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A refined and deeply immersive vinyl release that captures the essence of timeless underground electronic music. Akbal Music celebrates a very special moment in its history with the addition of renowned Romanian artist Barac, a key figure within the international minimal and rominimal scene. As part of this collaboration, Akbal Music presents I Close My Eyes In Order To See EP. This release will be presented exclusively on a limited 180g audiophile vinyl edition as part of Akbal Music’s official 20 Years Anniversary Pressing series, reinforcing the label’s commitment to music collecting culture, analog sound, and the unique sensory experience that vinyl continues to represent within the underground electronic music community. More than a release, this EP symbolizes a meeting point between generations, visions, and sonic identities, honoring Akbal Music’s past while projecting its future through a carefully curated, elegant, and deeply emotional musical journey.

BUCHLA MEETS ORCHESTRA IN QUADRAPHONIC SPACE ON CIANI/ORKEST

Suzanne Ciani, Metropole Orkest and Simon Dobson release historic immersive performance in multiple immersive formats including quad vinyl.

Silverlake, CA \\ June 4, 2026 – Electronic music pioneer and five-time Grammy nominee Suzanne Ciani joins the internationally acclaimed Metropole Orkest, conducted by Simon Dobson, for the release of CIANI/ORKEST, a landmark live album composed entirely of new work, created specifically for this unprecedented collaboration.

Recorded at Amsterdam Dance Event (ADE) before a rapt audience, CIANI/ORKEST is not a retrospective. It is a bold, immersive meeting of the Buchla electronic instrument and 50-piece orchestral sound. The result is a sweeping sonic landscape, at once intimate and monumental.

Under the direction of the Metropole Orkest, renowned for its genre-defying collaborations with artists from jazz to contemporary classical - strings shimmer, brass swells and woodwinds echo the organic, fluid qualities that have always defined Ciani’s sound. “This project feels like a homecoming,” says Ciani. “The Buchla was always orchestral to me, an instrument capable of infinite color. Hearing those colors unfold through the Metropole Orkest has been profoundly moving.”

At the heart of CIANI/ORKEST lies Ciani’s lifelong commitment to quadraphonic sound. From her early Buchla performances in the late 1960s to her 2018 release LIVE Quadraphonic, Ciani has treated space as a primary compositional parameter. Working alongside immersive producer KamranV, Ciani continues to explore immersive sound as both artistic and human gesture. Kamran’s decades of work in spatial formats, converge here in service of a singular goal: to let sound behave as it does in the physical world. “For both of us, quad is musical,” Kamran notes. “The way Suzanne works, quadraphonic is nested in — not the technology per se — but the intent you bring to the work.”

The recording stands as a meditation on legacy, evolution, and the enduring dialogue between technology and human expression. The live album captures the electricity of performance, the immediacy of touch plates under Ciani’s hands, the collective of musicians responding in real time, and the audience’s shared immersion in quadraphonic-inspired space.

CIANI/ORKEST is released by Atmospheric/AKP Recordings/CyKiK in multiple double-disc quadraphonic 12” Record packages designed by grammy-nominated designer Rebeka Arce. Each pressing is made regionally to minimize carbon emissions and also contributes to nature via Brian Eno's EarthPercent, the music industry's climate and nature foundation.

The release is encoded using the dublab Quadraphonic Universally Accessible Resource Kit (QUARK). QUARK enables binaural listening via standard 2-channel playback or 4-speaker playback via Involve Audio hardware decoders, vintage Regular Matrix quadraphonic receivers, Dolby Pro-Logic II/Dolby Surround Upmixer (DSU) receivers, or any multi-channel audio interface equipped computer. This album is immersive via all formats: digital download, streaming (Qobuz, Spotify, SoundCloud, Bandcamp), radio broadcast, vinyl and high-resolution Dolby Atmos (Apple Music, Tidal, Amazon HD, IIA), Sony 360RA (Nugs, Amazon HD) and Eclipsa Audio (YouTube).

About Suzanne Ciani
Suzanne Ciani is a composer, pianist, sound designer, and electronic music pioneer whose work spans experimental, new age, classical, and cinematic sound. A five-time Grammy nominee and recipient of the Moog Innovation Award, she continues to perform internationally, captivating audiences with immersive modular synthesis performances.

About Metropole Orkest
Based in the Netherlands, the Metropole Orkest is one of the world’s leading genre-crossing orchestras, known for collaborations with artists including Brian Eno, Herbie Hancock, Snarky Puppy, Jacob Collier, and within contemporary classical and electronic spheres.

Felt Sense Recs presents X’d In Stone by Rita Revell. Focused attention given to the junction of Flinders and Elizabeth street.
Industrial, Ambient Electronics.
Made in the Native Grassland Circle while manifesting The Spin of the Melbourne Star.

150 Copies Worldwide.

All Songs Written & Recorded by Rita Revell
’50 Tuned Depressions’ Featuring Pete Gower on violin
Design By Bradley Pinkerton
Mastered by Dubplate & Mastering DE

Detroit's mythic architect Walt J surfaces on Lost Control 2097 with three cuts steeped in deep emotional drama and late-night intensity. 'Resonance' lands with razor-sharp drums and weightless, ethereal chords, elevated by Prince of Hydro's poetic vocal transmissions that feel like signals from another realm. 'Love Petals' resurfaces from Walt's vault, a reworked version of an already transcendent classic, refined, deeper, and glowing with subterranean energy. 'Origin' channels the spirit of Larry Heard-style melodies while anchoring itself firmly in the grit and gravity of the Motor City. Prince of Hydro closes it out by activating full ultra-sonar mode, delivering a remix that drags you into crushing ocean depths where the pressure builds and something immense is about to break through.

Your favourite edits (probably) crew, Local Sugar Diggers, aka the trio of sonic sculptors that are Scruscru, Tony Lavrutz and Los Protos all come together here on a new 7" offshoot label from the Soul Service. The a-side cut 'Rave w Polsce' is a full-fat funker with deep cut grooves that roll on rubbery bass and soar with rasping wind leads. Plenty is going on wherever you listen and it all serves to get you moving. 'Otra Ritmo' is an immediate portal to a communal get down somewhere sun-baked and lush with green in South America. The horns, the freewheeling percussion and the loosely assembled rhythm are all irresistible invitations to cut loose.

A Chicago soul legend meets the West Coast's most reliable modern funk architects on this red-hot 7". Doug Shorts' story stretches back to 1971 and his band Master Plan Inc., and his career has earned him releases on Daptone, Cherries and Jazzman as well as a reputation for songwriting and vocals that go straight to the heart. Here he joins Cosmic Slide for something that bridges generations like a boss. Both cuts are modern funk grooves laid down with craft, rooted in soul but with a new school swag. Shorts' deep, restrained voice remains as expressive and lived-in as ever over the duo's tight, ass-wiggling production. Pure vibes.

