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Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

,Pneuma" ist ein Zyklus von acht Kompositionen des Kontrabassisten und Komponisten Henry Fraser, erschienen bei Kou Records, der sich mit Atem, Resonanz und der sich wandelnden Beziehung zwischen Form und Improvisation auseinandersetzt. Fraser betrachtet seine Solopraktik als eine Zusammenarbeit mit dem Instrument selbst und arbeitet direkt mit der Materialität und den akustischen Eigenschaften des Kontrabasses, sodass Klang, Raum und Struktur durch tiefes Zuhören gemeinsam entstehen können. Aufgenommen, abgemischt und koproduziert von Randall Dunn (Sunn O))), Thurston Moore) und Ben Greenberg (Uniform, Marc Ribot), erweitert das Album Frasers bisherige Solosprache durch ein erweitertes melodisches Register, vielschichtige Texturen und sorgfältig gestaltete Studioeingriffe. Ausgehend von sowohl vorgefertigten Motiven als auch neu improvisiertem Material entfaltet sich ,Pneuma" in einer Reihe prägnanter Sätze, von denen jeder einer eigenständigen rhythmischen oder harmonischen Idee Gestalt verleiht und gleichzeitig zu einer größeren, zusammenhängenden Form beiträgt. Die Aufnahme, bei der der Schwerpunkt auf natürlicher Dynamik und räumlichen Details liegt, bewahrt die volle physische Präsenz des Instruments und rückt die Resonanz, die Obertöne und die leisen Mikrogesten des Basses in den Vordergrund. Bestimmte Stücke bestehen aus mehreren übereinandergelegten Darbietungen, was den Umfang und den Ausdrucksbereich der Musik dramatisch erweitert. Das Ergebnis ist ein intimes und zugleich immersives Hörerlebnis - akustische Musik, die sich gleichzeitig greifbar und weitreichend anfühlt. ,Pneuma" dokumentiert Fraser in einem Moment künstlerischer Klarheit und bekräftigt sein Bekenntnis zu prozessorientierter Komposition und aufmerksamer Klangpraxis.

BASIC - das Trio aus Chris Forsyth (Gitarre), Mikel Patrick Avery (Percussion, Drumcomputer, Elektronik) und Douglas McCombs (Fender Bass VI) - hat sein neues Album mit sieben Titeln innerhalb von zwei Tagen in den Electrical Audio Studios in Chicago aufgenommen und die Overdubs sowie den Mix zusammen mit Je Zeigler in Philadelphia fertiggestellt. Die Aufnahmen sind groovig, aber leicht und locker, wobei die Songs viel größer klingen, als man es von einem Trio erwarten würde. Für reichlich Detail sorgen die ineinandergreifenden Gitarren und Averys einzigartige Kombination aus elektronischen Beats und akustischer Percussion, die er live mit verschiedenen selbstgebauten elektronischen Prozessoren bearbeitet und manipuliert. Kurz nach der Veröffentlichung ihres Debüts (This Is BASIC, 2024) stieß Bassist McCombs (Tortoise, Brokeback) zu der Gruppe, und zusammen mit den in Philly ansässigen Kernmitgliedern Forsyth (Solar Motel Band) und Avery (Natural Information Society) tourte die Band mit dem Album die Westküste rauf und runter sowie durch den Nordosten und Mittleren Westen der USA und machte Halt bei einflussreichen Festivals wie Sound & Gravity und Big Ears. Die Chemie zwischen den dreien führte fast sofort zur Entwicklung von neuem Material, und die ,Dream City"-EP erschien im Frühjahr 2025.

Das Debüt des transzendentalen Gitarrenmeisters aus dem Jahr 1971, remastered für all eure Sabbat-Bedürfnisse. 37 Minuten ambienter Gitarrenzauberei und der perfekte Soundtrack für das Erwachen des dritten Auges, Lichtalchemie oder Menschenopfer. Mit diesem Werk könnte man eine Sekte gründen. Der kalifornische Versandhandelsmystiker Master Wilburn Burchette wurde erstmals durch seine Anzeigen bekannt, die auf den hinteren Seiten des ,Fate Magazine", von ,Beyond Reality" und ,Gnostica News" versteckt waren. Im Angebot: Burchettes siebenteiliger, im Blockdruckverfahren hergestellter ,Psychic Meditation Course", der den Menschen beibringen sollte, wie man Musik hört. Passend zu seinen Lektionen verkaufte Burchette eine Reihe von Instrumentalplatten mit Gitarren- und Elektronikmusik, die mit kunstvollen, handgezeichneten Cover-Motiven versehen waren und Höranweisungen vom Meister selbst enthielten. Bereits seit seinem zwölften Lebensjahr war Burchette von der Parapsychologie fasziniert und verbrachte ebenso viel Zeit mit dem Lesen von Büchern über die Grundlagen der tibetischen Mystik wie mit dem Üben auf der Gitarre, deren Schwingungen er nutzte, um Klangbilder und -muster zu erschaffen. Nachdem er eine Zeit lang klassische Gitarre unterrichtet hatte, veröffentlichte Meister Wilburn Burchette in den sieben Jahren von 1971 bis 1977 sieben Alben, bevor er abrupt alles, was mit seinen musikalischen Erkundungen zu tun hatte, verbrannte und wegwarf.

Oliver James aus Tennessee, eine Zeitkapsel des klassischen R&B-Sounds, kehrt zum Label Colemine zurück - mit zwei neuen Stücken auf einer unverzichtbaren 45er-Single. Auf der A-Seite ist sein erster neuer Track seit 2022 zu hören. ,1-2-3" ist ein mitreißender Soul-Stomper im Stil von Memphis und Stax. Nick DeVan und Vincent John (Eraserhood Sound) haben den Track gemeinsam geschrieben; sie haben die Instrumentalparts fertiggestellt, waren aber bei den Texten ratlos. Da wurde James hinzugezogen, und er nutzte seine Zeit bei der Arbeit in einer Kirche, um die Texte zu formulieren, aus denen schließlich dieser Song entstand. Die B-Seite entstand in Zusammenarbeit mit Nashvilles Gritty-Funk-Ensemble The Gripsweats. Es ist ein ernsthafter Song mit Texten, die von James' und DeVans Mitgefühl inspiriert sind. ,I'm no stranger to love that I used to know", klagt James; seine Lieblingszeile des Songs. Untermalt von üppigen Streicher- und Bläserarrangements ist ,Nothing Is Forever" ein melancholischer und herzlicher Gegenpol zur A-Seite.

