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Manche Sensationen geschehen ohne großes Aufsehen, da sie fast selbstverständlich erscheinen. Ein solcher
Moment ereignete sich im Februar 1978 in der Berliner Philharmonie, als Herbert von Karajan die 14-jährige
Geigerin Anne-Sophie Mutter mit Mozarts G-Dur-Konzert dem Berliner Publikum vorstellte. Nachdem die
junge Musikerin ihre Feuertaufe mit Bravour bestanden hatte, strahlte der Dirigent und die Musiker der
Berliner Philharmoniker applaudierten begeistert – ein seltenes Ereignis. Ihre Mitmusiker und das Publikum
waren sich gleichermaßen bewusst, wie vielversprechend ihr Debüt gewesen war.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

Petruschka ist eines von drei Balletten, die Igor Strawinsky während seiner „russischen“ Periode komponierte. Mit Petruschka zeigte Strawinsky seine neo-folkloristische Seite und brachte eine bunte Straßenmenge mit einem Zauberer und seinen Puppen, Händlern und Mumien auf die Ballettbühne. Damit zeigte
er der Welt, dass Jahrmarkt und klassische Musik kein Widerspruch sind.
Dies ist eine der wenigen Produktionen der DG, bei der parallel digital auf 2 Spuren und analog auf 8
Spuren aufgenommen wurde. Durch die Verwendung des analogen 8-Spur-Masters ist diese Aufnahme nun
zum ersten Mal in rein analoger Form erhältlich.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche und Verzerrungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

Nach ihrem Auftritt auf der We Are Not Alone Pt. 9 Compilation präsentiert Sarah Sommers nun VIVID, ihre Solo-Debüt-EP auf BPitch - eine lebendige, kinetische Reise durch farbenfrohe Basslines, scharfe Percussions und lebhafte Atmosphären.

Die vom Planeten Pink stammende und in Berlin lebende Sarah Sommers hat mit ihren euphorischen, jenseitigen Livesets Dancefloors in ganz Europa und den USA zum Glühen gebracht. Seit sie in einer Spur von Glitzer auf der Erde gelandet ist, hat sie sich einen einzigartigen Raum geschaffen, in dem sie 90er-Jahre-Rave-Referenzen, dublastige Basslines und rohe Techno-Energie miteinander verbindet. Bekannt für ihren Old-School-Ansatz, bei dem nur Hardware zum Einsatz kommt, fängt diese Veröffentlichung sowohl die Körperlichkeit der Tanzfläche als auch die emotionale Energie ein, die über den Club hinausgeht. VIVID kanalisiert eine Reihe prägender Dancefloor-Erinnerungen - gefiltert durch einen ausgeprägten Produktionsinstinkt und durch die Vermischung von federnden Rhythmen mit rauen Texturen. Es bewegt sich auf dem schmalen Grat zwischen Funktion und Gefühl und fängt sowohl die rohe Energie der Tanzfläche als auch die emotionale Tiefe ein, die noch lange nachhallt.

Mit Money landete Mozzart 1987 einen echten Euro-DiscoHit, der bis heute als Club- und Genreklassiker gefeiert wird.

Treibende Beats, eingängige Synthesizer-Melodien und der typische 80er-Jahre-Disco-Sound machen diesen Track zu einem zeitlosen Highlight der europäischen Dance-Ära.

Jetzt ist „Money“ endlich wieder erhältlich – als limitierte Maxi Single auf farbigem Vinyl. Neben der originalen Version aus dem Jahr 1987 enthält diese Veröffentlichung brandneue Remixe, die dem Klassiker einen frischen, modernen Twist verleihen, ohne seinen ursprünglichen Charme zu verlieren.

Diese Maxi Single ist ein Muss für Sammler, DJs und alle Fans von Euro- und Italo-Disco.