Comes with liner notes and interview on the back of the sleeve.

Dennis & Christy Soares are a husband-and-wife duo whose prolific output - over 100 albums and nearly 2,000 songs recorded across CD, cassette, vinyl, and streaming - stands as one of the most quietly remarkable self-made catalogs in contemporary music. Based for two decades on the Big Island of Hawai'i before recently relocating to Centralia, Washington, the pair have been making music together since meeting at San Joaquin Delta College in 1986, channeling a DIY spirit rooted in sincerity, spirituality, and an unshakeable belief in the power of a song. Their work spans platforms most listeners have never heard of, distributed through sheer determination and an infectious enthusiasm for reaching new ears.

Free At Last is an 11-track anthology compiled by AGS founder Roger Bong, representing less than 1% of Dennis & Christy's total recorded output. Drawing from more than 600 songs considered over the course of 12 years, the collection makes no claim to being definitive - instead, it offers what Bong calls "simply an invitation": a way in for new listeners, and a distillation of the warmth and pure intention that runs through everything this duo creates. From their earliest recordings to the present day, Dennis & Christy have never stopped making music on their own terms. Free At Last is an introduction long in the making, and very much overdue.

Originally released on Philips Ethiopia in 1973. A mixture of modern and traditional instruments marks the stages of an Amhara wedding. Wedding photos and liner notes inside.

Piece of Me, das zweite Album von Lady Wray, ist so etwas wie eine Heimkehr für Nicole. Während ihr Solo-Debüt Queen Alone aus dem Jahr 2016 mehr in Richtung Soul und R&B mit einem Hauch von HipHop tendierte, ändert sich dies bei diesem Album. Es ist immer noch R&B mit den Texturen von analogem Soul, doch zeichnet sich ein starker HipHop-Einfluss ab, der Nicoles Schaffen für die Zukunft definieren wird. Boom-Bap-Drums und deepe Basslines stehen im Vordergrund und bilden den perfekten Hintergrund für Lady Wray, die sich auf ihrer bisher persönlichsten Sammlung von Songs mit dem Guten, dem Schlechten, dem Schwierigen und dem Freudvollen auseinandersetzt. Der Titelsong Piece of Me, der seit seiner Veröffentlichung 2019 bereits zum Klassiker geworden ist, handelt von den Menschen in deinem Leben, die mehr brauchen, als du zu geben bereit bist. Dieses Stück und die B-Seite der 7" Come On In waren die ersten Songs, die für dieses Album aufgenommen wurden - als Nicole im achten Monat schwanger mit ihrer Tochter war. Ihre Stimme ist so kraftvoll, so rau bei diesen ersten Songs, erstaunlich, wenn man sich vor Augen führt, wie sie aufgenommen wurden. Und noch verrückter ist es, zu wissen, dass sie sie alle in einem einzigen Take aufgenommen hat. Ihr langjährige Mitstreiter und Produzent Leon Michels entwirft das musikalische Fundament gekonnt zurückhaltend, um Lady Wray ausreichend Raum zu geben. Während die energiegeladenen Songs Under The Sun und Through It All mit Sicherheit zu Hits werden, die Lady Wray wieder mit ihrer R&B-Fangemeinde aus den 90ern connecten, zeigt Where Were You, wie ihre Jugendjahre wirklich waren. in dem poetischen und kraftvollen Beauty In The Fire setzt sich Nicole mit den Spannungen zwischen den Ethnien in Amerika auseinander und lässt sich im Showstopper Thank You stark von ihrem Glauben und ihrempfindet und in Joy & Pain feiert sie die Höhen und Tiefen des Lebens. Im Jahr 2021 ist es eher selten, ein eklektisches und doch zusammenhängendes Album ohne ,Ausreißer" zu hören - aber genau das ist Piece Of Me. Die bewährte Chemie zwischen Lady Wray und Leon Michels hat unbestreitbar das nächste Level erreicht, dieses Album ist ein Zeugnis ihrer Entschlossenheit und Hingabe.

Der Mann hinter der Maske, Jonathan Bree, kehrt mit seinem sechsten Studioalbum "Don't Call It Love" zurück. "Don't Call It Love" kommt als Doppelalbum mit 17 Songs und ist ein erotisches Konzeptalbum, das sich mit Sexualität auseinandersetzt und Kollaborationen mit Frauen aus den Bereichen Musik, Film, Fotografie und Tanz enthält. "Don't Call It Love" klingt wie der düstere Soundtrack zu einer versteckten, mit Samt ausgekleideten Bar in einem schummrigen Keller - mal verspielt und verführerisch, mal beunruhigend und provokativ. Brees neue Songs setzen sich mit dem gesamten Spektrum der Sexualität und ihrer emotionalen Last auseinander - ein Album, das sich weigert, wegzuschauen, und sein Herz buchstäblich auf der Zunge trägt. Fans haben diesen neuen Sound bereits mit den düster-nostalgischen Klängen von New Order und Siouxsie & The Banshees verglichen, wobei Brees musikalische Entwicklung über die Jahrzehnte hinweg endlich ihr von den 80ern durchtränktes, melancholisches Ziel erreicht hat: ein melodramatisches Meisterwerk raffinierter Sleaze-Musik. Jonathans charakteristische Orchesterarrangements sind nach wie vor vorhanden und verbinden diesmal eine karge, düster angehauchte Noir-Ästhetik mit filmischer Instrumentierung und seinem grüblerischen Bariton. "Don't Call It Love ist zudem Jonathans bisher kollaborativstes Album, auf dem eine außergewöhnliche internationale Riege von Frauen einige der entscheidenden Momente des Albums mit ihren einzigartigen Stimmen bereichert. Die bei den Fans beliebte Princess Chelsea kehrt für drei beeindruckende Songs zurück ("Live To Dance", "Part Time Love", "Slow"); Neuseelands bestgehütetes Musikgeheimnis Rachel Clarke bewegt sich bei "Savour My Love" von intimer Zurückhaltung zu schwindelerregender Intensität; die französische Fotografin und Künstlerin Eloïse Labarbe-Lafon liefert auf "Chameleon" eine charaktervolle Gesangsdarbietung, die an die Tradition von Jane Birkin anknüpft; während die französische Musikerin und Schauspielerin Adah Dylan auf dem Titeltrack zu hören ist und den Leadgesang mit direkter, schnörkelloser Klarheit trägt: "don't call it love_ when we fuck." Für einen Künstler, der bereits sechs Alben veröffentlicht hat, gibt es hier eine Reihe von Premieren - sein erstes Doppelalbum, sein gitarrenlastigstes Album, sein kollaborativstes und sein bisher kompromisslosestes konzeptionelles Werk. Es wird nicht jedem gefallen, und es ist klar, dass Bree kein Interesse daran hat, es abzuschwächen. Wie er es ausdrückt: "Als ich meiner Mutter davon erzählte, schlug ich ihr vor, dieses Album vielleicht lieber auszulassen."

