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Jacky Terrasson (Piano)
Guests :
Kareen Guiock Thuram (Vocals), Camille Bertault (Vocals), Grégoire
Maret (Harmonica), Billy Hart (Drums), Eric Harland (Drums)
French Trio :
Sylvain Romano (Bass), Lukmil Perez (Drums)
American Trio :
Kenny Davis (Bass), Alvester Garnett (Drums)

Das neue Flamingods-Album 'Head Of Pomegranate' wurde vom Grammy-gekrönten Produzenten Ben H. Allen (Animal Collective, Deerhunter, M.I.A.) aufgenommen. Die Londoner Band kreiert seit über einem Jahrzehnt unverwechselbare, genreübergreifende Musik. Das Durchdringen von Genres wie Psychedelia, New Wave, Electronica und Punk – oft innerhalb desselben Songs – ist ihre Spezialität, ebenso wie das Talent, Einflüsse aus dem einzigartigen kulturellen Erbe und die Liebe zum UK Rock'n Roll der 70er Jahre zu vermischen. Opener und erste Single 'Dreams (On The Strip)' geben mit stimmungsvollen Synths, düsteren Drum-Machines und dem euphorischen Refrain den Ton vor. Es ist eine neue Ära für die Band und sie möchte, dass wir dies von Anfang an wissen.

Das neue Flamingods-Album 'Head Of Pomegranate' wurde vom Grammy-gekrönten Produzenten Ben H. Allen (Animal Collective, Deerhunter, M.I.A.) aufgenommen. Die Londoner Band kreiert seit über einem Jahrzehnt unverwechselbare, genreübergreifende Musik. Das Durchdringen von Genres wie Psychedelia, New Wave, Electronica und Punk – oft innerhalb desselben Songs – ist ihre Spezialität, ebenso wie das Talent, Einflüsse aus dem einzigartigen kulturellen Erbe und die Liebe zum UK Rock'n Roll der 70er Jahre zu vermischen. Opener und erste Single 'Dreams (On The Strip)' geben mit stimmungsvollen Synths, düsteren Drum-Machines und dem euphorischen Refrain den Ton vor. Es ist eine neue Ära für die Band und sie möchte, dass wir dies von Anfang an wissen.

White vinyl w/ pink splatter, limited to 500 copies. New Orleans death grind/hardcore group BRAT are the latest addition to the Prosthetic Records roster. Formed in 2021, BRAT deals out blastbeats, bass-laden breakdowns and old school death metal and New York hardcore inspired riffs. Through the melding of their influences the four-piece's sound stands out from the more sludge orientated sounds that the Crescent City is known for, catching the attention of the Los Angeles label in the process. Speaking on the singing announcement, BRAT comments: "We're thrilled to be part of a label that's put out so many quintessential metal albums of the last 25 years. It's an honor to have the opportunity to contribute to that list. Let's rock." "Upon completion of our record we felt Social Grace, the title track, really encompassed a broad snapshot stylistically of the album at large. The song is an environmental commentary on the effects of the wealthy on the state of our planet and further ties to the greater theme of our album that explores the various plights of mankind. In tandem with the single is our music video that draws inspiration from classic murder mysteries and depicts the ugly realities behind the pomp and circumstance of the aristocracy." BRAT's self described yassified look shirks more traditional metal imagery in favor of a pink-pilled Y2K aesthetic, with plenty of nods to their favorite femme pop icons. As the band sets their sights on making strides in the heavy metal and hardcore world, BRAT's end goal is to "put bimboviolence and barbiegrind on the map". Through a consistent live presence that includes touring alongside NOLA legends EYEHATEGOD, Ringworm, labelmates ACxDC, fellow grindsters in No/Mas and contemporaries in Maul and Morbid Visions, BRAT has garnered praise from the likes of Revolver, Metal Injection, Metal Sucks and many more as a new band to watch.

Fado music’s fastest-rising stars, Portuguese singer Sara Correia’s acclaimed third album Liberdade is a triumph. Sara arrives in 2023 with the status of a phenomenon: she has travelled the world to great acclaim, nominated for a Latin Grammy along with her appearances as a judge on the hugely popular Portuguese version of reality singing competition The Voice. Sara Correia’s smoky and passionate voice captures love and power, sadness and joy, the city of Lisbon and the Portuguese soul. Inhabiting the space between traditional, dark Fado and its modern, lighter incarnation, her mellifluous toplines are influenced by French chanson.

Australischer Rock-Glanz trifft auf 80s Sunset Strip! The Neptune Power Federation kehren mit ihrem sechsten Album zurück, einer Sammlung fieberhafter Night Stories, untermauert mit purem Rock! Die vertonten Kindergeschichten mit einem ausgesprochen US-Rock-Sound der frühen 1980er Jahre sind inspiriert vom unbeschwerten und rücksichtslosen Sunset Strip in LA. Und hier wendet sich die Band bei 'Goodnight My Children' auch dem Radiorock der späten 1970er Jahre zu. Die acht Tracks feuern mit purer Rock-Inbrunst, inkl. dröhnender Gitarrensoli und dem stets markant verlockendem und hypnotisierenden Gesang von Front-Lady Screamin' Loz Sutch. Dieses Album dürfte die bisher beste Vocal-Performance der Sängerin mit dem beeindruckenden Kopfschmuck sein.
Die Sessions waren organisch und intuitiv, ermöglichten es Sutch so, die klassischen Pop-Strukturen der Tracks zu erweitern. Perfekt zum Album-Thema, das eine Sammlung nächtlicher Geschichten symbolisiert, die, so schrecklich sie auch sein mögen, den Zuhörer in der fürsorglichen Umarmung von Sutch, der kaiserlichen Priesterin, zurücklassen. Und als zusätzlichen Bonus erhalten die Fans ein illustriertes Märchenbuch, das die Veröffentlichung begleiten wird.
Die Band wird Ende Februar / Anfang März auch Deutschland-Konzerte spielen und dabei u.a. in Hamburg das 'Hell Over Hammaburg'-Festival beehren.

