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Die dreifache Grammy-Gewinnerin Hilary Hahn präsentiert ihre neue Aufnahme von Eugène Ysaÿes sechs Sonaten für Violine solo op. 27. Inspiriert durch J.S. Bach schrieb der legendäre belgische Geiger und
Komponist Eugène Ysaÿe im Juni 1923 das erste Werk eines Zyklus aus sechs Sonaten. 100 Jahre später hat Hilary Hahn, „eine der wichtigsten Geigerinnen unserer Zeit“ (The New York Times), diesen Zyklus aufgenommen – angetrieben vom bevorstehenden 100-jährigen Jubiläum.

„Ich staune immer wieder über mein Glück, in dieser musikalischen Traditionslinie zu stehen“ sagt Hahn.
„Vor 20 Jahren waren mir diese Stücke irgendwie fremd, sie schienen Geheimnisse zu enthalten, die ich niemals enträtseln würde. Jetzt denke ich, ich kann diese Sonaten in seinem Geiste spielen und mir dabei trotzdem absolut treu bleiben.“

Eugène Ysaÿe (1858-1931), der weithin als einer der ersten modernen Geiger gilt, schuf technische und künstlerische Maßstäbe für sein Instrument, die bis heute gelten. Koryphäen wie Franck, Debussy und
Chausson komponierten bedeutende Werke für ihn. Im letzten Jahrzehnt seines Lebens konzentrierte sich Ysaÿe mehr auf das Komponieren. Er begann mit dem Schreiben der sechs Sonaten für Violine solo, nachdem er den ungarischen Virtuosen Joseph Szigeti Bachs Partiten und Sonaten für Solovioline spielen hörte. Hilary Hahn fasst ihre Bedeutung zusammen und beschreibt sie als „legendär, sie haben Generationen von Geigern geprägt und sind eine wunderbare Hommage an das Instrument“.

Neuaufgelegt - das unglaubliche Debütalbum der 90er Popgruppe RSF ist endlich wieder in seiner ursprünglichen Form auf CD und LP erhältlich. Mit den Hitsingles "Deeply Dippy", "Don't Talk Just Kiss" und dem Welthit "I'm Too Sexy" (kürzlich neu interpretiert von Beyoncé, Taylor Swift und Drake). "A cultural touchstone" Rolling Stone. UP ist das erste Album der englischen Popgruppe Right Said Fred, das ursprünglich 1992 veröffentlicht wurde. Das Album (Us Billboard # 46, UK Album Charts # 1) enthält RSFs einzigen Top-40-Hit in den Vereinigten Staaten, "I'm Too Sexy", der im Februar 1992 sogar drei Wochen lang die Nummer eins der US Billboard Hot 100 war, sowie ihren einzigen Nummer-Eins-Hit im Vereinigten Königreich, "Deeply Dippy", der sich von April bis Mai 1992 drei Wochen lang in dieser Position hielt. Neben "I'm Too Sexy" gibt's auf UP noch mehr unerbittliche Hooks, viele campy Albernheiten und niveauvollen Trash, welche sich fast alle zu Ohrwürmern entwickeln, darunter die Albumtracks "No One on Earth", "Do Ya Feel" sowie natürlich die allseits beliebten "Don't Talk Just Kiss" (#2 Deutsche Single Charts) und "Deeply Dippy" (#1 UK Single Charts).1992 Album Charts G/S/A: Österreich (Ö3 Austria) #1, Deutschland (Offizielle Top 100) #8, Schweiz (Schweizer Hitparade) #22! "If Martians tried to approximate Earth music by channeling frivolous Top 40 like ABBA's, overwrought cabaret like Liza Minnelli's, and smart disco like the Pet Shop Boys', the result might sound like Up. - Arion Berger/Entertainment Weekly, 1992 Als klassisch schwarzes Vinyl mit DLC (streng limitierte rote LP mit DLC ebenfalls erhältlich) oder CD in Karton-Klappcover!