Nichts ist so beständig wie der Wandel. Kaum eine Band verkörpert diesen Gedanken derzeit so konsequent wie Musa Dagh. Die Formation um Aren Emirze bewegt sich seit dem selbstbetitelten Debüt von 2021 durch die Zwischenräume von Noiserock, Alternative und Post-Hardcore - laut, sperrig, emotional aufgerissen und zugleich getragen von einem feinen Gespür für Dynamik, Atmosphäre und Melodie. Der Bandname verweist dabei auf den historischen Kontext des armenischen Genozids und bildet einen leisen, aber prägenden Resonanzraum im Selbstverständnis der Gruppe. Von Anfang an wirkt Musa Dagh weniger wie eine klassische Band als ein offener Prozess. Keine feste Konstruktion, sondern ein Zustand permanenter Bewegung. Unterschiedliche musikalische Erfahrungen, Persönlichkeiten und Energien treffen hier aufeinander, verschieben sich gegenseitig und erzeugen genau daraus jene Spannung, die zum Kern dieser Musik geworden ist. Schon die ersten Aufnahmen entstanden aus dieser Offenheit heraus. Begegnungen und Arbeitsphasen mit Thomas Götz, Sascha Madsen und Aydo Abay wirkten dabei weniger wie klassische Kooperationen, sondern eher wie Reibungsflächen, die den Sound immer wieder neu ausrichten. Musa Dagh klangen nie nach Stillstand - jede Verschiebung öffnete neue Räume. Mit "Endurance" tritt die Band nun in eine neue Phase ein. Die Veränderung wirkt nicht wie ein Bruch, sondern wie eine Erweiterung dessen, was Musa Dagh immer ausgemacht hat: Bewegung, Offenheit und Transformation.

Silbernes Vinyl, limitiert auf 500 Exemplare. Nichts ist so beständig wie der Wandel. Kaum eine Band verkörpert diesen Gedanken derzeit so konsequent wie Musa Dagh. Die Formation um Aren Emirze bewegt sich seit dem selbstbetitelten Debüt von 2021 durch die Zwischenräume von Noiserock, Alternative und Post-Hardcore - laut, sperrig, emotional aufgerissen und zugleich getragen von einem feinen Gespür für Dynamik, Atmosphäre und Melodie. Der Bandname verweist dabei auf den historischen Kontext des armenischen Genozids und bildet einen leisen, aber prägenden Resonanzraum im Selbstverständnis der Gruppe. Von Anfang an wirkt Musa Dagh weniger wie eine klassische Band als ein offener Prozess. Keine feste Konstruktion, sondern ein Zustand permanenter Bewegung. Unterschiedliche musikalische Erfahrungen, Persönlichkeiten und Energien treffen hier aufeinander, verschieben sich gegenseitig und erzeugen genau daraus jene Spannung, die zum Kern dieser Musik geworden ist. Schon die ersten Aufnahmen entstanden aus dieser Offenheit heraus. Begegnungen und Arbeitsphasen mit Thomas Götz, Sascha Madsen und Aydo Abay wirkten dabei weniger wie klassische Kooperationen, sondern eher wie Reibungsflächen, die den Sound immer wieder neu ausrichten. Musa Dagh klangen nie nach Stillstand - jede Verschiebung öffnete neue Räume. Mit "Endurance" tritt die Band nun in eine neue Phase ein. Die Veränderung wirkt nicht wie ein Bruch, sondern wie eine Erweiterung dessen, was Musa Dagh immer ausgemacht hat: Bewegung, Offenheit und Transformation.

Released for the first time ever on vinyl, the original Bare Bones release was recorded entirely in the Spring of 2010, this album is a collection of acoustically arranged songs culled from concerts recorded during the "Bare Bones Tour", featuring pianist Gary Breit. For this latest version, a newer recording of "Here I Am" has been added that was recorded in Melbourne, Australia in 2025. Featuring special live versions of many songs from Adams" extensive and well loved catalogue, including "Cloud Number 9" and "Heaven" as well as rarities like "The Right Place" and "The Way You Make Me Feel". Originally released in 2010, this newly packaged version features new cover art and design, created especially for Bad Records (Adams" own label). The album contains 19 songs across 2X LPs packaged in a gatefold sleeve with printed inner sleeves, obi and shrink wrap.

Released for the first time ever on vinyl, the original Bare Bones release was recorded entirely in the Spring of 2010, this album is a collection of acoustically arranged songs culled from concerts recorded during the "Bare Bones Tour", featuring pianist Gary Breit. For this latest version, a newer recording of "Here I Am" has been added that was recorded in Melbourne, Australia in 2025. Featuring special live versions of many songs from Adams" extensive and well loved catalogue, including "Cloud Number 9" and "Heaven" as well as rarities like "The Right Place" and "The Way You Make Me Feel". Originally released in 2010, this newly packaged version features new cover art and design, created especially for Bad Records (Adams" own label). The album contains 19 songs across 2X LPs packaged in a gatefold sleeve with printed inner sleeves, obi and shrink wrap.

Vierte Auflage - das aktuelle Solo-Album vom dänischen Psych-Rock-Zauberers Uffe Lorenzen aka Lorenzo Woodrose aka... Seit zehn Jahren interpretiert Uffe Lorenzen (bekannt von u.a Baby Woodrose und Spids Nogenhat) auf allen seinen Alben ein altes dänisches Lied. Das gilt für seine drei Soloalben und die beiden Alben seiner aktuellen Rockband Lydsyn. Auf seinem neuen Soloalbum Glemte Spor ("Vergessene Spuren") hat er ein komplettes Album mit 10 Interpretationen von Liedern aus den Jahren 1967 bis 1999 aufgenommen. Einige davon sind dänische Klassiker, andere sind eher unbekannte Lieder, die er sich zu eigen gemacht hat. Viele davon können als Protestsongs betrachtet werden oder haben einen anti-war Charakter. ,Ich habe festgestellt, dass ich die Herausforderung, Songs anderer Leute zu interpretieren und sie zu meinen eigenen zu machen, wirklich mag. Sie zu verändern, zu interpretieren und vielleicht sogar zu verbessern. Viele der Songs werden den meisten Menschen unbekannt sein, während andere dänische Klassiker sind. Was sie gemeinsam haben, ist, dass sie mich irgendwie zu dem gemacht haben, der ich bin", sagt Uffe Lorenzen. Das Album wurde zusammen mit Morten Hart Grabowski in einem kleinen Studio in Kopenhagen aufgenommen. In mehr als 20 Sessions haben sie zusammen eine Liste von 50 Songs auf die zehn reduziert, die schließlich auf dem Album gelandet sind. Laut Lorenzen fanden die Aufnahmen in einer sehr entspannten Atmosphäre statt: ,Wir haben etwas Gras geraucht und Rotwein getrunken, was den Prozess sehr entspannt gemacht hat, und ich glaube, das hört man dem Endergebnis auch an." Später übernahm Flemming Rasmussen den Mix und das Mastering in seinem berühmten Sweet Silence Studio. Die erste Auflage war auf 1000 Exemplare in schwarzem Vinyl limitiert und ist ausverkauft, die zweite und dritte Auflage kamen streng limitiert für den Indie-Handel auf rotem und grünem Vinyl (500 Stück weltweit), die vierte Pressung ist bei Bad Afro traditionell Purple (weltweit ebenfalls 500 Stück).

