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Nach zwölf Jahren reich an Instrumental-Alben (von zwei Solo-Piano-Platten über Kammermusik bis hin zu gemeinsamen Alben mit Boys Noize, Jarvis Cocker und Plastikman und sogar einem Weihnachts-Bestseller) hat Chilly Gonzales sich eine Menge von der Seele zu schreiben. Die Notizbücher, die seit dem 2011 erschienenen orchestralen Rap-Opus 'The Unspeakable Chilly Gonzales' leer blieben, füllten sich seit Anfang 2022 wieder mit Worten, nachdem Gonzo ein langes Jahrzehnt der Psychoanalyse beendet hatte. Ein Zufall? Wohl kaum. Hinter all den Wortspielen und dem Namedropping (u.a. Ron Jeremy, Marie Kondo, Dschingis Khan und Philip Glass) offenbaren die Songs, die es auf das neue Album 'Gonzo' geschafft haben, eine anhaltende Spannung zwischen Überzeugung und Bekenntnis, Wahn und Selbsterkenntnis und schließlich Dankbarkeit. Auch das Spannungsfeld zwischen Kreativität und Kommerz ist für Gonzo ein Thema, das ihn schon lange beschäftigt. Ist dies wirklich ein Rap-Album? Instrumentalstücke wie das strawinsky-eske 'Fidelio' oder das tränenreiche 'Eau de Cologne' erinnern den Hörer an Gonzos selbsterklärte Rolle als 'musical genius', während sich die Worte und Reime der vorangegangenen Strophen im Ohr festsetzen.
Rotes 180g-Vinyl mit einem Einleger mit Artwork auf der einen Seite und einer Kurzgeschichte (auf Englisch) von Christian Kracht auf der anderen Seite

The long awaited reunion show! Founded in London in 1976, The Damned became one of the most successful and influential bands in the British punk rock scene of the 70s.

Their debut single "New Rose" (1976) is considered to be the first punk single ever released in the UK. Over the course of their 45-year career, The Damned have experimented with different musical styles and integrated elements of gothic rock, psychedelia and new wave into their sound. In October 2020, more than 40 years after the founding members split up, The Damned announced a series of reunion shows with the original line-up consisting of Dave Vanian (vocals), Brian James (guitar), Captain Sensible (bass) and Rat Scabies (drums).

However, due to the pandemic, they were forced to postpone the shows until 2022. On November 3, 2022, the original line-up performed at the sold-out O2 Apollo in Manchester, UK, and presented an energetic 21-song set from the first two 1977 albums "Damned Damned Damned" and "Music for Pleasure"; the only albums to feature all four founding members. "AD 2022 - Live In Manchester" presents not only a legendary reunion show, but also the unique magic surrounding The Damned.

Futurismo proudly present a celebration of the Paisley Underground scene with TWISTED DREAM MACHINE The Paisley Underground / California’s Psychedelic Renaissance: 1982-1986, the next volume in their Altered Vision compilation series.

This collection draws from the neo psychedelic movement that took hold in California during the early to mid 80’s, one that melded the psychedelia, country, garage rock, avant-garde and pop of the 60’s with the DIY ethos of the then burgeoning punk scene, a hypnotic amalgamation of sound that came in staunch contrast to the blown out sonic excesses of the time.

Twisted Dream Machine takes you on a trip from the city to the desert, as the kaleidoscope of noise drifts from the The Dream Syndicate’s Velvet Underground inspired take on Crazy Horse and The Three O’Clock’s chiming baroque powerpop, to Rain Parade’s dreamy Beatlesesque melodies and the Bangles hook-laden Love inspired pop. Also featured are the wondrous sounds of Green On Red, The Long Ryder’s, Game Theory, True West, Thin White Rope and others highly worth your attention. If you are not familiar with some of the bands here, you will surely question how that is possible. The Paisley Underground, if anything, encapsulated a certain musical mindset, an outlook where the past and the future would collide in the moment. This thread would bond the bands, yet each honed it’s own sound in a twisted incarnation of the seeds planted two decades earlier. Whilst the ‘scene’ did remain contained, its influence did in fact spread throughout mainstream culture as the Bangles stuck a chord into the heart of MTV, whilst Prince took inspiration from the movement in his own songwriting and the naming of Paisley Park, as well as signing The Three O’Clock to his label and writing one of the Bangles biggest hits.

