 ihrer beliebtesten Hits akustisch neu auf. OXO86 schafft es dabei mühelos, dass die Lieder im punkigen Folk-Offbeat-Gewand einen ganz besonderen Esprit und Charme versprühen. Der Rest ist Geschichte mit stets ausverkauften Club-Tourneen und Headliner-Positionen auf allen großen Festivals. So auch 2024 beim Ruhrpott Rodeo, Spirit from the Streets, Back to Future uvw. Farbiges Frühlings-Vinyl mit Mamor-Effekt, jede Platte anders.

Hooligan (aus Dublin) mit Szene-Veteranen von Angelic Upstairs, Cockney Rejects und UK Subs starteten 2009 und veröffentlichten ihre Songs weltweit nur auf limitierten (ausverkauften) 7inch EP's. Jetzt gibt es zum ersten Mal auf 12"-Vinyl die Retrospektive für Sammler mit allen Hits, limitiert! Ihr Sound ist eine geniale Mischung aus Streetpunk, 77er Punk, Dub/Reggae und beeinflusst von ihren Hauptbands und Klassikern wie The Clash ("Calling Joe Strummer" ist einer der besten Tribute-Songs), Addicts, Pistols bis hin zu Cockney Rejects oder Undertones und vielen mehr. Kein Wunder, denn die Jungs haben ihre Jugend in dieser großartigen Zeit der späten 70er zusammen mit den Bands verbracht und das Cover-Artwork enthält ein Bild von Sänger Dave aus diesem Jahrzehnt. "First offence" enthält 12 Songs, die man sich nicht entgehen lassen sollte, wenn man auf diesen Streetpunksound steht! Vinyl Irish Grün mit Orange, limitiert!

Enid Valu normally relies on lenses and light to express herself. Known to create stunning visuals, to capture sonic worlds with her preferred instrument (the camera), the US-born, Munich-based photographer and video artist has been working with various bands, shooting concerts, creating music videos, visualizing what she hears. However, now that she’s become an indispensable part of the local scene, she for once ditches the cam and steps up to the mic instead – appearing as featured vocalist on two of the four brand-new covers Hochzeitskapelle recorded for the forthcoming EP entitled “We Dance.”

“It’s later than you think,” she reminds us, just like Stephen Malkmus once did in Pavement’s “We Dance” – beautifully rearranged and reworked some three decades later. Also musing about “Stockholm Syndrome,” just like Yo La Tengo’s bass player James McNews did back then, this new Hochzeitskapelle interpretation is obviously less reminiscent of Neil Young, if compared to the original take. Instead, their Yo La Tengo cover feels almost like a song recorded by The Notwist – which, interestingly enough, is not because two of The Notwist’s core members also play in Hochzeitskapelle. Nope, it’s the vibe of Enid Valu’s guest vocals that somehow points in that direction.

As for the two remaining cover choices, it’s all-instrumental business as usual. For Low’s classic “Silver Rider,” it’s the banjo that does Alan Sparhawk’s vocal part, whereas the trombone soon joins in, contributing Mimi Parker’s second vocal layer as the tune unfolds. Eventually adding a German song to the mix – Wir Sind Helden’s “Elefant” –, it’s an EP that comprises four beautiful half-forgotten indie classics that Hochzeitskapelle reworks, adding the group’s unique, charmingly handmade/oddball “Rumpeljazz” trademark. One can immediately tell how much they love the original tracks: these are recordings, done by fans and admirers who aren’t even trying to sound much like the musicians who wrote them. However, the new versions are so compelling in their own right, they make you want to revisit the original tracks as well… (Dirk Wagner)