For years, singer-songwriter Riley Downing has collected stories about life’s overlooked moments and underappreciated people. He’s unearthed these tales of castaway truths and once-faded recollections for Landfill Poetry, a sophomore solo album and Oh Boy Records debut.??A native of small-town Missouri who once worked as a backroad trashman before becoming one of music’s weathered journeymen, the husky-voiced Downing may be best known as a member of noisemaking Americana outfit The Deslondes, a New Orleans-born band that he co-founded after a clandestine meeting with likeminded musicians at a folk festival in Oklahoma.??On Landfill Poetry, his six-string worldbuilding takes listeners to the back of the trash truck (“Landfill Poetry”), inside the lonely hours of the graveyard paycheck (“Night Shift”) and to the quiet moments after a hard day of work (“Porch Song”). He sings for the restless ones who stay up way too late (“Hay Hay Hay”) and the grandchildren who admire a hard-working compassion once shared between late loved ones (“Helen & Gene”). With each song, Downing uncovers sketches of life that once might’ve been lost to the landfill but instead?are shared anew.

Der ganz offizielle Soundtrack (sowie Fat Mikes zusätzliche Filmmusik auf CD-Format) zum aktuellen NOFX-Doku-Feature "40 Years Of Fuckin' Up"! Vier Jahrzehnte zählten NOFX zu den lautesten, chaotischsten und am hartnäckigsten unabhängigen Bands der Punkszene. Nun bringen sie ihre ganze Geschichte - jede Fehlentscheidung, jeden großartigen Song und jede unglaubliche Anekdote - mit "40 YEARS OF FUCKIN' UP" in die Kinos. Es ist eine rohe, ungefilterte Dokumentation, die genau so genossen werden sollte, wie es sich gehört: laut, gemeinsam und auf der großen Leinwand (idealerweise im örtlichen Kino). Dies ist keine weichgespülte Rock-Doku, das hier ist das echte Punkrock-Leben. Die Drogen, der Alkohol, die Katastrophen auf und abseits der Bühne - und ja, mindestens eine Geschichte, die eine wahrhaft unglückliche medizinische Situation beinhaltet. Der 15 Songs umfassende Soundtrack enthält die brandneuen, bisher unveröffentlichten Singles "40 Years of Fucking Up" und "We Did It Our Way" (geschrieben als der allerletzte NOFX-Song, der jemals live gespielt werden soll). Des Weiteren sind sechs seltene und unveröffentlichte Tracks enthalten - wie etwa "Secret Society (Demo)", "On The Road (Demo)" und "La Bamba (Cover)" - sowie Live-Versionen der Hit-Singles "Linoleum" und "NOFX". Die zusätzliche Original-Filmmusik besteht aus 11 brandneuen Tracks, welche von Fat Mike komponiert und gemeinsam mit einem Orchester eingespielt wurden. Pinkfarbene Einzel-LP mit Soundtrack sowie CD mit Soundtrack & Filmmusik - das Cover-Artwork wurde von Illustrator Tokyo Hiro entworfen.

Der ganz offizielle Soundtrack (sowie Fat Mikes zusätzliche Filmmusik auf CD-Format) zum aktuellen NOFX-Doku-Feature "40 Years Of Fuckin' Up"! Vier Jahrzehnte zählten NOFX zu den lautesten, chaotischsten und am hartnäckigsten unabhängigen Bands der Punkszene. Nun bringen sie ihre ganze Geschichte - jede Fehlentscheidung, jeden großartigen Song und jede unglaubliche Anekdote - mit "40 YEARS OF FUCKIN' UP" in die Kinos. Es ist eine rohe, ungefilterte Dokumentation, die genau so genossen werden sollte, wie es sich gehört: laut, gemeinsam und auf der großen Leinwand (idealerweise im örtlichen Kino). Dies ist keine weichgespülte Rock-Doku, das hier ist das echte Punkrock-Leben. Die Drogen, der Alkohol, die Katastrophen auf und abseits der Bühne - und ja, mindestens eine Geschichte, die eine wahrhaft unglückliche medizinische Situation beinhaltet. Der 15 Songs umfassende Soundtrack enthält die brandneuen, bisher unveröffentlichten Singles "40 Years of Fucking Up" und "We Did It Our Way" (geschrieben als der allerletzte NOFX-Song, der jemals live gespielt werden soll). Des Weiteren sind sechs seltene und unveröffentlichte Tracks enthalten - wie etwa "Secret Society (Demo)", "On The Road (Demo)" und "La Bamba (Cover)" - sowie Live-Versionen der Hit-Singles "Linoleum" und "NOFX". Die zusätzliche Original-Filmmusik besteht aus 11 brandneuen Tracks, welche von Fat Mike komponiert und gemeinsam mit einem Orchester eingespielt wurden. Pinkfarbene Einzel-LP mit Soundtrack sowie CD mit Soundtrack & Filmmusik - das Cover-Artwork wurde von Illustrator Tokyo Hiro entworfen.

Broshuda returns on the newly born label Ballads Infinite with another array of absurdist vignettes, lowercase hi-tech ambience and textural degradations of radio transmissions from the bicameral mind. Weaving multiple sonic timelines into silky yet slippery articulations, he sculpts each sound with deliberate care making it breathe, slither and shimmer. Spells conjures a subterranean force through its vanishing presence, with the restraint in the sonic palette feeling utterly refreshing, as watering, drop by drop, a ghostly flower in the dromoscopic netscape of overreaching stimuli.