As you listen to the tracks on Twisted Dream Machine you will be reminded that there is still music left to discover and inspire, this compilation is aimed to hopefully delight longtime fans, as well as ignite a passion for those new to the bands. The Paisley Underground was the sound of neo psychedelic rock, it was subterranean pop...in

the classic sense, it was alternative rock before the term existed, a distillation of the fundamentals present at the dawn of rock ‘n’ roll, with a twist. The bands of the Paisley Underground may have been writing out of their own time, but as you listen to them in today’s context these songs should be heard as landmarks, rather than throwbacks. After all, nothing this good should stay underground. This 2xLP comes on limited edition coloured vinyl, it is housed in a gloss laminated outer sleeve with colour inner sleeves and contains a large fold-out poster with unseen photos and liner notes by Lisa Fancher of Frontier. Also available on CD with Gloss laminated Sleeve and Fold Out Poster.

WE ARE WINTER'S BLUE AND RADIANT CHILDREN (WAWBARC) is the new quartet of Mat Ball (BIG|BRAVE), Efrim Manuel Menuck (Godspeed You! Black Emperor, Thee Silver Mt. Zion), and Jonathan Downs and Patch (both Ada). On "NO MORE APOCALYPSE FATHER" they present six modal lullabies drenched in seared distortion, slathered across striding electronic pulses. Ball and Menuck began creating music in and for the bleakest moments of Montréal winters: "We're honoring that idea of winter, when you come inside and your house is warm, a place that only exists because of how cold it is outside," says Menuck. They later recruited Downs and Patch to flesh out their initial ideas. Menuck met them in 2015 when recording Ada's final album at Montréal's Hotel2Tango _ where they reconvened to make this record. "NO MORE APOCALYPSE FATHER" is an album about witnessing bleakness from a place of safety. Carrying newfound descriptive depth, thanks to the quartet's open-ended songs freeing him from writing in meter, Menuck likens his lyrics to photorealism. On opener `Rats and Roses' he sings of an unnamed city struck by an unknown cataclysm, but the details are local: specifically, his neighbors inadvertently poisoning birds when tackling a rat infestation. It's backed by blown out synths and guitars reaching a soaring crescendo. "Seeing things from a distance and not being able to intervene happens a lot on the record," Menuck explains. "If you're a feeling and thinking person, that's just part of the human condition. We watch horror unfolding from afar, unable to do anything concrete to change it." A powerless witness, able to describe but not intervene. `Dangling Blanket From A Balcony (White Phosphorous)' references Michael Jackson holding his child over a hotel balcony in 2002_the bizarre media spectacle still lodged in Menuck's psyche. This and the album's closing track also elegize white phosphorous, a technology of war designed to light up battlefields but capable of inflicting horrific burns on those it touches. Illumination and horror in one, here underpinning scenes picturesque and terrifying. "The last song `(Goodnight) White Phosphorous' is deliberately like a lullaby," says Menuck. "Written from the viewpoint of watching white phosphorous falling outside your window." Scorched and tarnished and laden with harrowing imagery, "NO MORE APOCALYPSE FATHER" is also a record bathed in light: the bewilderment of hopeful spirits witnessing despair, watching a blizzard of distress unfold outside from a place of relative shelter and comfort. You could call that emotional ambivalence, maybe numbness. But those words are too passive for the weight of conflicted feeling resonating through the album. "I never know how I feel on an overcast day when the sun is still bright despite the grayness and the light is very flat. The colours become more saturated, and you see a single flower, say a morning glory, whose colour is so vibrant beneath the gray, I don't know if that's a lovely sensation or a terrible sensation. It's both," says Menuck.

