Search:the war

Atlantic Records is thrilled to announce F1 The Album - the supercharged companion album to Apple Original Films and Warner Bros. Pictures’ high-octane, action-packed film F1, starring Brad Pitt. From the label that brought you the award-winning, blockbuster soundtracks Barbie The Album, Twisters: The Album, The Greatest Showman, Suicide Squad and more, F1 The Album is driven by brand new tracks from an exhilirating lineup of superstar artists.

Pacific Rhythm is proud to introduce the first EP from label founder DJ D.DEE's new production alias, Pacific Spirit. The EP is a collaborative effort with long-time friend of the label Patrick Holland and was recorded at the Jump Source studios in Montreal, Quebec, earlier this year over the course of a few snowy days.

The Canada House EP slips through a myriad of influences, and the tracks aim to service the warm-up slot and the late-night crew. From slouched 78 bpm Balearic featuring D.DEE's vocals to storming acid, down to life-affirming disco with Holland ripping live bass, keys, and guitar. It's all here and ready for the club, radio, or wherever you choose to enjoy it.

Atlantic Records is thrilled to announce F1 The Album - the supercharged companion album to Apple Original Films and Warner Bros. Pictures’ high-octane, action-packed film F1, starring Brad Pitt. From the label that brought you the award-winning, blockbuster soundtracks Barbie The Album, Twisters: The Album, The Greatest Showman, Suicide Squad and more, F1 The Album is driven by brand new tracks from an exhilirating lineup of superstar artists.

Dame-Music continues to celebrate its 15 Years with the release of Vol. 2
15 Years Of Dame-Music series is an ode to the unmistakable sound of the TB-303, a core element of Bloody Mary's widely respected sound and label.
Continuing the strong momentum from Vol. 1, this release features four standout tracks from some of the most respected and forward-thinking names in electronic music: DEAS, Ben Sims & Ritzi Lee, Viikatory, and the highly anticipated return of Jerome Hill vs Fear-E to the Dame-Music roster.
Spanning three curated volumes, the “15 Years of Dame-Music” series highlights the label’s enduring commitment to underground dance music culture and its dedication to vinyl and analog sound.

Thirteenth studio album by the British rock band. Released in September 1987, it is the first album featuring the later three piece line-up: David Gilmour, Nick Mason and Richard Wright.

3rd limited edition vinyl EP in the series of EPs celebrating the 20th anniversary of the group Chinese Man and Chinese Man Records. For this 3rd opus, we take a look back at the various collaborations between Chinese Man and O.B.F over the years. Two versions of Salune included, plus two O.B.F.-Remixes of CM tracks. 20 years logo by Joan Oaï of Life. Available on limited transparent purple vinyl.

Jedes Album von BC Camplight hat eine Hintergrundgeschichte, die genauso fesselnd ist wie seine Musik. A Sober Conversation ist da nicht anders, denn der virtuose Songwriter und Pianist Brian Christinzio dokumentiert die letzten zwei Jahre seines Lebens, in denen er sich endlich einem schockierenden Kindheitstrauma stellt, während er sich der Nüchternheit verschreibt, um sein mutigstes und aufschlussreichstes Album zu schaffen. Es handelt sich um ein fesselndes, manchmal eindringliches Quasi-Konzeptalbum, das von schonungsloser tragikomischer Läuterung und erhabener, komplexer Melodik geprägt ist und lyrische Drehbücher mit schillernden Arrangements verbindet. Es ist BC Camplight auf dem Höhepunkt seiner bemerkenswerten Fähigkeiten.

