Search:the best hits

2x12" Vinyl + full cover artwork

One of the world's most in demand DJs and producers, Noir has been responsible for some of the most poignant - as well as explosive moments in clubland's recent history. Arguably best known for his huge dancefloor bomb 'Around', Noir now drops his debut studio album, a project that has been nearly half a decade in the making.'Around', a sexy, synthesizer-tinted groove featuring vocalist Hayze dominated dancefloors across the world for close to two years, making Noir a household name across clubland. And it's still as popular as ever - the Solomon Vox remix of 'Around' has amassed more than 12 million views on YouTube.

As well as 'Around', Noir includes further club hits 'Around feat. Hayze', 'My Fault feat. HRRSN' and current single 'Black feat. Caitlin', evidencing Noir's desire to work with a variety of vocalists to create something far 7 weightier than simply a collection of club tracks. Noir is about telling stories, boating 12 completely unique productions that chart the artist's evolution over the course of his expansive career. With many of its cuts moving away from the strict four-to-the-floor parameters of house music production, the horizons of Noir stretch way beyond the dancefloor. Taking cues from a range of artists from Depeche Mode to Kraftwerk, and Massive Attack to Timbaland - all of whom have heavily influenced Noir's aesthetic - Noir is an emotionally charged and

utterly engrossing body of work. Says Noir of working on the album: 'The album has been in the making since I started working on 'Around' back in 2010, so for me it's a body of work that spans nearly 5 years, with changes to productions, melodies and moods before I was happy with the final tracks. 'What you hear on the album is the culmination of all the music and influences I grew up and have lived with over the years: it is absolutely my identity and honestly represents my musical passions. Unlike many 'dance' albums that are little more than a collection of thrown-together club tracks, Noir combines tirelessly creative songwriting with multi-faceted production that reveals fresh delights with every listen: a timeless release from a truly singular artist.

Die besten Aufnahmen von Rush in einer Zusammenstellung, die die legendäre Karriere der Band von 1974
bis 1987 beleuchtet. Gepresst auf 180-Gramm-schwarzem Vinyl als 2-LP-Set.

Picture Disc: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren Weg in
die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an ehrlichen
und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard, Mike Fuentes [Schlagzeug, Percussion], Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado [Bass] – bleibt
dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu. Das Album
erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie „The Divine
Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer brandneuen Picture Disc mit
dem Cover-Artwork zurück.
Standard White LP: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren
Weg in die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an
ehrlichen und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes [Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard], Mike Fuentes [Schlagzeug, Percussion], Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado
[Bass] – bleibt dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu.
Das Album erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie
„The Divine Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer Neuauflage der weißen LP zurück.

Picture Disc: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren Weg in
die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an ehrlichen
und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard, Mike Fuentes Schlagzeug, Percussion, Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado [Bass] – bleibt
dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu. Das Album
erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie „The Divine
Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer brandneuen Picture Disc mit
dem Cover-Artwork zurück.
Standard White LP: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren
Weg in die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an
ehrlichen und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes [Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard], Mike Fuentes [Schlagzeug, Percussion], Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado
[Bass] – bleibt dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu.
Das Album erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie
„The Divine Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer Neuauflage der weißen LP zurück.

The Yummy Fur’s first album of new material in over 25 years is seductive and ambiguous; a fast-paced flip through scenes from art, myth, life and fantasy; a witty whole made from glittering scraps. The band’s original incarnation – fronted by singer, songwriter and guitarist John McKeown from 1992 to 1999 – morphed from making quick-hit cartoon-art songs to Eno and Cale-influenced creepers, populated by characters from McKeown’s life in Glasgow and the films, books and poetry that he lived a parallel life through. Everybody Talks About The Weather delights in using every past iteration of the band as potent collage material: a melee of sounds and ideas existing at once, revealing themselves then dipping back into hiding.
Recorded by the original core trio of McKeown, Brian MacDougall (guitar) and Paul Thomson (drums), Everybody Talks About The Weather comes 17 years after the band reformed for sporadic live shows, and seven years after the release of their sorta-greatest hits compilation Piggy Wings (Rock Action). Ten tracks long with nothing to spare, it is as condensed and vital as their best songs, with a new clarity of sound that allows their ambiguities to come into the light.
The album begins with “Cogs”, a taunting inquisition from within. As McKeown stages a fight between his id and ego, the tension heats up between conversational guitar lines and minimalist repetition; threatening sing-song melody and real, palpable menace. The band members are forced in tandem only to break apart, sustaining a genuine sense of just-hidden danger throughout the whole record – except, arguably, “Headphones”, a looser moment which sees McKeown make an existential something out of nothing while waiting for someone in the car (“I should have brought a book.../My ears are bleeding from the compression on your album”)
The songs are riots of reference: “Unity Over Europe” is a slyly complex two act play about the Mitford sisters – Diana, Unity, and Nancy, in a wink to the YF canon – smashing tragic biographical detail together with allusions to Thomas Pynchon and Francis Bacon. Pynchon is also lifted to serve “Blue Sunshine”, a collision of school shooters, serial killers and fictional fuck-ups (“Fast forward to Compton/Fast forward to Pynchon/Fast forward to Columbine'”) whose buzzy guitar lines are taunting and confrontational like a smarmy teenager. The innocuous title of “My Lasagne” belies a song that exists in several time periods at once: a visit to see Guernica, 50 people with their backs to the portrait of Dora Maar; the time that Picasso painted from; the Reina Sofia and the dirty streets of the Malasaña; myth-making musicians and the myths they’re riffing off overlapping and leering at each other.
All this could be laboured in lesser hands, but cultural verbosity is second nature to The Yummy Fur, who transform all this source material into songs that are weird, sexy, funny and absurd. Meaning is not happily understood or flattened. Susan Sontag's essay Against Interpretation accompanied McKeown as he wrote this album, and she’s paraphrased in “Semolina Ballerina”, the album’s justification of artistic ambiguity. Thomson’s motorik beat leads a gathering of back-and-forth instrumental phrases – including a wiry contribution on saxophone – embodying the futility of trying to parse something definitive from repeated action. “Listen to the very first thing that’s in your head,” Sontag-via-McKeown commands directly, then slinks sideways: “Interpretation is a conversation in an unmade bed”
The album features two more focused portraits, or at least The Yummy Fur’s version of such a thing. “Wanda” merges the life of filmmaker Barbara Loden and the title character of her semi-autobiographical 1970 feature film, with Loden’s then-husband Elia Kazan joining the fray of no-good men in her film. It’s a mix of adaptation and avant-criticism, with McKeown’s wordplay and mannered pronunciation mirroring the way that non-fiction and fiction twist around each other in the song. The title track is a series of vignettes and impressions from the lives of the band’s ‘90s inner circle, positing painter Mac McNaughton as a kind of Falstaffian ringleader. As with Piggy Wings and the recent single “New T-Shirt”, McNaughton painted the cover of Everybody Talks About The Weather – like the album’s music, the image of a coy girl in a white dress is an uncanny amalgamation of styles, suggestions and references just out of reach, as though seen in an art museum in a dream.
The album ends with two reads of the same frustration. “King of Nothing” is the closest The Yummy Fur will ever get to sludge-rock: the band melts together into a dusty, dreary haze as McKeown drowns in a drudgery of personal struggle (“Two jumpers on in Babylon/And only cats to talk to”) and the rhythmic toppling of heroes (Rowlands, Duvall, Munro). The majority of visible dirt is cleaned off for “Say Hello”, an uncharacteristic depiction of throwing the windows open after a dark night of the soul. Here, the situation is still cold and hard (“When the sun burns gold, but the heat never reaches your fingertips”) but it feels surmountable. Everybody Talks About The Weather is an unpredictable album from an unpredictable group, but ending on a moment of almost uncomplicated light is maybe its biggest surprise. - Claire Biddles (2026)