FOR FANS OF: Soundgarden, Foo Fighters, Queens Of The Stone Age, Silverchair, Black Sabbath
Wie sie selbst zugeben, gab es eine Zeit, in der es unwahrscheinlich schien, dass Torus überhaupt hier stehen würden, um der Welt ihr Debütalbum
vorzustellen. Das ist an sich schon eine überraschende erste Aussage, die aus dem Mund von Frontmann und Band-Mastermind Alfie Glass kommt,
während er und seine Bandkollegen im Wohnzimmer seines Hauses außerhalb von Milton Keynes sitzen. Jeder Schritt, den Torus bisher
unternommen haben, wurde mit Interesse und Beifall bedacht - bereits vor der von der Kritik gelobten Debüt-EP Sail" schwärmten die wichtigsten
Kritiker wie Kerrang! und Classic Rock von ihrer Marke des Null-Bullshit-Hardrocks", der gigantische Riffs und dicke, monströse Grooves" in der
Tradition von Rockgrößen wie Kyuss, Queens Of The Stone Age und Smashing Pumpkins bietet. Wenn Ihnen der Name Alfie Glass noch vertrauter
vorkommt, liegt das wahrscheinlich daran, dass Black Sabbath-Gitarrenlegende Tony Iommi die Fähigkeiten des Sechssaiters in der TV-Talentshow
Guitar Star lobte, als Glass gerade mal 12 Jahre alt war. Torus begann als Ein-Mann-Schlafzimmerprojekt, wurde aber schon bald durch den Bassisten
Harry Quinn (2020) und den Schlagzeuger Jack Orr (Anfang 2022) ergänzt. Trotz ihrer unterschiedlichen musikalischen Hintergründe und Einflüsse, die
von Wüstenrock über psychedelischen Prog bis hin zu Punk reichen, verbindet das Trio der gemeinsame Wunsch, Musik zu machen, die die Köpfe zum
Klingen bringt und die Füße bewegt. "Wir kommen alle aus verschiedenen Ecken, haben aber eine gemeinsame Vision für die Musik, die wir schreiben
wollen", nickt Orr.

Das vierte Studioalbum von Robert Alfons alias TR/ST (fka Trust), Performance, taucht noch tiefer in das Synthie-Pop-Psychodrama ein, das das Projekt in über einem Jahrzehnt der Entwicklung erschaffen und schließlich perfektioniert hat. Aufgenommen in Los Angeles, brodeln die Songs vor Angst, Lust, Abrechnung und Hingabe, beleuchtet von der Lichtverschmutzung tausender Sackgassen. Alfons hat "Performance" zusammen mit dem vielseitigen Komponisten und Produzenten Nightfeelings aufgenommen und dabei eine dichte, rauchige Balance aus unheimlichen Synthesizern, Nebelmaschinen-Tiefbässen und einer gequälten, krächzenden Stimme geschaffen. Der Titel ist eine Anspielung auf die beiläufige Bemerkung eines Freundes über Alfons' intrinsisch performative Natur. Der Opener "Soon" schwillt mit hymnischer Elektronik zum Leben an, bevor er mit einer riesigen New-Wave-Hook die Tanzfläche stürmt, gespickt mit ätzenden Kiss-off-Texten ("Asleep I still say it aloud / Scared stiff it's all around / We never did call it off, now our organs dried / Scared stiff to stone, you liar"). Die Musik bewegt sich zwischen Schönheit und Bitterkeit, Hymne und Qual, dem Klang einer wuchtig gewordenen Melancholie. Auf einem Track nach dem anderen setzt Alfons Pop-Dynamik und grüblerische Produktionskunst wie eine Waffe ein und schraubt sich durch eine Reihe von Singles - "All At Once", "The Shore", "Dark Day", "Boys of LA". Überall ist ein Gefühl von emotionalem Aufruhr zu spüren, der sich in seltsame Höhen steigert, befleckt von Schuld und Geistern und der Erinnerung an diejenigen, denen Unrecht getan wurde und die immer noch nicht vergeben haben. Als eine Welt für sich ist Performance überzeugend, mitreißend und berauschend, an der Schwelle zwischen aufwühlend und verstörend. Alfons' Stimme ist der Anker im Sturm, er singt eine Collage aus Eindrücken und Bekenntnissen mit einer verschmierten, bewusstseinsverändernden Logik. Er ist sowohl Beobachter als auch Anstifter, Performer und Dramatiker, befreit von der Bühne und der Nacht: "Now we see the rotten mind / It's eye to eye and mysteries/ Sail your boat for shore / I sit by the window waiting for it."

We’re excited to present you Yurk’s First Vinyl album on Chomp! Chomp! This six-track all original music by Yurk, is diverse and rhythm heavy across the electronic genres. Kicking off the album with “Delay Tech,” this 90s-inspired acidic house track is festival-ready with big energy. Then we dive into “Bustin’” - a bouncy Tech House with punchy and multiform tones. Follow by “Sin Control,” warm Jazzy House grooves accompanied by delayed filled Trumpet theme. On the B side, “Cosita” - a hard-hitting Detroit-inspired dub techno composition that treks into 90s territory. Follow by “El Nuevo Jazz”, a playful and dynamic track which combines punchy percussive electro breaks with a high-spirited bassline. To conclude the album - “Satori,” takes us on a spaced-out acid house journey, inspired by the Japanese Buddhist term for awakening, offering a psychedelic and uplifting finale.


