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RYAN DAVIS & THE ROADHOUSE BAND ist das Projekt des in Louisville lebenden bildenden Künstlers, Multiinstrumentalisten und Songwriters Ryan Davis. Für Freunde von Alternative Country, Folk, AMERICANA, Independent, Silver Jews, Bill Callahan, Lambchop, Cass McCoombs, Sparklehorse, Giant Sand/Howe Gelb... Das kommende zweite Album, "New Threats From The Soul", beschäftigt sich intensiv mit der Verwirrung menschlicher Leistungsfähigkeit und deren Wirkung in einer absurden und entarteten Welt. Das klingt wahrscheinlich hoffnungslos schwerfällig und streng. Ist es aber nicht - nicht im Entferntesten. Es macht einen Haufen Spaß. Die Songs sind allesamt Ohrwürmer; die Arrangements sind wirklich aufregend und beleben die Arbeit der CRACKERJACKS, aus denen sich die weitläufige ROADHOUSE BAND zusammensetzt. Jedes Durchhören des Albums offenbart mehr von der Tiefe, der Breite und dem Gewirr der Komplexität des Projekts. Das erst limitierte Debüt-Album "Dancing On The Edge" von 2023 wurde von denen, die es gefunden haben, schnell geliebt und von Publikationen wie Pitchfork oder The Line Of Best Fit hoch gelobt. Sie hielten es für ein "bemerkenswertes, unendlich lohnendes Debüt". Tough Love legte es im Jahr 2024 erstmals weltweit auf. "Davis is someone with the originality, wit and ambition to cut through the murk." - Uncut In "New Threats From The Soul" gelingen RYAN Beinahe-Reime, die Affen, die seit hundert Jahren an Chat-GPT-fähigen Schreibmaschinen arbeiten, nicht hinbekommen hätten: "bromeliad" und "necrophiliac"; "urinal" und "de Chirico". Kinky Friedman beklagte, dass die Leute seine lustigen Lieder für traurig und seine traurigen Lieder für lustig hielten, obwohl sie beides gleichzeitig waren. Wie der Kinkster kann RYAN einen durch einen Kloß im Hals zum Lachen bringen. In seiner formidablen Crew von Harmonie-Sänger*innen befinden sich vier der begabtesten Lyriker*innen und Sänger*innen, die derzeit unter uns wandeln - Catherine Irwin (von FREAKWATER), Will Oldham, Lou Turner, Myriam Gendron - was von der tiefgründigen Kraft seiner Texte zeugt (diese Leute melden sich nicht oft, um irgendwelchen Brei zu singen). "New Threats From The Soul" ist eine Meisterklasse in der Reduktion des Erhabenen auf das Prosaische, des Unermesslichen auf das Winzige und umgekehrt (der Trick kann nur in beide Richtungen funktionieren). Dopple-Vinyl und CD (Digipak) erhältlich

„Force Majeure“ ist DAS Album, mit dem alles begann.
Nach ihren bahnbrechenden Erfolgen als Leadsängerin der legendären Hardrock-Band Warlock („All We
Are“, „I Rule The Ruins“, „Fur immer“ u.v.m.) markierte „Force Majeure“ den Beginn von Doro Peschs
Solokarriere. Seitdem hat sie sich im Laufe der folgenden Jahrzehnte zu der weiblichen deutschen MetalIkone entwickelt.
Das Album enthält Hits wie „World Gone Wild“ oder Doros Interpretation von „A Whiter Shade Of Pale“.
„Force Majeure“ erreichte in Deutschland im vergangenen Jahr schließlich verdientermaßen Gold-Status.
Ihr internationaler Erfolg zeigt sich in unzähligen Auszeichnungen aus aller Welt: der „Metal Goddess Legend Award“, der ihr in Las Vegas verliehen wurde, oder der „Legend Award“ in Großbritannien, während
sie in den USA in die „Hall Of Heavy Metal History“ aufgenommen wurde - um nur einige wenige zu nennen.
„Force Majeure“ wird zum ersten Mal überhaupt in einer streng limitierten Auflage als Picture-Vinyl erhältlich sein, inkl. höchstpersönlich von Doro verfassten Linernotes. Ein absolutes Must-Have für alle Hard
Rock- und Heavy Metal-Liebhaber aus aller Welt!

