All Cats Are Cute ist ein Instrumental-Funk-/Lofi-Beats-Party- und Chill-Album für alle Tierfreunde! Dieses Album feiert nicht nur Katzen, sondern auch den Geist der Vielfalt und Zusammengehörigkeit unter allen Lebewesen auf der Erde. Egal, ob man sein Zuhause mit Katzen, Hunden, Nagetieren, Vögeln, Menschen oder einfach nur mit der Liebe zu allen Lebewesen teilt, diese Platte ist der perfekte Soundtrack - eine Fahrt weg vom Trubel, auf einem bunten Katzenbus vorbei am Soul Train zur Regenbogenbrücke. Inspiriert von den Rettungskatzen Tibby und Slippy von Furnace Record Pressing, kommt diese LP Katzen zugute, die es am meisten brauchen. 100 % der Einnahmen werden an Brooklyn Animal Action gespendet, um deren Mission zu unterstützen, Tiere in Not zu retten, zu rehabilitieren und ihnen ein neues Zuhause zu geben. Dieses Projekt wurde ermöglicht durch die großzügige Unterstützung von Furnace Record Pressing, Catbeats und allen beteiligten Anbietern, die ihre Dienste gespendet haben, um sicherzustellen, dass jeder Cent direkt der Hilfe für Tiere zugute kommt. Hinter dem Namen steckt Shelby Cinca, bekannt als ehemaliger Sänger der 90er-Jahre-Hardcore-Band Frodus.
Bill Pritchard präsentiert mit Haunted sein poporientiertestes Album seit den 1990er-Jahren. Veröffentlicht auf Tapete Records, vereint das Werk melodische Raffinesse mit lyrischem Tiefgang. Die Songs kreisen um Erinnerungen - Menschen, Orte und Emotionen, die bleiben, ob real oder imaginär. Aufgenommen zwischen Hamburg und Newcastle-under-Lyme, spiegelt Haunted den internationalen Charakter von Pritchards Musik wider. Vintage-Elemente wie Drumcomputer und Bläserarrangements treffen auf moderne Produktion, ergänzt durch Gitarren, Orgel und subtile psychedelische Akzente. Das Ergebnis ist ein organisches, europäisches Popalbum voller Wärme und Vielschichtigkeit. Thematisch erforscht Pritchard die Spuren der Vergangenheit: von Alltagsbeobachtungen bis zu semi-fiktiven Liebesgeschichten. Die Songs wechseln zwischen luftigen, optimistischen Momenten und introspektiven Passagen - stets mit feinem Gespür für Melodie und Atmosphäre.
Jubiläumsedition inklusive dem Original Sonderlust Album und einer zweiten Disc mit zwei brandneuen, unveröffentlichten B-Seiten und einer ,Demo-arigato"-Version von Sonderlust mit frühen Demos jedes Songs. Die Doppel-LP erscheint auf farbigem Vinyl: "Bone Vinyl" (LP1) und "Gold Vinyl" (LP2). Vor zehn Jahren war Kishi Bashi nach jahrelangen Tourneen zu seinen gefeierten Alben ,151a" und ,Lighght" kreativ und emotional ziemlich ausgelaugt. Die orchestrale Ausgelassenheit, die seinen Sound früher geprägt hatte, begann zu verblassen, was ihn dazu brachte, seinen künstlerischen Zweck zu hinterfragen. Aus dieser Erschöpfung entstand ,Sonderlust" (2016), eine sehr persönliche Neuerfindung, die von Verletzlichkeit, analoger Wärme und spiritueller Ehrlichkeit geprägt ist. Ishibashi verzichtete auf kunstvolle Violinen-Loops und setzte stattdessen auf Vintage-Synthesizer und reduzierte Texturen, wodurch ein Album entstand, das vor souliger, menschlicher Energie nur so sprühte. Songs wie ,Say Yeah", ,Honeybody" und ,Ode to My Next Life" fingen sowohl den Schmerz als auch die Freude der Selbstfindung ein und verankerten seine üppige Fantasie in gelebter Erfahrung. Jetzt, mit seiner Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum, steht Sonderlust als ein entscheidendes Werk da - in dem Kishi Bashis schillernde Verspieltheit der Selbstbeobachtung und Verbundenheit Platz machte. Die Neuauflage zeigt ein überarbeitetes Artwork des ursprünglichen Cover-Künstlers Ssin Kim, das Wachstum und eine neue Perspektive symbolisiert. ,Wenn man jünger ist, kann die Welt überwältigend wirken", reflektiert Ishibashi. ,Mit zunehmendem Alter beginnt man, seinen Platz darin zu sehen." Was als Album über Liebeskummer begann, ist zu einer zeitlosen Meditation über Empathie, Kreativität und die bleibende Schönheit des Menschseins geworden.
Auf ihrem achten Album "Nothing's About to Happen to Me" erzählt Mitski, musikalisch unterstützt von ihrer Band und einem Orchester, eine vielschichtige, verrätselte Geschichte, in deren Mittelpunkt eine Frau steht, die zurückgezogen in einem verwahrlosten Haus lebt. Außerhalb ihres Zuhauses ist sie eine Außenseiterin; innerhalb ihres Zuhauses ist sie frei. Mitski schrieb alle Stücke auf "Nothing's About to Happen to Me". Das Album, produziert und aufgenommen von Patrick Hyland und gemastert von Bob Weston, setzt die musikalische Linie von "The Land Is Inhospitable and So Are We" (2023) fort. Eingespielt wurde es live von Mitskis Tourband The Land. Die Orchesteraufnahmen, arrangiert von Drew Erickson fanden in den Sunset Sound und TTG Studios statt, die Tontechnik übernahm Michael Harris. Mitski ist "die faszinierendste und geheimnisvollste Musikerin des Indie-Rock" (Rolling Stone), die sich "immer wieder auf brillante und wunderbare Weise weiterentwickelt" (NPR Music). Im Laufe ihrer Karriere hat sie bislang sieben Alben veröffentlicht, vier davon erreichten Goldstatus. Ihr Stück "My Love Mine All Mine" ist ein Welthit und erreichte Vierfach-Platin. Zu Mitskis vielfältigen Kollaborationen mit anderen Künstler:innen zählen zwei Co-Writing-Beiträge für das aktuelle Florence and the Machine-Album "Everybody Scream", sowie eine Zusammenarbeit mit David Byrne und Son Lux für den Oscar-nominierten Film "This Is A Life". Derzeit schreibt sie Musik und Texte für die Musical-Adaption von "Das Damengambit". Ihre Konzerte, die Variety als "faszinierende Bewegungsstudie" bezeichnet hat, wurden auch als "hochstilisiert, brillant umgesetzt, supercool" (Philadelphia Inquirer) und "ungewöhnlich, rätselhaft und absolut fesselnd" (The Guardian) beschrieben. Ihr erster Konzertfilm "Mitski: The Land" lief im Oktober 2025 in über 600 Kinos weltweit und festigte ihren Ruf als "eine der wenigen Indie-Stars, die sich den großen Durchbruch verdient haben" (Uproxx). Er erschien zeitgleich mit dem Live-Album "The Land".
MOLA - fierce gutter pop, bittersweet ballads and roaring indie anthems oscillating between heartbreak, chaos and radical connection. On Liebe Brutal (out 26.09.2025), raw emotion meets sharp irony, Italo-drama meets pogo energy. Isabella Streifeneder and producer Markus Harbauer deliver their most direct, dynamic and vulnerable record to date - brutally honest, brutally beautiful.