Colemine ist stolz darauf, die neueste 45er von Aaron Frazer zu präsentieren. Diese hier ist etwas ganz Besonderes. Zwei Tracks mit der Rhythmusgruppe der legendären Cold Diamond & Mink, dem Rückgrat des finnischen Soul-Labels Timmion. Die A-Seite ist ein neuer Track: ,It's A Shame". Und es ist vielleicht wirklich schade, dass dieser Titel es nicht auf die "Into The Blue" LP geschafft hat, denn er ist ein echter Knaller. Meisterhaft von Aaron und Produzent Alex Goose zusammengestellt und arrangiert, besticht der Track durch knackige Drums, Aarons charakteristisches, seidiges Falsett und wunderschöne Streicharrangements. Du wirst den Refrain noch tagelang vor dich hin summen. Die B-Seite ist der Album-Closer auf ,Into The Blue" - und das aus gutem Grund. Es fühlt sich wirklich wie ein süßer und gefühlvoller Abgesang am Ende eines Films an. Ein Klagelied über die Höhen und Tiefen der Liebe, das Gefühl, angesichts des Scheiterns dumm dazustehen, aber trotzdem weiterzumachen. Es fühlt sich an wie ein verlorenes Sample, das von Aaron und Goose gekonnt ins Hier und Jetzt geholt wurde. Für Fans von Durand Jones & The Indications, Pale Jay, Jason Ngonda, Thee Sacred Souls, Neil Frances, Khruangbin.

Diles Que No Me Maten sind eine fünfköpfige Band aus Mexiko-Stadt, deren vom Krautrock beeinflusster Art-Rock sich zu etwas wirklich Einzigartigem entwickelt hat - drahtig, poetisch und voller Improvisationslust. Ihr viertes Album ,Escrito en Agua" (Geschrieben im Wasser), ist ihr bisher fokussiertestes und zugänglichstes Werk, aufgenommen in einem provisorischen Studio in Santa María La Ribera mit Produzent Sebastián Rojas. Aufgebaut um zurückhaltendes Schlagzeugspiel, bewusste Pausen und die spirituelle Schwere der Begräbnismusik aus Oaxaca, bewegt sich das Album mit einer gemächlichen Selbstsicherheit, die sich hart erkämpft anfühlt. Thematisch ist ,Escrito en Agua" ein Album über Präsenz, Umherirren und Widerstandskraft - Songs, die mit Mehrdeutigkeit leben, anstatt sie aufzulösen. Die Lead-Single ,Hiriku" gibt den Ton an und verbindet frenetischen Krautrock mit Zeilen aus José Vicente Anayas visionärem Gedicht ,Híkuri", während der herausragende Track ,No me" ein Mantra der Selbstsicherheit in etwas weitaus emotional Komplexeres verwandelt. Gewidmet sowohl dem indigenen Morgenstern Tunuwame als auch dem palästinensischen Dichter Mahmoud Darwish, endet das Album so, wie es beginnt: still und transzendent, mit achtsamer Aufmerksamkeit für die kleinsten Details dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Irgendwann um das Jahr 2024 tauchte Vorhex Angel scheinbar aus dem Nichts auf: keine Social-Media-Präsenz, keine Identitäten, lediglich ihr Name tauchte hier und da auf einem Flyer in Nashville oder New Orleans auf. Wer neugierig genug war, um ihre Live-Show zu besuchen, konnte mit einer Vielzahl unerwarteter Dinge konfrontiert werden, die die Sinne anregten: aufwendige Bühnenbilder, Stroboskoplichter (oder alternativ völlige Dunkelheit), brennende Gegenstände, vor dem Auftritt eingenommene Rauschmittel. Die Musik bei diesen Auftritten passte zu dem Mysterium. Sie war laut, unberechenbar und verdammt viszeral. Wenn die beiden Live-Veröffentlichungen der Gruppe und ihr Debüt ,Heavenly" tatsächlich viszeral sind (Raven Sings the Blues nannte sie ja ,Erben des Strudels von High Rise"), dann ist der Nachfolger ,Drain" sicherlich ihr intellektuelles Werk. Seine sieben Tracks führen den Hörer vom Morgen bis zur Nacht, ein weitläufiges experimentelles Doppelalbum mit überlebensgroßen Gitarrensoli, spacigen Drone-Exkursionen und Momenten von kraftvoller Intensität durch das gesamte Werk. Zum ersten Mal sehen wir, wie Vorhex Angel ihren hämmernden Klangangriff gegen stimmungsvolle und dramatischere Gefilde eintauschen. Die Band - bestehend aus den Brüdern Jake und Jamin Orrall von JEFF the Brotherhood und Kunal Prakash von Silver Synthetic - erweitert die Grenzen des Vorhex-Angel-Konzepts, lädt neue Musiker in ihren Kreis ein, geht mehr Risiken ein und erntet dafür umso mehr. ,Drain ist keine Musik, die man im Hintergrund beim Kochen laufen lässt", warnt Kunal, bevor er zwinkert: ,Vielleicht ist sie etwas für besonders abenteuerlustige Köche." Vorhex Angel verspricht, dass noch mehr kommen wird. Mehr Jams, mehr unerwartete Wendungen - allein in diesem Jahr können wir mindestens eine Tour und mindestens zwei (!) weitere Alben erwarten. Vorerst gibt es ,Drain" zu feiern, sich damit auseinanderzusetzen, damit der Hörer wie die Musik selbst ein- und ausatmen kann, mit reichlich Raum für gedankliche Kontemplation. SPA Sometime around 2024, Vorhex Angel emerged seemingly out of the ether: no social media presence, no identities, simply their name popping up in Nashville or New Orleans on a flyer here and there. Those with enough curiosity to attend their live show could be met with any number of unexpected things to spike the senses: elaborate stage dressing, strobe lights (alternatively, complete darkness), burning things, pre-performance ingestibles. The music at those functions matched the mystery. They were loud, unhinged, and visceral as all hell. If the group's two live releases and debut Heavenly are indeed visceral (Raven Sings the Blues did name them "heirs to the maelstrom of High Rise"), then followup Drain is surely their cerebral offering. Its seven tracks guide the listener from morning to night, a sprawling experimental double album with larger than life guitar solos, spaced-out drone excursions, and moments of potent intensity throughout. For the first time, we see Vorhex Angel trade their pummeling sonic onslaught for moody and more dramatic pastures. The band-revealed to be brothers Jake and Jamin Orrall of JEFF the Brotherhood and Silver Synthetic's Kunal Prakash-push the parameters of the Vorhex Angel concept outward, inviting new players into their circle, adding more risk and generating more reward. "Drain is not in-the-background cooking-type music," warns Kunal, before winking: "Maybe it is for particularly adventurous chefs." Vorhex Angel promises there will be more. More jams, more left turns-just this year, we can expect at least one tour and at least two (!) more albums. For now, there is Drain to celebrate, to sit and chew on, to allow the listener to breathe out and in like the music does, with ample room for cerebral contemplation.

