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Mit einer gigantischen Show inklusive ihrer erfolgreichsten Hits und herausragenden Titeln aus dem #1-
Album „Rausch“ kehrt Deutschlands erfolgreichste Entertainerin Helene Fischer endlich wieder auf die
Bühne zurück.
Am 20. August 2022 wird für Fans auf dem Open-Air Gelände der Messe München ein lang ersehnter
Traum wahr: nach einer künstlerischen Pause Helene Fischer erstmals wieder live erleben – mit herausragenden neuen Songs, ihren erfolgreichsten Hits und einer gigantischen Show der Extraklasse! Es ist der
einzige Live-Auftritt der vielfach ausgezeichneten Künstlerin im Jahr 2022 in Deutschland, daher wird ihre
riesige Fangemeinde kein Halten kennen, um dieses einmalige Ereignis mitzuerleben.
Helene Fischers erstes und einziges Konzert in Deutschland wird ein absolutes Highlight des Konzertsommers 2022 mit gänzlich neuen Dimensionen: Die Powerfrau mit der unverwechselbaren Stimme performt
mit Band und Tanz-Crew auf einer imposanten 150 Meter breiten und eigens für dieses Konzert designten
Bühne, eine spektakuläre Show voller musikalischer und visueller Höhepunkte. Zusätzliche Laufstege lassen
die Grenzen zwischen Bühne und Publikum verschwimmen und bringen die bildhübsche Chartstürmerin ihren
Fans besonders nahe. Ein Feuerwerk der Emotionen unter freiem Himmel ist garantiert -die Top-Location
der Messe München wird zum Epizentrum der Livekultur.
Das größte Open-Air-Konzert ihrer bisherigen Karriere gibt es nun auch auf verschiedenen Produktkonfiguratione

French firecracker Adrien Calvet shacks up on those sun-kissed Bali shores providing a luscious EP for Pantai People’s fifth release. Soulful serenity underpinned by bumping house grooves with that distinctive French feel.

On the A, title track ‘Le Doigt De Toto’ kicks off the journey with its infectious bassline, sweeping pads and absorbing vocals. Beachside or boothside, this one hits just right. Berlin’s Cinthie then works her magic giving it a late night, heads down, deep house rework.

Flip it for another two gems, the jazz-infused, acid-tinged ‘Riesling’ featuring Coupe Melba that slips down like a smokey Negroni with an added kick and the slap bass channelling, cosmic percussive workout ‘Esperance’.

Zur Feier des 10-jährigen Jubiläums seines selbstbetitelten Debütalbums, wird am 14. Oktober das Album „Jake Bugg (10th Deluxe Anniversary Edition)“ veröffentlicht. Das ursprünglich am 15. Oktober 2012 veröffentlichte Album landete auf Platz eins der UK-Albumcharts, verkaufte sich über 800.000 mal und löste eine riesigen medialen Hype um den jungen Singer Songwriter aus den Arbeitervierteln Nottinghams aus. Die 10th Anniversary Edition wurde in den Abbey Road Studios vollständig neu remastered und enthält 2 seltene und 14 bisher unveröffentlichte Tracks aus Jakes frühen
Aufnahmesessions seines persönlichen Archivs. Die CD-Edition enthält das neu remasterte Album, 16 unveröffentlichte Bonustracks, darunter eine Rick Rubin-Version von Broken, und den kompletten Auftritt seines Konzerts in der Royal Albert Hall von 2014 mit den Special Guests Michael Kiwanuka & Johnny Marr. Das Album erscheint als 2LP und 2CD+DVD und enthält bisher unveröffentlichte Bilder von Jakes Fotoshooting mit Kevin Westenberg.

Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste beim Manövrieren zwischen den Genres, das neue Studioalbum "Discotheque" stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Bandleader Christian Eitner hat es geschafft, die vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug. Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der "Discomusik", die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und innovativer ist, als man vermutet. Eine Melange aus ersten DJ-Techniken und neuen bombastischen Sound-Systemen bietet auf privat organisierten House Partys viel Raum zur Entfaltung der LGBT-Community. Noch heute erinnert alljährlich der Christopher Street Day an die Stonewall-Riots und somit an eine Zeit, als noch gleichgeschlechtlicher Tanz verboten ist. Vor allem David Mancusos "Loft" ist Anfang der 70er eine Keimzelle für den Disco-Sound, der erst viel später mit Hits wie "Stayin' Alive" und "Le Freak" zum internationalen Boom wächst - auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich später auf den Zug auf. Parallel verbinden aber auch Jazzgrößen wie Herbie Hancock, Miles Davis und Chick Corea die Raffinesse des Jazz mit der rhythmischen Intensität des Funks zu "Fusion". Und Fred Wesley sagt: "Discomusic ist Funk mit einer Krawatte". Wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf "Discotheque" ein Sound, den man "Disco Jazz" nennen könnte - alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Songs, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben.

Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste beim Manövrieren zwischen den Genres, das neue Studioalbum "Discotheque" stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Bandleader Christian Eitner hat es geschafft, die vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug. Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der "Discomusik", die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und innovativer ist, als man vermutet. Eine Melange aus ersten DJ-Techniken und neuen bombastischen Sound-Systemen bietet auf privat organisierten House Partys viel Raum zur Entfaltung der LGBT-Community. Noch heute erinnert alljährlich der Christopher Street Day an die Stonewall-Riots und somit an eine Zeit, als noch gleichgeschlechtlicher Tanz verboten ist. Vor allem David Mancusos "Loft" ist Anfang der 70er eine Keimzelle für den Disco-Sound, der erst viel später mit Hits wie "Stayin' Alive" und "Le Freak" zum internationalen Boom wächst - auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich später auf den Zug auf. Parallel verbinden aber auch Jazzgrößen wie Herbie Hancock, Miles Davis und Chick Corea die Raffinesse des Jazz mit der rhythmischen Intensität des Funks zu "Fusion". Und Fred Wesley sagt: "Discomusic ist Funk mit einer Krawatte". Wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf "Discotheque" ein Sound, den man "Disco Jazz" nennen könnte - alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Songs, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben.