Neuaufgelegt - das unglaubliche Debütalbum der 90er Popgruppe RSF ist endlich wieder in seiner ursprünglichen Form auf CD und LP erhältlich. Mit den Hitsingles "Deeply Dippy", "Don't Talk Just Kiss" und dem Welthit "I'm Too Sexy" (kürzlich neu interpretiert von Beyoncé, Taylor Swift und Drake). "A cultural touchstone" Rolling Stone. UP ist das erste Album der englischen Popgruppe Right Said Fred, das ursprünglich 1992 veröffentlicht wurde. Das Album (Us Billboard # 46, UK Album Charts # 1) enthält RSFs einzigen Top-40-Hit in den Vereinigten Staaten, "I'm Too Sexy", der im Februar 1992 sogar drei Wochen lang die Nummer eins der US Billboard Hot 100 war, sowie ihren einzigen Nummer-Eins-Hit im Vereinigten Königreich, "Deeply Dippy", der sich von April bis Mai 1992 drei Wochen lang in dieser Position hielt. Neben "I'm Too Sexy" gibt's auf UP noch mehr unerbittliche Hooks, viele campy Albernheiten und niveauvollen Trash, welche sich fast alle zu Ohrwürmern entwickeln, darunter die Albumtracks "No One on Earth", "Do Ya Feel" sowie natürlich die allseits beliebten "Don't Talk Just Kiss" (#2 Deutsche Single Charts) und "Deeply Dippy" (#1 UK Single Charts).1992 Album Charts G/S/A: Österreich (Ö3 Austria) #1, Deutschland (Offizielle Top 100) #8, Schweiz (Schweizer Hitparade) #22! "If Martians tried to approximate Earth music by channeling frivolous Top 40 like ABBA's, overwrought cabaret like Liza Minnelli's, and smart disco like the Pet Shop Boys', the result might sound like Up. - Arion Berger/Entertainment Weekly, 1992 Als klassisch schwarzes Vinyl mit DLC (streng limitierte rote LP mit DLC ebenfalls erhältlich) oder CD in Karton-Klappcover!

Als autodidaktische Musikerin und charakteristisch private Künstlerin, die ihr Leben ihrer Arbeit widmet, taucht die amerikanische Songwriterin Julie Byrne nach über sechs Jahren seit ihrem ihrem letzten Album "Not Even Happiness" aus einer zutiefst anstrengenden und generativen Phase mit der kraftvollsten, glänzendsten und lebensbejahendsten Musik ihrer Karriere auf. The Greater Wings wurde über mehrere Jahreszeiten hinweg geschrieben, mit Bildern von Nächten auf Tour, Zeiten der Isolation und den Fahrten quer durchs Land für die verschiedenen Kollaborationen zwischen Chicago, New York und Los Angeles. Die Aufnahmen begannen mit dem verstorbenen Eric Littmann (Phantom Posse, Steve Sobs), ihrem langjährigen kreativen Partner und Not Even Happiness-Produzenten, und endeten in den Catskills von New York mit dem Produzenten Alex Somers (Sigur Rós, Julianna Barwick). Obwohl sie die Plastizität des Verlustes in sich tragen, sind die Lieder universell, ungezügelt in ihrer Hingabe und Freude. Byrne lehnt sich weiter in Atmosphären, die sowohl weitläufig als auch intim sind; das üppige, beschwörende Songhandwerk fließt zwischen ihrer charakteristischen fingergezupften Gitarre, dem Synthesizer und einem neu hinzugefügten Klavier, das durch Ausschmückungen mit Harfe und Streichern erweitert wird. Es ist der transzendente Klang von Ressourcen, von Freundschaft, die nie ohne Romantik war, von Loyalität, die von innen heraus brennt wie ein brennendes Herz, und der Lebenskraft, die in unwiederholbaren Momenten heraufbeschworen wird - roh, wunderschön und wild. "Meine Hoffnung für The Greater Wings ist, dass es als Liebesbrief an meine auserwählte Familie und als Ausdruck der Tiefe meines Engagements für unsere gemeinsame Zukunft lebt", erklärt Byrne. "Durch die Trauer neu geformt zu werden, hat mir auch bewusster gemacht, was der Tod mir nicht nimmt. Das nehme ich mir zu Herzen, in Worte, in Töne. Musik ist nicht an eine lineare Zeit gebunden, so dass sie in der Lage ist, die Zukunft aufzuzeichnen und zu ihr zu sprechen: So hat es sich für mich angefühlt, als wir gleichzeitig lebendig waren und alles auf einmal geschah. Wie es sich angefühlt hat, an meine Grenzen zu gehen und zu stoßen, die Liebe, die diesen ganzen Kampf wert war. Diese Erinnerungen sind meine Werte, sie gehören zu mir."

