Buscar:the oceans

Mutant, in partnership with Back Lot Music and Focus Features are proud to present the premiere physical release of David Holmes masterful score to Steven Soderbergh's latest thriller BLACK BAG. Ever since their first collaboration on OUT OF SIGHT, and throughout their OCEANS-trilogy, Holmes and Soderberg create an energy and verve with their productions. BLACK BAG is no outlier; percussive and inventive, and vibey throughout, this score is equal parts pulse-pounding and seductive. Playfully underscoring spy-tropes with kitchy 60's intrigue instrumentation and modern electronic sensibilities, Holmes has crafted something truly unique.

Ready for take off?

With his new album 'Cruise Control', Satin Jackets presents a perfect musical soundtrack for relaxed moments that take us away from the stresses of everyday life. The title of the album is meaningful: 'Cruise Control' stands for the feeling of switching on the autopilot, leaning back and enjoying the journey to the fullest - an atmosphere that the album unfolds.

The album is a collection of singles that have been released over the last few years and are all interwoven at their core. Because no matter where you listen to the songs, they work, images arise in your head and your feet rarely stay still. Satin Jackets remains true to himself with his album sound, as he repeatedly receives feedback from listeners who appreciate the positive mood in his songs and which always puts them in a good mood.

The songs are first created in the producer's head and then develop together with the features, who add their own touch. For Satin Jackets, 'the most important thing is this immediate feeling that it fits musically and atmospherically'. This can also come out of nowhere, as was the case with David Bay and Small Black, who got in touch with the producer and it was an instant fit.

'There are always those magical moments when a song comes out of nowhere. Once I had an idea for a chord sequence that I couldn't get out of my head, but somehow that certain something was still missing. I then spontaneously asked a bassist friend of mine if he would like to play something to it - ten minutes later we had a hook that carried the whole piece. It's these unexpected, spontaneous inspirations that make the process so exciting.'

'Cruise Control' is more than just another album from Satin Jackets. It is an invitation to enjoy the moment and surrender to the music - a soundtrack that creates a good mood and takes us on a relaxing journey. So just switch on the autopilot again, put on your headphones and let yourself go.

Ready for take off?

Satin Jackets präsentiert mit seinem neuen Album "Cruise Control" einen perfekten musikalischen Begleiter für entspannte Momente, die uns vom Alltagsstress befreien. Der Titel des Albums ist vielsagend: "Cruise Control" steht für das Gefühl, den Autopiloten einzuschalten, sich zurückzulehnen und die Reise in vollen Zügen zu genießen - eine Atmosphäre, die das Album entfaltet.

Das Album ist eine Sammlung der Singles, die über die letzten Jahre erschienen und im Kern alle miteinander verwoben sind. Denn egal, wo man die Songs hört, sie funktionieren, es entstehen Bilder im Kopf und die Füße bleiben selten still. Mit dem Albumsound bleibt Satin Jackets sich treu, denn immer wieder bekommt er die Rückmeldung von Hörer:innen, die die positive Stimmung in seinen Songs schätzen und die immer wieder für gute Laune sorgt.

So entstehen die Songs zuerst im Kopf des Produzenten und entwickeln sich im Anschluss gemeinsam mit den Features, die ihre eigene Note mit einbringen. Für Satin Jackets ist es "das Wichtigste dieses unmittelbare Gefühl, dass es musikalisch und atmosphärisch passt". Das kann auch aus dem Nichts kommen, so wie bei David Bay und Small Black, die sich bei dem Produzenten meldeten und es sofort passte.

"Es gibt immer wieder diese magischen Momente, in denen ein Song quasi aus dem Nichts entsteht. Einmal hatte ich eine Idee für eine Akkordfolge, die mir nicht aus dem Kopf ging, aber irgendwie fehlte noch das gewisse Etwas. Ich habe dann spontan einen befreundeten Bassisten gefragt, ob er etwas dazu spielen möchte - zehn Minuten später hatten wir einen Hook, der das ganze Stück getragen hat. Es sind diese unerwarteten, spontanen Eingebungen, die den Prozess so spannend machen."

"Cruise Control" ist mehr als nur ein weiteres Album von Satin Jackets. Es ist eine Einladung, den Moment zu genießen und sich der Musik hinzugeben - ein Soundtrack, der für gute Stimmung sorgt und uns auf eine entspannte Reise mitnimmt. Von daher einfach mal wieder den Autopiloten einschalten, , Kopfhörer aufsetzen und fallen lassen.