Yurk is a dynamic producer and DJ from Puerto Rico, now making waves in Brooklyn's music scene. Blending Latin rhythms with global electronic beats, he has released music with local labels like Mechanical in Queens, NY. As the head of Organized Disorder, Yurk hosts a biweekly radio show, along with an all vinyl monthly Saoco! Party focused on Caribbean and outernational music.


All Tracks written and produced by Yurk. Mixed and mastered by Justin Van Der Volgen. A3 trumpet by Robert PM. B1 vocals by Timo Lee. Album Art by Bráulio Amado. "Dedicated to Erik and my beloved mother Laura, whose spirits guide every note with love and grace.” -Yurk

Ltd Edition!

The Mystery Lights return with their most ambitious offering to date. With Wayne Gordon back in the producer's chair, the group delivers an eclectic mix of real-deal psychedelia, punk, art rock, and even a splash of country via the Kinks(y) pop earworm "I'm Sorry I Forgot Your Name". The psychedelic highlights of the album, "Purgatory", "Cerebral Crack" and "Can't Sleep Through the Silence", are dark and trippy, landing somewhere between the guitar-driven, lysergic mayhem of the 13th Floor Elevators and the punked-up, tongue-in-cheek insanity of The Monks. But throughout there's a cohesiveness threaded by the elevated musicianship, earnest lyrics and attention to detail that make for a fiercely raw, yet unabashedly catchy album-dripping with all of the sing along hooks that have made Mystery Lights one of the most exciting live bands on the scene.

Ltd Edition!

The Mystery Lights return with their most ambitious offering to date. With Wayne Gordon back in the producer's chair, the group delivers an eclectic mix of real-deal psychedelia, punk, art rock, and even a splash of country via the Kinks(y) pop earworm "I'm Sorry I Forgot Your Name". The psychedelic highlights of the album, "Purgatory", "Cerebral Crack" and "Can't Sleep Through the Silence", are dark and trippy, landing somewhere between the guitar-driven, lysergic mayhem of the 13th Floor Elevators and the punked-up, tongue-in-cheek insanity of The Monks. But throughout there's a cohesiveness threaded by the elevated musicianship, earnest lyrics and attention to detail that make for a fiercely raw, yet unabashedly catchy album-dripping with all of the sing along hooks that have made Mystery Lights one of the most exciting live bands on the scene.

High Roller Records, black vinyl, gatefold, ltd 250, reissue 2023

High Roller Records, black vinyl, gatefold, ltd 250, reissue 2023

After dipping into the archive to deliver a series of essential reissues, Bureau B continue to encourage the chaotic brilliance of Faust with an LP of brand new music curated by originator Zappi Diermaier and a band of musical friends, including fellow founder Gunther Wüsthoff. Over the years Faust has become many things, each as separate as the fingers, but as together as the hand which makes up their eponymous fist. From 1971 to 1974 the Hamburg band blazed a bold sonic trail, helping to create the distinct and delirious strand of German music we"ve come to know as Krautrock. Uncompromising, innovative and experimental, their releases in that period, and the stories accompanying their creation, are nothing short of legendary, and the fact that after a hiatus, the band returned and remained active in a variety of separate and simultaneous incarnations is entirely fitting for these musical revolutionaries. On Blickwinkel, Diermaier"s incarnation embrace synchronicity and chance in order to capture the moment in a six track snapshot of industrial churn, unsettling ambience and psychedelic motorik.

‘Mount Elephant’ is organic psychedelia at its finest. Italian multi-instrumentalist Alessio
Ferarri’s third Upupuyāma record and first on Fuzz Club finds inspiration in traditional
Bhutanese music, Thai disco and Anatolian psych, by way of the lysergic acid-folk, ‘70s
kosmische and stoner-rock that has always coursed through the project – dream-like
instrumentals always threatening to breakdown into blasts of fuzzed-out riffing.

