Search:te

the work of BIG|BRAVE is ever-expanding. The trio"s singular masterful sculpting of sonics into songcraft tucks layers of vulnerability into frenetic storms. in grief or in hope is an innovative vision of electro-acoustic sound and emotive storytelling, an endless bounty of overwhelming distortions and devastating beauty. The album marks a shift for BIG|BRAVE towards denser guitar-oriented compositions. With longtime touring bassist Liam Andrews (MY DISCO, Aicher) joining guitarist/vocalist Robin Wattie and guitarist Mathieu Ball in the studio for the first time, the pieces are keenly layered with a rich tapestry of harmonics and tonal intricacies. The trio"s instinctual progressions made more vivid through live recording, harnessing the gargantuan and storied sound of their performances. Wattie writes: "All that I could reflect on was grief and hope; death and life; cause and effect; shared experiences of being a human person." The tenth album for the ensemble, in grief or in hope pays homage to their past while looking into their future. Together the trio shift deliver emotional momentum that vividly describes the complex and deep feelings of struggle, pain, and transcendence. in grief or in hope transmits that sense of humanity with every gesture.

the work of BIG|BRAVE is ever-expanding. The trio"s singular masterful sculpting of sonics into songcraft tucks layers of vulnerability into frenetic storms. in grief or in hope is an innovative vision of electro-acoustic sound and emotive storytelling, an endless bounty of overwhelming distortions and devastating beauty. The album marks a shift for BIG|BRAVE towards denser guitar-oriented compositions. With longtime touring bassist Liam Andrews (MY DISCO, Aicher) joining guitarist/vocalist Robin Wattie and guitarist Mathieu Ball in the studio for the first time, the pieces are keenly layered with a rich tapestry of harmonics and tonal intricacies. The trio"s instinctual progressions made more vivid through live recording, harnessing the gargantuan and storied sound of their performances. Wattie writes: "All that I could reflect on was grief and hope; death and life; cause and effect; shared experiences of being a human person." The tenth album for the ensemble, in grief or in hope pays homage to their past while looking into their future. Together the trio shift deliver emotional momentum that vividly describes the complex and deep feelings of struggle, pain, and transcendence. in grief or in hope transmits that sense of humanity with every gesture.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Als MONO ihr vorheriges Album OATH 2023 gemeinsam mit ihrem langjährigen Produktionspartner und Freund Steve Albini aufgenommen hatten, konnten sie sich nicht vorstellen, dass es das letzte Studioalbum sein würde, das sie zusammen machten. Albini starb im darauffolgenden Jahr tragisch, und dieser Verlust hinterließ eine unermessliche Leerstelle - nicht nur im Leben all jener, die Steve persönlich kannten, sondern bei jedem, der eine emotionale Verbindung zu einem der Tausenden von Alben hat, an deren Entstehung er in den vergangenen vier Jahrzehnten beteiligt war. Er brachte Klarheit in das Chaos und eine selbstlose Hingabe an die Kunst und die Künstler, die ihresgleichen suchte. Auf persönlicher wie auf praktischer Ebene stellte sein Tod MONO vor tiefe Trauer und große Unsicherheit. Albini war zu einem grundlegenden Bestandteil des unverwechselbaren MONO-Sounds geworden, und allein der Gedanke daran, ihn ersetzen zu müssen, war mehr als entmutigend.Und dann kam: Brad Wood (Touché Amoré, The Smashing Pumpkins).Ausgewählt aufgrund seiner Vertrautheit mit MONOs kreativen und technischen Arbeitsprozessen - ebenso wie seiner jahrzehntelangen Freundschaft mit Steve Albini - betrat Brad Wood im September 2025 das legendäre Electrical Audio Studio, um aufzunehmen, was schließlich zu Snowdrop werden sollte. Gemeinsam mit dem in Chicago ansässigen Dirigenten und Orchesterleiter Chad McCullough verpflichteten MONO ein zehnköpfiges Orchester und einen achtköpfigen Chor für die acht monumentalen Stücke, aus denen Snowdrop besteht. Die Band spielte, und Wood nahm in demselben heiligen Raum auf, in dem die meisten MONO-Alben ihrer 25-jährigen Geschichte entstanden waren - die Songs auf Snowdrop tragen daher ein besonderes Gewicht. Abgemischt wurde das Album von Wood in seinem Seagrass-Home-Studio in Los Angeles; es klingt zugleich intim und umhüllend.Wo leicht ein Schatten über Snowdrop hätte liegen können, findet sich stattdessen eine außergewöhnliche Atmosphäre der Dankbarkeit. Statt in Herzschmerz zu verweilen, entsteht eine eindringliche Wertschätzung für das gut gelebte Leben mit einem geliebten Freund - und eine Sehnsucht danach, was noch kommen mag. Snowdrop ist der Klang einer Band, die Schock und Trauer in Hoffnung und Staunen verwandelt - und neue Klarheit im befreienden Gefühl des Nichtwissens findet.