Als autodidaktische Musikerin und charakteristisch private Künstlerin, die ihr Leben ihrer Arbeit widmet, taucht die amerikanische Songwriterin Julie Byrne nach über sechs Jahren seit ihrem ihrem letzten Album "Not Even Happiness" aus einer zutiefst anstrengenden und generativen Phase mit der kraftvollsten, glänzendsten und lebensbejahendsten Musik ihrer Karriere auf. The Greater Wings wurde über mehrere Jahreszeiten hinweg geschrieben, mit Bildern von Nächten auf Tour, Zeiten der Isolation und den Fahrten quer durchs Land für die verschiedenen Kollaborationen zwischen Chicago, New York und Los Angeles. Die Aufnahmen begannen mit dem verstorbenen Eric Littmann (Phantom Posse, Steve Sobs), ihrem langjährigen kreativen Partner und Not Even Happiness-Produzenten, und endeten in den Catskills von New York mit dem Produzenten Alex Somers (Sigur Rós, Julianna Barwick). Obwohl sie die Plastizität des Verlustes in sich tragen, sind die Lieder universell, ungezügelt in ihrer Hingabe und Freude. Byrne lehnt sich weiter in Atmosphären, die sowohl weitläufig als auch intim sind; das üppige, beschwörende Songhandwerk fließt zwischen ihrer charakteristischen fingergezupften Gitarre, dem Synthesizer und einem neu hinzugefügten Klavier, das durch Ausschmückungen mit Harfe und Streichern erweitert wird. Es ist der transzendente Klang von Ressourcen, von Freundschaft, die nie ohne Romantik war, von Loyalität, die von innen heraus brennt wie ein brennendes Herz, und der Lebenskraft, die in unwiederholbaren Momenten heraufbeschworen wird - roh, wunderschön und wild. "Meine Hoffnung für The Greater Wings ist, dass es als Liebesbrief an meine auserwählte Familie und als Ausdruck der Tiefe meines Engagements für unsere gemeinsame Zukunft lebt", erklärt Byrne. "Durch die Trauer neu geformt zu werden, hat mir auch bewusster gemacht, was der Tod mir nicht nimmt. Das nehme ich mir zu Herzen, in Worte, in Töne. Musik ist nicht an eine lineare Zeit gebunden, so dass sie in der Lage ist, die Zukunft aufzuzeichnen und zu ihr zu sprechen: So hat es sich für mich angefühlt, als wir gleichzeitig lebendig waren und alles auf einmal geschah. Wie es sich angefühlt hat, an meine Grenzen zu gehen und zu stoßen, die Liebe, die diesen ganzen Kampf wert war. Diese Erinnerungen sind meine Werte, sie gehören zu mir."

Ein exzellentes Album, das jedem Black, Death oder Symphonic Metal Fan gefallen sollte! Zum ersten Mal auf Vinyl! Hollenthon ist eine Symphonic Death Metal-Band, die von Martin Schirenc von Pungent Stench gegründet wurde. Hollenthon debütierten 1999 mit "Domus Mundi" und erlangten mit ihrem zweiten Album "With Vilest of Worms" Kultstatus.mit ihrem zweiten Album "With Vilest of Worms to Dwell" im Jahr 2001. Nach diesem Album wurde es ruhig an der Hollenthon-Front, da Schirenc sich darauf konzentrierte, Pungent Stench wieder zusammenzubringen. Nach zwei Pungent Stench-Alben kehrte Schirenc jedoch zu Hollenthon zurück und "Opus Magnum" war das Ergebnis."Opus Magnum" zeigt eine neue Entwicklung des Bandsounds, da die symphonisch-orchestralen Elemente nahtlos mit dem gebotenen Death Metal verschmelzen. Das Album zeichnet sich durch großzügige Chöre, Synthesizer, Streicherarrangements und weiblichen Soprangesang aus, die sich perfekt mit Schirencs
klassischen und ethnischen europäischen Folk-Elementen verbinden. Das Gitarrenspiel hat ein neues Niveau erreicht, mit unglaublichen Soli auf dem gesamten Album. Das Album ist ein perfektes Ganzes, bei dem jeder Song anders ist, aber dennoch einwandfrei zusammenarbeitet. Hollenthon experimentiert auf diesem Album furchtlos mit verschiedenen Sounds, und das funktioniert unglaublich gut. Das Album ist ein durchgehendes, hochenergetisches Erlebnis, und jeder Song ist einzigartig und doch zusammenhängend. Fans von Therion und Symphonic Extreme Metal werden "Opus Magnum" lieben, das unserer Meinung nach sogar besser ist als alles, was Therion seit langem veröffentlicht hat. Insgesamt,"Opus Magnum"
ist eines der besten Extreme-Metal-Alben des Jahres 2008! Sehr empfehlenswert!