The Yummy Fur’s first album of new material in over 25 years is seductive and ambiguous; a fast-paced flip through scenes from art, myth, life and fantasy; a witty whole made from glittering scraps. The band’s original incarnation – fronted by singer, songwriter and guitarist John McKeown from 1992 to 1999 – morphed from making quick-hit cartoon-art songs to Eno and Cale-influenced creepers, populated by characters from McKeown’s life in Glasgow and the films, books and poetry that he lived a parallel life through. Everybody Talks About The Weather delights in using every past iteration of the band as potent collage material: a melee of sounds and ideas existing at once, revealing themselves then dipping back into hiding.
Recorded by the original core trio of McKeown, Brian MacDougall (guitar) and Paul Thomson (drums), Everybody Talks About The Weather comes 17 years after the band reformed for sporadic live shows, and seven years after the release of their sorta-greatest hits compilation Piggy Wings (Rock Action). Ten tracks long with nothing to spare, it is as condensed and vital as their best songs, with a new clarity of sound that allows their ambiguities to come into the light.
The album begins with “Cogs”, a taunting inquisition from within. As McKeown stages a fight between his id and ego, the tension heats up between conversational guitar lines and minimalist repetition; threatening sing-song melody and real, palpable menace. The band members are forced in tandem only to break apart, sustaining a genuine sense of just-hidden danger throughout the whole record – except, arguably, “Headphones”, a looser moment which sees McKeown make an existential something out of nothing while waiting for someone in the car (“I should have brought a book.../My ears are bleeding from the compression on your album”)
The songs are riots of reference: “Unity Over Europe” is a slyly complex two act play about the Mitford sisters – Diana, Unity, and Nancy, in a wink to the YF canon – smashing tragic biographical detail together with allusions to Thomas Pynchon and Francis Bacon. Pynchon is also lifted to serve “Blue Sunshine”, a collision of school shooters, serial killers and fictional fuck-ups (“Fast forward to Compton/Fast forward to Pynchon/Fast forward to Columbine'”) whose buzzy guitar lines are taunting and confrontational like a smarmy teenager. The innocuous title of “My Lasagne” belies a song that exists in several time periods at once: a visit to see Guernica, 50 people with their backs to the portrait of Dora Maar; the time that Picasso painted from; the Reina Sofia and the dirty streets of the Malasaña; myth-making musicians and the myths they’re riffing off overlapping and leering at each other.
All this could be laboured in lesser hands, but cultural verbosity is second nature to The Yummy Fur, who transform all this source material into songs that are weird, sexy, funny and absurd. Meaning is not happily understood or flattened. Susan Sontag's essay Against Interpretation accompanied McKeown as he wrote this album, and she’s paraphrased in “Semolina Ballerina”, the album’s justification of artistic ambiguity. Thomson’s motorik beat leads a gathering of back-and-forth instrumental phrases – including a wiry contribution on saxophone – embodying the futility of trying to parse something definitive from repeated action. “Listen to the very first thing that’s in your head,” Sontag-via-McKeown commands directly, then slinks sideways: “Interpretation is a conversation in an unmade bed”
The album features two more focused portraits, or at least The Yummy Fur’s version of such a thing. “Wanda” merges the life of filmmaker Barbara Loden and the title character of her semi-autobiographical 1970 feature film, with Loden’s then-husband Elia Kazan joining the fray of no-good men in her film. It’s a mix of adaptation and avant-criticism, with McKeown’s wordplay and mannered pronunciation mirroring the way that non-fiction and fiction twist around each other in the song. The title track is a series of vignettes and impressions from the lives of the band’s ‘90s inner circle, positing painter Mac McNaughton as a kind of Falstaffian ringleader. As with Piggy Wings and the recent single “New T-Shirt”, McNaughton painted the cover of Everybody Talks About The Weather – like the album’s music, the image of a coy girl in a white dress is an uncanny amalgamation of styles, suggestions and references just out of reach, as though seen in an art museum in a dream.
The album ends with two reads of the same frustration. “King of Nothing” is the closest The Yummy Fur will ever get to sludge-rock: the band melts together into a dusty, dreary haze as McKeown drowns in a drudgery of personal struggle (“Two jumpers on in Babylon/And only cats to talk to”) and the rhythmic toppling of heroes (Rowlands, Duvall, Munro). The majority of visible dirt is cleaned off for “Say Hello”, an uncharacteristic depiction of throwing the windows open after a dark night of the soul. Here, the situation is still cold and hard (“When the sun burns gold, but the heat never reaches your fingertips”) but it feels surmountable. Everybody Talks About The Weather is an unpredictable album from an unpredictable group, but ending on a moment of almost uncomplicated light is maybe its biggest surprise. - Claire Biddles (2026)

12” comes with a hand-signed insert by PARAMIDA & a download card with high-quality digital files!

Boiler Roomification. Proteinmaxxing. Sonic branding. Vibe curation. Digital minimalism.Dopamine detox. Cortisol management. Engagement farming. Main character energy. Manifestation journaling. Growth hacking. Vertical integration. Thought partnership.
Instagram Live. BPM creep. Synergy. People, it’s time to chill out. Life is short and we want to dance. Presenting: BEST OF RELAX VOL. 1 (CLUB HITS): A collective chillpill, the antidote awaits on this new Love On The Rocks Sampler, selected for your pleasure by label boss PARAMIDA and accomplice Simone de Kunovich. They’re joined by Luuk van Dijk and Giammarco Orsini for four tech, deep & garage house workouts, club-ready, dripping with swagger, turned up to eleven and firing on all cylinders. It’s Love On The Rocks on cruise control, chewing up and spitting out references from hiphouse to Balearic with all the boisterous, unpredictable energy you expect. Remember when dance music used to be fun? We’re back baby.

Kareen Lomax macht Musik für alle, die sich auf dem Weg zur Selbstliebe befinden, ohne ein Ruder, mit dem sie die Richtung bestimmen können. Ihre unverkennbare Stimme war bereits auf Blockbuster-Hits von Diplo und Rudimental zu hören. Auf ihrem Debütalbum „NAJI“, das Anklänge von Neo-Soul, Alternative R&B und Indie enthält, richtet sie das Rampenlicht auf sich selbst. Produziert von Daoud (Kehlani, J. Cole, Lizzo), ist „NAJI“ ein Zeugnis von Lomax’ Trauer und davon, wie diese sie dazu zwang, sich ihrer Vergangenheit und Gegenwart zu stellen.

„Ein bisschen Frieden“, „Flieg nicht so hoch, mein kleiner Freund“, „Papillon“, „Ein leises Lied“, „Mit dir vielleicht“, „Allein in Griechenland“ oder „Ich bin zurück“. Diese Hits von Nicole kennt wohl jeder und kann jeder mitsingen.

Nicole ist die die Grande Dame der deutschen Popschlagerszene, seit vielen Jahren auf den größten, schillerndsten Bühnen unterwegs. Aber sie liebt auch die Zurückgezogenheit, um als klassische Singer-Songwriterin an ihrer Musik zu arbeiten. Sie schafft es ehrliche Einsichten und pures Gefühl, in bewegende Songs zu übersetzen, die gerade durch diesen Tiefgang so faszinierend und zeitlos sind.

Vor allem bleibt sie sich treu und weiß ihren unverkennbaren Sound immer wieder ganz behutsam neu und weiter zu denken: Unaufgeregt und immer absolut nah am eigenen Leben, gewährt sie Einblicke in ihr Leben und ihre Weltsicht - passend zu Ihrem schweren Kampf gegen die Krankheit. Sie möchte Mut machen und zeigen, dass es sich lohnt zu kämpfen, auch gegen eine scheinbar nicht zu besiegende Krankheit.

„Ein bisschen Frieden“ bescherte Nicole Millionenverkäufe und Top-Platzierungen in ganz Europa. In den vier Jahrzehnten, die seit diesen ersten Sensationserfolgen der Euro-Gold-Single vergangen sind, folgten zwei Dutzend weitere Longplayer, für die sie gleich 11 Goldene Stimmgabeln sowie 17-mal den ersten Platz bei der ZDF-Hitparade gewann. Auf die Zweitplatzierung beim World Popular Song Festival in Tokio (1983) folgten zudem ein ECHO-Pop in den Neunzigern, mehrfach die Goldene Europa und 2017 der smago! Award.


2024 feierte Nicole Ihren 60. Geburtstag und setzte diesen Trend fort. Das Album „Carpe Diem“ gilt als eines ihrer Besten und wurde mit einem Chart-Eintritt gekürt.

Stillstand hat es für Nicole nie gegeben – auch 2026, nach 45 Jahren auf der Bühne, nicht. Bereits die erste Single „Ich will mehr“ machte deutlich, wohin die Reise geht: nach vorne. Mit ihrem neuen Album „Meine Schätze“ blickt Nicole auf ihre außergewöhnliche Karriere zurück und setzt gleichzeitig ein kraftvolles Zeichen für Aufbruch, neue Wege und echte Lebensfreude.