,Pneuma" ist ein Zyklus von acht Kompositionen des Kontrabassisten und Komponisten Henry Fraser, erschienen bei Kou Records, der sich mit Atem, Resonanz und der sich wandelnden Beziehung zwischen Form und Improvisation auseinandersetzt. Fraser betrachtet seine Solopraktik als eine Zusammenarbeit mit dem Instrument selbst und arbeitet direkt mit der Materialität und den akustischen Eigenschaften des Kontrabasses, sodass Klang, Raum und Struktur durch tiefes Zuhören gemeinsam entstehen können. Aufgenommen, abgemischt und koproduziert von Randall Dunn (Sunn O))), Thurston Moore) und Ben Greenberg (Uniform, Marc Ribot), erweitert das Album Frasers bisherige Solosprache durch ein erweitertes melodisches Register, vielschichtige Texturen und sorgfältig gestaltete Studioeingriffe. Ausgehend von sowohl vorgefertigten Motiven als auch neu improvisiertem Material entfaltet sich ,Pneuma" in einer Reihe prägnanter Sätze, von denen jeder einer eigenständigen rhythmischen oder harmonischen Idee Gestalt verleiht und gleichzeitig zu einer größeren, zusammenhängenden Form beiträgt. Die Aufnahme, bei der der Schwerpunkt auf natürlicher Dynamik und räumlichen Details liegt, bewahrt die volle physische Präsenz des Instruments und rückt die Resonanz, die Obertöne und die leisen Mikrogesten des Basses in den Vordergrund. Bestimmte Stücke bestehen aus mehreren übereinandergelegten Darbietungen, was den Umfang und den Ausdrucksbereich der Musik dramatisch erweitert. Das Ergebnis ist ein intimes und zugleich immersives Hörerlebnis - akustische Musik, die sich gleichzeitig greifbar und weitreichend anfühlt. ,Pneuma" dokumentiert Fraser in einem Moment künstlerischer Klarheit und bekräftigt sein Bekenntnis zu prozessorientierter Komposition und aufmerksamer Klangpraxis.

Jeffrey Alexander and the Heavy Lidders return with their best album yet, and a UK tour this August. Press by Silver PR
‘’On the alternate timeline where the Meat Puppets inherited the bulk of the Grateful Dead’s tourheads when Jerry Garcia died in 1995, none of this would be necessary, because Jeffrey Alexander and the Heavy Lidders are a household name for evolving their own musical space that overlays dusty folk, cosmic jazz, deep psych, free improv, and even (gasp!) indie rock, building an audience that ranges from open-eared curiosity seekers to deep committed music weirdos that’s also yielded the Heavy Lidders, an infamous sub-cult of concert tapers that you’re already sick of hearing about. A lot of other things are better over on that timeline, too.
But in this consensus reality (and probably the other one, too), Liquid Donnon catches the Lidders at their heaviest, “heavy” in the Lidderverse being far from a monolithic musical idea. There’s heavy like the album-opening “From Loch Raven to Fells Point,” one of several tracks with elegant and gnarled conversational jams featuring the core Lidders lineup of Alexander alongside guitarist Drew Gardner and bassist Jesse Sheppard (both of Elkhorn) and drummer Scott Verrastro. But there’s heavy, too, like “Calliope Walker” and “Tightroping,” featuring Gardner shifted to dream-space vibraphone, the former with saxophonist Tacuma Bradley, the latter with Christina Carter of Texas noise-psych legends Charalambides on veil-crossing wordless vocals, her first collaboration with Alexander in some 20 years.
But then there’s also heavy like the cover photo of Alexander’s late friend and album namesake Donnon, taken at a Dead show at Rich Stadium in Buffalo in 1989, a spirit threading through the songs and weaving unexpectedly into Alexander’s life decades later, emerging especially when Alexander passed through a near-death experience of his own. But, taken together, the different heavies of Liquid Donnon add up into a state of musical grace, where all the Heavy Lidders from all the universes come together as one. Just, like, imagine.
Convened in 2019 on Alexander’s relocation back to his native east coast, the Heavy Lidders are the latest hard-touring expression for the guitarist’s music, joining a vast and tangled discography (and tape list) that includes the beloved long-running west coast Dire Wolves Just Exactly Perfect Sisters Band and, before them, the Iditarod and Black Forest/Black Sea, as well as a bushel of solo play-all-the-instruments projects, a stint with Jackie-O Motherfucker, sessions with Kemialliset Ystävät and Avarus and others, and you’ll have to keep digging for the rest.
And while it’s not hard to find tapers at Lidders gigs (and they encourage you to be one), or to track themes and songs over Alexander’s many live releases, Liquid Donnon makes a new primary text, the original versions of six new pieces for the repertoire. The album closes with a devastating pairing of “Reservoir Drop” into “The Summer Song,” floating into a duo between Alexander’s guitar and Carter’s voice. Catch a half-dozen Lidders shows this summer, and you might not ever catch them playing it like that again, but you just might open the doorway back to that better place." - Jesse Jarnow (writer, WFMU DJ, producer and host of The Good Ol’ Grateful Deadcast)

Pluralone, das Soloprojekt des Songwriters und Multi-Instrumentalisten Josh Klinghoffer, kehrt mit ,A Drop In The Ocean" zurück - seinem vierten Album unter dem Namen Pluralone und dem ersten seit ,This Is The Show" aus dem Jahr 2022. Bekannt unter anderem für seine Arbeit mit den Red Hot Chili Peppers und Pearl Jam, bringt Klinghoffer dieselbe melodische Sensibilität und emotionale Direktheit, die seine Karriere geprägt haben, in ein eher akustisches, songwriterorientiertes Werk ein, bei dem Stimme, Texte und intime Arrangements im Mittelpunkt stehen. ,A Drop In The Ocean" setzt auf Wärme und Unmittelbarkeit statt auf dichte Produktion und unterstreicht seine Stärken als Komponist und Arrangeur - das Ergebnis ist eine fokussierte und persönliche Sammlung von Tracks.

You can't put Bebe Rexha in a box. From her Grammy-winning songwriting roots on Eminem's "The Monster" to global chart-toppers with David Guetta and Florida Georgia Line, Rexha has established herself as a premier musical chameleon. With her latest project, Dirty Blonde, she officially enters a new era as an independent powerhouse. Now signed to EMPIRE, the Brooklyn-born star has crafted a 13-song "genre kaleidoscope" that serves as her first-ever visual album, representing a total creative rebirth and a departure from the major-label system she's known since she was a teenager.

Recorded across London, Tokyo, and Europe, Dirty Blonde captures the energy of Rexha's global travels. The project seamlessly blends heavy-hitting dance floor anthems with deep, personal storytelling. With the lead single "New Religion" she takes us straight to the club by reimagining the iconic dance record "Insomnia" by Faithless. On "Tokyo," she explores a drum & bass pulse inspired by a late-night rendezvous in Japan, while "Cike Cike" (produced by long-time collaborator DJ Snake) sees Rexha embracing her Albanian heritage by mixing traditional linguistic roots with modern 808 basslines.

