Search:stu w

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

delving ist ein Studioprojekt des Multiinstrumentalisten Nicholas DiSalvo, der vor allem als Frontmann der Heavy-Psych-Rock-Band Elder bekannt ist. 'All Paths Diverge' folgt auf das 2021 erschienene Debütalbum 'Hirschbrunnen' und setzt DiSalvos unvorhergesehenen Weg als einer der einzigartigsten Songwriter des Psychedelic-Rock-Genres fort. Nach anderthalb Jahrzehnten als Frontmann des bahnbrechenden progressiven Psychedelic-Quartetts Elder gründete DiSalvo delving als zweites Ventil, um musikalische Ideen auszudrücken, die nicht in das Paradigma seiner Hauptband passten. Später rief er noch die Projekte Weite und Eldovar (mit Kadavar) ins Leben. Delving erforscht Instrumentalmusik mit einem starken Fokus auf Psychedelic Rock, Krautrock, frühe elektronische Musik sowie Ambient-Sounds, und zeigt dennoch immer die eindrucksvollen Melodien und das einzigartige Songwriting, die seine Markenzeichen sind.
Die sieben langen Tracks des Albums wurden erneut aus einem ständig wachsenden Songbook voller Ideen ausgewählt, und sind eine Momentaufnahme von DiSalvos aktuellen musikalischen Interessen sowie seiner Liebe zur Klangerkundung und vermeiden Genre-Grenzen. Der Albumtitel ist als subtile Abfuhr des alten Sprichworts "Alle Wege führen nach Rom" gedacht und stellt klar, dass Veränderungen unvermeidlich sind und nichts in Stein gemeißelt ist.
'All Paths Diverge' ist auf cremeweißem 180Gr. Doppel-Vinyl inklusive Download-Karte

With their new album 'Rhapsody, the extraordinary vocalists fedayo Gatling, Dennis Bailey, and George Marage are able to fully explore the entire range of music that influenced them. The follow-up to their acclaimed 2021 release 'Look Up!', the record is a dive into a lesser-known but hugely important era in the evolution of gospel music.

Starting in the mid-1960s, local gospel groups and singers began incorporating elements of popular soul and funk styles and in 2006, Chicago-based reissue label Numero Group released Good God! A Gospel Funk Hymnal. HGT's longtime friend and mentor Eli.

"Paperboy Reed" approached the group with the idea of digging through the Numero catalog and recording some of the gospel funk material, reinterpreted in their own way from the high-energy, old-school soul of "God's Been Good to Me" to the hip-hop-inflected "Get Involved."

The Harlem Gospel Travelers story began when Gatling and Marage met while studying under Reed's tutelage. The group put out their debut LP, 'He's On Time', to rave reviews in 2019, earning them high profile fans like Elton John and landing them festival slots everywhere from Pilgrimage to Telluride Jazz. Originally a quartet, they brought in Bailey and reconfigured as a trio prior to recording Look Up!, their first album of all original material.

At a moment when the world is reconsidering the concepts of genre and category and who's allowed to participate in which traditions, HGT are squarely on the cultural pulse.

"We always found it difficult to stay in this one lane of what people think gospel is supposed to be," says Gatling. "This record allowed us to hear people that were innovators in their own time, pushing how gospel music sounded, and now we've created this project that is message-wise gospel, but the feeling and the sound can be whatever you want it to be."

Søren Skov Orbit's debut album, "Adrift," is at once subtle and profound. The saxophonist and his collaborators have created something quite special and consistently deep. This record may not easily be classifiable, but the most interesting music creeps between the lines

Danish tenor and soprano saxophonist Søren Skov (Debre Damo Dining Orchestra) and keyboardist Peder Vind co-founded the trippy quintet Søren Skov Orbit in 2016 to explore “more jazzy ideas,” as the saxophonist puts it. Joined by a rhythm section steeped in contemporary improvisation and psychedelia, bassist Casper Nyvang Rask, drummer Rune Lohse and percussionist Ayi Solomon of the legendary 80's Ghanaian roots/highlife band Classique Vibes, the Orbit belts out a richly focused helping of broadly African-inspired modern jazz with a hazy sheen.