„Meine Schätze“ produziert von ihrem kongenialen Produzententeam – Achim Meier, Zoran Grujovski und Jens Carstens, ist dabei kein klassisches Best-of-Album. Stattdessen hat Nicole ganz persönliche Songperlen aus 45 Jahren ausgewählt – Lieder, die sie geprägt, begleitet und inspiriert haben. Dazu gehört auch ihre gefühlvolle Interpretation des Don-McLean-Klassikers „And I Love You So“.
Teilweise neu arrangierte Akustikversionen verleihen den Songs eine besondere Intensität und zeigen ihre emotionale Tiefe ebenso wie ihre zeitlose Kraft. Gemeinsam mit musikalischen Weggefährten und Freunden wie Heinz Rudolf Kunze, John Kelly, Johnny Logan, Nino de Angelo und Mickie Krause entstand ein Album, das Mut macht, nach vorne zu blicken und das Leben bewusst zu genießen. Diese positive Energie trägt Nicole mit ihrer unverwechselbaren Stimme – kraftvoll, klar und berührend wie selten zuvor. Eine Nicole, die viele überraschen wird.

Die Botschaften der Songs haben auch nach 45 Jahren nichts von ihrer Aktualität verloren. Sie stehen für Hoffnung, Zuversicht und die Überzeugung, dass gute Musik Generationen verbindet.

Musikalisch präsentiert sich „Meine Schätze“ in einem modernen, frischen Soundgewand. Gefühlvolle Streicher des F.A.M.E.'S. Skopje Studio Orchestra treffen auf einen atmosphärischen Mix aus Folk, Pop und Schlager – eingängig, emotional und voller Tiefe. Ein Klangbild, das bewegt und lange nachhallt.
Besonders bemerkenswert: Die Produktion setzt bewusst auf echte, handgemachte Musik. Statt künstlicher Intelligenz stehen hier authentische Musikerinnen und Musiker, echte Instrumente und ehrliches musikalisches Handwerk im Mittelpunkt – ein klares Bekenntnis zu Qualität, Leidenschaft und echter Emotion.

Social Distortion's third eponymous album from 1990 turned out to be their best-known work and would come to spawn the most hits, with singles 'Ball And Chain', 'Story Of My Life' and the Johnny Cash cover 'Ring Of Fire'. It mixed Punk with Rockabilly, Blues & Country, and split the difference between Rockabilly and Ramones-style Punk. It is albums like this that prove why Social Distortion was able to survive the demise of the LA Hardcore scene with flair and come out on top!

Few bands have defined the sound of American melodic rock quite like Night Ranger. From the thunderous riffs of “Don’t Tell Me You Love Me” to the soaring anthem of “Sister Christian,” this new Best Of collection captures the very essence of their decades-long career — now reimagined for 2026. Featuring the classic hits alongside fan favorites and standout tracks from their most recent albums, this compilation spans the full spectrum of Night Ranger’s signature sound: anthemic choruses, blazing guitar solos, and unforgettable melodies. Highlights include the power-pop perfection of “(You Can Still) Rock in America,” the heartfelt balladry of “When You Close Your Eyes,” and the cinematic sweep of “Four in the Morning.” But “Best of the last 20 years… and Some Hits” is not just a look back. It also celebrates the band’s creative output over the last 20 years, spotlighting tracks like “Time of Our Lives,” “High Road,” “No Time to Lose,” “Somehow Someway,” and “Truth,” proving that Night Ranger’s energy, songwriting, and musicianship have only grown stronger with time. These songs show that the band continues to innovate while staying true to the melodic rock roots that made them legendary.

The current lineup — Jack Blades (bass and vocals), Kelly Keagy (drums and vocals), Brad Gillis (guitars), Eric Levy (keyboards), and Keri Kelli (guitars) — delivers every track with the energy and precision that have kept Night Ranger at the forefront of rock for more than four decades. This edition also features two bonus tracks that make this compilation truly special: a fresh studio take on “Wasted Time” recorded at Sweetwater Studios, accompanied by an exclusive music video, and a festive live performance of “Feliz Navidad” that showcases the band’s playful side. Perfectly timed ahead of their summer 2026 tour, this Best Of serves as both a definitive introduction for new fans and a must-have collection for longtime followers. Whether revisiting the classics or discovering the new 2026 renditions and recent masterpieces, Night Ranger – Best of the last 20 years… and Some Hits is a celebration of enduring melodies, electrifying performances, and the unforgettable spirit of one of rock’s most iconic bands.

2026 Repress

MUCH LOVED LOW ALBUM BACK IN PRINT ON VINYL…NB NEW PRICE.NON -RETURNABLE.

The second Albini recorded and engineered Low album, Things We Lost in the Fire features such hits as Sunflower and Laser Beam.

#14 on Pitchfork 30 Best Dream Pop Albums.

#117 Pitchfork Top 200 Albums of the 2000s.

#93 The Guardian 100 Best Albums of the 21st Century list.

#36 NME Top 50 Darkest Ever Albums.

“Measuring out grief and resilience with a steady hand, these are the best songs of Low's quiet career.” Mojo 9/10

“Low's original stark minimalism has gradually given way to a broader sonic range, without sacrificing their strangely accessible otherness.” Wire

“Low have always sought to make music that can both swell the heart like a gospel tune and capture the amplified absence of a funeral parlour. It's difficult to imagine a more perfect expression of their vision than this.” NME

Die acht Jahre, die I've Missed You All These Years geprägt haben, waren von tiefgreifenden Veränderungen geprägt: Sera Cahoone verlor innerhalb kurzer Zeit ihre beste Freundin, ihren Vater und ihren Hund. Aber bei diesem Album geht es ganz und gar nicht um die Dunkelheit; es geht darum, was passiert, wenn der Sturm vorbei ist, um den Moment, in dem du nach einem dunklen Winter wieder in deinen Körper zurückfindest. Dieses Gefühl der Leichtigkeit kommt deutlich zum Ausdruck in dem Klavier und der E-Gitarre, die in ,Say Something" zum Leben erwachen, sowie in dem komplexen Porträt von ,Hits Right". I've Missed You All These Years fängt den Klang einer ekstatischen Zusammenarbeit zwischen außergewöhnlich talentierten Freunden ein. Man hört es im Barroom-Swing von ,Pulling Up Roots", im Seufzer einer Pedal Steel in ,Not How I Had Hoped", im luftigen Falsett von ,Say Something". Es ist ein Album darüber, Trost in der Gemeinschaft zu finden; darüber, sich selbst wiederzuentdecken, indem man sich mit den Menschen verbindet, die man liebt. Auf ihrem sechsten Album hat Cahoone ihre Kräfte voll im Griff. In seiner Fähigkeit, Verlust und Verbundenheit in einer Hand zu halten, ist I've Missed You All These Years triumphierend, eine Feier des Lebens, die in dem Wissen um dessen Vergänglichkeit verwurzelt ist. Als Ergebnis eines Lebens, das sie mit dem Aufführen und Produzieren von Musik verbracht hat, durchquert das Album Blues, Folk, Pop und Country und erinnert in einem Song an Loretta Lynn und im nächsten an Lucinda Williams. Es ist ein Zeugnis der Kraft, die Kreativität und Gemeinschaft mit sich bringen, ein Porträt einer Künstlerin, die sich selbst vollkommen kennt.