At the emotional core of the album is the lead single, "I Like You Better Than Me." The track strips away the pop-star veneer to tackle themes of insecurity and self-scrutiny, blending raw lyrics with a pop-rock edge. From the Jersey-bounce-meets-country vibes of "Drink and a Little Love" to her vulnerable reflections on fame, Dirty Blonde is a celebration of an artist who is finally playing by her own rules. As Rexha firmly asserts, "The old Bebe is dead," leaving behind a focused, stronger creator who is making the music she truly loves.

2026 Repress

Tresor Records is fortunate enough to be sitting on a catalogue of past releases that no other label in electronic music would turn down. Three of the finest in this collection were contributed by Surgeon;
“Basictonalvocabulary”, “Balance” and “Force + Form”, which all came out between 1997 and 1999.
Surgeon’s inimitable combination of Detroit techno and post-industrial sounds emanating from his British homeland found its fullest expression in these masterful trio of releases.
Following the release of Surgeon's first album in 5 years "Crash Recoil" earlier in 2023, Tresor Records have decided that its high time to give these seminal albums another airing.

2026 Repress

In March 2023, Tresor Records will release "Crash Recoil", a new album by Surgeon. It marks Anthony Child's first techno LP in five years, following a period in which he felt uncertainty in his role as a techno producer and found it tough to locate inspiration. This new album encounters him drawing on spontaneous techniques to arrive at unchartered topographies.
"Crash Recoil" originates from Surgeon's recent live sets, where he experimented with constraints in performing and embracing the twists, turns and paradoxes that arrive from this. Each fresh iteration on consistent MIDI sequences and hardware reconfigured tracks into dierent constellations, creating an inspiring vortex of unpredicted events where ideas could flourish. This new approach allowed him to capture the spontaneous energy of his live shows in a way he had never done before. "This is not a live album, since it has not been recorded in one go during a live performance. In the same way that bands tour songs before going into the studio to record an album, I was able to explore these songs and hone their eectiveness during my live performances before creating a studio version."
The result is eight tracks that emphasise a new techno sound for Surgeon, drawing in references from across the musical spectrum. "I can hear Coil, King Tubby, Detroit Techno and The Cure all wrapped up with 30 years of DJing," Surgeon says of the album. Melancholic hum-like ambiences smudge around unadorned, near-droning basslines, crunching rhythm and percolating arpeggiations. The tracks carry unique and potent locomotion, with a low-slung grind through toughened terrains, breathing with a free spirit, untethered by a studio-based perspective. We hear manifestations of the same raw material across the album, like a textural motif, carving new variants and creating a cohesive work full of recollection.

Growing together both personally and musically… That is indeed the good fortune of the musicians in the Marseille-based trio ubaq. We’re talking about bassist Antoine Carletto, guitarist Lucas Schemidt, and drummer Antoine Saussol, winners of the Rezzo springboard competition at Jazz à Vienne 2025. In their early twenties, they met in their late teens while still honing their musical skills. Nearly ten years later, they burst onto the scene, in perfect harmony, with their very first album, “Night WIP,” a follow-up to their EP, “20bis,” released in 2024. They owe their stylized stage name—written in lowercase with a “q”—to the ubac, that side of a mountain with very little sun exposure, where twilight reigns. “We liked that idea because we’re night owls,” says bassist Antoine Carletto. Hence the “night” for “nuit” and the “WIP” for “Work In Progress,” explains guitarist Lucas Shemidt. ubaq’s music is characterized by a nocturnal, melancholic heaviness, pierced by beams of light. “We love creating music that soothes us and highlights the precious nature of composing and playing in complete harmony,” says Antoine Carletto. “We cultivate complex tones, sometimes difficult to bear, whether they’re nostalgic or even verging on depression. But we manage to convey emotions without falling into clichés,” adds Antoine Saussol. Night and twilight serve as the perfect catalysts for this trio, which moves forward with perfect chemistry and harmony.

On this album, they feature the German-Armenian rapper and singer Talin, who is also based in Marseille. She appears on the track “Regarding Others,” where she chants that even though the year 2026 may see mothers weeping in every corner of the world, she still manages to smile. Thus, this track explores the three musicians’ relationship with the world and the necessity of looking at others. The unsettling “Sciatiq,” the haunting “Sakakinik,” and the ambivalence of “Flayosc”—the final track, on which the trio features trombonist Jules Regard—owe their titles to the musicians’ own observations and experiences. The multi-faceted track “Proud,” in two parts, is a tribute to Lucas Schemidt’s mother, who has since passed away. The presence of wind instruments—whether Jules Regard’s trombone or Mathieu Fabre’s saxophone on the intense track “From The Ending”—adds textures missing from the natural landscape depicted in “Night WIP.” This debut album captures the obsessions and introspective wanderings—sometimes anxious, sometimes enchanted—of a trio that cultivates melody as a pledge of warm fulfillment.

Mr. B is the album recorded in 1983 by Chet Baker and is considered one of the best from that period. Baker plays compositions by Herbie Hancock (Dolphin Dance), Horace Silver (Strollin') and Dave Brubeck (In Your Own Sweet Way).

The sadness of the songs is felt throughout, in a lazy sometimes slow and sluggish tempo. The album includes two bonus tracks “White Blues” and “Father X-mas” and band members include Michel Graillier (piano) and Ricardo Del Fra (bass).

Mr. B is available as a limited edition on silver vinyl. The album sleeve contains liner notes by Wim van Eyle and affixed on the protective sleeve is the 50th Anniversary Timeless Jazz sticker.