Für Ihre politischen und gesellschaftlichen Entscheidungen von gestern, heute und morgen gibt es nun einen neuen, verlässlichen Anbieter. Wir kündigen zum nächstmöglichen Zeitpunkt den Wechsel zu der FLINTA-geführten Institution DIE BEHÖRDE aus Bremen an. Als erster amtlicher Schritt wird die Musikproduktion mit dem Titel DER LETZTE ARBEITGEBER erscheinen. Darin enthalten: acht exklusive Stücke mit einer flüchtigen Spielzeit von knapp 20 Minuten. Düster, punkig, relevant und mit dem nötigen Bremer Ernst vorgetragen. Textlich wird der sich erhärtende Verdacht, im falschen Leben zu sein, mit wütender Ehrlichkeit von der Straße gesammelt. Unbewältigt stehen Themen wie Diskriminierung, patriarchale Dominanz und Migrationsfeindlichkeit auf der Tagesordnung. Eiskalte, angriffslustige und hallende Gitarren prallen auf mäandernde Basslinien und pointiert-scharfes Drumming, während der Gesang in aller Dringlichkeit verwüstet, zerstört und wieder heilt. Die Anmut der hier vorgetragenen dienstlichen Beschwerde liegt in der Hoffnung, dass die Lösung nur ein paar Straßenbahnhaltestellen entfernt liegt. Ausführung und Qualität erinnern an Musikgruppen wie Berlin 2.0, Rauchen, Pogendroblem oder Frustwut. Damit ist DIE BEHÖRDE unabdingbarer Bestandteil des derzeit verfügbaren, hochwertigen und notwendigen Bildungsangebots. Ausrufezeichen!

„Immer noch hier“ singen die Sportfreunde Stiller gleich zu Beginn von „Happy Birthday!“, ihrem Album
zum 30-jährigen Band-Geburtstag. Ein pragmatischer, ein geradezu logischer und deshalb auch ein höchst
gelungener Einstieg. Nicht, dass man explizit darauf hätte hinweisen müssen, denn für viele von uns waren
die Songs von Peter, Rüde und Flo ja immer irgendwie gegenwärtig, schaut mal in eure Playlisten, CDund Plattenregale. Dabei klingen sie 2026 frisch und unverbraucht wie zu seligen „Thonträger“-Zeiten,
gleichzeitig aber auch erfahren, mit allen Wassern gewaschen und bei aller Nostalgie auch zeitgemäß. Rockmusik wie sie sein muss, punkig anmutendes Uptempo-Schlagzeug und zuweilen wohl temperierte, ruppige
E-Gitarren inklusive.
Hinzu kommt ihr untrügliches Gespür für unvergessliche Pop-Melodien und ein gewisses Faible für flächige,
manchmal an die 80er Jahre erinnernde Synthies. Auch textlich geht „Happy Birthday!“ - in stürmischen
Zeiten - in die richtige Richtung: Dem Leben zugewandt, ab und an auch nachdenklich, grundsätzlich aber
alle Menschen verbindend. Die Sportfreunde Stiller sind also immer noch hier - und das ist nicht nur gut
so, sondern womöglich besser denn je!

LP aus der ”Luminessence” Serie.
“Eine subtile Tour de Force“ – so lautete 1978 das Urteil des amerikanischen Billboard Magazins in
Bezug auf Bill Connors‘ Of Mist And Melting. Und Jahrzehnte später bestätigt eine wiederholte Auseinandersetzung mit dieser Musik nur, dass hier tatsächlich besondere Geister am Werk waren, als die
von Manfred Eicher produzierte Session mit Jan Garbarek, Gary Peacock, Jack DeJohnette und Connors
im Dezember 1977 im Talent Studio in Oslo stattfand. Nach einer Phase elektrischer Fusion-Eskapaden
in den frühen 70ern, stellte Connors’ Zeit bei ECM eine Rückbesinnung auf den akustischen Kern seines
Spiels dar: Der Gitarrist reduzierte seine Musik auf das Wesentliche im kammermusikalischen Gestus, getragen von nuanciertem Fingerspritzengefühl an Nylon-Saiten. Im reflektiert-fesselnden Zusammenspiel mit
Improvisations-Speerspitzen ihrer Zeit, präsentiert der Gitarrist sechs Eigenkompositionen, die das LyrischKonkrete mit weitläufigen, s pontan u nd o ffenen St rukturen ve rbinden – od er, wi e es da s en glische Jazz
Journal einige Jahre später formulierte: „Selten haben sich Elemente von ‚Hot‘ und ‚Cool‘ Jazz so eindrucksvoll kombiniert.“ Connors selbst wirkte beim Hören des Albums im Jahr 2025 erstaunt darüber, wie
sehr er sich während seiner fünfjährigen Zusammenarbeit mit Manfred Eicher für ECM in die klassische
Gitarre vertieft hatte. „Es machte mich nostalgisch für diese Periode. Ich hatte ganz vergessen, wie viel
Zeit ich dieser Gitarrenspielart gewidmet hatte“, erinnerte sich Bill, fast überrascht von dem, was er auf
seiner eigenen Aufnahme hört. „Obwohl es möglicherweise nicht das war, was sich Manfred erwartet hatte,
ist es genau das Album geworden, das wir beide wollten.“
Neu aufgelegt im Rahmen von ECM’s Luminessence-Reihe, erscheint Of Mist And Melting in einer Tip-onGatefold-Hülle mit neuen Linernotes und Fotos aus dem Archiv.

I’ll Play the Blues For You“ ist das 1972 erschienene Album des legendären Gitarristen, Sängers und Songwriters Albert King.
King überzeugt mit warmem Gesang und eindrucksvollen Gitarrensoli, eingebettet in perfekt arrangierte
Songs. Der Titeltrack wurde 2017 in die Blues Hall of Fame aufgenommen und zählt bis heute zu seinen
bekanntesten Stücken. In Zusammenarbeit mit Acoustic Sounds wurde das Album (AAA) von den Originalbändern remastered – verantwortlich dafür war Matthew Lutthans im The Mastering Lab – und auf
180-Gramm-Vinyl gepresst. Eine hochwertige Tip-on-Coverhülle rundet das Gesamtpaket ab.

Out Of Exile“ wurde neu auf 180-Gramm-Schwarzvinyl gepresst und von Levi Seitz von Black Belt Mastering
neu gemastert.