Der finnische Sänger Bobby Oroza veröffentlicht sein Debütalbum This Love bei Big Crown Records. Das Label aus New York City ist bereits Heimat von Bands wie Lee Fields & The Expressions, The Shacks und El Michels Affair. Bobby ist in Helsinki geboren und in einer Musiker- und Künstlerfamilie aufgewachsen. Zu Bobbys Glück hatten seine Eltern eine große Plattensammlung mit frühem Jazz, Blues, Motown-Hits, Gospelchören und Doo-Wop-Gruppen wie The Drifters und The Clovers, aber auch Alben aus Brasilien und Afrika, Folksongs aus Nord- und Südamerika von Bobbys Mutter und Salsa-Musik aus New York. All diese Einflüsse sind heute in Bobbys Musik hör- und spürbar. Auf Kuba studierte er monatelang intensiv Schlagzeug und Gesang. Mit Cold Diamond & Mink, der Hausband von Timmion Records, bestehend aus Bandleader Jukka Sarapää, Sami Kantelinen und Gitarrist/Komponist Seppo Salmi, bildet er ein brillantes Quartett, mit dem er seine Vision in Musik umsetzt. CD&M liefern mit ihren LoFi-Instrumentals die perfekte Untermalung für Bobbys verrauchte Tenorstimme, die Herzen brechen und schmelzen lässt. Der bereits 2016 als 7" Single veröffentlichte Titelsong "This Love" ist längst zum Hit in Lowrider-Kreisen geworden und wurde auf "Hat Trick" von Odd Future Rapper Earl Sweatshirt gesamplet. Der Song ist mit seinen harten Drums, den wilden Riffs, dem vergrabenen Bass und Bobbys verhaltenem, aber intensivem Gesang ein Muss für Soul-Sammler und hat sich als 7? mehr als 3.000 Mal verkauft. Der Song "Your Love Is Too Cold" ist ein Stomper, der Soul-Grooves früher Motown-Stücke mit Gitarrenriffs aus einem Funk-Soundtrack von James Brown mischt und schon jetzt weltweit auf allen Soul-Partys schwer angesagt ist. Bobby hat einiges für die Tänzer im Publikum in petto: Stücke wie "Lonely Girl" und "Falling in Love" sind Verneigungen vor dem Northern Soul, "Keep On Believing" liefert Jazz-Funk wie aus den Siebzigern. Aber "This Love" wendet sich vor allem an die Balladenliebhaber, die voller Sehnsucht in die Nacht schauen. Mit Songs wie "Alone Again", "Down On My Knees" und "Deja Vu" beschwört er eine intensive, leicht abgründige Sinnlichkeit. Eine einzigartige Spielart von Soul, made in Finland.

Der Breakthrough-Artist sombr hat sein Debütalbum "I Barely Know Her" veröffentlicht. Das 10-Track-Album ist jetzt über Warner Records erhältlich und enthält die Hits „back to friends”, „undressed” und „12 to 12” (inklusive Musikvideo mit Addison Rae), die weiterhin international die Charts stürmen – darunter die globalen Spotify-Charts, die UK Official Singles Charts sowie die US-amerikanischen „Top 40 Radio“ und „Alternative Radio“-Charts. In diesen erreichte sombr schneller als jeder andere neue Künstler der letzten zehn Jahre Platz 1. Auch in den Billboard Hot Rock Songs setzte er ein Ausrufezeichen und verdrängte Hozier nach einem Jahr von der Spitze. In Deutschland befinden sich mit „back to friends”, "12 to 12" und „undressed” mittlerweile 3 Singles in den Top 30 der deutschen Single-Charts und das Debutalbum schoss auf Platz #16 der offiziellen deutschen Albumcharts!
"I Barely Know Her" wurde komplett von sombr geschrieben und vom 20-jährigen Künstler zusammen mit dem renommierten Produzenten Tony Berg (Phoebe Bridgers, The Replacements) co-produziert. Gegenüber i-D gibt er zu Protokoll, die Songs seien inspiriert von „young romance, dimly lit rooms, late nights, and love, loss, and life.” Die Veröffentlichung folgt auf die Nachricht, dass sombr sein Debüt bei den MTV Video Music Awards geben wird – live aus New York am 7. September –, wo er als Best New Artist und Best Alternative Artist nominiert ist.

sombr (bürgerlich Shane Boose) wuchs im New Yorker Stadtteil Lower East Side auf und entdeckte seine Liebe zur Musik als Teenager im eigenen Schlafzimmer. Parallel dazu studierte er klassische Musik an der renommierten LaGuardia High School. Mit dem viralen Hit „Caroline“ (2022) wurde er über Nacht zum Internetphänomen. Seitdem hat er mehrere EPs und Singles veröffentlicht und bringt es inzwischen auf über 400 Millionen monatliche Streams über alle Plattformen hinweg. Heute lebt sombr in Los Angeles und verarbeitet in seinen Songs die Höhen und Tiefen junger Liebe – alles selbst geschrieben, co-produziert und veröffentlicht über Warner Records.

Having recorded with UFO, Babe Ruth, Cozy Powell's Hammer, Paice Ashton Lord and on countless chart hits for RAK Records as Mickey Most's studio session guitarist, Bernie was a founding member of Whitesnake. in just four years, Whitesnake became firmly established as one of the very biggest British rock bands, racking up multiple chart singles and albums.After leaving Whitesnake in 1982, Bernie Marsden was almost constantly writing, recording or touring. Although a revered guitarist of exquisite touch, which mercifully is preserved for us to enjoy on hundreds of studio recordings, it was on stage where his charisma and wit was best enjoyed.

Rising from Belmont University dorm rooms to #1 Alternative hits and arena stages, the band continues to push their genre-blurring ethos forward--this time with a bold, kaleidoscopic sound that spans 80s- inflected rock ("Miracle," "Win or Go Home"), arena-ready alt-pop ("Maybe the Best Is Now"), soulful introspection ("As The Crow"), and even a tongue-in-cheek pop-country turn ("Gravel Roads").

„ZAPPAtite – Frank Zappas schmackhafteste Stücke“ versammelt eine reichhaltige Auswahl von Zappas
bekanntesten Kompositionen, von seinen Anfängen im Psychedelic Rock über seine avantgardistischen Experimente und Jazz-Rock-Erkundungen bis hin zu symphonischen Suiten und satirischen Parodien. Das
Album fasst diese Werke zu einer leicht zugänglichen Sammlung zusammen und bietet wichtige Einblicke
in seine vielfältigen musikalischen Welten.
Es ist in vier Gänge unterteilt – Vorspeisen, Hauptgerichte, Zweiter Gang und Desserts – und das kulinarische Thema zieht sich durch das Albumcover, auf dem Zappa in einem Diner zu sehen ist, sowie durch die
Trackliste, die einem Speiseplan ähnelt. „Dies ist kein Greatest-Hits-Album, da Frank streng genommen
keine ‚Hits‘ hatte, und es ist auch kein ‚Best of‘, da es unmöglich wäre, so viel Großartiges auf eine einzige
CD zu packen“, sagt Ahmet Zappa. „Es ist ein wahres Smorgasbord an Musikalität für Neugierige und
ein Buffet mit Favoriten für die Fans. ZAPPAtite versammelt einen Querschnitt meiner Lieblingssongs, die
mein Vater komponiert hat. Ich hoffe, ihr habt Appetit, denn dieses Festmahl für eure Ohren rockt!“

One of the finest singing brother duos of all time, The Everly Brothers ' close harmonies became one of the most identifiable sounds of the early rock & roll era of the late 1950s and early 1960s. Presented here are the very best of The Everly Brothers' pop charting-singles from the peak of their career. "There have been some wonderful harmony pairings in popular music: John Lennon and Paul McCartney, Michael Stipe and Mike Mills, Marvin Gaye and Tammy Terrell, everyone will pick their own; but there is something very special about family and especially sibling harmony. A modern group like The Proclaimers took their inspiration directly from the Everleys, who borrowed something in turn from The Louvin Brothers and other acts of the time. The voices were not just in tune but shared a very particular timbre. The brothers fell out in time, as brothers do, but when they sang - and there's no need to list the songs; they're stitched into the history of rock'n'roll - they didn't sound like two men, but like one." - Brian Morton "Phil and Don were the most beautiful sounding duo I ever heard. Both voices pristine and soulful." - Paul Simon

Invada Records präsentiert ,Stranger Things 5 - Original Score from the Netflix Series" mit Musik der zweimal für den Grammyr nominierten und mit dem Emmyr ausgezeichneten Komponisten Kyle Dixon und Michael Stein. ,Stranger Things 5" erscheint in zwei Teilen, die den Original-Soundtrack zur 5. Staffel sowie die Originalmusik aus dem Finale enthalten. Band Zwei umfasst 48 Titel, gepresst als 2LP auf ,Metallic Silver"-Vinyl. Musik ist seit der ersten Staffel ein fester Bestandteil der Serie, in der sie einen perfekt passenden Vintage- und unheimlichen Ton angab. In jeder Staffel hat sich die Musik von Dixon und Stein mit der Serie weiterentwickelt und spiegelt eine tiefe Verbindung zum Leben der Charaktere und den immer intensiveren Handlungssträngen wider. In den Annalen von Film und Fernsehen schaffen es bestimmte musikalische Themen, über das bewegte Bild hinauszuwachsen; unvergessliche Soundtracks besitzen die unheimliche Fähigkeit, eine Epoche, eine ganze Ästhetik zusammenzufassen. Die produktiven texanischen Musiker Kyle Dixon & Michael Stein sind verantwortlich für ein Werk, das gleichbedeutend ist mit der fiktiven Stadt Hawkins, Indiana - der übernatürlichen Kleinstadt im Zentrum des Netflix-Hits ,Stranger Things". Doch während die Kleinstadt im Laufe der Erfolgsserie zum unwahrscheinlichen Schauplatz einer übernatürlichen Schlacht wird, haben sich auch die Klangwelten von Dixon und Stein im Gleichschritt erweitert. Mittlerweile komponieren Stein und Dixon Musik für Spielfilme, Dokumentarserien und groß angelegte Installationen und spielen in der Band S U R V I V E. In der Tradition von Vorgängern wie John Carpenter und Zeitgenossen wie Oneohtrix Point Never nutzen Kyle Dixon & Michael Stein ihre lebenslange Leidenschaft für Synthesizer und elektronische Musik als Vehikel für überlebensgroße Visionen.