Sneakin' Suspicion ist das vierte Album der englischen Band Dr. Feelgood, das 1977 veröffentlicht wurde. Während der Aufnahmen zu Sneakin' Suspicion stand die Band kurz vor der Auflösung, nachdem Gitarrist, Songwriter und Frontmann Wilko Johnson die Band verlassen hatte. Das Album erreichte im Juni 1977 Platz 10 der britischen Albumcharts und blieb sechs Wochen lang in den Charts. Es brachte auch ihre erste Single hervor, die in die entsprechenden britischen Singlecharts kam – „Sneakin' Suspicion“. 2025 remastered auf 140g-Vinyl und CD

Stupidity fängt die unerbittliche, treibende Energie von Dr. Feelgood auf dem Höhepunkt ihrer Karriere ein. Die Musik, die aus Aufnahmen der Tourneen von 1975 besteht, wird roh und ohne Overdubs präsentiert, was deutlich macht, dass die dynamische Spannung zwischen Gitarrist Wilko Johnson und Sänger Lee Brilleaux die Band zu wahrer Größe treiben konnte. Diese ungeschminkten und mitreißenden Darbietungen offenbaren die Johnson-Originale „She Does It Right“ und „All Through the City“ als Rock'n'Roll-Klassiker. Seite 1 wurde am 23. Mai 1975 in der Sheffield City Hall aufgenommen, Seite 2 am 8. November 1975 im Southend Kursaal. 2025 remastered auf 140g-Vinyl und CD.

Mit der Wahl des ehemaligen Roxy-Music-Mitglieds und David-Bowie-Kollegen Brian Eno als Produzenten erweiterten Talking Heads ihren Sound für ihr 1978 veröffentlichtes zweites Album erheblich. More Songs About Buildings And Food zählt zu den besten Werken der Talking Heads. Der Einfluss des Produzenten Brian Eno ist deutlich zu spüren, da er die Band in immer innovativere Gefilde vorantrieb. Das gesamte Album, sogar der kleinere Hit, eine von Eno bearbeitete Coverversion von Al Greens „Take Me To The River“, klingt auch 36 Jahre später noch erstaunlich frisch. Diese Super Deluxe Edition erweitert das Originalalbum um ein Bonusalbum mit seltenen und bisher unveröffentlichten Studio-Outtakes sowie einer bisher unveröffentlichten kompletten Show aus der More Songs…-Tour, die im Oktober 1978 im Entermedia Theatre in New York City aufgenommen wurde. Das CD-Format enthält eine Blu-ray-Disc mit Dolby Atmos, 5.1 und Hi-Res-Stereo-Mixes sowie zwei bisher unveröffentlichte Live-Auftritte in voller Länge, die 1978 auf Video aufgezeichnet wurden.

Mit der Wahl des ehemaligen Roxy-Music-Mitglieds und David-Bowie-Kollegen Brian Eno als Produzenten erweiterten Talking Heads ihren Sound für ihr 1978 veröffentlichtes zweites Album erheblich. More Songs About Buildings And Food zählt zu den besten Werken der Talking Heads. Der Einfluss des Produzenten Brian Eno ist deutlich zu spüren, da er die Band in immer innovativere Gefilde vorantrieb. Das gesamte Album, sogar der kleinere Hit, eine von Eno bearbeitete Coverversion von Al Greens „Take Me To The River“, klingt auch 36 Jahre später noch erstaunlich frisch. Diese Super Deluxe Edition erweitert das Originalalbum um ein Bonusalbum mit seltenen und bisher unveröffentlichten Studio-Outtakes sowie einer bisher unveröffentlichten kompletten Show aus der More Songs…-Tour, die im Oktober 1978 im Entermedia Theatre in New York City aufgenommen wurde. Das CD-Format enthält eine Blu-ray-Disc mit Dolby Atmos, 5.1 und Hi-Res-Stereo-Mixes sowie zwei bisher unveröffentlichte Live-Auftritte in voller Länge, die 1978 auf Video aufgezeichnet wurden.

Hans Solo schlägt einen weiten Bogen von old-schooligen Hommagen an seine Pionierzeit, über klassische Rap-Tracks, bis hin zu dubbigen Fingerdrumming Songs und elektronischen, minimalistischen Soundkollagen. Auf einer fast 80-minütigen Zeitreise im wahrsten Sinne des Wortes geht Solo textlich wie auch musikalisch durch alle Höhen und Tiefen des gesellschaftlichen Miteinanders und bildet somit einen alles verbindenden roten Faden.