Nach zwei gefeierten Studioalben kündigt die britische Band BIG SPECIAL ihre neue EP mit folgenden Worten an: "Diese neue Platte besteht aus den verworfenen Teilen unserer ersten beiden Alben. Wir haben sie wieder hervorgeholt und mit ins Studio genommen, um sie zu überarbeiten und zu verfeinern. So entstand ein eigenständiges Werk, das unser bisheriges Schaffen reflektiert. Die Songs, die nicht zur richtigen Zeit an den richtigen Ort passten. Darunter auch Songs, die die Alben damals vielleicht zu lang gemacht und zu düster geraten lassen hätten, obwohl wir eigentlich die Balance einer emotionalen Reise bewahren wollten, als ob man einen Film mit geschlossenen Augen schaut. Also haben wir O'JOY! gemacht."

Oliver James aus Tennessee, eine Zeitkapsel des klassischen R&B-Sounds, kehrt zum Label Colemine zurück - mit zwei neuen Stücken auf einer unverzichtbaren 45er-Single. Auf der A-Seite ist sein erster neuer Track seit 2022 zu hören. ,1-2-3" ist ein mitreißender Soul-Stomper im Stil von Memphis und Stax. Nick DeVan und Vincent John (Eraserhood Sound) haben den Track gemeinsam geschrieben; sie haben die Instrumentalparts fertiggestellt, waren aber bei den Texten ratlos. Da wurde James hinzugezogen, und er nutzte seine Zeit bei der Arbeit in einer Kirche, um die Texte zu formulieren, aus denen schließlich dieser Song entstand. Die B-Seite entstand in Zusammenarbeit mit Nashvilles Gritty-Funk-Ensemble The Gripsweats. Es ist ein ernsthafter Song mit Texten, die von James' und DeVans Mitgefühl inspiriert sind. ,I'm no stranger to love that I used to know", klagt James; seine Lieblingszeile des Songs. Untermalt von üppigen Streicher- und Bläserarrangements ist ,Nothing Is Forever" ein melancholischer und herzlicher Gegenpol zur A-Seite.

On her second EP "Reality Check", Kuoko continues to make her way and search for her own answers. On the follow-up to her debut "Lost Woods", her electro-pop sound remains mystical and spherical, but, as the title implies, this project sees the Hamburg-based music producer deal with a number of quite tangible, personal and social topics. On songs like "Floating" or "Hiding in the Dark" she reminds us to follow our guts despite the ever- increasing pressures of society and technology . Despite the heavy undertone, the atmosphere remains positive all throughout the EP as Kuoko"s crystal-clear voice floats through the elaborate, ethereal soundscapes that she created. After putting out her debut EP in 2018, playing several live shows - three of them at the Reeperbahnfestival - and winning a local award for emerging artists (Krach + Getöse), the young multi- talented artist now invites us to check out her latest work. Accept this invitation and give it a listen. It"s definitely worth it.

Producer, Drummer und Hamburger Jazzpreisträger Silvan Strauss war bereits eine feste Größe der Szene, als er 2021 sein Debüt "FACING" veröffentlichte - eine Mischung aus Madlib-inspirierten Beats und atmosphärischem Jazz. Seitdem erreichte er internationale Bühnen wie das Montreux Jazz Festival und begeisterte mit viralen Drum-Videos Musikgrößen wie Pete Rock und Queen Latifah.Für sein zweites Album "FLUKIN"" kehrte Strauss zurück zum Ursprung: Drei Tage intensive Live-Sessions in den Hamburger Clouds Hill Studios mit hochkarätigen Gästen. Im Gegensatz zum loop-orientierten Vorgänger setzt "FLUKIN"" auf echte Interaktion, Improvisation und organische Kommunikation in Echtzeit. Das Ergebnis ist ein unkomplizierter, lebendiger Sound, der die Magie des gemeinsamen Spielens einfängt.Unterstützt wurde er dabei von Künstlern wie Farhot, SALOMEA, Oscar #Worldpeace, Joe Armon-Jones und Mehdi Qamoum. Der Titel leitet sich vom Begriff "Fluke" (Zufallsglück) ab und beschreibt Strauss" Ansatz, bewusste Räume für glückliche, unvorhersehbare Momente in der Musik zu schaffen. Mit diesen 10 Tracks reiht sich Silvan Strauss in die klangliche Welt von Terrace Martin oder Hiatus Kaiyote ein.

Mit "Off Grid" liefert wacho den perfekten Soundtrack zur Entschleunigung. Der Track bricht mit dem digitalen Überfluss und setzt auf warme, atmosphärische Texturen, die ihre volle Wirkung erst auf dem Plattenteller entfalten. Musikalisch bewegt sich die Veröffentlichung zwischen organischem Downtempo und minimalistischen Lo-Fi-Beats. Es ist Musik für die Momente, in denen der Rest der Welt stummgeschaltet wird - analog, tiefgründig und zeitlos. Erhältlich als exklusive Vinyl-Edition für alle, die Klangqualität nicht nur hören, sondern auch fühlen wollen. Ein Must-have für Sammler und Liebhaber kuratierter Electronic-Sounds.

Quartier Celeste is a unique project in today’s landscape: here’s Premier Voyage, an album that goes beyond music to offer a complete universe, almost an autonomous mythology, which unfolds through music, lyrics, videos, and a collection of visual artifacts.

It all began with a revelation: the discovery of NASA’s sound archives, recordings collected during space missions to the outer
reaches of the solar system. What can be heard as we approach the Sun? What sound does a black hole produce when its electromagnetic activity is translated into audible frequencies? What does Jupiter's fifth moon whisper through the instruments of
a probe?

From track to track, we drift through an immense space — sometimes calm, almost meditative, sometimes shaken by cosmic storms. We encounter supernovas, cosmic rays, magnetic fields, stellar winds, and clouds of antimatter. The infinitely large rubs shoulders with the infinitely intimate: the fragile, close voice offers a human counterpoint to these titanic forces. The whole is mystical, contemplative, punctuated by bursts of noise, areas of shadow, and flashes of light amid vast areas of darkness.