Deliriously patching fragments of unnoticed memories, gliding freely— slightly inebriated—through the ocean of sound: what does it take to capture the transitory entities inhabiting the latent space of this hyperconnected manifold? An assemblage of mechanical debris reduced to their bare-bone essentials; the Tao of discharge brings life to corrupted data, unpacked through textural ruminations.

Broshuda doesn’t just cast the spell, he patiently coils it around you, dissolving each and every thought in the hiss, manipulating subtle energies by making them move beyond and outward. What’s the sound of matter silently falling apart? The serpent sheds its subtle yet solid armor, revealing the space between each spire blooming with gentle eruptions of broken melodies. Where do we land now? What are we turning into? An ontological enigma still awaits to be solved.

Mastered by: Inner Lakes @ Tapewave Studio

Mit Afterlight legt das Londoner Indie-Quartett Starter Car ein beeindruckendes Debüt vor, das sofort unter die Haut geht. Gegründet von Songwriter Oisean Burnett nach seinem Umzug aus Glasgow, hat sich die Band schnell als Geheimtipp der South London Szene etabliert. Ihr Sound verbindet warmen, country-inspirierten Indie mit introspektiven Texten über Angst, Verlust und Hoffnung. Produziert von Joe Futák und veredelt durch Kollaborationen aus der Szene, entfaltet sich ein organisch gewachsenes Klangbild voller Harmonien, Fiddle, Banjo und emotionaler Tiefe. Zwischen melancholischer Reflexion und euphorischem Aufbruch entsteht ein Album, das gleichermaßen tröstet und mitreißt - ein intensives Hörerlebnis zwischen Schönheit und Zerbrechlichkeit. With Afterlight, London-based indie outfit Starter Car deliver a striking debut that resonates instantly. Formed by songwriter Oisean Burnett after relocating from Glasgow, the band quickly became a standout in the South London scene. Their sound blends warm, country-influenced indie with deeply introspective songwriting, exploring themes of anxiety, loss and hope. Produced by Joe Futák and enriched by collaborations within the scene, the album unfolds as an organic sonic landscape full of lush harmonies, fiddle, banjo and emotional nuance. Balancing melancholy reflection with uplifting energy, Afterlight captures a rare emotional intensity - a compelling listening experience poised between beauty and vulnerability.

2026 Repress

Eighteen months on from the runaway success of The Only Place I Know — the debut that crashed in at #1 on the ARIA charts and #2 on the ARIA Vinyl Chart — Lake Macquarie's Surf Trash are back, and they're not watering it down. Their sophomore album No Chaser lands neat, on the rocks, no apologies: ten tracks of melodic surf-pop-punk hammered out by a band that has clearly spent the last year sharpening every edge.

It's a record you can hear the kilometres in. Between The Only Place I Know and now, Andrew Scott, Lachlan Jackson, Patrick Russell and Nick Scott have torn through a sold-out national run, criss-crossed the UK and Europe, and made a habit of leaving rooms louder than they found them. No Chaser carries the dust from all of it — bigger choruses, leaner production, a touch more bruise underneath the gloss. There's still that windows-down, salt-on-the-windscreen feel that made the debut impossible to ignore, but it's wired into songs that swing harder and cut deeper. Less wistful afternoon, more last-light drive home with the volume creeping up.

The four-piece make melodic surf-pop-punk that sounds great turned up loud — driving in your mate's car on the way back to the beach. Their debut, The Fire Note wrote, "delivers a dynamic debut… blending raw energy, introspective depth, and timeless indie rock flair." Manchester World called their first show on UK soil "epic… high energy and great song after great song," and the live reputation has only grown since: a band that's earned every inch of the ceiling it now hits.

No Chaser is the sound of them no longer waiting for permission. Singalong harmonies, fast tempo changes, good old-fashioned rock 'n' roll with a sense of urgency.

Mit ihrem fünften Album Memories of the Future entwerfen The Fourth Wall ein eindringliches Klangbild einer Zukunft in der Krise. Inspiriert von Denkern wie Mark Fisher und Frederic Jameson thematisieren die neun Songs die schwindende Fähigkeit, sich eine lebenswerte Zukunft vorzustellen - und die psychologischen Spannungen, die daraus entstehen. Aufgenommen im urbanen Umbruchgebiet Portlands, spiegelt das Album die Atmosphäre zwischen Verfall und Neuanfang wider: verlassene Industriebauten treffen auf beginnende Gentrifizierung. Diese Kulisse prägt den Sound - eine Mischung aus distanzierten Klangräumen, körnigen Gitarren und kantigen Synths. Die Songs bewegen sich zwischen Nostalgie und Eskapismus: Während City Lights Receding die Sehnsucht nach einer verlorenen Vergangenheit einfängt, erzählt Kármán Line von radikalem Ausbruchswillen und der Suche nach Bedeutung im Spektakel. The Fourth Wall verbinden auf Memories of the Future Indie-Rock mit konzeptueller Tiefe - ein atmosphärisches Album über Stillstand, Überreizung und die Frage, was von unseren Zukunftsträumen bleibt.

Ty Segall, precleared for flight in full rock congress with the band (Ben Boye/Evan Burrows/Mikal Cronin/Emmett Kelly), shifts Chrome. Songs of massive riffs, swung, tightly arrayed lines of fuzz & distortion, twin-guitar attack-and-parry, endopic keyboards kicking, precise & thudding power, a rhythmic core on the march in full BAND energy. The songs are lyrically allusive trips, dark passages in the labyrinth, everything in the air bristling collectively, as minds collide.