Big Crown Records is proud to present the debut full length offering from Les Imprimés, Rêverie. The stirring and ethereal sounds of Les Imprimés have been making fans of anyone who hears them since their first 7" single hit the speakers. Morten Martens is the man behind the band. Born, raised, and working in Kristiansand, Norway, he keeps a low prole while making his heart felt, highly infectious, and unique music. This album is a long time coming for Martens and it is sure to make him a name to be reckoned with. The first thing you notice listening to Les Imprimés is the high level of musician-ship. Martens plays nearly every instrument on the recordings and handles the production and arranging. He has been making records for decades, winning a Spellemann Award (aka, the Norwegian Grammy) in 2006 for producing a HipHop album as well as getting nominations across three other genres. While awards and accolades speak to the level of his talent, this new album really shows who he is an artist on his own terms. Moving away from being a hired gun on the touring scene naturally led him to start doing more studio work. Slowly collecting gear and getting more experi-ence behind the boards he built his own studio on the island of Odderoya and was making a living playing with and recording other people's music. As the story goes, after those sessions would end he would work on his own project into the wee hours of the night. From these late night sessions, Les Imprimés was born and Rêverie began to take shape. However, "it wasn't until COVID, when things locked down, that I was really able to nd the time to focus on Les Imprimés" Morten says about creating and leading his own solo project. "It was a scary time. But I knew I had to do something with it." He took the sum of his inuences, combined them with his own vibe and got busy writing the music, playing the instruments, and singing the songs. "It's soul music, but I don't exactly have the soul voice," Morten explains humbly. "But I do it my own way, in a way that's mine. "It is his sound, his fingerprint, his sensibility, that makes his music hard to put in a box. The album showcases both Martens' range and his ability to make a cohesive album. The lead single "Falling Away" starts with a raw drum break and turns into a lushly arranged tune that paints the picture of love when it slips away. On "Still Here" he professes his resilience through life's twists and turns over a thundering track that puts a new spin on the B side ballad genre. Songs like "You" and "Our Love" mix tones from 60s and 70s Soul with arrangement nods to Doo Wop records while Martens' lyrics and delivery leave you singing the melodies long after they finish. "Love & Flowers" finds Martens in a moment of clarity with a song that ts the niche sub genre of happy break up tunes, the four on the floor track will move the dancefloor or while the message will resonate with anyone who put too much effort into the wrong situation in their lives. However, it is songs like "Muse" and "Chess" that really encapsulate the uniqueness of Les Imprimés as they push the boundaries of genre, one a profession of love for music and the other a cover of an electronic record respectively. Martens' lyrics, emotion, and delivery truly make the whole thing come together and stand out from any of his peers. There's an infectiousness and a pop sensibility in the writing that is done with the utmost class and taste giving Les Imprimés the rare quality of immediate attraction that only deepens the more you listen.

"Bright Future" ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band BIG THIEF, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit "Songs & Instrumentals" aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und enstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sie sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte. Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von "Bright Future", Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen. Das Ergebnis ist, dass "Bright Future" die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird und das macht die neuen Songs zu einem ungefilterten Erlebnis und beweist einmal mehr, dass Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs "Vampire Empire", der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel "Bright Future" einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

"Bright Future" ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band BIG THIEF, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit "Songs & Instrumentals" aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und enstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sie sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte. Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von "Bright Future", Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen. Das Ergebnis ist, dass "Bright Future" die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird und das macht die neuen Songs zu einem ungefilterten Erlebnis und beweist einmal mehr, dass Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs "Vampire Empire", der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel "Bright Future" einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

Underground hero and label boss DJ Steaw makes his Nu Groove debut with ‘Seascape EP’, a four-track odyssey of deep, soulful house. With over 12 years of experience, the revered DJ and producer is known for his arresting sets appearing on famed stages including Berlin's Tresor, London's fabric, Amsterdam's Shelter and all over his home nation of France.