A Sober Conversation folgt auf Christinzios Album aus dem Jahr 2023, das von der Kritik gefeierte The Last Rotation Of Earth (sein erstes Top-40-Album), ein Album, das sich um die quälende Trennung von seiner langjährigen Beziehung dreht. Es erhielt die enthusiastischsten Kritiken seiner Karriere – „Ein Meisterwerk“ (Sunday Times), „Meisterhaft“ (Uncut), „Eine außergewöhnliche Platte“ (MOJO) – und seine bisher größten Headline-Shows im Londoner Shepherd’s Bush Empire und in der Manchester Albert Hall. Doch selbst die zunehmende Anerkennung für das beachtliche Talent des Mannes kann die lange Geschichte seiner Depressionen nicht ausgleichen, und Christinzio gibt zu, dass es ein harter Kampf war, diesen Punkt in seinem Leben zu erreichen.

High Roller Records, reissue 2025, red/ blue galaxy effect vinyl, ltd 500, 425gsm heavy cardboard cover, poster, A5 promo photo, lyric sheet, mastered by Patrick W. Engel at Temple of Disharmony

Percussionist Tim Barnes has played with Jim O"Rourke, Wilco, Sonic Youth, Stereolab, Silver Jews, Tony Conrad, John Zorn, Faust, Tower Recordings, Alan Licht and many others in improvised & experimental music. Diagnosed with early onset Alzheimer"s in 2021, Tim"s new collabs with Ken (Bundy) Brown (Tortoise, Pullman) feature Joshua Abrams, David Grubbs, Oren Ambarchi, David Daniell, Darin Gray, Glenn Kotche, Tara Jane O"Neil, Jim O"Rourke, Ken Vandermark and Tim"s stalwart rhythmic zeal.

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

High Roller Records, golden/ red galaxy effect vinyl, ltd 500, 2 bonus tracks (Mrs. Victoria + Lucifer's Hammer), 425gsm heavy cardboard cover, lyric sheet, poster, A5 photocard, mastered for vinyl by Patrick W. Engel at Temple of Disharmony

blck Vinyl, „Heimat" - ein Begriff, der lediglich eine Beziehung zwischen Menschen und Räumen bezeichnet, aber dennoch seit jeher hoch emotional aufgeladen ist. Oft missbraucht, sorgt er mitunter für Unbehagen, lebhafte Diskussionen und Deutungsstreitigkeiten. Maik Weichert (Gitarre) kommentiert: „'Heimat' ist nicht als engstirniger Endpunkt gemeint, wie er von Agitatoren und Populisten verwendet wird, sondern als Ausgangspunkt für Beobachtungen und Perspektiven

LPV makes a striking debut on Monnom Black with an expansive double EP, delivering eight meticulously crafted tracks that fuse dub, bleep, and bass into peak-time weapons. His release showcases a dynamic range, from intense, Basic Channel-inspired dub techno workouts to deeper, bleep-laced techno grooves that weave hypnotic precision with relentless drive. Each track is a versatile cut, crafted for special moments, blending atmospheric depth with pure momentum, cementing LPV's arrival as a formidable force.

Als die selbstveröffentlichte und mit dem Bandnamen betitelte "Domkraft" EP im Jahr 2015 erschien, war sie für viele das erste Lebenszeichen der Schweden. Dass die 250 Originalexemplare schnell ausverkauft waren, zeugt von der großen Anziehungskraft des psychedelischen Doom-Kosmos mit seinen Fuzz-Riffs, den DOMKRAFT von Anfang an zu schaffen begannen. Dieser ist im Verlauf der letzten zehn Jahre mit vier Alben, zwei EPs und einer Live-Platte beständig weiter gewachsen. Obwohl DOMKRAFT mit jeder neuen Veröffentlichung ihrem musikalischen Kurs treu geblieben sind, hat sich das nordische Trio gleichzeitig konstant weiterentwickelt. DOMKRAFT sind hörbar gereift und haben ihr Songwriting auf allen Ebenen verfeinert. Dies macht ihr aktuelles Album "Sonic Moons" (2023) mehr als deutlich. Ihr Markenzeichen, die wuchtigen Doom-Hymnen, stehen noch immer im Vordergrund, jedoch sind eine leichte Verschiebung in Richtung Heavy Rock sowie zahlreiche kleine Verbesserungen und neue Nuancen hinzugekommen. Als schönes Jubiläumsgeschenk für ihre treue Fangemeinde legen DOMKRAFT endlich ihre gesuchte Debüt-EP neu auf, die obendrein mit zwei neuen Songs liebevoll zu einem kompletten Album aufgewertet wurde.