Heaven & Hell ist das 2020 erschienene Debüt-Studioalbum von Ava Max, das die Hits "Sweet But Psycho", "Salt", "Kings & Queens" und "So Am I" enthält. Musikalisch ist Heaven & Hell eine Pop-, Dance-Pop- und Elektropop-Platte, die in zwei Seiten aufgeteilt ist; die erste enthält hymnische Klänge, während die zweite dunklere Melodien enthält. Limitierte LP-Auflage auf kristallklarem Vinyl.

Protector Edition: Amethyst Swirl Vinyl. Mit "Sharon Van Etten & The Attachment Theory" präsentiert Sharon Van Etten eine aufregende neue Dimension ihres Sounds und Songwritings. Zum ersten Mal wurde das Album in völliger Zusammenarbeit mit ihrer Band - Jorge Balbi (Schlagzeug, Maschinen), Devra Hoff (Bass, Gesang) und Teeny Lieberson (Synthesizer, Klavier, Gitarre, Gesang) - geschrieben und aufgenommen, was Van Etten genau die Freiheit gab, die sich aus dem Loslassen ergeben hat. Die Themen sind zeitlos, klassisch Sharon, aber die Klänge sind neu, vollständig realisiert und scharf wie Glas. Diese neue Herangehensweise begann während der Proben in der Wüste für eine bevorstehende Tournee, als Van Etten ihre Band in den kreativen Prozess einbezog: "Zum ersten Mal in meinem Leben habe ich die Band gefragt, ob wir einfach jammen können. Worte, die nie aus meinem Mund kamen - niemals! Aber ich liebte alle Sounds, die wir bekamen. Ich war neugierig - was würde passieren?" Offenbar Magie. "In einer Stunde schrieben wir zwei Songs, aus denen schließlich "I Can't Imagine" und "Southern Life" wurden." Das Album wurde im ehemaligen Studio der Eurythmics, The Church, aufgenommen, das perfekt zu der mystischen Mischung aus Elektronik und analogen Texturen der Band passt. Die Produzentin Marta Salogni (Björk, Bon Iver, Animal Collective, Mica Levi) war sowohl als Bindeglied als auch als Produzentin unverzichtbar, da sie "die Synthesizer liebte und einen Sinn für Abenteuer hatte" und es verstand, "die Dunkelheit und die einzigartigen Klänge zu umarmen, die wir während des Schreibprozesses entwickelt hatten", so Van Etten. Über diese neue künstlerische Geisteshaltung und die Kunst des gemeinsamen Schreibens sinniert Van Etten: "Manchmal ist es aufregend, manchmal ist es beängstigend, manchmal fühlt man sich festgefahren. Jeder Tag fühlt sich ein wenig anders an - einfach in Frieden zu sein mit dem, was man fühlt und wer man ist und wie man in diesem Moment zu den Menschen steht. Wenn ich einfach offenbleiben kann und gleichzeitig weiß, dass sich meine Gefühle jeden Tag ändern, ist das alles, was ich im Moment tun kann. Das und versuchen, die beste Person zu sein, die ich sein kann, während ich andere Menschen so sein lasse, wie sie sind, und es nicht persönlich nehme und einfach nur bin. Ich bin noch nicht so weit, aber ich versuche, jeden Tag so weit zu sein." Mit "Sharon Van Etten & The Attachment Theory" vertieft Van Etten den Diskurs, der einen Großteil ihres Katalogs belebt, und erforscht, was es bedeutet, einfach nur ein Mensch zu sein. Das ist ihr Genie - schräg, aber auch relevant und persönlich.

"Crack" ist radikale Reduktion - Für das zweite Album hat die Berliner Band alle Differenzen und Summen weggestrichen und im Proberaum ein Punk-Album eingespielt, das keine weiteren Genrebezeichnungen braucht. DIY wird hier nicht als Gimmick, sondern als alternativlose Notwendigkeit verstanden - "Crack" entstand ohne Studio, ohne Produzent und ohne Ahnung. SEXBEAT interpretiert Punk geschichtsbewusst mit weitgefächerten Einflüssen, die von Oblivians über Suicide bis hin zu Hot Snakes reichen. Klanglich orientiert man sich am 90er-Jahre-Sound des Dischord-Katalogs: Bass und Drums drücken nach vorne, Gitarre und Gesang kotzen sich dazwischen aus. Die Songs klingen mal stark fragmentiert und mechanisch, mal detailliert ausgearbeitet, aber immer direkt und unverblümt. Textlich geht es um alles, was nervt: kaputte Politik, kaputte Gesellschaft und all die kleinen kaputten Dinge in einem selbst. Referenzen reichen von Gordon Solie Motherf**ers ("Give them a dirty floor for a stage. A five bucks show and I'm stoked for days") bis zu George Orwell ("Four legs good, two legs bad"*) - und am Ende muss sogar Grammy-Preisträger Beck herhalten, denn über allem steht: "You make me wanna try crack".

