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Mit elf bisher unveröffentlichten BBC-Session-Aufnahmen und allen fünf Songs der ersten beiden Creation Records-Singles fängt 'Reverberations (Travelling In Time)' perfekt ein, was viele für eine entscheidende Ära einer der wichtigsten britischen Gruppen halten, die eine ganze Reihe von aufstrebenden Bands beeinflusste, allen voran The Stone Roses. Es ist eine Sammlung, die einen Schnappschuss der jugendlichen Unschuld und ungezügelten Leidenschaft bietet, die ihre frühen zweiminütigen Indie-Pop-Abenteuer kennzeichneten.

Louis Cole ist ein Singer-Songwriter und unverschämt talentierter Multiinstrumentalist mit einem ausgeprägten DIY-Ethos aus Los Angeles, Kalifornien. Er ist auf der Mission, tiefe Gefühle durch Musik zu erzeugen und ist das Aushängeschild einer allgemein dem Jazz nahestehenden Szene in L.A., zu der Genevieve Artadi (mit der Cole 2009 die Alt-Pop/ Elektrofunk-Band KNOWER gründete), Sam Gendel, Sam Wilkes, Jacob Mann, Thundercat-Keyboarder Dennis Hamm, Pedro Martins und viele mehr gehören. Sein neues Album, „Quality Over Opinion“, erscheint Mitte Oktober 2022 auf Brainfeeder Records.
Die 20 Tracks des Albums wurden von ihm selbst in seinem bescheidenen Heimstudio geschrieben, eingespielt und produziert, aber Louis lud eine Handvoll enger Freund*innen ein, ihren Beitrag zu leisten, u.a. Genevieve Artadi, den Saxophonisten Sam Gendel, den Pianisten Chris Fishman, Nate Wood von der Band Kneebody, Marlon Mackey und den Gitarristen Kurt Rosenwinkel. Louis' Hauptinstrument ist das Schlagzeug, und er hat einen Hintergrund im Jazz, obwohl die Musik, die er schreibt, wenig Ähnlichkeit mit Jazz im reinen oder klassischen Sinne hat. Dementsprechend gehören zu Coles Maßstäben für „Quality Over Opinion“ neben Jazz-Ikonen wie Miles Davis, der schwedischen Experimental-Metal-Band mit einem ausgeprägten Hang zu Jazz, Meshuggah, Morten Lauridsen und Super Mario Kart auch grenzüberschreitende Komponisten wie Gustav Mahler und György Ligeti. Coles verrückte Musikalität ist kein Geheimnis - seit einem Jahrzehnt lädt er Performance-Videos auf Youtube hoch und hat sich so eine treue Fangemeinde aufgebaut, die sowohl sein Handwerk als auch seinen ausgefallenen Stil zu schätzen weiß. Schlagzeug, Bass, Tasten... er hat eine sehr strenge Einstellung zum Üben und zur Perfektionierung seiner Kunst. Thundercat beschreibt ihn als „einen der größten Musiker von Los Angeles“ und lud ihn Anfang des Jahres ein, auf seiner jüngsten Japan-Tour Schlagzeug zu spielen. Die beiden haben häufig zusammen geschrieben, unter anderem auf Thundercats Liebeserklärung an Cole, „I Love Louis Cole“, aus seinem Grammy-gekröntem Album, „It Is What It Is“, auf „Bus In The Streets“ und „Jameel's Space Ride“ (aus Thundercats 2017er Werk, „Drunk“) und „Tunnels In The Air“ für Louis' 2018er Album, „Time“. Auch Flying Lotus hat seine Bewunderung für Louis zum Ausdruck gebracht und ihn während der Arbeit an seinem 2019er Album, „Flamagra“ als „super inspirierend“ bezeichnet. Im vergangenen Jahr begann Louis seine bisher größte Zusammenarbeit mit dem Grammy-prämierten Metropole Orkest, unter der Leitung von Jules Buckley, für eine Reihe einzigartiger Konzerte in den Niederlanden, die 2023 fortgesetzt werden, bevor er im Oktober dieses Jahres mit seiner Big Band durch die USA touren wird.

Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Hit-Singles "bad grades" und ein Jahr,
nachdem sie es auf eine Times Square-Billboard als Spotify Equal-Künstler geschafft
haben, kündigen Kids With Buns ihr Debütalbum "out of place" an. Ein Album über das
Erwachsenwerden und das Gefühl, ein Außenseiter zu sein, in eine Sammlung von
traurigen Songs übersetzt.
Einerseits enthält die Platte eine Sammlung von Dingen, die du dir einfach gewünscht
hättest, rückblickend auf einen bestimmten Moment, den du jedoch irgendwie nicht
ausgesprochen hast. Andererseits enthält sie auch starke introspektive und selbstkritische
Passagen. Obwohl das zentrale Thema des Albums das Erwachsenwerden ist, berührt es
viel mehr als nur das Erwachsenwerden, einschließlich Themen wie Trauer (was in
deinem Gehirn passiert), queer sein (wie schlimm, nichts Neues) und sich in seinem
eigenen Kopf festgefahren fühlen (Unordnung, das Gleichgewicht).
In einem improvisierten Heimstudio, in dem Amber und Marie praktisch den ganzen
Sommer über lebten, wurde "out of place" von Mathias Stal (1712, bad grades)
aufgenommen und produziert. Unter Beibehaltung ihres unverwechselbaren Sounds, der
aus Maries androgyner Stimme und Ambers eingängigen Gitarrenhooks besteht,
markieren die neuesten Singles eine Entwicklung hin zu einem lebhafteren und
extrovertierteren Sound. Ihre persönlichen Probleme und Unsicherheiten in
Ohrwurm-Refrains zu verwandeln, führte zu sofortigen Erfolgen bei Live-Auftritten mit
ausverkauften Konzerten an Orten wie AB (Brüssel), Vooruit (Gent), Ekko (Utrecht) und
Merleyn (Nijmegen). Dennoch ist "out of place" auch ein herzlicher Soundtrack zum
Cruisen oder für eine spätabendliche Wein-und-Weh-Sitzung.
Nach einem erfolgreichen Auftritt beim ESNS, der ihnen einen Platz in den Top 25 der
Acts des Festivals von 3voor12 einbrachte, erweitern Kids With Buns ihren Horizont. Mit
einem neugewonnenen größeren Sound kommt auch ein beeindruckender internationaler
Tourneeplan: von Slots in der Line-up von Down The Rabbit Hole (NL), Pukkelpop (BE)
und Reeperbahn (DE) bis hin zu ihren eigenen Release-Shows im Hauptsaal der
Ancienne Belgique und De Helling in Utrecht. Mit "out of place" fangen Kids With Buns
gerade erst an.

Originally released on white vinyl for Record Store Day 2021, this much sought after soundtrack is now available on a limited run of Transparent Red Vinyl.
2020 saw the release of the critically acclaimed “Audrey”, a documentary film taking an intimate look at Audrey Hepburn’s life with access to never-before-seen footage from her family’s personal collection and produced by the multi award-winning team behind “McQueen” and “Churchill”.
The soundtrack was composed by Alex Somers, an American composer and producer who has written and collaborated on soundtracks including “We Bought A Zoo”, “How To Train Your Dragon Trilogy”, “Aloha”, “The Circle”, “Captain Fantastic”, “Shia LaBeouf's Honey Boy” and Taylor Swift's Netflix original documentary “Miss Americana”. His work was first noticed in 2009 with Riceboy Sleeps, his ambient album collaboration with partner Jónsi (Sigur Rós). Following “Riceboy Sleeps”, Alex co-produced Jónsi’s 2010 debut solo album “Go”. He then opened his own recording studio in Reykjavík where he co-produced and mixed Sigur Rós’ 2013 album “Valtari”, and continued to collaborate with artists Jónsi, Julianna Barwick, Jóhann Jóhannsson, Gyða Valtýsdóttir, Damien Rice, Amiina, Sin Fang, Briana Marela.