Jacy, hailing from Bari in Italy, delivers four brand-new deep house gems — moody, timeless, and crafted for both heads and dancers alike.
Blending warm pads, deep grooves, and hypnotic rhythms, Jacy brings a fresh take on classic house sounds while staying firmly rooted in the present. Each track carries his unmistakable signature — subtle, soulful, and built to last.

Lee Morgan war ein amerikanischer Jazztrompeter und Komponist. Als einer der wichtigsten Hard BopMusiker der 1960er Jahre wurde Morgan bereits in seinen späten Teenagerjahren bekannt. Er nahm mit Bandleadern wie John Coltrane, Curtis Fuller, Dizzy Gillespie, Hank Mobley und Wayne Shorter auf und spielte in Art Blakeys Jazz Messengers. Morgan blieb bis 1961 bei Blakey und begann in den späten 50er Jahren, als Leader Platten aufzunehmen. Seine Komposition „The Sidewinder“, die auf dem gleichnamigen Album enthalten ist, wurde 1964 zu einem überraschenden Crossover-Hit in den Pop- und R&B-Charts. Nach einem zweiten Engagement in Blakeys Band arbeitete Morgan bis zu seinem Tod 1972 sowohl als Leader als auch als Sideman weiter. Ursprünglich 1960 auf dem Vee-Jay-Label veröffentlicht, ist ”Here’s Lee Morgan” Lee Morgans 10. Album. Auf der Sammlung von 6 Hard Bop-Stücken wird Morgan von Clifford Jordan (Tenorsaxophon), Wynton Kelly (Klavier), Paul Chambers (Bass) und Art Blakey (Schlagzeug) unterstützt. Diese Neuauflage des Albums erscheint als Teil der Original Jazz Classics Series auf 180-Gramm-Vinyl, das bei RTI gepresst wurde, mit analogem Mastering von den Originalbändern bei Cohearent Audio und einem Stoughton TipOn Jacket.