Supercoole Debüt-7"-Single von Marco Benevento, einem echten Klaviervirtuosen, der schon seit seinem siebten Lebensjahr spielt. Seine Karriere hat ihn schon oft um die ganze Welt geführt, wodurch er eine umfangreiche Diskografie und einen Ruf als gefragter Session-Musiker aufgebaut hat. Leon Michels, Mitbegründer von Big Crown und Grammy-Gewinner, hat Marco zum ersten Mal während der Aufnahmen zum Album ,Adult Themes" von El Michels Affair ins Boot geholt. Seitdem hat er sein Talent in unzähligen Big Crown-Projekten eingebracht. Außerhalb des Labels ist Marcos unverwechselbarer Stil unter anderem auf Alben von Clairo, Kevin Morby und Freddie Gibbs zu hören. Aber genug davon, was er für andere gemacht hat - diese Veröffentlichung zeigt Marco von seiner besten Seite: Er macht sein eigenes Ding und das richtig gut. Die A-Seite ,Frizzante" ist pure Feierlichkeit, eingefangen auf Vinyl, die darauf wartet, von der Nadel befreit zu werden. Es ist ein energiegeladener, gut gelaunter Kracher, bei dem Marco Melodien mit sich selbst über einem unerbittlichen Groove austauscht. Von der ersten Note an zieht dich der mitreißende Topline-Riff in seinen Bann und macht Platz für kaskadenartige Klavierläufe, üppige Bläserarrangements und Schichten von E-Piano und Synthesizern, die die Energie immer weiter steigen lassen. Es gibt keine Pause, keine Entspannung - nur einen richtigen Soul-Jazz-Tanz. Auf der 2. Seite zeigt Marco mit ,Turnadot" eine ganz andere Seite seines Sounds, zusammen mit der italienischen Sängerin Marianne Mirage. Der Song ist eindringlich schön und filmisch und passt perfekt zwischen Portishead und Serge Gainsbourg. Mariannes Gesang schwebt über Marcos perfekt ausgewogenem Arrangement - seine Produktion ist sowohl zurückhaltend als auch ausdrucksstark und macht den Song universell fesselnd, unabhängig davon, ob man Italienisch spricht oder nicht.

Pelican war schon immer eine Band, die nicht nur aus Chicago kommt, sondern echt typisch für Chicago ist. Gegründet im Jahr 2000 von den Gitarristen Trevor Shelley de Brauw und Laurent Schroeder-Lebec zusammen mit den Brüdern Bryan und Larry Herweg am Bass und Schlagzeug, hat Pelican seine Wurzeln in der regel- und genreunabhängigen Szene, die man mit dem Fireside Bowl verbindet. Nachdem Schroeder-Lebec nach dem Weggang von Dallas Thomas im Jahr 2022 zur Band zurückgekehrt war, konnte Pelican in dieser wiedervereinigten Besetzung an den Geist ihrer Gründungszeit anknüpfen und mit ihrem 2025 erschienenen Album Flickering Resonance" etwas ganz Neues schaffen. Das Album ist bereits in der dritten Vinyl-Auflage. Sowohl neue als auch alte Fans stöbern wieder im Pelican-Katalog, was auch zu zusätzlichen Neupressungen und Wiederveröffentlichungen ihrer beliebtesten Titel geführt hat. Mit drei Vinyl-Neupressungen allein im ersten Jahr und mehreren Tourneen in den USA und Europa zur Unterstützung des Albums hat Pelican nun eine EP mit vier Titeln aus der Flickering Resonance"-Ära als neue 12"-EP Ascending" neu aufgelegt. Pelican-Fans werden die letzten beiden Tracks Adrift" und Tending the Embers" wiedererkennen, die 2024 digital selbst veröffentlicht wurden und nur auf einer limitierten Anzahl von Kassetten erhältlich waren. Diese 12"-Platte enthält auch eine Gesangsversion der Lead-Single Cascading Crescent" von Flickering Resonance mit Geoff Rickly von Thursday. Diese Version des Tracks war bisher nur auf einer limitierten Anzahl von 7"-Singles erhältlich, sodass sie nun zum ersten Mal digital veröffentlicht und auch in physischer Form allgemein verfügbar ist. Der Titeltrack der EP, Ascending", wurde etwa zur gleichen Zeit wie Flickering Resonance aufgenommen, aber nicht auf dem Album veröffentlicht, da er eher wie ein eigenständiges Werk wirkt. Die Zusammenführung dieser vier Tracks auf einer EP unterstreicht einmal mehr, dass Pelicans regelwidriger Ansatz der Kern dessen ist, was Pelican zu einer festen Größe in allen Genres macht, die sie erkunden.