Rock Hard (10/10 Pkt.)
"Wie starb Sid Vicious? Wo ist Richie Edwards? Wann kommt ein neues Guns-N´-Roses-Album? Was ist die wahre Identität von Jens Peters? In die Reihe der großen Mysterien des Rock fügt sich das Rätsel, warum THE NEPTUNE POWER FEDERATION in gottverdammten kleinen Clubs spielen, während die konzeptionell ähnlich gelagerten Ghost Arenen füllen. Mangelnde Vielfalt ist nicht die Ursache: Die Aussies packen rustikalen Rock´n´Roll, Düster-Doom und Schrägo-Psych ebenso in ihre knallbunte Wundertüte wie überlebensgroßes Musiktheater mit viel Pomp, Musical-Flair und Pop-Appeal. Die Songs stehen dem Durchbruch auch nicht im Wege. Sie sind entweder ziemlich gut, verdammt gut oder schlicht großartig. Manche tänzeln leichtfüßig im glamourösen Power-Pop-Gewand einher (´Let Us Begin´, ´Twas A Lie´), andere klingen, als würden Heart Black-Sabbath-Stücke interpretieren (´Lock & Key´). Wieder andere lassen New-Age-bewegte Queen auf die synthetisierten ZZ Top der Achtziger treffen (´Woe Be Father´s Troubled Mind´, ´Hariette Mae´). Viele lassen sich auf Anhieb mitpfeifen, wobei die Eingängigkeit nie auf Kosten der Tiefe geht. Vielmehr sind die Arrangements so detailverliebt und wendungsreich, dass es fast zu Tränen rührt. Doch kommen wir zum "unique selling point" der wahnwitzigen Truppe: dem intergalaktischen, Brautkleid tragenden Christbaum mit Hirschgeweih namens Screamin Loz Sutch. Dass sich die "Imperial Priestress" in den hochherrschaftlichen Gesangskreisen von Farida Lemouchi, Chrissie Hynde oder gar Ann Wilson bewegt, war bereits erwiesen. Der hochdramatische Titeltrack zeigt jetzt, dass sie nicht von dieser Welt ist. Kurz: Es gibt keinen Grund, warum TNPF nicht längst Megastars sind - außer einer großen kosmischen Ungerechtigkeit. Es ist an euch, diese zu korrigieren!"

Legacy (12/15 Pkt.)
"Die australische Ausnahmekapelle um Screaming Loz Sutch, ihres Zeichens Exzentrikerin und Frontfrau mit großartiger Stimme, legt das sechste Album auf den Tisch, und bereits nach dem ersten Hören ist klar: Das Ding könnte verdammt groß werden! Full Energy Rock'n'Roll spielst du nicht, ohne, wenn du es gut machst, an die Großen zu erinnern. Aber auch wenn die Dinos im Sound der Band präsent sind, wirken die Songs easy und frisch von der Leber weg gerockt ('Let Us Begin' und 'Lock & Key'). Manche Parts lassen einen fast unverschämten Pop-Appeal in den Rock'n'Roll tropfen und begeben sich auf Ausschweifungen in die psychedelisch poppige Ecke ('Woe Be Father's Troubled Mind'). Ein Stück, in dem die Musik mit einer überlebensgroßen Attitüde flirtet, was die Gitarrensoli vor dem beschwörenden Part schön ins Rampenlicht setzt. Danach die klassische Mitklatsch-Nummer, ab da mutiert die Platte langsam zum Überflieger ('Betrothed To The Serpent'). Am Ende strecken sich Musik und Songwriting und wachsen aus dem bisherigen, schon vielschichtigen Können der Band nochmals hinaus. Da trifft der Pop-Appeal auf gefühlvollen Blues-Sound und wird zu wuchtigem Siebziger-Rock. Das funktioniert bestens. Nicht zuletzt, weil die Instrumentalfraktion auf dem Album fast blind miteinander zu harmonieren scheint und Screaming Loz Sutch die Kunst vollbringt, die nötige Theatralik, das gewisse Quäntchen an Exzess und die genau dosierte Übertreibung in ihr Organ zu legen. Der Titeltrack legt davon erstaunliches Zeugnis ab! It ain't a long way to the top … anymore."

Carribean, Jazz, Afro, Reggae - das ganze Spektrum der Weltmusik, raffiniert und genial verschmolzen mit Electronica. A08 ist das Brainchild der beiden Berliner Dirk Leyers und DJ Nomad. Früher bekannt als "AFRICAINE 808" - das Studio/Live-Musikprojekt mit einem Album und verschiedenen EPs auf NYC's Golf Channel Recordings und Vulcandance.