Civilistjävel! x Mayssa Jallad’s ‘Marjaa: The Battle of the Hotels (Versions)’ is a radical response to Mayssa Jallad’s 2023 original LP, a lyrical account of epochal events in Beirut at the dawn of Lebanon's civil war. ‘…(Versions)’ sees Civilistjävel! (aka Swedish producer Tomas Bodén) apply a stripped, dub methodology to Mayssa's rich stems, refracting the Arabic source through the hazy prism of Northern European electronica. Retaining ‘Marjaa…’s deep spatial framing and vaporous, shifting nature, traces are lifted and set down in a new landscape: a ghost of a ghost. Informed by Tomas' singular strand of ambient, minimalist, dub techno, ‘… (Versions)’ recalls the reductive, shimmering pulse of pioneering Berlin-based practitioners Basic Channel/Chain Reaction, but with the parameters stretched into the ether. Where versions typically focus on a rhythm, here the anchor is the tone and texture of Mayssa’s voice, around which a new world has been constructed. Disembodied and liminal, it conjures an eerie panorama that feels like a postscript to the original, further emphasizing the geopolitical events that have had such devastating effect in Mayssa’s homeland of Lebanon since that record’s release. ‘Marjaa…’ (tr. ‘reference’) combined Mayssa Jallad’s two main vocations: music and urban research/architectural history. The album was co-written with Fadi Tabbal and based on Mayssa's Historic Preservation master's thesis (‘Beirut’s Civil War Hotel District: Preserving the World’s First High-Rise Urban Battlefield’). The thesis examined a 5-month conflict that took place within Beirut's skyscraper-laden luxury hotel district of Minet El Husn near the start of the Lebanese Civil War. Addressing a post-war generation who have never been taught this difficult history, ‘Marjaa…’ was an attempt to process trauma, and “a call to protest for the renewal, rather than the recycling of the political class that once destroyed the country and holds us, to this day, hostage of its violence.” Often perceived as a mysterious, shadowy presence, Civilistjävel! has come increasingly to the fore in recent years through a consistently dazzling stream of records, released both anonymously and via Fergus Jones’ FELT imprint, often appearing with scant information and tracks for the most part untitled. Having featured tracks from ‘Marjaa…’ on mixes, and included the album in his picks of 2023, in early 2024 Tomas asked Mayssa to provide vocals for a track on his album ‘Brödföda’. Mayssa remembers, “Tomas asked me to choose one of the tracks he was working on. I was in Boston at the time, so I took a walk and chose a track. I wrote the lyrics at the public park, wondering if I was the only one around that was losing sleep over the genocide in Palestine and the war in South Lebanon. I went back to the apartment and recorded the vocals on my phone, while listening to the track on headphones. Tomas reworked it with the voice and sent it back. I liked it immediately.” Despite the geographical distance from Beirut to Uppsala, Sweden, where Tomas resides, Mayssa’s contribution sounds very much at home in Civilistjävel!’s atmospheric, contemplative sound-world. Tomas’ request was reciprocated by Mayssa soon after, resulting in the spectral, glassy ambience of ‘Etel, Kharita (Version)’. This was followed by an invitation to work on more tracks, which Tomas immediately embraced, intensively jamming out versions live to two-track tape in downtime between travelling. If not entirely dissimilar to his regular working practice, the immediacy of it was unusual. Much was improvised live with just a keyboard (not tethered to a grid), and a restricted set-up that largely forbade later edits - only the rhythm tracks are programmed. A sharp conceptual thinker and composer, Tomas takes creative liberties with Mayssa’s songs in a way that is deeply felt and sympathetically aligned, whilst unashamedly outside of the original context of the record. The voice is leaned into as an instrument, without the clear, specific details of language, and this axis provides an uncertain, amorphous footing - structure is often suggested or hinted at, before disappearing or collapsing into fog, and folding back into the message within the song. A somewhat unprecedented source for an album of versions, even those familiar with ‘Marjaa: The Battle of the Hotels’ may at points struggle to hear the songs these versions are rebuilt from, despite the vocal narratives remaining virtually intact. The light has shifted; eroded buildings are foregrounded; fragments of memories appear in chiaroscuro. Signs and signifiers have been replaced. Shorn of the original's warm guitar, ‘Baynana (Version)’ feels like an ominous visitation, the sun no longer visible. ‘Holiday Inn (March 21 to 29) (Version)’ is a molten, clattering invocation. The beat-less tracks nod towards the cold, otherworldly sound-scaping of late '90s isolationism. More propulsive and embodied, ‘Holiday Inn (January to March) (Version)’ and ‘Kharita (Dub)’ are strobing, iridescent techno - lithe, shifting and mutating with almost implausible finesse. A stunning addition to Civilistjävel!’s growing catalogue, ‘…(Versions)’ is a luminous counterpoint to ‘Marjaa…’, and a welcome reminder of how incredible that record remains.

Limited reprint of the sold-out Volume 3 from the Underground Wave series, featuring Belgian and Dutch wave, synth, and minimal artists. Most tracks were previously only on cassette. Walhalla Records is dedicated to reviving the 80s/90s cassette scene by releasing rare material, often for the first time

KITCHEN FUNK: The Groove Legacy of Funk, Hip-Hop, and House
Founded in 1999 in Lorient by Tabasko and Ramirez, key figures in the Breton underground scene, KITCHEN FUNK fuses hip-hop, soul, funk, acid jazz, and house music into a unique sonic universe. Combining punchy rhythms with captivating grooves, the duo made a name for itself in the 2000s, marked by the excitement of clubs and radio stations.

"LETUGO": A Forgotten Treasure Finally Rediscovered
Among their notable collaborations, "LETUGO," recorded with Karl the Voice, embodies the very essence of KITCHEN FUNK. This powerful track, blending funky vibes and soulful energy, didn't receive the promotion it deserved upon its release.