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

"Cutthroat ist eine wilde Fahrt. Es ist für den unerfahrenen Fahrer. Für denjenigen, der einfach nur schnell fahren will, ohne einen anderen Grund als den, dass es Spaß macht. Es wird von Hunger angetrieben. Hunger nach etwas Besserem. Nach etwas, von dem man einem gesagt hat, dass man es nicht verdient. Es ist instinktiv. Es ist roh. Es ist kompromisslos. Es ist die Person, die unangekündigt auf der Party auftaucht. Denn wenn du am Boden liegst, gibt es nur einen Weg - nach oben. Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren." - shame "Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen.

"Cutthroat ist eine wilde Fahrt. Es ist für den unerfahrenen Fahrer. Für denjenigen, der einfach nur schnell fahren will, ohne einen anderen Grund als den, dass es Spaß macht. Es wird von Hunger angetrieben. Hunger nach etwas Besserem. Nach etwas, von dem man einem gesagt hat, dass man es nicht verdient. Es ist instinktiv. Es ist roh. Es ist kompromisslos. Es ist die Person, die unangekündigt auf der Party auftaucht. Denn wenn du am Boden liegst, gibt es nur einen Weg - nach oben. Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren." - shame "Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen.

Introducing Hussain Bokhari and his debut album “Possessions” on Mood Hut Records. Hussain has been a close friend of the label for years and we’ve been quietly obsessing over his bedroom transmissions forever. With “Possessions”, we get a glimpse into the endless archives of a Vancouver underground legend.

Born in Bangkok but calling Vancouver home, Bokhari creates intuitively and freely, and you can hear it in the way "Pull Me Up" rolls out its plush carpet bedroom boogie, or how "Bangkok Boy"'s Thai vocals carry childhood memories across oceans and decades, while "Whatever Counts" sounds like Durutti Column moved from Whitworth Street to Cordova.

This is music for the spaces between - between cities, between eras, between yourself and the person you were, all held together by a minimalist studio setup and maximum heart approach that makes "Possessions" feel like an invitation into Bokhari'sparticular way of seeing.

Banana Stand vinyl. I Was Trying to Describe You to Someone is Wednesday's second fulllength album & first as a full band. The Asheville, NC quintet (guitarist/ vocalist Karly Hartzman, lead guitarist Daniel Gorham, pedal steel guitarist Xandy Chelmis, bassist Margo Schultz & drummer Alan Miller) maximizes the dark dissonance of a three guitar attack to highlight the emotionality of Hartzman's bell-clear vocals & wisps of half-recalled memories & literary references that make up her lyrics. I Was Trying to Describe You to Someone's eight songs meld elements of shoegaze, grunge, indie pop & southern American culture into a uniquely personal style of modern rock music that resonates with power & tenderness. The ever-darkening & deepening of Wednesdays' sound on I Was Trying to Describe You to Someone owes a debt of influence to The Swirlies, Arthur Russell, Red House Painters, Tenniscoats, Ana Roxanne, Acetone, & their continued collaboration with MJ Lenderman (who lends backing vocals to the songs "Billboard" & "November"). I Was Trying to Describe You to Someone was recorded at Hartzman's home with engineering assistance from her roommate Colin Miller. The depth & clarity of the recordings balance the distorted volume of Wednesday's live performances with the intimacy of Hartzman's voice. Her words hold the center of the chaos, unobscured by the power of the band. Hartzman describes her lyrics as "attempts to access old personal memories & do them justice through prose, with inspiration from the writings of Richard Brautigan, Flannery O'Connor, David Berman & Tom Robbins, & movies like Steel Magnolias."