AFRICAINE 808 begann als ein Experiment, bei dem es den beiden gelang, das rhythmische Erbe der Weltmusik mit dem Zeitgeist und der Ästhetik der elektronischen Tanzmusik zu verschmelzen. Nach zehn erfolgreichen Jahren, in denen sie als Live-Musikprojekt rund um den Globus tourten, einem hochgelobten Doppelalbum, fünf EPs und Remix-Arbeiten für Legenden wie Tony Allen, Amadou & Mariam und viele andere, beschlossen die beiden, ihren Sound für ein neues Album neu zu erfinden und dabei Jazz und karibische Musik neben ihren "klassischen" Arbeitsgenres der elektronischen Welttanzmusik zu erkunden. Für die Produktion holten sich A08 eine illustre Schar von Gästen in die Bandbesetzung, darunter Künstler aus Kolumbien, Ghana, Kenia, Trinidad und Deutschland. Das Ergebnis ist "Waiting For Zion", ein Doppelalbum, das im Winter 2023 auf Compost Records erscheinen wird. Als Live-P.A. treten A08 entweder als Soundsystem mit Dirk Leyers und DJ Nomad auf, die live spielen und auflegen, oder als Live-Act mit Live-Percussion.

From the straight-edge allure of 'Dime' to the enigmatic charm of 'Stranger' and the jazzy sophistication of the title track, ending with the deep electro funk tune 'Easy Virtue,' Lok44's 'Late Reaction' is a captivating exploration of divergent forms of electric sweat music. Out on Pomelo, one of the longest running techno label out there.

With "Onaida", Natascha Rogers shares a liberating folk spell that draws inspirations from Yoruba spirits, Afro-Latin rhythms and her Native American ancestry. Born in the Netherlands to a Dutch mother and a father with Amerindian origins, Natascha Rogers dares to be intimate and unveils a highly spiritual chiaroscuro record, raising purity, care and reconciliation to the level of the art, through folk enchantments. Sensitive to the ancestral call of the drums, she travelled the Black Atlantic for several years and received the teachings of the greatest Mandingo and Afro-Cuban master percussionists. As a distinguished percussionist and vocalist, she has graced the stage and has accompanied artists around the world, but for Onaida she set out on her own, retreating to a studio to escape the noise, rush and fast information cycles of our modern world. This album marks a rebirth for Natascha Rogers, as it symbolizes her return to the piano, her first instrument. Channelling these inspirations for Onaida, Natascha Rogers, has created a space of her own, where themes of humanity, spirituality, nature and womanhood are centre stage while also paying tribute to her ancestors. Sung in English, Spanish, or Yoruba, the album is a tapestry of intimate ballads and universal prayers, drawing inspiration from dreams, Amerindian poetry (Joy Harjo), and Cuban santería with ritualistic batá drum pulsations. On the powerful folk-tinged song "The West", she invited gifted singer-songwriter Piers Faccini. Onaida is a true initiatory experience, a second birth for Natascha Rogers who finds balance and accuracy with this singular opus. Natascha Rogers headed to the quiet commune of Pommerit-le-Vicomte, to write this new release, accompanied by sound engineer Joachim Olaya and published on acclaimed French imprint No Format!

FOR FANS OF: AMON AMARTH, DARK TRANQUILLITY, UNLEASHED
VANIR ist eine der bekanntesten dänischen Melodic-Death-Metal-Bands und hat seit der Gründung der Band sechs Alben veröffentlicht. Nun sind sie
bereit, ihr siebtes Werk "Epitome" zu veröffentlichen. Themenschwerpunkt des neuen Werks ist das dänische Mittelalter, wobei zwei Songs einen
Abstecher in die Renaissance machen ("Wood Iron And Will" und das frühmittelalterliche "Blood Eagle"). Das Kernthema des Albums ist der Thron
und die Kämpfe, die darum geführt werden, ihn zu behalten oder seine Macht zu festigen.
Die erste Single des Albums, "Twisting The Knife", wurde über das Stockholmer Blutbad geschrieben, einen Gerichtsprozess, der zwischen dem 7. und
9. November 1520 zu einer Reihe von Hinrichtungen in Stockholm führte. Die Belagerung von Arkona im Jahr 1169 durch die dänischen und
pommerschen Truppen unter Valdemar I. ist der Ausgangspunkt für "Fall von Arkona". Ein Lied über Stärke, Tapferkeit und Mut ("One Man Army")
rundet die Single-Trilogie des Albums ab.
Das "Epitome"-Albumcover ist ein Abbild der dänischen Königin Sorte Grethe (Schwarze Greta). Zu ihrer Zeit hatte Margaret den Ruf einer
kompetenten und aufgeklärten Regentin. Regentin Margarete sah sich mit dem ungelösten Konflikt zwischen der Krone und dem Erzbischof
konfrontiert. Das Lied "Sorte Grethe" auf dem Album handelt von einer blutigen Schlacht, in der 12.000 Männer getötet wurden, um den Anspruch
ihres Sohnes auf das Königtum zu bewahren.