25 years later, the story takes an unexpected turn. After rediscovering local archives, RAMIREZ and JULIEN LO BONO decided to reissue "LETUGO" on vinyl to mark the project's anniversary. The initiative sparked immediate interest: Breton radio stations picked it up, and the record finally found its audience, proving that KITCHEN FUNK's groove is timeless.

A resounding success with "PUSSY CALL"
Before this resurgence, KITCHEN FUNK had made a lasting impression with "PUSSY CALL", a hit that received critical acclaim on Europe 2, NRJ, and RADIO FG. This success allowed the duo to sign with CHRYSALIS PUBLISHING and then 909 RECORDZ (WARNER FRANCE), confirming their place in the French music scene.

A promising future
And this is just the beginning... Boosted by this renewed interest, KITCHEN FUNK is preparing new projects, supported by Jean Jérôme, a key player in the success of "PUSSY CALL." A return to the stage is in the works, ready to rekindle the flame of funk, hip-hop, and house music for a new generation of enthusiasts.

Mit "Everybody Loves the Sunshine" (1976) vermischt Roy Ayers nahtlos die Genres Soul, Funk & Jazz und erschafft einen zeitlosen Sound, der Musiker und DJs auf der ganzen Welt noch immer beeinflusst, mit dem Vibraphon als zentrales Instrument, ein Ansatz, der Ayers einzigartigen Stil definiert. Im Jahr 1976 veröffentlichte der legendäre Musiker und Komponist Roy Ayers mit ELTS eines der bedeutesten Alben seiner Karriere. Dieses Album festigte nicht nur Ayers' Stellung als Schlüsselfigur in der Welt des Jazz, sondern markierte auch einen Meilenstein in der Soulmusik und im zeitgenössischen Jazz-Funk. Es zeichnet sich durch eine raffinierte Mischung aus unwiderstehlichen Grooves, sanften Melodien und einem einzigartigen Sound aus, der über die Jahre hinweg nicht verblaaste und für mehrere Generationen von Musikern und Hörern zu einer Referenz wurde. Mitte der 70er Jahre hatte sich Ayers bereits mit seiner Band Roy Ayers Ubiquity und seinem unverwechselbaren Einsatz des Vibraphons, das zu seinem persönlichen Markenzeichen wurde, einen Namen gemacht. Und mit ELTS wagte sich Ayers an einen noch zugänglicheren Sound, auch als Reaktion auf den Aufstieg von Disco und das wachsende Interesse an Musik afro-amerikanischer Prägung überhaupt. In den zehn Tracks des Albums schafft Ayers eine Klangatmosphäre, die sowohl die Wärme des Sommers als auch die Raffinesse des Jazz jener Zeit heraufbeschwört, alles vor dem Hintergrund des modernen Soul. Produziert von Ayers selbst zusammen mit seinem Engineer und Freund David R. Williams zeichnet sich ELTS durch den wunderbaren Klang des Fender Rhodes Pianos von Phillip Woo sowie die kraftvolle Energie der restlichen Band aus, wodurch eine unverwechselbare Authentizität und Frische erreicht wird. Zu den bekanntesten Songs gehören der Titeltrack, "The Golden Rod" und "The Third Eye", die schnell zu Klassikern des Jazz-Funk und Soul wurden. Dieses Album ist für Roy Ayers' Karriere von entscheidender Bedeutung, da es seine Fähigkeit unter Beweis stellt, in einer sich ständig verändernden Musikindustrie relevant und kreativ zu bleiben. Im Laufe der Jahre wurde "Everybody Loves the Sunshine" zu einem Kultalbum, das häufig in DJ-Sets von Künstlern wie Gilles Peterson, Theo Parrish und Lefto gespielt Verwendung findet. Der Sommer-Soul-Klassiker jetzt wieder auf klassischem schwarzem 180g-Vinyl!