As an electronic tastemaker spanning multiple genres and influences, DJ Steaw has launched House Puff Records, Steaward and Rutilance Records, the latter of which he co-founded with crate digger Gunnter. Having already received support from tastemaker Chris Stussy, this four-track package is a perfect fit for the cult NYC label. Opening with the powerful stabs of ‘Take It There’, ‘Seascape EP’ explores the producer’s signature, bass-heavy sound as well as the myriad of influences from further afield. The title track ‘Seascape’ contrasts breathy pads with bright, dynamic percussion, as ‘Close To You’ and ‘Exotica’ further demonstrate a recognisable, nostalgic aesthetic that is both club-ready and dreamlike in quality.

Nippon Psychedelic Soul 1970-1979 is Time Capsule’s continuation of the deep dive into Japan’s rich history of folk and psychedelic soul music.

Vinyl LP with 4 page insert, original artwork and photos

The kaleidoscopic psychedelia of 1970s Japan captured a fragile and fertile moment as the country sought its future in funk grooves, heavy reverb and lyrical hallucinations.

The follow-up compilation to Time Capsule’s Nippon Acid Folk, Nippon Psychedelic Soul takes myriad pathways into the tripped-out undergrowth of 1970s Japan. Finding their feet at home and looking for inspiration abroad, the musicians featured here were engaged in the communal soul-searching that followed the breakdown of the 1960s protest movements. Some made it big, others drifted into oblivion. The music they left behind shimmers with intensity.

At the core was Happy End, the first project of YMO’s Haroumi Hosono, whose distortion-heavy guitar and crisp back-beat laid the foundations for Japanese lyrics that flipped the paradigm of Japanese rock music on its head. With it came a new found sonic ambition, such as in the bold Philly-soul style arrangements of producer Yuji Ohno, whose work with occult wandered Yoshiko Sai shares some of the bittersweet grandeur of Rotary Connection or David Axelrod.

Then there was Jun Fukamachi, a pioneer of Japanese synthesis, whose debut album was a carnival of orchestral funk, euphoric horn lines and rich production, complete with soaring guitar solos, psychedelic organ and a truly cinematic finale. The first and only time Fukamachi would sing on record, ‘Omae’ rips like the ultimate end-of-nighter.

Influenced by giants of the US soul scene, maverick composer Hiroshi “Monsieur” Kamayatsu (otherwise known as ‘the Brian Wilson of Japan’) went one step further, enlisting Tower of Power to play on ‘Have You Smoked Gauloises?’ The B-side to Monsieur’s biggest-selling single, it coasts with sophisticated cool - a liquid bassline and suave keys comping under a roaring trademark ToP sax solo. No surprise it found favour once more on the Acid Jazz dance floors of ‘90s London.

Such was the spirit of experimentation that big studio productions and private press releases sat side-by-side, with the likes of Momotaro Pink and Kazushi Inamura, taking their hopes of success into their own hands with the resources available to them. More reflective but no less robust, theirs was a heavy, fat-backed drum sound, soaked in dramatic, soulful psychedelia.

If some were dreamers and others space cadets, none were further out than sci-fi writer, musician, activist and self-made scientist Tadashi Goino, who transformed his own fantasy novel Messenger from the Seventh Dimension into an operatic prog odyssey with few discernible musical reference points – a majestic and completely bonkers outlier even among company as strange and brilliant as that which is collected here.

Less a compilation of a scene, as a compilation of a sentiment, Nippon Psychedelic Soul is a wild ride from start to finish, shattering the narratives of the Japanese folk and rock tradition into a million tiny pieces.

London polymath producer Josh Ludlow, co-founder of the already seminal MAD Records and one half of the dynamic Make a Dance Duo, explores new sonic territories with his inaugural solo EP release on Belfast imprint Nocturne. Embracing his passion for eclectic disco, hypnotic chug, and music tailored for those transcendent nocturnal hours, Ludlow showcases his versatility and distinctive flair on his debut outing.

Leading the charge on Josh Ludlow's debut solo EP is the bass-led 80's influenced odyssey of 'MindwayS.' A sonic journey through contemporary psychedelia, inviting audiences to lose themselves in the sweet spot where boundaries between reality and imagination blur. In 'Touch,' Ludlow ventures into seductive sonic territory, delving into a world of cowbell-laden, slo-mo erotic disco. Live guitar licks sit comfortably shoulder to shoulder with low slung hypnotic grooves and alluring vocals in "Little Love" - perfect for the more discerning european dancefloors.