On the opening “Notifications of Nothingness,” Skov digs in his heels, a steely but languid unspooling of burnished tenor lines atop condensed, quavering piano and the thick footfalls of bass and percussion. As a tenor player, Skov has done his homework and has a kinship with Albert Ayler, Archie Shepp, J.R. Monterose, and the Dutchman Hans Dulfer, but he clearly has got his own robust phraseology and expressiveness. He also cites multi-reedists John Gilmore, Yusef Lateef, and Bilal Abdurahman as, “some of the players I’ve been listening to the most for the last 10-15 years.”

A healthy dose of reverb is present throughout the album, echoing Alton Abraham’s studio wizardry with the Sun Ra Arkestra or the trance-inducing and compressed fidelity of certain Ethio-jazz and Mystic Revelations of Rastafari sessions. Skov notes that, “everything is recorded live at the same time in the same room. I wanted to do it that way in order to catch the dynamics and authenticity of the music.” There is, in fact, a complex teeter- totter between crisp and hazy execution, achieved by a delicately balanced mix that keeps the group’s sound simultaneously advancing and receding. Vind’s phrasing is terse and introspective, a vibrating echo that nudges and reflects on Skov’s brusque tenor in a dance of sonic displacement.

“Orbiting” pits a chunky backbeat and the teetering, taut hand-rhythms of Solomon against an infectious, almost microtonal piano riff, while Skov’s arpeggios are clean and florid as he patiently rises up from under a carpet of funky loops. Following the freer “Reflections of Rif,” “Naration” lilts with a wink at “Footprints” and tugs between up-tempo polyrhythmic drive, clanging keyboard accents, and the innately steadfast keenness of the bandleader. The coupling of Solomon and Lohse is a big part of the group’s detailed energy; as the leader puts it, “Ayi knows everything about regional differences in drum patterns. He is always listening and super responsive, and his and Rune’s dynamics are amazing.” The music both presents a “vibe” and keeps the door open for engaging well under the surface as repeated listens will be extremely rewarding.

You may recognise this fine fellow as the bass player for such acts as Spoon, Lee Fields' Expressions, Reigning Sound and The Jay Vons. Or perhaps you've heard the man himself wailing away on several well-received 45's released on Wick Records and compiled on the digital EP 'Hey Lovers'.

With 'Do You Still Think of Me?', his debut album for Wick Records, Trokan takes the listener through the full spectrum of 60s influenced music: the moody teen-beat bop of 'Save a Place', the garage dwelling angst of 'Nowhere to Be Found', to the sweet soul sound of the title track. But throughout the records, it's the unique sound of Benny's raspy, vulnerable lead vocal that carries us across this truly stunning collection of modern pop. 'Do You Still Think of Me?' is a breath of fresh air from a well-seasoned veteran. Unquestionably worth the wait.

You may recognise this fine fellow as the bass player for such acts as Spoon, Lee Fields' Expressions, Reigning Sound and The Jay Vons. Or perhaps you've heard the man himself wailing away on several well-received 45's released on Wick Records and compiled on the digital EP 'Hey Lovers'.

With 'Do You Still Think of Me?', his debut album for Wick Records, Trokan takes the listener through the full spectrum of 60s influenced music: the moody teen-beat bop of 'Save a Place', the garage dwelling angst of 'Nowhere to Be Found', to the sweet soul sound of the title track. But throughout the records, it's the unique sound of Benny's raspy, vulnerable lead vocal that carries us across this truly stunning collection of modern pop. 'Do You Still Think of Me?' is a breath of fresh air from a well-seasoned veteran. Unquestionably worth the wait.