Der finnische Sänger Bobby Oroza veröffentlicht sein Debütalbum This Love bei Big Crown Records. Das Label aus New York City ist bereits Heimat von Bands wie Lee Fields & The Expressions, The Shacks und El Michels Affair. Bobby ist in Helsinki geboren und in einer Musiker- und Künstlerfamilie aufgewachsen. Zu Bobbys Glück hatten seine Eltern eine große Plattensammlung mit frühem Jazz, Blues, Motown-Hits, Gospelchören und Doo-Wop-Gruppen wie The Drifters und The Clovers, aber auch Alben aus Brasilien und Afrika, Folksongs aus Nord- und Südamerika von Bobbys Mutter und Salsa-Musik aus New York. All diese Einflüsse sind heute in Bobbys Musik hör- und spürbar. Auf Kuba studierte er monatelang intensiv Schlagzeug und Gesang. Mit Cold Diamond & Mink, der Hausband von Timmion Records, bestehend aus Bandleader Jukka Sarapää, Sami Kantelinen und Gitarrist/Komponist Seppo Salmi, bildet er ein brillantes Quartett, mit dem er seine Vision in Musik umsetzt. CD&M liefern mit ihren LoFi-Instrumentals die perfekte Untermalung für Bobbys verrauchte Tenorstimme, die Herzen brechen und schmelzen lässt. Der bereits 2016 als 7" Single veröffentlichte Titelsong "This Love" ist längst zum Hit in Lowrider-Kreisen geworden und wurde auf "Hat Trick" von Odd Future Rapper Earl Sweatshirt gesamplet. Der Song ist mit seinen harten Drums, den wilden Riffs, dem vergrabenen Bass und Bobbys verhaltenem, aber intensivem Gesang ein Muss für Soul-Sammler und hat sich als 7? mehr als 3.000 Mal verkauft. Der Song "Your Love Is Too Cold" ist ein Stomper, der Soul-Grooves früher Motown-Stücke mit Gitarrenriffs aus einem Funk-Soundtrack von James Brown mischt und schon jetzt weltweit auf allen Soul-Partys schwer angesagt ist. Bobby hat einiges für die Tänzer im Publikum in petto: Stücke wie "Lonely Girl" und "Falling in Love" sind Verneigungen vor dem Northern Soul, "Keep On Believing" liefert Jazz-Funk wie aus den Siebzigern. Aber "This Love" wendet sich vor allem an die Balladenliebhaber, die voller Sehnsucht in die Nacht schauen. Mit Songs wie "Alone Again", "Down On My Knees" und "Deja Vu" beschwört er eine intensive, leicht abgründige Sinnlichkeit. Eine einzigartige Spielart von Soul, made in Finland.

Angekündigt von astreinen Sommer- und Hangover-Hymnen (u.a. „discothèque with u“, „spaß am glas“),
kümmern sich Tiavo im kommenden Jahr auch um die Urlaubsplanung: Ihr neues Studioalbum „Hotel
Tiavo“ öffnet im Spätsommer 2026 seine Pforten! Vor allem ist das „Hotel Tiavo“ das womöglich einzige
Top-Etablissement der Welt, dessen Lobby zugleich als Dancefloor fungiert. Die Standardeditionen auf CD
und LP in transparenten roten Vinyl mit allen 24 Tracks erscheint am 28.08.2026.
„Hotel Tiavo“ ist das erste „richtige“ Konzeptalbum der Band: Nachdem sich der „absolute gewinner“-
Vorgänger eher beiläufig zu einem ultrasaarländischen „Einfache-Leute“-Konzeptalbum entwickelt habe,
wollten Leandros, Xaver & Co. dieses Mal einen konzeptionellen Rahmen abstecken, der richtig viel Raum
für Neues bietet – neue Einflüsse, neue Perspektiven, neue Umwege über den Indie-Dancefloor und durchs
Tiavo-Universum. Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus, so auch die feierliche Eröffnung des „Hotel Tiavo“: 24 Suiten, Schicksale, Storys – nein, Songs (oder: „Hymnen über Mikrothemen, die noch
keine Songs haben“), mit denen das saarländische Duo den eigenen Orbit sprengt und sich genau deshalb
treubleibt. Man sieht sich in der Hotelbar „Tropical“…

Die Feder
Master Of The Skies – Limitierte Edition auf neongelbem Vinyl
Metalville | Artikelnummer: 1417558
Vinyl-LP | 2026 / EU - Original | Neu
32,99 €
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Vorbestellungen werden ab dem 28.08.2026 versandt.
Das Datum basiert auf den Angaben unserer Lieferanten und kann sich ändern.
Die farbige Vinyl-LP „Master Of The Skies Limited Neon Yellow Vinyl Edition“ von The Quill ist bei Metalville erschienen und vereint die neuen Studioaufnahmen des schwedischen Veteranen-Quartetts. Die LP enthält zehn Tracks mit einer Spielzeit von rund 45 Minuten. Der Titeltrack ist in einer Extended Version und als Reprise enthalten, während das epische Stück „Mastodon“ mit über neun Minuten Spielzeit viel Raum für ausgedehnte Riffpassagen bietet.

Musikalisch bewegt sich The Quill zwischen druckvollem Hard Rock und Stoner-Rock-Elementen, wobei Groove, Schwere und Melodie stets eng miteinander verwoben sind. Auf dem Album setzt die Band auf dunklere, dichtere Klangfarben als auf früheren Veröffentlichungen. Die Arrangements reichen von prägnanten, riffbetonten Songs bis hin zu atemlosen, doomigen Momenten. Diese Balance zwischen Eingängigkeit und düsterer Atmosphäre zieht sich durch das gesamte Album.

Gesang und Gitarrenspiel stehen im Zentrum der Kompositionen, während die Songs durch bewusst gesetzte Tempowechsel und dynamische Übergänge zusammengehalten werden. Damit knüpft The Quill an seine lange Bandgeschichte an und untermauert seine Rolle als feste Größe in der skandinavischen Hardrock-Szene.

Mit "Hoarse" legten 16 Horsepower 2000 ein Live-Album der Extraklasse vor. Die elf Songs, aufgenommen 1998 in Denver und Paris, zeigen die Band auf der Höhe ihres Schaffens, mehr noch, die hier zu hörenden Versionen der Songs ihrer Studioklassiker "Low Estate" und "Sackloth"n"Ashes" sind nahe der Perfektion. Was für eine Kraft, was für eine Wucht! Von dem von David Eugene Edwards" Akkordeon dominierten Intro des Openers "American Wheeze" braucht es keine zwei Minuten, bis die Band die Hölle losbrechen lässt. 16 Horsepower waren anno 1998 eine Maschine, die alles niederwalzte - nicht brutal, aber immer gewaltig. Dabei blieben sie stets filigran, beherrschten auch die leisen Töne (man höre nur "Bad Moon Risin""!) in gleicher Souveränität wie das volle Brett. Neben dem CCR-Cover gibt es Gun Clubs "Fire Spirit" sowie ein fulminante Version von Joy Divisions "Day Of The Lords". Wer die Band jemals live erlebt hat, weiß um die Magie solcher Momente.

For more than a decade, Mama's Broke, the Canadian duo of Amy Lou Keeler and Lisa Maria, have forged a style carried across landscapes rather than tied to one Their forthcoming 12- song LP Reunion follows years in near- constant motion, bringing their folk- without- borders approach to small clubs, DIY spaces, and everywhere in between. Reunion reflects a world coming apart in plain sight, tracing fractured communities, the erosion of shared ground, and the growing awareness that the systems we were taught to trust no longer hold or deliver the promises they were meant to keep. The songs don't preach or prescribe; they reflect, holding up a mirror and leaving space for something else to take shape.

This Mirror Weighs a Ton, Interpol’s first album in four years and debut for Partisan Records, finds the band turning inward while continuing to move forward. Across the record, reflection, distortion and perception become a lens through which familiar shapes are refracted into something slightly alien, as if seen through a different kind of light.