Changing Channels ist das neue, zweiteilige Album des britischen DJ/Produzenten Pangaea (aka Kevin McAuley), sein erstes seit der gefeierten Debüt-LP In Drum Play (2016). Die Tracks sind galoppierend, ansteckend und hypnotisch und fangen Pangaeas Fähigkeit ein, Banger mit einer experimentellen Neigung zu konstruieren, ohne auf Wirkung zu verzichten. Ihr Fokus auf den Dancefloor ist dringend, nachdrücklich und von einer unbestreitbaren Präzision. Die beeindruckenden, unaufhaltsamen Grooves glänzen wie Marmor auf Beton: glatt und doch rau, attraktiv und doch aggressiv. Wie ein Zwielicht mitten in der Nacht, mit mysteriösen Elementen, die sich nicht als Bedrohung anfühlen, versprüht die Musik eine Wärme, die die Dunkelheit durchdringt.

Italian legend Walter Del Vecchio aka Quiroga pays tribute to the acid house era on Hell Yeah with a new package that comes with two originals, an ambient mix and a remix from cult hero DMX Krew.

Quiroga released his last sublime album Passages on this label and it came as the latest entry into a discography filled with beauty and detail. He is a talented musician from Naples who has his own left-of-centre take on the Mediterranean sounds of the city, as he shows once again here with a house-leaning outing.

Quiroga has teamed up with cult musician Dario Bassolino and called upon Whodamanny's mixing skills for these new tracks. First is 'Once Again', a punchy and chunky house cut with skewed bass spraying about the mix. Its rough analogue edges are lit up by searing acid lines that never quit and will turn any party into a cauldron of intensity. The Ambient Version is a full-flavour downtempo workout that keeps the wild acid lines, adds in some FX, old-school piano chords and a yelping female vocal next to a blissful breakdown. 'Once Again' (DMX Krew Remix) is then a bumping acid-electro monster with fat drums and the manic 303 offset by serene chord work to make for a perfectly emotional dance floor delight.

'Freak The Funk' is a second original cut, as rides of crisp snares and snapping drum breaks blend with a warm bassline and smeared cosmic chords up top. It's a classy peak-time house cut with magical pixelated synth melodies.

Alongside superb artwork from PlanetLuke, this is another essential package from Hell Yeah.


DJ Support:

Sean Johnston (ALFOS), Kristian (AME), Fango, Front De Cadeaux, Sinchi Collective, Phat Phil Cooper, Balearic Gabba Sound System

Das Debütalbum der Punk-Superstars RISE AGAINST von 2001. THE UNRAVELING in der Neuauflage (Remix, Remaster, Bonustracks) von 2018. Die aus Chicago stammende Band thematisiert Ungerechtigkeit und Ungleichheit, bricht weiterhin Rekorde, füllt Arenen und macht ihr riesiges globales Publikum auf wichtige progressive Themen aufmerksam. Alles begann im Jahr 2001, als ein Demo von zwei ehemaligen Mitgliedern von 88 Fingers Louie zu Fat Wreck gelangte. Es war ihre neue Band, Rise Against. FAT nahm sie sofort unter Vertrag, holten sie ins Studio und veröffentlichten ihr Debütalbum "The Unraveling". Nach der eiligen Veröffentlichung ging die Band auf Tour. Jahr für Jahr, Tour für Tour baute Rise Against langsam eine treue Fangemeinde in den USA und Europa auf. Rückblickend waren sowohl die Band als auch FAT der Meinung, dass die Produktion von "The Unraveling" aufgrund der Eile, mit der das Album veröffentlicht wurde, zu wünschen übrigließ. Nun, da die Band gewachsen ist und ihren spezifischen Sound besser gefunden hat, wurde beschlossen, das Album neu abzumischen, zu remastern und erneut zu veröffentlichen. FAT hat es dabei nicht belassen: Das Album enthält außerdem zwei Bonustracks aus derselben Zeit. "The Unraveling" ist ein Muss für die immer noch ständig wachsende Fangemeinde von Rise Against! "Rise Against sind melodischer Hardcore. Die Band zeigt, dass sie ihren Wurzeln bei 88 Fingers Louie nicht allzu fern ist, denn die Punk-Energie ist hier pur und unverfälscht. Wenn es jemals ein Album gab, dass dazu beitragen könnte, das Fingerzeigen und die Circle Pits zurückzubringen, dann wäre "The Unraveling" eine gute Wahl."

Das Debütalbum der Punk-Superstars RISE AGAINST von 2001. THE UNRAVELING in der Neuauflage (Remix, Remaster, Bonustracks) von 2018. Die aus Chicago stammende Band thematisiert Ungerechtigkeit und Ungleichheit, bricht weiterhin Rekorde, füllt Arenen und macht ihr riesiges globales Publikum auf wichtige progressive Themen aufmerksam. Alles begann im Jahr 2001, als ein Demo von zwei ehemaligen Mitgliedern von 88 Fingers Louie zu Fat Wreck gelangte. Es war ihre neue Band, Rise Against. FAT nahm sie sofort unter Vertrag, holten sie ins Studio und veröffentlichten ihr Debütalbum "The Unraveling". Nach der eiligen Veröffentlichung ging die Band auf Tour. Jahr für Jahr, Tour für Tour baute Rise Against langsam eine treue Fangemeinde in den USA und Europa auf. Rückblickend waren sowohl die Band als auch FAT der Meinung, dass die Produktion von "The Unraveling" aufgrund der Eile, mit der das Album veröffentlicht wurde, zu wünschen übrigließ. Nun, da die Band gewachsen ist und ihren spezifischen Sound besser gefunden hat, wurde beschlossen, das Album neu abzumischen, zu remastern und erneut zu veröffentlichen. FAT hat es dabei nicht belassen: Das Album enthält außerdem zwei Bonustracks aus derselben Zeit. "The Unraveling" ist ein Muss für die immer noch ständig wachsende Fangemeinde von Rise Against! "Rise Against sind melodischer Hardcore. Die Band zeigt, dass sie ihren Wurzeln bei 88 Fingers Louie nicht allzu fern ist, denn die Punk-Energie ist hier pur und unverfälscht. Wenn es jemals ein Album gab, dass dazu beitragen könnte, das Fingerzeigen und die Circle Pits zurückzubringen, dann wäre "The Unraveling" eine gute Wahl."

Es gibt auf "Da ist immer noch mein Herz" eine Menge Spannendes zu entdecken. Über Gefühle und Hoffnungen, über Schmerz und Niedergeschlagenheit, über Optimismus und Hingabe. Es sind Themen, die Staubkind derzeit beschäftigen und die ihn zu diesem wunderbaren Album inspiriert haben. Mitunter haben Krisen, wenn sie überstanden sind, eine heilende Wirkung. Die neuen Staubkind-Songs besitzen genau diese Fähigkeit! Und zwar nicht nur für Louis selbst. Denn für diese Musik gilt das Motto „Fang dir deine Träume“!

Es gibt auf "Da ist immer noch mein Herz" eine Menge Spannendes zu entdecken. Über Gefühle und Hoffnungen, über Schmerz und Niedergeschlagenheit, über Optimismus und Hingabe. Es sind Themen, die Staubkind derzeit beschäftigen und die ihn zu diesem wunderbaren Album inspiriert haben. Mitunter haben Krisen, wenn sie überstanden sind, eine heilende Wirkung. Die neuen Staubkind-Songs besitzen genau diese Fähigkeit! Und zwar nicht nur für Louis selbst. Denn für diese Musik gilt das Motto „Fang dir deine Träume“!

Es gibt auf "Da ist immer noch mein Herz" eine Menge Spannendes zu entdecken. Über Gefühle und Hoffnungen, über Schmerz und Niedergeschlagenheit, über Optimismus und Hingabe. Es sind Themen, die Staubkind derzeit beschäftigen und die ihn zu diesem wunderbaren Album inspiriert haben. Mitunter haben Krisen, wenn sie überstanden sind, eine heilende Wirkung. Die neuen Staubkind-Songs besitzen genau diese Fähigkeit! Und zwar nicht nur für Louis selbst. Denn für diese Musik gilt das Motto „Fang dir deine Träume“!