The long lost 1968 debut album by singer-songwriter, Scott Fagan, once tipped to be bigger than Elvis, is set for release on 9th February 2024 via Earth Recordings. 'South Atlantic Blues' will be reissued for the first time in its original artwork, with an iconic portrait of Fagan by famed rock photographer, Joel Brodsky, following a widely celebrated 2015 release. Revisiting his mystical, mythical, and deeply soulful masterpiece, this psych-folk gem doffs a Tropicalia hat direct from downtown New York. "His songs embrace a broad sonic fantasia, swirling in '60s New York R&B and '40s jazz, as well as the Caribbean rhythms of calypso, meringue and Pachanga." New York Times Scott Fagan's story is worthy of a movie in itself. A swinging hipster who landed in 60s Greenwich folk scene, escaping the abject poverty of his U.S. Virgin Islands upbringing, Fagan found himself mentored by the Brill Building's Doc Pomus and Mort Shuman, and feted as the next big thing. "Forget Rodriguez, forget Searching for Sugar Man," says Sharyn Felder, daughter of the late Doc Pomus, the legendary songwriter who signed Fagan to management in 1964. "Scott was so much more. He was cut from a different cloth." 'South Atlantic Blues' is the perfect soundtrack to this tale, an epic song cycle wrapped around an impassioned love story, driven by Fagan's dense, allusive lyrics, and production by Elmer Jared Gordon (Pearls Before Swine) and rich arrangements by Horace Ott (Nina Simone, Sam Cooke, The Shirelles). The Earth Recordings reissue coincides with a resurgence in activity for Fagan, with a new album in the works - the never-recorded soundtrack to 'Soon', the 1971 Broadway rock musical he co-wrote and starred in - and a documentary 'Soon: the Story of Scott Fagan' currently filming through Scissor Kick Films, from director Marah Strauch, writer Chris Campion (who rediscovered the singer-songwriter in 2015), and producer Eric Bruggeman. Classic Black Vinyl + DLC

The story of Astral Bakers is an obvious one. Four experienced musicians get together in the same room, and make music as if it were the first time. Some say acoustic rock, others say soft grunge. Songs in English, halfway between Big Thief, Supertramp and an unplugged Nirvana concert. Initially, Sage (formerly of Revolver), Theodora, Nico Lockhart and Zoé Hochberg know each other from having collaborated together on other tours and records. All have worked with artists as varied as Clara Luciani, November Ultra, Woodkid, Pomme and Revolver. Together, they crave something different: epiphanies and presence, friendship and purity. No demos, no re-recording: just circular listening, between two guitars (Sage and Nicolas) that converse with each other, a bass (Theodora) that holds time, and soft drums (Zoé)thatenfoldthewhole.Selected by Spotify for their RADAR program, and already acclaimed by critics,this10-trackdebutalbum,writteninalivesetting,isalreadymakingitsmarkonthe 2024 indie landscape.

Following the release of his third album Dans cent ans (2023), which brought to a close the pop trilogy begun with Léviathan (2015) and Contre-temps (2018), Flavien Berger returns with a now classic 'counter-album': contrebande 02. le disque de l'été

Conceived as mirror albums to the trilogy, the counter-albums tell another side of Flavien Berger's creative process. Like contrebande 01. le disque de noël (2016) and radio contre-temps (2019), Flavien navigates between sonic experimentation (gervase weatherboy type beat), encounters (magie vermeille with Pomme), previously unreleased songs (sapon, plongereuse) and interludes (music 2000 beat titi poisson skit) reflecting an alternate itinerary of the making of his latest studio album Dans cent ans.

Third album from Brooklyn, NY singer/songwriter/guitarist/harpist Lizzie No; first album with a label partner Let’s start with this: genre is a construct. To categorize artists might make it easier to organize record stores and playlists but there’s no one term that could define any artist, least of all one like Lizzie No (she/her/they/them). You could say that Lizzie No makes “Americana” music, in that her work pulls from the rhythms and traditions of Blues, Folk, and Country — not unlike the artists to whom she’s most often compared: Allison Russell, Rhiannon Giddens and Adia Victoria — but her collaborations with Brian Dunne, Pom Pom Squad and Domino Kirkie display an undeniable Indie influence that allows No to move frequently and seamlessly between overlapping musical circles. You could say that Lizzie No writes “protest” songs, in that as a Queer, Black woman, her entire existence is a living, breathing, singing protest against a genre and a country that, on their best days, are reluctant to reckon with the very foundations upon which they were built.

On Natura Morta, Sven Wunder is exploring art as a bridge between nature and the human ability to judge and observe in eleven musical compositions with brightly colored textures and an emphasis on vibrant melodies.

Throughout human history, we have depicted the world we live in through art. By reworking what we see in the world, the simplest things have helped us understand the beauty of nature and to evaluate the material world that we have created around us, as a window to a constantly changing reality, through our own perception. It is that absolute reality that appears in the seam of human and nature and that can be revealed through art.

Still life painting, also referred to as Natura Morta (”dead nature”) in Italian, stretches back to ancient times. Some of the earliest works, found in Pompeii, depict commonplace objects such as fresh autumn fruits alongside man-made objects such as a small amphora and a small terracotta heap with dried fruits. These two-thousand-year-old paintings give a snapshot of Roman life, and also creates a link to time and space. A slice of life has been created by binding the earth’s pigments with extracts of oil, made from nuts and seeds, painted with brushes, made from a variety of fibers, such as trees and hair from animals. While life wanes with each brushstroke, by shifting reality into the past, art exists to make us come alive, being a living image of a dead thing, a surface and a symbol with symbolic powers of its own. Still life works celebrate material and ephemeral pleasures by returning to nature as the ultimate source for our standards in art as well as in life itself.

Natura Morta collects pieces from a continuous variety of melodies — supported by a decisive rhythm section — creating a musical kaleidoscope of ever-changing colors. Sven Wunder brings life into this rich assortment of musical implications by fusing and combining melodic instruments with each other in a setting that spans from a classical to a modern idiom. The author evokes this panoramic portrait by articulating an instrumental dialog between a chamber orchestra and a jazz ensemble. The result is a musical celebration of material pleasures that also serves as a reminder of the brevity of human life. This album was produced with financial support from the Swedish Arts Council.