Transversales Disques proudly presents the first official reissue of Michel Colombier's cult 1973 soundtrack "L'héritier". The man behind "Psyche Rock" and "Requiem pour un con" delivers an incredibly intense downtempo spacey-prog-funk score with outstanding drums, wah-wah guitars, deep Rhodes chords and superb bass performed by a legendary rhythm section (Jannick Top, Jean Schultheis, Claude Engel). The soundtrack of "L’héritier" is linked with the score of "Tarot", an improbable Spanish giallo that Colombier composed the same year, featuring Nanette Workman on the main theme. It perfectly captures the essence of this thriller with deep drama grooves and electronic experimentations. This 2025 deluxe edition contains 5 unreleased tracks from the '"Tarot" score.

AUDIO RESTORED & REMASTERED
EXCLUSIVE & EXTENSIVE LINER NOTES

Eines wollen die Forth Wanderers vor der Veröffentlichung ihres dritten Albums "The Longer This Goes On" klarstellen: "Wir sind nicht zurück", sagt Gitarrist Ben Guterl mit Nachdruck. Das ist vielleicht eine unerwartete Aussage für das erste Album der Band seit ihrer Trennung vor sieben Jahren, aber die Band besteht darauf, dass es eine ehrliche Antwort ist - sie haben sich zusammengefunden, um die zehn kompliziert konstruierten Perlen aufzunehmen, die dieses neue Album ausmachen, und sie sind immer noch dabei herauszufinden, was es für sie bedeutet, in Forth Wanderers zu sein. Wenn man sich diese Songs anhört, von denen jeder einzelne ein glitzerndes Fest der eindringlichen und intuitiven Texte von Sängerin Ava Trilling und der natürlichen musikalischen Chemie der Band ist, hat man allerdings kaum das Gefühl, dass irgendetwas ungesagt bleibt. Das Album ist voller glänzender Melodien, klingender Gesangsharmonien und schlüpfriger, schräger Rhythmen und ist mehr als nur eine Rückkehr zur alten Form. Die Band scheut sich nicht, den Umweg über eine Hook zu gehen, indem sie instrumentale Schnörkel übereinander legt, um die leeren Stellen zu füllen, Raum für Trillings eindringliche Stimme zu schaffen oder ein Riff oder einen Text zu wiederholen, bis er zu einem Zen-Koan wird. Auf "The Longer This Goes On" klingen Forth Wanderers selbstbewusster und selbstsicherer als je zuvor. Man sollte es nur nicht als Comeback bezeichnen. Der Weg zu "The Longer This Goes On" begann im Sommer 2021 in einem Café in Brooklyn. Dort trafen sich Guterl und Trilling zum ersten Mal seit der Auflösung der Forth Wanderers im Jahr 2018. Die drei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, hatten den Druck, den die Band während der Tourneen mit ihrer früheren Musik verspürte, teilweise abgebaut: "Wir fühlten uns alle frei, herumzualbern und Spaß zu haben", sagt Guterl. Die Wiedervereinigung mit dem Bassisten Noah Schifrin, dem Gitarristen Duke Greene und dem Schlagzeuger Zach Lorelli führte dazu, dass sich das Spielen so gut anfühlte, wie seit der Gründung der Band nicht mehr. "Es fühlte sich an, als wären wir wieder in der High School". Die Band hat die Art und Weise, wie sie bisher gearbeitet hat, neu definiert. "Dies ist das erste Mal, dass ein Großteil der Musik organisch entstanden ist", erklärt Schifrin. "Alle fünf von uns haben wirklich auf eine Art und Weise zum Schreibprozess beigetragen, wie wir es in der Vergangenheit nicht getan haben", fügte Guterl hinzu. Das daraus resultierende Album, das unter dem wachsamen Auge von Dan Howard produziert wurde, zeigt die Band so präsent und unbelastet, wie sie ihren Sound zum ersten Mal in Echtzeit geschaffen hat. Die Texte sind vollgepackt mit Bekenntnissen, die so breit gefächert sind, dass sich jeder, der sich in den Wirren einer unsicheren romantischen Vorhölle verirrt hat, verstanden fühlt, und doch so präzise geschrieben, dass sie eindeutig aus eigener Erfahrung stammen müssen. Das ist genau das, was Forth Wanderers sowohl so universell nachvollziehbar als auch so speziell macht. Auf "The Longer This Goes On" haben sie diese Fähigkeit, mit minimalistischen Texten und üppiger Instrumentierung an den starken Fäden der romantischen Langeweile zu ziehen, noch vertieft. Forth Wanderers sind sich nicht sicher, was als Nächstes kommt - sie wissen nicht, ob sie weiterhin neue Musik aufnehmen werden oder ob sie diese Songs jemals live aufführen werden. Diese Aufnahmen sind also zehn flüchtige, aber unschätzbare Eindrücke aus der Zeit, die sie als Band verbracht haben; das Wiederaufleben von Freundschaften zwischen Highschool-Kumpels, deren Träume sie ins Rampenlicht katapultiert haben, bevor sie alt genug waren, um Auto zu fahren; Songs, die die Ungewissheit der Zukunft ebenso einfangen wie ihre Musik ihr eigenes Selbstvertrauen in der Gegenwart zementiert. Auf "The Longer This Goes On" machen die Forth Wanderers Musik zu ihren eigenen Bedingungen.