Mit elf bisher unveröffentlichten BBC-Session-Aufnahmen und allen fünf Songs der ersten beiden Creation Records-Singles fängt 'Reverberations (Travelling In Time)' perfekt ein, was viele für eine entscheidende Ära einer der wichtigsten britischen Gruppen halten, die eine ganze Reihe von aufstrebenden Bands beeinflusste, allen voran The Stone Roses. Es ist eine Sammlung, die einen Schnappschuss der jugendlichen Unschuld und ungezügelten Leidenschaft bietet, die ihre frühen zweiminütigen Indie-Pop-Abenteuer kennzeichneten.

Die zweifach mit dem GRAMMY® Award ausgezeichnete Sängerin und Songwriterin Lauren Daigle kündigt ihr kommendes selbstbetiteltes Album " Lauren Daigle" an, das am 12. Mai 2023 erscheinen wird.

Die erste Single aus dem upcoming Album "Thank God I Do" markiert den Beginn eines neuen kreativen Kapitels für die aus Louisiana stammende, mehrfach mit Platin ausgezeichnete Künstlerin, die erst letzten Monat bekannt gab, dass sie bei Atlantic Records in Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Label Centricity Music unterschrieben hat.
"Lauren Daigle" umfasst zwanzig gefühlvolle und erbauliche Songs, die in zwei Teilen veröffentlicht werden.
Die ersten zehn Songs erscheinen am 12. Mai, die anderen zehn später in diesem Jahr.
"Das ist mein wertvollstes Projekt", teilt Daigle mit, "es hat lustige Momente, feierliche Momente, extrovertierte Momente und introvertierte Momente. Und ich bin einfach begeistert davon, mein Songwriting auf dieser Platte weiter zu bringen als alles, was ich bisher gemacht habe."

Mit über einer Milliarde Streams und jahrelangen, ausverkauften US- und internationalen Tourneen festigt Lauren Daigle ihren Status als modernes Stimmgewaltmonster mit einer globalen, ständig wachsenden Fangemeinde.

Federnde Beats, melancholische Erinnerungen an vergangene Lieben und das aufregend vage Gefühl einer gemeinsamen Zukunft vereinen Lena&Linus auf ihrer zweiten EP "Sekundenschlaf". Die musikalischen Referenzen sind amerikanisch, irgendwo zwischen Angus & Julia Stone und Clairo. Textlich schafft es das Würzburger Duo, emotionale deutsche Text zu schreiben, die leicht und locker daherkommen und nie kitschig klingen. Kennengelernt haben sich Lena und Linus in der Würzburger Musikszene, in der beide unterwegs waren: Linus mit selbstproduziertem englischsprachigem Indie-Pop, Lena mit elektronischem Deutsch-Pop. Wenn man jung ist und nicht so viel geht, dort wo man ist, ist das ein schlüssiger Gedanke: Lass doch mal was zusammen machen. Also fangen die beiden an, zusammen Konzerte zu spielen. Stadtfeste, lokale Festivals, was man eben so spielt.

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Big Bull. Jede Platte ist gleichermaßen ein Crash-Kurs in allem, was dieses spezielle Stück Musikgeschichte ausmacht: Fotos aus Hinterhöfen und Kellern; Essays, die bestimmte Aufnahmen beschreiben; Farbpaletten, die Zeit und Ort widerspiegeln. Mit über sieben Stunden und 55.000 Wörtern ist Epoch eine maximalistische Sammlung. Aber man muss kein Komplettist sein, um zu verstehen, was es bedeutet, sich mit seinen besten Freunden zusammenzukauern und Dinge zu erschaffen, für diese Dinge zu träumen, zu lernen, zu kämpfen und zu wachsen.

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Big Bull. Jede Platte ist gleichermaßen ein Crash-Kurs in allem, was dieses spezielle Stück Musikgeschichte ausmacht: Fotos aus Hinterhöfen und Kellern; Essays, die bestimmte Aufnahmen beschreiben; Farbpaletten, die Zeit und Ort widerspiegeln. Mit über sieben Stunden und 55.000 Wörtern ist Epoch eine maximalistische Sammlung. Aber man muss kein Komplettist sein, um zu verstehen, was es bedeutet, sich mit seinen besten Freunden zusammenzukauern und Dinge zu erschaffen, für diese Dinge zu träumen, zu lernen, zu kämpfen und zu wachsen.

2LP Glow In The Dark Vinyl Reprint limited to 3.000 units

IN FLAMES repräsentieren das Beste aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Metal. IN FLAMES sind heute genauso vital und sogar noch energiegeladener als in den vergangenen Jahrzehnten, als sie Klassiker wie Come Clarity und Clayman herausbrachten.

Die Band hat sich einen umwerfenden Ruf erspielt, indem sie auf der ganzen Welt bei jedem erdenklichen großen Rock- und Metal-Festival mitreißende und inspirierende Auftritte absolvierte, als Headliner auf mehreren Tourneen auftrat und mit Bands wie Slipknot, Megadeth, Judas Priest, Killswitch Engage, Within Temptation und Lamb Of God tourte. Sie treten regelmäßig auf einigen der größten Bühnen und Festivals der Welt auf.

"Foregone", das furiose vierzehnte Studioalbum, verbindet die größten aggressiven, metallischen und melodischen Stärken ihrer bahnbrechenden Alben mit dem ausgereiften Songwriting ihrer postmodernen Ära. "Foregone" schafft es meisterhaft, wenn auch unwahrscheinlich, alle Seiten der In Flames-Fangemeinde mit kraftvoller Wucht zu bedienen.

Ein Gefühl von Stolz, Leistung und anhaltender Vitalität ist jedes Mal, wenn die Band die Bühne betritt, und überall auf "Foregone" zu spüren. Als Pioniere des Melodic Death Metal und innovative Verfechter des Grooves sind die Kunst, der Einfluss, die Größe und die Zukunft von In Flames so groß wie der Heavy Metal-Horizont selbst.

Ghanas Linda Ayupuka spielt zeremonielle Fra Fra-Musik über schnelle Feuertempi und hypnotische Drumloops, die auf eine internationale Palette elektronischer Tanzstile verweisen, vom DJ-geführten Balani Show-Straßensound Malis über Electro-Acholi bis zu modernem Dancehall/R&B. Auf 'God Created Everything' fängt sie die Unmittelbarkeit früher Aufnahmen von Größen wie Oumou Sangaré und Rokia Traoré ein, um sich als neues westafrikanisches Gesangstalent zu präsentieren. Ihr Produzent Francis Ayamga (Top Link Studios), Live-Drummer von Ghanas King Ayisoba und Produzent der meisten Tracks auf dessen jüngstem Album für Glitterbeat, hebt Lindas Gesang mit seiner spielerischen Produktion von Laptop-DJ-Samples und abstürzenden Drum-Pads in den Himmel.