The Heads’ Simon Price returns to his kandodo project with 'theendisinpsych'; "primitive pieces of psychedelic tuneage+years of wasted time=43 minutes of headphone bliss." It's the follow up to the 2019 collaboration with Wayne Maskell and Hugo Morgan, Kandodo 3 – K3, but this time back in solo-mode. He is now relocated in Northumbria, and has recorded the album himself in his home studio, drawing on his wide collection of music/instruments and the rural environment for inspiration. The new album fizzes and crackles with a verve that will activate the “turn on, tune in, drop out” sense in all listeners… Simon explained the album in a focused/out of focus track by track way… is this Price’s paean to his obsession with Bowie? chamba7 - octave mandolin through fuzz, tambo beat, in praise of Bowie compilations. chamba is malawian weed theendisinpsych - bought a reel to reel tape off ebay in 2005, ('Bowie radio interview tape, USA, 1970, 3 minutes?') then bought a machine to play it on in 2015. Heard the words and laid them onto a fuzzy break bed. Thought it all too relevant to today, prophetic David from his 'hippy' days (not a prophet or a stone age man) fuzzy oceans - played on 1 string spamjo, bouncing echo over 70's drum machine, 'we've fucked the oceans' freefalling - rolling cello and hissing cymbals with vocoder dreams comes with african/stationtostation artwork stylings for the sleeve..pre-apocalypse blues (and pinks), the world isn't going a good way a sumptuous 4 course sonic supper, tuck in.

Brussels is a highway where rainbow-fuelled melancholia kids race its track, mountain and road bikes. Endless summers cherish the collective chosen chaos of the city; every corner displays wild micro-natures, buzzing insects, and rare weeds fourishing organically; tape hiss and AM radio compression are the soundtrack of everyday life. And hear! Originated in the Brussels DIY, indie rock and noise scene, a new kid on the block appears: Another Dancer.

They deal in utopian music - of the open, welcoming and whatsoeverish kind. It’s fresh, snotty, neurotic art-rock deeply rooted in 80s/90s DIY aesthetics. The songs on their debut album balance gently between forgotten pop hits and broken sound experiments. In their world, any shitload of weird, random, and badly synchronized sounds unveil broken-hearted pop mastery. In the Another Dancer universe, radios are stuck to WFMU and Soulseek is a self-conscious AI producing 80ies psychedelic FM-rock.

Brussels-based Another Dancer is outdated, wild at heart and elegantly shy. Their full album I Try to Be Another Dancer is out September 10th on Bruit Direct Disques and Aguirre.

"Flashes of the shambolic post-punk of Good Sad Happy Bad and the goofy, fraternal synth-pop of the blog-era gem Teenagers can be seen, often simultaneously, across the new single from the Brussels-based band Another Dancer. Vocals are layered on top of each other to a conversational near-cacophony, like you’ve been placed at the center of a Dry Cleaning show where everyone is, improbably, in a good mood. Sunny synth sweeps jostle next to bent, jangly guitar lines for a song that finds a special kind of vibrance in its mess. — Jordan Darville”