"Isolation Boulevard" ist eine Sammlung von 12 Re-Recordings aus dem umfangreichen Fundus an Sweet-Klassikern. Die Aufnahmen entstanden 2020 während der Corona-Pandemie. Vor diesem Hintergrund ist die Gesamtleistung aller Beteiligten umso beeindruckender, vom treibenden Schlagzeug und Bass bis hin zu den „in your face“-Gitarren und dem stratosphärischen Gesang.

Underoath sind seit fast zwei Jahrzehnten eine wegweisende Stimme im progressiven Heavy Rock. Nur sehr
wenige können mit ihnen mithalten, wenn es darum geht, immer wieder an die Grenzen zu gehen oder sich
kreativ weiterzuentwickeln. „Voyeurist“ ist eine Rückkehr zu Underoaths Heavy-Metalcore-Wurzeln, die sie
in den 2000er Jahren zu einer der größten Bands in der Metal-Welt machten. „Voyeurist“ ist ihr neuntes
Album und das erste, das die Band komplett selbst produziert hat. Es wurde im Studio von Gitarrist Tim
in Tampa, FL aufgenommen und enthält 10 Tracks, die schwer, aber dennoch experimentell und manchmal
wunderschön sind. Während das letzte Album „Erase Me“ aus dem Jahr 2018 eine Abkehr von ihrem
Sound war und eher ein geradliniges Rock-Album, kehrt dieses zu den beliebten Metalcore-Wurzeln der
Band zurück, von denen die Fans so begeistert sein.

A Study of Losses", das siebte Studioalbum von Beirut, ist eine Odyssee mit 18 Tracks. Das Projekt entstand im Frühjahr 2023, als Viktoria Dalborg, Direktorin des schwedischen Zirkus Kompani Giraff, Condon fragte, ob er Interesse hätte, die Musik für ihr nächstes Projekt zu liefern, eine Show, die auf einer Adaption eines Romans der deutschen Autorin Judith Schalansky basiert. Die Hauptthemen in Schalanskys Buch "Verzeichnis einiger Verluste" und in der Adaption für die Zirkusshow befassen sich mit dem Konzept des Verlusts und der Vergänglichkeit von allem, was uns bekannt ist: von ausgestorbenen Tierarten, verlorenen architektonischen und literarischen Schätzen bis hin zu abstrakteren Konzepten des Verlusts durch den Prozess des Alterns. "A Study of Losses" reist durch elf Songs und sieben erweiterte instrumentale Themen, die nach den Mondmeeren benannt und von der erschreckenden Geschichte eines Mannes inspiriert sind, der davon besessen ist, alle verlorenen Gedanken und Schöpfungen der Menschheit zu archivieren. Musikalisch jedoch taucht er wieder in Chorgesang, Renaissance und andere Stile ein, die seine frühe Arbeiten inspiriert haben, sowie in Variationen von Klängen und Ideen, die sich auf eine seiner Lieblingsplatten, "69 Love Songs" von The Magnetic Fields, beziehen. Mit einer Länge von fast einer Stunde ist es das bei weitem umfangreichste Album, das Beirut je gemacht hat, und es gehört fraglos zu Condons bisher schönsten Arbeiten. "A Study of Losses" ist das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ,Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

Barry Can't Swim veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album, „Loner“ auf Ninja Tune!