On "Another Year Older," Larry Fleet cements his status as country music’s premier blue-collar soul-singer, delivering a masterclass in honest, salt-of-the-earth storytelling. Shifting his gaze toward the reflective milestones of adulthood, the White Bluff, Tennessee native trades the restless energy of his earlier work for a grounded, hard-won perspective on what truly lasts. The project seamlessly blends the grit of classic 70s country with the soaring, gospel-infused vocal power that has become his trademark, capturing the quiet dignity of the working class and the profound beauty found in the everyday. From the steady wisdom of the title track to the heartfelt odes to faith and family, Fleet treats the passage of time not as a burden, but as a teacher. It is a record for the dreamers and the doers alike—a soulful, unvarnished progress report from a man who has clocked the miles, felt the weight of the world, and realized that getting older is just another word for getting it right.
San Francisco–born singer-songwriter Ben Kweller returns with Cover The Mirrors, his seventh studio album — and perhaps his most personal work to date. Known in the late ’90s as a member of post-grunge outfit Radish, who were signed to Mercury Records and even counted Nils Lofgren among their fans, Kweller has since carved out a long and prolific solo career rooted in melodic indie rock and unfiltered emotion. Cover The Mirrors is a deeply poignant record, written in honour of what would have been Kweller’s late son Dorian Zev’s 19th birthday. It also marks Kweller’s first release since Dorian’s tragic passing in 2023 — an event that reshaped both his life and his music. Far from retreating into silence, Kweller channels his grief into a collection of songs that explore loss, love, and renewal with raw honesty. “This is the most personal, emotionally raw project I've ever worked on,” he reflects, and every track bears that truth. The album features an impressive roster of collaborators from across the indie landscape: Waxahatchee joins on “Dollar Store,” a sparse and arresting song built on two vocals and a guitar that eventually erupts into a distorted, soaring finale; MJ Lenderman lends his touch to “Oh Dorian,” a tender tribute steeped in warmth and melancholy; Jason Schwartzman resurrects his mid-aughts project Coconut Records for the haunting “Depression”; and psych-rock icons The Flaming Lips appear on the shimmering, otherworldly “Killer Bee.” Musically, Kweller’s craft is as sharp and sincere as ever — intimate yet expansive, stripped-down yet powerful. Cover The Mirrors captures an artist walking through grief with purpose, turning heartbreak into something both fragile and transcendent. It’s the sound of Ben Kweller looking loss directly in the eye — and finding beauty, courage, and connection reflected back. - “One of the great American songwriters” – Jack Antonoff TRACKLIST: A1. Going Insane A2. Dollar Store (feat. Waxahatchee) A3. Trapped A4. Park Harvey Fire Drill A5. Depression (feat. Coconut Records) A6. Don't Cave B1. Optimystic B2. Brakes B3. Killer Bee (feat. The Flaming Lips) B4. Letter To Agony B5. Save Yourself B6. Oh Dorian (feat. MJ Lenderman) Clear Vinyl LP
‘Platinum Rare 1’ contains extremely rare recordings by the four original SWEET members. The legendary glam/hard rock band continues to thrill fans all over the world to this day. Over the years, SWEET have sold more than 55 million records and reached 34 number 1 chart positions. The songs on ‘Platinum Rare 1’ come from the private archive of SWEET guitarist Andy Scott and were personally selected by him. Fans of the band will be thrilled with this collection of rare and alternative takes and mixes. Many of the songs on the album have never before seen the light of day on a regular SWEET release. ‘Platinum Rare 1’ is an absolute enrichment for every true fan of SWEET.
Als Nachfolger von ,High Art Lite" ist ,Ruins" ein Album, das von Trauer, Reflexion und Transformation geprägt ist; eine Platte, die sowohl die Schwere des Verlusts als auch die seltsame Schönheit, die damit einhergeht, einfängt. Geschrieben nach einer selbst auferlegten Pause vom Songwriting, repräsentiert es eine Veränderung im Fokus und in der Perspektive von Joseph Oxley aka TVAM. ,Ich wollte mich von dem entfernen, was ich dachte, dass ich machen sollte", erklärt er. ,Der schlechteste Rat, den man geben kann, ist: ,Was nicht kaputt ist, muss man nicht reparieren.` Es ist immer kaputt. Es muss immer repariert werden." Im Kern beschäftigt sich ,Ruins" mit Verlust nicht als Leere, sondern als Präsenz, als etwas, das die Welt um einen herum neu gestaltet. Auf dem Album ringt Oxley mit den Dualitäten der menschlichen Erfahrung: der Spannung zwischen Gesagtem und Ungesagtem, zwischen Humanismus und Nihilismus, Öffentlichkeit und Privatsphäre, Verzweiflung und Akzeptanz. ,Hoffnung und Verzweiflung heben sich nicht gegenseitig auf", sagt er. ,Sie können nebeneinander existieren - das macht es real." Irgendwo inmitten eines Lebens voller Wiederholungen, Wiederaufführungen und Neustarts lebt TVAM und schafft Werke, die unsere Erinnerungen berühren und gleichzeitig mit unseren Ängsten spielen, und schafft eine Welt, in der Rundfunk zu Performance wird. Seit seinem Debütalbum ,Psychic Data", das aus einem kleinen Schlafzimmerstudio in Wigan hervorgegangen ist, hat TVAM den Sound und das Spektakel der Nostalgie im modernen Leben definiert, vom Slogan ,Porsche Majeure" bis zum Wahlkampf ,Semantics". Seine Musik wurde in die Tagesplaylist von BBC 6 Music aufgenommen und in Fernsehsendungen wie der bahnbrechenden Serie ,Succession" vorgestellt. Musikalisch ist ,Ruins" expansiv und immersiv. Dunkel, aber magisch, ist es voller hallgetränkter Synthesizer, zerbrochener Texturen und hämmernder Snares. Gitarren verweben sich mit neu entdeckter Zurückhaltung durch den Mix und schaffen Raum für Atmosphäre und Emotionen, die im Mittelpunkt stehen. ,Broken Reality"-Texturen kollidieren mit treibenden Rhythmen und erinnern an den cineastischen Puls von The Sisters of Mercy aus der ,Floodland"-Ära und die melodische Melancholie von The Cure aus der ,Disintegration"-Ära. Das Ergebnis ist ein Album, das Schönheit in Dissonanzen und Licht in Trümmern findet.
Night Punch sind fünf Musiker aus Hamburg, die einen einzigartigen, apokalyptischen Sound zwischen Hardcore Punk, Dark Punk und kalten Synth-Elementen formen. Mit ihrem 2023 erschienenen Album "Where Sins Bloom (So Does Death)" lieferten sie eine gnadenlose, 32-minütige Klangattacke aus druckvollen Schlagzeug- und Bass-Teppichen, sägend verzerrten E-Gitarren, eisigen Synth-Flächen und wütenden Vocals, roh, kompromisslos und tief in einer düsteren Klangästhetik verankert. Seit ihrer Gründung hat sich um Night Punch, deren Identität stets in Masken zerfällt, eine treue Szene gebildet; sie veröffentlichen limitierte Tapes und Vinyls, spielen auf Festivals wie dem Get Lost! Fest und überzeugen mit intensiven, energiegeladenen Live-Shows, die den DIY-Ethos der Band unmittelbar spürbar machen. 2026 setzen sie diesen Weg mit dem Album "godisnowhere" fort: noch härter, direkter und aggressiver als der Vorgänger, ohne den eigenen Klangkern aufzugeben. Die Songs wirken dichter, kantiger und unerbittlicher, behalten aber die vertraute Mischung aus massiver Rhythmik, apokalyptischer Stimmung und nihilistischer Wucht bei. Eine weitere Eskalationsstufe im kompromisslosen Kosmos von Night Punch
Vor ein paar Jahren kam mir beim Lesen von Thomas Manns ,Der Zauberberg" eine Idee. Diese Idee kam nicht von der Geschichte im Buch, sondern von den Spuren und der Atmosphäre, die darin beschrieben werden. Das war's: eine hörbare, atmosphärische Reise durch die Erinnerungen an einen Ort, der irgendwo hoch in den Schweizer Bergen verloren gegangen ist. Ein Jahrhundert nach den Ereignissen, die im Buch beschrieben werden, sind wir an den Ort der Handlung gereist, um die noch vorhandenen Geräusche einzufangen, die damals zu hören gewesen sein könnten, und die Geister, die vielleicht noch immer dort umherwandern. Zauberberg basiert auf diesen Aufnahmen, auf Aufnahmen der Musik, die Hans Castorp (die Hauptfigur des Romans) spielte, auf akustischen/elektronischen Instrumenten und digitaler Bearbeitung. Das Ergebnis ist eine Beschwörung von Zeit und Dauer, eine Erkundung dessen, was bleibt und was verloren geht, eine Meditation über die Auflösung und das Fortbestehen der Aura, die alles umgibt.