Newly signed to Heist or Hit (Westside Cowboy, Her’s, Nature TV), Georgian's forthcoming debut EP 'Crackled Grounds' reads like an anthology in the vein of The Ballad of Buster Scruggs. These aren’t just songs, but scenes, self-contained worlds that glimmer with strange detail before dissolving into mirage. “We recorded on a farm just north of Amsterdam” states James. “It gave us space and focus and helped us channel the Western feel we wanted to impress upon the tracks. Arno gave us lots of pedal board options and guitar choices. Those things in particular helped us fine-tune the sound we were chasing.” The resulting collection chronicles the ups and downs of existence and blooms with natural imagery. ‘Strike a Wound’ seethes with revenge. The slow attack on the guitars has the onomatopoeic effect of enacting each blow. ‘Crackled Grounds’ conjures an apocalyptic wilderness that wouldn’t be out of place on the ‘Kill Bill’ soundtrack. ‘Medusa’ is a parable of strong women overcoming obstacles and jolts with the energy of those early Johnny Cash Sun recordings. ‘Gardens’ lingers on the awkward tenderness of running into a long-lost lover; while ‘Californian Jeans’ pays homage to denim as talisman, armour, and second skin.

The Mamas & The Papas were formed by husband and wife John and Michelle Phillips, formerly of The New Journeymen, and Denny Doherty, formerly of The Mugwumps. The last member to join was Cass Elliot, Doherty's bandmate in The Mugwumps. The group considered calling itself The Magic Cyrcle before switching to The Mamas and the Papas as apparently inspired by the Hells Angels, whose female associates were called "mamas".

They released a total of five studio albums and seventeen singles over a four-year period, six of which made the Billboard top ten, and sold close to 40 million records worldwide. The band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998 for their contributions to the music industry.

The band’s first single, “Go Where You Wanna Go”, was released in 1965. The second single, “California Dreamin’”, was released later in 1965 and quickly peaked in the charts. The band’s album, If You Can Believe Your Eyes And Ears, was released in March 1966 and became the band’s only number 1 album on the Billboard 200. The third and final single from their debut was “Monday, Monday”, which became the band’s only US number 1 hit. The song brought the band international success.

Collected is a perfect overview of the multiple classic hits and tracks throughout the career of The Mamas & The Papas and complimented with several popular tracks by Mama Cass Elliot.

Music On Vinyl proudly presents a special edition of The Mamas & The Papas Collected compilation, which is available as a limited edition of 5.000 individually numbered copies on blue vinyl, and includes a booklet with liner notes.

The first OM album, Variations on a Theme, features Al Cisneros bass, vocals and Chris Hakius drums. It was produced by OM and originally released in 2005 on Holy Mountain. Variations on a Theme is comprised of three long songs employing a series of rhythmic chants whose cadence-like textural drive conveys flight. Recorded with Billy Anderson.

The first OM album, Variations on a Theme, features Al Cisneros bass, vocals and Chris Hakius drums. It was produced by OM and originally released in 2005 on Holy Mountain. Variations on a Theme is comprised of three long songs employing a series of rhythmic chants whose cadence-like textural drive conveys flight. Recorded with Billy Anderson.

Maximum Exposure Inc. presents Joy Rider, the debut album from Down Town, the Toronto duo of Ian Elias Afif (bass+effects) and Maxwell Cecil Stover (soprano saxophone + electronics).

Produced and mixed in collaboration with Tony Price in Toronto, Joy Rider portrays a new vision for low-end music as sculpture. Liquid bass paintings, alloy tone abstractions — a virtual still life formed out of fretless aluminum bass, specular soprano saxophone cybernetics, and metallic rhythm architectures.

These pieces belong to a lineage of post-minimalist, low-end experimentalism that treats electroacoustic improvisation and ambient synthesis as mutable sound matter - Joe Zawinul's circuitboard cartographies, the insurgent bass guitar mutations of Bill Laswell, Mick Karn, and Robbie Shakespeare, Evan Parker's recursive multiphonic sax investigations, the most textural sides from the ECM catalogue and the sonic holography constructed by Jon Hassell and Michael Brook during their sessions with Eno and Lanois Hamilton, Ontario.

The album unfolds like a series of suspended environments - music for inside a city.

From his birth place in Tokyo, to New York and now Germany, Nao Katafuchi’s sound has travelled across many terrains in music. A dichotomy of tight staccato beats overlaid with sweeping gestural melodies, he leaves an electronic imprint on the mind of the listener, transferring a world of lyrical possibilities from his imagination to ours, bringing us synth full of expansive romantic sensibility.

Dieses Album braucht keinen Anlauf und keine Vorrede. Von Sekunde eins an ist es da. Es türmt sich auf, überlebensgroß und mit einer nahezu existenziellen Dringlichkeit. "Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht" ist das sechste Studiowerk der Berliner Band Klez.e. Es ist von der düsteren Ahnung getrieben, dass da draußen gerade etwas kippt, und es setzt dieser Bedrohungslage etwas entgegen. Klez.e, das sind fast 25 Jahre nach der Bandgründung: Tobias Siebert (Gesang, Gitarre), Daniel Moheit (Synthesizer, Bass) und Filip Pampuch (Schlagzeug, Percussion). Waren die Vorgänger "Erregung" (2023) und "Desintegration" (2017) von einer grimmigen Düsterheit geprägt, ist diese Trostlosigkeit einer bislang ungehörten musikalischen Luftigkeit gewichen. Und es ist, als habe sich die Band beim Schreiben der Songs auch erstmals bewusst gegen die Furcht vor dem Erzählen gestemmt. An die Stelle früherer Verklausulierung ist eine neue textliche Klarheit getreten. Musikalisch ist "Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht" eine Kathedrale von einem Album: akustisch weit, mit glatten, kühlen Oberflächen, atmosphärisch dicht und verhallt. Das Licht, das durch die Fenster hereinfällt, verdrängt die Dunkelheit und malt hier und da tanzende Flecken auf den Boden und an die Wände. Klez.e den schmerzhaften persönlichen Erfahrungen in einer sich verdüsternden Welt ein drängendes und bestürzend schönes Album abgetrotzt. Eines, das die Antwort auf die bange Frage gibt: "Was tun, wenn alles zusammenbricht?" Sie lautet: näher zusammenrücken. Gemeinsam gegen die Furcht. CD, LP klassisch schwarz sowie LP farbig.