Gold Vinyl

Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste beim Manövrieren zwischen den Genres, das neue Studioalbum "Discotheque" stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Bandleader Christian Eitner hat es geschafft, die vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug. Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der "Discomusik", die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und innovativer ist, als man vermutet. Eine Melange aus ersten DJ-Techniken und neuen bombastischen Sound-Systemen bietet auf privat organisierten House Partys viel Raum zur Entfaltung der LGBT-Community. Noch heute erinnert alljährlich der Christopher Street Day an die Stonewall-Riots und somit an eine Zeit, als noch gleichgeschlechtlicher Tanz verboten ist. Vor allem David Mancusos "Loft" ist Anfang der 70er eine Keimzelle für den Disco-Sound, der erst viel später mit Hits wie "Stayin' Alive" und "Le Freak" zum internationalen Boom wächst - auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich später auf den Zug auf. Parallel verbinden aber auch Jazzgrößen wie Herbie Hancock, Miles Davis und Chick Corea die Raffinesse des Jazz mit der rhythmischen Intensität des Funks zu "Fusion". Und Fred Wesley sagt: "Discomusic ist Funk mit einer Krawatte". Wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf "Discotheque" ein Sound, den man "Disco Jazz" nennen könnte - alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Songs, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben.

Die vierte Staffel der Netflix Erfolgsserie Stranger Things zeigt signifikanten Einfluss auf einige Songs, die in den Episoden Verwendung fanden. Einer dieser Schlüssel-Songs ist ”Pass The Dutchie” von Musical Youth. Der Titel warim Jahr 1982 ein internationaler Riesenhit: in den Single-Charts belegte er im UK die
#1, in Deutschland erreichte er die Nummer 2 und entwickelte sich auch in den USA zu einer Top-10-Hit.

”Pass The Dutchie” zeigt zuletzt bei den Musikstreamingdiensten exponentielles Wachstum und gehört mittlerweile auch zu den Titeln, die beim Videoservice TikTok für jedeMenge ”Creations” sorgt.

Für Lacrimas Profundere, eine der innovativsten und erfolgreichsten deutschen Dark Metal-Bands der Gegenwart, ging es im Falle des neuen Studioalbums ‚How To Shroud Yourself With Night’ (VÖ. 26. August 2022, Steamhammer/SPV) vor allem um die vermeintliche Bürde ihrer 2019er Erfolgsscheibe ‚Bleeding The Stars‘. Denn deren Bilanz hatte indirekt riesige Erwartungen geweckt: „Album des Monats“ im ‚Metal Hammer‘, ‚Orkus‘ und ‚Dead Rhetoric‘, Top-10-Platzierungen in den anderen wichtigen Magazinen, dazu Charts-Einstieg sowie die bis dato erfolgreichste Headlinertour der Gruppe. Wer würde da nicht automatisch mit einer Fortsetzungsgeschichte liebäugeln? „Für mich ging es darum, sich vom Druck des Erfolges zu befreien und zu versuchen, die Messlatte höher zu hängen, dem Spiel voraus zu sein, sich selbst zu fordern und originell zu bleiben, anstatt auf Nummer-Sicher zu gehen und eine Art ‚Bleeding Part II‘ zu schreiben“, erklärt Gitarrist, Bandgründer und Hauptkomponist
Oliver Nikolas Schmid, der mit seinem Bruder und Texter Christopher Schmid erneut eine unverzichtbare Unterstützung fand. „Die neuen Songs klingen frisch, böse, überraschend und leidenschaftlicher als jemals zuvor. Zudem ist es das zweite Kapitel mit unserem Sänger Julian, der uns inspiriert und sich wundervoll eingebracht hat“, so Schmid weiter. „Wir haben verstanden, was ihm gefällt, und haben uns von alten Denk- und Vorgehensweisen gelöst. Noch nie waren wir eine solch eingeschworene Einheit und bereit, unseren eigenen Sound zu erweitern. Gerade deshalb ist ‚How To Shroud Yourself With Night’ unser mit Abstand mutigstes Werk geworden.“

20 Centuries Gone' ist eine Sammlung von zwei neuen Originalsongs und sechs Coversongs, die die Zeitachse der wichtigsten Einflüsse von SPIRIT ADRIFT umspannen. Das von Brian Mercer (Lamb of God, High on Fire, Mastodon) optisch gestaltete und von Zeuss (Overkill, Crowbar, Municipal Waste) abgemischte Album ist eine kraftvolle Reise durch die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der aufregendsten neuen Band des klassischen Metal. SPIRIT ADRIFT-Mastermind Nate Garrett kommentiert: 'Ich dachte immer, es wäre eine coole Erfahrung, einige Songs von Bands aufzunehmen, die die DNA von SPIRIT ADRIFT begründen. Diese Auswahl ist für mich offensichtlich und naheliegend, aber für die Fans vielleicht unerwartet. Das hat die ganze Sache zu einem Riesenspaß gemacht. Eine Band wie Lynyrd Skynyrd ist vielleicht nicht das erste, was einem einfällt, wenn man an die Einflüsse von SPIRIT ADRIFT denkt. Also war es meine Aufgabe, herauszufinden, wie man diese großartigen Songs ehren kann, aber im unverwechselbaren SPIRIT ADRIFT-Stil. Um die ganze Sache noch spezieller zu machen, habe ich diese Einflüsse kanalisiert und ein paar neue Songs geschrieben, um die Sache in Gang zu bringen. In 'Sorcerer's Fate' gibt es einen Text, in dem es heißt, dass 'Vergangenheit und Zukunft aufeinander abgestimmt sind', und das wurde zu dem Konzept dieses Releases. Die ganze Sache wird in umgekehrter chronologischer Reihenfolge präsentiert. Auf diese Weise bekommt man ein Gefühl dafür, wohin SPIRIT ADRIFT sich entwickelt, aber man wird auch auf eine Reise in die Vergangenheit durch unsere wichtigsten Einflüsse mitgenommen. Ich hoffe, es gefällt euch!