Holen Sie sich das bahnbrechende Album „Wheels Of Fire“ – so wie Sie es noch nie gehört haben! Entdecken
Sie die verschollenen Aufnahmen und die neu zusammengestellten Raritäten-Sammlungen. Erhältlich als
3-LP-„In The Studio Expanded Edition“ mit 26 unveröffentlichten Aufnahmen und als 5-CD-„Super Deluxe
Edition“ mit 37 unveröffentlichten Aufnahmen sowie einem 24-seitigen Hardcover-Buch.
Die „WHEELS OF FIRE 5CD SUPER DELUXE EDITION“ dokumentiert die gesamte Entstehungsgeschichte
und die Fertigstellung von Creams bahnbrechendem dritten Album.
Das Set enthält eine spezielle, neu remastered Stereo-Version des neunten Titels umfassenden Studio-Teils
von „Wheels Of Fire“. Ursprünglich 1968 unter Verwendung von CSG-bearbeiteten Aufnahmen veröffentlicht wurde, diese remastered Version präsentiert, von CSG befreite Version das Album nun phasenkorrigiert und liefert die Aufnahmen mit größerer Detailtreue und einem klaren Klangbild.
Ebenfalls enthalten ist eine neu zusammengestellte Raritäten-Sammlung mit 15 seltenen Aufnahmen, von
denen neun Tracks bisher unveröffentlicht sind. Diese Sammlung umfasst frühe Versionen, alternative
Mixe und Single-Versionen. Zu den Highlights zählen „WHITE ROOM (EARLY VERSION MONO MIX)“,
„DESERTED CITIES OF THE HEART (MONO ROUGH MIX / NO STRINGS)“ und „CROSSROADS
(MONO SINGLE VERSION)“ sowie sieben weitere alternative Stereo- und Mono-Mixe, drei Single Versionen und zwei seltene Live-Aufnahmen.
Abgerundet wird das Set durch ein Hardcover-Buch mit Begleittexten von Jim Faber und Fotos von Cream
aus dieser Zeit. Die fünf CDs befinden sich in einer Gatefold-Hülle und sind zusammen mit dem Buch in
einem stabilen Schuber mit silberner Laminierung untergebracht.
Creams bahnbrechendes drittes Album wird in dieser speziellen 3LP-Erweiterungsausgabe von WHEELS
OF FIRE: IN THE STUDIO dokumentiert.
Das 3LP-Set enthält eine neu remastered Stereoversion des neun Titel umfassenden Studioanteils von
Wheels Of Fire. Ursprünglich 1968 unter Verwendung von CSG-bearbeiteten Aufnahmen veröffentlicht,
präsentiert diese neu remastered, von CSG befreite Version das Album nun phasenkorrigiert und liefert die
Aufnahmen mit größerer Detailtreue und einem klaren Klangbild.
Ebenfalls enthalten ist eine neu remastered Mono-Version des Studioalbums. Diese Mono-Version, die aus
den persönlichen Referenzbändern des verstorbenen Cream-Produzenten Felix Pappalardi stammt, wurde
noch nie zuvor veröffentlicht.
Das Set enthält außerdem eine neu zusammengestellte Raritäten-Sammlung mit 11 seltenen Aufnahmen,
von denen acht bisher unveröffentlicht sind. Dazu gehören frühe Versionen, alternative Mixe und Single-Versionen. Zu den Höhepunkten dieser Sammlung zählen WHITE ROOM (EARLY VERSION MONO MIX)
und DESERTED CITIES OF THE HEART (MONO ROUGH MIX / NO STRINGS) sowie sechs weitere
alternative Stereo- und Mono-Mixe.
Diese Veröffentlichung auf 180 g schwerem schwarzem Vinyl wird in einem Gatefold-Cover mit metallischem
Pantone-Finish präsentiert

„It’s the Blues Man!“ ist das Debütalbum von Gitarrist, Harmonikaspieler, Sänger und Songwriter Eddie
Kirkland aus dem Jahr 1962, auf dem er von Saxofonist King Curtis und dessen Band begleitet wird.
Die kraftvolle Aufnahme stellt Kirklands raue, markante Stimme sowie seinen präzisen, groove-orientierten
Gitarrenstil eindrucksvoll in den Vordergrund.
In Zusammenarbeit mit Acoustic Sounds wurde das Album (AAA) von den Originalbändern remastered –
verantwortlich dafür war Matthew Lutthans im The Mastering Lab – und auf 180-Gramm-Vinyl gepresst.
Eine hochwertige Tip-on-Coverhülle mit Obi rundet das Gesamtpaket ab.

Found Songs gehört zu den ungewöhnlichsten und zugleich berührendsten Projekten in Olafur Arnalds" Werk. Innerhalb einer einzigen Woche komponierte, nahm und veröffentlichte der isländische Komponist jeden Tag einen neuen Song - unmittelbar und ohne Umwege. Das Ergebnis ist ein faszinierendes musikalisches Tagebuch: fragile Piano-Motive, zarte Streicher und dezente elektronische Texturen verbinden sich zu einer intimen Klangwelt zwischen Neoklassik und moderner Pop-Ästhetik. Die Einbindung der Fans - die das Artwork gestalteten - macht dieses Projekt zudem zu einem frühen Beispiel digitaler Kollaboration. Found Songs zeigt Arnalds auf dem Weg zu seiner unverwechselbaren Handschrift: reduziert, emotional und von stiller Intensität.

Wir begehen den 50. Jahrestag jenes Moments, als der 22-jährige Michael Gregory Jackson seine bahnbrechende erste Veröffentlichung "CLARITY / CIRCLE / TRIANGLE / SQUARE" aufnahm, eingespielt gemeinsam mit einer atemberaubenden Riege seiner Zeitgenossen: Oliver Lake, David Murray und Leo Smith. Es handelt sich um ein seltenes Dokument des New Yorker Loft-Jazz, das eine perfekte Balance zwischen verschiedenen Genres wahrt. 1976 aufgenommen, erscheint es nun erstmals als autorisierte LP-Neuauflage. Remastert und restauriert, ist es das perfekte Album, um sich in diesen komplizierten Zeiten in der Musik zu verlieren – und/oder sich selbst wiederzufinden.

In the nocturnal silence of the rooms that surround it, in 2021 Andrea Marazzi (Pietra Tonale, Umut Adan, Golpe), Carlo Barbagallo (Suzanne' Silver, Albanopower), Frank Alloa (Roncea) and Riccardo Salvini (Indianizer, Foxhound) came together to write the epic tale of Sexy Droga: a concept album about addiction, heartbreak, retromania, death, life and the future. Bass, guitar, drums, electric piano, three voices: when they play together, they call themselves NOCRAC. NOCRAC is the epitome of Turin's musical scene. It is a self-produced, self-funded and self-sustaining musical project that has benefited from the collaboration and commitment of another independent label: Overdub Recordings. NOCRAC has no specific musical target audience and no particular objective, other than to exist.

On the label's latest, Oath are proud to present 'Times', the latest morphological masterclass from Ukrainian producer extrodinaire Vakula, on which his boundless and intuitively captivating sound remains as absorbing as ever.

Drawing deeply from a rich palette of genres such as deep house, ambient, dub techno, and jazz, and feeding in inspirations from natural and philosophical spheres, Vakula's musical ethos has allowed him to continuously explore the inner and outer reaches of his universal soundscape. By feeling things out through hardware, he allows his music to grow organically, blending humanistic tendencies with technological outputs that always bring harmonious musical riches to the surface.
'Times' represents another seismic chapter in his story, one which contains a series of genre-defying blends that twist, turn, and enthrall with their ever-evolving beauty. 'Atmos Time' plays out as the EP opens up, and draws the listener close with a textured melodic chime and spaced out groove.