"(Linda) exists somewhere between the Malian singer Oumou Sangare´ and the lo-fi-to-the-future beats heard on the Nyege Nyege Tapes label." - NPR - All Songs Considered - Best Of 2022

"Combining traditional instrumentation and call-and-response vocals with sparkling synths, rapid-fire beats, and drum machine polyrhythms. Ayupuka achieves an electrifying syncretism on this album, giving Fra Fra gospel its rightful place on the global dance music stage." - BANDCAMP, Best Of 2022

"An uptempo blend of choral chants and sparkling, 80s electro synths." - THE GUARDIAN, Albums Of The Month

"Linda Ayupuka fait du gospel façon disco au Ghana et chante son amour de Dieu sur des synthés entêtants." - LE MONDE

"A mashup of gospel, disco and savannah sounds, produced with all the D.I.Y vim of Balani Show, Nyege Nyege Tapes and the Awesome Tapes roster." - PAN AFRICAN MUSIC - Best Of 2022

"Super interesting!" - GILLES PETERSON, BBC 6MUSIC

Long out-of-print release available digitally for the first time. Extensive notes by a local writer in English and French. Previously unpublished family photos. Urbanized traditional music at a dance-floor-friendly tempo. The very definition of an "Awesome Tape From Africa". Roger Bekono made a deep mark in the contemporary history of Cameroonian music through the four-on-the-floor, ribald intensity of bikutsi. The Ewondo-language dance-pop style that forms an undulating tapestry of interlocking triplet rhythmic interplay came to international prominence in the European "world music" scene as the 90s began. But the relentless sound of bikutsi developed in Yaoundé at the hands of Bekono and many others, as it developed from a village-based singing style performed mostly by women into a cosmopolitan music force that rivaled the popularity of established musics like Congolese rhumba, merengue and makossa. With his unique—some say suave—voice, Bekono contributed much over a period of more than 10 years as part of the evolution of this traditional rhythm-turned-urban dance movement. Bekono worked with legendary producer Mystic Jim, who had built a prolific home studio along with a crack team of musicians. They joined as part of the production of his self-titled album, which became known locally as "Jolie Poupée," the name of the album's lead single and most popular song. For "Jolie Poupée" Mystic Jim programmed the kick or bass drum, adding effects to have a heavier bass. Overall the album represented a new level of finesse and professionalism for his second release. In the middle of 1989, Jolie Poupée was released by the label Inter Diffusion System and aggressively hit the radio, discos and national television. The music video for the title track was on loop on TV. It felt like everyone was talking about it, even artists in adjacent music scenes like makossa. The album came out on vinyl and cassette and remains Bekono's best-selling recording to this day. With Jolie Poupée Bekono finally made an impact outside Cameroon as the record captured listeners in some Central African countries like Equatorial Guinea, Gabon, Republic of Congo and Sao Tome & Principe. In these countries, we find the Fang or Mfan people (also known as Ekang), Bantu-speaking ethnic groups that are also found in Cameroon. This umbrella language group includes the language in which bikutsi is mainly sung. Most of Bekono's songs are in French, Ewondo (of which Beti is a dialect) and Pidgin. The four songs on Jolie Poupée are all considered bikutsi classics. On September 15, 2016, Bekono died of a long illness at the age of 62. In the wake of his passing the media published a wave of tributes, thanking him for what he did for Cameroonian music. He was an admired musician, songwriter and guitarist, and some of his old colleagues and some of the new generation of performers showered Bekono with vibrant tributes via social media, many of which noting something to the effect of: "The artist dies but his works remain."

“Come, Sweet Death” alternates between brutality and winding single string melodies that brings you back to the golden age of Swedish Death Metal! They say that the more things change the more they stay the same. If there’s one thing that has remained stable despite living in 2023 is that we love Swedish Death Metal. The style has become a favorite of ours over the past 35 years. Something about the guitar tone just makes you want to devour any release that can be described as “Inspired by early Entombed and Dismember”. The good thing is that there’s an incredible wealth of bands that draw from that well. The bad thing is that said wealth leads to a lot of bands becoming indistinguishable due to how same they are. Thankfully, Imperishable’s “Come, Sweet Death” manages to stand out from the pack, in no small part due to breaking away from the genre’s usual trappings. And in a way this is no surprise since the band members were or are involved in Vampire, Portrait, Nominon and Dr. Living Dead! As you might have already gathered, the band draws a lot from the Stockholm scene, more specifically Dismember, that is undeniable. What’s really interesting though is that they draw from their later, and more melodic influenced era as much as from the early days. Imperishable, like their peers effortlessly blends the aggressive buzzsaw riffing with leads brimming with melody, which most modern bands in the style avoid in favor of pure aggression. Said blend can be seen throughout their debut album, though it can be felt more on the longer tracks, like “Teeth of the Hydra” and “Fangs”, where the band has more room to develop their ideas and mix grinding Death Metal with NWOBHM-inspired leads and riffs. In short: Imperishable has great songs, great melodies, well-arranged structures and still is brutal, just like the great old bands were. And the production is spot on for this release. It is good to hear a band experiment beyond the confines of the original old school Swedish Death Metal sound. “Come, Sweet Death” is an extremely promising release, and a small breath of fresh air in an otherwise stale scene. Imperishable’s love for the more melodic aspects of the style make them worth keeping an eye on now and in future.

Wenn die Dämmerung auf das Land der tausend Seen fällt, werden die Schleier zwischen unserer Realität und der Anderswelt dünner im Zwielicht der Wälder und Sümpfe. In solchen Momente gelangen Geschichten wie "das Märchen, das es nie gab" in die Texte und Musik von TENHI. Auf ihrem sechsten Album "Valkama", was unter anderem so viel wie "Hafen" oder "Zuflucht" bedeutet, erzählen die Finnen von einer die ursprünglich als Märchen gedachten Reise aus einem brennenden, vom Krieg zerrissenen Dorf über dunkle Gewässer zu einer Insel der Toten. Auf dieser Insel, die in der finnischen Folklore Verisurma ("der Ort für diejenigen, die den Blut-Tod erlitten haben") genannt wird, wohnen diejenigen, die im Krieg starben oder mit einer Klinge getötet wurden. An den Ufern vergießen sie für immer ihr Blut. Doch in den zehn Jahren, in denen TENHI an dem Album arbeiteten, sickerte zunehmend die blutige Realität mit ihren aktuellen Schrecken und Kriegen in die Märchenwelt ein. Jahr für Jahr spürten die Musiker, wie ihre Geschichte immer wirklicher erschien. Schließlich war ein Pegelstand erreicht, an dem die Band beschloss, ihren Kurs zu ändern. Obwohl noch immer Anklänge an das ursprüngliche Werk hörbar und im Artwork auch sichtbar sind, fühlt sich das finale Album ruhiger, harmonischer und sogar heller an als die erste Fassung. Die Band hätte kaum einen passenderen Namen als TENHI wählen können. Das alte finnische Wort bezeichnet einen "Ältesten" oder "Schamanen". Während die Schamanen des finnischen Nordens unter anderem als Vermittler zwischen ihrer Gemeinschaft und der Geisterwelt dienten, sind TENHI musikalische Grenzgänger zwischen dunklem Folk und Folkrock, die sogar bis in die elektrifizierte Welt des Metal hinein wirken. Dies legt zwar einen Vergleich mit WARDRUNA und HEILUNG nahe, doch nur im spirituellen Sinne und nicht in Hinblick auf den Stil. TENHI wurden im Jahr 1996 von Gitarrist und Sänger Tyko Saarikko ins Leben gerufen. Ein paar Jahre später stieß Ilmari Issakainen zur Band. Gemeinsam bilden die beiden Musiker den kreativen Kern der Gruppe. Nach der Selbstveröffentlichung ihres Demos "Kertomuksia" (1997) und der MCD "Hallavedet" (1998) trafen die Finnen 1999 mit dem Debütalbum "Kauan" auf Anhieb einen Nerv. Ins neue Jahrtausend starteten TENHI dann mit einer weiteren MCD namens "Airut:ciwi" (2000). Es folgte eine Reihe von Alben, die von "Väre" (2002) über "Maaäet" (2006) und "Airut:aamujen" (2006) bis zu "Saivo" (2011) reichte. Mit jedem neuen Album vergrößerten die Finnen ihre treue Fangemeinde, die aus diversen musikalischen Richtungen kommt. TENHI verbanden von Anfang an akustische Instrumente und traditionelle Töne mit Strukturen aus der zeitgenössischen Rockmusik. Während das Vorgängeralbum "Saivo" zuletzt verstärkt in Richtung Ambient und Panorama-Soundtrack tendierte, kehrt "Valkama" zu Songstrukturen zurück - wenn auch oft mäandernd und im epischen Format. "Valkama" kommt mit den typisch finnischen Gefühlen der Sehnsucht und anhaltender Melancholie daher. Doch trotz der hörbaren Dunkelheit bieten TENHI ein musikalisches Antidot für die Schrecken der modernen Welt an. Im Zwielicht der Welt des Nordens ist "Valkama" der Silberstreif am Horizont, der innere Geborgenheit und Frieden verspricht.