"With Vilest of Worms to Dwell" ist ein episches und majestätisches Kraftpaket! Dieses Album mischt Folk, Pagan Metal mit Death Metal Tendenzen.
Zum ersten Malauf Vinyl!Dieses Album ist ein Kraftpaket, ja, wir haben es gesagt... Mit Anflügen von Therion, gemischt mit melodischen Death Metal Tendenzen, bricht "With Vilest of Worms to Dwell" in seiner ganzen majestätischen und epischen Ausmaß und ist auch 22 Jahre nach seiner ersten Veröffentlichung im Jahr 2001 noch immer ein großes Vergnügen zu hören. Hollenthon demonstrieren ihre symphonischen Elemente von Anfang an, und die ersten drei Tracks sind geniale Kompositionen, die, obwohl sie unglaublich sind, dem Hörer Geduld abverlangen, die dann aber mit einer großen Belohnung belohnt wird. Hollenthon hat ein zugängliches Album geschaffen, aber man hört bei jedem Hördurchgang etwas Neues.Gleich zu Beginn springt "Y Draig Goch" mit einer wunderbaren "Aufbau"-Strophe heraus, bevor er in einen der headbangfähigsten, erhebenden Refrains mündet, die man seit langem hören wird.Zeit hören wirst. Klingt nach Power Metal? Weit gefehlt, Hollenthon spielen eine mitreißende Mischung aus Death Metal und orchestraler Musik, die an Therion meets Morbid Angel erinnert, aber viel, viel besser als dieser schlechte Vergleich klingen mag.

2023er LP Nachpressung auf schwarzem Vinyl! Nach eigenen Angaben verbrachten Gitarrist Mike Sullivan und Drummer Daniel Turncrantz eine gewisse Zeit in amerikanischen Nationalparks und fuhren durch Berglandschaften, als sie "Station" aufnahmen. Ihr Album klingt auch entsprechend episch, monumental und besitzt eine unglaubliche Tiefe. Sullivan und Turncrantz bekamen prominente Unterstützung vom THESE ARMS ARE SNAKES/BOTCH Bassisten Brian Cook, während sich Morgan Henderson von den BLOOD BROTHERS (R.I.P.) auf "Xavii" dem Kontrabass annimmt. Aufgenommen in Seattle von Mastermind Matt Bayles (ISIS, MASTODON, MINUS THE BEAR), verpasste er der Band diesen intensiven und beeindruckenden Klang und achtete gleichzeitig darauf, dass "Station" den Namen Album auch wirklich verdiente: ein kohärentes Werk, vom ersten Lied Campaign bis zum letzten Lied mit Double Bass Xavii. Insgesamt sechs Stücke befinden sich auf "Station" und es ist ohne Untertreibung instrumentaler Postrock at its best! Ein echtes Kunstwerk. Gegründet 2004 haben RUSSIAN CIRCLES von Anfang an mit Versatzstücken des Metal, Elementen des Minimal Jazz und kryptischen Riffs, die so klangen, als sei ein Komet in einer Großstadt eingeschlagen, verwirrt, polarisiert und unendlich verzückt. Ihre Musik verwebt einen Teppich aus intensivsten cinematischen Eindrücken, der einem auf der einen Seite mit seiner Härte den Boden unter den Füßen wegzieht, es auf der anderen Seite aber auch versteht, den Aufprall zu bremsen und für Kopfkino ohne Gleichen sorgt. "Enter", ihr Debüt von 2006, bescherte RUSSIAN CIRCLES Shows mit Größen wie TOOL, DALEK, DAUGHTERS und PELICAN. RUSSIAN CIRCLES setzen mit "Station" genau dort an, wo sie mit "Enter" aufhörten, erschließen sich aber gleichzeitig einen neuen Weg in die musikalische Tundra, um Kopf und Körper mitzuziehen und nicht nur dem Jahre 2008, sondern der ganzen Musikgeschichte ihren Stempel aufzudrücken.