Floating along on a bed of cosmic ambience, the groove and melodic features cascade as one, drifting further through the layers of time and thought. 'Break Time' ups the urgency ever so slightly, with a similar atmosphere unraveling above an energised broken beat.
'Drum Time' brings in side B, and this one shifts perspective once more. The melodic sways up above merge and blend with the poly-rhythmic undertones, with the jungle-lite broken beat creating an enchanting energy. 'Soul Time' wraps things up, which moves into a distinctly ambient techno sort of realm. Dreamy pads and looping key lines intertwine amongst a captivating sea of mood and tone, as a laid-back beat shimmers underneath with poise and elegance. . A fitting end to a record filled with moments of tonal excellence, ever-shifting melodic feeling and rhythmic sequencing - an experience that forever drifts through the memory, always capturing the imagination….

Dudu Tassa, einer der führenden Rockstars Israels, ist der Enkel des kuwaitischen Musikers Daoud Al
Kuwaiti. Dessen musikalische Zusammenarbeit mit seinem Bruder Saleh als Al Kuwaiti Brothers erlangte
zwischen den 1930er und 1950er Jahren in der arabischen Welt Berühmtheit. Dudu Tassa und die Kuwaitis
eröffneten vor einigen Jahren das Coachella-Festival und wurden von Radiohead als Vorband für eine ihrer
US-Tourneen ausgewählt. Die Al Kuwaiti Brothers zählten in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu
den bedeutendsten Komponisten und Musikern Bagdads. Dudu Tassa hat einige der Aufnahmen der Al
Kuwaitis aufgegriffen, weiterentwickelt und zu seinem eigenen Sound modernisiert. „El Hajar“ erschien
ursprünglich 2019. Diese Version ist eine Wiederveröffentlichung im Stil ihres selbstbetitelten Albums und
von „Ala Shawati“ und enthält eine komplett neu interpretierte Version von „El Hajar“.

45 Jahre auf der Bühne haben nicht nur den Musiker Rainhard Fendrich geprägt. Seine Lieder wurden
in dieser Zeit zum persönlichen Soundtrack für Generationen von Menschen. Bleibende Erinnerungen und
ganze Lebensgeschichten sind bis heute eng mit seiner Musik verwoben. Mehr noch: Aus Liedern wurden
Hits, die sich verselbständigt und ein Eigenleben entwickelt haben, weil das Publikum sie zu etwas gemacht
hat, was weit über ihre ursprüngliche Bestimmung hinaus geht.
Seine Jubiläumstournee „45 Jahre – Nur ein Wimpernschlag“ hat Fendrich dazu genutzt, um gemeinsam mit seinen Fans 45 Jahre Erinnerungen zur feiern und mit ihnen auf eine musikalische Reise zu gehen:
mehr als vier Jahrzehnte Hits, von den 80er Jahren bis hin zur Gegenwart.
Das Album „45 Jahre“ ist ein einmaliges Erlebnis! Vor der beeindruckenden Kulisse des Wörthersees in
Klagenfurt und in der Stadthalle Wien wurden drei Stunden Emotionen, Erinnerungen und unvergessliche
Melodien live eingefangen.

Hungs drittes Album »Deliverance« folgt auf das von der Kritik hochgelobte »Devastations«. »Deliverance« ist die Nachwehen himmlischer Kollisionen, in denen das Leben Funken schlägt und Schatten umherstreifen. Ein Strudel aus aufsteigender Elektronik, verzerrten Gitarren und treibenden Rhythmen, die wie die letzte Bastion der Hoffnung klingen wie die letzte Bastion der Hoffnung, die durch die Wellen des technikfarbenen Lärms schreit. Mit »Deliverance« treibt Hung das voran, was in seiner gesamten Musik eine übergreifende Facette ist: Hoffnung.

Rhythmus, Melodie, Stimme und Lärm dienen alle dienen alle dazu, die Hoffnung zu verstärken, wie ein Leuchtturm am Rande eines Ozeans. Dies ist Hungs bisher erhabenste Kreation eine kolossale Aussage angesichts des Ausmaßes seiner bisherigen ikonischen Arbeit.

Although humankind has made it to the far side of the Moon and back, there is still more to discover. Strap in… Rex The Dog is taking us further out into the lesser-known realms of space disco.

‘Far Out!’ is a reinterpretation of an early breakbeat rave tune from 1991 by Son’z Of A Loop Da Loop Era. It’s a tribute to a simpler time when all you needed was a cascading piano riff played through a powerful sound system, with your best friend by your side.

In Rex’s version, the breakbeats and piano have been replaced with a punchy 4/4 beat and an arpeggiated synth workout that cuts through the air like a laser. Houston, we have a hit.

‘I Need Your Body’ showcases Rex The Dog’s more introspective side, with yearning vocals spread across a heavily bouncing rhythm track full of mind-boggling dub effects.

This new EP cements Rex The Dog’s status as a unique voice in today’s techno world, as well as an incredibly reliable purveyor of highly emotional dancefloor smash hits.
Obwohl die Menschheit es bereits bis zur Rückseite des Mondes und wieder zurück geschafft hat, gibt es noch immer Neues zu entdecken. Schnallt euch an … Rex The Dog entführt uns noch weiter in die weniger bekannten Gefilde des Space Disco.

„Far Out!“ ist eine Neuinterpretation eines frühen Breakbeat Rave Tracks aus dem Jahr 1991 von Son’z Of A Loop Da Loop Era. Es ist eine Hommage an eine einfachere Zeit, in der man nur ein kaskadenartiges Piano-Riff brauchte, abgespielt über ein kraftvolles Soundsystem, mit dem besten Freund an der Seite.

In Rex’ Version wurden die Breakbeats und das Piano durch einen druckvollen 4/4-Beat und ein arpeggiertes Synth-Riff ersetzt, das wie ein Laser durch die Luft schneidet. Houston, wir haben einen Hit.

„I Need Your Body“ zeigt die eher introspektive Seite von Rex The Dog, mit sehnsüchtigem Gesang, der sich über einen heftig bouncenden Rhythmus-Track voller verblüffender Dub-Effekte erstreckt.

Diese neue EP festigt Rex The Dogs Status als einzigartige Stimme in der heutigen Techno-Welt sowie als unglaublich zuverlässiger Lieferant hoch emotionaler Dancefloor Smash Hits.

Nach ihrem Debütalbum ,I" im Jahr 2023, das ihnen nationale Radiopräsenz, Auftritte bei großen Festivals und Europatourneen einbrachte, erweitert das Montrealer Art-Pop-Trio Bye Parula mit seinem zweiten Album ,Something Out of Nothing" seinen ästhetischen Horizont und widmet sich einem eher introspektiven Songwriting. Wie sein Vorgänger wurde ,Something Out of Nothing" von Robbie Kuster von Patrick Watson produziert und von Warren Spicer von Plants and Animals gemischt, aber das neue Album präsentiert auch ein Team von Mitwirkenden - darunter die Inuk-Sängerin und Songwriterin Elisapie, Adèle Trottier-Rivard von Bibi Club, Morgan Moore und Karkwa-Keyboarder François Lafontaine -, das von der wachsenden Bedeutung von Bye Parula in der kanadischen Indie-Szene zeugt. Das Ergebnis ist eine vielseitige Mischung, die sich aus dem orchestralen Funk von Serge Gainsbourg, den melancholischen Melodien von Elliott Smith, den weltlichen Rhythmen von Talking Heads und dem bodenständigen R&B von Dijon speist, allesamt durchdrungen von einer cineastischen Sensibilität der 70er Jahre, die die Grenze zwischen sonnendurchfluteter, weichgezeichneter Fantasie und urbaner Raffinesse verwischt. Doch die vergnügungssüchtigen Klänge von ,Something Out of Nothing" können die unter der Oberfläche lauernde Not nicht verdecken - dies ist ein Album, das Ihre Schultern musikalisch massiert, während es Ihnen textlich in die Magengrube schlägt.