Mutant präsentiert in Zusammenarbeit mit Cut Narrative und Netflix stolz Nathan Johnsons unglaubliche Filmmusik zu Rian Johnsons drittem Benoit-Blanc-Krimi „Wake Up Dead Man“.In diesem bislang düstersten Teil der Reihe wechselt Nathan Johnson geschickt von der helleren, weltumspannenden Musik des Vorgängers „Glass Onion“ zu einer gotischen und wunderschön gespenstischen Filmmusik. Nathans charakteristische Streicher entführen Sie in das Herz der Finsternis von Our Lady of Perpetual Fortitude, einer unruhigen Kirche im Bundesstaat New York, die vor einer Abrechnung steht.Nathans Filmmusik ist emotional kraftvoll, aber niemals düster und bildet eine brillante Fortsetzung einer der klanglich markantesten und einzigartigsten Krimiserien aller Zeiten.
Scupltures is composer and pianist Derek Hunter Wilson’s third solo album, an ode to the ancient and contested shorelines of the Pacific Northwest. Deeply embedded in place, the six longform pieces that make up the album reflect the artist’s journey through grief (including losing his father) and the passage of time, each one built upon loops created from extended sessions with harpist Joshua Ward. Like the foggy, moss-encrusted locations that inspired the album, Sculptures has a timeless feel to it, shadowed by the rumblings of a colonial system in decay.
Award-winning poet Mathias Svalina composed a poem for the album, entitled “A Dream for Sculptures”. It is reproduced on an insert that accompanies each LP.
Derek Hunter Wilson is a composer and multi-instrumentalist based in Portland. He has released two solo albums on Beacon Sound (Travelogue, 2017; Steel, Wood, & Air, 2019), as well as a collaborative album with Location Services entitled Wake (2022). In 2018 he collaborated with visual artist Gregory Euclide for his Thesis Project label, resulting in a split 10" with Spanish musician Rauelsson. He has additionally worked with poets Zachary Schomburg and Brandi Katherine Herrera for several sound and performance pieces, and has performed live on the West Coast and in Berlin, sharing the stage with artists such as Colleen, Amulets, Patricia Wolf, Pulse Emitter, and Liima.
Blisterhead ist eine der verstecktesten Perlen der europäischen Punkrock-Szene. Die Band wurde 1999 in den kleinen Städten Falköping und Skövde in Schweden gegründet. Im Laufe der Jahre hat sich die Band einen Ruf für Beständigkeit und Leidenschaft aufgebaut und fünf Alben sowie drei EPs über renommierte Indie-Labels wie Kob Records, Mad Butcher Records, Laketown Records und Alleycat Records veröffentlicht. Mit Tourneen durch mehr als 15 Länder in ganz Europa hat Blisterhead die Bühne mit legendären Acts wie Millencolin, Toy Dolls, Mad Sin, GBH und Bombshell Rocks geteilt. Bekannt für ihre energiegeladenen und messerscharfen Live-Auftritte, gelten sie oft als eine der zuverlässigsten und fesselndsten Live-Bands der europäischen Punkszene. Musikalisch liefert Blisterhead eine einzigartige Mischung aus Punkrock und rohem Rock'n'Roll, angetrieben von unglaublich starken Refrains und mitreißenden Melodien, die dem Zuhörer noch lange nach dem Ende der Songs im Gedächtnis bleiben. Blisterhead kehren nun mit ihrem sechsten Album "Where We Belong" auf Sunny Bastards Records zurück und destillieren alles, was die Band ausmacht: große, hymnische Refrains, einen wilden Cocktail aus Punkrock und Rock'n'Roll und eine live aufgenommene Energie, die Ehrlichkeit, Schweiß und Adrenalin direkt aus den Lautsprechern strömen lässt. Mit jedem Hören entfalten sich neue Hooks und Melodien, die zeigen, wie viel Tiefe unter der rohen Kraft steckt. Dieses Mal ließ sich die Band stark von Legenden wie US Bombs, The Humpers und Rancid inspirieren und verband den rohen amerikanischen Punk-Angriff mit der Härte und Melodie des klassischen englischen Punks der 80er Jahre. Das Ergebnis ist ein Sound, der sowohl zeitlos als auch eindringlich wirkt, den Wurzeln des Punk treu bleibt und gleichzeitig mit voller Geschwindigkeit vorwärtsprescht
Blisterhead ist eine der verstecktesten Perlen der europäischen Punkrock-Szene. Die Band wurde 1999 in den kleinen Städten Falköping und Skövde in Schweden gegründet. Im Laufe der Jahre hat sich die Band einen Ruf für Beständigkeit und Leidenschaft aufgebaut und fünf Alben sowie drei EPs über renommierte Indie-Labels wie Kob Records, Mad Butcher Records, Laketown Records und Alleycat Records veröffentlicht. Mit Tourneen durch mehr als 15 Länder in ganz Europa hat Blisterhead die Bühne mit legendären Acts wie Millencolin, Toy Dolls, Mad Sin, GBH und Bombshell Rocks geteilt. Bekannt für ihre energiegeladenen und messerscharfen Live-Auftritte, gelten sie oft als eine der zuverlässigsten und fesselndsten Live-Bands der europäischen Punkszene. Musikalisch liefert Blisterhead eine einzigartige Mischung aus Punkrock und rohem Rock'n'Roll, angetrieben von unglaublich starken Refrains und mitreißenden Melodien, die dem Zuhörer noch lange nach dem Ende der Songs im Gedächtnis bleiben. Blisterhead kehren nun mit ihrem sechsten Album "Where We Belong" auf Sunny Bastards Records zurück und destillieren alles, was die Band ausmacht: große, hymnische Refrains, einen wilden Cocktail aus Punkrock und Rock'n'Roll und eine live aufgenommene Energie, die Ehrlichkeit, Schweiß und Adrenalin direkt aus den Lautsprechern strömen lässt. Mit jedem Hören entfalten sich neue Hooks und Melodien, die zeigen, wie viel Tiefe unter der rohen Kraft steckt. Dieses Mal ließ sich die Band stark von Legenden wie US Bombs, The Humpers und Rancid inspirieren und verband den rohen amerikanischen Punk-Angriff mit der Härte und Melodie des klassischen englischen Punks der 80er Jahre. Das Ergebnis ist ein Sound, der sowohl zeitlos als auch eindringlich wirkt, den Wurzeln des Punk treu bleibt und gleichzeitig mit voller Geschwindigkeit vorwärtsprescht
Repress auf Ice Blue Vinyl. Die schwedischen Riffgötter von GRAND MAGUS blasen mit "Iron Will" zum Metalangriff. ,Iron Will" beendet die Reise, die die Band auf dem Vorgänger von 2005, ,Wolf's Return" antrat und bringt sie zu ihrem unausweichlichen finalen Höhepunkt, auf dem alles in Schutt und Asche gelegt wird. Die Energie zu diesem furiosen Schlusspunkt der Reise ziehen GRAND MAGUS aus der bodenständigen Erhabenheit der NWOBHM und der inspirierenden Mythologie ihrer Vorgänger. GRAND MAGUS haben die vorchristlichen Geschichten von Sieg, Rache, Betrug, Romanzen und Tod in sich aufgesogen, so dass ihr Sound das Produkt eines düsteren, fruchtbaren Ortes ist, an dem Rock und Heavy Metal eine Symbiose der pursten Art eingehen. Die neun Songs auf ,Iron Will" sind das Manifest zeitloser, maskuliner Würde, die mit Leichtigkeit Plastikschwerte entzwei bricht, Idioten mitten ins Gesicht tritt und das wahre Schwert des klassischen Metal mit Stolz in die Höhe hält.