'Diska Tek!' delivers a fusion of playful cosmic energy, sitting comfortably between Cowley-esque hedonism and the contemporary Scandinavian greats. The track pulsates with infectious rhythms evoking the carefree spirit of the dancefloor while showcasing Ludlow's ability to blend nostalgic influences with modern sensibilities. With its vibrant energy and irresistible grooves, 'Diska Tek' is a testament to Ludlow's prowess in bridging the gap between disco's golden age and contemporary dance music."

Through MindwayS, Josh Ludlow not only introduces his solo endeavors but also marks the resurgence of Nocturne after a short hiatus. This statement intent by the imprint positions it as a platform to continue to champion forward-thinking sounds.

$1 Bin Breaks: Sakura (Edit) by Odetta / On The Hill (Edit) by Oliver Sain / Enchanted Lady (Edit) by Milt Jackson With The Ray Brown Big Band b/w Survival (Edit) by Annette Peacock / Sunrise (Edit) by The Originals / A Few More Kisses To Go (Edit) by Issac Hayes / Go On & Cry (Edit) by Les McCann | Galaxy Sound Company — GSC45-041 | Very special hot-off-the-test-presses donut via the always on-point @galaxy_sound_company crew. This will be number 41 in their cop-on-site 45 series, set to be released in 2024. This time out we are treated to 7 “$1 Bin Breaks” &, as with many in the GSC45 series, these are the sources of some of your fav hip-hop jams.

Side A:
1) “Sakura” by Odetta; Sampled in “Tried By 12” by The East Flatbush Posse

2) “On The Hill” by Oliver Sain; Sampled in “Tell Me” by Pete Rock & C.L. Smooth, “Day One” by D.I.T.C., “Young G’s” by Puff Daddy, The Notorious B.I.G., Jay-Z & Kelly Price

3) “Enchanted Lady” by Milt Jackson With The Ray Brown Big Band;
Sampled in “Dinnit” by De La Soul, “Escape” & “Carmel City” by Pete Rock & C.L. Smooth, & “Ijuswannachill“ by Large Professor

Side B:
1) “Survival” by Annette Peacock; Sampled in “Braggin' Writes” by J-Live, “Rules We Live By” by Lord Finesse, “Scientists of Sound” by Brand Nubian, “Kunta Fly Shit “by Ghostface Killah, “Video Game” by J Dilla

2) “Sunrise” by The Originals; Sampled in “Accepte Mon Concept” by 2 Bal 2 Neg' & “Guess Who’s Back” by Scarface, Jay-Z & Beanie Sigel

3) “A Few More Kisses To Go” by Issac Hayes; Sampled in “Tonight's Da Night” by Redman, “Ain't No Fun (If the Homies Can't Have None)” by Snoop Dogg, “Rough Life” by Shabba Ranks, “Is There a Heaven 4 a Gangsta?” by Master P, “B-Cuz I Got a Girl” by Nate Dogg, “The Life” by Alicia Keys

4) “Go On & Cry” by Les McCann; Sampled in “Tha Next Episode” by Snoop Dogg & Dr. Dre, “Runnin' Wit No Breaks" by Warren G, “No Pain” by Lords of the Underground

Mr. Thelonious Edits
File under: HIp Hop breaks , Jazz Funk, Funk, Samples breaks

Die aus Andorra stammende Progressive/Melodic Death Metal-Band PERSEFONE, bekannt für intensiven Klangwelten und technisches Können, setzt neue Maßstäbe im modernen Extreme Progressive Metal.