Die schwedischen Erben des 80er Hardrock, H.E.A.T, melden sich mit einem neuen Studioalbum zurück und liefern den rockigen Sommer-Soundtrack für 2022!
Zwei Jahre nach "H.E.A.T II" präsentiert die Band erneut ein Album, das es in sich hat. Seit den Anfängen der Band, beginnend mit ihrem Song "1000 miles" - einem Riesenhit in ihrer skandinavischen Heimat im Jahr 2009, haben die Medien weltweit jedes einzelne Album der Band als eines der besten Rockalben der jeweiligen Jahre gelobt.

Lauv, auf dessen Visitenkarte ganz oben Sänger/Songwriter/Producer/Multiinstrumentalist (und auch „Platin-Abräumer“) stehen müsste, begreift sich in erster Linie als Geschichtenerzähler. Denn es sind vertonte Geschichten, die ihm eine riesige Fangemeinde in der ganzen Welt beschert haben – magische
Anekdoten aus seinem direkten Umfeld, die er regelmäßig in eingängige Hymnen für seine Generation zu verwandeln weiß. Nachdem ihm schon sein erstes Album mit „I Like Me Better“ einen astreinen Welthit bescherte, beginnt nun das nächste Kapitel – das noch aufregender, noch umwerfender klingt, auch weil sein Storytelling noch ausgefeilter ist: All 4 Nothing. Auf „All 4 Nothing“ (erscheint am 05.08.2022) entwickelt Lauv seinen Trademark-Sound weiter, indem er noch mehr von sich preisgibt, sich noch mehr
öffnet: Er habe sich auf das Erzählen von Geschichten konzentriert, sagt der Kalifornier über die neuesten immersiven Songwelten aus seiner Feder. Inhaltlich geht es um Nostalgie, persönliche Konflikte, schließlich auch um Selbstermächtigung.

Das 1995er Album von Trouble liefert eine ordentliche Portion Stoner Metal!

Uns gefällt, was Trouble mit diesem Album, "Plastic Green Head", gemacht haben. Die Musik klingt zwar nicht ganz so wie die völlig doomigen, erdrückenden Riffs auf dem früheren Material, aber was Trouble hier machen, klingt alles andere als nicht authentisch. Um nicht in die Irre zu gehen: Es klingt definitiv immer noch nach Trouble, aber sie scheinen einen entspannteren Stoner-Metal-Ansatz gewählt zu haben; sie opfern die düsteren Atmosphären für beschwingtere Stimmungen.

Die ersten paar Tracks sind absolut fantastische Angebote von Vintage Trouble. Das verspielte, thrashige Riff des Titeltracks, das das Album er- öffnet, ist ein großartiger Einstieg in die Musik.

Das spielerische, thrashige Riff des Titeltracks, das das Album eröffnet, ist ein großartiger Einstieg in die Musik, und Eric Wagners markanter Gesang klingt kraftvoll darüber. "Plastic Green Head", "The Eye" und "Flowers" sind allesamt das, was man was man von Trouble erwarten würde, riesige, aufgewühlte Riffs, 80 bpm Drumbeats, Eric Wagners nasale und doch kraftvolle Stimme. Sie sind einfach, sie sind eingängig, und sie sind einfach nur gut. "The Porpoise Song" ist eine Coverversion eines Songs von The Monkees, und seltsamerweise ist sie sehr gut. Eine große Wand aus Gitarrenlärm und Eric singt mit einer weniger nasalen und melodischeren Stimme. "Opium Eater" klingt, als könnte es ein Alice in ChainsSong sein.

Auf diesem Album gibt es jede Menge Sabbath-Verehrung, aber auch ein eher beschwingtes Hardrock-Gefühl. Wir würden sogar sagen, dass sich ein wenig Grunge in ihren Sound eingeschlichen hat. Sound eingeschlichen hat (um fair zu sein, ist es wahrscheinlich umgekehrt, der Trouble-Einfluss hat sich in den Grunge eingeschlichen). Wenn du nach einer schönen Dosis Stoner Metal suchst, wirst du genau das hier finden. Es gibt jede
Menge einprägsame Riffs, die für einen hohen Wiederspielwert sorgen, und obwohl man nicht so viel Doom findet, wie man es vielleicht von
Trouble erwarten würde, ist er dennoch vorhanden, wenn man danach sucht.

James Hinton aka The Range veröffentlicht neues Album nach 6 Jahren. Mercury ist stimmungsvoll, mitreißend und unbestreitbar von Rave beeinflusst.

Auf Mercury baut Hinton auf den Techniken auf, die er auf seiner von der Kritik gefeierten LP Potential aus dem Jahr 2016 etabliert hat, und versucht, eine menschliche Verbindung im Internetzeitalter zu schaffen, indem er Vokalisten aus den Ecken von YouTube, Instagram und Periscope sampelt. "Ich habe das Gefühl, dass ich Wege finden kann, mich auf eine Art und Weise auszudrücken, für die ich in der realen Welt zu schüchtern oder unfähig bin", sagt Hinton über diesen Prozess. Mercury ist stimmungsvoll, mitreißend und unbestreitbar von Rave beeinflusst. Obwohl es IDM-Größen wie Aphex Twin und Grime-Pionieren wie Skepta verpflichtet ist, bewegt sich Hinton auf dem Album außerhalb der Grenzen eines bestimmten Genres. Das Ergebnis ist sowohl maximalistisch als auch zurückhaltend: riesige, weiche Synthies treffen auf treibende Beats, die die komprimierten Vocals seiner sorgfältig ausgewählten Clips ausgleichen. "Mercury ist mein bisher vielseitigstes Album", sagt Hinton. "Meine Erinnerungen an Rave-Musik, Grime und MPC-Musik spielen in fast jedem Song eine große Rolle." Mercury wurde von James Hinton mit zusätzlicher Produktion von Damian Taylor (Bicameral, Ricercar, Relegate) produziert, von Lexxx (Alex Dromgoole) gemischt, mit Ausnahme von "Relegate", das von Damian Taylor gemischt wurde, und von Dave Cooley bei Elysian Masters in Los Angeles, CA gemastert.