Blisterhead ist eine der verstecktesten Perlen der europäischen Punkrock-Szene. Die Band wurde 1999 in den kleinen Städten Falköping und Skövde in Schweden gegründet. Im Laufe der Jahre hat sich die Band einen Ruf für Beständigkeit und Leidenschaft aufgebaut und fünf Alben sowie drei EPs über renommierte Indie-Labels wie Kob Records, Mad Butcher Records, Laketown Records und Alleycat Records veröffentlicht. Mit Tourneen durch mehr als 15 Länder in ganz Europa hat Blisterhead die Bühne mit legendären Acts wie Millencolin, Toy Dolls, Mad Sin, GBH und Bombshell Rocks geteilt. Bekannt für ihre energiegeladenen und messerscharfen Live-Auftritte, gelten sie oft als eine der zuverlässigsten und fesselndsten Live-Bands der europäischen Punkszene. Musikalisch liefert Blisterhead eine einzigartige Mischung aus Punkrock und rohem Rock'n'Roll, angetrieben von unglaublich starken Refrains und mitreißenden Melodien, die dem Zuhörer noch lange nach dem Ende der Songs im Gedächtnis bleiben. Blisterhead kehren nun mit ihrem sechsten Album "Where We Belong" auf Sunny Bastards Records zurück und destillieren alles, was die Band ausmacht: große, hymnische Refrains, einen wilden Cocktail aus Punkrock und Rock'n'Roll und eine live aufgenommene Energie, die Ehrlichkeit, Schweiß und Adrenalin direkt aus den Lautsprechern strömen lässt. Mit jedem Hören entfalten sich neue Hooks und Melodien, die zeigen, wie viel Tiefe unter der rohen Kraft steckt. Dieses Mal ließ sich die Band stark von Legenden wie US Bombs, The Humpers und Rancid inspirieren und verband den rohen amerikanischen Punk-Angriff mit der Härte und Melodie des klassischen englischen Punks der 80er Jahre. Das Ergebnis ist ein Sound, der sowohl zeitlos als auch eindringlich wirkt, den Wurzeln des Punk treu bleibt und gleichzeitig mit voller Geschwindigkeit vorwärtsprescht
Originally released in 1996 via Big Beat/Atlantic Records, From Where??? is the debut album by Richmond, VA-based emcee Mad Skillz, which features countless classic cuts by some of the best producers in the game (roll call: J Dilla, Shawn J. Period, Buckwild, DJ Clark Kent, Nick Wiz, The Beatnuts & Large Professor). The
album was also praised for its strong lyrical content. Skillz, as we know him, was never short on captivating listeners with his punchlines and wordplay. In 2002, he began his annual “Rap Up” series, incorporating a year’s worth of headlines from the prior year. On From Where??? The singles “The Nod Factor and “Move Ya Body” received steady radio and video airplay while album cuts like “VA. In The House, “Doin Time In
The Cypha,” “The Jam,” and the showstopper “Extra Abstract Skillz” (Featuring Q-Tip & Large Professor) all round out the album with bangers from start to finish. Out of print on vinyl in the United States since its original release, Get On Down is proud to present another underrated Golden Era classic on vinyl. From Where??? is pressed on half-and-half with black splatter-colored vinyl, limited to 1000 copies.
Mute welcomes German synthesizer and producer duo Felsmann + Tiley to the roster with the release of their new album Protomensch. Out February 13, 2026 on limited edition black vinyl packaged in a special gatefold sleeve featuring a mirror foil lamination on the inner panel revealing a ‘self-portrait of the protomensch.’
On Protomensch (German for “proto-human”), Felsmann + Tiley blend shimmering synthwave, pounding trance, and introspective IDM with synth-pop-infused tracks featuring guest vocalists including London’s Pet Deaths and Australian artists The Kite String Tangle, Woodes, and Laius.
This juxtaposition between sentient beings and machines permeates the whole album – right from the duo’s manifesto introducing us the highly intelligent yet irrevocably shortsighted and downright tragic character of Protomensch – the cover artwork featuring turtleneck wearing chimpanzee, futuristic music videos, and stark social media aesthetics to seated, next-level live-shows involving collaboration with dozens of visual artists.
Despite their online ubiquity, sparked in part by their viral reinterpretation of label-mate M83’s “Solitude,” which has been used over 1 million times on TikTok and high-profile syncs on shows including Young Royals (season two), the BAFTA-winning crime thriller Top Boy (season three), and Amazon’s The Better Sister, Felsmann + Tiley have lingered largely on the periphery, their origins cloaked in quiet anonymity, until now. With the release of Protomensch, Felsmann + Tiley present their fully realized artistic vision and step into the spotlight.
Inspiriert von den schattigen Cabarets und verrauchten Jazzclubs des Weimarer Berlins der späten 1920erJahre, präsentiert Bryan Ferry mit seinem Orchester auf „Bitter-Sweet“ sein Solo- und Roxy-MusicRepertoire in neuem Gewand – mit einer raffnierten Jazz-Sensibilität. Das Album besticht durch elegante
Bläserarrangements, gedämpfte Trompete, Klarinettenklänge und eine Atmosphäre urbaner Melancholie,
die Klassiker wie „Alphaville“, „Reason or Rhyme“ und „While My Heart Is Still Beating“ neu interpretiert.
Ferry selbst steuert auf acht Titeln den Gesang bei, während die übrigen Stücke als instrumentale Neuinterpretationen präsentiert werden, arrangiert mit dem Können von Colin Good und gespielt von einem
Ensemble erfahrener Jazzmusiker. Das Konzept des Albums entstand aus Ferrys Tätigkeit als Musikberater
für die gefeierte deutsche Fernsehserie „Babylon Berlin“, in der einige Titel ursprünglich verwendet wurden
und die filmisches Drama mit authentischem Jazz verbindet. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber
und Sammler: „Bitter-Sweet“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Songwriting und ist damit ein herausragendes Album zum Ausstellen, Entdecken und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte rote LP und CD.
Tauchen Sie ein in eine Welt, in der klassischer Art-Pop auf die wilden 20er Jahre trifft. „The Jazz Age“
interpretiert Bryan Ferrys Roxy Music- und Solo-Katalog als elegante Jazz-Instrumentals neu, präsentiert
vom Bryan Ferry Orchestra. Von „Virginia Plain“ und „Do the Strand“ bis hin zu „Love Is the Drug“ und
„Avalon“ – jeder Titel erstrahlt in authentischen Arrangements im Stil der 20er Jahre mit Banjo, Klarinette,
gedämpfter Trompete, Baritonsaxophon und Kontrabass, komponiert vom renommierten Arrangeur Colin Good. Britische Jazz-Größen wie der Trompeter Enrico Tomasso und der Saxophonist Alan Barnes erwecken
diese zeitlosen Melodien zum Leben, während die Mono-Produktion den Charme alter 78er-Schallplatten
heraufbeschwört. Ferry selbst verzichtet auf den Gesang und fungiert als Dirigent und Produzent. Dieses
innovative Projekt entstand aus seiner Liebe zum Jazz und seiner Neugier, wie seine Songs ohne Gesang
klingen würden. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber und designorientierte Sammler: „The Jazz
Age“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Werk und ist damit ein herausragendes Sammlerstück zum
Entdecken, Ausstellen und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte Edition auf waldgrünem Vinyl (1LP) und
als CD.