Ghost Funk Orchestra are a mystery. Plain and simple. Dirty, soulful production, verbed and fuzzed out guitars, mysterious vocals that feel like a lost score to a Quentin Tarantino film. The brainchild of one-man producer/musician/arranger Seth Applebaum, GFO is forging new territory and blurring the line between soul and psychedelic.

Für Ihre politischen und gesellschaftlichen Entscheidungen von gestern, heute und morgen gibt es nun einen neuen, verlässlichen Anbieter. Wir kündigen zum nächstmöglichen Zeitpunkt den Wechsel zu der FLINTA-geführten Institution DIE BEHÖRDE aus Bremen an. Als erster amtlicher Schritt wird die Musikproduktion mit dem Titel DER LETZTE ARBEITGEBER erscheinen. Darin enthalten: acht exklusive Stücke mit einer flüchtigen Spielzeit von knapp 20 Minuten. Düster, punkig, relevant und mit dem nötigen Bremer Ernst vorgetragen. Textlich wird der sich erhärtende Verdacht, im falschen Leben zu sein, mit wütender Ehrlichkeit von der Straße gesammelt. Unbewältigt stehen Themen wie Diskriminierung, patriarchale Dominanz und Migrationsfeindlichkeit auf der Tagesordnung. Eiskalte, angriffslustige und hallende Gitarren prallen auf mäandernde Basslinien und pointiert-scharfes Drumming, während der Gesang in aller Dringlichkeit verwüstet, zerstört und wieder heilt. Die Anmut der hier vorgetragenen dienstlichen Beschwerde liegt in der Hoffnung, dass die Lösung nur ein paar Straßenbahnhaltestellen entfernt liegt. Ausführung und Qualität erinnern an Musikgruppen wie Berlin 2.0, Rauchen, Pogendroblem oder Frustwut. Damit ist DIE BEHÖRDE unabdingbarer Bestandteil des derzeit verfügbaren, hochwertigen und notwendigen Bildungsangebots. Ausrufezeichen!

"Imagine a classic singer/songwriter record loaded with the intimacy and grit reminiscent of Alex Chilton or Nikki Sudden." Shindig

Los Angeles singer-songwriter Tracy Bryant returns with his new album The Well, which is his first release since 2019’s critically acclaimed Hush. His fourth solo album, The Well marks a striking new chapter, trading his signature guitar-driven sound for piano-led songwriting that took root during the pandemic. The album was born out of one of the most turbulent periods of his life, written in the wake of his father’s sudden passing and birth of his first child. It was produced by longtime friend and compatriot Joo-Joo Ashworth at Studio 22 in Cypress Park, CA, and mastered by Dave Cooley at Elysian Masters. The nine songs are filled with raw emotion and driving motorik rhythm, telling tales of loss and love, relationships beginning and ending.
 
When the pandemic upended Bryant’s promotion for Hush and brought his 2019 European tour to a halt, he found himself at home rediscovering his musical roots at the piano, listening to Vince Guaraldi and Arthur Russell to take inspiration for the song structures. Without a band around, Bryant used the instrument to create both rhythm and melody, which resulted in a repetitive and precise backbeat, which was elevated when he began working with drummer Carmeron Gartung to rehearse the new songs. This different approach would define the style of The Well, creating an amalgamation of sounds with classic songwriting structures blended with post-punk, 90s indie, krautrock and psychedelia.
 
To produce the record, Bryant turned to Joo-Joo Ashworth, who share a friendship stretching back to 2011 (when Joo Joo was only 18) when both of their bands, Corners and Froth, were at the forefront of the bourgeoning Los Angeles/Echo Park music scene of the time and embarked on their first national tours together. Ashworth, who has since become one of underground music’s most respected producers, recorded the album throughout 2024/2025 on half inch tape at Studio 22 in Cypress Park, California, giving The Well a warm, considered sound that matches the weight of its subject matter.
 
The album’s emotional core was forged by two significant life events arriving in close succession. In January 2022, Bryant’s father passed away unexpectedly at the age of 67. Just three months later, Tracy and his wife welcomed their first child. The Well is a direct result of those experiences, a songwriter processing grief and joy, endings and beginnings in real time. 
 
The nine songs take the listener on a meticulously crafted journey through the nooks and crannies of Bryant’s mind. Spanning 37 minutes, the album is an exploration of classic songwriting elements moving fluidly between driving beat punk, like “Weight” and “Widow”, and more melancholic tracks like “Halfway” and “Danny”. Album opener “Cold Floor” sets the tone immediately, Bryant’s lyrics confronting the day of his father’s death with unflinching directness – the breezy California piano sound is in direct contrast to the heavy theme. The Bowie-esque title track is perhaps the album’s most expansive moment – a fully realised epic composed with a dynamic flare. 
 
 The Well feels like an arrival. Dramatic and expansive, it is a true, visceral reflection of the life changing events that altered the course of Bryant’s life. Fans will be surprised by the heavy focus on piano but they will welcome the change as a bold turning point for an artist who has lived long enough to know exactly what he wants to say. 

Some previous press:

"feels like a slice of California, down to its ringing post-surf guitars and bright melodies, but cross-cut with a folk sensibility more aligned to the work of Elliot Smith or, on occasions, Conor Oberst." Uncut - lead album review

"…sees the Los Angeles rocker confront both the finer and uglier aspects of love and life, combining classic rock with psychedelic tinges and catchy melodies." Evening Standard 4*s

Soul Jazz Records’ ‘Calypso – Musical Poetry in the Caribbean’ was first issued in 2014 and has been out of print for nearly 10 years. On its release ‘Calypso’ was voted one of the year’s best 50 reissues in Rolling Stone magazine and received glowing reviews in Pitchfork, The Guardian, Songlines and many more. This new edition has been fully remastered and comes as a one-off limited-edition double vinyl pressing on translucent green vinyl, complete with bespoke inners featuring extensive sleevenotes, notes on all the artists and songs featured, and original artwork and photography. The album is also available in a new card-edition CD package, also with complete notes and text.