Pelican war schon immer eine Band, die nicht nur aus Chicago kommt, sondern echt typisch für Chicago ist. Gegründet im Jahr 2000 von den Gitarristen Trevor Shelley de Brauw und Laurent Schroeder-Lebec zusammen mit den Brüdern Bryan und Larry Herweg am Bass und Schlagzeug, hat Pelican seine Wurzeln in der regel- und genreunabhängigen Szene, die man mit dem Fireside Bowl verbindet. Nachdem Schroeder-Lebec nach dem Weggang von Dallas Thomas im Jahr 2022 zur Band zurückgekehrt war, konnte Pelican in dieser wiedervereinigten Besetzung an den Geist ihrer Gründungszeit anknüpfen und mit ihrem 2025 erschienenen Album Flickering Resonance" etwas ganz Neues schaffen. Das Album ist bereits in der dritten Vinyl-Auflage. Sowohl neue als auch alte Fans stöbern wieder im Pelican-Katalog, was auch zu zusätzlichen Neupressungen und Wiederveröffentlichungen ihrer beliebtesten Titel geführt hat. Mit drei Vinyl-Neupressungen allein im ersten Jahr und mehreren Tourneen in den USA und Europa zur Unterstützung des Albums hat Pelican nun eine EP mit vier Titeln aus der Flickering Resonance"-Ära als neue 12"-EP Ascending" neu aufgelegt. Pelican-Fans werden die letzten beiden Tracks Adrift" und Tending the Embers" wiedererkennen, die 2024 digital selbst veröffentlicht wurden und nur auf einer limitierten Anzahl von Kassetten erhältlich waren. Diese 12"-Platte enthält auch eine Gesangsversion der Lead-Single Cascading Crescent" von Flickering Resonance mit Geoff Rickly von Thursday. Diese Version des Tracks war bisher nur auf einer limitierten Anzahl von 7"-Singles erhältlich, sodass sie nun zum ersten Mal digital veröffentlicht und auch in physischer Form allgemein verfügbar ist. Der Titeltrack der EP, Ascending", wurde etwa zur gleichen Zeit wie Flickering Resonance aufgenommen, aber nicht auf dem Album veröffentlicht, da er eher wie ein eigenständiges Werk wirkt. Die Zusammenführung dieser vier Tracks auf einer EP unterstreicht einmal mehr, dass Pelicans regelwidriger Ansatz der Kern dessen ist, was Pelican zu einer festen Größe in allen Genres macht, die sie erkunden.

Voivod wurde 1982 in Jonquière, Quebec, von Sänger Denis „Snake“ Belanger, Gitarrist Denis „Piggy“ D'Amour, Bassist Jean-Yves „Blacky“ Thériault und Schlagzeuger Michael „Away“ Langevin gegründet und nahm eine Reihe von Demos auf, bevor Brian Slagel auf die Band aufmerksam wurde und einen Vertrag mit Metal Blade Records unterzeichnete. Das Ergebnis war das furiose Debütalbum „War And Pain“, das im August 1984 veröffentlicht wurde. Zu dieser Zeit teilten sich alle vier Mitglieder eine Wohnung in Montreal und lebten von 150 Dollar Sozialhilfe pro Woche. Da sie die Schule bereits hinter sich hatten, konnten sie fast jeden Tag proben, was zur Entstehung ihres zweiten Albums „Rrröööaaarrr“ führte. Während der Aufnahme des Albums wurde fast die gesamte Ausrüstung aus dem Proberaum gestohlen. Um Geld aufzutreiben, organisierte die Band zusammen mit ihrem Manager Maurice Richard das legendäre „World War III“-Festival. Dort lernten sie Karl-Ulrich Walterbach kennen, der Voivod davon überzeugte, bei seinem Label Noise Records zu unterschreiben. Nach „Rrröööaaarrr“ von 1986 hieß Voivods zweites Album für Noise „Killing Technology“ und gilt weithin als der größte kreative und klangliche Sprung der Band. Es wurde in West-Berlin unter den wachsamen Augen von Harris Johns aufgenommen und kam 1987 auf den Markt. Weniger hektische Kompositionen wie „Tornado“, „Ravenous Medicine“ oder „Killing Technology“ hoben die Kanadier schnell von ihren Thrash-Zeitgenossen ab. „Rrröööaaarrr„ haben wir mit unserem Tontechniker in einer heruntergekommenen Schule ohne Geld selbst produziert“, erklärt Michael Langevin in dem Buch „Damn The Machine. The Story Of Noise Records“ des amerikanischen Autors David E. Gehlke. „Plötzlich hatten wir ein professionelles Umfeld, ein richtiges Studio mit einem richtigen Produzenten und ein Label, das die Finanzierung sicherstellte. Es ging Schritt für Schritt. Für „Killing Technology“ haben wir vielleicht ein bisschen langsamer gemacht. Wir konnten die Rollen spielen, und es hat viel Abwechslung. Es ist mein Lieblingsalbum und in meinen Ohren die perfekte Mischung aus Thrash, Prog und Hardcore. Es ist definitiv ein entscheidendes Album.“