Yazz Ahmeds Album "Polyhymnia" (2019) feiert weiblichen Mut, Entschlossenheit und Kreativität. Im Auftrag der Tomorrow's Warriors schrieb sie 2015 ein längeres Werk für deren Nu Civilisation Orchestra, das am Internationalen Frauentag beim Women Of The World Festival in der Londoner Queen Elizabeth Hall aufgeführt wurde. In Anlehnung an Polyhymnia, die griechische Muse der Musik, Poesie und des Tanzes, schuf Yazz eine Reihe von Sätzen, die herausragenden weiblichen Vorbildern wie Rosa Parks, Haifaa Al-Mansour und Malala Yousafzai gewidmet waren. Dieses Album steht im Kontrast zu ihrem vorherigen Werk "La Saboteuse", das von ihrer inneren Zerstörerin oder Anti-Muse getrieben wurde.

Tartelet is pleased to welcome the tranquil acid delights of fast-rising Frankfurt-Leipzig duo not even noticed for a brightly melodic, rolling EP of positive party gear.

Since forming in 2020, the pair have won over a succession of well-established labels and dancefloors with their infectious, easy-going approach to acid and breakbeat. The mellow, soulful mood on their Aerial EP arrives as the perfect soundtrack to the brightening skies of Spring in the Northern hemisphere.

From the airy pads of 'Aerial' and the psychedelic chill-out breaks of 'Voidness' to the tough groove of 'Fidelity' and 'Affected's tightly wound electro framework, there's plenty of scope across the whole record without losing a grip on the warm and grounded mood that makes this duo such a resounding success wherever their music gets an airing.

Coming correct with an all-too-rare restorative quality to their tunes and a serious weight that comes to life over a big system, not even noticed are a perfect fit right here on Tartelet.

The 12-inch is limited to 300 copies and comes in a black sleeve with sticker.

Adeen Records is back with its The Bird series and this time Cad73 is the one at the buttons. First up he flips the age old classic 'Love and Happiness' into a smooth and seductive sound with lush chords and warming melodies. Flop it over and you will find a rework of 'How Can I Forget You' which becomes a Northern Soul great with big hooks and driving rhythms that will get big reactions in the club. Two different but equally effective and cultured cuts.

Zunächst nannte Gia Margaret ihr neues Album Romantic Piano, um ein wenig frech zu sein. Denn die sparsamen, sanften Klavierstücke haben mehr mit Erik Satie, Emahoy Tsegué-Maryam Guébrou und den "Marginalia"-Veröffentlichungen von Masakatsu Takagi gemeinsam als mit einem gemütlichen Date-Abend bei Kerzenschein. Doch in dieser Frechheit liegt eine verborgene Absicht: In dem wunderschönen Set wird "Romantik" in einem eher klassischen Sinne suggeriert, was die Deutschen als Waldeinsamkeit bezeichnen. Die Kompositionen beschwören die erhabenen Themen der romantischen Dichter herauf: Einsamkeit in der Natur, die Fähigkeit der Natur zu heilen und zu lehren, ein Gefühl von zufriedener Melancholie. "Ich wollte Musik machen, die nützlich ist", sagt Margaret und untertreibt damit gewaltig die Kraft der Platte. Romantic Piano ist neugierig, beruhigend, geduldig und unglaublich bewegend - aber es verweilt nicht länger als eine Sekunde. Margarets Debütalbum There's Always Glimmer war ein lyrisches Wunderwerk, aber als sie wegen einer Krankheit auf Tournee nicht mehr singen konnte, nahm sie ihr Ambient-Album "Mia Gargaret" (ein weiterer frecher Titel!) auf, das ein feines Gespür für Arrangement und Komposition zeigte, das bei den lyrischen Songs von There's Always Glimmer nicht voll zum Tragen kam. Auch Romantic Piano kommt fast ganz ohne Worte aus. "Das Schreiben von Instrumentalmusik ist im Allgemeinen ein viel freudigerer Prozess als das Schreiben von Lyrics und wirkt sich letztlich auf mein Songwriting aus.", sagt sie. Romantic Piano festigt sie als kompositorische Kraft. Ursprünglich hatte Margaret einen Abschluss in Komposition angestrebt, brach die Musikschule aber auf halbem Weg ab. "Ich wollte wirklich nicht in einem Orchester spielen", sagt sie über ihre Entscheidung, "ich wollte eigentlich nur Filmmusik schreiben. Dann begann ich, mich mehr und mehr darauf zu konzentrieren, eine Songschreiberin zu sein." Romantic Piano berührt in der Tat ein seltenes Gefühl in der Kunst, das oft nur dem Kino vorbehalten ist - die gleichzeitige Ehrfurcht vor dem Dasein mit der großen Linse und der intime innere Monolog nach der Sprache, wenn wir in unseren Schädeln festsitzen. Und das ist sehr romantisch!