Featuring Lord Kitchener, The Mighty Viper, Count Zebra, Lord Flea, Lord Hummingbird, King Fighter, Lord Growler, Lord Byron, Lord Ivanhoe and other members of Calypso’s aristocracy and aristocrats, the album features the music of Calypso in its many styles. Calypso is one of the most exciting and enduring forms of musical expression that first emerged at the beginning of the 20th century – swinging, persuasive rhythms, brilliantly expressive melodies, and lyrics of great humour, wisdom and wit. Here you will find music from Trinidad, birthplace of Calypso, other Caribbean islands including Jamaica and the Bahamas, as well as sounds from the style’s subsequent onwards journey including Britain, Panama and the United States. Calypsonian songs play out a role in society similar to the storytelling Griots of West Africa (and the corresponding music of Kaiso); with their own tales about popular and incredible news items, modern life, local politics all mixed up with sexual innuendo, one-upmanship, comedy and more. At its source, Calypso is intricately and inextricably bound to the social history of Trinidad and its myriad of traditions, beliefs, folklore and fables. As the music spread around the world, both from the diaspora of many of its performers as well as its commercial success, the subjects of songs similarly took on local topics.The most notable singer of Calypso in England was the Trinidadian Lord Kitchener, who came to Britain in 1948 on HMS Empire Windrush, along with fellow Calypsonians Lord Beginner and Lord Woodbine.

‘In The Bay’ is our 21st release for The Boxmasters. Songs were all inspired by and either written or partially written in the small beach town of Morro Bay, California. It’s a slight departure from our Abbey Road influenced album ‘Pepper Tree Hill,’ but is still in the same wheelhouse. ‘In The Bay’ has a strong Brian Wilson influence in the way the instrumentation is used. It is our humble attempt at making our ‘Pet Sounds’. We’re certainly not The Beatles or The Beach Boys, no one will ever be, but those heroes continue to inspire us.

Featuring members from King Diamond, Motörhead, Scorpions, Don Dokken Lex Legion is a brand-new band comprised of old friends with incredible heavy metal pedigree. Comprising four-fifths of the classic late 80s King Diamond lineup featuring Mikkey Dee (Drums), Pete Blakk (Guitars), Andy La Rocque (Guitars) and Hal Patino (Bass) infused with the jaw-dropping vocals of Nils K. Rue (Pagan’s Mind), it also boasts Motörhead, Scorpions, and Death on its collective resume. Lex Legion’s eponymous debut album is a single-minded, future-facing throwback of world class hard rock/metal distinguished by tasteful, less-is-more arrangements, virtuoso musicianship, and relentless melody and harmony.

Featuring members from King Diamond, Motörhead, Scorpions, Don Dokken Lex Legion is a brand-new band comprised of old friends with incredible heavy metal pedigree. Comprising four-fifths of the classic late 80s King Diamond lineup featuring Mikkey Dee (Drums), Pete Blakk (Guitars), Andy La Rocque (Guitars) and Hal Patino (Bass) infused with the jaw-dropping vocals of Nils K. Rue (Pagan’s Mind), it also boasts Motörhead, Scorpions, and Death on its collective resume. Lex Legion’s eponymous debut album is a single-minded, future-facing throwback of world class hard rock/metal distinguished by tasteful, less-is-more arrangements, virtuoso musicianship, and relentless melody and harmony.

Mission of Mercy, the fourth full length album from celebrated guitarist and songwriter Mike Campbell (Tom Petty and The Heartbreakers, Fleetwood Mac) and his band The Dirty Knobs, is due June 12 via Soundly Music/Thirty Tigers. The album features appearances from the B-52s’ Kate Pierson and Morgane Stapleton alongside the Dirty Knobs’ Chris Holt (guitars, keys), Lance Morrison (bass) and Campbell’s fellow Heartbreaker Steve Ferrone (drums, percussion). Mission of Mercy displays Campbell’s full songwriting range, with tracks ranging from the unbridled rock & roll of “I Remember” to the Americana ballad “More Than Gold” and even the Brian Wilson-inspired psychedelia of the title track. Campbell states that “Mission Of Mercy is an action-packed collection of tunes that continue the vibe we established as well as some new directions in the songwriting. It’s full-throttle Knobs from start to finish and we look forward to playing these live this year.” Last year saw the release of Campbell’s New York Times Best Selling memoir Heartbreaker, which Rolling Stone hailed as “essential…a vividly told new autobiography,” while the Los Angeles Times praised its “tale of endurance and patience rewarded” and No Depression proclaimed it “does what the best music memoirs do: encourage readers to listen once again, or for the first time, to Tom Petty and the Heartbreakers and to Campbell’s solo works.” The Dirty Knobs (named after tech slang for a broken amp dial) were founded in 2000 by Campbell as a writing and club-date project outside the Heartbreakers. The group finally got on record with 2020's Wreckless Abandon and 2022's External Combustion. Those LPs, Campbell says, were the Knobs “trying to find our way as a rock & roll band.” “Now it’s down to great songs,” adds Campbell, “the depth in the lyrics and chords.” He recalls something Petty once told him: “Tom said, ‘I love the English language. There’s so much you can do with it.’ I'm discovering that, too. Looking for rhyme schemes, the right word. At first it was a struggle. Now that door has opened,” Campbell says. “I’ve turned a corner.” The Dirty Knobs are “still a rock band but growing into different feels.”