Auf ihrem dritten Album bei Oh Boy Records und ihrem fünften seit Beginn ihrer Karriere vor einem Jahrzehnt stellt Emily Scott Robinson erneut ihre Meisterschaft als Performerin und Geschichtenerzählerin unter Beweis. Mit Appalachia - aufgenommen in den Dreamland Recording Studios mit dem Grammy-nominierten Produzenten Josh Kaufman - öffnet sich Robinson für Experimente und singt mit ihrer kristallklaren Stimme über Widerstandsfähigkeit, Liebe, Trauer und Hoffnung. Robinsons Talent ist keine Überraschung - sie ist mittlerweile eine erfahrene Tournee-Künstlerin, sowohl im In- als auch im Ausland. Ihre Alben ,Traveling Mercies" (2019) und ,American Siren" (2021) landeten jeweils ganz oben auf den Jahresendlisten ,Best Country and Americana Albums" des Rolling Stone und ,10 Best Country Albums" von Stereogum. Sie wurde von der Washington Post, Billboard, American Songwriter und No Depression gelobt und erreichte mit ihrem Song ,Let 'Em Burn" Platz 19 der NPR-Liste ,100 Best Songs of 2021". Es war ihre 2020 veröffentlichte Single ,The Time for Flowers", eine Hymne der Hoffnung, die sie zu Hause inmitten der globalen Pandemie aufgenommen hatte, die die Aufmerksamkeit von Oh Boy Records auf sich zog, dem 1981 von John Prine gegründeten Independent-Label. Robinson ergriff die Gelegenheit, sich dem freigeistigen und beliebten Plattenlabel anzuschließen, das das Erbe ihres Helden weiterführt. Robinson ist überzeugt, dass die Songs auf ,Appalachia" die besten sind, die sie je geschrieben hat - sie singt über ihre an Demenz erkrankte Großmutter, einen Saloon voller schillernder Charaktere, in dem nur Bargeld akzeptiert wird, und über ihre Dankbarkeit für das Leben trotz aller Schwierigkeiten. Das Album enthält ein Duett mit dem Grammy-Gewinner John Paul White, das die Liebe feiert, die mit Narben und Alter einhergeht, sowie eine Hymne für alle, die jemals gescheitert sind oder hinter ihren Erwartungen zurückgeblieben sind. ,Es gibt etwas, das ich bei jeder Platte, die ich mache, tue", sagt sie. ,Ich verwebe ein Gebet darin und bitte darum, dass all diese Songs ihren Weg zu allen finden, die sie brauchen. Ich bitte diese Songs, von Nutzen zu sein, den Menschen zu helfen, Freude zu finden und zu erleben."

Gary Numans zweites Studioalbum "Telekon" wurde 1980 veröffentlicht und war sein drittes Album in Folge, das Platz #1 der britischen Charts erreichte. Gary bezeichnet dieses Album - zusammen mit seinen beiden Vorgängern, "Replicas" von Tubeway Army und seinem Solo-Debütalbum "The Pleasure Principle" - als die "Maschinen-Phase" seiner Karriere. Obwohl es schwierig war, an die vorherigen Veröffentlichungen anzuknüpfen, erwies sich "Telekon" als äußerst einflussreich. Im Gegensatz zu seinen Vorgängern enthält "Telekon" viele Gitarren, dazu Streicher und üppige Synthesizer-Klänge. Trent Reznor gab an, das Album während der Entstehung von "Pretty Hate Machine" täglich gehört zu haben. Diese erweiterte Deluxe-Edition enthält vier unveröffentlichte Tracks, darunter: "Like A B-Film", ein unvollendeter Song aus den "Telekon"-Sessions sowie drei frühere Versionen der Songs "Please Push No More", "Aircrash Bureau" und "I"m An Agent". Die 45th Anniversary Editions von "Telekon" wurden von Geoff Pesche in den Abbey Road Studios neu gemastert. Das Artwork stammt von Michael Speed (Beggars), der bereits mehrfach mit Gary an seinen Reissues gearbeitet hat. Alle Editionen enthalten dieselbe Tracklist.

