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The Mamas & The Papas were formed by husband and wife John and Michelle Phillips, formerly of The New Journeymen, and Denny Doherty, formerly of The Mugwumps. The last member to join was Cass Elliot, Doherty's bandmate in The Mugwumps. The group considered calling itself The Magic Cyrcle before switching to The Mamas and the Papas as apparently inspired by the Hells Angels, whose female associates were called "mamas".

They released a total of five studio albums and seventeen singles over a four-year period, six of which made the Billboard top ten, and sold close to 40 million records worldwide. The band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998 for their contributions to the music industry.

The band’s first single, “Go Where You Wanna Go”, was released in 1965. The second single, “California Dreamin’”, was released later in 1965 and quickly peaked in the charts. The band’s album, If You Can Believe Your Eyes And Ears, was released in March 1966 and became the band’s only number 1 album on the Billboard 200. The third and final single from their debut was “Monday, Monday”, which became the band’s only US number 1 hit. The song brought the band international success.

Collected is a perfect overview of the multiple classic hits and tracks throughout the career of The Mamas & The Papas and complimented with several popular tracks by Mama Cass Elliot.

Music On Vinyl proudly presents a special edition of The Mamas & The Papas Collected compilation, which is available as a limited edition of 5.000 individually numbered copies on blue vinyl, and includes a booklet with liner notes.

Nach den kurz nacheinander erschienenen Alben ,Everything Must Go" und ,Chain Yer Dragon" im Jahr 2025 kehren Goose mit ,BIG MODERN!" zurück - einem energiegeladenen neuen Kapitel, das den charakteristischen Indie-Rock-Sound der Band um neonbeleuchtete Synthesizer, treibende Rhythmen und mitreißende, hymnische Hooks erweitert. Neue Tracks wie ,Good2B" und ,Good Times // End Times" erscheinen neben den Fan-Favoriten ,Big Modern" und ,Torero" und fangen den Abenteuergeist von Goose ein, während sie gleichzeitig einige ihrer bisher kühnsten und dynamischsten Studioaufnahmen liefern.

Dieses Album braucht keinen Anlauf und keine Vorrede. Von Sekunde eins an ist es da. Es türmt sich auf, überlebensgroß und mit einer nahezu existenziellen Dringlichkeit. "Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht" ist das sechste Studiowerk der Berliner Band Klez.e. Es ist von der düsteren Ahnung getrieben, dass da draußen gerade etwas kippt, und es setzt dieser Bedrohungslage etwas entgegen. Klez.e, das sind fast 25 Jahre nach der Bandgründung: Tobias Siebert (Gesang, Gitarre), Daniel Moheit (Synthesizer, Bass) und Filip Pampuch (Schlagzeug, Percussion). Waren die Vorgänger "Erregung" (2023) und "Desintegration" (2017) von einer grimmigen Düsterheit geprägt, ist diese Trostlosigkeit einer bislang ungehörten musikalischen Luftigkeit gewichen. Und es ist, als habe sich die Band beim Schreiben der Songs auch erstmals bewusst gegen die Furcht vor dem Erzählen gestemmt. An die Stelle früherer Verklausulierung ist eine neue textliche Klarheit getreten. Musikalisch ist "Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht" eine Kathedrale von einem Album: akustisch weit, mit glatten, kühlen Oberflächen, atmosphärisch dicht und verhallt. Das Licht, das durch die Fenster hereinfällt, verdrängt die Dunkelheit und malt hier und da tanzende Flecken auf den Boden und an die Wände. Klez.e den schmerzhaften persönlichen Erfahrungen in einer sich verdüsternden Welt ein drängendes und bestürzend schönes Album abgetrotzt. Eines, das die Antwort auf die bange Frage gibt: "Was tun, wenn alles zusammenbricht?" Sie lautet: näher zusammenrücken. Gemeinsam gegen die Furcht. CD, LP klassisch schwarz sowie LP farbig.