Inspiriert von den schattigen Cabarets und verrauchten Jazzclubs des Weimarer Berlins der späten 1920erJahre, präsentiert Bryan Ferry mit seinem Orchester auf „Bitter-Sweet“ sein Solo- und Roxy-MusicRepertoire in neuem Gewand – mit einer raffnierten Jazz-Sensibilität. Das Album besticht durch elegante
Bläserarrangements, gedämpfte Trompete, Klarinettenklänge und eine Atmosphäre urbaner Melancholie,
die Klassiker wie „Alphaville“, „Reason or Rhyme“ und „While My Heart Is Still Beating“ neu interpretiert.
Ferry selbst steuert auf acht Titeln den Gesang bei, während die übrigen Stücke als instrumentale Neuinterpretationen präsentiert werden, arrangiert mit dem Können von Colin Good und gespielt von einem
Ensemble erfahrener Jazzmusiker. Das Konzept des Albums entstand aus Ferrys Tätigkeit als Musikberater
für die gefeierte deutsche Fernsehserie „Babylon Berlin“, in der einige Titel ursprünglich verwendet wurden
und die filmisches Drama mit authentischem Jazz verbindet. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber
und Sammler: „Bitter-Sweet“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Songwriting und ist damit ein herausragendes Album zum Ausstellen, Entdecken und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte rote LP und CD.
Tauchen Sie ein in eine Welt, in der klassischer Art-Pop auf die wilden 20er Jahre trifft. „The Jazz Age“
interpretiert Bryan Ferrys Roxy Music- und Solo-Katalog als elegante Jazz-Instrumentals neu, präsentiert
vom Bryan Ferry Orchestra. Von „Virginia Plain“ und „Do the Strand“ bis hin zu „Love Is the Drug“ und
„Avalon“ – jeder Titel erstrahlt in authentischen Arrangements im Stil der 20er Jahre mit Banjo, Klarinette,
gedämpfter Trompete, Baritonsaxophon und Kontrabass, komponiert vom renommierten Arrangeur Colin Good. Britische Jazz-Größen wie der Trompeter Enrico Tomasso und der Saxophonist Alan Barnes erwecken
diese zeitlosen Melodien zum Leben, während die Mono-Produktion den Charme alter 78er-Schallplatten
heraufbeschwört. Ferry selbst verzichtet auf den Gesang und fungiert als Dirigent und Produzent. Dieses
innovative Projekt entstand aus seiner Liebe zum Jazz und seiner Neugier, wie seine Songs ohne Gesang
klingen würden. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber und designorientierte Sammler: „The Jazz
Age“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Werk und ist damit ein herausragendes Sammlerstück zum
Entdecken, Ausstellen und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte Edition auf waldgrünem Vinyl (1LP) und
als CD.
Nach weltweit über einer Million verkaufter Einheiten erscheint das legendäre SCORPIONS-Debüt-Album
„Lonesome Crow“ pünktlich zum 60-jährigen Bandjubiläum am 27.02.2026 als komplett neu gemixte Auflage in transparentem Vinyl, als Digisleeve-CD und digital als Dolby Atmos-Mix. Unter der Aufsicht von
Stephan Plank, dem Sohn der 1987 verstorbenen Studioikone, wurden die Analog-Tonbänder in einem
modernen State-Of-The-Art-Verfahren von der Patina der letzten fünf Dekaden Jahre befreit und von
Grammy-Gewinner Hans-Martin Buff (Peter Gabriel, Prince etc.) in einen brandneuen Mix umgesetzt,
zusätzlich wurde das Original-Artwork um zahlreiche unveröffentlichte Fotos sowie jede Menge spannender
Making-Of-Anekdoten ergänzt. Ein Kultalbum erstrahlt in neuem Glanz!
„Es ist spannend, nochmal zurückzuschauen und sich daran zu erinnern, wie unsere verrückte Reise damals
angefangen hat“, erklärt Klaus Meine. „‘Lonesome Crow‘ ist eine Liebhaber-Platte für Die-Hard-Fans, die
tief in die Vergangenheit dieser Band eintauchen und unsere Wurzeln erkunden wollen. Die meisten sind
sehr überrascht, weil sie die Scorpions, die man heute kennt, darauf nur in Ansätzen wiederfinden. Trotzdem ist das Album ein wichtiger Punkt in unserer Geschichte, von dem aus wir uns immer weiterentwickelt
haben. Es ist eine irre Sache, nach 53 Jahren in die alten Bänder einzutauchen, neu zu remixen und neue
Klangfenster im Dolby Atmos-Sound aufzumachen.“
The buzz about the Crystal Teardrop that has been growing for the past two years looks set to reach fever pitch with the release of their debut album _IS FORMING. Featuring a dozen memorable compositions by the bands Alexandra Rose and Leon Jones, the album more than lives up to the promise of their 2024 single releases and their ecstatic live performances on stages across the UK and Europe. The band formed in Stoke-on-Trent in early 2023, "inspired," explains Alexandra Rose, "by a mutual passion for the sights, sounds and creative experimentation of the late 1960s." In addition to Alexandra on lead vocals on guitar, the band comprises Leon Jones (guitar, sitar), Stuart Gray (keyboards, Mellotron), Ed Quigley (bass, vocals), and Huw Woodward (drums, percussion). Intuitively blending elements of garage rock, folk-rock, power pop and psychedelia, the band have created an appealing concoction infused with their own perspectives and personalities. To best capture their sound, they recorded at an all-analogue facility, Tilehouse studio in North London, working closely with White Stripes producer Liam Watson of Toe Rag Studios fame.
This is Jah Wobble"s first post punk LP in recent years following travel and dub records. The brash guitar driven tracks reflect his continuing preoccupation with the declining state of the nation. Driven by his experience working each week at a music based community project in Merton, with Jon Klein, it is reminiscent of Mark Stewart. Angry in an empathetic, constructive way it resolved with the beautiful instrumental "Brockwell Lido". Like much of his work these days, much of the lyrical content comes while traversing London"s transport system. Jah Wobble, is an English bass guitarist and singer. He became known to a wider audience as the original bass player in Public Image Ltd (PiL) in the late 1970s and early 1980s; he left the band after two albums. Following his departure from PiL, he developed a solo career. In 2012, he reunited with fellow PiL guitarist Keith Levene for Metal Box in Dub and the album Yin & Yang. Since 2013, he has been one of the featured pundits on Sunday morning"s The Virtual Jukebox segment of BBC Radio 5 Live"s Up All Night with Dotun Adebayo. His autobiography, Memoirs of a Geezer, was published in 2009. Jon Klein Is an English guitarist and producer, best known for being a member of Siouxsie and the Banshees for seven years, from 1987 until 1994. He also founded Specimen and The Batcave nightclub. Klein has worked for other artists including Talvin Singh and Sinéad O"Connor. More recently he has worked as a co-producer and guitarist with Jah Wobble.
Experimental musician Greg Stasiw presents his debut album of radiant, free-flowing electronics ‘Guesswork’. Music for psychoactive exploration made over a four year period, incorporating ambient, minimalism, intricate sound design & Japanese environmental music. An exceptional listening experience of wonder, tranquility, melancholy & discovery, contemplating the relationship between sound & space.
Greg Stasiw is an experimental musician, visual artist and writer from New England, Northeastern USA. An itinerant polymath, Stasiw has spent time living, working and traveling in New York, Tokyo, Toronto, Paris, Boston, and Bratislava. As well as studying anthropology, animation and illustration, Stasiw has always had a close connection with music.