Es gibt Bands, die machen nach drei Akkorden und einer popeligen Orgelmelodie Feierabend. Es gibt aber auch Bands, die schleifen am Sound, schrauben am Text, polieren die Solos auf Hochglanz und überschreiten das Tempolimit nur an den dafür geeigneten Stellen. Bands, die den Popsong an allen Ecken und Enden abklopfen, bis sie perfekte Schmuckstücke mit dem Gütesiegel "Zeitlos!" herausbekommen haben. Eine amerikanische Band aus dem fernen Wien: Pretty Pleas (Daniel Smith - vocals/guitars, George Clavicle - bass, B.B. Kong - drums) zeigen, dass es neben exzellentem Handwerk und Spaß am Experiment auch die richtigen Einflüsse braucht, um einen authentischen, individuellen Sound zu schaffen, der gleichzeitig großer Pop und tougher Alternative Rock ist. Die Quadratur des Kreises? Vielleicht. Aber war gute Musik war nicht schon immer Alles und noch etwas mehr? Unterstützung beim Modellieren des idealen Sounds fanden Pretty Pleas im Multiinstrumentalisten Paolo Tornitore, der vor allem für die großartigen Arrangements verantwortlich zeichnet, sowie in der fabelhaften Keyboarderin Jasmin Nagl, die einigen Songs das perfekte Sahnehäubchen aus herrlich dahingroovendem Orgelsound aufsetzte. Daniel Smith: "The record is an intriguing blend of power pop, glam rock, new wave, and psychedelia influences." Diesen gelungenen und sehr tanzbaren Mix aus Atmosphäre, Beat und Klang bezeichnet die Band passenderweise als Moody Art Pop. Das Debutalbum "In Circles And Lines" ist das beste Beispiel für diese elegante Soundbeschreibung. Der Opener "Moving Forward" liefert den ZuhörerInnen die atemberaubende Frische, die wir von den frühen Roxy Music kennen. Mit "Broke" wird sofort auf dem gleichen Niveau nachgelegt. Und obwohl die markante Stimme von Daniel Smith eine andere Liga bespielt - das flamboyante Wesen eines Brian Ferry liegt da gar nicht weit entfernt. Aber auch die mitreißende Melancholie eines Stuart A. Staples (Tindersticks) ist Smith keineswegs unbekannt. "The band delves into universal themes such as loss, heartbreak, alienation, as well as the throes of new found love.", erklärt Daniel Smith die Themenwelt der Songs. Damit der Sound von "In Circles And Lines" kompakt und groovy bleibt wie ein Hit von The Sweet, setzt der glasklare Klang der Gitarre die Markierungen in Richtung Power Pop. Aber auch der Orgelsound, der den Garagenpunk der 60s und die britischen Ravebands der 1990er in Erinnerung ruft ("Ghosts"), feiert den Enthusiasmus für funkelnde Melodien - Moody Art Pop it definitely is. "In Circles and Lines" offers a deep dive into the ways we interact with each other in romance, life, and every facet of human relationships - a contemplative exploration of love's many forms and the inevitable heartbreak that often follows." (Daniel Smith)

"Sometimes you have to take sides", singt Adele Ischia im Opener des Debüts der nach ihrem Nachnamen - aber mit kleinem "i"! - benannten Band (nichts zu tun mit der gleichnamigen italienischen Vulkaninsel). Sowas nennt man wohl Statement. Da schadet auch nicht, dass "Sides" mit einem hypnotisch wabernden Gitarrenriff herein prescht, wie es einem Kevin Shields unter die Finger hätte kommen können (Ischia ist hörbar ein My Bloody Valentine-Fan, nicht die einfachste Vorgabe, die man sich als Gitarristin stellen kann). Im Februar erschien die krautrockig groovende Debüt-Single "Sleep", im September kommt das Album! In ihrem Line-Up versammeln sich Leute, die sonst mit anderen Größen der Wiener Indie-Szene auf der Bühne stehen (Endless Wellness, Yukno, Sharktank, Cousines Like Shit...). Tatsächlich sind ischia aber kein Seitenprojekt, sondern die aus jahrelanger Freundschaft und spontaner Assoziation entstandene Band rund um Frontfrau und Namensgeberin Adele Ischia. Auf ihrem Debüt-Album "Leave me to the Future" offenbart sich die breite Palette ihres Sounds, von Krautrock-Grooves bis zu Post-Shoegaze-Psychedelik, doch in dessen Kern steckt dabei stets ein melodiöser Popsong. Und ischia präsentierten einen gänzlich anderen, veritabel psychedelischen Post-Shoegaze-Pop-Sound als gewohnt gehört, entpuppen sich als Band mit breiter dynamischer Vielfalt, beseelt von einer zugänglichen Mischung aus Witz und Melancholie, ziemlich gut für eine Band, die sich erst vor etwas mehr als einem Jahr zusammengetan hat. Neben dem Release ihres Albums werden ischia dieses Jahr aus praktischen Gründen übrigens vor allem gemeinsam mit Endless Wellness auftreten. Luckily, sometimes you don't have to take sides.