Yellow Days' new album Rock And A Hard Place is a tour de force which sees George van den Broek returning to his soul roots, channelling everyone from Stevie Wonder to Gil Scott-Heron to his idol, Ray Charles, in a set of emotionally charged songs constructed with an attention to detail worthy of the Brill Building.
Beautifully sung, brilliantly played and almost glowing with intelligence, it's the sound of Yellow Days coming of age.

"4EVER" is a complete and eternal album.
It celebrates friendships, connections, discoveries, travels, and experiences that Buvette has honored over more than ten years of activity around the world. Through 4EVER, he pays tribute to those without whom nothing would exist: loved ones, those who have passed, love itself, and this life, which must be lived as fully as possible. Music remains the universal language, and 4EVER is a kind of Buvette DNA, one he invites you to incorporate into your own.

„Immer noch hier“ singen die Sportfreunde Stiller gleich zu Beginn von „Happy Birthday!“, ihrem Album
zum 30-jährigen Band-Geburtstag. Ein pragmatischer, ein geradezu logischer und deshalb auch ein höchst
gelungener Einstieg. Nicht, dass man explizit darauf hätte hinweisen müssen, denn für viele von uns waren
die Songs von Peter, Rüde und Flo ja immer irgendwie gegenwärtig, schaut mal in eure Playlisten, CDund Plattenregale. Dabei klingen sie 2026 frisch und unverbraucht wie zu seligen „Thonträger“-Zeiten,
gleichzeitig aber auch erfahren, mit allen Wassern gewaschen und bei aller Nostalgie auch zeitgemäß. Rockmusik wie sie sein muss, punkig anmutendes Uptempo-Schlagzeug und zuweilen wohl temperierte, ruppige
E-Gitarren inklusive.
Hinzu kommt ihr untrügliches Gespür für unvergessliche Pop-Melodien und ein gewisses Faible für flächige,
manchmal an die 80er Jahre erinnernde Synthies. Auch textlich geht „Happy Birthday!“ - in stürmischen
Zeiten - in die richtige Richtung: Dem Leben zugewandt, ab und an auch nachdenklich, grundsätzlich aber
alle Menschen verbindend. Die Sportfreunde Stiller sind also immer noch hier - und das ist nicht nur gut
so, sondern womöglich besser denn je!

Holen Sie sich das bahnbrechende Album „Wheels Of Fire“ – so wie Sie es noch nie gehört haben! Entdecken
Sie die verschollenen Aufnahmen und die neu zusammengestellten Raritäten-Sammlungen. Erhältlich als
3-LP-„In The Studio Expanded Edition“ mit 26 unveröffentlichten Aufnahmen und als 5-CD-„Super Deluxe
Edition“ mit 37 unveröffentlichten Aufnahmen sowie einem 24-seitigen Hardcover-Buch.
Die „WHEELS OF FIRE 5CD SUPER DELUXE EDITION“ dokumentiert die gesamte Entstehungsgeschichte
und die Fertigstellung von Creams bahnbrechendem dritten Album.
Das Set enthält eine spezielle, neu remastered Stereo-Version des neunten Titels umfassenden Studio-Teils
von „Wheels Of Fire“. Ursprünglich 1968 unter Verwendung von CSG-bearbeiteten Aufnahmen veröffentlicht wurde, diese remastered Version präsentiert, von CSG befreite Version das Album nun phasenkorrigiert und liefert die Aufnahmen mit größerer Detailtreue und einem klaren Klangbild.
Ebenfalls enthalten ist eine neu zusammengestellte Raritäten-Sammlung mit 15 seltenen Aufnahmen, von
denen neun Tracks bisher unveröffentlicht sind. Diese Sammlung umfasst frühe Versionen, alternative
Mixe und Single-Versionen. Zu den Highlights zählen „WHITE ROOM (EARLY VERSION MONO MIX)“,
„DESERTED CITIES OF THE HEART (MONO ROUGH MIX / NO STRINGS)“ und „CROSSROADS
(MONO SINGLE VERSION)“ sowie sieben weitere alternative Stereo- und Mono-Mixe, drei Single Versionen und zwei seltene Live-Aufnahmen.
Abgerundet wird das Set durch ein Hardcover-Buch mit Begleittexten von Jim Faber und Fotos von Cream
aus dieser Zeit. Die fünf CDs befinden sich in einer Gatefold-Hülle und sind zusammen mit dem Buch in
einem stabilen Schuber mit silberner Laminierung untergebracht.
Creams bahnbrechendes drittes Album wird in dieser speziellen 3LP-Erweiterungsausgabe von WHEELS
OF FIRE: IN THE STUDIO dokumentiert.
Das 3LP-Set enthält eine neu remastered Stereoversion des neun Titel umfassenden Studioanteils von
Wheels Of Fire. Ursprünglich 1968 unter Verwendung von CSG-bearbeiteten Aufnahmen veröffentlicht,
präsentiert diese neu remastered, von CSG befreite Version das Album nun phasenkorrigiert und liefert die
Aufnahmen mit größerer Detailtreue und einem klaren Klangbild.
Ebenfalls enthalten ist eine neu remastered Mono-Version des Studioalbums. Diese Mono-Version, die aus
den persönlichen Referenzbändern des verstorbenen Cream-Produzenten Felix Pappalardi stammt, wurde
noch nie zuvor veröffentlicht.
Das Set enthält außerdem eine neu zusammengestellte Raritäten-Sammlung mit 11 seltenen Aufnahmen,
von denen acht bisher unveröffentlicht sind. Dazu gehören frühe Versionen, alternative Mixe und Single-Versionen. Zu den Höhepunkten dieser Sammlung zählen WHITE ROOM (EARLY VERSION MONO MIX)
und DESERTED CITIES OF THE HEART (MONO ROUGH MIX / NO STRINGS) sowie sechs weitere
alternative Stereo- und Mono-Mixe.
Diese Veröffentlichung auf 180 g schwerem schwarzem Vinyl wird in einem Gatefold-Cover mit metallischem
Pantone-Finish präsentiert