Invada Records präsentiert ,Stranger Things 5 - Original Score from the Netflix Series" mit Musik der zweimal für den Grammyr nominierten und mit dem Emmyr ausgezeichneten Komponisten Kyle Dixon und Michael Stein. ,Stranger Things 5" erscheint in zwei Teilen, die den Original-Soundtrack zur 5. Staffel sowie die Originalmusik aus dem Finale enthalten. Band Eins umfasst 47 Titel, gepresst als 2LP auf ,Metallic Bronze"-Vinyl. Musik ist seit der ersten Staffel ein fester Bestandteil der Serie, in der sie einen perfekt passenden Vintage- und unheimlichen Ton angab. In jeder Staffel hat sich die Musik von Dixon und Stein mit der Serie weiterentwickelt und spiegelt eine tiefe Verbindung zum Leben der Charaktere und den immer intensiveren Handlungssträngen wider. In den Annalen von Film und Fernsehen schaffen es bestimmte musikalische Themen, über das bewegte Bild hinauszuwachsen; unvergessliche Soundtracks besitzen die unheimliche Fähigkeit, eine Epoche, eine ganze Ästhetik zusammenzufassen. Die produktiven texanischen Musiker Kyle Dixon & Michael Stein sind verantwortlich für ein Werk, das gleichbedeutend ist mit der fiktiven Stadt Hawkins, Indiana - der übernatürlichen Kleinstadt im Zentrum des Netflix-Hits ,Stranger Things". Doch während die Kleinstadt im Laufe der Erfolgsserie zum unwahrscheinlichen Schauplatz einer übernatürlichen Schlacht wird, haben sich auch die Klangwelten von Dixon und Stein im Gleichschritt erweitert. Mittlerweile komponieren Stein und Dixon Musik für Spielfilme, Dokumentarserien und groß angelegte Installationen und spielen in der Band S U R V I V E. In der Tradition von Vorgängern wie John Carpenter und Zeitgenossen wie Oneohtrix Point Never nutzen Kyle Dixon & Michael Stein ihre lebenslange Leidenschaft für Synthesizer und elektronische Musik als Vehikel für überlebensgroße Visionen.

* 180 gram audiophile vinyl
* Gatefold sleeve
* High quality PVC Protective Sleeve
* 4 page booklet with liner notes and photos
* Selection of easy listening songs, includes "Ticket To Ride", "Rainy Days and Mondays", "Please Mr. Postman", "Yesterday Once More" and solo songs by Karen's "Still Crazy After All These Years" and Richard's "Karen's Theme"
* Limited first pressing of 3.000 individually numbered copies on white vinyl

The Collected album by the Carpenters brings a beautiful collection from the immense popular soft-pop duo. From their humble beginnings in the late '60s until today, siblings Karen and Richard Carpenter are one of the most successful duos in musical history. With Karen's absolutely perfect vocal delivery and Richard's creative arrangements, they are unstoppable.

This 2LP set inside a gatefold sleeve brings together their hits, album tracks and more. It delivers the best selection of easy listening songs in a nutshell. Glorious pop nuggets by the Carpenters will melt the heart and uplift the soul, including "Close to You", "Ticket to Ride", "We've Only Just Begun", "Superstar", "Rainy Days And Mondays", "Bless the Beasts And the Children", "Hurting Each Other" and many more.

An Easter egg is the track "Karen's Theme" by Richard Carpenter, who dedicated this song to Karen after her tragical death in 1983.

Producing a distinctively soft musical style, they became one of the best-selling music artists of all time. During their 14-year career, the Carpenters recorded 11 albums, 31 singles, five television specials, and a short-lived television series.

The Carpenters had three No. 1 singles and five No. 2 singles on the Billboard Hot 100 and fifteen No. 1 hits on the Adult Contemporary chart. In addition, they had twelve top 10 singles. To date, the Carpenters' album and single sales total more than 100 million units.

Robert Palmer's career has spanned over 25 years and encompassed any number of musical styles from jazz, r&b, reggae, pop, funk to the harder dance sounds heard on Some Like It Hot' as a member of the Power Station. Palmer's career commenced in the 60s and throughout the years received a number of awards, including a Grammy Award for Best Male Rock Vocal Performance (for Addicted To Love') and a MTV Video Music Award.

The Collected double vinyl album from Robert Palmer is a selected overview of his music, some lesser known tracks are alternated with hits like Every Kinda People', Johnny And Mary', Pride', Addicted To Love' and many more. His collaboration with musicians from different backgrounds were successful leading up to recording (the Bob Dylan written) I'll Be Your Baby Tonight' with English reggae band UB40. This single became a worldwide hit, reaching the top 10 in Holland and United Kingdom, as well as achieving solid chart positions in the USA, Germany and France.

Sadly the musical genius and true superstar Robert Palmer passed away, succumbing to a heart attack in 2003, only 54 years old.

Ikadub have been shaping their sound for a decade, oscillating between digital pulse and analog sounds. Character and rhythm that the duo offers to several singers according to style and mood, for a discography rich in beautiful encounters.

Tell The Truth is an example, if not the best, of a collaboration that rings true, hits hard and sounds killer! Prince Jamo delivers impeccable vocals to lyrics that resonate as current events prove him right, served by a riddim that makes you nod your head from the first bars. I want to say BIM!