2023er LP Nachpressung auf schwarzem Vinyl! Nach eigenen Angaben verbrachten Gitarrist Mike Sullivan und Drummer Daniel Turncrantz eine gewisse Zeit in amerikanischen Nationalparks und fuhren durch Berglandschaften, als sie "Station" aufnahmen. Ihr Album klingt auch entsprechend episch, monumental und besitzt eine unglaubliche Tiefe. Sullivan und Turncrantz bekamen prominente Unterstützung vom THESE ARMS ARE SNAKES/BOTCH Bassisten Brian Cook, während sich Morgan Henderson von den BLOOD BROTHERS (R.I.P.) auf "Xavii" dem Kontrabass annimmt. Aufgenommen in Seattle von Mastermind Matt Bayles (ISIS, MASTODON, MINUS THE BEAR), verpasste er der Band diesen intensiven und beeindruckenden Klang und achtete gleichzeitig darauf, dass "Station" den Namen Album auch wirklich verdiente: ein kohärentes Werk, vom ersten Lied Campaign bis zum letzten Lied mit Double Bass Xavii. Insgesamt sechs Stücke befinden sich auf "Station" und es ist ohne Untertreibung instrumentaler Postrock at its best! Ein echtes Kunstwerk. Gegründet 2004 haben RUSSIAN CIRCLES von Anfang an mit Versatzstücken des Metal, Elementen des Minimal Jazz und kryptischen Riffs, die so klangen, als sei ein Komet in einer Großstadt eingeschlagen, verwirrt, polarisiert und unendlich verzückt. Ihre Musik verwebt einen Teppich aus intensivsten cinematischen Eindrücken, der einem auf der einen Seite mit seiner Härte den Boden unter den Füßen wegzieht, es auf der anderen Seite aber auch versteht, den Aufprall zu bremsen und für Kopfkino ohne Gleichen sorgt. "Enter", ihr Debüt von 2006, bescherte RUSSIAN CIRCLES Shows mit Größen wie TOOL, DALEK, DAUGHTERS und PELICAN. RUSSIAN CIRCLES setzen mit "Station" genau dort an, wo sie mit "Enter" aufhörten, erschließen sich aber gleichzeitig einen neuen Weg in die musikalische Tundra, um Kopf und Körper mitzuziehen und nicht nur dem Jahre 2008, sondern der ganzen Musikgeschichte ihren Stempel aufzudrücken.

Wie 'Strange Weather' von 1987 ist 'Easy Come Easy Go' eine Cover-Sammlung, die Faithfull in verschiedenen musikalischen Settings präsentiert und dabei Songy von Merle Haggard, Smokey Robinson, Duke Ellington, Randy Newman, den Decemberists und Morrissey interpretiert. Mit einer umwerfenden Gästeliste, darunter Antony Hegarty , Rufus Wainwright, Teddy Thompson, Kate & Anna McGarrigle, Jarvis Cocker, Jenni Muldaur, Sean Lennon, Warren Ellis, Nick Cave und Keith Richards. Zur Stammband dieses Sets gehören Marc Ribot, Greg Cohen, Jim White, Rob Burger, Doug Weiselman, Steve Weisberg, Barry Reynolds u.a. Das stilistische Ausufern dieser 12 Songs ist unglaublich. Zum Beispiel ist der Album-Opener, ein Cover von Dolly Partons 'Down From Dover', mit der kompletten Band und 18 Gästen vertreten! Faithfulls charakteristische, tiefe Stimme zeigt sich in hervorragender Form und nimmt einen mit auf Reisen durch Liebe, Lust, Tragödie und Sehnsucht. Gatefold 180 Gr. Doppel-LP (Weißes Vinyl)!

Lisa Bassenge ist zurück, und sie hat Blumen mitgebracht. Mit "Wildflowers" vollendet sie ihre Trio-Trilogie, wieder mit Jacob Karlzon am Klavier und Andreas Lang am Bass - wie schon bei "Borrowed and Blue" (2018) und "Mothers" (2020).

Elf Songs sind es diesmal, scheinbar querbeet und doch aus einem Guss. Von Dolly Parton bis Depeche Mode reicht die Bandbreite auf "Wildflowers", von Bob Dylan bis Death Cab for Cutie. Dazu Lisa Bassenges hintergründig-melancholische Eigenkomposition "Morning Song". Ein bunter Strauß, aber so wie die drei ihn arrangieren und darbieten, wirken die einzelnen Stücke nicht zusammengewürfelt, sondern wie Kapitel einer Erzählung. Jedes schillert für sich, doch das Ganze ist mehr als die Summe seiner Teile.

Das gilt auch für das Trio selbst. Die beiden Musiker - Jacob Karlzon aus Schweden und Andreas Lang aus Dänemark - betten Lisa Bassenges unverwechselbare Stimme in einen warmen, im besten Sinn skandinavischen Sound: entspannt, aber stets verbindlich; sehr spielfreudig, aber nie aufdringlich. "Dieser Sound hat uns gefunden", sagt Lisa Bassenge. Und auf "Wildflowers" haben die drei ihn zur Vollendung gebracht. Jeder Takt des Albums bezeugt die unglaubliche Chemie zwischen der Sängerin und den Musikern.