FOR FANS OF: Manowar, Queensryche, Kamelot, Savatage, Running Wild, Vicious Rumors
Nach der bombastisch-epischen Veröffentlichung ‚The Passion Of Dionysus‘ im vergangenen Sommer wird nun am 23. August 2024 über
Steamhammer/SPV das allererste Virgin Steele-Album in einer besonderen Edition als Digi-CD und Gatefold-Doppel-Vinyl-LP sowie in digitaler Form
neu aufgelegt.
David DeFeis hat der Wiederveröffentlichung den zusätzlichen Spitznamen ‚The Anniversary Edition‘ verliehen, denn er hat das Album – basierend auf
den originalen Mehrspurbändern – vom ersten bis zum letzten Ton komplett neu abgemischt. Er erklärt: „Ich habe der Neuauflage diesen Titel
hinzugefügt, da es tatsächlich eine besondere Wiederveröffentlichung und ein großes Fest ist. Jeder Song wurde liebevoll restauriert und mit festem
Glauben, heißem Herz und hartem Stahl neu gemischt. Erstaunlicherweise waren die originalen Mehrspurbänder größtenteils in einem unerwartet
guten Zustand, auch wenn man hier und da ein paar kreative Entscheidungen treffen musste. Diese haben die Wiederauferstehung des Albums
allerdings in keiner Weise beeinträchtigt, sondern sogar dazu geführt, dass die Scheibe und ihre Songs noch stärker und interessanter klingen. Das
ursprüngliche Feuer wurde bewahrt, die klangliche Transparenz sogar verbessert. Nun erkennt man die explosiven Leistungen aller Beteiligten noch
deutlicher, fast so, als ob man am Tag der Aufnahmen im Studio persönlich anwesend war.

Nach einer äußerst erfolgreichen Tournee mit einer Gruppe von New Yorker Musikern namens The Band Geeks im Jahr 2023 beschloss Jon Anderson, die kreative Partnerschaft mit der Band zu erweitern, um neues Material für ein mögliches neues Studioalbum zu schaffen. Das Ergebnis dieser Bemühungen ist "True".

Während seiner 39-jährigen Karriere in der Rock and Roll Hall of Fame als Leadsänger von YES galt Jon Anderson als einer der führenden Vertreter der Progressive-Rock-Bewegung. Alben wie das "YES"-Album, "Fragile", "Close to the Edge", "Tales of Topographic Oceans" und "90125" sind auch heute noch Klassiker. Während seiner Zeit bei YES veröffentlichte Jon mehrere Soloalben und Kollaborationen, von denen seine vier Alben mit dem griechischen Komponisten Vangelis besonders hervorzuheben sind, und auch nach seinem Ausstieg bei YES im Jahr 2008 veröffentlichte er Soloalben.

Das neue 9-Song-Album ist ein willkommenes Geschenk für alle Fans von Jons 40-jähriger Tätigkeit als Leadsänger der Band YES. Die Songs des Albums erinnern sowohl an den klassischen 70er-Jahre-Sound von YES als auch an ihren heutigen Erfolg mit dem Album "90125". Das Album wurde von Richie Castellano, dem Bassisten und musikalischen Leiter von Band Geek, mitproduziert, produziert und abgemischt. Das Herzstück des Albums ist der 16-einhalbminütige Titel Once Upon a Dream".

One of the greatest UK White Labels of all time. Terrestrial Funk brings you an absolute summer sensation over three decades delayed. Relegated to obscurity until now, this four track EP boasts the downtempo hit ‘Summertime’ alongside three electronic bangers… and mash. The dubbed out stabs of ‘Jennifer’ on the A2 and two never before heard versions of ‘Let’s Climb’. Feel the festival ready power of the ‘Come To Me Mix’ and lose yourself to the hypnotic squelch of the ‘Glad You Made It Dub’, ready for sweaty summer nights.