Gary Numans zweites Studioalbum "Telekon" wurde 1980 veröffentlicht und war sein drittes Album in Folge, das Platz #1 der britischen Charts erreichte. Gary bezeichnet dieses Album - zusammen mit seinen beiden Vorgängern, "Replicas" von Tubeway Army und seinem Solo-Debütalbum "The Pleasure Principle" - als die "Maschinen-Phase" seiner Karriere. Obwohl es schwierig war, an die vorherigen Veröffentlichungen anzuknüpfen, erwies sich "Telekon" als äußerst einflussreich. Im Gegensatz zu seinen Vorgängern enthält "Telekon" viele Gitarren, dazu Streicher und üppige Synthesizer-Klänge. Trent Reznor gab an, das Album während der Entstehung von "Pretty Hate Machine" täglich gehört zu haben. Diese Deluxe Expanded Edition ist ein doppelte Rainbow Sparkle-Vinyl-LP mit vier bislang unveröffentlichten Tracks, darunter ein noch nie gehörter Gary-Numan-Song aus den Album-Sessions mit dem Titel "Like A B-Film". Diese Deluxe-Edition enthält außerdem eine Replika des originalen 12-seitigen Tourhefts von 1980.

Auf ihrem Debütalbum ist eine lange Liste von Elite-Musikern aus der Daptone-Familie zu hören, die alle mit ihrem Talent dazu beigetragen haben, Pazners kreative Vision zu verwirklichen. Das Album wurde mit großem Beifall aufgenommen und erlangte schnell den Ruf als eines der besten Instrumental-Soul-Alben des Jahrzehnts – mit Rezensionen von Pitchfork, American Songwriter, Brooklyn Vegan, Rolling Stone u.v.a.. Im digitalen Bereich wurde das Projekt durch ein unglaublich starkes organisches Wachstum bei den DSPs unterstützt, wobei die Streaming-Zahlen alle Erwartungen übertrafen und es zu einem Durchbruchserfolg sowohl für Daptone als auch für Pazner machten. Nach dem Erfolg seines Debütalbums verbrachte Pazner die nächsten Jahre damit, den musikalischen Kosmos zu erkunden – er schrieb Songs mit Lee Fields und begleitete ihn als Keyboarder auf Tournee. In dieser Zeit gründete er auch eine Familie. Diese Reihe von einschneidenden Lebensereignissen bereitete den Boden für das kommende Album „In Search of a Revival“ (Daptone Records).
Dieses Mal, ganze 10 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums, komponierte, arrangierte und produzierte Pazner das gesamte Album selbst. Mit einer Mischung aus Musikern, die bereits auf dem Debüt zu hören waren, sowie einer Handvoll Freunden und Mitwirkenden, die er auf seiner musikalischen Reise kennengelernt hat, bildete er ein 17-köpfiges Ensemble aus den besten Musikern der Szene. Während „The Olympians“ stark vom klassischen Soul-Stil von Curtis Mayfield und James Brown beeinflusst war, lehnt sich „In Search of a Revival“ an die goldene Ära der Wrecking Crew, die üppigen Texturen der Gold Star Studios, Vintage-Filmmusik und die eher unbekannten Ecken der cineastischen Klanglandschaften an. Von den kaskadenartigen Harfenklängen, die „Sirens of Jupiter“ eröffnen, bis hin zur treibenden Horns von „Sagittarius By Moonlight“ liefern The Olympians einen ganz eigenen neuen Sound: einen alten Traum vom fernen Griechenland, gemalt in üppigen, filmischen Arrangements über harten Rhythmen. In Search of a Revival ist auf dem besten Weg, ein weiterer Daptone-Klassiker zu werden – ein Album, das nicht nur die Traditionen des Instrumental-Soul würdigt, sondern auch einen kühnen neuen Standard für das Genre in den kommenden Jahren setzt.