Dieses Album braucht keinen Anlauf und keine Vorrede. Von Sekunde eins an ist es da. Es türmt sich auf, überlebensgroß und mit einer nahezu existenziellen Dringlichkeit. "Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht" ist das sechste Studiowerk der Berliner Band Klez.e. Es ist von der düsteren Ahnung getrieben, dass da draußen gerade etwas kippt, und es setzt dieser Bedrohungslage etwas entgegen. Klez.e, das sind fast 25 Jahre nach der Bandgründung: Tobias Siebert (Gesang, Gitarre), Daniel Moheit (Synthesizer, Bass) und Filip Pampuch (Schlagzeug, Percussion). Waren die Vorgänger "Erregung" (2023) und "Desintegration" (2017) von einer grimmigen Düsterheit geprägt, ist diese Trostlosigkeit einer bislang ungehörten musikalischen Luftigkeit gewichen. Und es ist, als habe sich die Band beim Schreiben der Songs auch erstmals bewusst gegen die Furcht vor dem Erzählen gestemmt. An die Stelle früherer Verklausulierung ist eine neue textliche Klarheit getreten. Musikalisch ist "Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht" eine Kathedrale von einem Album: akustisch weit, mit glatten, kühlen Oberflächen, atmosphärisch dicht und verhallt. Das Licht, das durch die Fenster hereinfällt, verdrängt die Dunkelheit und malt hier und da tanzende Flecken auf den Boden und an die Wände. Klez.e den schmerzhaften persönlichen Erfahrungen in einer sich verdüsternden Welt ein drängendes und bestürzend schönes Album abgetrotzt. Eines, das die Antwort auf die bange Frage gibt: "Was tun, wenn alles zusammenbricht?" Sie lautet: näher zusammenrücken. Gemeinsam gegen die Furcht. CD, LP klassisch schwarz sowie LP farbig.

Für Ihre politischen und gesellschaftlichen Entscheidungen von gestern, heute und morgen gibt es nun einen neuen, verlässlichen Anbieter. Wir kündigen zum nächstmöglichen Zeitpunkt den Wechsel zu der FLINTA-geführten Institution DIE BEHÖRDE aus Bremen an. Als erster amtlicher Schritt wird die Musikproduktion mit dem Titel DER LETZTE ARBEITGEBER erscheinen. Darin enthalten: acht exklusive Stücke mit einer flüchtigen Spielzeit von knapp 20 Minuten. Düster, punkig, relevant und mit dem nötigen Bremer Ernst vorgetragen. Textlich wird der sich erhärtende Verdacht, im falschen Leben zu sein, mit wütender Ehrlichkeit von der Straße gesammelt. Unbewältigt stehen Themen wie Diskriminierung, patriarchale Dominanz und Migrationsfeindlichkeit auf der Tagesordnung. Eiskalte, angriffslustige und hallende Gitarren prallen auf mäandernde Basslinien und pointiert-scharfes Drumming, während der Gesang in aller Dringlichkeit verwüstet, zerstört und wieder heilt. Die Anmut der hier vorgetragenen dienstlichen Beschwerde liegt in der Hoffnung, dass die Lösung nur ein paar Straßenbahnhaltestellen entfernt liegt. Ausführung und Qualität erinnern an Musikgruppen wie Berlin 2.0, Rauchen, Pogendroblem oder Frustwut. Damit ist DIE BEHÖRDE unabdingbarer Bestandteil des derzeit verfügbaren, hochwertigen und notwendigen Bildungsangebots. Ausrufezeichen!

Available for the first time on vinyl! ESCAPE THE FATE deliver electrifying melodies and shattering screams with raw emotional force. Their staggering Epitaph debut entitled There"s No Sympathy for the Dead has five songs and every one of them is guaranteed to blow you away. Die anderen beiden Alben, die wir als Backkatalog haben, haben sich auf CD über 3.000 bzw. 5.000 Stück verkauft!!