Kapelle Petra nennen ihr neuntes Album wie die Stadt, in der sie leben und von der die meisten nur den Bahnhof kennen - "HAMM". Ein lokaler
Bahnsteig bildet trefflicherweise das Artwork, Symbol für Ankommen und Weiterstreben zugleich, geschossen im Zusammenspiel von Licht und
Schatten. Das Licht fällt auf die „Freibad Pommes“, denen die Band in heiterem Uptempo ebenso ein Denkmal setzt wie der unvergesslichen
Stimmung, als Kind „barfuß“ mit dem Rad in den nassen Nachmittag zu fahren. Das Licht fragt „Wann ist wieder Samstag“ und scheint vom
Wochenende aus auf die Woche, die für zwei Tage all ihr Gewicht verliert. Das Licht hat sogar Freude daran, wie der Mensch sich in „Zwischending“
schlichtweg „nicht entscheiden“ möchte und feststellt: „Zwischen den Stühlen wird immer Platz für mich sein.“ Denn genau dort spielen Kapella Petra
besser denn je, zwischen den Stühlen von Popmusik und Indierock, mit einer Instrumentierung, die zugleich grazil und griffig klingt, verletzlich und
entschlossen.

Anybody who has witnessed a live performance of Anna von Hausswolff and band can attest to the extraordinary and commanding nature of the experience. The distinctive music, as captured across five full-length albums, comes to life, shifting from hypnotic and mantra-like moods to thunderous drama, dissonance and cacophony. The musicians master playful dynamics and wield immense power.

After three first albums, two of which were certified platinum and gold, Pomme unveils her new project “Saisons”. A conceptual and orchestral album conceived as a modern opera presented in four movements divided into two editions autumn-winter and spring-summer. This first fall-winter part is available on vinyl made from recycled vinyl scraps, in limited edition. The singer is accompanied by Flavien Berger featuring on the autumnal act and Aaron Dessner who co-composes the winter act. Limited Vinyl.Reviews and Ads in R2 Mojo, and London Macadam

PRESSED ON FRUIT PUNCH COLORED VINYL WITH HAND NUMBERED OBILIMITED TO 2000 COPIES

The contemporary realm of hip hop music can be seen as polarized between two sides; mainstream versus underground, industry versus independent, at a base level boiled down to catchy sounds & infective hooks over higher quality lyrical content. These elements don’t need to be mutually exclusive, but these days it’s rare to find an act that can please all sides of the discussion. Clipse are one of the few groups that successfully and consistently caters to both sides of rap’s splintered psyche, simultaneously serving the scene with upbeat bangers that get the club poppin’ & subwoofers rattlin’ while crafting clever quotable compositions deserving of repeated headphone submersions. Though their preceding official albums Lord Willin’ (2002) & Hell Hath No Fury (2006) made bigger splashes commercially, 2009’s Til The Casket Drops is surely no slouch, a gem which deserves to be revisited with fresh ears – good thing Get On Down has given it the proper treatment it deserves with its first-ever vinyl pressing!
Til The Casket Drops was a departure from the duo of Malice & Pusha T’s previous works in that it was their first LP not completely produced by The Neptunes. However, the celebrated team who brought us ‘Grinding’ & ‘Mr. Me Too’ still helmed 8 of the album’s 13 tracks, thus dominating the soundscapes and aesthetic of the album anyway. With the remaining beats handled by Hitmen Sean C & LV (Jay-Z, Big Pun, Ghostface) and Aftermath’s DJ Khalil (Kendrick Lamar, Aloe Blacc, Eminem) clearly Clipse stock hadn’t lowered in the game. While boasting notable vocal features from Kanye West, Pharrell, Cam’ron, Keri Hilson, Yo Gotti & their Re-Up Gang affiliate Ab-Liva, Casket Drops leaves ample space for the core emcee duo of Pusha & Malice to shine in the spotlight, with verses revolving around each other succinctly in-synch and bonded by an exceptional creative rhythm only biological brothers could share.
Clipse have always delighted in dualities, juxtapositions and contradictions, unabashedly celebrating the capitalistic lifestyle and the grind as the kings of ‘coke-rap’, while taking hard looks at society’s mores and those of their own individual journeys. We hear Malice’s eventual transition to No Malice taking form on this album as he found religion, warning others who might follow in his path on ‘Footsteps’: “don’t let my wrongs give you the right of way/ to emulate my past escaping the law’s grasp” while refusing to be pinned down in one lane: “it weights on my conscience and I hate conscious rap”. Meanwhile Pusha T continues his lyrical ascent into the King Push persona with bars like “pompous motherfucker, look what them jewels made me/ I’m only finding comfort in knowing you can’t replace me/ What a thing to say, but what am I to do/ I’m role-playing a conscious nigga and true is true/ Cocaine aside, all of the bloggers behooved/ My critics finally have a verse of mine to jerk off to” decisively on album opener “Freedom”.
Since it dropped, the Clipse have stated that Casket… is their final album together while subsequently alluding to the possibility of an eventual reunion. Only time will tell, but until then it’s time to re-celebrate one of hip hop’s most dynamic duos by hearing Til The Casket Drops in a whole new light with its long-overdue, first time on vinyl pressing via Get On Down featuring all 13 original tracks on wax and cover art by the legendary KAWS! It’s kinda like a big deal…

KOU is the new project by Apolline Schöser (half of Nina Harker) & Thomas Coquelet.