REVOLT hits double digits with a special release from Athenian underground veteran Other Reality—aka Alex Psaltakis—a figure deeply rooted in the rave culture of the ’90s. His journey began in the late ’80s via the Amiga demoscene, inspired by the raw energy of acid house and hardcore breakbeat. By the mid-’90s, he was DJing at raves, clubs, and open-air festivals, fueled by a passion for psychedelic trance, ambient, Goa, and experimental acid rock. His dedication to the underground has remained unwavering ever since—fed by records, synthesizers, and a deep love for sound exploration.

Still Thrill EP is a 4-track release shaped by a wide musical range, bringing together elements of Detroit techno, trance, house, Goa, ambient, and progressive. More than just a debut on the REVOLT label, this is Other Reality’s first-ever release on vinyl—a deeply personal milestone shaped by years of dedication to his craft and the support of close friends and peers.

Crafted with a mix of hardware and software, the EP draws from years of studio sketches and archived musical ideas. A hidden detail runs through it: a fragmented sample from a rock track that deeply marked Alex in the past—a line that never fully completes in the track.

Each piece carries emotional weight and narrative depth, blending analog warmth with timeless dancefloor energy. The EP moves effortlessly through moods—nostalgic yet forward-looking, playful yet deeply personal.

Ohm ’95—with a name that subtly hints at the Goa trance soul—delivers acid basslines, trance elements, and dreamy pads. A transcendental, unifying experience. Kinda Free pulses gently like a groovy caress at dawn, with dreamy layers, steady rhythm, and acid touches that feel both tender and elevating. More Than Advice embraces movement, disorder, and acceptance, rolling through intricate percussions, hypnotic loops, and a cosmic atmosphere. Emotional and raw. Still Thrill closes the EP with slow-motion energy, submerged in flowing textures and a fluid, nostalgic groove.

Vinyl only. Limited edition.

Glasgow-based Effective Dreaming—the solo project of Scottish artist and musician Iain Ross—unveils Dream Catalogue Vol. 1, arriving June 21st, 2025 (Summer Solstice) via Swedish experimental label Fluere Tapes.

Issued as a limited run of 50 cassettes, each adorned with hand-worked, corroded copper sheet inserts and labels, Dream Catalogue Vol. 1 feels less like a release and more like an unearthed artefact: weathered, humming, quietly alive. The materials echo the music’s exploration of fragile impermanence and erosion: oxidised metal, magnetic tape, hiss, hum. A tactile world where sound wears its decay like a patina.

Across its length, the album unfolds in a series of flickering vignettes—drifting, dissolving, reappearing. Shaped by synths, environmental recordings, tape loops, and soft drones, the pieces move like glints of light on water—never fixed, always in motion. Achingly beautiful melodies rise and vanish, tracing fragile pathways through a landscape of shifting sensations. Some moments glow with a gentle warmth, like sunlit glass or breath on a fogged mirror. Others slip into shadow: slow, submerged passages feel closer to memory than music. The album feels loose and weightless, yet dense with feeling—a presence more sensed than held.