With their fourth full-length album Signal Fire, GENGHIS TRON awaken us from the post-apocalyptic daydreams of their previous work with a violent—and most welcome—shove. This time, the distant-future reveries we first heard on Board Up The House give way to an unsettling awareness of the present we’re actually living, as our circumstances grow too pressing to try and escape. “Signal Fire envisions a Kojima-esque dystopia of endless proxy warfare,” says vocalist and lyricist Tony Wolski (The Armed), “where the deluge of available information has outmoded the human ability to parse it. A world where those amoral, shameless and cunning enough can literally reshape reality at their whim through sheer insistence." Having roared onto the scene in 2004 with a uniquely demented blend of extreme metal, synthesizer textures, and drum-machine madness, GENGHIS TRON are no strangers to making a forceful impression. But Signal Fire marks the first time bandleaders Michael Sochynsky and Hamilton Jordan –joined again by Wolski and Nick Yacyshyn (SUMAC) on drums, plus newcomer Kenny Szymanski (The Armed) on bass–has captured this level of urgency with such visceral precision. “This album is very much rooted in the now,” confirms Jordan. Album opener “I Am All” sets the table with a chest-throbbing synth pulse as Wolski declares “I’m on a tear, I’m on a tear,” over swirling industrial rhythms and creeping synthlines. “Nothing Blooms in the Hollow” grafts desert-rock swagger onto interlocking layers of dizzying riffs and chants before Wolski steers the band into full-on sonic burnout, like a spaceship careening into the sun. “Born Prey” navigates deftly through Genghis Tron’s classic sonic touchpoints: furious blastbeats, electronic breaks, haunting vocal earworms, and a towering synth-pop crescendo. Meditative interludes like “Like Fotocrom” and “Without Form” deliver shimmering, ominous beauty. And “New Gods” invokes Rabies-era Skinny Puppy to bring the album to a bludgeoning, anthemic finale, as Wolski screams on repeat: “New gods to bleed me out / No new peace / Bleed me out / I love it.” Twenty years into their career, having proven their ability to forge common ground between Ministry and Aphex Twin, between Brutal Truth and Boards Of Canada, between Cluster and Converge, ugly-beautiful new genre hybrids from GENGHIS TRON no longer come as a surprise. What’s remarkable, however, is how Sochynsky and Jordan have taken a project that started in 2004 as a dorm-room genre-pastiche experiment —”a chaotic, wild amalgamation of all our favorite stuff, literally slammed together,” says Jordan—and refined their songwriting craft to deliver a sound that is unmistakably their own.

Das siebte Studioalbum der Hip-Hop-Pioniere De La Soul. Ursprünglich 2004 erschienen, wartet das
Album mit hochkarätigen Gastauftritten von Künstlern wie Ghostface Killah, Sean Paul, Flava Flav und
dem Produzenten J Dilla (A Tribe Called Quest) auf. Anders als ihre anderen Alben verzichtet „The Grind
Date“ auf Skits und Interludes und gilt als durchweg hochwertiges Album ohne Füllmaterial. Es enthält
außerdem vier instrumentale Bonustracks

Die ikonische Alternative-Rock-Band Sleeping With Sirens veröffentlicht ihre neue Album *An Ending In
Itself*. Produziert von Will Yip (Turnstile, Circa Survive, Movements), stellt das achte Studioalbum der
Band sowohl eine Heimkehr als auch einen Neuanfang dar: Sie lassen den rastlosen Geist ihres klassischen
Sounds wiederaufleben und verbinden ihn dabei mit der nuancierten Erfahrung der vergangenen Jahre. Das
Album wird als gleichermaßen krönender Abschluss und Fortsetzung beschrieben; es vollendet den jüngsten
emotionalen Themenbogen der Alben *How It Feels To Be Lost* und *Complete Collapse* und knüpft
zugleich wieder an jenen Geist an, der die Band einst vorantrieb. Die Band – bestehend aus Kellin Quinn
(Gesang), Nick Martin (Gitarre), Justin Hills (Bass), Matty Best (Schlagzeug) und dem Neuzugang Tony
Pizzuti (Gitarre) – feilt weiterhin an ihrem unverwechselbaren Signature-Sound, während sie sich mutig auf
die Erkundung neuer kreativer Horizonte begibt. Diese zukunftsorientierte Perspektive, gepaart mit einer
tiefen Verbundenheit zu ihren Hörern, hat Sleeping With Sirens zu einem festen Begriff in der Musikszene
gemacht – und relevanter denn je.