Gatefold 2LP (clear vinyl) with etching on side D, insert, padded inner sleeves and protection sleeve (300 copies)

Wenn die Dämmerung auf das Land der tausend Seen fällt, werden die Schleier zwischen unserer Realität und der Anderswelt dünner im Zwielicht der Wälder und Sümpfe. In solchen Momente gelangen Geschichten wie "das Märchen, das es nie gab" in die Texte und Musik von TENHI. Auf ihrem sechsten Album "Valkama", was unter anderem so viel wie "Hafen" oder "Zuflucht" bedeutet, erzählen die Finnen von einer die ursprünglich als Märchen gedachten Reise aus einem brennenden, vom Krieg zerrissenen Dorf über dunkle Gewässer zu einer Insel der Toten. Auf dieser Insel, die in der finnischen Folklore Verisurma ("der Ort für diejenigen, die den Blut-Tod erlitten haben") genannt wird, wohnen diejenigen, die im Krieg starben oder mit einer Klinge getötet wurden. An den Ufern vergießen sie für immer ihr Blut. Doch in den zehn Jahren, in denen TENHI an dem Album arbeiteten, sickerte zunehmend die blutige Realität mit ihren aktuellen Schrecken und Kriegen in die Märchenwelt ein. Jahr für Jahr spürten die Musiker, wie ihre Geschichte immer wirklicher erschien. Schließlich war ein Pegelstand erreicht, an dem die Band beschloss, ihren Kurs zu ändern. Obwohl noch immer Anklänge an das ursprüngliche Werk hörbar und im Artwork auch sichtbar sind, fühlt sich das finale Album ruhiger, harmonischer und sogar heller an als die erste Fassung. Die Band hätte kaum einen passenderen Namen als TENHI wählen können. Das alte finnische Wort bezeichnet einen "Ältesten" oder "Schamanen". Während die Schamanen des finnischen Nordens unter anderem als Vermittler zwischen ihrer Gemeinschaft und der Geisterwelt dienten, sind TENHI musikalische Grenzgänger zwischen dunklem Folk und Folkrock, die sogar bis in die elektrifizierte Welt des Metal hinein wirken. Dies legt zwar einen Vergleich mit WARDRUNA und HEILUNG nahe, doch nur im spirituellen Sinne und nicht in Hinblick auf den Stil. TENHI wurden im Jahr 1996 von Gitarrist und Sänger Tyko Saarikko ins Leben gerufen. Ein paar Jahre später stieß Ilmari Issakainen zur Band. Gemeinsam bilden die beiden Musiker den kreativen Kern der Gruppe. Nach der Selbstveröffentlichung ihres Demos "Kertomuksia" (1997) und der MCD "Hallavedet" (1998) trafen die Finnen 1999 mit dem Debütalbum "Kauan" auf Anhieb einen Nerv. Ins neue Jahrtausend starteten TENHI dann mit einer weiteren MCD namens "Airut:ciwi" (2000). Es folgte eine Reihe von Alben, die von "Väre" (2002) über "Maaäet" (2006) und "Airut:aamujen" (2006) bis zu "Saivo" (2011) reichte. Mit jedem neuen Album vergrößerten die Finnen ihre treue Fangemeinde, die aus diversen musikalischen Richtungen kommt. TENHI verbanden von Anfang an akustische Instrumente und traditionelle Töne mit Strukturen aus der zeitgenössischen Rockmusik. Während das Vorgängeralbum "Saivo" zuletzt verstärkt in Richtung Ambient und Panorama-Soundtrack tendierte, kehrt "Valkama" zu Songstrukturen zurück - wenn auch oft mäandernd und im epischen Format. "Valkama" kommt mit den typisch finnischen Gefühlen der Sehnsucht und anhaltender Melancholie daher. Doch trotz der hörbaren Dunkelheit bieten TENHI ein musikalisches Antidot für die Schrecken der modernen Welt an. Im Zwielicht der Welt des Nordens ist "Valkama" der Silberstreif am Horizont, der innere Geborgenheit und Frieden verspricht.

Gatefold 2LP (clear vinyl) with etching on side D, insert, padded inner sleeves and protection sleeve (300 copies)

"Come, Sweet Death" wechselt zwischen Brutalität und sich windenden Single-String-Melodien, die einen in die goldenen Zeiten des schwedischen Death Metal zurückversetzen!

Man sagt, dass je mehr sich die Dinge ändern, desto mehr bleiben sie gleich. Wenn es eine Sache gibt, die stabil geblieben ist, obwohl wir im Jahr 2023 leben, dann ist es, dass wir schwedischen Death Metal lieben. Dieser Stil hat sich in den letzten 35 Jahren zu einem unsererFavoriten entwickelt.
Irgendetwas am Gitarrensound macht einfach Lust, jede Veröffentlichung zu verschlingen, die als "inspiriert von frühen Entombed und Dismember" beschrieben werden kann. Das Gute daran ist, dass es eine unglaubliche Fülle von Bands gibt, die aus dieser Quelle schöpfen. Das Schlechte ist, dass dieser Reichtum dazu führt, dass viele Bands nicht mehr zu unterscheiden sind, weil sie sich so sehr ähneln.

Glücklicherweise gelingt es lmperishable mit "Come, Sweet Death", aus der Masse herauszustechen, was nicht zuletzt daran liegt, dass sie sich von den üblichen Merkmalen des Genres lösen. Und in gewisser Weise ist das keine Überraschung, denn die Bandmitglieder waren oder sind an Vampire, Portrait, Nominon und Dr. Living Dead beteiligt! Wie Sie vielleicht schon gemerkt haben, hat die Band vieleEinflüsse aus der Stockholmer Szene, insbesondere von Dismember, was nicht zu leugnen ist

Stil war gestern, Transformation und Genrevielfalt sind heute! Mit seiner bestens eingespielten Formation Shake Stew, die sich aus zwei Bässen, zwei Schlagzeugern und einem edlen Bläsertrio zusammensetzt, bietet der österreichische Kontrabassist Lukas Kranzelbinder ein intergalaktisches Roadmovie für die Ohren und "good vibrations" für die Seele. Auf dem Debütalbum "The Golden Fang" wehen schamanische Klangschlieren und böllern kolossale Beat-Architekturen, während energietrunkene Bläserstimmen Schlangenlinien fahren. Stimmungen werden smart einer langsamen Metamorphose unterzogen, Soli elegant in ein atmosphärisch dichtes Klangbild eingehüllt. Das gemahnt mal an eine Marching Band, dann wieder an freitonale Feste, wobei zwischendurch auch orientalische Skalenexkurse und bluesige Andeutungen farblich aufblitzen. "Mit diesem Nachwuchs steht der österreichische Jazz auf gesunden Beinen", befanden die "Oberösterreichischen Nachrichten".

ATROCITY sind mit aller Macht zurück: "OKKULT III" markiert das furiose Finale der "OKKULT" Album-Trilogie und ist gespickt mit brutalen Death Metal-Granaten! Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst! Freut euch auf ein Album mit gnadenlosen Nackenbrechern und grandiosen Death Metal Krachern!

Schon der Chart-Breaker "OKKULT II" begeisterte die ATROCITY Fangemeinde und die Metal-Presse gleichermaßen mit packenden Death Metal Songs, die unter die Haut gehen.
Mit "OKKULT III" werden ATROCITY ihre Fanschar endgültig zur Ekstase bringen: Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst!
Als Gastsänger sind Elina Siirala (Leaves' Eyes), Zoë Marie Federoff (Catalyst Crime, Cradle Of Filth) und Robse Dahn (Equilibrium) auf dem Album vertreten.
"OKKULT III" ist der krönende Abschluss der "OKKULT"-Trilogie und ein Meisterwerk deutschen Todesmetalls!

Die zweifach mit dem GRAMMY® Award ausgezeichnete Sängerin und Songwriterin Lauren Daigle kündigt ihr kommendes selbstbetiteltes Album " Lauren Daigle" an, das am 12. Mai 2023 erscheinen wird.