In the late eighties, Simon Akers and Jason Brown began producing in a quaint home studio. Later collaborating with likeminded talents through the early nineties. Terrestrial Funk has worked with the group to transfer all their old digital audio tapes and bring you a series of fresh music yet to see the light of day. Jacqueline Foster aka Jacquoda brought her stunning voice to the project on this massive single showcasing vocals that shine brighter than the summer sun. Grab your copy today!

Dream in Dream Cornelius Vinyl Release Sales Sheet BIO Cornelius is the brainchild of Japanese multi-instrumentalist Keigo Oyamada; the genre-defying producer and multi-instrumentalist. Last year Cornelius released the highly anticipated seventh studio album, 'Dream in Dream’ via Like Ltd, which marks the first full-length album since the critically acclaimed 'Mellow Waves' in 2017. What can only be described as breezy and sun-drenched ambiance, 'Dream in Dream' seamlessly merges elements of avant-garde jazz, soulful R&B, and psychedelic acoustic electronics, resulting in a genre-blending masterpiece that pushes the boundaries of musical innovation.

With his breakthrough album Fantasma, Cornelius gained international recognition for his cut and paste style reminiscent of American counterparts Beck and The Beastie Boys and was released internationally by Matador Records.

Being called a "modern day Brian Wilson" for his orchestral-style arrangements and production techniques, Cornelius subsequently became one of the most sought after producer/remixers in the world, working with a wide range of artists including Blur, Beck, Bloc Party, MGMT, and James Brown. 'Dream in Dream,' Cornelius expands his sonic universe, incorporating angular guitars and lush synthesizer interplay that dance around syncopated drums throughout the album.

"Bright and poppy while inviting an air of contemplation, this track takes notes from ‘00s indie rock, alt-pop, and a touch of electro to form a solid comeback.

Dream in Dream Cornelius Vinyl Release Sales Sheet BIO Cornelius is the brainchild of Japanese multi-instrumentalist Keigo Oyamada; the genre-defying producer and multi-instrumentalist. Last year Cornelius released the highly anticipated seventh studio album, 'Dream in Dream’ via Like Ltd, which marks the first full-length album since the critically acclaimed 'Mellow Waves' in 2017. What can only be described as breezy and sun-drenched ambiance, 'Dream in Dream' seamlessly merges elements of avant-garde jazz, soulful R&B, and psychedelic acoustic electronics, resulting in a genre-blending masterpiece that pushes the boundaries of musical innovation.

With his breakthrough album Fantasma, Cornelius gained international recognition for his cut and paste style reminiscent of American counterparts Beck and The Beastie Boys and was released internationally by Matador Records.

Being called a "modern day Brian Wilson" for his orchestral-style arrangements and production techniques, Cornelius subsequently became one of the most sought after producer/remixers in the world, working with a wide range of artists including Blur, Beck, Bloc Party, MGMT, and James Brown. 'Dream in Dream,' Cornelius expands his sonic universe, incorporating angular guitars and lush synthesizer interplay that dance around syncopated drums throughout the album.

"Bright and poppy while inviting an air of contemplation, this track takes notes from ‘00s indie rock, alt-pop, and a touch of electro to form a solid comeback.