HEAVY TEMPLE donnern mit ihrem Debütalbum wie ein röhrendes Mastodon über die Prärie. "Lupi Amoris" hat das Zeug zum Meilenstein: So progressiv, aber unbefangener als BARONESS, und so heavy, aber draufgängerischer als FU MANCHU, setzt das Trio aus Philadelphia alle Hebel der metallischen Riff-Maschine in Bewegung. "Lupi Amoris" ist ein One-Way-Trip durch die amerikanische Weite und tiefe Wälder. HEAVY TEMPLE wurden zur Wintersonnenwende 2012 aus purem Spaß an der Heavy-Musik ins Leben gerufen, was sich in den Pseudonymen der Gründungsmitglieder widerspiegelt: High Priestess Nighthawk, Rattlesnake und Bearadactyl. Zunächst spielte die Band nur lokale Shows in Philadelphia, was dem Trio schnell einen exzellenten Ruf einbrachte und zu Einladungen auf Touren mit RUBY THE HATCHET, MOTHERSHIP, ROYAL THUNDER und CORROSION OF CONFORMITY führte. Auch namhafte Festivals klopften an die Tür, wie neben vielen anderen das Maryland Doom Fest, Psycho Las Vegas und Decibel Metal & Beer. Es spricht Bände über das Riesentalent von HEAVY TEMPLE und ihre packenden Live-Shows, dass die Angebote weiter eintrudelten, ohne dass bisher ein Album vorlag. Obwohl HEAVY TEMPLE alle Merkmale des traditionell männlich orientierten Heavy Metal anhaften (bis zu dem Punkt, dass ihr Sound einen stolzen Vollbart tragen könnte), bringt die kraftvolle Präsenz von Frontfrau und einzig verbliebenem Gründungsmitglied High Priestess Nighthawk weibliche Stärke ein. Ihre lyrischen Konzepte erreichen literarisches Niveau. "Lupi Amoris" bedeutet "Wölfe der Liebe" in Latein und handelt davon, dass sich die Band aus Philadelphia mit Rotkäppchen verbündet, das sich von den traditionellen Fesseln und der Erwartungshaltung an Frauen befreit hat. HEAVY TEMPLE demonstrieren mit "Lupi Amoris" eindrucksvoll, dass es durchaus möglich ist, titanischen Stoner-Doom mit den Realitäten des Lebens zu verbinden, statt im Eskapismus zu verharren. Bei dieser Lautstärke kann die Welt gar nicht anders als zuzuhören.

Die 7” Vinyl enthält Songs aus dem Soundtrack zum neuen Disney und Pixar Film „Rot“. In ”Rot” wird Mei Lee vorgestellt, eine selbstbewusste, trottelige 13-Jährige. Ihre beschützende, leicht
überhebliche Mutter Ming ist nie weit von ihrer Tochter entfernt - sehr zum Ärger des Teenagers. Und als ob das nicht genug wäre, verwandelt sich Mei Lee, wenn sie sich zu sehr aufregt, in einen riesigen roten Panda!

Die 3 Abspannsongs werden von der Band 4*Town gesungen, einer Boygroup, um die es im Film geht.

Mit seinem neuen Album „Glücklich Unzufrieden“ schlägt Bozza einen Bogen von seinem Karrierebeginn bis ins Jetzt. Er nimmt seine Hörer mit auf seine ganz eigene emotionale Reise, indem er auch den Kampf
mit den inneren Dämonen über all die Jahre thematisiert. „Es fühlt sich an, als würde mit jedem Song eine riesengroße Last von meinen Schultern fallen. Ich musste mir ein letztes Mal das Leid von der Seele
schreiben“. Dabei holte er sich großartige Feature Gäste wie Sido, Bausa, Clueso, Montez, Selmon, Azet und auch Gini an Board. Gänsehaut garantiert.

Bestellt euch jetzt die Vinyl zu „Glücklich Unzufrieden“ vor.

It works in clubs. it works at after hours. Also, small bars vibrate meaningful on it: the music of Kuniyuki Takahashi enthralls everywhere and is made for heedful listeners, that love the thrill of little musical nuances, shifting in a deeply composed ocean of sound.

In terms of composition, melodic sensitivity, and subtle progression the music of japanese producer, Sound designer and dj stands out. Ambient, Future-Jazz, Deep House, Leftfield Elec-tronics: since more then 25 years the man from Sapporo expresses his emotions with a wide stylistic range.

As Kuniyuki or under pseudonyms like Koss or Newwave project, he released a body of work consisting of numerous albums and EP’s, that display his deep musical consciousness pro-foundly. Now his home label Mule Musiq drops “Remix Works “, an eighth tune strong compila-tion featuring for the second time since 2013 Kuniyuki Takahashi’s very own virtuosity of re-mixing.

A double vinyl that carries the full pallet of his skills – from yacht rock leaning synth-pop and balearic dreams to sweet wave signals and soulful Pop House.

It all starts with Kuniyuki’s Remix of “Plateau”, a tune by japanese Nu-Jazz / Post‐Rock band mouse on the keys, released in 2013 on the short living japanese retalk label. An epic, almost ten-minute-long house voyage, full of discreet acid shades and enlightening Jazz chords, that play spirited tricks on each other’s manic musical preaching.

Delirium 17 by Silver Zone aka Marco Repetto & Stefan Riesen in the rebound.

It's the first official re-issue after 1994!

Die norwegische Alternative-Folk-Band Gåte schließt mit ihrem neuen Full-Length-Album Nord eine akustische Ära ab.
Gåte hatten Anfang 2000 mit ihren fesselnden Darbietungen und ihrer bahnbrechenden Mischung aus traditionellem Folk und modernem Rock einen nationalen Durchbruch. Mit großem Respekt vor Folk und beispiellosem Talent gelang es Gåte, traditionelle Folksongs zu interpretieren und einer ganz neuen Generation von Zuhörern zu vermitteln. Im Jahr 2020 beschloss die Band, zu ihren Wurzeln zurückzukehren und in die riesige traditionelle Musikgeschichte Norwegens einzutauchen. Das Ergebnis ist eine sorgfältig schöne und emotionale Sammlung von Songs, die tief in die musikalische Vergangenheit ihres Landes eintauchen, mit einem zeitgenössischen Ansatz.