Red "Eruption" Marble Blend" Doppel-Vinyl, inklusive 16-seitigem Booklet mit Texten und ausführlichen Liner Notes. Ursprünglich 1998 veröffentlicht, fing ,South Central Thynk Taynk" von Abstract Tribe Unique (Abstract Rude, Fat Jack, Zulu Butterfly Priest, Irie Lion King und DJ Drez) einen entscheidenden Moment in der Underground-Szene von Los Angeles ein - als junge schwarze Künstler den Hip-Hop von Grund auf neu erfanden. Mit einer Mischung aus jazzigen Beats, spiritueller Einsicht und einer äußerst unabhängigen Produktion wurde das Album zu einer Hymne auf Selbstständigkeit und kreative Rebellion. Jetzt wird dieser lange nicht mehr erhältliche Klassiker von Rhymesayers Entertainment als Deluxe-2xLP-Set mit einem Text-Booklet und einem Bonustrack neu aufgelegt und kehrt für eine neue Generation zurück. Im kulturellen Zentrum der Platte steht Project Blowed, eine legendäre Crew aus L.A., die von Abstract Rude und Aceyalone gegründet wurde und eine Reihe von Rap-Innovatoren hervorbrachte, deren Einfluss bis heute im globalen Hip-Hop zu spüren ist. Während der Mainstream-Rap den G-Funk-Boom der Westküste aufgriff, schlug die Blowed-Crew einen anderen Weg ein - geprägt von Jazz, radikaler Politik und afrozentrischem Futurismus. ,South Central Thynk Taynk" ist eine vielschichtige Zeitkapsel aus dieser revolutionären Zeit, die Ab Rudes tiefgründige Lyrik mit Fat Jacks genreübergreifendem Produktionsansatz verbindet und eine poetische Reflexion über Familie, Kampf und künstlerische Bestimmung schafft. Diese Neuauflage enthält den Titel ,L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)" mit einer generationsübergreifenden Besetzung von Schwergewichten - Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore und NGAFSH -, die unterstreicht, wie die Underground-Szene von L.A. seit Jahrzehnten ein kreatives Epizentrum geblieben ist. ,South Central Thynk Taynk" ist mehr als ein Kultartefakt; es ist ein lebendiges Dokument der Transformation, der Gemeinschaft und der künstlerischen Kraft.















[o] 15 : L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)” [feat. Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore, NGAFSH]

Erstauflage als "Sparkle Starlight Vinyl" 2LP mit Etching auf der vierten Seite. Im technischen Sinne war jedes bisherige Album des französischen Trios SLIFT eine Fantasie - ein Mix aus Genres und Formen, der es der Band ermöglichte, zu improvisieren und so lange zu jammen, bis sie sich scheinbar gemeinsam ins All zu winden schienen. Ihr gefeiertes drittes Album, "Ilion" aus dem Jahr 2024, war eine Science-Fiction-Geschichte, aufgebaut aus 10- bis 13-minütigen explorativen Eskapaden, die oft mit Doom Metal oder Stoner Rock begannen, bevor sie sich frei in glorreiche instrumentale Vergessenheit drehten. Doch mit einer gewissen absichtlichen Ironie heißt SLIFTs viertes Album tatsächlich "Fantasia". Es ist ihr bisher schlankstes und direktestes Album. Es ist auch ihr bisher fesselndstes Album, eine pointierte Saga über die Überwindung internationaler Umbrüche, vorgetragen von einer Band, die mit voller Kraft vorangeht und dabei keine einzige Sekunde verschwendet. Obwohl nur Jean und Bassist Rémi Fossat verwandt sind, ist SLIFT im Grunde eine Band von Brüdern. Mit Schlagzeuger Canek Flores sind sie schon seit der Highschool befreundet, und 2026 markiert ein Jahrzehnt zusammen in diesem Trio. Sie proben mit religiöser Regelmäßigkeit in einem Keller auf dem Land in der Nähe von Toulouse, in dem Jam-Raum, in dem sie schon lange ihrer Vorliebe für langatmige Wunder frönen. Für die Albumaufnahmen zu "Fantasia" überquerten sie die französische Nordgrenze nach Belgien, um in dem riesigen Live-Raum der Daft Studios ein kompaktes Set aus schlanken, agilen und druckvollen Songs aufzunehmen. Die vielfältigen Einflüsse der Band sind offensichtlich: Das Album erinnert an Clutch in voller Wildheit, John Coltrane, Charlie Parker, den sowjetischen Schriftsteller Michail Bulgakow, Pink Floyd und Black Sabbath aus der "Master of Reality"-Ära. Und das klangliche Gewebe wird durch das gekonnte Mixing von Kurt Ballou (Converge, Cave In, High on Fire) unterstützt. Den Songs fehlt es nicht an der Komplexität oder Intensität, die SLIFT zu einem aufstrebenden Star der Heavy-Musik gemacht haben; sie haben einfach neue Wege gefunden, die Komplexität ihrer Vergangenheit in jedes Stück einzuflechten, wie ein Wandteppich, der jedes Mal, wenn man hinschaut, eine neue Ebene offenbart. Damit vermitteln sie eine bestätigende und dringliche Botschaft: Gemeinsam können wir die Zeiten, in denen wir leben, noch immer verändern. Heutzutage ist es furchtbar leicht, sich machtlos zu fühlen. SLIFT setzt sich auf "Fantasia" direkt mit dem modernen Ansturm von Grausamkeit und Absurdität auseinander, sei es die Gleichgültigkeit gegenüber unserem Heimatplaneten oder zueinander. Aber in diesen acht Songs geht es darum, auf eine verborgene Kraft zu vertrauen, um zurückzuschlagen, um an eine Welt zu glauben, in der etwas, das wir noch nicht in Worte fassen oder definieren können, nicht nur einen Weg bietet, den Status quo zu durchbrechen, sondern ihn vielleicht sogar vollständig zu zerstören. SLIFT sind laut, heavy und aggressiv in diesen Hymnen. Sie bereiten sich auf einen Kampf vor, von dem sie glauben, dass wir ihn noch gewinnen können.