Scowl is a band that sounds exactly like their name implies. Venomous, fierce, antagonistic. A sneer not to be crossed. Over the last five years, the Santa Cruz, California, band has firmly planted their flag in the hardcore scene with their vicious sound and ripping live show, sharing stages around the world with Circle Jerks, Touché Amoré, and Limp Bizkit, and filling slots at prominent festivals like Coachella, Sick New World, and Reading and Leeds. But with their new album, Are We All Angels (Dead Oceans), Scowl is aiming to funnel all that aggression through a more expansive version of themselves.Much of Are We All Angels grapples with Scowl's newfound place in the hardcore scene, a community which has both embraced the band and made them something of a lightning rod over the past few years. Standout single "Not Hell, Not Heaven" outright rejects the narratives cast onto them by outsiders. "It's about feeling victimized and being a victim, but not wanting to identify with being a victim," explains vocalist Kat Moss. "It's trying to find grace in the fact that I have my power. I live in my reality. You have to deal with whatever you're dealing with, and it ain't working for me." The band breaks from a sense of disassociation to seek deeper connections on "Fantasy." "It's incredibly challenging to try to balance my love for the scene while also feeling, in some spaces, extremely alienated and hated," Moss says. "`Fantasy' is about feeling like I don't know how to connect with these people anymore, because I have shelled myself away so hard." The album ends in a philosophical place on the closing, titular track, "Are We All Angels," asking questions like, "Is this all there is?" and ultimately putting it on the listener to decide. "It's about the personal struggle between good and evil. It doesn't matter how `good' or `bad' you are, there are systems that will try to rewrite your narrative no matter what you actually do," explains Moss, noting that punctuation on "Are We All Angels" has been deliberately omitted in an attempt to leave the statement open-ended. Are We All Angels is the highly anticipated follow-up to Scowl's debut, 2021's How Flowers Grow, a 16-minute primal scream over punishing riffs. But amidst the pounding chaos, it was the record's sonic outlier, a cleaner interlude called "Seeds to Sow," that, true to its name, planted the seed for what was to come for the band. "It kind of laid out this destiny for us, and I feel like now we're fulfilling that," says drummer Cole Gilbert. The band continued to expand their sound on 2023's widely acclaimed Psychic Dance Routine EP, incorporating more pop hooks and favoring gentler singing over heavy screaming, paving the way for what would come next.Scowl's growth got a huge boost from producer Will Yip (Turnstile, Title Fight, Code Orange, Balance and Composure), who broadened the band's scope. "Will would say, `Everything you have here is correct, but it's in the wrong place,'" says Gilbert. Moss adds: "Will really helped restructure a lot of the material. Some songs he tore apart to make more space for the really good hooks and choruses." But even through this more eclectic approach, Scowl loses none of their edge, and still manages to convey the anger and frustration that lies underneath. They are deeply committed to carrying the ethos of punk and its sense of community. "Hardcore and punk have sculpted how we operate, what we want to do as a band, and how we participate," says guitarist Malachi Greene. "At our core, we are a punk and a hardcore band, regardless of how the song shifts and changes."

Second album from North East indie rockers Fortitude Valley! "We're still very much the same band," says Fortitude Valley's Laura Kovic, describing the band's triumphant return with second album Part Of The Problem, Baby. "But the dials have all just been turned up a bit." That much is immediately apparent from the off - whereas 2021's self-titled debut was a breezily charming coalescence of effortless pop hooks and indie-punk energy, this new effort announces itself with guts and a road-earned sense of self-confidence. It's the sound of a band growing into itself; with a smartly effervescent approach to songwriting and a seemingly inexhaustible supply of swoon-inducing indiepop hooks. Over the course of Part Of The Problem, Baby's ten glorious offerings, we get treated to a miscellany of pop cultural sources of inspiration as a means of tackling themes like distance, personal growth and self-determination. For Kovic, an Australian-born musician living in the UK for almost two decades, the first of those is clearly a big one. "When I was a teenager I couldn't wait to get away," she explains, referencing her upbringing in Brisbane, "and now I can't wait to go back each time. My life is now just repeatedly visiting and then feeling sad when I leave, but knowing in my heart that I am where I'm supposed to be." Louder, wiser, in tune with each other and their identity as a collective_ Fortitude Valley may well remain the same band, but Part Of The Problem, Baby is a step forward on every level.

Berlin-based Colombian DJ, producer, and curator Edna Martinez presents a sonic journey into the electrifying world of Picó—the vibrant and dynamic sound system culture that has defined the streets of Cartagena and Barranquilla for decades. More than just a musical movement, Picó is a way of life, a bold expression of identity, community, and resistance. From its roots in the working-class neighbourhoods of Colombia’s Caribbean coast to its deep connections with Africa and the Caribbean, this compilation captures the pulse of a culture where music is played at full volume, rhythms travel across oceans, and dance is both a form of celebration and storytelling. For those unfamiliar, Picós are hand-painted sound systems, often adorned with dazzling colours and striking imagery, each with its own name and sonic identity. These mobile discos became the heart of neighbourhood bailes, where the sounds of champeta, highlife, soukous, mbaqanga, zouk, soca, and cumbia would turn every street corner, market, and terrace into a dancefloor. Initially built by local craftsmen using modified speaker components, Picós became legendary for their powerful bass and exclusivity, with DJs sourcing rare vinyl from African and Caribbean ports and rebranding them with unique piconemas—new names adapted to local slang, making the tracks instantly recognisable within the community.

This compilation brings together a carefully curated selection of these rare and sought-after tracks, tracing the deep-rooted musical exchanges between Colombia, West and Central Africa, and the Caribbean. Featuring artists like Los Corraleros De Majagual, Peacocks International Highlife Band, Pedro Lima, Zaïko Langa Langa, and more, the album also includes edits by Edna Martinez, reimagining these timeless rhythms for contemporary audiences while staying true to their original spirit.