„Immer noch hier“ singen die Sportfreunde Stiller gleich zu Beginn von „Happy Birthday!“, ihrem Album
zum 30-jährigen Band-Geburtstag. Ein pragmatischer, ein geradezu logischer und deshalb auch ein höchst
gelungener Einstieg. Nicht, dass man explizit darauf hätte hinweisen müssen, denn für viele von uns waren
die Songs von Peter, Rüde und Flo ja immer irgendwie gegenwärtig, schaut mal in eure Playlisten, CDund Plattenregale. Dabei klingen sie 2026 frisch und unverbraucht wie zu seligen „Thonträger“-Zeiten,
gleichzeitig aber auch erfahren, mit allen Wassern gewaschen und bei aller Nostalgie auch zeitgemäß. Rockmusik wie sie sein muss, punkig anmutendes Uptempo-Schlagzeug und zuweilen wohl temperierte, ruppige
E-Gitarren inklusive.
Hinzu kommt ihr untrügliches Gespür für unvergessliche Pop-Melodien und ein gewisses Faible für flächige,
manchmal an die 80er Jahre erinnernde Synthies. Auch textlich geht „Happy Birthday!“ - in stürmischen
Zeiten - in die richtige Richtung: Dem Leben zugewandt, ab und an auch nachdenklich, grundsätzlich aber
alle Menschen verbindend. Die Sportfreunde Stiller sind also immer noch hier - und das ist nicht nur gut
so, sondern womöglich besser denn je!

„Olivia Rodrigo veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes drittes Studioalbum! „you seem pretty sad for
a girl so in love“ folgt auf die mit Gold und Platin ausgezeichneten Vorgänger „GUTS“ und „SOUR“. Das
neue Album der dreifachen Grammy-Preisträgerin erscheint am 12. Juni 2026.“

LP aus der ”Luminessence” Serie.
“Eine subtile Tour de Force“ – so lautete 1978 das Urteil des amerikanischen Billboard Magazins in
Bezug auf Bill Connors‘ Of Mist And Melting. Und Jahrzehnte später bestätigt eine wiederholte Auseinandersetzung mit dieser Musik nur, dass hier tatsächlich besondere Geister am Werk waren, als die
von Manfred Eicher produzierte Session mit Jan Garbarek, Gary Peacock, Jack DeJohnette und Connors
im Dezember 1977 im Talent Studio in Oslo stattfand. Nach einer Phase elektrischer Fusion-Eskapaden
in den frühen 70ern, stellte Connors’ Zeit bei ECM eine Rückbesinnung auf den akustischen Kern seines
Spiels dar: Der Gitarrist reduzierte seine Musik auf das Wesentliche im kammermusikalischen Gestus, getragen von nuanciertem Fingerspritzengefühl an Nylon-Saiten. Im reflektiert-fesselnden Zusammenspiel mit
Improvisations-Speerspitzen ihrer Zeit, präsentiert der Gitarrist sechs Eigenkompositionen, die das LyrischKonkrete mit weitläufigen, s pontan u nd o ffenen St rukturen ve rbinden – od er, wi e es da s en glische Jazz
Journal einige Jahre später formulierte: „Selten haben sich Elemente von ‚Hot‘ und ‚Cool‘ Jazz so eindrucksvoll kombiniert.“ Connors selbst wirkte beim Hören des Albums im Jahr 2025 erstaunt darüber, wie
sehr er sich während seiner fünfjährigen Zusammenarbeit mit Manfred Eicher für ECM in die klassische
Gitarre vertieft hatte. „Es machte mich nostalgisch für diese Periode. Ich hatte ganz vergessen, wie viel
Zeit ich dieser Gitarrenspielart gewidmet hatte“, erinnerte sich Bill, fast überrascht von dem, was er auf
seiner eigenen Aufnahme hört. „Obwohl es möglicherweise nicht das war, was sich Manfred erwartet hatte,
ist es genau das Album geworden, das wir beide wollten.“
Neu aufgelegt im Rahmen von ECM’s Luminessence-Reihe, erscheint Of Mist And Melting in einer Tip-onGatefold-Hülle mit neuen Linernotes und Fotos aus dem Archiv.