Nach dem Tod von Lee „Scratch“ Perry tauchte eine Flut von Aufnahmen auf, die sich alle als das „letzte“ oder „abschließende“ Projekt der jamaikanischen Ikone ausgaben. Sein letztes offizielles Albumprojekt führte ihn jedoch nach Berlin, wo er mit den Pionieren der elektronischen Musik, Mouse on Mars (alias Jan St. Werner und Andi Toma), zusammenarbeitete. Das daraus resultierende Album Spatial, No Problem dokumentiert die einzigartige Begegnung zweier musikalischer Universen – ein vielschichtiges Klangexperiment zwischen Dub, Elektronik und visionärer Klangforschung.
Spatial Audio Listening Event in Berlin in Kooperation mit dem CTM Festival im Juni geplant.

A.LIVE ist das erste offizielle Livealbum von Andreas Kümmert und zeigt ihn in seiner stärksten Disziplin: der Bühne. Das Doppelalbum bündelt einen kraftvollen, straighten Blues-Rock-Sound mit internationalem Anspruch und dokumentiert die Energie eines Künstlers, der seit Jahren 80-100 Shows jährlich in D/A/CH spielt. Mit einer gewachsenen, loyalen Fanbasis steht Kümmert für handgemachte Musik mit Wiedererkennungswert.

,Ruin Everything" ist das fünfte Studioalbum der Stockholmer Psychedelic-Rock-Pioniere Les Big Byrd. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat das Quartett seine Mischung aus Space Rock, hypnotisierender Psychedelia und diszipliniertem Krautrock perfektioniert. Angeführt von Songwriter und Produzent Jocke Åhlund Byrd um die ganze Welt getourt und sich dabei eine begeisterte Fangemeinde aufgebaut, wobei sie abwechselnd zu Hause als eine der größten Rockbands Schwedens und im Ausland als Underground-Psych-Act auftraten. Nach dem experimentellen und stark instrumentalen ,Diamonds, Rhinestones and Hard Rain" (2024) kehren Les Big Byrd auf ,Ruin Everything" zu einem stärker songorientierten Ansatz zurück, der an ihren Klassiker ,Iran Iraq IKEA" aus dem Jahr 2018 erinnert. Da die abenteuerlichsten Tendenzen der Band zugunsten eines strafferen, fokussierteren Sounds zurückgenommen wurden - der von dem dystopischen Epos ,Big Flood" bis zum Vollgas-Space-Rock von ,Hökvind" reicht -, ist ,Ruin Everything" Les Big Byrd in ihrer bisher besten Form.

,Ruin Everything" ist das fünfte Studioalbum der Stockholmer Psychedelic-Rock-Pioniere Les Big Byrd. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat das Quartett seine Mischung aus Space Rock, hypnotisierender Psychedelia und diszipliniertem Krautrock perfektioniert. Angeführt von Songwriter und Produzent Jocke Åhlund Byrd um die ganze Welt getourt und sich dabei eine begeisterte Fangemeinde aufgebaut, wobei sie abwechselnd zu Hause als eine der größten Rockbands Schwedens und im Ausland als Underground-Psych-Act auftraten. Nach dem experimentellen und stark instrumentalen ,Diamonds, Rhinestones and Hard Rain" (2024) kehren Les Big Byrd auf ,Ruin Everything" zu einem stärker songorientierten Ansatz zurück, der an ihren Klassiker ,Iran Iraq IKEA" aus dem Jahr 2018 erinnert. Da die abenteuerlichsten Tendenzen der Band zugunsten eines strafferen, fokussierteren Sounds zurückgenommen wurden - der von dem dystopischen Epos ,Big Flood" bis zum Vollgas-Space-Rock von ,Hökvind" reicht -, ist ,Ruin Everything" Les Big Byrd in ihrer bisher besten Form.

Rotting System aus Istanbul liefern genau das, was Hardcore immer sein sollte: roh, politisch und kompromisslos. Mit einer Mischung aus klassischem Hardcore-Punk und Crossover-Aggression richtet sich die Band gegen Ausbeutung, Ungleichheit und die Strukturen, die diese Zustände am Leben halten. Hier geht es nicht um Trends, Streamingzahlen oder Rockstar-Attitüden. Rotting System stehen für eine Szene, die von Menschen getragen wird, die Hardcore nicht nur hören, sondern leben. Laut, unbequem und ehrlich. 4 Track 7inch, black vinyl, 300 Stück ww mit Einleger

Diese LP präsentiert eine Auswahl besinnlicher Werke der klassischen Musik und richtet sich an Hörer:innen, die eine ruhige, reflektierte Klangatmosphäre suchen. Das Tracklisting verbindet groß besetzte orchestrale Kompositionen von Mahler und Williams mit der kammermusikalischen Präzision von Bach und Debussy. Seite A wird durch das Adagietto aus Mahlers 5. Sinfonie eröffnet, das insbesondere durch seine Verwendung im Film „Tod in Venedig” bekannt wurde. Es folgen das Thema aus „Schindlers Liste“ von John Williams sowie Faurés „Après un rêve“. Dadurch wird der erste Teil des Albums von dichten, orchestralen Arrangements geprägt. Die B-Seite wechselt in einen intimeren Rahmen und stellt die Solisten in den Vordergrund. Nach den impressionistischen Klängen Debussys folgt Saint-Saëns' „Aquarium“, das als Erkennungsmelodie der Filmfestspiele von Cannes bekannt wurde. Den Abschluss bildet Beethovens „Pathétique“-Sonate.

Das untote Quintett GRAVETY ist aus seinen Gräbern auferstanden. Angetrieben von der Kraft des mächtigen Cryptor haben sie neue epische Hymnen geschaffen, die diesmal düsterer und heavier sind. Auf ihrem dritten Album "Of Cults And Chaos" entführen sie ihre Children of the Grave in die verdammten Reiche des kosmischen Horrors. Inspiriert von H.P. Lovecraft und John Carpenters Apokalypse-Trilogie verbinden die Songs die Markenzeichen der Band wie treibende Riffs, eindringliche Parts, eingängige Refrains und dramatische Dual-Gitarren-Leads mit atmosphärischen Elementen und spannendem Songwriting. Tritt dem Kult bei!