There is no fixed narrative here—only fragments and artefacts, half-remembered places, echoes of dreams. Each track hovers just at the edge of clarity, evoking not specific stories, but moods, textures, and the quiet drift of time. It’s music that feels both intimate and remote, like overhearing a distant signal only you can understand.

The name Effective Dreaming is drawn from Ursula K. Le Guin’s The Lathe of Heaven, where a dreamer's visions alter the very fabric of reality—past and present reshaped, histories rewritten, unnoticed by all but the dreamer himself. In a similar spirit, Ross’s music inhabits a space where memory, perception, and matter blur—where each sound carries the residue of something once real, now transformed and dissolving as one drifts through the seams of the world.

Dream Catalogue Vol. 1 is a meditation on texture, transience, and the quiet resonance of what slips away.

For listeners of: Wave Temples, Dolphins Into the Future, Guenther Schlienz"

[o] B8 Back In The Highlife; Producer, Engineer – Paul Q. Kolderie, Sean Slade; Written-By [Uncredited] – Steve Winwood, Will Jennings

Father's Children waren eine Funkband, die sich Ende der 1960er aus der in Washington D.C. ansässigen Doo-Wop-Formation The Dreams entwickelte. 1979 nahmen sie als achtköpfige Band unter der Leitung von Wayne Henderson (The Crusaders) und Augie Johnson (Side Effect) ihr selbstbetiteltes Debütalbum auf, an dem auch Bobby Lyle (The Genie) und Dean Gant (Keni Burke) beteiligt waren. Die beiden Keytracks des Albums - der oft gesampelte, britische Rare-Groove "Hollywood Dreaming" und der Two-Stepper "Got To Get Away" - werden hier erstmals zusammen auf einer 7" präsentiert, dazu noch erstmals in den vollständigen Albumversionen.

Seit Mitte der 1980er Jahre prägt Caspar Brötzmann einen unverkennbaren Sound - infernal, radikal, kompromisslos. Unbeirrt verfolgt er seinen eigenen Weg, jenseits klarer Genregrenzen. Als Sohn des berühmten Saxofonisten Peter Brötzmann fand er früh seine künstlerische Identität und entwickelte eine einzigartige Klangsprache, die sich in brachialer Katharsis entlädt. Seine Musik ist keine Anpassung an Trends, sondern eine sensible, leidenschaftliche, fast autistisch anmutende Annäherung an Verzweiflung und Wut - und doch voller Hoffnung. Mit seiner virtuosen Eigenständigkeit am Instrument ist er eine Ausnahmeerscheinung. Ein atonaler Hendrix, made in Germany. Nach der Veröffentlichung seiner ersten Komposition "The Lovers And Destroyers" mit Caspar Brötzmann Bass Totem im Herbst 2024 veröffentlicht der international renommierte Gitarrist nun eine Platte mit seiner Band Massaker beim deutschen Label Exile On Mainstream. Es ist die erste Aufnahme der genreprägenden Band seit 26 Jahren nach dem letzten, 1999 erschienen Album "Mute Massaker". "It's a Love Song" besteht aus zwei unterschiedlichen Versionen seines Songs "All This Violence", die im Januar 2025 in Wien und Dresden mit Saskia von Klitzing (Drums) und Eduardo Delgado Lopez (Bass) aufgenommen wurden. Angesichts der aktuellen Weltlage entschied Brötzmann, mit "All This Violence" ein klares Zeichen zu setzen. Er selbst schreibt dazu: " Schon nach ein paar Augenblicken war klar: was ich hier hörte, hatte die Botschaft, die Kraft und spiegelt unser Zeitgeschehen wieder. Keine von meinen Studioaufnahmen hatte diese Power. Und das war nur die eine Seite, es bedeutete auch den Spalt zwischen Schwarz und Weiß zu finden, zwischen Hell und Dunkel und zwischen Leicht und Schwer, wohin mit all meinen anderen Songs? Lange, lange habe ich nach der Achse gesucht und völlig unerwartet stand sie plötzlich neben mir im Raum . . ."