Limitierte farbige LP! "Public Storage" baut auf dem Sound von Vus früheren Veröffentlichungen auf und unterstreicht ihre Stärken als Songwriterin mit einem tieferen Sinn für Glanz, Raffinesse und Dringlichkeit. Sie nennt es eine "sehr invasive und intensiv klingende Musik", die erfrischend unkonventionell zu den zeitgenössischen Trends ist; dies ist Musik, auf die man sich einlässt, anstatt sich zurückzulehnen. Co-Produzent Jackson Phillips (Day Wave) half Vu dabei, eine riesige, körnige, facettenreiche Welt zu erschaffen, in die sie sich stimmlich hineinbegeben kann, wobei ihre ausgeprägte Altstimme frei zwischen beschwörenden, tiefgründigen Betrachtungen und gefühlvollen, himmelwärts strebenden Ausbrüchen hin- und herpendelt. Die ersten Klänge, die wir hören, sind bezaubernd: Vereinzelte Klaviertasten gehen in "April Fool" in warme Schläge und Selbstharmonien über, während Vus Protagonistin ihre Umgebung und ihre Fähigkeit zu kommunizieren verleugnet. Das sanfte bernsteinfarbene Glühen geht über in den Titeltrack des Albums, einen dunkleren, düsteren, lauteren Ort. Vu rennt durch "Public Storage" mit einer Reihe von trotzigen Zurückweisungen (Versagen, Familie, Magie) und kathartischen Forderungen. Es ist eine seltene und kraftvolle Zurschaustellung von Verletzlichkeit von einem Texter, der das Abstrakte dem Autobiographischen vorzieht. Aubade", das auf einem Disco-Synthie-Muster und groovenden Bass-Stabs aufbaut, hat den hellen Schwung seines morgendlichen Namensvetters, der geschickt im Widerspruch zu seinem niederschmetternden Thema steht. Der Kontrast setzt sich in "Keeper" fort, einem pulsierenden New-Wave-Song mit träumerischen Synthesizern und einem coolen, knurrenden Erzähler, der diese Kraft erneut herausfordert. "Gutter" kehrt zum grungigen Lowlight zurück, mit muskulösen Gitarrenriffs, die sich über einem Bett aus Rückkopplungen abzeichnen und zusammen mit orchestralen Streichern zu einem brüllenden Finale anschwellen. Die hintere Hälfte von Public Storage bietet einige der markantesten Momente: Das rhythmische, hooklastige "Everybody's Birthday" spricht von der bösen Absurdität der Gegenwart, dem Ende der Zeiten. Die Nacht ist rot, die Stimmung ist blau, und die Scham ihrer Figur ist goldfarben. Vu hebt sich "Maker" für den Schluss auf, einen letzten Versuch im Existenziellen.

Haley Dahl, die seit ihrer Teenagerzeit als Sloppy Jane auftritt, ist neuerdings bei Phoebe Bridgers' Label Saddest Factory Records unter Vertrag. Phoebe und Haley sind schon seit Schulzeiten eng befreundet. Damals war Sloppy Jane eine Teen-Punkband. Die ersten Mitglieder waren Phoebe Bridgers am Bass, Sarah Cath an der Gitarre und Imogen Teasley-Vlautin am Schlagzeug. Heute hat die Band mehr als ein Dutzend Mitglieder und sich in ein Kammerpop-Projekt verwandelt. Für ihr neues Album "Madison" verbrachte Dahl drei Jahre damit, Höhlen zu erkunden, die ihre Vision für das Album einfangen könnten. Ihre Suche führte sie quer durch die USA, wobei sie sich mit der unterschiedlichen Akustik jeder Option beschäftigte, bevor sie bei den Lost World Caverns landete. Das Ergebnis ist ein wunderschönes, persönliches Werk, eine große Geste, ein kraftvolles Statement über obsessive Liebe und über das Hineinwachsen in sich selbst nach einer lebensverändernden Beziehung. Dahl und ihre 21 Bandkollegen nahmen Madison zwei Wochen lang jeden Tag von 15 Uhr bis 8:30 Uhr in den Höhlen auf. Um in die Höhle zu gelangen, mussten sie durch die Rückseite eines Geschenkeladens in einen langen Tunnel eindringen, wo sie über 200 Treppen zum Eingang hinuntergehen mussten. Dahl und Co. bewältigten diesen steilen Weg mit einem Klavier. Die Decke der Lost World Caverns ist riesig hoch und bildet eine perfekte Kuppel. Außerdem herrschte im Inneren eine Luftfeuchtigkeit von 98 Prozent, was sowohl zu einem hervorragenden Klang als auch zu Problemen mit der Stimmung und der Ausrüstung führte. Der Tontechniker Ryan Howe saß mit seinem Mischpult und seinem Computer im Subaru seiner Eltern oberhalb der Höhle und fädelte Kabel durch ein Loch im Boden bis zur Decke der Höhle. Auf dieses Album, das so vollständig realisiert und sorgfältig ausgeführt wurde, hat Dahl lange gewartet und auch als Musikerin viel gelernt: Für Madison lernte sie, wie man für Kammermusikinstrumente schreibt und brachte sich selbst das Klavierspielen bei. Die Platte lässt sich nur schwer kategorisieren. Es ist David Bowie wenn der Song "Crying" von Roy Orbison am Ende von Harmony Korines Film "Gummo" gespielt wird. Es ist My Chemical Romance trifft Sgt. Pepper. Courtney Love und Queen. Es ist ein riesiges, blumiges, samtiges Ding voller Spielzeugpferde und Stalagmiten. Er folgt einer großen Linie: einer großen Geste, die so groß ist, dass sie die ganze Erde bewegt. "I'm glad to live in a world where Haley Dahl wanting to go to a cave to make a record just makes sense. This is already a classic album." - Phoebe Bridgers

LTD Edition inklusive 3 Bonustracks auf Vinyl!