FEAR - das gemeinsame Album von Jared Mattson von The Mattson 2 und Ruban Nielson von Unknown Mortal Orchestra - wurde im Juni 2024 aufgenommen. Alle Aufnahmen und der Mix fanden in Palm Springs statt. Gemastert von Matt Colton in den Metropolis Studios in London. --- "Ich wachte gegen Mittag auf, desorientiert, noch halb im Traum. Musik lief - unbekannt, voll ausgereift, die Art von Klang, von der man annimmt, dass sie zum Leben eines anderen gehört. Einen Moment lang dachte ich, ich würde noch schlafen und Musik hören, von der ich mir wünschte, ich hätte sie gemacht. Dann dämmerte es mir: Ruban Nielson war bereits wach, im Studio, und hörte sich an, was wir geschaffen hatten. Wir wussten es beide. Diese Musik hatte etwas Unvermeidliches an sich - als wäre sie weniger geschaffen als vielmehr entdeckt worden. Wir hörten sie uns immer wieder an, lachten und schüttelten den Kopf. Ein Track rief ein gemeinsames Bild hervor: einen immergrünen Wald an einem See bei Sonnenuntergang. Ruban blickte plötzlich auf, die Augen weit aufgerissen, als hätte man ihm gerade eine Botschaft überreicht. ,Ich habe den Titel", sagte er. American Eagle. Der Name wirkte genauso wie die Musik - klar, offensichtlich, unbestreitbar. Der amerikanische Traum: Hot Dogs, Cola, Fahrten bei Sonnenuntergang. Wir brachen beide in Gelächter aus, Tränen in den Augen, weil wir minutenlang so heftig lachten. Wir schwammen in seinem Pool. Das Gespräch hörte nie auf. Der Fluss blieb konstant, nährend, mühelos. Dann sagte Ruban es noch einmal - den Satz, der bereits zu einem Grundsatz geworden war: ,Lass uns mehr davon machen, das genau so klingt." Also taten wir das. Zwei Tage später war ,FEAR" fertig." - Jared Mattson

Daughter of Swords ist das Soloprojekt der Singer-Songwriterin Alex Sauser-Monnig aus North Carolina (they/she), die auch mit Bands wie Mountain Man und The A's Musik veröffentlicht hat. Ihr Solodebüt, Dawnbreaker, war eine ruhige Folk-Platte, die 2019 veröffentlicht wurde; in den Jahren seither hat Sauser-Monnig ein neues Selbstverständnis gefunden, persönlich und musikalisch. In den letzten Jahren ist die Musik von Daughter of Swords dorniger geworden, ein unvorhersehbares Gewirr aus Synthesizern, berauschenden Gitarren und blubbernden Rhythmen, ein Glanz, der Songs über die rohe menschliche Intensität im großen Stil umhüllt - Verknalltheit, Verlangen, Wut, Entfremdung, die Schrecken des Spätkapitalismus, die kaskadenartigen Paradigmenwechsel, auf die wir alle zuzusteuern scheinen. Eine Neubewertung innerer Systeme und Beziehungen aller Art - mit Kunst und Kreativität, mit anderen Menschen, mit dem Geschlecht - all dies ging einher mit Sauser-Monnigs Hinterfragung der spätkapitalistischen Kultur, die das Leben für arbeitende Künstler zu einer ungerechten Plackerei macht. Gezwungen, ihre gewohnten Denk- und Lebensweisen aufzugeben, fanden Sauser-Monnig neue Energie darin, alte Beschränkungen aufzulösen - sei es in Bezug auf das Musikgeschäft oder ihr Konzept von Geschlecht. Ihre Priorität war es, die Stimmung jedes Tracks zu maximieren, was in "Alex" Schichten aus synthetischen Texturen und unorthodoxen Schnörkeln zum Ausdruck kommt.

Seit mehr als drei Jahrzehnten befindet sich AFI in einem nahezu ständigen Prozess der Neuerfindung. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, sich mit jedem Album weiterzuentwickeln - manchmal sogar dramatisch - und sich niemals zu sehr in einem Genre einzurichten oder sich auf ihren beeindruckenden Erfolgen auszuruhen. Dieser Ansatz hat ihr Publikum vergrößert, aber auch herausgefordert mit einer klanglichen Identität, die sich in wilde, unerwartete Richtungen entwickeln kann. Mit ihrem zwölften Album "Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI erneut am Anfang eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie schafft es eine Band, die für kreative Umbrüche bekannt ist, immer wieder Wege zu finden, sich selbst aus ihrer Komfortzone herauszuziehen? Normalerweise beginnt die Band ein Album, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzt und sich einfach von ihrer intuitiven musikalischen Sprache leiten lässt. Für "Silver Bleeds the Black Sun_" jedoch haben AFI sich bewusst dazu entschlossen, ihren kreativen Ansatz komplett zu ändern. Diesmal begann alles mit einer Frage: Wie könnten sie neue Wege beschreiten? Der Schlüssel zum Fortschritt lag letztendlich in der gemeinsamen Vergangenheit von AFI. "Wir begannen mit etwas, das wie Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produzierte und abmischte. "Aber schließlich landeten wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk - all diesen Einflüssen aus den späten 70ern und frühen 80ern, mit denen wir aufgewachsen sind, wie Sisters of Mercy, Bauhaus und Siouxsie and the Banshees." Das Ziel war es, ein Album mit einer einzigartigen Stimmung zu schaffen, etwas Verträumtes und Ätherisches, und die Bandmitglieder tauchten kopfüber in Einflüsse ein, die schon immer tief in der Musik von AFI verwurzelt waren, jetzt aber in den Vordergrund rückten. "Silver Bleeds the Black Sun_" ist düster und jenseitig, aber auch grandios und würdevoll, bissig und schön zugleich - mit anderen Worten: Es ist sehr AFI, aber doch anders als alles, was man bisher von der Band gehört hat.

Hardcore-Neudenker Hammok aus Norwegen veröffentlichen ihr zweites Album, das erste bei Sargent House! Irgendwo mitten in Europa begann Sänger und Gitarrist Tobias Osland einen neuen Song zu schreiben, der die internationale Hardcore-Szene widerspiegelte, welche die Band alsbald sie die kleinen Alternative-Kreise Oslos verlassen hatten, mit offenen Armen empfing. Er und seine Bandkollegen - Schlagzeuger Ferdinand Aasheim und Bassist Ole Benjamin Thomassen - waren überwältigt, als sie auf neue Fans und Gleichgesinnte auf dem ganzen Kontinent trafen. Sie nahmen den Song "The Scene" mit auf die Tournee, ein Song von Menschen, die sich einst außen vor fühlten - und nun einen Ort in der Welt gefunden haben. Mit beeindruckenden Demos im Gepäck und der Absicht, ihren Sound zu verfeinern, experimentierten Hammok so lange, bis sie etwas gefunden hatten, das all ihre Impulse vereinte: explosiv, eingängig und detailreich. Sie erweiterten ihre Wurzeln aus Noise-Rock, Hardcore und Metal um ein breiteres, dynamischeres Terrain und verwebten industrielle Härte, Hip-Hop-Pulse, Synthie-Texturen und progressive Elemente zu klassischer Punk-Dringlichkeit. Indem sie die Gegensätze von Underground-Intensität und Pop-Sensibilität ausbalancierten, schufen sie so ein innovatives HC-Album. "When Does This Place Become Our Scene" ist eine Einladung - der Sound einer Band, die sich mit ganzem Herzen dieser neuen Musik widmet und dem Publikum verspricht, dass dieser Austausch, sich lohnt. Limitierte rote Vinyl-LP mit ausklappbarem Lyrics-Poster und DLC, CD im Digipak. FÜR FANS VON: METZ, Title Fight, Turnstile, Converge. GENRE/STIL: Hardcore, Alternative, Metal, Noise-Rock.