Debüt-Soloalbum der Multiinstrumentalistin und Leadsängerin Nicole Miglis von Hundred Waters. Die Songs für ihr Solo-Debütalbum Myopia entstanden stückweise: in eine neue Stadt reisen, Feldaufnahmen sammeln, eine Idee entwickeln, verfeinern und in immer neuer Reihenfolge wiederholen. Viele der Songs entstanden innerhalb weniger Wochen, während sich die reichhaltige Instrumentierung geduldig entwickelte, als Miglis an den vielschichtigen Klanglandschaften herumtüftelte. Myopia ist ein Album, das die komplexen Überschneidungen von Sehnsucht, Melancholie und Identität erforscht und gleichzeitig ihre faszinierende Fähigkeit unter Beweis stellt, experimentelle Produktionen, Popmelodien und klassische Formen zu einer ganz eigenen musikalischen Sprache zu vereinen. Die Veröffentlichungen von Hundred Waters wurden von zahlreichen Medien gelobt, darunter Pitchfork, Rolling Stone, NPR, New York Times und viele mehr. Für ihr erstes Soloalbum Myopia war Miglis entschlossen, alle Songs selbst zu schreiben, zu produzieren und aufzuführen. Obwohl viele der Tracks noch in der Zeit mit HW entstanden, fand sie nach ihrer Welttournee als Leadsängerin des für einen Grammy nominierten Elektronikmusikers Bonobo in den Jahren 2022-23 neue kreative Kraft und finalizierte ihr Solowerk. In Myopia kristallisiert Miglis ineinander verwobene Zustände von Besessenheit, Liebe und Verlust neben einer gleichmäßig eklektischen Reihe von Klängen, sowohl organisch als auch digital. Das Album ist der Höhepunkt eines lebenslangen künstlerischen Schaffens, das Momente aus ihrer gesamten Karriere in ihrer bisher üppigsten und überzeugendsten Sammlung von Songs zusammenfasst. Es vermischt Texturen und Genres mit Instrumenten und Einflüssen - von Klavieren und Streichern bis hin zu akustischen Harfenklängen und ätherischen Loops - und überbrückt die Kluft zwischen Klassik und Moderne mit einem Album, das Fans von elektronischer, orchestraler und Pop-Musik gleichermaßen faszinieren wird.

Little Hag zeigt das breit gefächerte Songwriting von Avery Mandeville, deren bissige und nachvollziehbare Songs eine Welt beschreiben, die so kompliziert ist wie die, in der wir leben. Mit Hilfe von 8 Produzenten aufgenommen, in Wohnungen von Freunden bis zu den Headroom Studios in Philadelphia, liefert sie Punkrock-Knaller, tiefe Disco-Tauchgänge, Fackellieder, Folk-Balladen und vieles mehr. Die Bandmitglieder sind seit ihrer Teenagerzeit befreundet und haben sich gemeinsam zu einer wilden Rockband entwickelt.

Fourplay is a contemporary American smooth jazz quartet, who released their eighth studio album Journey in 2004. The line-up consisted of Bob James on keyboard, Harvey Mason on the drums, guitarist Larry Carlton and Nathan East on the bass. The vocals included in a few of the selections add a dimension of freshness to those selections reflecting earlier albums. While Carlton leads the Sting cover “Fields of Gold,” it is the opening riff, East‘s vocals on the bridge, and his signature bass runs at the end that make it attractive. The complete album is self-penned, except for the opening ""Fields of Gold"". For the very first time, Journey is being released on vinyl. The album is available as a 20th anniversary edition of 1000 individually numbered copies on smokey coloured vinyl.

BBsitters Club is a rock band based in Chicago that features Doug Kaplan and Charlie Olvera on guitar and vocals, Max Allison on bass, and Paul Birhanu on drums. As the label’s de-facto in-haus band, BBsitters Club satisfies Hausu Mountain co-founders Allison and Kaplan’s urge to remain connected to the rock and roll music they grew up loving and playing — far across the spectrum from the experimental electronics featured on the lion’s share of HausMo releases.

A solid four years after the one-two-punch releases of BBsitters Club & Party, the band’s 2020 debut studio album, and Joel’s Pick’s Vol. 1, the first volume in a series of audience-recorded live takes from shows around Chicago, we find the BBs reviving the Joel’s Pick’s series with Vol. 2. Charged with the energy of a close-knit group of friends willing to follow along with each other’s most outlandish ideas both in composition and live performance, JPV2 offers us a bewildering yet always tongue-in-cheek palette of ideas cherry-picked and mashed together into amalgams that both embrace “rock traditions” and defy them with a cherubic grin.