His earliest musical involvements started with ambient music on Sunday drives, microcassettes, the Windows 98 Sound Recorder and free play with Casio keyboards. Then came a formative procession of piano lessons, orchestras, choirs, taiko, metal, indie rock, tinnitus, and ultimately; the acquisition of music production software.
With his debut album ‘Guesswork’, the aural and visual inspirations that underpin Stasiw's creative life intersect, in a pure, radiant soundworld of space, depth and immaculate clarity. Futuristic, pellucid soundscapes incorporating ambient, minimalism, intricate sound design, and Japanese environmental music are deftly arranged with evanescent chimes, serene tone float, suspended organ notes and curious sci-fi resonances.
Like stepping into some space age meditation garden, if soundtracked by the likes of Hiroshi Yoshimura, Harold Budd, Norman McLaren, and Pauline Anna Strom, the thirteen tracks of ‘Guesswork’ create an exceptional listening experience of wide-eyed wonder, sleek tranquility, gentle melancholy, and singular discovery.
Bettye Swann possessed one of the most emotive voices in soul music’s cannon but her recording career was that of a shooting-star; it blazed at the start, then illumined brightly before abruptly dissipating, all in just eleven years. In 1975 she ceased recording, moved to Las Vegas and retired her Bettye Swann persona.
The Louisianan Betty Jean Champion had relocated to Los Angeles as a young woman where in around 1964 she was introduced to Al Scott, owner of Money Records. It was her fourth Money 45 “Make Me Yours” that propelled Swann into the stratosphere. One of the defining songs of the era, it was her pathway to Capitol Records with whom she signed in 1968.
By 1972 Bettye was at Atlantic Records. The initial Atlantic 45 “Victim Of A Foolish Heart” b/w “Cold Day In Hell” recorded at Fame with Mickey Buckins and Rick Hall, made for a promising debut reaching #16 on the Billboard chart. It was followed by Bettye’s version of Merle Haggard’s “Today I Started Loving You Again” and “Til I Get It Right”, a gentle country-soul labour. “I’m Not That Easy To Lose” also dates from those sessions.
In an attempt to broaden her appeal Atlantic sent Swann to Sigma Sound in Philadelphia where she cut Phil Hurtt’s’ and Tony Bell’s “Kiss My Love Goodbye”, “Time To Say Goodbye” and “When The Game is Played On You”. Her fortunes continued to wane so Swann was next placed with Nashville producer Brad Shapiro. The results were artistically stellar and included three unissued gemstones in The Isley’s “This Old Heart of Mine”, a definitive version of Maxine Weldon’s “I Want Sunday Back Again”, and “Either You Love Me Or Leave Me”.
MAN ON THE RUN stammt aus dem Amazon-MGM-Studios-Dokumentarfilm Man on the Run – The
Story of Paul McCartney and Wings, inszeniert vom Oscar-Gewinner Morgan Neville. Die Musik spiegelt
McCartneys Jahre nach den Beatles wider, in denen er sich zahlreichen Herausforderungen stellte und
einen weiteren jahrzehnteprägenden Soundtrack schuf. Dieses Set enthält sowohl weniger bekannte als
auch zeitlose Favoriten aus McCartneys Solokarriere – von seltenen Demos und unveröffentlichten Stücken
bis hin zu obskuren Live-Aufnahmen. Dieses Album fasst viele der operativen Aufnahmen des Spielfilms
erstmals auf Vinyl zusammen – darunter bisher unveröffentlichte Titel wie ’Live and Let Die (Rockshow)’,
’Gotta Sing Gotta Dance’ und ’Arrow Through Me (Rough Mix)’.
Auf ihrem achten Album "Nothing's About to Happen to Me" erzählt Mitski, musikalisch unterstützt von ihrer Band und einem Orchester, eine vielschichtige, verrätselte Geschichte, in deren Mittelpunkt eine Frau steht, die zurückgezogen in einem verwahrlosten Haus lebt. Außerhalb ihres Zuhauses ist sie eine Außenseiterin; innerhalb ihres Zuhauses ist sie frei. Mitski schrieb alle Stücke auf "Nothing's About to Happen to Me". Das Album, produziert und aufgenommen von Patrick Hyland und gemastert von Bob Weston, setzt die musikalische Linie von "The Land Is Inhospitable and So Are We" (2023) fort. Eingespielt wurde es live von Mitskis Tourband The Land. Die Orchesteraufnahmen, arrangiert von Drew Erickson fanden in den Sunset Sound und TTG Studios statt, die Tontechnik übernahm Michael Harris. Mitski ist "die faszinierendste und geheimnisvollste Musikerin des Indie-Rock" (Rolling Stone), die sich "immer wieder auf brillante und wunderbare Weise weiterentwickelt" (NPR Music). Im Laufe ihrer Karriere hat sie bislang sieben Alben veröffentlicht, vier davon erreichten Goldstatus. Ihr Stück "My Love Mine All Mine" ist ein Welthit und erreichte Vierfach-Platin. Zu Mitskis vielfältigen Kollaborationen mit anderen Künstler:innen zählen zwei Co-Writing-Beiträge für das aktuelle Florence and the Machine-Album "Everybody Scream", sowie eine Zusammenarbeit mit David Byrne und Son Lux für den Oscar-nominierten Film "This Is A Life". Derzeit schreibt sie Musik und Texte für die Musical-Adaption von "Das Damengambit". Ihre Konzerte, die Variety als "faszinierende Bewegungsstudie" bezeichnet hat, wurden auch als "hochstilisiert, brillant umgesetzt, supercool" (Philadelphia Inquirer) und "ungewöhnlich, rätselhaft und absolut fesselnd" (The Guardian) beschrieben. Ihr erster Konzertfilm "Mitski: The Land" lief im Oktober 2025 in über 600 Kinos weltweit und festigte ihren Ruf als "eine der wenigen Indie-Stars, die sich den großen Durchbruch verdient haben" (Uproxx). Er erschien zeitgleich mit dem Live-Album "The Land".
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Brooklyn duo The Still Brothers is a musical project of childhood friends Evan Heinze (The Shacks/Big Crown) and Andrew LeCoche (Ula Ruth). Heinze has toured with the likes of Khraungbin, Lee Fields and Cut Chemist, while LeCoche’s old band once opened for Paul Simon and Edie Brickell. A former student of Madlib’s uncle Jon Faddis, LeCoche has scored music for Netflix and Patagonia and sound design for Twitter, Patron, and Marvel. Signing to Lewis Recordings in 2020 the band’s first single ‘The Deep’ was instantly picked up by Steve Lamacq on BBC 6 Music who regularly plays it to this day. ‘Wake Up’ featuring the vocals of Marina B. spent six weeks on the BBC 6 Music playlist gaining support from Lauren Laverne, Gilles Peterson, Mary Anne Hobbs, Craig Charles, Huey Morgan, Cerys Matthews, Don Letts, Tom Ravenscroft and Guy Garvey. Lockdown didn’t slow down the band’s creativity with many tracks on their self-titled debut EP recorded remotely. Two such tracks were the collaborations with London based singer/songwriter Shauna Kelly aka Shoshy. ‘It’s Not Over’ and ‘Crazy’ were released on 7” and both received BBC radio support. Marina B stepped back on the mic with the upbeat hit ‘I Wanna Be With You’, a dancefloor filler mixed by St. Frances Hotel (producer for Michael Kiwanuka). The b-side ‘Sungalz’ is a hazy dream pop number that started life as an instrumental jam
Conceived as a return to the music that shaped his formative years, the project draws its energy from late-night introspection, creative renewal, and a distinctly crepuscular sensibility. Initially conceived as a solo project, LOCUS NOIR is set to evolve into a fully-fledged band . Musically, LOCUS NOIR blends Type O Negative gloom, The Fields of the Nephilim mysticism, and Paradise Lost melancholy, all infused with a post- punk edge.