Apolline & Thomas have been performing since 2022 under the KOU guise with 24 electronic harmoniums. Producing dense layers of tones & overtones. On their debut album KOU steers in another direction. The harmonium appears occasionally, but more prominent are delicate guitar pluckings, distant vocal effects, synths, flutes, piano strokes, a touch of musical magic and Apolline’s jazz not jazz vocals.

As soon as the needle drops it’s clear we are jump-cutting straight to the other side of the mirror. Cats purr, a woman sings as if asleep, drum machines stutter and warp and Alvin Lucier is not 'sitting in a room that is not different to the one you are not in now’. If you’re already confused, join the club. But, it’s the good kind of confused, a bewildering experience akin to the first time hearing the Faust Tapes or watching Inland Empire. Wait though, as pigeons coo and the tape machine clunk-clicks a gorgeous weirdo version of Roger's and Hart’s Blue Moon emerges to let you know this isn’t just dada splurge, there’s a genius pop sensibility at work here too. Side two takes us further into the murk with mournful detuned brass, stoned Joan La Barbara-esque vocalese and a droning Farfisa hymn, before ending with another too-tempting snatch of DIY pop. Some of the references are recognisable. All kinds of 70s/80s European art prog - think early Battiato, Pierot Lunaire’s Gudrun, Lucia Bosè and Gregorio Paniagua's Io Pomodoro etc etc. There’s a strong whiff of 90s us goof-off surrealism too- Bongwater, Siltbreeze, Royal Trux’s Twin infinitives, the damaged folkier side of Alastair Galbraith, Half-Japanese, early Beck even all feel relevant.

Like an oddball group of friends you might meet by chance and end up weirding-out with for days, the minds behind this deliciously odd music allow you to stay for a while in their strange subcultural world. You might not want to live here forever but a short trip, while it lasts, rewires your brain for the better.

Das neue Flamingods-Album 'Head Of Pomegranate' wurde vom Grammy-gekrönten Produzenten Ben H. Allen (Animal Collective, Deerhunter, M.I.A.) aufgenommen. Die Londoner Band kreiert seit über einem Jahrzehnt unverwechselbare, genreübergreifende Musik. Das Durchdringen von Genres wie Psychedelia, New Wave, Electronica und Punk – oft innerhalb desselben Songs – ist ihre Spezialität, ebenso wie das Talent, Einflüsse aus dem einzigartigen kulturellen Erbe und die Liebe zum UK Rock'n Roll der 70er Jahre zu vermischen. Opener und erste Single 'Dreams (On The Strip)' geben mit stimmungsvollen Synths, düsteren Drum-Machines und dem euphorischen Refrain den Ton vor. Es ist eine neue Ära für die Band und sie möchte, dass wir dies von Anfang an wissen.

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln."

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln."

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln."

Haunt the Woods, die 2016 zwischen Plymouth, Devon und Cornwall gegründet wurden, verweben gekonnt Alt-Rock, Folk, Prog und Pop mit einem epischen Maß an Pomp und poetischer Eleganz, die auf ein weitaus längeres Bestehen schließen lassen, als ihre jungen Jahre vermuten lassen. Mit Anleihen von Queen und Muse auf der einen Seite, Jeff Buckley oder Radiohead und mit einem Hauch von Beatles-verliebter Pop-Sensibilität auf der anderen Seite, haben sie die seltene Fähigkeit ein Erbe zu beschwören und gleichzeitig einen Sound zu kreieren, der ganz und gar ihr eigener ist: meisterhaft vielschichtig, fröhlich unkonventionell und kreativ von der Literatur und der Landschaft geprägt. Landschaft.

Haunt the Woods, die 2016 zwischen Plymouth, Devon und Cornwall gegründet wurden, verweben gekonnt Alt-Rock, Folk, Prog und Pop mit einem epischen Maß an Pomp und poetischer Eleganz, die auf ein weitaus längeres Bestehen schließen lassen, als ihre jungen Jahre vermuten lassen. Mit Anleihen von Queen und Muse auf der einen Seite, Jeff Buckley oder Radiohead und mit einem Hauch von Beatles-verliebter Pop-Sensibilität auf der anderen Seite, haben sie die seltene Fähigkeit ein Erbe zu beschwören und gleichzeitig einen Sound zu kreieren, der ganz und gar ihr eigener ist: meisterhaft vielschichtig, fröhlich unkonventionell und kreativ von der Literatur und der Landschaft geprägt. Landschaft.

Die Monsters of Liedermaching sind wieder durch die Clubs getanzt und haben auf ihrer 20 Jahre- Jubiläums-Tour live leuchtende Versionen ihrer neuesten Evergreens aufgenommen. "Federwisch im Elfental" ist ein märchenhafter Präsentkorb voller musikalischer Schmuckstücke. Lebendig und fidel, gefühlvoll und rabaukig wie ein funkelndes Poem im schweissglänzenden Moshpit.