Strut presents ‘Picó! Sound System Culture From The Colombian Carribbean’ across 2LP Vinyl, 1CD & Digital focusing on a celebration of the raw, undiluted energy of Picó culture. Through Edna Martinez’s curation, and extensive liner notes, this compilation offers a powerful and authentic glimpse into one of the most vibrant musical traditions of the Colombian Caribbean

A sequel to the 2001 series Blue Planet, it took 4 years to complete this seven part new exploration of the underwater worlds, with 125 expeditions across

39 countries and 6000 hours of underwater filming. The series was broadcast on BBC One on 29 October 2017 with viewing figures exceeding 10m and

its exposure of plastic pollution in our oceans has started a global conversation about reducing plastic waste, now more relevant than ever.

With over 120 soundtracks to his credit which have grossed 24 billion dollars at the box office, Hans Zimmer has been honoured with many accolades:

an Academy Award, two Golden Globes, three Grammys, an American Music Award, a Tony Award and The Henry Mancini Award for Lifetime Achievement.

His Academy Award nomination for Interstellar marked his 10th Oscar nomination.

The composition is completed by Jacob Shea and David Fleming from Emmy and BAFTA nominated Bleeding Fingers Music. Bleeding Fingers has created

original music for productions including the Fox’s The Simpsons, BBC’s Planet Earth II, National Geographic’s Princess Diana In Her Own Words, NBC’s hit

Little Big Shots, Sony’s Snatch (TV), Amazon’s American Playboy, AMC’s The Making Of The Mob, Netflix original Roman Empire and History Channel’s Mountain Men.

SIDE A. J. Diggns - Saturday Salsa with sizzling brass, deep pocket percussion, and a groove that’s pure motion. Whether you’re rocking the decks or rolling at the rink, this one brings that feel-good energy straight to your soul. It isn't Saturday without the "De La Brilla", Glow in Spanish —

SIDE B. King Most – BALLA EDIT From Radio Havana to West Africa, the spirit of Latin rhythm crossed oceans, bouncing oc antennas and into the soul of a continent. On BALLA EDIT, King Most channels that deep cultural echo—an infectious blend of clave, funk, and highlife sensibilities, flipped with modern finesse and analog warmth. Made to ride at block parties, or sets where borders blur and rhythms rule. Global grooves, rooted deep. Pressed heavy. Played loud

Music is a language. This new label is a hypothetical sound trip between skyscrapers, wild places, deep imaginary oceans in our mistreated, but fascinating globe. No specific musical genre, but a sort of global beat, winking especially at the Balearic sounds. You can call them edits or re-publications, but our belief is that you can make tracks that are extremely expensive, in their original version or that have never been printed on vinyl. Imaginária wants to respect the publishers, authors, producers and musicians of the published songs, but fundamentally you who promote our idea.

From the moment she began writing her new album, Japanese Breakfast’s Michelle Zauner knew that she wanted to call it Jubilee. After all, a jubilee is a celebration of the passage of time—a festival to usher in the hope of a new era in brilliant technicolor. Zauner’s first two albums garnered acclaim for the way they grappled with anguish; Psychopomp was written as her mother underwent cancer treatment, while Soft Sounds From Another Planet took the grief she held from her mother‘s death and used it as a conduit to explore the cosmos. Now, at the start of a new decade, Japanese Breakfast is ready to fight for happiness, an all-too-scarce resource in our seemingly crumbling world.


Jubilee finds Michelle Zauner embracing ambition and, with it, her boldest ideas and songs yet. Inspired by records like Bjork’s Homogenic, Zauner delivers bigness throughout - big ideas, big textures, colours, sounds and feelings. At a time when virtually everything feels extreme, Jubilee sets its sights on maximal joy, imagination, and exhilaration. It is, in Michelle Zauner’s words, “a record about fighting to feel. I wanted to re-experience the pure, unadulterated joy of creation...The songs are about recalling the optimism of youth and applying it to adulthood. They’re about making difficult choices, fighting ignominious impulses and honouring commitments, confronting the constant struggle we have with ourselves to be better people.”

Throughout Jubilee, Zauner pours her own life into the universe of each song to tell real stories, and allowing those universes, in turn, to fill in the details. Joy, change, evolution - these things take real time, and real effort. And Japanese Breakfast is here for it.

With this, their fourth album Black Helium find themselves widening the parameters of their take on heavy psychedelic rock, with probably their most baked and hook-laden material to date.