The result is a sound that feels both contemporary and timeless -- a modern interpretation of what Gothic Metal can be. On debut album 'Shadow Sun' , band main songwriter and vocalist Ben steps fully into a melodic, haunting vocal register, merging the theatrical delivery of Peter Murphy with subtle echoes of the late Peter Steele. The lyrics move between the esoteric and the intimate: love and death, desire and decay, nocturnal excess and the bitter aftertaste of parties stretching well past dawn.
Innerhalb seiner umfangreichen Diskografie präsentiert Both Worlds eine Innovation und rückt das Werk des Pianisten in ein neues Licht. Zum ersten Mal stellt Michel Petrucciani auch eine echte Gruppe zusammen und bildet eine homogene Formation, in der seine Präsenz und Rolle nicht mehr als dominierende Elemente wahrgenommen werden. Während in vielen seiner früheren Aufnahmen das Klavier aus der Rhythmusgruppe herauszustechen schien, um es deutlich hervorzuheben, platziert Both Worlds Petrucciani bewusst innerhalb der Gruppe und macht den Pianisten zu einem integrierten Element des Ensembles, wodurch er der Anführer sein kann, ohne sich wie ein Anführer zu verhalten. Eine weitere Neuerung: Michel Petrucciani setzt die Bläser hier wie nie zuvor ein; sie treten nicht mehr nur als Solisten in Erscheinung, sondern in einem neuen Kontext, als Begleitung und Kontrapunkt. Diese Platte konnte zwar nur dank einer intensiven Zusammenarbeit zwischen Komponist und Arrangeur entstehen, doch auch die unerwartete Produktionsarbeit des Schlagzeugers Steve Gadd trug sicherlich zu ihrer Entstehung bei.
Auch wenn die NWOBHM zum Zeitpunkt der Veröffentlichung von Elixirs »The Son Of Odin«, im Juli 1986, bereits Geschichte war, zählt das Album zu den besten Alben der Bewegung. Mit einer neuen Fassung ihrer hoch gelobten Single ‘Treachery (Ride Like The Wind)’, viele Jahre nach der ursprünglichen 7“, wurde »The Son Of Odin« vom englischen Terrorizer-Magazin als eines der Top 20 Power-Metal-Alben gekürt, während es das Sweden Rock im April 2010 als „Album-Klassiker des Monats“ auswählte. Elixir starteten 1983 in London. Die fünf Musiker nannten seinerzeit das erste Album von MSG sowie »British Steel« von Judas Priest sowie neuere Bands wie Mercyful Fate und Queensryche als ihre Haupteinflüsse. 1985 erschien die Debüt-Single ‘Treachery (Ride Like The Wind)’, die im Kerrang! von keinem Geringeren als Ronnie James Dio in einem Gastbeitrag abgesegnet wurde, was die Band anspornte, ihr erstes Album in Angriff zu nehmen. Das Resultat war »The Son Of Odin«, aufgenommen im Januar 1986 im The Lodge Studio von The Enid und sechs Monate später abgemischt. Nahezu überall folgten überschwängliche Kritiken, nicht zuletzt im Metal Forces, wo Dave Constable zu Protokoll gab: „Eine selbstfinanzierte LP, die so manche Veröffentlichung eines Major-Labels in den Schatten stellt.“ Constable resümierte: „Ich höre mir lieber »The Son Of Odin« an, als die hundertste Version von »Turbo« oder »Somewhere In Time«.“ Die 40th Anniversary Edition dieses unsterblichen NWOBHM-Klassikers beinhalt zusätzlich zum regulären Album die vollständige Session, von der die ‘Treachery (Ride Like The Wind)’-Single stammt, genauso wie das vorangegangene Demo und die BBC Friday Rock Show Session. Zudem erzählen aktuelle Interviews mit Gitarrist Phil Denton und Manager Seymour Mincer erzählen die Geschichte des Albums.
"Best - 25th Anniversary" ist die ultimative Sammlung einer der berühmtesten, einflussreichsten und beständigsten Soul/Funk-Bands Australiens, The Bamboos. Eine Reise durch 25 Jahre Musikgeschichte einer Band, die den Grundstein für die heute international anerkannte australische Soul-Szene legte. Mit 20 Tracks aus ihrem umfangreichen Katalog, darunter viele, die seit ihrem Erstrelease nicht mehr auf Vinyl erhältlich waren, und ein Track, der erstmals auf Vinyl erscheint. Von ihren Raw Deep Funk-Ursprüngen bis zu ihrem heutigen, genreübergreifenden Style haben The Bamboos einen klassischen Sound neu belebt und gleichzeitig nahtlos zeitgenössische Einflüsse integriert, um etwas völlig Neues zu schaffen. Die Band hat es geschafft, sowohl Soul/Funk-Puristen als auch Gelegenheitsmusikfans anzusprechen und sich dabei stets auf das Wesentliche konzentriert: Songwriting, Groove und kraftvolle Vocals.
Rick James Blends Brazen Attitude, Fearless Sexuality, and Shrewd Charisma on Street Songs:
Punk-Funk Album Aims for the Hips and Head, Includes the Timeless Hit “Super Freak”
Sourced from the Original Master Tapes and Strictly Limited to 4,000 Numbered Copies:
Mobile Fidelity’s 180g 45RPM 2LP Set Presents 1981 Smash in Audiophile Sound for the First Time
1/4” / 30 IPS analogue master to DSD 256 to analogue console to lathe
“Punk funk” was a relatively unknown concept before 1981. But once Street Songs took the charts by storm that year, the world soon knew about what became Rick James’ signature style. And how. True to its name, Street Songs blends outspoken sexuality, brazen attitude, and edgy commentary amid contagious R&B-fueled arrangements that simultaneously aim for the hips, head, and various nether regions. And it’s never sounded better.
Sourced from the original master tapes, strictly limited to 4,000 numbered copies, pressed at Fidelity Record Pressing, and housed in a Stoughton gatefold jacket, Mobile Fidelity’s 180g 45RPM 2LP set presents James’ platinum-certified effort in audiophile quality for the first time. Playing with crisp dynamics, lively textures, airy headroom, and revealing clarity, this collectible edition of the record that stayed at the No. 1 spot on the R&B Album Charts for 20 weeks invites you to get closer to music that beckons you to turn your space into a private dance floor.
Then again, you’ll likely be so taken by how the taut bass lines, snappy rhythms, and four-on-the-floor beats — all rendered in stunning detail and with full-bodied architecture — come across with such accuracy and presence, you might stay pinned to your seat. On this pressing, the soundstaging, imaging, and lit-fuse energy of Street Songs reach new heights. Everything from the rubbery feel of the guitar lines to the depth of James’ temperature-raising vocals to the scale of the horn charts emerges as if James and his ace session crew set up in your room.
The Buffalo native and his ensemble waste no time getting their message across. On the album-opening “Give It to Me Baby,” James and company lay down a mix of sleek funk and pulsing disco that practically activates the bright lights of a discotheque and stimulates the libido of anyone within earshot. Having reached No. 1 on the Billboard Hot Soul charts, the song is pure sex — and just one of the carnal delights on a record that embraces the subject as fearlessly as James does his identity.
Of course, the most famous of James’ erotic excursions — the timeless “Super Freak” — hit No. 1 on Hot Dance Club Play charts, No. 16 on the Hot 100, and, later, No. 153 on Rolling Stone’s list of the Top 500 Songs of All Time. Bolstered by a quavering keyboard theme and electro riffs, the much-sampled track worms itself inside your muscles with smile-inducing subject matter, gliding vocals, nimble movements, a hot tenor-saxophone solo, and backing vocals by the Temptations.