Seit etwas mehr als einem Jahrzehnt hat sich EXEK ganz leise zu einer der faszinierendsten Bands der Welt entwickelt, die sich von Album zu Album verändert und weiterentwickelt und sich nach und nach geöffnet hat, ohne jemals diese seltsame, unergründliche und insgesamt essentielle Eigenschaft zu verlieren, die sie so großartig gemacht hat - so EXEK-mäßig. Nun bringt die Post-Punk-Band aus Melbourne - Sänger und Chefarchitekt Albert Wolski, Gitarrist Jai Morris-Smith, Schlagzeuger Chris Stephenson, Synthesizer-Spezialist Andrew Brocchi, Trompeterin und Sängerin Valya YL Hooi und Bassist Ben Hepworth - ihr siebtes Album und erstes für DFA raus: ,Prove The Mountains Move". Es ist, wie Wolski sagt, ,ein bisschen epischer" als alles, was er bisher aufgenommen hat, ein üppiges und unverhohlen melodisches Set surrealistischer Popmusik, das sich in Widersprüchen suhlt. ,Dieses Album ist in seiner Machart experimentell", sagt Wolski, ,aber es klingt nicht unbedingt experimentell." Dafür gibt es einen guten Grund. Die Arbeit begann an einem kalten Nachmittag im Juni 2023, als Wolski und Stephenson sich in den Pelican Refill Studios in Melbourne trafen, um die Drums aufzunehmen - das erste, was sie immer machen. Danach ging Wolski alleine nach Hause und fing an, die aufgenommenen Beats und Breaks durchzugehen, wobei er sich von den Drum-Sounds zu Melodien und Basslines leiten ließ, Loops und Layers erstellte und so die Grundlage für ,Prove The Mountains Move" schuf. ,Ich fühle mich wohl dabei, alleine wie ein verrückter Wissenschaftler herumzutüfteln", sagt er. ,Ich habe es auch genossen, ohne klare Absicht auf Aufnahme zu drücken. Meistens führte mich das in eine interessante Richtung, die mein Bewusstsein wahrscheinlich nicht gesucht hätte." Und doch gelangte Wolski irgendwie zu seinem direktesten Werk seit Beginn des Projekts, neu inspiriert von der Klarheit und Prägnanz des Mainstream-Pop, der starken und unbestreitbaren Anziehungskraft einer einfachen Gesangsmelodie. Nachdem die berühmt-berüchtigten strengen COVID-Lockdowns in Melbourne beendet waren, wollte er einfach draußen bleiben. ,Die Arbeit an neuer Musik trat gegenüber dem Feiern mit Freunden in den Hintergrund", sagt er. ,Und diese Partys waren voller großer Hits als Soundtrack - Sachen, die ich selbst nicht wirklich hörte, Sachen, denen ich seit meiner Jugend nicht mehr begegnet war. Aber in den frühen Morgenstunden des Sonntags klingt ,Alive" von Pearl Jam, als würde man mit Gott sprechen. Genauso wie ,All I Wanna Do" von Sheryl Crow und ,Feel" von Robbie Williams. Krautrock und Dub waren immer noch in meiner DNA, aber die Musik, die ich zu machen begann, war vielleicht etwas unbeschwerter und vielleicht auch etwas emotionaler." Das heißt nicht, dass man hier Spuren von Eddie Vedder in Wolskis Gesang erwarten sollte, aber die Einsätze fühlen sich auf ihre eigene Weise ähnlich an - so klingt es, wenn EXEK wirklich alles geben. Nimm zum Beispiel die schwebenden Synthesizer des Openers ,Sidestepping" oder die gewaltigen Gitarren von ,Arriverderci Back Pain", die pyrotechnischen Klavierklänge von ,Don't Answer (When They Call)" oder die Bowie-artige Melancholie von ,You Have Been Blessed". Die Arrangements wirken offener, der Sound fokussierter. Es fällt nicht schwer, Wolski zu glauben, wenn er sagt, dass er viel Zeit damit verbracht hat, seine Mixe von ,Prove The Mountains Move" mit einigen der wichtigsten Alben, die je aufgenommen wurden, darunter ,Abbey Road", zu vergleichen. Aber alles ist relativ. Und textlich bleibt Wolski weiterhin verschlüsselt. ,Jeder Song ist eine Vignette in einem abstrakten Milieu, sei es ein experimentelles Chiropraktik-Geschäft am Flughafen oder spärlich bekleidete Kreaturen aus Staub in einem Food Court. Egal wie verrückt das auch sein mag, es gibt Themen und Motive auf dem gesamten Album, sowohl textlich als auch musikalisch, die sich in verschiedenen Songs widerspiegeln und aufeinander Bezug nehmen." Diese Dissonanz zwischen direkt und indirekt, glatt und strukturiert, schattig und glühend, verrückt und ausdruckslos ist die treibende Kraft im Herzen dieser Songs, seiner bisher besten.

Mr Bongo are thrilled to have one of the leading lights in contemporary soul joining the label. Melbourne-based vocalist, musician, and songwriter Ella Thompson is an artist whose name is being championed by some of the best in the business. She’s been building a reputation as one to watch, with two standout releases on Hopestreet Recordings, Domino EP in 2023 and Ripple On The Wing LP in 2024, alongside a heavy touring schedule and a stacked list of support slots and collaborations.

For this new 7” single, Ella collaborates with a selection of artists at the forefront of Naarm/Melbourne’s soulful DIY community. Featuring members of Surprise Chef and Karate Boogaloo, Liam McGorry from Temporary Blessings (College Of Knowledge) joins Ella as co-writer and co-producer, with go-to Melbourne engineer Henry Jenkins also producing and recording the track.

Bridging the worlds of classic and contemporary soul, Ella’s songwriting is drenched in emotion and personal experience. With a timeless feel that is hard to tie to any particular period, she has crafted a sound that instantly hits deep. It’s warm, tasteful and distinctly Ella. That talent has also seen her tour with Mark Ronson, and support other contemporary greats like Jalen Ngonda, Lee Fields, and Thee Sacred Souls.

‘Promise To Keep’ is the first taste of Ella’s new material on this 7” single. An irrepressible upbeat groover that echoes mid-to-late-sixties vocal groups. That influence though never overpowers Ella’s own unique creative voice or distinct sense of self. She draws from it, but the colour is all her own. The song tells a story of being carried by the current that keeps us moving, giving us courage. A commitment to oneself that speaks to action shaped by vision, and the pull of following what feels correct even when the distance is far.

The flip side finds Ella in a different mood. ‘Change Of Heart’ is a heavy sweet-soul ballad. Rich in drama, Ella’s falsetto vocals build to a stunning climax in the final section, with triumphant horns that signal the release of letting go. The lyrics reflect on temporality and impermanence, and the way moments can be missed or arrive with synchronicity. It’s that bittersweet paradox of triumph and sadness, where everything contains its opposite: absence and presence, innocence and experience. The song is underpinned by a brooding production quality and atmospheric, beat-heavy flavour that Surprise Chef and cinematic soul fans will relish.

Mixed by Wayne Gordon (Daptone, Womack Sisters), ‘Promise to Keep’ and ‘Change of Heart’ are a glimpse of things to come from Ella. Keep an eye open for more new music incoming from this phenomenal artist at the top of her game.

For fans of Dokken, Lynch Mob, and 80’s Metal! Dokken is one of the defining bands of the 1980s hard rock and heavy metal scene, known for blending melodic hooks with powerful guitar work and emotionally charged vocals.
Formed in Los Angeles in the late 1970s, the band was led by vocalist Don Dokken and featured the virtuosic guitar playing of George Lynch, alongside bassist Jeff Pilson and drummer Mick Brown. Dokken rose to prominence during the peak of the MTV era with a string of platinum-selling albums, including Breaking the Chains (1983), Tooth and Nail (1984), and Under Lock
and Key (1985) racking up sales of more than 10 million albums. Their sound struck a balance between radio friendly melodies and aggressive metal, producing hits like “Alone Again,” “In My Dreams,” and “It’s Not Love.” Their 1987 release Back for the Attack further cemented their legacy, showcasing both commercial success and musical complexity. Released in 1999, Erase the Slate marked a fresh chapter for Dokken, introducing Reb Beach (best known for Winger and later Whitesnake) as the band’s lead guitarist. Erase the Slate blends Dokken’s classic melodic metal roots with a more modern, late-'90s hard rock edge. Reb Beach brought a technically sharp yet fluid guitar style that differed from the flashier, more aggressive approach of former guitarist George Lynch. His playing added a polished, groove-oriented feel while still delivering strong solos and riffs. Remastered and Repackaged on 180g green smoke vinyl.

Bill Withers was a modest, gentle, and yet towering musical figure responsible for some of the most important, universally known soul hits ever written. It’s no wonder that “Just the Two of Us” and “Ain’t No Sunshine” won him two Grammy awards and undoubtedly played a huge role in getting him inducted into both the Songwriters and Rock and Roll Hall of Fame.

Live at Carnegie Hall is Withers' only live album, recorded on October 6, 1973 but not released until April 21, 1973. The fact that Bill got to play his heartfelt and honest soul at one of the most prestigious venues for both classical and pop music speaks volumes: his first two records Just As I Am and Still Bill were really that influential.

Bill Withers' Live At Carnegie Hall was recorded more than 50 years ago on a rainy Friday evening, but it is still regarded as one of the best live performances in the history of Soul music. Withers appears on stage with an ensemble of only the best session musicians the 1970s had to offer: Melvin Dunlap, Ray Jackson, James Gadson, Benorce Blackmon, and Bobbye Hall, at the time one of the few female session percussionists. They all had worked together on Still Bill and had the knack for expanding Bill's intimate songs to fit a hall of that size and stature. And as far as the recording goes, no corners were cut; it really feels like you're up there with them.

The set features evergreens such as "Ain't No Sunshine", "Lean On Me", "Grandma's Hands", but also tunes that are only available as part of this live set, such as "World Keeps Going Around" and "I Can't Write Left-Handed".

Bill Withers Live at Carnegie Hall is available as a limited edition of 5000 individually numbered copies on magenta vinyl, and includes printed inner sleeves and a 4-page booklet featuring liner notes on Bill Withers written by Ahmir “Questlove” Thompson and reflections by Aloe Blacc.

The mighty Channel One Studios,Kingston, Jamaica, has its place set in Reggae's Musical History.Its distinctive sound the studio created on opening its doors in 1972 to its closure in the early 1980's made it the Producers, Singers and Musicians studio of choice during this furtive period. Achieving that vibe and clarity, separated it from the other Kingston establishments.