Auf ihrem Debütalbum ist eine lange Liste von Elite-Musikern aus der Daptone-Familie zu hören, die alle mit ihrem Talent dazu beigetragen haben, Pazners kreative Vision zu verwirklichen. Das Album wurde mit großem Beifall aufgenommen und erlangte schnell den Ruf als eines der besten Instrumental-Soul-Alben des Jahrzehnts – mit Rezensionen von Pitchfork, American Songwriter, Brooklyn Vegan, Rolling Stone u.v.a.. Im digitalen Bereich wurde das Projekt durch ein unglaublich starkes organisches Wachstum bei den DSPs unterstützt, wobei die Streaming-Zahlen alle Erwartungen übertrafen und es zu einem Durchbruchserfolg sowohl für Daptone als auch für Pazner machten. Nach dem Erfolg seines Debütalbums verbrachte Pazner die nächsten Jahre damit, den musikalischen Kosmos zu erkunden – er schrieb Songs mit Lee Fields und begleitete ihn als Keyboarder auf Tournee. In dieser Zeit gründete er auch eine Familie. Diese Reihe von einschneidenden Lebensereignissen bereitete den Boden für das kommende Album „In Search of a Revival“ (Daptone Records).
Dieses Mal, ganze 10 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums, komponierte, arrangierte und produzierte Pazner das gesamte Album selbst. Mit einer Mischung aus Musikern, die bereits auf dem Debüt zu hören waren, sowie einer Handvoll Freunden und Mitwirkenden, die er auf seiner musikalischen Reise kennengelernt hat, bildete er ein 17-köpfiges Ensemble aus den besten Musikern der Szene. Während „The Olympians“ stark vom klassischen Soul-Stil von Curtis Mayfield und James Brown beeinflusst war, lehnt sich „In Search of a Revival“ an die goldene Ära der Wrecking Crew, die üppigen Texturen der Gold Star Studios, Vintage-Filmmusik und die eher unbekannten Ecken der cineastischen Klanglandschaften an. Von den kaskadenartigen Harfenklängen, die „Sirens of Jupiter“ eröffnen, bis hin zur treibenden Horns von „Sagittarius By Moonlight“ liefern The Olympians einen ganz eigenen neuen Sound: einen alten Traum vom fernen Griechenland, gemalt in üppigen, filmischen Arrangements über harten Rhythmen. In Search of a Revival ist auf dem besten Weg, ein weiterer Daptone-Klassiker zu werden – ein Album, das nicht nur die Traditionen des Instrumental-Soul würdigt, sondern auch einen kühnen neuen Standard für das Genre in den kommenden Jahren setzt.

Mit "All Tied Together" veröffentlichen Ye Vagabonds ihr bislang eindrucksvollstes Album - ein berührendes, cineastisches Werk voller Erinnerungen, Dankbarkeit und Gemeinschaft. Die vielfach preisgekrönten Brüder Brian und Diarmuid Mac Gloinn verweben in ihren neuen Songs Heimat, Verlust und Zusammenhalt zu einem emotionalen Klangteppich, der weit über Irland hinausreicht. Aufgenommen in einem alten Haus in Galway und produziert von Phil Weinrobe (Big Thief, Adrienne Lenker), entfaltet das Album eine organische Intensität - live eingespielt, ohne Kopfhörer, mit bis zu zehn Musiker:innen. Akustische und elektrische Gitarren, Harmonium, Moog-Synthesizer, Trompete, Cello und die unverwechselbare Geschwisterharmonie schaffen einen warmen, zugleich modernen Sound. Von der nostalgischen Erinnerung in "On Sitric Road" über die mitreißende Hymne "The Flood" bis zur zarten Liebeserklärung "Young Again" erzählen Ye Vagabonds von echten Orten, echten Menschen und dem Wunsch nach Zugehörigkeit. In Songs wie "Danny" und "Mayfly" finden die Übersehenen und Gestrandeten eine Stimme, während Stücke wie "Four Walls" Hoffnung und Halt feiern. "All Tied Together" ist eine Ode an Freundschaft, Verlust, Heimat und das gemeinsame Singen - ein Album, das Herz und Seele gleichermaßen wärmt und die verbindende Kraft der Musik spürbar macht.

In der Rock-Mythologie traf Robert Johnson 1930 an einer Kreuzung auf den Teufel und begründete damit den Rock'n'Roll. Fast hundert Jahre später, im Mai 2024, steht Dirty Sound Magnet vor seinem eigenen Schicksal, als es an der Zeit ist, ein neues Album aufzunehmen.Zum ersten Mal in ihrer Geschichte hat das Trio nicht den Luxus, jeden Schritt des Aufnahmeprozesses sorgfältig zu planen. Seit 2022, nach der Veröffentlichung ihres vielgelobten Albums DSM-III, spielt die Band 120 Konzerte pro Jahr und managt alle Aspekte ihrer Karriere selbst. Daher ist es 2024 für das Trio die einzige Möglichkeit, ein neues Album zu produzieren und aufzunehmen, indem es seinem Instinkt folgt. Me and My Shadow ist das Album, zu dessen Entstehung die Band bestimmt war - ein Album, auf dem alles auf elegante Weise zusammenkommt.Wie immer in der Rockgeschichte war die Tragödie nie weit entfernt, und das Album wäre beinahe nicht entstanden. Zwei Wochen vorden ersten Aufnahmesessions entgeht Stavros nur knapp dem Tod durch eine versehentliche Vergiftung. Auf einem Krankenhausbett, halb bewusstlos und umgeben von aufgeregten Ärzten, tauchen die Themen des Albums in seinem Unterbewusstsein auf. Inmitten des Geflüsters der besorgten Ärzte, die um sein Leben fürchteten, wuchs in ihm die Gewissheit und Klarheit: ,Das kann unmöglich das Ende sein - wir müssen noch ein Album aufnehmen." Dieses Licht, das ihn aus den Schatten zurückholte, ist dasselbe Licht, das vor hundert Jahren Robert Johnson und seitdem unzählige Musiker inspiriert hat.