The Cinematic Orchestra haben eine ganz besondere Wiederveröffentlichung ihres Klassikers, „Ma Fleur“aus dem Jahr 2007, angekündigt. Es wird eine limitierte Version auf transparentem Vinyl geben welche drei Songs aus dieser Zeit enthält, die noch nie auf Vinyl veröffentlicht wurden; „Flowers“, „Talking About Freedom“ und „Colours“, und werden mit vier doppelseitigen Kunstkarten/Drucken geliefert: Seinerzeit wurde das Album für seine kühne Abkehr von den klanglichen Traditionen der Gruppe gelobt. In den Jahren seither wurde es kontinuierlich gefeiert, wobei Tracks wie „To Build A Home“ mit über einer halben Milliarde Streams bis heute ein riesiges Publikum erreichten. Die Band hat ausverkaufte Shows in einigen der prestigeträchtigsten Veranstaltungsorte der Welt gespielt, darunter die Royal Albert Hall in London, die Philharmonie de Paris, das Auditorium Parco Della Musica in Rom und das Sydney Opera House, außerdem waren Festivals wie Coachella, Glastonbury, Fuji Rock, Montreux und Sónar allesamt Gastgeber*innen für die beliebten Live-Auftritte der Band. Ihr letztes Album, „To Believe“ aus dem Jahr 2019, debütierte auf einem Karrierehoch auf Platz 19 der offiziellen UK-Album-Charts und war #1 in den UK-Vinyl-Charts.

Alle Mann an Bord! Die weltbekannte Pirate Metal Drinking Crew ALESTORM nimmt euch auf ihrem
neuen Live-Album Live in Tilburg mit auf einen wilden, nassen Ritt durch die sieben Weltmeere! Mit
den ersten Sekunden des energiegeladenen ”Keelhauled” wird klar, dass ALESTORM eine der kreativsten
und einzigartigsten Live-Bands sind - und nach Tilburgs unglaublichem Live-Publikum von 3000 Leuten zu
urteilen, lässt die unvergleichliche Energie der Band niemanden stillstehen. Erfreut euch an ALESTORM‘s
Live-Show - mit jedermanns riesiger Lieblings-Gummiente und massenhaft Alkohol - ganz bequem von der
Couch aus! Hervorragend produziert und abgemischt vom renommierten Lasse Lammert, der bereits an
ALESTORMs Studioalben Curse Of The Crystal Coconut, No Grave But The Sea, und vielen anderen
beteiligt war, bietet Live in Tilburg eine packende Mischung aus ALESTORMs beliebtesten Hits wie ”Mexico”, ”Alestorm”, ”Hangover”, ”The Sunk’n Norwegian” und natürlich ”Fucked with an Anchor”. Das
Live-Album wird als splatterfarbene Doppel-LP mitSlipmat und Patch, sowie auf mintfarbenem und goldfarbenem Vinyl erhältlich sein. Die Special Edition von Live in Tilburg kommt in einer Holzbox, zusammen
mit einer CD+DVD, einem Mediabook und einer 7-inch Vinyl mit zwei brandneuen ALESTORM AkustikCoversongs! Live in Tilburg ist die Definition dessen, worum es bei ALESTORM geht - eine endlose
Quelle des stampfenden, riff-geladenen und piratenhaften Singalong-Spaßes. Ein Muss für alle lumpigen
Landratten!

Denn leichtfertig würde die amerikanische Rocksängerin solche Superlative wohl kaum in den Mund nehmen. Suzis Begeisterung für ihr neuestes Werk hat viele Gründe, genau genommen 12. Denn exakt ein Dutzend Songs befinden sich auf The Devil In Me, auf dem vom Opener/Titelsong bis zum finalen ‚Motor City Riders‘ jede Nummer ein echtes Highlight ist. Die Gründe für Suzis bemerkenswerte Kreativexplosion: einerseits der Lockdown, der sie ab Frühjahr 2020 von ihrem gewohnten Tourleben abhielt, andererseits die erneute Kooperation mit ihrem Sohn Richard Tuckey, die bereits auf dem Vorgänger No Control glänzend funktioniert hat. Suzi: „Ab Frühjahr 2020 wurden fast 100 meiner Shows gecancelt, und auch Richard wäre eigentlich mit seiner Band unterwegs gewesen, wenn nicht alle Konzerte abgesagt oder verschoben worden wären. Also sagte ich zu ihm: ‚Wir sollten die freie Zeit nutzen, um neue Songs zu schreiben und uns von dem inspirieren lassen, was sich in der Welt derzeit abspielt.‘ Ich wusste, dass Richard und ich ein tolles Team sind, denn No Control war ein riesiger Erfolg und eine für uns ganz besondere
Scheibe. Allerdings hatte ich nicht damit gerechnet, dass wir sie sogar noch übertreffen könnten. Doch alle, die The Devil In Me gehört haben, und diejenigen, die am Vorgängeralbum beteiligt waren, sagten uns: ‚Diese Scheibe ist noch stärker!‘“

Denn leichtfertig würde die amerikanische Rocksängerin solche Superlative wohl kaum in den Mund nehmen. Suzis Begeisterung für ihr neuestes Werk hat viele Gründe, genau genommen 12. Denn exakt ein Dutzend Songs befinden sich auf The Devil In Me, auf dem vom Opener/Titelsong bis zum finalen ‚Motor City Riders‘ jede Nummer ein echtes Highlight ist. Die Gründe für Suzis bemerkenswerte Kreativexplosion: einerseits der Lockdown, der sie ab Frühjahr 2020 von ihrem gewohnten Tourleben abhielt, andererseits die erneute Kooperation mit ihrem Sohn Richard Tuckey, die bereits auf dem Vorgänger No Control glänzend funktioniert hat. Suzi: „Ab Frühjahr 2020 wurden fast 100 meiner Shows gecancelt, und auch Richard wäre eigentlich mit seiner Band unterwegs gewesen, wenn nicht alle Konzerte abgesagt oder verschoben worden wären. Also sagte ich zu ihm: ‚Wir sollten die freie Zeit nutzen, um neue Songs zu schreiben und uns von dem inspirieren lassen, was sich in der Welt derzeit abspielt.‘ Ich wusste, dass Richard und ich ein tolles Team sind, denn No Control war ein riesiger Erfolg und eine für uns ganz besondere
Scheibe. Allerdings hatte ich nicht damit gerechnet, dass wir sie sogar noch übertreffen könnten. Doch alle, die The Devil In Me gehört haben, und diejenigen, die am Vorgängeralbum beteiligt waren, sagten uns: ‚Diese Scheibe ist noch stärker!‘“