Produced with Grammy- and Oscar-winning Andrew Wyatt (ROSALÍA, Charli xcx) and mixed by Dave Fridmann, the album introduces vibrant new textures into Interpol’s world. Synthesizers, strings, acoustic guitars and percussion are integrated into the fabric of the songs, expanding the palette while revealing colors already latent within it. Nothing feels imposed. Instead, the additions deepen the band’s language of restraint, atmosphere and tension. At its center remains the creative relationship between Paul Banks, Daniel Kessler and Sam Fogarino, a partnership now approaching three decades and defined by intuitive alignment and momentum that continues to generate new possibilities. The result is an album that feels expansive, uncanny and alive with forward motion, not a reinvention but an evolution that allows Interpol to continue transforming without losing their identity.

“This Mirror Weighs A Ton” / “See Out Loud” is a study in duality, with Interpol moving fluidly between familiarity and departure. The title track unfolds from a skeletal progression into something vast and textural, built from warped bass, a wordless female voice and a sense of motion that feels tidal, bending the band’s familiar language into somewhere more expansive and unfamiliar. By contrast, “See Out Loud” carries the DNA of Interpol’s earliest work, sharp, propulsive and direct, while complicating it through layered vocals, shifting perspectives and a rare lead vocal turn from Kessler. Both tracks reflect the interplay between structure and spontaneity that defines This Mirror Weighs a Ton, expanding Interpol’s world through fresh textures while keeping the instinctive chemistry between Banks, Kessler and Fogarino at the center.

The double single is accompanied by two visualizers directed by Nick Steinhardt.

Graham Hunt kann einfach nicht aufhören, Alben aufzunehmen. Seit 2019 hat der in Madison, Wisconsin, lebende Songwriter ein umfangreiches Repertoire an einzigartiger Musik zusammengetragen - in einem Tempo, das nur von der Qualität der Werke selbst übertroffen wird. Nun, bereits bei seinem sechsten Album ,American Pyramid", hat Hunt sich aus seiner Komfortzone herausgewagt, die bodenständigen, computerorientierten Experimente seiner früheren Arbeiten hinter sich gelassen und stattdessen Minnesotas legendäres Pachyderm Studio mit einer neunköpfigen Band, um zu versuchen, eine andere Seite seiner grenzenlosen Kreativität einzufangen. Das Ergebnis ist ein Album, das musikalisch und textlich neue Wege geht, wobei Hunt mit seinem surrealistischen Ansatz sowohl die Traditionen des amerikanischen Indie-Rock als auch die beunruhigende Distanziertheit der amerikanischen Erfahrung selbst seziert. Zusammen mit einer Reihe von Multi-Instrumentalisten aus früheren Besetzungen seiner Live-Auftritte zog Graham ins Pachyderm Studio, den berühmten Aufnahmestandort unzähliger Kultalben, von Nirvanas ,In Utero" und PJ Harveys ,Rid of Me" bis hin zu neueren Alben wie ,Sugaregg" von Bully oder ,Once Twice Melody" von Beach House. Die Session erwies sich als fruchtbar, da die meisten Songs, die es auf ,American Pyramid" schafften, jene maximalistische Ambition ausstrahlen, die in Grahams meisterhaftem Songwriting offensichtlich ist - doch nachdem er nach Hause zurückgekehrt war, wurde Hunt von noch weiterer Inspiration erfasst - und das Album schwelgt in der Dualität beider Prozesse. Tracks wie der bei Pachyderm aufgenommene Rave-up ,Riverboat Blues" gehen nahtlos in die zu Hause aufgenommene Musik wie ,Dust Underwater" über, wobei beide in eskapistische Fantasien abdriften, in denen lebhafte Produktionselemente die surreale Erzählung untermalen. Oder anderswo bietet der Album-Highlight ,Getting Older" einigen von Hunts unmittelbar befriedigendstem Gitarrenpop und die bodenständigsten Texte auf ,American Pyramid". Die Fähigkeit, so viele verschiedene Klänge, Emotionen und Stimmungen zu vereinen, macht Graham Hunt zu einem so besonderen Songwriter. Nur sehr wenige würden es überhaupt versuchen, Westerberg-artigen Everyman-Rock mit gonzoartigen, autotune-bearbeiteten Gesangspassagen oder psychedelischen lyrischen Abstraktionen mit offenherzigen Gedanken über den unaufhaltsamen Lauf der Zeit zu kombinieren - und noch weniger könnten das so umsetzen, wie Hunt es auf ,American Pyramid" tut.

This Mirror Weighs a Ton, Interpol’s first album in four years and debut for Partisan Records, finds the band turning inward while continuing to move forward. Across the record, reflection, distortion and perception become a lens through which familiar shapes are refracted into something slightly alien, as if seen through a different kind of light.

Produced with Grammy- and Oscar-winning Andrew Wyatt (ROSALÍA, Charli xcx) and mixed by Dave Fridmann, the album introduces vibrant new textures into Interpol’s world. Synthesizers, strings, acoustic guitars and percussion are integrated into the fabric of the songs, expanding the palette while revealing colors already latent within it. Nothing feels imposed. Instead, the additions deepen the band’s language of restraint, atmosphere and tension. At its center remains the creative relationship between Paul Banks, Daniel Kessler and Sam Fogarino, a partnership now approaching three decades and defined by intuitive alignment and momentum that continues to generate new possibilities. The result is an album that feels expansive, uncanny and alive with forward motion, not a reinvention but an evolution that allows Interpol to continue transforming without losing their identity.

“This Mirror Weighs A Ton” / “See Out Loud” is a study in duality, with Interpol moving fluidly between familiarity and departure. The title track unfolds from a skeletal progression into something vast and textural, built from warped bass, a wordless female voice and a sense of motion that feels tidal, bending the band’s familiar language into somewhere more expansive and unfamiliar. By contrast, “See Out Loud” carries the DNA of Interpol’s earliest work, sharp, propulsive and direct, while complicating it through layered vocals, shifting perspectives and a rare lead vocal turn from Kessler. Both tracks reflect the interplay between structure and spontaneity that defines This Mirror Weighs a Ton, expanding Interpol’s world through fresh textures while keeping the instinctive chemistry between Banks, Kessler and Fogarino at the center.

The double single is accompanied by two visualizers directed by Nick Steinhardt.