Spotlights veröffentlichen am 21. November über Ipecac Recordings ,Rarities", eine remasterte Zusammenstellung von neun frühen und seltenen Titeln aus der gesamten Diskografie der Band. ,Rarities" zeichnet die Entwicklung der Band nach, von ihrer Debütsingle bis hin zu herausragenden Titeln aus ihrer EP ,Séance" aus dem Jahr 2023. Nach ihrem Umzug von San Diego nach New York im Jahr 2013 veröffentlichte die Band 2015 ihre erste EP ,Demonstration". Darauf folgten die EP ,S San Diego nach New York zog, veröffentlichte die Band 2015 ihre erste EP ,Demonstration". Es folgten die EP ,Spiders" und ihr Debütalbum ,Tidals" im Jahr 2016 - Veröffentlichungen, die die Aufmerksamkeit von Künstlern wie Deftones, Shiner, If These Trees Could Talk auf sich zogen und schließlich zu ihrer Unterzeichnung bei Ipecac Recordings führten. Nach einem Jahrzehnt voller Veröffentlichungen reflektiert die Band nun über diese Songs, die alle zum ersten Mal auf Vinyl erscheinen.

"Ballad of a Small Player" ist eine der großen Veröffentlichungen von Netflix im Jahr 2025. Der Film mit Colin Farrell erzählt die Geschichte von Brendan Reilly, einem in Ungnade gefallenen irischen Finanzier, der sich als der aristokratische "Lord Doyle" ausgibt und in Macau lebt, nachdem er vor seinen Finanzverbrechen im Vereinigten Königreich geflohen ist. Reilly wechselt zwischen Hotels und Kasinos, während seine Abhängigkeit von Alkohol und Glücksspiel wächst.

Die Musik für diesen Film wurde von Volker Bertelmann komponiert, einem der bekanntesten zeitgenössischen Filmkomponisten. Nach "Conclave" und "All Quiet on the Western Front" ist dies die dritte Zusammenarbeit zwischen dem Komponisten und dem Regisseur Edward Berger. Bertelmann verleiht dem Film eine angespannte, paranoide Atmosphäre, die die Welt von Brendan Reilly perfekt einfängt.

"Ballad of a Small Player" ist auf Translucent Red Vinyl erhältlich und enthält eine Beilage.