"Sometimes you have to take sides", singt Adele Ischia im Opener des Debüts der nach ihrem Nachnamen - aber mit kleinem "i"! - benannten Band (nichts zu tun mit der gleichnamigen italienischen Vulkaninsel). Sowas nennt man wohl Statement. Da schadet auch nicht, dass "Sides" mit einem hypnotisch wabernden Gitarrenriff herein prescht, wie es einem Kevin Shields unter die Finger hätte kommen können (Ischia ist hörbar ein My Bloody Valentine-Fan, nicht die einfachste Vorgabe, die man sich als Gitarristin stellen kann). Im Februar erschien die krautrockig groovende Debüt-Single "Sleep", im September kommt das Album! In ihrem Line-Up versammeln sich Leute, die sonst mit anderen Größen der Wiener Indie-Szene auf der Bühne stehen (Endless Wellness, Yukno, Sharktank, Cousines Like Shit...). Tatsächlich sind ischia aber kein Seitenprojekt, sondern die aus jahrelanger Freundschaft und spontaner Assoziation entstandene Band rund um Frontfrau und Namensgeberin Adele Ischia. Auf ihrem Debüt-Album "Leave me to the Future" offenbart sich die breite Palette ihres Sounds, von Krautrock-Grooves bis zu Post-Shoegaze-Psychedelik, doch in dessen Kern steckt dabei stets ein melodiöser Popsong. Und ischia präsentierten einen gänzlich anderen, veritabel psychedelischen Post-Shoegaze-Pop-Sound als gewohnt gehört, entpuppen sich als Band mit breiter dynamischer Vielfalt, beseelt von einer zugänglichen Mischung aus Witz und Melancholie, ziemlich gut für eine Band, die sich erst vor etwas mehr als einem Jahr zusammengetan hat. Neben dem Release ihres Albums werden ischia dieses Jahr aus praktischen Gründen übrigens vor allem gemeinsam mit Endless Wellness auftreten. Luckily, sometimes you don't have to take sides.

"Sometimes you have to take sides", singt Adele Ischia im Opener des Debüts der nach ihrem Nachnamen - aber mit kleinem "i"! - benannten Band (nichts zu tun mit der gleichnamigen italienischen Vulkaninsel). Sowas nennt man wohl Statement. Da schadet auch nicht, dass "Sides" mit einem hypnotisch wabernden Gitarrenriff herein prescht, wie es einem Kevin Shields unter die Finger hätte kommen können (Ischia ist hörbar ein My Bloody Valentine-Fan, nicht die einfachste Vorgabe, die man sich als Gitarristin stellen kann). Im Februar erschien die krautrockig groovende Debüt-Single "Sleep", im September kommt das Album! In ihrem Line-Up versammeln sich Leute, die sonst mit anderen Größen der Wiener Indie-Szene auf der Bühne stehen (Endless Wellness, Yukno, Sharktank, Cousines Like Shit...). Tatsächlich sind ischia aber kein Seitenprojekt, sondern die aus jahrelanger Freundschaft und spontaner Assoziation entstandene Band rund um Frontfrau und Namensgeberin Adele Ischia. Auf ihrem Debüt-Album "Leave me to the Future" offenbart sich die breite Palette ihres Sounds, von Krautrock-Grooves bis zu Post-Shoegaze-Psychedelik, doch in dessen Kern steckt dabei stets ein melodiöser Popsong. Und ischia präsentierten einen gänzlich anderen, veritabel psychedelischen Post-Shoegaze-Pop-Sound als gewohnt gehört, entpuppen sich als Band mit breiter dynamischer Vielfalt, beseelt von einer zugänglichen Mischung aus Witz und Melancholie, ziemlich gut für eine Band, die sich erst vor etwas mehr als einem Jahr zusammengetan hat. Neben dem Release ihres Albums werden ischia dieses Jahr aus praktischen Gründen übrigens vor allem gemeinsam mit Endless Wellness auftreten. Luckily, sometimes you don't have to take sides.

Neuaufgelegte Compilation mit dem ursprünglichen Cover-Artwork (!), klassich schwarzes Vinyl mit DLC! 1982 lösten sich die TVP's nach fünf Jahren als D.I.Y. Pioniere auf (allerdings wurde schon drei Monate danach die Reunion ausgerufen). Die Trennung wurde von der Veröffentlichung des mysteriösen Albums "They Could Have Been Bigger Than The Beatles" begleitet. Die Sammlung mit unveröffentlichten Outtakes und alternativen Versionen von Songs der ersten beiden Alben wurde ursprünglich mit handgemalten Covern (ohne Infos) veröffentlicht. Mit an Bord sind der Klassiker und Live-Favorit "Three Wishes", eine stark veränderte, schnelle, überlegene Version von "David Hockney's Diaries", die Freakbeat-Hymne "The Boy In The Paisley Shirt", die rare Debütsingle "14th Floor" und "Games For Boys", ein lustiger Geniestreich, der textlich wie musikalisch das kindliche Wesen der TVP's ausdrückt. Dazu eigene Versionen von The Creation's "Painter man" und "Making Time" "Their quality and stature remains undiminished even after all these years. Indispensable". - NME