Die erste Single aus dem upcoming Album "Thank God I Do" markiert den Beginn eines neuen kreativen Kapitels für die aus Louisiana stammende, mehrfach mit Platin ausgezeichnete Künstlerin, die erst letzten Monat bekannt gab, dass sie bei Atlantic Records in Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Label Centricity Music unterschrieben hat.
"Lauren Daigle" umfasst zwanzig gefühlvolle und erbauliche Songs, die in zwei Teilen veröffentlicht werden.
Die ersten zehn Songs erscheinen am 12. Mai, die anderen zehn später in diesem Jahr.
"Das ist mein wertvollstes Projekt", teilt Daigle mit, "es hat lustige Momente, feierliche Momente, extrovertierte Momente und introvertierte Momente. Und ich bin einfach begeistert davon, mein Songwriting auf dieser Platte weiter zu bringen als alles, was ich bisher gemacht habe."

Mit über einer Milliarde Streams und jahrelangen, ausverkauften US- und internationalen Tourneen festigt Lauren Daigle ihren Status als modernes Stimmgewaltmonster mit einer globalen, ständig wachsenden Fangemeinde.

AUSTERE sind wieder da. Die Australier kehren mit ihrem dritten Album zurück - und sie sind ebenso lakonisch und bodenständig wie zuvor. Die neuen Tracks auf "Corrosion of Hearts" stehen auf dem gleichen soliden Black Metal Fundament wie zu dem Zeitpunkt, als die Band nach der Veröffentlichung des zweiten Langspielers "To Lay Like Old Ashes" im Jahr 2009 in einen langen Winterschlaf ging, Die vielschichtigen, rauen und oft sogar verträumten Gitarrengewebe von Mitchell Keepin werden durch das gefühlvolle Schlagzeugspiel von Tim Yatras perfekt ergänzt. Letzterer steuert auch Keyboard-Tüpfel und cineastische Klanglandschaften bei. Die Australier komponieren weiterhin mäandernde, fließende musikalische Gedankenströme von meist epischem Ausmaß. Auf "Corrosion of Hearts" entwickelt sich AUSTEREs Stil zu einer reifen und klar definierten Ausdrucksform weiter. Dies ist keine große Überraschung, da beide Musiker während ihrer Auszeit von der Band anderweitig musikalisch aktiv waren und so ihren Horizont erweitern konnten. Das Duo hat sich gleichwohl mehr Zeit genommen, um die neuen Songs so zu gestalten, bis sie ihrer Klangabsicht exakt entsprechen. Die größere Erfahrung bringt auch mehr Entschlossenheit mit sich. AUSTERE entstanden aus einem bestehenden Soloprojekt des Multiinstrumentalisten und Sängers "Desolate" alias Mitchell Keepin, der im Jahr 2005 auf den Schlagzeuger, Keyboarder und Sänger "Sorrow" aka Tim Yatras traf. Obwohl sich die Australier schnell eine ebenso treue wie beachtliche Fangemeinde erspielen konnten, beschlossen AUSTERE, eine längere Pause einzulegen, bevor sie im Jahr 2021 ihre Aktivitäten wieder aufnahmen. Als erstes Zeichen ihrer Wiedergeburt veröffentlichte die Band eine Zusammenstellung ihres früheren Materials, das als Artbook-Edition unter dem Titel "Towards the Great Unknown" bei Lupus Lounge erschienen ist. Mit neu entfachter Leidenschaft und einer klaren Vision kehren AUSTERE nun mit ihrem längst sehnsüchtig erwarteten dritten Album "Corrosion of Hearts" zurück. Voller Schönheit, Stolz und Dunkelheit zieht ein mächtiger schwarzer Sturm aus Down Under herauf.

AUSTERE sind wieder da. Die Australier kehren mit ihrem dritten Album zurück - und sie sind ebenso lakonisch und bodenständig wie zuvor. Die neuen Tracks auf "Corrosion of Hearts" stehen auf dem gleichen soliden Black Metal Fundament wie zu dem Zeitpunkt, als die Band nach der Veröffentlichung des zweiten Langspielers "To Lay Like Old Ashes" im Jahr 2009 in einen langen Winterschlaf ging, Die vielschichtigen, rauen und oft sogar verträumten Gitarrengewebe von Mitchell Keepin werden durch das gefühlvolle Schlagzeugspiel von Tim Yatras perfekt ergänzt. Letzterer steuert auch Keyboard-Tüpfel und cineastische Klanglandschaften bei. Die Australier komponieren weiterhin mäandernde, fließende musikalische Gedankenströme von meist epischem Ausmaß. Auf "Corrosion of Hearts" entwickelt sich AUSTEREs Stil zu einer reifen und klar definierten Ausdrucksform weiter. Dies ist keine große Überraschung, da beide Musiker während ihrer Auszeit von der Band anderweitig musikalisch aktiv waren und so ihren Horizont erweitern konnten. Das Duo hat sich gleichwohl mehr Zeit genommen, um die neuen Songs so zu gestalten, bis sie ihrer Klangabsicht exakt entsprechen. Die größere Erfahrung bringt auch mehr Entschlossenheit mit sich. AUSTERE entstanden aus einem bestehenden Soloprojekt des Multiinstrumentalisten und Sängers "Desolate" alias Mitchell Keepin, der im Jahr 2005 auf den Schlagzeuger, Keyboarder und Sänger "Sorrow" aka Tim Yatras traf. Obwohl sich die Australier schnell eine ebenso treue wie beachtliche Fangemeinde erspielen konnten, beschlossen AUSTERE, eine längere Pause einzulegen, bevor sie im Jahr 2021 ihre Aktivitäten wieder aufnahmen. Als erstes Zeichen ihrer Wiedergeburt veröffentlichte die Band eine Zusammenstellung ihres früheren Materials, das als Artbook-Edition unter dem Titel "Towards the Great Unknown" bei Lupus Lounge erschienen ist. Mit neu entfachter Leidenschaft und einer klaren Vision kehren AUSTERE nun mit ihrem längst sehnsüchtig erwarteten dritten Album "Corrosion of Hearts" zurück. Voller Schönheit, Stolz und Dunkelheit zieht ein mächtiger schwarzer Sturm aus Down Under herauf.

Gjon's Tears steht seit seiner Jugend sowohl in Frankreich als auch in der Schweiz im Rampenlicht. Er hat Singles für seine immer größer werdende Fangemeinde veröffentlicht. Ganz zu schweigen von 'Tout l'univers', das er zum Eurovision Song Contest beigetragen hat, den dritten Platz belegte, und bereits gewaltige 55 Millionen Streams gesammelt hat. Er war somit seit 2010 der erste französischsprachige Künstler, der die Schweiz vertrat. 'Pure', sein neuster Track, produziert von Nicolas Rebscher (Alice Merton, Aurora...) und sein opulent gestaltetes Musikvideo im Stil von Bowie, Bjork und The Cure war u.a. Vorreiter für diese erste LP des Künstlers . 'The Game' erscheint im stilvollen Digipak mit Poster sowie als Doppel-LP im Milky Clear Vinyl.

Red Vinyl

180 g, Side D etched, matte UV Poster, Trifold Jacket, red foil debossed "D"&"M", Poster

"Memento Mori" stellt Depeche Modes insgesamt 15. Studioalbum dar, während Gahan und Gore nach dem tragischen Tod von Bandmitgründer Andrew "Fletch" Fletcher im Jahr 2022 den ersten Longplayer in zweiköpfiger Besetzung vorlegen. Produziert von James Ford mit Unterstützung von Marta Salogni reifte "Memento Mori" während der Frühphase der weltweiten Covid-Pandemie heran; eine Periode, die auch einen thematischen Einfluss auf die Songs hatte. Die 12 Albumtracks schlagen die Brücke zwischen einer Vielzahl von Stimmungen und musikalischen Texturen - angefangen beim bedrohlichen Opener bis zur Auflösung am Schluss spannt sich das Gefühlsspektrum von Paranoia und Besessenheit bis hin zu psychischer Befreiung und Freude sowie zahllosen emotionalen Zwischentönen. Mit der Single "Ghosts Again" geht der Albumveröffentlichung von "Memento Mori" ein eindrucksvoller Vorbote voraus. Der Song stellt schon jetzt nicht weniger als einen lupenreinen Depeche Mode-Klassiker dar: Dave Gahans bilderstarke Lyrics wie "wasted feelings, broken meanings... a place to hide the tears we cry" verbinden sich über einem erhebenden, optimistischen Groove mit einer hypnotischen Gitarrenfigur von Martin Gore. "Für mich fängt `Ghosts Again` das perfekte Gleichgewicht zwischen Melancholie und Freude ein", so Gahan. "Es kommt nicht allzu oft vor, dass wir einen Song aufnehmen, den ich mir nicht nur immer und immer wieder anhören kann - ich freue mich auch riesig, ihn mit der Welt teilen zu dürfen", ergänzt Gore.