In „Loner“ sehen wir Barry Can't Swim dabei zu, wie er die Welt, in der er sich befindet, erkundet. Geprägt vom überwältigenden Erfolg von Barry Can't Swims ausverkauften Liveshows auf der ganzen Welt, bleibt es seinen Wurzeln verhaftet, während er über Identität und Bodenständigkeit nachdenkt. Barry Can’t Swims hochgelobtes Debütalbum, „When Will We Land?“, das im Oktober 2023 veröffentlicht wurde und derzeit mehr als 100 Millionen Streams verzeichnet, erhielt unendlich viel Lob, darunter auch die Nominierung für den Mercury Music Prize 2024, neben Künstler:innen wie Charli xcx, Beth Gibbons, English Teacher, Ghetts und The Last Dinner Party. Barry Can’t Swim ist nun stolz darauf, neben Aphex Twin, Nia Archives, Burial, Jamie xx, Fred again.. oder Jon Hopkins als in die engere Auswahl für den prestigeträchtigen Preis gekommen zu sein - was als elektronischer Solokünstler eher seltener vorkommt. Darüber hinaus wurde er bei den BRIT Awards 2024 in der Kategorie „Dance Act“ nominiert und stand auf der Shortlist für das schottische Album des Jahres.

Barry Can't Swim veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album, „Loner“ auf Ninja Tune!

In „Loner“ sehen wir Barry Can't Swim dabei zu, wie er die Welt, in der er sich befindet, erkundet. Geprägt vom überwältigenden Erfolg von Barry Can't Swims ausverkauften Liveshows auf der ganzen Welt, bleibt es seinen Wurzeln verhaftet, während er über Identität und Bodenständigkeit nachdenkt. Barry Can’t Swims hochgelobtes Debütalbum, „When Will We Land?“, das im Oktober 2023 veröffentlicht wurde und derzeit mehr als 100 Millionen Streams verzeichnet, erhielt unendlich viel Lob, darunter auch die Nominierung für den Mercury Music Prize 2024, neben Künstler:innen wie Charli xcx, Beth Gibbons, English Teacher, Ghetts und The Last Dinner Party. Barry Can’t Swim ist nun stolz darauf, neben Aphex Twin, Nia Archives, Burial, Jamie xx, Fred again.. oder Jon Hopkins als in die engere Auswahl für den prestigeträchtigen Preis gekommen zu sein - was als elektronischer Solokünstler eher seltener vorkommt. Darüber hinaus wurde er bei den BRIT Awards 2024 in der Kategorie „Dance Act“ nominiert und stand auf der Shortlist für das schottische Album des Jahres.

Ltd Edition!

'moisturizer' ist das mutige zweite Album von Wet Leg, der fünfköpfigen Band von der Isle of Wight, die von Rhian Teasdale und Hester Chambers gegründet wurde. Zusammen mit Ellis Durand, Henry Holmes und Joshua Mobaraki hat Wet Leg die letzten Jahre auf der Straße verbracht und sich zu einer wilden, elektrisierenden Live-Band entwickelt. Das neue Album fängt diese Energie ein und liefert einen Sound, der straffer, mutiger und selbstbewusster ist, aber immer noch vor dem gleichen schnellen Witz und der rohen, ungeschliffenen Energie strotzt.



Isoliert in einem abgelegenen Haus auf dem Lande entstand 'moisturizer' in einem kreativen Rausch, der sich mit Themen wie Besessenheit und alles verzehrender Liebe befasst. Während ihr Debüt aus dem Jahr 2022 mit zwei Grammys ausgezeichnet wurde und die Charts stürmte, bringt 'moisturizer' den nötigen Biss mit: schrille Gitarren, schwere Beats und eine furchtlose Hingabe, alles auf einmal zu fühlen.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Die Ballade von Wallis Island erzählt die Geschichte von Charles (Tim Key), einem exzentrischen Lottogewinner, der allein auf einer abgelegenen Insel lebt und davon träumt, seine Lieblingsband McGwyer
Mortimer (Tom Basden und Carey Mulligan) wieder zusammenzubringen. Sein Traum wird überraschend
Wirklichkeit, als die ehemaligen Bandkollegen und einstigen Liebenden seiner Einladung folgen und ein
privates Konzert in seinem Haus auf Wallis Island geben. Doch alte Spannungen kommen wieder an die
Oberfläche, während Charles verzweifelt versucht, seinen Traumauftritt zu retten.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Mit ihrem fünften Studioalbum machte die Band um Frontmann Nergal einen großen Schritt weg von ihren rohen und primitiven Anfängen. Es war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung von Behemoth und führte mehr Elemente aus dem Death-MetalGenre ein, während sie sich als Komponisten und Musiker immer weiter von ihren traditionellen Black-Metal-Wurzeln entfernten und entwickelten.