From the no-safety-net freak out of ‘Return the Curse’, to the sawtooth groove of ‘Up on a Hill’, ‘The Animals Are Coming’ LP is Black Helium at their most exploratory and focused.

Recorded one sun-drenched week in late June 2024, this time at Axe and Trap Studios with Ben Turner (Hey Colossus, Part Chimp). ‘The Animals Are Coming’ is the band sweating it out in a room, fueled by “party foods “and vintage amps. Digging deeper towards the source, no matter how transcendent, no matter how dark.

Black Helium are a psychedelic power trio, based in London. Never afraid to stray from the beaten path, they traverse aural hallucinatory soundscapes; from detuned Neanderthal rock to deep oceans of introspective blissed out psychedelia.

The band consistently gig across the UK (including a two week tour with Japanese label mates Hibushibire late 2024), and have recently started ventures into mainland Europe. And plan to continue throughout 2025.

From the moment she began writing her new album, Japanese
Breakfast’s Michelle Zauner knew that she wanted to call it
‘Jubilee’. After all, a jubilee is a celebration of the passage of time
- a festival to usher in the hope of a new era in brilliant technicolor.
Zauner’s first two albums garnered acclaim for the way they
grappled with anguish; ‘Psychopomp’ was written as her mother
underwent cancer treatment, while ‘Soft Sounds From Another
Planet’ took the grief she held from her mother’s death and used it
as a conduit to explore the cosmos.
Now, at the start of a new decade, Japanese Breakfast is ready to
fight for happiness, an all-too-scarce resource in our seemingly
crumbling world.
‘Jubilee’ finds Michelle Zauner embracing ambition and, with it, her
boldest ideas and songs yet. Inspired by records like Bjork’s
‘Homogenic’, Zauner delivers bigness throughout - big ideas, big
textures, colours, sounds and feelings. At a time when virtually
everything feels extreme, ‘Jubilee’ sets its sights on maximal joy,
imagination and exhilaration. It is, in Michelle Zauner’s words, “a
record about fighting to feel. I wanted to re-experience the pure,
unadulterated joy of creation… The songs are about recalling the
optimism of youth and applying it to adulthood. They’re about
making difficult choices, fighting ignominious impulses and
honoring commitments, confronting the constant struggle we have
with ourselves to be better people.”
Throughout ‘Jubilee’, Zauner pours her own life into the universe
of each song to tell real stories and allowing those universes, in
turn, to fill in the details. Joy, change, evolution - these things take
real time and real effort. And Japanese Breakfast is here for it.
Available on clear with yellow swirl coloured vinyl.

Ali Farka Touré trekked the world, bringing his beloved Malian music to the masses. Dubbed “the African John Lee Hooker,” one could hear strong connections between the two; both employed a bluesy style of play with gritty textures that elicit calm and fury in equal measure. While the influence of Black blues music prevailed, Touré created a West African blend of 'desert blues' that garnered Grammy awards and widespread reverence. Though he transcended in 2006, Ali’s musical legacy lives on through his son, Vieux aka “the Hendrix of the Sahara,” an accomplished guitarist and champion of Malian music in his own right. On Ali, his collaborative album with Khruangbin, Vieux pays homage to his father by recreating some of his most resonant work, putting new twists on it while maintaining the original’s integrity. The result is a rightful ode to a legend. Ali isn’t just a greatest hits compilation. It’s a lullaby, a remembrance of Ali's life through known highlights and B-sides from his catalog. It is a testament to what happens when creativity is approached through open arms and open hearts. “To me, music is magic, it is spontaneous, it is the energy between people,” Vieux says. “I think Khruangbin understands this very well.” The genesis of the album dates back to 2019, when Khruangbin, coming off their breakthrough album Con Todo el Mundo, was beginning to play to bigger crowds. The record was finished in 2021, as a global pandemic shuttered businesses and forced us to take stock of what Earth was becoming. Indirectly, Ali captures this as a moment of peace within a raging storm, a conversation between past and present without allegiance to suffering. Now, given Khruangbin’s reach as a unit with legions of fans (including the likes of Jay-Z and Paul McCartney), they’re poised to bring Malian music to broader groups of listeners. Ali is a masterful work in which the love surrounding it is just as vital as the music itself, driving it to unforeseen places; Vieux and Khruangbin are spreading the good word to a completely new generation. “I hope it takes them somewhere new, or puts them in a place they haven't felt or heard,” Lee says. “It is about the love of new friendship and making something beautiful together,” Vieux continues. “It is about pouring your love into something old to make it new again. In the end and in a word it is love, that's all.”