Fünf Jahre nach dem Polaris Music Prize für sein bahnbrechendes Debüt meldet sich Jeremy Dutcher zurück. In der Wolasotqey-Sprache seines Volkes, aber auch erstmals auf Englisch vorgetragen, ist der Nachfolger intimer, persönlicher, inspiriert von einem wachsenden Verständnis seiner Identität – indigen und queer. Mit traditionellen Wolastoqey-Songs, Gedichte des Cherokee-Dichters Qwo-li Driskill, sternenklaren Balladen und atemberaubenden Orchestrierungen (in Kooperation mit Owen Pallett) geht 'Motewolonuwok' über alles hinaus, was der kanadische Singer/Songwriter bisher gemacht hat.

Wolastoqiyik Lintuwakonawa is the debut album by Canadian composer and tenor, Jeremy Dutcher – which involves post-classical rearrangement of his Wolastoq First Nation traditional music. Granted access to the Canadian Museum of History, Jeremy discovered wax cylinders from 1907 of his ancestors singing forgotten songs and stories that had been taken from the Wolastoqiyik Nation generations ago. The album is Jeremy’s contribution to his heritage and community in attempts to revitalize the Wolastoq language to the world, which has less than 100 speakers alive today. This collection of ground breaking post-classical arrangements is truly one of a kind and recalls the mood of Rufus Wainwright's operatic performance or the haunting pop of Anthony & The Johnsons.

Alle 13 Goed! is a compilation of Coloured Vinyl, Limited Edition 13 pop tracks released as LP on 17 Dec 2021. Alle 13 Goed! includes a.o. the following tracks: “Snelle & Maan - Blijven Slapen”, “Antoon - Hyperventilatie”, “Savine - 25”, “Charleon - Her Name” and more.

New single by Jaap Reesema on blue coloured vinyl. Also features his Dutch number 1 and Belgian number 1 hits 'Nu Wij Niet Meer Praten' and 'Mijn Kleine Presidentje'.

Another dream coming true! One of Giuliano Sorgini's finest and most sought-after titles is finally available as an official LP reissue – the first ever – remastered from the original tapes.

Originally released in 1971on the small library music imprint FAMA, which operated as a sub-label of RCA Italy, the record contains the original music written for Scappo per cantare, a small, pseudo-psychedelic 'musicarello' (musical comedy film) broadcast on RAI television and starring, among others, Italian singers Gianni Morandi and Mauro Lusini.

The only credited album artist is Sorgini, but it's impossible not to perceive, in this record, the hand of his close friend and colleague Alessandro Alessandroni.

This should not come as a surprise. In the early 70s, the two composers and multi-instrumentalists had a fruitful collaboration that saw them, under the monikers Braen (Alessandroni) and Raskovich (Sorgini), produce an abundance of works together, most of which have now gained the recognition they deserve. These include, among others, two 7" singles from their band The Pawnshop, three records in the series Alle sorgenti delle civiltà (Folkmusic), the crime/noir library albums Quarta pagina (Usignolo) and Inchiesta giudiziaria (Octopus Records), as well as the LP Tempo Libero (Panda Records), which was released shortly after the record presented here and in some ways drew rhythmic inspiration from it.

While their collaboration remained unacknowledged on the original release of Scappo per cantare (this was not uncommon at the time, especially in the field of library music), the record sounds perfectly in line with other works composed by Alessandroni in the early 70s, such as Complesso Gisteri's Mostra Collettiva (co-written with Oronzo De Filippi), or even a landmark album like Spontaneous, where Sorgini contributed to a handful of tracks.

So, yes, the sheer beauty of Scappo per cantare is the result of an incredible synergy between two heavyweights of Italian library music! Airy and sweeping melodies à la Zoo Folle, psychedelia à la Under Pompelmo, and various percussion instruments played by Sorgini seamlessly blend and fuse with elements and touches provided by Alessandroni.

More specifically, we find Alessandroni's signature, melancholy whistle in "Desolazione"; the peaceful and dreamy sound of his 12-string guitar in "Scogliere" and "Con Amore"; the trademark harmonies of his vocal ensemble Cantori Moderni in the last two tracks mentioned and in "Per cantare"; and his ingenious use of distortion on his Fender Stratocaster in the suspenseful transitions "Concentrazione" and "Fantocci", as well as in the frantic/hypnotic hippie numbers "Mordente" and "Fendente" (as a side note, it is worth remembering that Alessandroni experimented extensively with distortion in the rock-infused album Underground, co-written with De Filippi and released in 1971 under the moniker Braen's Machine, probably a reference to British psychedelic band Soft Machine).

The creative relationship between Sorgini and Alessandroni was so symbiotic that it would be useless to try to identify in more detail their respective contributions to the sound of Scappo per cantare. The alchemy between these two musical geniuses is the key to the album's exquisitely Italian mixture of cheerful lounge, sweet psychedelia and smooth easy listening.

To do justice to the quality of the music, this remastered reissue is enriched by a new artwork by Eric Adrian Lee, who drew inspiration from the psychedelic visual culture of the period in which the album was written and recorded.

“La Settima Donna” (1978), also known as “The Last House On The Beach”, is a disturbing thriller directed by Franco Prosperi and set in a secluded cottage overlooking the Tyrrhenian sea, starring Florinda Bolkan, in the role of Sister Cristina, governess of five female students on a short vacation, rehearsing their Shakesperean end-of-year play. The unfortunate inhabitants of the house became soon hostages of three vicious criminals looking for a hiding place after a bank robbery, but the psychological and sexual violence ends when the nun abandons her vows. And the victims decide to get justice. Roberto Pregadio's brilliant music is not surprisingly, functional and almost disconnected from the bloody images: there is no overwhelming sense of disturbance for the listener.