Was die Songs außerdem verbindet, ist die Qualität der Lyrics. Es sind poetische Texte von existentieller Tiefe, und in Lisa Bassenges eindringlicher Interpretation und glasklarer Phrasierung werden sie zum berauschenden Kopfkino.

Ist das nun Jazz, Pop oder Chanson? Mit "Wildflowers" zeigt das Lisa Bassenge Trio einmal mehr souverän, wie fließend die Grenzen zwischen vermeintlich ganz unterschiedlichen Genres sind. Diese Musik braucht keine Schublade. Es geht ihr um die Schönheit und Wahrheit der Songs.

Rock & Roll, Rhythm & Blues, Mambos, Cha Chas, Exotisches, unglaublich Seltsames! Zusammengestellt wurden diese raren Stücke von Professor Bop, der vielen eigentlich als Radiomoderator bekannt ist. In mühsamer Kleinstarbeit wurden längst vergessene Geheimnisse der Musikgeschichte geborgen und liebevoll zusammengestellt.
"Down At The Ugly Men's Lounge" ist eine skurrile Zusammenstellung dieser Raritäten und soll dem Zuhörer eine Tür in die Vergangenheit öffnen, zum Hören und Tanzen anregen.

Seit Mitte der 90er-Jahre verbreiten die Norweger Nocturnal Breed mit ihrer extremen Interpretation von geschwärztem Thrash Metal Schrecken und Zerstörung in der Metal-Szene. Und das tun sie auch mit ihrem siebten Album 'Carry The Beast'. Nocturnal Breed, jetzt als Trio unterwegs, shredden wie eh und je und haben diesmal sogar Old-School-Heavy Metal in den Mix eingebracht. Es gibt also eine kleine Weiterentwicklung des Klangs, ohne zu sehr mit dem alten Sound zu brechen. Das Album spiegelt viele der dunkleren Seiten der Menschheit wider, die in den letzten zwei bis drei Jahren in den Vordergrund gerückt sind. Ohne modernes Equipment aufgenommen, ist der Sound gnadenlos ungezügelt und roh wie eine Kriegswunde.

Selected by Jim O’Rourke for his Tone Glow list of 25 albums that “never got their due”, Org was founded in the early 90’s by Espen Jensen and Kjetil D Brandsdal who would later go on to variously record as Elektrodiesel, Noxagt and Ultralyd in the swirl of the highly active Norwegian underground. “Org" was the only album the pair recorded as a duo, pressed in a meagre edition of just over 100 copies which disappeared almost as soon as they were made, lodged in the memory of the select few who have managed to hear it in the years since.

Made up of three long tracks, the near 20-minute ‘001’ opens the album with an extended organ zone-out matched with scraping factory machinery saturated into a dense cloud of harmonic fuzz. There's something transcendental about the sound that intersects with microtonal Alice Coltrane (particularly the unfairly maligned organ-only edition of "Turiya Sings"), as well as Pauline Oliveros and Ramleh. It’s music that pulls you in subconsciously; before you know it, you're fixating on the uncomfortable grind of metal on metal, buried mechanical rhythms and liturgical organ vamps that wind between industrial cacophony and sacred ritual music. For its last few seconds, we go into a full death metal tearout that fades out before it takes full flight, a glorious wtf.

‘002’ connects between minimalist drone styles and shoegaze, distorting fuzzed organ into pliable, dreamlike warbles that end up sounding like Kevin Shields' ‘Loveless’-era glides, or even Sunn O))) at their most devotional. Never losing the numbing overdriven mettle, its a piece that sounds spiritually entwined with Matthew Bower's Skullflower - a minimalist re-reading of high-contrast guitar music that takes all the psychoacoustic power and none of the annoying posturing.

For ‘003’, subaqueous organ is joined by synth and drum machine, sounding like the inspirational spark for Religious Knives' screwed 'n chopped cosmic psychedelia. The choice of sounds links it to Antena's foundational electro samba recordings too, but the overwhelming drone - a constant on all three compositions - connects the music to minimalist spirituals that have simmered beneath the DIY/avant garde for decades.