Seit ihrer Gründung in 2001 veröffentlichte das Sechstett fünf Studioalben, von denen jedes einzelne den musikalischen Weitblick der Band unter Beweis stellt: hohe technische Qualität, ausgefeilte Melodien und mitreißende sowie anspruchsvolle Riffs. Die Band tourte weltweit mit namhaften Acts wie Obituary oder Leprous und stand auf den Bühnen des Wacken Open Air, den Metal Days, Brutal Assault, ProgPower und 70.000 Tons of Metal.

Nun erscheint das neueste Werk metanoia am 04.02.22 via Napalm Records! Nach der Zusammenarbeit mit Produzenten wie Jens Bogren (At The Gates, Haken, The Ocean), Logan Mader (Gojira, Periphery, Once Human) und Jacob Hansen (Volbeat, Amaranthe, Epica) wurde das neueste Werk metanoia von David Castillo abgemischt, der bereits mit Genre-Größen wie Leprous, Soen und Opeth gearbeitet hat, und von Tony Lindgren (Enslaved, Ihsahn, Sepultura) gemastert.

metanoia ist eine atmosphärische und düstere Reise durch dichte Soundwelten. Die Band überschreitet Genregrenzen mit Leichtigkeit und erschafft ihren eigenen Kosmos, der den Hörer mit abwechslungsreichem Songwriting und technischer Präzision in seinen Bann zieht und so PERSEFONEs würdigen Platz im Genre
des Extreme Progressive Metal unter Beweis stellt!

Hinter dem Bandnamen Potato Beach versteckt sich ein Wiener Indie-Surf Kollektiv rund um Mastermind Jannik Rieß. Bislang gab es eine EP, die als Tape erschienen ist. Der Strand ist für alle da! "Back on the road, driving slowly, sipping coke" - Mit den ersten Zeilen auf "DIP IN" legt Jannik Rieß direkt ein Geständnis ab. Der deutsche Wahlwiener und Multiinstrumentalist hinter dem Musikprojekt Potato Beach, bekennt sich mit seinem Debüt zum Softdrink bei Einhalten des Tempolimits - und damit zur eigenen Kartoffeligkeit. Sympathisch! Potato Beach's durchaus nostalgischer Garage-Rock versucht gar nicht erst, dem Bravado und Machismo alter (The Kinks) oder neuer (Foxygen) Inspirationen nachzueifern. Rieß erzählt lieber seine eigenen Geschichten in der lähmenden Sommerhitze Wiens, irgendwo zwischen zu lang jung bleiben und zu früh alt werden. Die Platte braucht keine waghalsigen Salti vom Zehner schlagen, um in die Tiefe zu gehen. Vielmehr lädt sie uns dazu ein, mit baumelnden Füßen am Beckenrand tief ins Rot-Weiß der Freibadpommes zu tauchen. Schmeckt vertraut - und ziemlich lecker. So wabern simple, aber sorgfältig arrangierte Vintage-Riffs und schrullige Orgeln wie Hitzeschlieren am Horizont, wenn Rieß "Why are we feeling guilty for not doing anything?" oder "How can anyone go to work?" die blöden Fragen stellt, über die wir alle rätseln. Potato Beach's Selbstreflexionen sind am Puls der Zeit getaktet und sprechen dabei ganz ungezwungen 0,5 bis 2,5 Kartoffelgenerationen von der Pelle. So handeln sie nicht etwa von Heroin und Manic Pixie Dream Girls, sondern von Ghosting, Fernbeziehungen oder dem Gefühl der Einsamkeit unter Vielen. Potato Beach befreit den Küstenrock der 60er vom alten Rost und verleiht ihm mit ehrlichen, nachdenklichen und bodenständigen Anekdoten einen zeitgenössischen Anstrich. Dass Potato Beach mit "DIP IN" nicht dem Mackertum seiner Blaupausen folgt, ist kein Zufall. Nachdem Rieß' musikalische Vorbilder durch ihren Sexismus unhörbar wurden, sah er sich gezwungen, seine Lieblingsmusik selbst neu zu schreiben. Dass er das komplette Instrumentarium und den Gesang der 11 Tracks im Alleingang aufgenommen hat, zeigt: Dem ist das wirklich wichtig. Hingabe, Leidenschaft und Weltschmerz hallen jedenfalls deutlich hörbar aus dem Röhrenverstärker. Nur vereinzelt tauchen Vertraute Musiker:innen der Schwesterbands Peter the Human Boy oder Gardens auf, um ein Cello hier oder ein Keyboard dort einzuspielen. Die sind auch dabei, wenn die Freibäder Wiens warm genug werden, um die Platte live zu performen. Bis dahin sorgt "DIP IN" mit seiner warmen Melancholie für süße Tagträume vom Sehnsuchtsort Strand. "DIP IN" erinnert uns: Ob Potaetoe oder Potahtoh, every Body is a Beach Body!