CRYSTAL VIPER ist stolz darauf, ihr Live-Debütalbum mit dem Titel "The Live Quest" zu veröffentlichen. Es wurde während der letztjährigen "The Silver Key Tour" in Polen, Deutschland, Österreich, Dänemark, Italien, Frankreich, Belgien und der Tschechischen Republik aufgenommen. "The Live Quest" ist eine kompromisslose Live-Aufnahme mit einer perfekt ausgewogenen Mischung aus Rohheit und Präzision. Dank der feurigen Gitarren, des stampfenden Schlagzeugs, des donnernden Basses und des eindringlichen Gesangs wird jeder Track härter und zu einem neuen Heavy Metal-Kracher. Für Fans von Judas Priest, Gamma Ray und Marta Gabriel.

Für damalige Verhältnisse derbster, schneller, krachiger Hardcore-Deutschpunk diese Band ist ganz oben in europäischen Thrash-King-Historie. Die Gitarren dominieren, während das Schlagzeug und der Leadgesang darum kämpfen müssen, gehört zu werden. Unglaublich kraftvolle Musik, die ihre früheren Werke in den Schatten stellt. Von Anfang an rasen OHL auf dem Highway der antikommerziellen Musik. "1. Oktober" ist zugleich Auftakt und erster Höhepunkt. Wer einmal die hysterischen "Deutschland, Deutschland"-Rufe des Deutscher W. gehört hat, wird sie nicht mehr vergessen. Viele Songs folgen dem manischen Rausch des Eröffnungstitels. "Freut Euch", "Glocken der Revolution" oder "Neue Macht" gehören zu diesen Liedern und sie zelebrieren eine energiegeladene Orgie aus kompromissloser Geschwindigkeit und grimmig entschlossener Kampfeslust. Klappcover, neues Artwork & Linernotes. Rough, fast, noisy hardcore German punk for the time, this band is at the top of European thrash king history. The guitars dominate while the drums and lead vocals struggle to be heard. Incredibly powerful music that puts her previous works to shame. From the start, OHL race on the highway of anti-commercial music. "1. Oktober" is both the start and the first highlight. Anyone who has ever heard German W.'s hysterical calls of " Deutschland, Deutschland " will never forget them. Many songs follow the manic rush of the opening title. Freut Euch", "Glocken der Revolution" and "Neue Macht" are among these songs and they celebrate an energetic orgy of uncompromising speed and grimly determined fighting spirit. Comes in an nice inside/out gatefold sleeve with new Artwork and linernotes.

Das dritte Album von Mission to the Sun, Seven Years, markiert eine bemerkenswerte Entwicklung für das Projekt. Während sie ihrer Mischung aus atmosphärischem Sounddesign und gespenstischen Gesangsséancen treu bleiben, dringt das Duo weiter in melodisches Territorium, wobei es die Zugänglichkeit mit seiner Grundlage von elektronischem Lärm und grüblerischen Texturen beibehält. Christopher Samuels' akribische Musikproduktion erschafft eine Welt aus hypnotischen Rhythmen, gebrochenen Melodien und dichten Klanglandschaften, während Kirill Slavin's Gesang rohe Emotionen kanalisiert und den Hörer durch Themen wie Sucht, Besessenheit, Macht, urbane Isolation, nächtliche Verletzlichkeit und die unausweichlichen physischen Zwänge der Realität führt. Von den Basslines und gefundenen Samples von ,Dead Friends", bis hin zu ,Black Hole Soul", dem dem einzigen Stück des Albums mit erkennbarem Beat, wo Samuels üppiger Orgelsynthesizer und IDM-infizierter Rhythmus eine geisterhafte Grundlage für Slavins Meditation über Selbstzerstörung bietet, ist Seven Years unerbittlich in seiner Tiefe. Der Schlusstrack ,Infection" schwillt mit schwermütiger Intensität an, während Samuels Streicherarrangements und Klavier ineinander greifen. Mit "Seven Years" verfeinern und erweitern Mission to the Sun ihr klangliches Universum und dringen mit ihrem Sound in neue emotionale und melodische Gefilde vor und erschaffen dabei die raue, eindringliche Atmosphäre, die ihre Arbeit definiert. Ein Album der Transformation und Abrechnung und die bisher eindrucksvollste und vollständigste Veröffentlichung von Mission To The Sun.