‘Org’ sits heavy on the nerves with overproof levels of mulched amp worship and ungodly, palms-down organ chords and wheezing, bezonked lines of melodic thought. 25 years out of sight and marinading in the archives, with the benefit of hindsight we can better understand the role these sounds played in the development of music in the contemporary sphere. It’s an important piece of the puzzle, one that makes valuable connections that, over time, have looked progressively more faint.

Seit Mitte der 90er-Jahre verbreiten die Norweger Nocturnal Breed mit ihrer extremen Interpretation von geschwärztem Thrash Metal Schrecken und Zerstörung in der Metal-Szene. Und das tun sie auch mit ihrem siebten Album 'Carry The Beast'. Nocturnal Breed, jetzt als Trio unterwegs, shredden wie eh und je und haben diesmal sogar Old-School-Heavy Metal in den Mix eingebracht. Es gibt also eine kleine Weiterentwicklung des Klangs, ohne zu sehr mit dem alten Sound zu brechen. Das Album spiegelt viele der dunkleren Seiten der Menschheit wider, die in den letzten zwei bis drei Jahren in den Vordergrund gerückt sind. Ohne modernes Equipment aufgenommen, ist der Sound gnadenlos ungezügelt und roh wie eine Kriegswunde.

ReRelease des 2022er Albums auf schwarzem Vinyl
CRO liebt das kreative Chaos und den Kosmos, der daraus entstehen kann. Wer einen Blick auf das Œuvre des 32-Jährigen in den letzten Wochen, Monaten und Jahren wirft, dem wird nicht entgehen, dass
die eine Berufsbezeichnung „Musiker“ für CRO längst zu kurz greift. Jeder „Rahmen“ – für CRO zu klein.

Gut, er war schon immer ein Künstler, dessen Werk einzig Resultat eines ausgeprägten und grenzenlosen Freiheitsdrangsist.

Zwei Alben in weniger als zwei Jahren. Schwindelerregender kreativer Output. Ausverkaufte Tour vor über 140.000 Zuschauer:innen. Design, Ausstellungen, NFTs. Unglaubliche Taktung.

Und trotz all des Tempos immer wieder ein großes Thema bei CRO: Zeit! Bewusst Sein. Auf „TRIP“ und dem jetzt anstehenden Nachfolger „11:11“. Zwei Alben. Zwei musikalische „Gedankengemälde“ quasi. Introspektion. Nachdenken. Fühlen. Die eigene Position ausloten. Im Chaos dieser Welt und im eigenen. Die eigenen Pole finden. Vergegenwärtigen. Sich justieren, den Boden spüren. Den Punkt, von dem aus immer wieder Neubeginn startet, definieren: 11:11 Die Ziffer „1“, als Symbol für Neubeginn. Als Ausgangspunkt für neue Kreisläufe und Beziehungen. Zu anderen, zu sich selbst, zum Ganzen. Antennen auf Empfang. Das Dauerrauschen ausblenden. Auch
zwischenmenschlich.

Militarie Gun aus Los Angeles kündigen ihr Debütalbum ”Life Under The Gun” an, das am 23. Juni über Loma Vista Recordings erscheinen wird.

Außerdem kündigten Militarie Gun für den Juli zwei Deutschland-Shows mit Rival Schools an. Zuvor brechen sie zu einer Reihe von weiteren EU- & UK-Terminen auf, darunter eine bereits ausverkaufte Show in London.
Es ist fast unmöglich, ”Life Under The Gun” zu beschreiben, ohne sich in Widersprüche zu verstricken. Ist es ungewöhnlich aggressive Popmusik oder ist es ungewöhnlich eingängiger Hardcore? Ist es zutiefst intellektuell oder ist es befriedigend urwüchsig? Ist es ein verletzlicher Versuch, lebenslange Verletzungszyklen auszupacken, oder ist es eine Sammlung von weltbewegenden, absurden Punk-Hymnen? Die Antwort liegt auf der Hand: Es ist alles davon. Es ist Militarie Gun.