I’ll Play the Blues For You“ ist das 1972 erschienene Album des legendären Gitarristen, Sängers und Songwriters Albert King.
King überzeugt mit warmem Gesang und eindrucksvollen Gitarrensoli, eingebettet in perfekt arrangierte
Songs. Der Titeltrack wurde 2017 in die Blues Hall of Fame aufgenommen und zählt bis heute zu seinen
bekanntesten Stücken. In Zusammenarbeit mit Acoustic Sounds wurde das Album (AAA) von den Originalbändern remastered – verantwortlich dafür war Matthew Lutthans im The Mastering Lab – und auf
180-Gramm-Vinyl gepresst. Eine hochwertige Tip-on-Coverhülle rundet das Gesamtpaket ab.

Def Leppard, Großbritanniens größte Arena-Rock-Band, präsentiert die neu gemasterte „Greatest Hits
Sammlung auf einer schwarzen 180-g-Heavyweight-Vinyl-LP. Mit den größten Hits der Band, darunter
„Pour Some Sugar On Me“, „Hysteria“ und „Photograph“.

Mit "Sowiesoso" schufen Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius (Cluster) 1976 eines der klarsten und zugleich visionärsten Werke der europäischen Elektronikmusik. Nach dem viel beachteten Zuckerzeit öffnet sich das Duo hier einer reduzierten, transparenten Klangsprache: sanft kreisende Sequenzen, subtile Rhythmen und melodische Fragmente entfalten eine stille, konzentrierte Schönheit. Aufgenommen im eigenen Studio mit bewusst minimalem Equipment, lebt Sowiesoso von Autonomie und Präzision. Wiederholung und Variation stehen in feinem Gleichgewicht, fern von Effekthascherei oder technischer Selbstinszenierung. Die Musik wirkt utopisch, aber geerdet - geprägt von der Landschaft Norddeutschlands ebenso wie von Clusters konsequenter Suche nach einer neuen musikalischen Sprache. Zum 50. Jubiläum erscheint das Album als limitierte LP-Edition auf 180g-Vinyl, handnummeriert limitiert - eine würdige Neuauflage eines zeitlosen Meilensteins.

This album, recorded in 1988 at Elkar Studios in Lasarte, is a happy accident, like much of La Polla Records' early output, by Jean Phocas (who also worked with other bands of the genre such as Cicatriz) and César Ibarretxe. It was lovingly designed, with a medieval atmosphere for the cover (by Txefo, Joseba Olalde and Txarly) featuring a huge scroll containing five tarot cards, a back cover in the same style with heraldic figures, and a meticulous presentation of the lyrics with separate spellings for each song, on a double sheet with photos of piglets suckling from their mother on one side and various images on the other. With animals as the common thread for the songs, it represents the confirmation that the concept album had arrived on the national punk scene. Perhaps a work of maturity, the band's traditional objectives disappear from the lyrics, and although there is still room for specific protests and chronicles of nights of alcohol and violence (such as those of La Rata), the emphasis is on revelling in the description of all kinds of personal, psychotic and hallucinatory hells. Evaristo confessed to being influenced by Umberto Eco's book The Name of the Rose (1980) in the making of this work. Far from indicating any departure from the foundations laid in previous works, it shows that the spectrum of the anti-establishment struggle the group was committed to was broad. A very complete album.

As a follow-up to our previous work reissuing the recordings of Pau Riba, key figure in Catalonia's counter-culture and music scene, we now present "Juguetes de época y cajas de cerillas - Singles y rarezas. Primera época (1967-1969)," compiling songs drawn from rare releases in his catalog as well as his singles from this period. It includes previously unreleased material sourced from the artist's own tapes, along with an extensive booklet featuring notes and photographs of the artist. This collection brings together songs taken from rare releases in his discography-such as the album recorded at one of the concerts performed by Grup de Folk during its brief existence, "Folk 2" (1968)-as well as from his singles: "Taxista!" (1967), "Noia de porcellana" (1969), "Miniatura" (1969), "L'home estàtic" (1967), "Pau i Jordi" (1968), and "El Nadal no té 20 anys" (1967). Alongside these tracks, this compilation also releases for the first time part of the previously unheard material found on magnetic tapes discovered in the artist's studio after his passing. Among these tapes were the instrumental recordings of "Taxista!"-versions with slight differences from those issued on the original single, possibly prepared for television playbacks. These recordings provide further insight into the making of Riba's first release, particularly regarding the mixing process and the later addition of subtle details.