Pudel Produkte 33 is like a time machine back to homely MFOC ages when Rephlex' very own IG-88 used to be a resident at this very Hamburg club and MFOC-promoter Raf jokingly insulted Richard D. James (with the Aphex Twin standing right behind him, mind you). Blessed times indeed, which quad-ratschulz perfectly emulates with his exquisitely constructed aural body made of braindancing melan-cholodies and thrilling electro boogie. Ralf & Florian meet AFX in an elevator and do have some sto-ries to share. An EP so good you are asking yourself if the upcoming Remix EP can top that (hint: it can). Meanwhile, the dancefloor dictator issues a strict buying order! (Superdefekt)

Acoustic Resistance ist ein Projekt, das von den Musikern Julien Decoret (Joon Moon, Nouvelle Vague) und Julien Boyé (Gush, Nouvelle Vague) ins Leben gerufen wurde, wobei sie die riesige Instrumentensammlung nutzen, die sie auf ihren Reisen im Laufe der Jahre zusammengetragen haben. Die Band kreiert rhythmische, hypnotische Tanzmusik, die in ihrem Stil und ihrer Form an elektronische Musik anknüpft und gleichzeitig einen kritischen Blick auf die moderne Welt wirft.

Produziert und aufgenommen von Arca, definiert KiCk i eine neue Ära in der Multiplex-Welt der venezolanischen Künstlerin, Sängerin, DJ, Performerin und Komponistin. Mit Björk, Rosalía, Shygirl und SOPHIE hat Arca zum ersten Mal Kollaborateure in ihre Welt eingeladen. Zuvor produzierte sie für Björk, Kayne West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder legte bei Festivals als DJ auf. Mit KiCk i wird nicht nur die Freude gefeiert, die Arca in ihrem Leben finden konnte, sondern auch der manchmal beschwerliche Weg, den sie dafür zurücklegen musste. Ihre Bemühungen, ihr venezolanisches Erbe und ihre trans-lateinamerikanische Identität zu versöhnen, entpuppen sich als Reggaetón und spanischem Pop. Aber KiCk i ist nicht nur eine Pop-Platte oder eine experimentelle Platte, oder auch nur eine Mischung aus beiden, sondern alles auf einmal - und noch so viel mehr. Je nachdem, wo man die Nadel aufsetzt, findet man Bubblegum, raue Geräusche, elektronische Psychedelia, Balladen, Knaller, Gelächter, Tränen, Leidenschaft und Glaubensäußerungen - Klänge und Ideen, die nicht einfach miteinander verschmelzen, sondern gleichzeitig in einer Quantenüberlagerung koexistieren. "Ich möchte nicht an ein Genre gebunden sein", erklärt Arca. "Ich will nicht als eine Sache abgestempelt werden." Wo sie jetzt ist, endet das Nicht-Binärsein nicht mit ihrer geschlechtlichen Identität. Es ist zu einer Denkweise geworden, bei der keine eine Sache nur eine Sache sein muss, bei der mehrere Bedeutungen, mehrere Realitäten in überlagertem Gleichgewicht koexistieren können. In diesem Raum zwischen den Staaten, in dem das eine Ding das andere ist, hat Arca ein riesiges Feld unerschlossener kreativer Kraft entdeckt.

Lost PHILIP GLASS Recordings from 1975 - ORTF
The newly discovered and unreleased concert from 1975 recorded by the Philip Glass
Sextet at La Maison de la Radio, Paris.
The sextet is composed of Philip Glass, Jon Gibson, Dickie Landry, Michael Riesman, Joan
La Barbara and Richard Peck.
Music in Twelve Parts is a set of twelve pieces written between 1971 and 1974. This
performance in France includes part 1, 2, 3, 11 and 12 on a double LP.
Also included a very rare Philip Glass interview from 1974 in his NYC loft during the
rehearsals of this piece, produced for the French radio by Daniel Caux - musicologist and
co-founder of Shandar Records.
A never before released -Philip GLASS (1975) live recordings, released in partnership with
the National Audiovisual Institute - INA.
"A new sound and a new chord suddenly break in, with an effect as if one wall of a room
has suddenly disappeared, to reveal a completely new view." - A. Porter

Skin Town's unexpected return with their new album 'Country' finds the duo upping the already high bar set on their striking dark pop gem debut 'The Room' with a dauntless artistic statement that trades clever posturing for vulnerability. Yielding their prowess with more restraint, Skin Town's 'Country' hits harder and cuts deeper - doubling down on their narcotic cocktail of strong R&B hooks, spacious bewitching productions, and marked sense of melody that puts vocalist Grace Hall and multi-instrumentalist Nick Turco in a class of their own.

Many saw that potential on their debut with support from Dazed, Interview, The FADER, KCRW, as well as artists like Tinashe shouting out Skin Town. Lamenting on the duo's unmistakable chemistry, Pitchfork says, "Turco's synthscapes are huge and scene-stealing, while Hall's husky voice strikes a glorious medium between Abel Tesfaye and Sade." Their latest is even more potent, a particular strain of sad dance music that feels timeless and raw.

'Country' refines Skin Town's minimal framework of tethering hip-hop/R&B rhythms to Hall's smoky, precise phrasing exploring richer atmospheres and darker concerns. Written and recorded over 3 years, the album touches upon depression, loss, hedonism, poverty, rebellion, sex work, empowerment, and love's contradictions. The album's completion was sidetracked many times with Hall suffering a string of life-threatening mysterious immune system ailments, as a result there is a lot of pain and joy in this record, made with literal blood and tears.