The iconic Motown group isn’t the only celebrated guest artist on the Grammy-nominated Street Songs. James’ then-labelmate, Stevie Wonder, lends harmonica to the frank sociopolitical narrative on “Mr. Policeman,” a protest tune that also manages to stroll ’n’ strut via simmering organ, staggering brass accents, and James’ gritty vocal performance. In addition to contributing backing vocals on several cuts, Teena Marie turns in one of the album’s signature moments on “Fire and Desire,” a romantic old-school duet with James that impresses with smoothness, sensitivity, and smokiness.
High-profile colleagues aside, James remains the undisputed star, a figure whose leather-and-latex attire, braided hair, and natural swagger made him misunderstood by some in the mainstream and embraced by everyone in the know as a true original. As a testament to his magnetism and skills, his charisma and rawness seemingly seep through every note, whether on the balladic sweep of the risqué “Make Love to Me” or strident, poke-and-prod persuasion of the moonwalking “Call Me Up.”
On the closing “Below the Funk (Pass the J),” an uptempo autobiographical tale that addresses the visionary musician’s second-favorite love, the singer acknowledges his upbringing and inseparable connection with his roots — an homage to where he began and a toast to where he’s gone.
Rick James, keepin’ it real on Street Songs, still as real as it gets.
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My Days of 58 is the eighth Bill Callahan album, his first since 2022. The twelve tunes here open uncanny depths of expression as Bill continues to blaze one of the most original songwriting-and-performance trails out there. Applying the living, breathing energies of his concerts to this album production, he sharpens his slice-of-life portraiture to cut deeper, releasing a stream of singalong consciousness: poetic, cinematic, novelistic, comedic - and above all - musical.
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From out of nowhere comes a unique collaborative album from Edvard Graham Lewis (WIRE) & Mark Spybey (ZOVIET FRANCE). Mixing lush electronic rhythms, sonic collage, ambient soundscapes and manipulated field recordings, these six compositions form an album with a strong identity. That this is such a vital and fertile partnership should come as no surprise. After all, both men have made careers out of creating confidently questing musics. Lewis with Wire, He Said, Hox, Dome etc. and Spybey with Dead Voices on Air, Beehatch, Altered Statesmen, Zoviet France and so on. This new album however, is something different again: experimental, yet tightly focused, and not averse to the groove or the sly hook. The pair met via an appearance on a podcast in November 2022, hosted by cEvin Key of Skinny Puppy. They hit it off immediately. “We did a live chat with Graham - which I think, went on for about three days” jokes Spybey. It was Spybey who first broached the idea of collaboration. “It was a bit like shy bairns get nowt: I just said ‘maybe we should make something together.’” And so, with no plan other than to see what might develop, the duo began to assemble the compositions at long distance. Indeed, Lewis and Spybey only met in the real world after the album had been completed. “Mark sent half a dozen tracks in a stereo mix,” says Lewis. “And I looked at the ’topography’, to see where the spaces might be. So then I’d add to those areas. But then, when do you take it away? Sometimes you let it drop off a cliff, land in the shingle, and it gets washed out to sea again.” The process moved at a pace. “Almost everything each of us brought, ending up being incorporated in some way.” Says Spybey. “We didn’t really go down any cul-de-sacs.” As Lewis observes “We have such a sympathetic tone.” Full of inventive sonics that draw on both men’s previous work, ‘Lewis/Spybey’ offers up a richly detailed soundworld
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With Severance, IGLO returns to Figure with a focused yet exploratory EP that reflects his open-ended approach to contemporary techno. The release moves fluidly between restraint and expression, combining functional structures with subtle, unconventional elements that give the tracks a distinct sense of character. Rather than settling into a fixed formula, Severance highlights IGLO's curiosity and willingness to push his sound forward while remaining grounded in precision and control.
Connection opens the release with a restrained, heads-down groove. A firm low-end foundation and sparse percussion lock into a steady momentum, while understated melodic elements add depth without breaking the track's linear drive.
On Kauriraris, the energy tightens. Nervous synth motifs and crisp rhythmic details create a sense of urgency, pushing the track forward through constant micro-variation. It's a lean and effective tool built for sustained pressure.
Flipping the record, Blink Twice moves into darker, denser territory. Murky textures and a weighty groove unfold gradually, building tension through repetition and space. The track thrives on its slow burn, making it well-suited for late-night transitions.
Alive introduces a more open and flowing feel. Warmer tonal elements and a subtle swing soften the edges, while the groove remains firmly anchored and forward-moving.
Digital-only track Forlornly closes the EP with a spacious and introspective mood. Reduced rhythms and airy melodic layers create a calm, drifting atmosphere that rounds off the release with control and restraint.
With Severance, IGLO delivers a tightly structured EP that emphasizes clarity, tension and functionality - a confident addition to the Figure catalogue.
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French artist Trypheme debuts on Impatience with “Odd Balade”, a darkly-hued collection of songs drawn from human delicacy and dreamworld mythology.
“Odd Balade” is Trypheme’s most ambitious and boldest record to date - both lyrically and musically. The album’s thirteen tracks resist rigid genre boundaries and flutter from medieval folk realms, sprawling synths, gothic 80s wave, leftfield pop, haunted vocals, mutant electronica to reverbed guitars - all reflected through her own shadowy prism. Especially album closer “A Walk In The Vercors” evokes a soothing serenity that echoes the sonic balm of Julee Cruise.
Trypheme’s musical repertoire trends heavily electronic and somewhat abstracted, but on “Odd Balade”, the artist slips into the role of the modern troubadour with a shift to a more poetically and personal songwriting that is infused with symbolism and dreamlike fantasies. The connective tissue of the album is the audacity to love and the vulnerability that ensues. As intimate and introspective as the lyrics are, the themes remain universal and human to the core: the fear of losing a loved one, the melancholia of leaving places and t“the fear of losing a loved one, the melancholia of leaving places and the cycles of life. The record was largely composed in Chars, stirred by the French village’s eerie atmosphere and frequent trips to the seaside in Brittany, where Trypheme resides. Drawing inspiration from the rugged terrain of the seaside landscapes, the writings of Allen Ginsberg and Mark Fisher and the hyperrealist art of Scott Prior, Trypheme uses her songs to depict life with broad strokes of rhythm.
On “Odd Balade” Trypheme consolidates herself as a gifted, nimble songwriter, masterly producer and subtly powerful vocalist. The record combines her skill for crafting lush, alien sound worlds and efficient, alluring arrangements with stealthily devastating songs. Belin’s voice becomes a key ingredient, appearing on eleven of Odd Balade’s thirteen tracks, by turns heavily manipulated, sampled and replayed as a form of percussion, or basically bare.
“Odd Balade” is the manifestation of Trypheme’s roving artistic practice, a ceremonial-grade sacrament cast in a rich nocturnal glow. Pairing the mundane with the mythic, the album stays true to its core: odd and strangely familiar.
RIYL - Riding off into the sunset to an unknown destination, hauntology, present, tales told by the fireside, hot summer rain, adventures, to feel a warm presence when you are walking in the forest or in the mountain, coastal landscapes, sailor’s stories, slow motion, vitesse, heavy blossoms, colors, the warmth of the sun, the tenderness of the moon, getting lost in unfamiliar streets, city’s lights, motorway rest area by night, magic numbers, rendez-vous, picnic, serendipity, poetry, the smell of old records and old books.
Tiphaine Belin has been releasing music as Trypheme since 2016. Odd Balade was written and produced by Belin, and mixed by Belin and Abel Roux. It was mastered by Amir Shoat. Cover art photography is by Ariane Kiks, with art direction by Ariane Kiks in collaboration with Mathilde Chaize.
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