Wye Oak, das Duo bestehend aus Jenn Wasner und Andy Stack, veröffentlicht mit Every Day Like The Last eine Sammlung brandneuer Songs und bereits veröffentlichter Singles, mit der die Band neue Wege beschreitet. Die neun Songs auf Every Day Like The Last stammen aus einer Zeit, in der sich Wye Oak nach mehr als einem Jahrzehnt kontinuierlicher Albumveröffentlichungen und Tourneen im Umbruch befanden. Die musikalische Partnerschaft von Jenn Wasner und Andy Stack erblühte in der Ungewissheit dieser Zeit, wann immer sie spürten, dass Wye Oak etwas zu sagen hatten. Sie gingen dazu über, schnell EPs und Singles zu schreiben, aufzunehmen und digital zu veröffentlichen. Klanglich kehrten Wasner und Stack zu den Grundlagen zurück. Sie balancierten das Organische und das Künstliche aus und nutzen Elektronik und Programmierung, um neue Texturen hinzuzufügen. Für Stack gibt es einen roten Faden, der sich durch das scheinbare Chaos zieht: "Freude im Untergang der Welt zu finden". Every Day Like The Last tut genau das, indem es den Hörer an die neuen Höhen erinnert, die Wye Oak seit 2018's The Louder I Call, The Faster It Runs erreicht haben, während es einen Blick ins Ungewisse wirft, was vor uns liegt. Der Titel dieser Sammlung erkennt diese Dualität an, indem er sie wie eine Frage stellt: "Jeder Tag wie der Tag davor" oder "Jeder Tag wie der letzte Tag auf der Erde"? "Beide Bedeutungen treffen zu", sagt Wasner. Es gibt keine einfachen Antworten.

Wye Oak, das Duo bestehend aus Jenn Wasner und Andy Stack, veröffentlicht mit Every Day Like The Last eine Sammlung brandneuer Songs und bereits veröffentlichter Singles, mit der die Band neue Wege beschreitet. Die neun Songs auf Every Day Like The Last stammen aus einer Zeit, in der sich Wye Oak nach mehr als einem Jahrzehnt kontinuierlicher Albumveröffentlichungen und Tourneen im Umbruch befanden. Die musikalische Partnerschaft von Jenn Wasner und Andy Stack erblühte in der Ungewissheit dieser Zeit, wann immer sie spürten, dass Wye Oak etwas zu sagen hatten. Sie gingen dazu über, schnell EPs und Singles zu schreiben, aufzunehmen und digital zu veröffentlichen. Klanglich kehrten Wasner und Stack zu den Grundlagen zurück. Sie balancierten das Organische und das Künstliche aus und nutzen Elektronik und Programmierung, um neue Texturen hinzuzufügen. Für Stack gibt es einen roten Faden, der sich durch das scheinbare Chaos zieht: "Freude im Untergang der Welt zu finden". Every Day Like The Last tut genau das, indem es den Hörer an die neuen Höhen erinnert, die Wye Oak seit 2018's The Louder I Call, The Faster It Runs erreicht haben, während es einen Blick ins Ungewisse wirft, was vor uns liegt. Der Titel dieser Sammlung erkennt diese Dualität an, indem er sie wie eine Frage stellt: "Jeder Tag wie der Tag davor" oder "Jeder Tag wie der letzte Tag auf der Erde"? "Beide Bedeutungen treffen zu", sagt Wasner. Es gibt keine einfachen Antworten.

Das intensive, neue Album der britischen Alt Metal Durchstarter!
2021 haben die UK Alt Metal Durchstarter VEXED mit ihrem Debut Culling Culture eines der aufregendsten Alben des Genres veröffentlicht. Mit roher Brutalität und urbaner Attitüde entpuppte sich die Band als die Neuentdeckung der Szene und weckte schon bald großes Medieninteresse. Ein durchschlagender Erfolg, an den das Quartett jetzt mit dem Nachfolgewerk anknüpft, das unter dem Titel Negative Energy am 23. Juni 2023 über Napalm Records erscheint. Auf ihrem Zweitwerk stellen VEXED ihr neues Selbstvertrauen unter Beweis. Brachialer und ungezügelter denn je verarbeiten sie dabei Themen wie Tod, Verrat, Schmerz und Trauer durch markerschütternd ehrlichen, modernen Sound.

Wie bereits der Titel erahnen lässt, hält Negative Energy nichts von erzwungener Positivität. Vielmehr dienen die 13 neuen Songs als Selbsttherapie gegen den aufgestauten Frust der Band. VEXED verpacken tiefgründige und ergreifend ehrliche Lyrics und laufen dabei zu musikalischer Höchstform auf.

„Um Stärke zu finden mussten wir zuerst akzeptieren, dass es uns nicht gut geht, unser Trauma annehmen und uns ihm stellen, indem wir unsere Verletzlichkeit, Ängste und Schwächen teilen”, fügt die
Band hinzu. Negative Energy erweist sich als atemberaubendes, zerstörerisches musikalisches Ventil, das VEXED hernehmen, um vorhandenem Schmerzund Frust Luft zu machen und den frei gewordenen Platz voller Wucht mit Leben zu füllen.