The opener "Bad" signals at this departure from their upbeat predecessor stripping away the beats, relying on the interplay between Turco's ringing chords, the enveloping synthwork and Hall's melancholic, rhythmic intonations. "Mute" brings back the drums, couched in a slinking hip-hop beat and a creeping synth lead. Throughout the record, Turco's productions glean from an eclectic, disparate mix: melodic Amiga tracker music, Metro Boomin', New Age, The-Dream while Hall seems ever more comfortable exploring syncopation and half-rap/half-sung excursions. This is inventive, uncanny pop music where Enya, Offset, Zola Jesus, and Future inhabit the same space.

Skin Town's unerwartete Rückkehr mit ihrem neuen Album "Country' hebt die sowieso schon recht hohe Messlatte ihres markanten Dark-Pop-Juwelen-Debüts "The Room' noch ein wenig höher. Skin Town's - Country" schlägt härter zu und schneidet tiefer - und verdoppelt ihren narkotischen Cocktail aus starken R&B-Hooks, einer großzügigen, betörenden Produktion und einem ausgeprägten Sinn für Melodie. Das ist erfinderische, unheimliche Popmusik, bei der Enya, Offset, Zola Jesus und Future im selben Raum leben.

Viele sahen dieses Potenzial bei ihrem Debüt und so gab es reichlich support von Dazed, Interview, The FADER, KCRW sowie Künstlern wie Tinashe. Pitchfork hob die unverwechselbare Chemie des Duos vor und sagte: "Turcos Synth-Landschaften sind riesig und szenenraubend, während Halls heisere Stimme eine Klasse für sich ist, angesiedelt zwischen Abel Tesfaye und Sade.'

Country' verfeinert den minimalen Rahmen von Skin Town, Hip-Hop/R&B-Rhythmen mit Hall's rauchigen, präzisen Vocals, die weitere Atmosphären und dunklere Anliegen erforschen. Das Album behandelt verschiedenste Felder von Depressionen, Verlust, Hedonismus, Armut, Rebellion, Sexarbeit, Empowerment bis zu den Widersprüchen der Liebe. Die Fertigstellung des Albums wurde mehrmals aufgeschoben, wobei Hall eine Reihe von lebensbedrohlichen, mysteriösen Immunsystem-Krankheiten erlitt, was dazu führte, dass viel Schmerz und Freude auf dieser Platte zu finden sind, die sprichwörtlich mit Blut und Tränen gemacht wurde.

Dave Stewart und Annie Lennox vermischten auf ihrem vierten Studioalbum Be Yourself Tonight' (1985) härtere Rock-Elemente und R&B-Passagen mit ihrem etablierten Synthie-Sound. Als Gastmusiker sind mit an Bord: Aretha Franklin (auf Sisters Are Doin' It for Themselves'), Stevie Wonder an der Mundharmonika (auf There Must Be an Angel (Playing with My Heart)', dem ersten Nummer-Eins-Hit der Band in den USA) und Elvis Costello, der Adrian' im Duett mit Annie Lennox singt.
Die erste Singleauskopplung Would I Lie to You?', auf der sich laut dem Rolling Stone der Rocksound der Kinks mit dem R&B-Feeling der Supremes paarte', war ein Riesenerfolg in den Staaten. Die vierte Single It's Alright (Baby's Coming Back)' wiederum rief Erinnerungen an eine berühmte britische Sängerin der 60er Jahre wach - an Dusty Springfield und ihr Album Dusty in Memphis'.

At a time when on every street corner, adolescent wannabe gangstas believed they had to tell everyone and their dog about their greatness and the inferiority of all others, there was a cadre of Munich-based Hip-Hop artists producing incredibly fresh and imaginative music, inspired, of course, by the golden era of the 90s. They played gigs in small clubs in front of some dozens of people, spread mixtapes and Eps and were celebrated by their friends and the rest of the scene. The world took no notice - until now ! Tramp Records, specializing in unearthing forgotten pearls of musical art, documents with "Golden Hits", an era of Munich underground Hip Hop which flew completely under the radar, spanning ten years from 2005 to 2015. The musical bandwidth and quality of the tracks is astonishing, but so much more could have been possible. Much of this music remained fragmented or unreleased for a host of reasons, families, stressful jobs, musical reorientation, and even lost hard disks... but one story has a happy ending! When Masta Ace had a live show at the legendary Atomic Cafe, Primatune's Fid Rizz was able to hand over a CD with demo beats. Unfortunately the CD was blank by mistake! But the curiosity of Masta Ace had been piqued, and he got back to him, the rest is history. Features of other stateside rap heroes like Wordsworth or Declaime followed.

The very best of this era, including tracks never before heard and ideas remaining fragmented, has now been compiled by Tramp Records to take you for a fascinating listening journey.

Hip Hop, as it was since it's inception in the Bronx, fresh and real, and made with passion by neighborhood kids spitting truth about life and the struggle!

Key selling points:

- including many unreleased songs
- the vinyl LP comes with a full album download code

Inzwischen unter den Top-100-DJs der Welt, auf dem Cover vom DJ Mag angekommen und als - Australian queen of EDM' (ABC) gefeiert, steht Alison Wonderland mit ihrem zweiten Longplayer in den Startlöchern: - Awake' heißt ihr neuestes Werk. International gefeiert als EDM-Künstlerin, die verschiedenste Dance-Styles in ihren Sound einbezieht, den Faktor Pop nie aus den Augen verliert, dazu Instrumente beherrscht und singt, bewegt sich Alison Wonderland mit - Awake' durchaus auch auf Neuland: - Allein gesanglich bin ich viel weiter gegangen, weil ich mich heute einfach viel wohler fühle mit meiner Stimme', sagt die gebürtige Australierin, die mit dem Titel auf den reinigenden Effekt von Musik und überhaupt auf positiven Wandel im Privatleben anspielt. Gerade als Live-Performerin hat die auch gerne mal als - female Skrillex' gehandelte Alison Wonderland in den letzten Jahren alles auf den Kopf gestellt: Hunderte von Headline-Shows rund um den Globus, eigene Warehouse-Party-Serien, Riesenfestivals wie Coachella und Lollapalooza - dazu war sie die erste weibliche Solokünstlerin überhaupt, die auf der Main-Stage beim Electric Daisy Carnival in Vegas auftreten durfte.