In der Evolutionsbiologie beschreibt der Begriff ,Spandrel" die Merkmale eines Organismus, die nicht fürs Überleben wichtig sind und keinen offensichtlichen Zweck haben. Das Wort kommt aus der Architektur und bezeichnet die dreieckigen Räume in den Ecken eines Bogens: kleine ästhetische Elemente, die für Symmetrie sorgen und Grenzen markieren. Die Musikerin und Sängerin Evita Manji stellt auf ihrem Debütalbum eine undurchsichtige Frage und fragt sich angesichts eines großen Verlusts, welche Teile von uns zum Durchhalten beitragen und welche vielleicht nur Deko sind. Ihre Tracks, die aus den Dämpfen zeitgenössischer Clubmusik, Barock-Pop und experimentellem Sounddesign zusammengesetzt sind, sind für Manji eine Möglichkeit, ihre Beziehung zur Welt im Allgemeinen und zu sich selbst im Besonderen zu untersuchen, Kontrollsysteme zu zerlegen und die Vernetzung hervorzuheben. Manji ist seit einigen Jahren eine ätherische Präsenz in der Szene und arbeitet als Soundkünstler und Kreativdirektor mit zahlreichen Künstlern zusammen. Letztes Jahr starteten sie ihre eigene Plattform myxoxym, wo sie zwei Singles aus ,Spandrel?" veröffentlichten und eine ambitionierte Fundraiser-Compilation mit Rainy Miller, Palmistry, Cecile Believe und anderen zusammenstellten, um Geld für den griechischen Tierschutzfonds ANIMA zu sammeln. Manji trat weltweit auf Festivals wie Unsound, Lunchmeat und Rhizom auf, spielte in Clubs in Berlin und London und wurde ausgewählt, die Plattform Shape+ im Jahr 2022 zu vertreten. Diese Erfahrungen fließen in ,Spandrel?" ein und helfen ihnen, ein komplexes künstlerisches Gewebe zu weben, das weit unter die Oberfläche des Daseins blickt und versucht, das Unheil des globalen Klimawandels mit Themen wie Selbstverwirklichung, Liebe und körperlicher Autonomie in Einklang zu bringen. Das Album beginnt mit dem Titeltrack, einer einleitenden Zusammenfassung, die die Zuhörer auf das vorbereitet, was sie gleich hören werden. Manjis Gesang schwingt mit einem eingestöpselten Gefühl kybernetischer Melancholie und filtert die Flut von Rhythmen und harmonischen Themen der Welt zu geschmeidigem, clubtauglichem Pop, der von ihrer fortschrittlichen Klangwelt getragen wird. Von dort aus werden wir in die Traurigkeit des atmosphärischen Klagelieds ,Pitch Black" hineingezogen, einer Meditation über den Tod, die tiefe Bässe unter Schichten von choraler Glückseligkeit versinken lässt und an die Kirche und die Tanzfläche erinnert, ohne die Kraft der beiden gegensätzlichen Elemente zu opfern. Ihre Dunkelheit wird in ,Oil Too Much" von innen nach außen gedrängt, einem Kommentar zur Ölindustrie aus der Perspektive des Tierreichs, der gleichzeitig als neonfarbener Ausdruck der zeitgenössischen Depression dient. Aber in ,Body/Prison" klingt Manji am offensten, spricht ehrlich über die dunkelsten Momente ihres Lebens und gesteht ihre tiefsten Gefühle über sengende, von Trance inspirierte Synthesizer und groteske Percussion. ,Spandrel?" ist ein Album, das Zeit braucht, um sich zu entfalten, und Manjis Themen hallen durch eine Geschichte wider, die älter ist als die Popmusik. Es ist tragisch, romantisch und poetisch und weigert sich entschieden, sich von den drängendsten Themen unserer Zeit abzuwenden.

RUHR is a project born between Verona and Berlin, mixing rough analog synth sounds inspired by the beginning of the minimal noise experimental wave in the 70's and the need of violent dance moves coming from the repetitive structures of early EBM. Minimal aestethic, High Contrasts and screamed dadaistic/political lyrics portrait a vision of sensual industrial soundscape and the need of social riot.

Rough Trade Records freut sich, die Veröffentlichung einer neuen Single von Lankum anzukündigen. Ursprünglich für die Tanzshow "Specky Clark" von Oona Doherty im Sadler"s Wells Anfang des Jahres komponiert, ist die Single eine eindringliche, fast übernatürliche Interpretation des Nummer-eins-Hits "Ghost Town" von The Specials aus dem Jahr 1981. "Ghost Town" erscheint als 12"-Vinyl mit einer kunstvollen Gravur auf der B-Seite. Zur Entstehung des Stücks erklärt die Band: "Ghost Town kam unter ungewöhnlichen Umständen zu uns. Oona Doherty, deren Arbeit wir bereits aus dem Video zu Gilla Bands 'Shoulderblades" kannten, erzählte uns von einem neuen Stück über ihren Ururgroßvater, der als Kind nach Belfast geschickt wurde, um bei seinen Tanten in einem Schlachthof zu arbeiten. Sie wollte für eine Halloween-Party-Szene ein Musikstück, das zunächst verschwommen und unkenntlich beginnt und sich dann in den bekannten Song von The Specials verwandelt. Anfangs waren wir zögerlich - ein Ska-Cover war nicht unbedingt unser Stil -, doch schließlich entschieden wir uns, es zu versuchen. Dabei entstand eine spannende Studioerfahrung, in der wir begeistert mit Synthesizern und Drum-Machines experimentierten, um einen rauen 90er-Techno-Sound für das Outro zu schaffen. Wir sind sehr zufrieden mit dem Ergebnis und dankbar, dass Oona uns ermutigt hat, neue Wege zu gehen. Es ist uns eine Ehre, diese ikonische Nummer neu zu interpretieren, deren Themen - städtischer Verfall, wirtschaftliche Not und Frustration der Arbeiterklasse - heute so aktuell sind wie damals."