ANGUS McSIX kehrt zurück aus dem Reich des Todes – stärker als jemals zuvor!
Nach Prinz Angus’ heldenhaftem Tod in der größten Schlacht, die je ein Mensch oder Goblin gesehen hatte, schien alle Hoffnung für Schottland und die Galaxis dahin. Im Reich der Märtyrer sind die Geschehnisse für Angus wie ein verschwommener Traum aus ferner Vergangenheit verblasst. Doch als er plötzlich daran erinnert wird, dass seine Heimat bedroht wird, macht sich der Prinz auf, in die Welt der Lebenden zurückzukehren.

Der einzige Weg führt dabei durch ein Portal in den Tiefen der Hölle, das durch das allmächtige Schwert Sixcalibur versiegelt ist. Als Angus die Klinge zieht, erfährt er ein fundamentales Upgrade und verwandelt sich in den goldenen Helden ANGUS McSIX, der den Fängen der Unterwelt entkommt! Gewillt, seinen alten Widersacher erneut zu bezwingen, ahnt Angus nicht, dass er soeben einer viel dunkleren Macht das Tor zurück zur Welt der Lebenden geöffnet hat: Erzdämon Seebulon – Ursprung alles Bösen (Sebastian ”Seeb” Levermann, Orden Ogan).

Das erste Kapitel der glorreichen Rückkehr des schottischen Helden ist auf dem Debütalbum ANGUS McSIX and the Sword of Power zu hören, das am Karfreitag, dem 7. April 2023, exklusiv über Napalm Records erscheint.
ANGUS McSIX and the Sword of Power ist die eindrückliche Rückkehr von Thomas Winkler in die Welt der glorreichen Power-Metal-Hymnen und eingängigen Partytracks.

Green Vinyl

Die Londoner Post-Punk-Band Italia 90 veröffentlicht ihr Debütalbum 'Living Human Treasure', nachdem sie sich mit zahlreichen Singles/EPs und Touren im UK und Europa eine treue Fangemeide erspielt hat. Auf dem Album finden sich Tracks aus frühen Tagen ('New Factory', 'Competition') neben neueren Stücken, die der Band eine große Bandbreite an neuen Stilen eröffnen. 'Wir haben bewusst Elemente aus anderen Genres wie New Wave, Goth-Rock, Post-Hardcore, Jazz, Jungle und Ranchera aufgegriffen, die uns inspiriert haben, die wir aber vorher nicht in unsere Musik einfließen lassen haben.'

180 g, Side D etched, matte UV Poster, Trifold Jacket, red foil debossed "D"&"M", Poster

"Memento Mori" stellt Depeche Modes insgesamt 15. Studioalbum dar, während Gahan und Gore nach dem tragischen Tod von Bandmitgründer Andrew "Fletch" Fletcher im Jahr 2022 den ersten Longplayer in zweiköpfiger Besetzung vorlegen. Produziert von James Ford mit Unterstützung von Marta Salogni reifte "Memento Mori" während der Frühphase der weltweiten Covid-Pandemie heran; eine Periode, die auch einen thematischen Einfluss auf die Songs hatte. Die 12 Albumtracks schlagen die Brücke zwischen einer Vielzahl von Stimmungen und musikalischen Texturen - angefangen beim bedrohlichen Opener bis zur Auflösung am Schluss spannt sich das Gefühlsspektrum von Paranoia und Besessenheit bis hin zu psychischer Befreiung und Freude sowie zahllosen emotionalen Zwischentönen. Mit der Single "Ghosts Again" geht der Albumveröffentlichung von "Memento Mori" ein eindrucksvoller Vorbote voraus. Der Song stellt schon jetzt nicht weniger als einen lupenreinen Depeche Mode-Klassiker dar: Dave Gahans bilderstarke Lyrics wie "wasted feelings, broken meanings... a place to hide the tears we cry" verbinden sich über einem erhebenden, optimistischen Groove mit einer hypnotischen Gitarrenfigur von Martin Gore. "Für mich fängt `Ghosts Again` das perfekte Gleichgewicht zwischen Melancholie und Freude ein", so Gahan. "Es kommt nicht allzu oft vor, dass wir einen Song aufnehmen, den ich mir nicht nur immer und immer wieder anhören kann - ich freue mich auch riesig, ihn mit der Welt teilen zu dürfen", ergänzt Gore.

LOU SIFFER AND THE HOWLING DEMONS - ein wilder Haufen schwedischer Motörheads - werden am 29. Oktober ihren drittes Longplayer "Too Old To Die Young" über Pure Steel Records veröffentlichen. Die Hard Rock/Rock`n´Roll-Band aus Uppsala (Schweden), welche kürzlich einen weltweiten Plattenvertrag bei PURE STEEL RECORDS unterschrieben hat, liefert ihrer weltweiten Fangemeinde 12 neue, hochoktanige Action-Explosionen.

Die Band wurde 2008 gegründet und hat bisher eine Single, 2 Longplayer und eine EP veröffentlicht. Das neue Album "Too Old To Die Young" ist ein energiegeladenes Rock`n´Roll Meisterwerk auf den Spuren traditioneller Punkrock- und Metal-Acts wie Misfits, Entombed und Turbonegro. Nach Aussage der Band ist das neue Album "Eine düstere und giftige Autoshow voller Alkohol, schneller Autos und dem Tod. LOU SIFFER AND THE HOWLING DEMONS wird bei Euch im Auto dröhnen, während ihr falsch herum auf die Autobahn auffahrt, auf dem Weg in die Ewigkeit ...".

Endlevel sind mit ihrem zweiten Album "Weekend War" zurück und starten ihre zweite Offensive. Die 11 neu komponierten Tracks beinhalten alles was Endlevel ausmacht. Thrashige Riffs mit einem Death Metal Einschlag, gutturaler Gesang und hohe Thrash Vocals, treffen auf rhythmische Finesse und unterhaltsame Texte - Metallerherz was willst du mehr? Das entsprechende Artwork von Martin Chmelícek (u.A. Spasm, Gutalax, Insistent, Obscene Extreme Festival) fängt visuell perfekt die Marschrichtung ein: Jeder Track, voll gegen die Kauleiste, dazu viel Bier und das Wochenende steckt einem Montags noch in den Knochen! Die 11 Tracks fräsen sich mit einer Unbekümmertheit und gleichzeitig brillanten Produktion in den Gehörgang, dass es einfach nur Spaß macht. Für den tollen Sound war Christian Schäfer verantwortlich, der unter Anderem auch schon für Fateful Finality oder Doom Division an den Reglern saß. Wer also seinen Death Metal auch gerne mit etwas Thrash Metal vermischt und auf Bands wie "Inhuman Condition", "Bolt Thrower", aber auch "Malevolent Creation" und einer Prise "Anthrax" steht, der sollte sich aber ganz schnell "Endlevel - Weekend War" auf den Plattenteller legen und sich bei einem bis 12 Bier ordentlich die Kauleiste massieren lassen. Das Album erscheint auf CD, Vinyl und ist auf allen gängigen Streaming-Plattformen verfügbar.