The soundtrack of “La Settima Donna” was published only once, in cd format, attached to the rare dvd of the film, gaining new life on vinyl thanks to Musica Per Immagini. Some of the eleven tracks of the score are characterised by an easy listening mood and united by a psychedelic feel, in harmony with the progressive atmospheres found in albums such as “A Saucerful Of Secrets” (1968) and “Meddle” (1971) by Pink Floyd. However, the English band is not the only reference for the jazz pianist, who quotes a piece by Bryan Ferry, entrusting it to the voice of Ray Lovelock, one of the three kidnappers. After that, the Sicilian composer remodels an international hit by Donna Summer, background of the sequence in which the nun is forced to strip naked in front of her tormentors.

This session, recorded at Studio Pathé-Magellan October 11 and 14, 1955 in Paris, is the first of three recordings released for the Barclay label between 1955 and 1956.

For his first recording-date in Paris Chet decided to tackle Bob Zieff’s compositions, the same ones that Dick Twardzik had picked up in a hurry at the Alvin Hotel on his way to board the liner Ile-de-France. Violonist Dick Wetmore had just recorded the eight tunes, and Bob Zieff had had just enough time to revise the arrangements. Chet neither a champion sight-reader nor a big fan of rehearsals, hadn’t yet played them in front of an audience. From that first French session only the reel referred to as a ‘production tape’ remains.

This ‘complete Bob Zieff’ gives an impression of unity that wellmatches the suite concept intended by the composer; as for “The Girl From Greenland”, its role comes as a codicil. The record of Chet’s quartet with Twardzik has now appeared in Ben Ratliff’s book “Jazz, a Critic’s Guide to The 100 Most Important Recordings” (The New York Times Essential Library); it’s a fitting mention for an album that was long-unrecognised in the the United States…

The third volume of the most libidinous edit series around is finally landing on the shelves, ready to make even the hardest-to-please clubgoers drenched in sweat on the dancefloor.

The record starts at full speed with "Erotic 707 Sample," an irresistible feast of splashes and drums, just to abruptly transition into a smooth and dreamy mood with the downtempo gem "Tudo Ligado."

The B-side opens with the seductive Disco-House vibes of "Disco Manina," peaking with the anthem "Oh...Money!" - perfect to be sung along while holding hooves.

Brussels-based power trio Don Kapot are set to release their rousing new album 'I Love Tempo' on the 15th of September via W.E.R.F. Records - NEWS distribution.

A lifeboat of free jazz, afrobeat and krautpunk sailed by Giotis Damianidis (bass), Viktor Perdieus (baritone saxophone) and Jakob Warmenbol (drums), the album follows the release of their critically acclaimed 2022 album 'Un Peu Live' recorded with Dutch multi-instrumentalist, vocalist and composer Fulco Ottervanger, and described by Bandcamp Daily as a 'very fun mix of modern jazz and krautrock.'

Don Kapot strike hard with their fourth album, mixed and co-produced by Greg Saunier (Deerhoof). Using a wide range of instruments, they evolve their sound into a solid complex rhythmic wave, shaken by demented samples and punk attitude.

From the vibrant, pounding rhythms of opening track 'Me Pig' to the off-kilter, whimsical beats of 'Macarona' and 'Terryble,' Don Kapot integrate new instruments and sounds into their repertoire, including keyboards and sampling. The groove remains a central element to the sound as the trio deliver a palpable blend of high tension and joyous energy where genres are demolished.

Elsewhere, the funk-heavy 'Bernadette' allows the magical, freestyle sax work of Perdieus take centre stage while 'Don Be No' is an urgent, flippant blast of vigour and zest before the album title track 'I Love Tempo' is an exhilarating and hypnotic journey that combines the freedom and verve of free jazz with the trance-like zeal of artists such as Tony Allen, Fela Kuti and Kologbo

Releasing their self-titled debut album in 2018 via Mr. Nakayasi Records, in 2021 they signed to Flemish record label W.E.R.F. Records and have released three albums under the label and have performed sold-out shows across Belgium and the Netherlands.

The players in Don Kapot also extend their musical adventures to other projects. Damianidis leads Punk Kong and has performed with Akira Sakata, Sakis Papadimitriou, Oghene Kologbo, Tony Allen, Baba Ani, Balasz Pandi and Gonzalo Almeida among others. Warmenbol was a member of The Unrevealed Society, Robbing Millions and M(h)ysteria. He also performs with Ruth Tafebe & the Afrosoul Messengers (with Giotis), Under The Reefs Orchestra and Monolithe Noir. Perdieus performs in Punk Kong and with Pompelmoes and The Milk Factory and took part in Ifa y Xango, Laia Arkestra, Bolhaerd, Nest and VVolk. He has also recorded and played with Andrew Cyrille (Bambi Pang Pang).

The inaugural release on cult eyewear label Kuboraum's new music platform, SALÒ is a mystifying fusion of noise, prog rock and psychedelic music that attempts to imagine a "dreamy and decadent" Roman renaissance. It's the brainchild of multidisciplinary artist Emiliano Maggi, who links with Mai Mai's Toni Cutrone, Wildmen's Giacomo Mancini, producer Cosimo Damiano and musician, writer and critic Stefano Di Trapani to distill a wellspring of poems, fairytales, anecdotes and mythologies - drawing on mythological symbolism, medieval theater and rural iconography - into an oozing celebration of art, ecstasy and extravagance.