"Ausgezeichneter Gruselrock! Allein die Songtitel: ,The Dead Won't Sleep", ,Forbidden Forest", ,At The Mountains of Madness" oder ,Stone Age Funeral"! Da krieg ich gleich gute Laune von, das sind die wichtigen Dinge im Leben. Musikalisch befinden wir uns ungefähr in 1970, und die Rockmusik wird irgendwie heavy & treibend und vor allem düster und unheimlich. Mountain Witch verschreiben sich auf ihrer zweiten Platte erneut diesem Sound, den Black Sabbath und andere in die Welt gerufen haben, und mit ihrem Vintage Equipment Wahn kommen sie so dicht dran, dass man es nicht für möglich hält, dass das eine neue Platte sein soll. Erfreulich finde ich, dass hier mehr gesungen wird als auf dem Debut ,Cold River", das steht den Songs ausgezeichnet und unterstreicht eben das eingangs erwähnte Gruselfeeling. Wer auch nur am Rande was hält auf alten Hardrock oder konsequenten Stoner, muss unbedingt reinhören. Absolutes Meisterwerk ist der gut sieben Minuten lange ,At The Mountains of Madness", der sich langsam aufbaut und eine recht eigene Note mitbringt, außerdem gruselt es mich hier am meisten, wenn kurz vor Schluss dieser Psychedelik-Part verhältnismässig weit raus rudert für Berghexen-Verhältnisse. Gut gemacht! Wer also auf alten Kram wie Witchfinder General, Legend, Manilla Road, epic 70ies Protometal oder neueren Kram wie Demon Head, Kadavar oder natürlich die erste Mountain Witch Platte steht, sollte unbedingt zugreifen, es hat eine Entwicklung im Songwriting stattgefunden, die ich so nicht vorhergesehen habe. An den Songs ist kein Gramm Fett zuviel, die sehnigen Songs hauchen einem wie ein Knochenmann in den Nacken, wenn der getragene Titelsong losgeht, verbreitet sich Nebel aus einem anderen Jahrhundert in meinem Zimmer und wenn ich Glück habe, nimmt er mich nicht mit oder löst mir das Fleisch vom Skelett. Das meine ich ernst! Der Chor! Top! ,Isle of Bones" wird dann so melancholisch, fast eisig, dass es ein perfekter, hypnotischer Rausschmeißer ist, der einen die Platte einfach nochmal umdrehen lässt!" Tobi Neumann

Los Mayos sorgen mit ihrer perfekten Mischung aus Dance Beats und Latin Rhythm für eine positive Partystimmung Egal ob auf einer Feier oder beim Karneval, die eingängigen Melodien und tanzbaren Rhythmen dürfen nicht fehlen Der Titel „Disco Samba“ mit seinem Hit Medley aus bekannten Hits wie “El Ritmo“ , “Charly Brown“, “Moliendo Cafe“ , “Ritmo De La Noche“ uvm. bringt jede Party in Schwung. Erstmals gibt es die größten Hits von Los Mayos als farbige Vinyl.