Run by the Hookim Family's four sons, Jo Jo the eldest followed by Paulie, Ernest and Kenneth. Their father originally came from China and married a Chinese Jamaican lady and settled in the St Andrews district before moving to Kingston Town itself. The family business was built on jukeboxes and one armed bandit machines in and around Kingston. A lucrative venture until the gaming laws changed in 1970, outlawing the gaming machines. So the music side of the business would have to be expanded. So it was decided to open a studio to make the music to supply their already established Jukebox enterprise. The four brothers opened Channel One Recording Studios in 1972 at 29 Maxfield Avenue, Kingston 13. Initially as we stated the purpose of the studio was for the brothers use only, but this would soon change when the various Producers all looking for that Channel One sound came asking for studio time.

The brothers had used the services of Bill Garnet a renowned and well respected technical engineer on setting up the studio. They spent a lot of time laying out the space to get the right acoustics and picking the right quipment. They went with a four track API desk and the best quality microphones such as Neuman, Sony and AKG, vital in obtaining the quality sound and track separation that would prove so worthwhile after the music was recorded to give the best flexibility on the final mix downs. Jo Jo would take over the production duties after the initial hiring of Syd Bucknor a producer who had worked closely with Coxonne Dodds Studio 1 stable. The first release on the Channel One label would be 'Don't Give Up The Fight' by Stranger Cole and Gladstone 'Gladdy' Anderson.The initial two thousand run being swallowed up by their Jukebox interests and so the steady flow of hits would run up to the brake through hit of 1975 'Right Time' by  the Mighty Diamonds.

1977 saw Jo Jo extending his stays in New York to a semipermanent status, returning mainly to oversee recording sessions and then taking the results back to America for worldwide distribution. His brother Paulies senseless killing in that year also added to Jo Jo's decision to spend more time with his Hit Bound Manufacturing set up in New York. The Channel One studio would be upgraded in 1979 to sixteen tracks and although Jo Jo and Ernest still covered the mixing and engineering duties Kenneth would now supervise sessions. An often untold part of Channel Ones history is the involvement of Producer Niney The Observer. The mid to late 1970's were heavy times both musically and politically and Maxfield Avenue was in the heart of this crossfire. Some artists and musicians were weary of using the establishment especially when sessions ended late at night and exiting the studio at these times could be somewhat dangerous. But Niney’s fearlessness seen him over running and in many cases running the all night sessions with his trusted set of musicians loosely called The Soul Syndicate. Having the run of the mighty Channel One studio's allowed Niney to build up and work on a stockpile of rhythms that he still has yet to unleash on the world. We have been lucky to select a bunch of material from Niney's vaults for this release. Some great unreleased rhythms and some different cuts to some tracks you might already know. Niney's work with Dennis Brown and his own distinctive heavy roots style productions have been documented and indeed his work on Channel Ones Yellowman releases stand tall also. We hope this fine set of Niney Productions set inside the hollowed walls of Channel One will sit beside them as they so richly deserve.

2026 marks the 10th anniversary of Icelandic rock band Kaleo’s best-selling album A/B. With “Way Down We Go” in the Spotify Billions Club and other hits like “All The Pretty Girls” and “No Good,” the album is certified platinum and reached the fourth spot on the Billboard Top Rock albums in 2016. For its 10th anniversary, we are going to release a 2LP version with a bonus disc of songs released prior to the band signing to Atlantic (and are currently not available for streaming) as well as stripped and unreleased live recordings from the album.

Golden Earring were together between 1961 and 2021, and their last and best known line-up included two founding members George Kooymans (vocals and guitar) and Rinus Gerritsen (bass, keyboard) along with Barry Hay (vocals, guitar, flute and saxophone) a member since 1968 and Cesar Zuiderwijk (drums) a member since 1970.

They had over 40 hits and released 30 albums, many achieving either gold or platinum status in their home country, The Netherlands. They are best known for their 1973 hit single "Radar Love" and their 1982 single "Twilight Zone".

Around 1992, the unplugged sessions on MTV were a trend; almost every rock band or artist was doing them. Bass player Rinus Gerritsen suggested to record an acoustic album themselves. The record company wasn't very enthusiastic at first so with a small budget the band recorded the album live in an intimate cafe in Amsterdam. The Naked Truth turned out to be the Golden Earring's best selling album.

The Naked Truth is available as a limited edition of 2000 individually numbered copies on purple vinyl. The 2LP is packaged in a deluxe sleeve with linen laminate finish and includes an insert.

Soul Jazz Records celebrate 25 years of working in partnership with Studio One with brand new editions of FIVE of their best-selling CLASSIC Studio One collections all released on limited-edition one-off pressing coloured double vinyl. Also available in new limited-edition card wallet CD editions. The new edition featured albums are Studio One Funk, Studio One Dub, Studio One Ska, Studio One Roots and Studio One Classics.

Studio One Classics features a non-stop selection of stone-cold classic Studio One killers! Spanning 40 years of the legendary label, this album is a celebration of the music of Studio One Records and features a who’s who of Jamaican Reggae: Bob Marley, The Heptones, Horace Andy, Sugar Minott, Don Drummond, Prince Jazzbo & more. This collection contains numerous legendary tracks, including Bob Marley and the Wailers’ “Simmer Down”," "Love Me Forever" by Carlton & His Shoes, Slim Smith's "Rougher Yet," Horace Andy's "Fever,", Alton Ellis’s “I’m Just A Guy’, The Skatalites’ blazing ‘Confucious’ and loads more. Timeless stuff - every track here is indeed a classic, no-one can argue about that! Studio One produced literally hundreds of hits and this selection includes some of the label’s most enduring songs.

It is simply impossible to imagine modern Jamaican music without Clement "Coxsone" Dodd, founder of the iconic Studio One where virtually every singer and musician of note in Reggae cut their teeth. Studio One's output spans over four decades, all represented here. Coxsone Dodd pioneered nearly every new form of Jamaican music as it developed over time and this album includes Ska, Dancehall, Roots, Rocksteady, DJ, Lovers and more. This is probably the best entry of the many Soul Jazz Studio One releases if you're after a primer in the Studio One sound. Like it says on the wrapper 'Classics' pretty much sums it up

Definition of spin doctor: a spokesperson employed to give a favorable interpretation of events to the media, especially on behalf of a political party. Spin Doctors weren't part of a political party but spread the word about romance.

The band was formed in New York City, best known for their early 1990s hits "Two Princes" and "Little Miss Can't Be Wrong". Those 2 songs were hits all over the world, and are still big hits in the streaming era. Pocket Full of Kryptonite is the first studio album (and second release) by the Spin Doctors, and originally released in August 1991.

The album was a top 10 hit in many countries, including the UK, Denmark, Germany, Norway and Sweden. It was the band's bestselling album and was certified 5x Platinum in the US. Not to be confused with the 3 Doors Down song 'Kryptonite' from 2000, the Superman theme was all over the Spin Doctors' album, with the title, a song called "Jimmy Olsen's Blues" and the album cover showing a phone booth (referring to Clark Kent frequently ducking into a nearby phone booth to change into his Superman attire).

This pressing of Pocket Full of Kryptonite is a limited 35th anniversary edition of 4,000 individually numbered copies on green vinyl. The jacket has a deluxe leather-texture laminate finish.

Although humankind has made it to the far side of the Moon and back, there is still more to discover. Strap in… Rex The Dog is taking us further out into the lesser-known realms of space disco.

‘Far Out!’ is a reinterpretation of an early breakbeat rave tune from 1991 by Son’z Of A Loop Da Loop Era. It’s a tribute to a simpler time when all you needed was a cascading piano riff played through a powerful sound system, with your best friend by your side.

In Rex’s version, the breakbeats and piano have been replaced with a punchy 4/4 beat and an arpeggiated synth workout that cuts through the air like a laser. Houston, we have a hit.

‘I Need Your Body’ showcases Rex The Dog’s more introspective side, with yearning vocals spread across a heavily bouncing rhythm track full of mind-boggling dub effects.

This new EP cements Rex The Dog’s status as a unique voice in today’s techno world, as well as an incredibly reliable purveyor of highly emotional dancefloor smash hits.
Obwohl die Menschheit es bereits bis zur Rückseite des Mondes und wieder zurück geschafft hat, gibt es noch immer Neues zu entdecken. Schnallt euch an … Rex The Dog entführt uns noch weiter in die weniger bekannten Gefilde des Space Disco.

„Far Out!“ ist eine Neuinterpretation eines frühen Breakbeat Rave Tracks aus dem Jahr 1991 von Son’z Of A Loop Da Loop Era. Es ist eine Hommage an eine einfachere Zeit, in der man nur ein kaskadenartiges Piano-Riff brauchte, abgespielt über ein kraftvolles Soundsystem, mit dem besten Freund an der Seite.