BBsitters Club’s amorphous compositions land somewhere between the world’s most baked prog band and a jamband that’s never content to lapse into wheel-spinning complacency. On JPV2, BBsitters Club cartwheel between eras and styles of rock music with abandon — a TV stuck flipping channels after your dad falls asleep with one leg on the remote. We encounter the elliptical dueling guitars and autumnal atmospheres of midwest emo / math rock, the gregarious stomp of electrified country rock, blues rock that has melted from ingesting one too many hallucinogens, and fried Devo-style art punk that breaches into the realms of ska before melting into free-form noise rock flecked with the bizarro imitative instrument tones of Kaplan’s MIDI guitar.

Guided by San Francisco musician Andy Pastalaniec, Chime School pays homage to the formative jangle of The Byrds by way of early Primal Scream and The Springfields; the production and pop sensibility of Biff Bang Pow! and The Razorcuts; and the spirit of great singles labels like Creation, Postcard and Sarah. Although it would have fit with any of those labels, Chime School found a natural home with Bay Area indie stalwart Slumberland Records, releasing a self-titled debut in 2021, and a follow-up 7” single in 2023, to broad acclaim.

The anticipated follow-up LP "The Boy Who Ran The Paisley Hotel" is as stellar as we could have hoped for — deeper, richer and evolved in every way. While still joyfully packed with janglepop gems, "Paisley Hotel" takes a turn toward the winsome melancholy of groups like East Village, The Go-Betweens, and The Loft, and represents a leap forward in production, composition and arrangement. "The first record was a bit manic. I was trying to stuff so many years of influences into thirty brisk minutes. With 'Paisley Hotel' I chose a more condensed palette, and I feel I'm getting closer to the sonic vision I had from the beginning."

Nick Maurer’s Come On In! is the stuff of a modern American fable. The 20 year-old Cincinnatian’s first release on Happy Families feels wise beyond years but is equally moving in its innocent enthusiasm. Written while still in highschool and recorded using his cellphone, Come On In! is best enjoyed live, but even on vinyl or digitally, the album feels timeless, like you are stepping into a colorful picture book illustrated with a careful hand.

Compiled with the assistance of the band in 2007, Some Furtive Years - A Ned's Anthology collects 16 tracks from the high energy, post ""Madchester"" alternative rock outfit Ned's Atomic Dustbin. A tad shorter than 2003's superior Terminally Groovy: The Singles compilation, Furtive Years dutifully covers all the highlights like ""Grey Cell Green"", ""Kill Your Television"" and ""Until You Find Out"", proving what an underrated band Ned's Atomic Dustbin was. For the first time, Some Furtive Years - A Ned's Anthology is released on vinyl. This 2LP is available as a limited edition of 1500 individually numbered copies on yellow coloured vinyl and includes an insert. The D-side contains an etch of the bandlogo.

10 years after its release, Lydia Loveless sits down at the piano for an intimate reimagining of her landmark album, Somewhere Else. Title track featuring guest vocals by Jason Isbell. “Over the last 10 years I’ve been told by countless people, emotional and earnest, that their favorite record of mine is Something Else. I love that, and I nod in amused reverence to it here. The me of 2012-2013 was drowning in pain and insecurity and my own press, pissed off that nobody could see me for who I really was, what I had really been through, and how hard it was to be me. I was walled in by fears and worries that I would never be good enough. I was struggling with my voice after a debilitating virus and a six week tour. I had rented a little room in the Grandview neighborhood of Columbus and was plugging away on my splintered acoustic guitar with a tape recorder.

I was frustrated as could be, not coming up with anything that I felt was 'me' or even remotely song like. One day, when I finally thought I had a nugget of something, I read the lyrics aloud to my then husband and he looked at me confused and said, 'what are you even trying to say in this, though? Who is the narrator?' I don’t remember what I said to that but I’m sure it wasn’t kind. When I went back into the studio with my friend Caeleigh Featherstone recording me this go round, she looked at me at one point and said, 'Were you singing these songs in front of old dudes? Like, your husband?' Yes, I was, I told her. We both shook our heads and laughed at the hubris on 22-year-old Lydia Loveless.” - Lydia Loveless