Highscore is one of the newest-and quite sensational-discoveries in funk of the 1980s out of Germany. Two tracks Breakin' Out and Girls So Fine, both recorded about 40 years ago and shelved ever since, are finally receiving a long-overdue 12" release.

Label founder DJ Scientist tells the story of how the tracks were uncovered:

"Several years ago, while researching the Crea label-after we had already licensed 'You're Not The One For Me' by Peter Patzer-I also wanted to find out more about another band on the label: Nuages, who had released the stunning jazz-funk/fusion album Cumulus.

Interestingly, a Discogs user had uploaded a hand written promo letter from one of the band members along with the LP. In it, drummer Mike Bach mentioned plans for a second album, as well as a single featuring a 'coloured singer'-which caught my attention. (A note on language: the original letter from 1985 uses the term 'coloured.' We've chosen to quote it directly as a historical document, but want to be clear that this reflects the terminology of the era and not language we would use today.)

Digging deeper, more information was found on Bach's own website, where a project called 'High Score' was mentioned. I immediately got in touch and asked if the recordings from that project still existed. Unfortunately, Bach couldn't locate any of the material at the time.

Years passed before we reconnected, when we featured 'Strange Weekend' by Nuages on our recent yacht rock compilation. I still had the Highscore project in mind and asked again. Once more, Mike had to deny-but he made another effort and reached out to former collaborators. A few weeks later, guitarist and composer Hermann Behrens discovered cassette tapes containing tracks from the Highscore project. I couldn't wait to hear them…"

To go back a bit: Nuages were a jazz-rock band from Bremerhaven, originally formed by guitarist Joachim "Fussy" Fuß in 1982. The lineup included Mike Bach (drums and percussion), Klaus Hinners (bass), and Frank Fischer (keyboards). In 1984, John Dillard, a U.S. GI stationed in Germany, joined Nuages for several live performances as a soul singer.
Around 1985/1986, Dillard and Bach then teamed up with Hermann Behrens with a new focus on electro funk and disco: Highscore was born.

When the three demo recordings were finally sent to us, they immediately blew us away. Breakin' Out stood out as an incredible electro-funk boogie gem-exactly what we had been looking for. What's more, it didn't sound like a rough demo at all, Breakin Out was a well-arranged and almost perfectly recorded track, driven by fresh, vibrant synths, drum machines and guitar. The cassette mix wasn't entirely final, but the remaining details could be refined during mastering.

The B-side, Girl So Fine, impressed just as much-equally strong and just as captivating as the A-side. Our reaction was immediate: this had to be released without delay!

Most importantly, there are a few more recordings from Highscore. However, these only exist as multi-track studio reels, which currently cannot be transferred. In the best case, more material from the band may surface soon-hopefully without another long wait.

The 12" release Breakin' Out / Girl So Fine" comes with a newly designed picture sleeve, featuring an original photo of the band members, including background singer Ruben Hopkins who does not appear on these two recordings.

The vinyl edition is limited to 400 copies.

The Heartbreakers" "D.T.K" ("Down To Kill") is the incendiary live 1977 companion to "L.A.M.F." (Like A Mother Fucker), which is hailed as one of the classic punk albums. Formed by New York Dolls Johnny Thunders and Jerry Nolan in 1975, they influenced the UK punk scene, joining the Sex Pistols, Damned & Clash on the infamous "Anarchy" tour. "D.T.K" was recorded by Track Records on the Maison Rouge mobile studio on 15th March 1977 at the notorious musicians" nightclub and features Johnny infamously abusing the audience. It was a warm-up for the "L.A.M.F." sessions starting the following week. Originally released in 1982 as a 10-track album, it was remixed in 2005 and five more tracks were found on the 2" multi-track tapes. Now the album has the entire two sets played that night, 15 unexpurgated tracks in all. The sleeve has notes by journalist Kris Needs and contemporary photos.

Los Angeles rock trio Dogstar is back with All In Now, the band’s fourth studio album and the follow-up to 2023’s Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees. Produced by Nick Launay (IDLES, Amyl and the Sniffers, Nick Cave & the Bad Seeds), All In Now marks a new era for Dogstar, with layered guitar riffs and heavy bass inspired by their time out on the road. Includes black LP in a gatefold jacket with a printed insert.