In Rex’ Version wurden die Breakbeats und das Piano durch einen druckvollen 4/4-Beat und ein arpeggiertes Synth-Riff ersetzt, das wie ein Laser durch die Luft schneidet. Houston, wir haben einen Hit.

„I Need Your Body“ zeigt die eher introspektive Seite von Rex The Dog, mit sehnsüchtigem Gesang, der sich über einen heftig bouncenden Rhythmus-Track voller verblüffender Dub-Effekte erstreckt.

Diese neue EP festigt Rex The Dogs Status als einzigartige Stimme in der heutigen Techno-Welt sowie als unglaublich zuverlässiger Lieferant hoch emotionaler Dancefloor Smash Hits.

2026 repress of classic fifth album by U.K. Psychobilly legends DEMENTED ARE GO! Originally released in 1993 on FURY RECORDS / U.K.! Spark "Douche" Retard - Screaming and Ranting * Antenormous "The Horse" - Death Beat and Keyboards * Lightning Lex Luther - "Geetar" And Distortions * Gray Boy "Get Off My Land" Grant - Big Bass Fiddle More classick (sic) DEMENTED ARE GO! This time around "Tangenital Madness On A Pleasant Side Of Hell", the Demon Ted's rumbling full-length from 1993 on Fury Records UK! Filled with thrill killers, "Tangenital Madness On A Pleasant Side Of Hell" is definitely one of the best 90's DEMENTED ARE GO records that was recorded, with hits such as "Brand New Corpse", "Mongoloid", "Zombie Stalk" and "Queen Of Disease". Sick! Sick! Sick! Black vinyl LP w/ printed inlay.

2026 repress of classic fifth album by U.K. Psychobilly legends DEMENTED ARE GO! Originally released in 1993 on FURY RECORDS / U.K.! Spark "Douche" Retard - Screaming and Ranting * Antenormous "The Horse" - Death Beat and Keyboards * Lightning Lex Luther - "Geetar" And Distortions * Gray Boy "Get Off My Land" Grant - Big Bass Fiddle More classick (sic) DEMENTED ARE GO! This time around "Tangenital Madness On A Pleasant Side Of Hell", the Demon Ted's rumbling full-length from 1993 on Fury Records UK! Filled with thrill killers, "Tangenital Madness On A Pleasant Side Of Hell" is definitely one of the best 90's DEMENTED ARE GO records that was recorded, with hits such as "Brand New Corpse", "Mongoloid", "Zombie Stalk" and "Queen Of Disease". Sick! Sick! Sick! Black vinyl LP w/ printed inlay.

Red "Eruption" Marble Blend" Doppel-Vinyl, inklusive 16-seitigem Booklet mit Texten und ausführlichen Liner Notes. Ursprünglich 1998 veröffentlicht, fing ,South Central Thynk Taynk" von Abstract Tribe Unique (Abstract Rude, Fat Jack, Zulu Butterfly Priest, Irie Lion King und DJ Drez) einen entscheidenden Moment in der Underground-Szene von Los Angeles ein - als junge schwarze Künstler den Hip-Hop von Grund auf neu erfanden. Mit einer Mischung aus jazzigen Beats, spiritueller Einsicht und einer äußerst unabhängigen Produktion wurde das Album zu einer Hymne auf Selbstständigkeit und kreative Rebellion. Jetzt wird dieser lange nicht mehr erhältliche Klassiker von Rhymesayers Entertainment als Deluxe-2xLP-Set mit einem Text-Booklet und einem Bonustrack neu aufgelegt und kehrt für eine neue Generation zurück. Im kulturellen Zentrum der Platte steht Project Blowed, eine legendäre Crew aus L.A., die von Abstract Rude und Aceyalone gegründet wurde und eine Reihe von Rap-Innovatoren hervorbrachte, deren Einfluss bis heute im globalen Hip-Hop zu spüren ist. Während der Mainstream-Rap den G-Funk-Boom der Westküste aufgriff, schlug die Blowed-Crew einen anderen Weg ein - geprägt von Jazz, radikaler Politik und afrozentrischem Futurismus. ,South Central Thynk Taynk" ist eine vielschichtige Zeitkapsel aus dieser revolutionären Zeit, die Ab Rudes tiefgründige Lyrik mit Fat Jacks genreübergreifendem Produktionsansatz verbindet und eine poetische Reflexion über Familie, Kampf und künstlerische Bestimmung schafft. Diese Neuauflage enthält den Titel ,L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)" mit einer generationsübergreifenden Besetzung von Schwergewichten - Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore und NGAFSH -, die unterstreicht, wie die Underground-Szene von L.A. seit Jahrzehnten ein kreatives Epizentrum geblieben ist. ,South Central Thynk Taynk" ist mehr als ein Kultartefakt; es ist ein lebendiges Dokument der Transformation, der Gemeinschaft und der künstlerischen Kraft.















[o] 15 : L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)” [feat. Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore, NGAFSH]

AAls "Inbegriff des Southern Soul" (VIBE) und "bluesiger Geniestreich" (Okayplayer) gefeiert, mit "einer Stimme, die von der Gospelkirche geprägt ist, und einem fast übernatürlichen Umgang mit der tiefen Intensität des Blues" (KCRW), baut "Miss Black America" KIRBYs Mission weiter aus, ihre Wurzeln zurückzugewinnen und die Musik und Kultur von Mississippi den Massen näherzubringen. Wie Elton John kürzlich verkündete, ist KIRBY "zu Großem bestimmt", und mit diesem Album schlägt sie ein neues, tiefgründiges und persönliches Kapitel auf, in dem sie die Zuhörer dazu herausfordert, das Stampfen, Summen und Sehnen zu hören und diese Klänge in Sinn und Kraft zu verwandeln. Während KIRBY bereits mit Rihanna, Kanye West, Paul McCartney, Beyoncé, Black Thought, Ariana Grande, Demi Lovato, Donald Glover und vielen anderen zusammengearbeitet und Songs mitgeschrieben hat und Millionen von Fans, darunter Hayley Williams und unzählige andere, für sich gewinnen konnte, ist "Miss Black America" ganz und gar ihr eigenes Werk. Dieses Projekt, bei dem Hymnen statt Hits, Geschichten statt Samples und Wahrheit statt Trends im Vordergrund stehen, ist das inspirierendste Werk ihrer Karriere und begleitet dich vom Grillfest am Samstag über den Gottesdienst am Sonntag bis hin zur Arbeit für "den Mann" am Montag. Es ist Blues- und Soulmusik für die Zukunft, gemacht für diejenigen, die vor ihr da waren: die Vorfahren, die auf dem Land der Dockery-Plantage, von der sie abstammt und die viele als Geburtsort des Delta-Blues bezeichnen, tanzten, weinten und sangen.

Nach Abschluss seiner gefeierten Neuaufnahmen der ersten sechs Alben von Modern Talking präsentiert Thomas Anders mit »The Best« 2026 die Essenz dieses besonderen Projekts: eine Sammlung der größten Hits in neuem Sound, ergänzt um die brandneue Single »The Best Is Yet To Come«, die als musikalisches Versprechen verstanden werden darf und das Kapitel dieser außergewöhnlichen Reise eindrucksvoll erweitert.

Mit dem Best-of-Album bündelt der Sänger erstmals die größten Hits aus seinen aufwendig neu interpretierten Modern-Talking- Klassikern auf einem Album.

Die Songs von Modern Talking haben Musikgeschichte geschrieben und zählen bis heute zu den erfolgreichsten deutschen Pop-Exporten aller Zeiten. Mit Welthits wie »You're My Heart, You're My Soul« oder »Cheri Cheri Lady« prägte das Duo den Sound der 80er-Jahre weit über Europa hinaus und erreichte ein Millionenpublikum von Südamerika bis Asien.

Dass diese Titel auch Jahrzehnte später nichts von ihrer Strahlkraft verloren haben, zeigt nicht zuletzt ihre ungebrochene Präsenz im Radio, auf Streaming-Plattformen und bei Konzerten rund um den Globus. »The Best« erscheint als hochwertiges Best-of-Album in verschiedenen Formaten und fasst die größten Momente dieses besonderen Projekts zusammen. Ein musikalisches Statement, das zeigt: Die Geschichte dieser Songs ist noch lange nicht zu Ende erzählt, denn das Beste kommt bekanntlich erst noch.
Tracklisting