Ein Konzert ist ein Ereignis, bei dem Songs zu neuem Leben erwachen. Deshalb trägt dieses Album den Titel "Live!", erklärt Jarvis Cocker zu diesem besonderen Werk im Pulp-Kanon. "Es ist sowohl eine Tatsachenfeststellung (es handelt sich um die Aufnahme einer Liveband) als auch eine Herausforderung (kommt schon! Alle sollen lebendig werden!)." Gleichzeitig ist es auch sowas wie der erste Filmsoundtrack von Pulp: Der von Garth Jennings inszenierte Film "What Do You Do For an Encore?" erscheint weltweit am 25. September. Die Zusammenarbeit zwischen Pulp und Garth Jennings reicht bis ins Jahr 1997 zurück, als er das Musikvideo zu "Help the Aged" drehte. Als Pulp 2023 ihre Rückkehr auf die Bühne ankündigten, nahm Garth Kontakt auf und bot an, das Bühnenkonzept mitzugestalten. Im Juni 2025 filmte er schließlich die beiden Auftritte der Band in der Londoner O2 Arena, die das Herzstück des Films bilden. Diese Konzerte liefern auch das Material für das Livealbum. Es waren die 566. und 567. Shows der Bandgeschichte und zeigen eine Gruppe auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Aufgenommen in der Woche, in der "More" - Pulps erstes Album seit 24 Jahren - Platz 1 der offiziellen UK-Charts erreichte, fängt das Album genau den Moment ein, in dem die Band als kreative Kraft zurückkehrt: alte und neue Klassiker erstmals vereint.

Die acht Jahre, die I've Missed You All These Years geprägt haben, waren von tiefgreifenden Veränderungen geprägt: Sera Cahoone verlor innerhalb kurzer Zeit ihre beste Freundin, ihren Vater und ihren Hund. Aber bei diesem Album geht es ganz und gar nicht um die Dunkelheit; es geht darum, was passiert, wenn der Sturm vorbei ist, um den Moment, in dem du nach einem dunklen Winter wieder in deinen Körper zurückfindest. Dieses Gefühl der Leichtigkeit kommt deutlich zum Ausdruck in dem Klavier und der E-Gitarre, die in ,Say Something" zum Leben erwachen, sowie in dem komplexen Porträt von ,Hits Right". I've Missed You All These Years fängt den Klang einer ekstatischen Zusammenarbeit zwischen außergewöhnlich talentierten Freunden ein. Man hört es im Barroom-Swing von ,Pulling Up Roots", im Seufzer einer Pedal Steel in ,Not How I Had Hoped", im luftigen Falsett von ,Say Something". Es ist ein Album darüber, Trost in der Gemeinschaft zu finden; darüber, sich selbst wiederzuentdecken, indem man sich mit den Menschen verbindet, die man liebt. Auf ihrem sechsten Album hat Cahoone ihre Kräfte voll im Griff. In seiner Fähigkeit, Verlust und Verbundenheit in einer Hand zu halten, ist I've Missed You All These Years triumphierend, eine Feier des Lebens, die in dem Wissen um dessen Vergänglichkeit verwurzelt ist. Als Ergebnis eines Lebens, das sie mit dem Aufführen und Produzieren von Musik verbracht hat, durchquert das Album Blues, Folk, Pop und Country und erinnert in einem Song an Loretta Lynn und im nächsten an Lucinda Williams. Es ist ein Zeugnis der Kraft, die Kreativität und Gemeinschaft mit sich bringen, ein Porträt einer Künstlerin, die sich selbst vollkommen kennt.

The 2019-released label debut on Minor by Bristol-based producer Gordon Apps a.k.a. Relapse is another excellent showcase of how the long-standing underground imprint from Leipzig expands its sonic spectrum into dark and dubbed out Halftime Drum'n'Bass without losing its Industrial edge, providing a massive secret peak time weapon with the fluttering low end and seductive vocal snippets of the B-side tune „Multilingual Talk Channel“.
Never officially distributed before this is the first time ever this barely recognized underground gem is available to a wider audience, albeit in highly limited quantities. Limited pressing of 150 single copies on transclucent colour vinyl.

Celebrating 45 years since its original release, ‘I Love Rock ’N Roll’, Joan Jett and the Blackhearts’ seminal, groundbreaking album, is a landmark of rock history, selling over 10 million copies worldwide. The title track dominated the Billboard Hot 100 for seven weeks, becoming a global anthem and earning spots on multiple “greatest songs” lists. The album also delivered the Top 10 hit “Crimson & Clover.” Featuring its instantly recognizable, iconic cover, ‘I Love Rock ’N Roll’ remains a bold, enduring statement of raw attitude and timeless rock power.

In Walter Benjamin’s seminal essay “Art in the Age of Mechanical Reproduction”, he posits that the aura of art objects is destroyed by the ability to photographically reproduce them. When you had to make a pilgrimage to a work it remained elusive, charged, ever distant; but when you can easily see a reproduction, such aura dissipates. What Benjamin did not anticipate is that in the age of AI and the frictionless fount of digital content, we have imbued mechanical and analog means of media production with aura. Film cameras from the last 100 years are in high demand (the point and shoot Olympus Mju I featured in Wim Wenders film Perfect Days still sells for $200), vinyl sales continue to grow year by year, 35mm and 70mm film screenings have become aura-drenched events people travel across country for, and as to the world of vintage and analog synthesizers, when a friend asked for the price on the Yamaha CS-80 synth used on Toto’s “Africa”, the answer was a cool $60,000.

Despite the ability to simulate almost any synthesizer on a computer, the original physical units retain their mystique. Perhaps this lies in the physical process, many of these synths are temperamental and difficult to fully utilize, and the effort and ingenuity can be felt in ways that will always be absent from easy digital simulacra. Perhaps there is an aura in their imperfection, as Brian Eno wrote: “Whatever you now find weird, ugly, uncomfortable and nasty about a new medium will surely become its signature. CD distortion, the jitteriness of digital video, the crap sound of 8-bit - all of these will be cherished and emulated as soon as they can be avoided.” Some may call this nostalgia, but such sonic imperfections are the sounds of humans interacting with the physical world, and it is understandable to feel a pang of emotion and attachment in a time of exponential alienation.

Marche 22 was recorded over a week at the Museo Del Synth Marchigiano in Macerata, Italy. The museum is filled with rare and obscure synths (especially CRB, GEM & Elka) as well as salvaged materials from a nearby shuttered Farfisa organ factory, including MARS, an unfinished realtime audio processing application developed by IRIS - similar to the now well known MAX/MSP. Kyle Dixon and Michael Stein play a suite of pieces that encompasses the last sixty years of synthesizer music—there are nods to Cluster, Tangerine Dream, Jean Michel Jarre, and Morton Subotnick. Dixon and Stein are like jazz masters playing the American songbook with their own riffs and quotations. What shines through in these varied works that are sometimes rhythmic, sometimes melancholic, and sometimes both, is a soul, a spirit, an emotion vibrating through the tones like the charge of coming rain or the thrum of a distant train on the tracks. - Neil Fauerso