Seit ihrer ersten Albumveröffentlichung "GOLD VON MORGEN" im Jahr 2014 hat Alexa Feser einen festen Platz im deutschen Musik-Kosmos und befindet sich seither in einem stetigen Entwicklungsprozess. Nach dem Top-3-Album "ZWISCHEN DEN SEKUNDEN" (2017) und den TOP10 Alben "A!" (2019) und "LIEBE 404" (2022) sowie begleitenden äusserst erfolgreichen Tourneen arbeitet die Künstlerin bereits wieder an ihrem neuen Album. "KINO" wird im Frühjahr 2024 veröffentlicht und dieses Mal fungiert Alexa auch als Produzentin. Alexa klingt urban und verkörpert das Gefühl der Grossstadt. Ihr turbulentes Leben in Berlin fliesst in ihre Alben ein und macht sie zu einer konstanten musikalischen Zeugin der Entwicklung. Sie ist eine vollkommene Musikerin mit dem Anspruch, niemals fertig zu sein. Weiterentwicklung ist ihr Credo. Sie bleibt nicht stehen, sie kommt nicht an, sie transformiert sich immer und verändert sich stets. Am liebsten setzt sie ihre Vision im kleinen Kreis um. Sie nimmt das Beste aus beiden Welten mit. Obwohl sie bei einem Major-Label ist, bleibt alles DIY. Dabei möchte sie nicht einfach dem Sound der Zeit folgen; Nein, sie macht ihn sich zu eigen und verleiht ihm ihre ganz eigene Note - nicht zuletzt durch ihre einzigartige Stimme. Mit Features wie dem King Of Rap Kool Savas, Sero, Disarstar oder Esther Graf beweist die Künstlerin einmal mehr ihre Fähigkeit, ein unerschöpflicher musikalischer Hybrid zu sein. Was man hören kann, ist das Selbstbewusstsein einer Künstlerin, die sich weiterentwickelt, ihrer Eigenheit treu bleibt, auf ihre Instinkte vertraut, sich immer wieder neu erfindet und dabei authentisch bleibt.

Emil Brandqvist hat sich mittlerweile in der Elite europäischer Jazz Musiker einen festen Platz erspielt. Der Schlagzeuger aus Göteborg hat vor allem mit seinem Trio gemeinsam mit Pianist Tuomas A. Turunen und Bassist Max Thornberg für Furore gesorgt, unlängst wurde das Trio für 50 Millionen weltweite Streams ihrer Musik ausgezeichnet und das letzte Album 'Layers Of Life' stieg bis auf No.2 der Deutschen Jazzcharts. Mit 'Interludes' bietet er jetzt eigene Kompositionen in vielfältigen Instrumentierungen an, wobei diese Sammlung von Stücken insgesamt neun Werke zusammenfasst, die bereits als Songzyklus "Three Songs Part 1 - 3" ausschließlich digital verfügbar waren. Entstanden in den letzten vier Jahren hören wir unter anderem Instrumente wie Lap Steel Gitarre, Pumporgel, Bass Klarinette, Violine, Stimmen oder Tastenfidel. Emil Brandqvist selbst spielt auf dem Album neben Schlagzeug und Percussion auch Piano und Rhodes, tritt allerdings bei einigen Stücken auch nur als Komponist auf. Die gemeinsame Grundstimmung des Albums ist sehr ruhig und eine wunderbare Reise in gedankenverlorene Stille des Nordens. Erwähnenswert ist auch die Tatsache, dass das Album ein wahres Familienprojekt ist: neben seiner Frau Nina Ewald und dem Bruder Martin Brandqvist, welcher diverse Blasinstrumente beiträgt, beschließt Vater Hakan Brandqvist an der Orgel im Stück 'Honeysuckle' das Album. Das Artwork steuerte Emils zweiter Bruder Jakob Brandqvist bei.
'Interludes' erscheint zur Frühjahrstour des Emil Brandqvist Trios als 180g Vinyl Edition in limitierter Auflage!