NuNorthern Soul may be Ibiza-based, but the label’s connections with Nottingham run deep. Over the years, Phil Cooper’s imprint has offered up countless releases and remixes from some of the East Midlands’ city’s most Balearic-minded residents, including Crazy P’s Jim Baron, Is It Balearic? chiefs Coyote and, most recently, Constellations Workshop associates Brown Fang.

You can also add to that list Torn Sail, a collaboration between Brown Fang members Jon Thompson and Henry Scott, and another Notts-based NuNorthern Soul contributor, Huw Costin. The trio’s mesmerising ‘Disconnected’ recently featured on the label’s deluxe 10th anniversary vinyl box set and now they return with a single credited to both Brown Fang and Torn Sail – the first such occurrence of that happening.

Those who heard Brown Fang’s brilliant mini-album, Sherwood Pines, will immediately feel at home. Both ‘Exit’ and ‘Endless’, the two tracks showcased on this fine single release, feature the same gorgeous, slowly shifting fusion of sun-kissed electric guitar textures, ambient atmospherics and immersive, sunset-friendly sound design.

First up is ‘Exit’, an undulating, slow burning delight where rising and falling electronic melodies and yearning, gently jazzy electric guitar motifs rise above a sparse, shuffling, subtly Latin-tinged drum machine rhythm and warming bass. Endearing, enveloping and endlessly attractive, the track seemingly blossoms in slow motion throughout its’ three-and-a-half-minute duration, with additional musical elements presenting themselves as it progresses. Even by the trio’s high standards, it’s a magical composition.

On ‘Endless’, the long-time collaborators explore their love of mind-soothing ambient soundscapes. Doffing a cap to the 1970s new age ambience of Steve Hillage – whose distinctively languid, stretched out, effects-laden electric guitar solos were undoubtedly an inspiration –Thompson, Scott and Costin deliver a becalmed and brilliant dream-scape full of hazy aural textures, drifting chords and gentle, eyes-closed vocalisations. It feels like a loved-up, smile-inducing evocation of the most visually stunning dawn you’ve ever ushered in after a night dancing under the stars.

Úlfúð stammen aus dem Land des Eises und des Feuers und sind der jüngste Neuzugang in Dark Descents makellosem, sich ständig erweiterndem Roster. Mit ihrer persönlichen Mischung aus Black und Death Metal (mit Betonung auf Ersterem) fängt das Debütalbum Of Existential Distortion die trostlose Weite der vulkanischen Einöde auf einzigartige Weise ein, wie es nur die Isländer können.

Das erste Album von Úlfúð ist bereits Meisterklasse in Sachen Songwriting und zeigt eine atemberaubende Balance aus betörender Atmosphäre, eindringlicher Melodie und tödlicher Gewalt. Für das atemberaubende Artwork wurde der Künstler Bahrull Marta engagiert, während Fotografien von Alma Líf Þorsteinsdóttir das Inlay mit den Visionen der einzelnen Stücke schmücken.

"Wir freuen uns sehr, mit Dark Descent unser erstes Album in voller Länge zu veröffentlichen! Dieses Album kündigt unsere Entität an und verkündet unsere Absicht, euch in unser Ritual der Katharsis und Kakophonie einzutauchen! Wir können es kaum erwarten, unsere Musik mit euch zu teilen. Die Zeit ist reif!"

Úlfúðs, was so viel wie Feindseligkeit oder Feindschaft bedeutet, wurde Anfang 2015 in Reykjavik, Island, gegründet. Die Band hat 2018 ihre Debüt-EP First Sermon selbst veröffentlicht und 2020 ihr Debüt Of Existential Distortion aufgenommen. Eine Veröffentlichung, auf die sich das Warten wirklich lohnt!

ATROCITY sind mit aller Macht zurück: "OKKULT III" markiert das furiose Finale der "OKKULT" Album-Trilogie und ist gespickt mit brutalen Death Metal-Granaten! Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst! Freut euch auf ein Album mit gnadenlosen Nackenbrechern und grandiosen Death Metal Krachern!

Schon der Chart-Breaker "OKKULT II" begeisterte die ATROCITY Fangemeinde und die Metal-Presse gleichermaßen mit packenden Death Metal Songs, die unter die Haut gehen.
Mit "OKKULT III" werden ATROCITY ihre Fanschar endgültig zur Ekstase bringen: Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst!
Als Gastsänger sind Elina Siirala (Leaves' Eyes), Zoë Marie Federoff (Catalyst Crime, Cradle Of Filth) und Robse Dahn (Equilibrium) auf dem Album vertreten.
"OKKULT III" ist der krönende Abschluss der "OKKULT"-Trilogie und ein Meisterwerk deutschen Todesmetalls!

- Produziert, gemischt und gemastert von Alexander Krull im Mastersound Studio (Leaves' Eyes, Doro, End Of Green, Belphegor etc.)
- Coverartwork von Stefan Heilemann / HEILEMANIA.
- Soundeffekte von der mit dem Emmy Award ausgezeichneten Sounddesignerin Katie Halliday ("SAW", "Stranger Things", "The Strain", "Star Trek: Discovery" etc.)

ATROCITY sind mit aller Macht zurück: "OKKULT III" markiert das furiose Finale der "OKKULT" Album-Trilogie und ist gespickt mit brutalen Death Metal-Granaten! Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst! Freut euch auf ein Album mit gnadenlosen Nackenbrechern und grandiosen Death Metal Krachern!

Schon der Chart-Breaker "OKKULT II" begeisterte die ATROCITY Fangemeinde und die Metal-Presse gleichermaßen mit packenden Death Metal Songs, die unter die Haut gehen.
Mit "OKKULT III" werden ATROCITY ihre Fanschar endgültig zur Ekstase bringen: Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst!
Als Gastsänger sind Elina Siirala (Leaves' Eyes), Zoë Marie Federoff (Catalyst Crime, Cradle Of Filth) und Robse Dahn (Equilibrium) auf dem Album vertreten.
"OKKULT III" ist der krönende Abschluss der "OKKULT"-Trilogie und ein Meisterwerk deutschen Todesmetalls!

- Produziert, gemischt und gemastert von Alexander Krull im Mastersound Studio (Leaves' Eyes, Doro, End Of Green, Belphegor etc.)
- Coverartwork von Stefan Heilemann / HEILEMANIA.
- Soundeffekte von der mit dem Emmy Award ausgezeichneten Sounddesignerin Katie Halliday ("SAW", "Stranger Things", "The Strain", "Star Trek: Discovery" etc.)

ATROCITY sind mit aller Macht zurück: "OKKULT III" markiert das furiose Finale der "OKKULT" Album-Trilogie und ist gespickt mit brutalen Death Metal-Granaten! Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst! Freut euch auf ein Album mit gnadenlosen Nackenbrechern und grandiosen Death Metal Krachern!

Schon der Chart-Breaker "OKKULT II" begeisterte die ATROCITY Fangemeinde und die Metal-Presse gleichermaßen mit packenden Death Metal Songs, die unter die Haut gehen.
Mit "OKKULT III" werden ATROCITY ihre Fanschar endgültig zur Ekstase bringen: Sich ins Hirn schneidende Metal-Riffs, brutale Drumattacken und bitterböse Death Metal Vocals ergeben eine Vollbedienung in Sachen deutscher Metal Todeskunst!
Als Gastsänger sind Elina Siirala (Leaves' Eyes), Zoë Marie Federoff (Catalyst Crime, Cradle Of Filth) und Robse Dahn (Equilibrium) auf dem Album vertreten.
"OKKULT III" ist der krönende Abschluss der "OKKULT"-Trilogie und ein Meisterwerk deutschen Todesmetalls!

- Produziert, gemischt und gemastert von Alexander Krull im Mastersound Studio (Leaves' Eyes, Doro, End Of Green, Belphegor etc.)
- Coverartwork von Stefan Heilemann / HEILEMANIA.
- Soundeffekte von der mit dem Emmy Award ausgezeichneten Sounddesignerin Katie Halliday ("SAW", "Stranger Things", "The Strain", "Star Trek: Discovery" etc.)