J Mahon lässt sich von Künstlern wie Sparklehorse und Daniel Johnston inspirieren und erschafft eine erbauliche und zugängliche "Chamber-Pop"-Klanglandschaft, die an Bands wie Spiritualized und Sigur Ros erinnert, während seine gefühlvolle Stimme und seine Lyrik an andere Koryphäen wie Jeff Buckley, Townes Van Zandt und Joanna Newsome erinnern.
2023 machte sich J Mahon daran, ein Album zu kreieren, das sich wie ein "echtes" Album anfühlt. Ein Album, das Erinnerungen an die Stunden weckt, die man als Teenager mit Kopfhörern im Bett verbracht hat, während man an die Decke starrte und sich Gedanken über die Zukunft machte.
"Begin Again, Again" wird begleitet von Callum Brown (Ulrika Spacek) am Schlagzeug, Victoria RH am Gesang, Geige und Bratsche von Clementine Brown (The Penguin Cafe), wobei alle anderen Instrumente und Streicherarrangements von Jarrod geschrieben und gespielt wurden. Co-produziert und gemischt mit Syd Kemp und gemastert von Jason Mitchell (PJ Harvey, XTC, Aldous Harding).

Smut - die Band aus Chicago, bestehend aus Sängerin/Texterin Tay Roebuck, Gitarrist Andie Min, Bassist John Steiner, Gitarrist Sam Ruschman und Schlagzeuger Aidan O'Connor - hat neue Energie getankt und sich auf das grenzenlose Potenzial besonnen, das entsteht, wenn man mit Menschen, die man liebt, Musik macht. In neuer Besetzung - "Tomorrow Comes Crashing" ist das erste Album von Smut mit O'Connor und Steiner - konzentrierten sich Smut darauf, die großen Gefühle einzufangen, die entstehen, wenn man sich zum ersten Mal in Musik verliebt. Das Ergebnis sind zehn intensive und bombastische Songs. Roebuck, Ruschman und Min gründeten die Band ein Jahrzehnt zuvor in Cincinnati, Ohio. Nach Jahren in der DIY-Szene von Cincinnati nahmen sie ihr Debütalbum "How the Light Felt" auf, das eine Offenbarung war. Pitchfork beschrieb es als "eine rigorose, Jahrzehnte umspannende Studie" und eine "gut geölte Drehung des Gitarrenpops der späten 80er". Under the Radar nannte es "Pop-Perfektion", die "subtile Haken mit wehmütigen Texten verbindet". "Tomorrow Comes Crashing" zeigt die Band mit neuem Elan. Der Song "Syd Sweeney", inspiriert von der Schauspielerin, ist das Herzstück der Platte. Es handelt davon, wie seltsam es sein kann, eine Frau zu sein und von Leuten missverstanden zu werden, die einen nicht einmal kennen. Der Song wird von tuckernden Gitarren und großen, rollenden Trommeln angetrieben. Mit anderen Worten: Stadionrock über Wahrnehmung. Paramore trifft "Dookie". "She connects to the youth and the girls in the water/All she amounts to is someone's daughter", singt Roebuck in einem besonders poetischen Moment. Der Song endet in einem Thrash-Metal-inspirierten Breakdown. Es ist ekstatisch. Um die Platte zu machen, nahmen Smut "so live wie möglich" zusammen mit Aron Kobayashi-Ritch (Momma) in einem Studio in Red Hook, Brooklyn, in zehn Tagen auf. Kurz bevor sie nach New York aufbrachen, heirateten Roebuck und Min, wobei der Rest der Band an ihrer Seite war. Die Aufnahmen waren ein wahrer Kraftakt: Sie fuhren mit ihrer gesamten Ausrüstung von Chicago nach Brooklyn, schliefen nach 12-stündigen Studiotagen auf den Sofas und Böden von Freunden, und am Ende war Roebucks Stimme völlig durch. Smut war schon immer ein DIY-Projekt. Weil sie es lieben und genau so tun müssen. "Tomorrow Comes Crashing" ist der Höhepunkt dieses DIY-Gedankens: eine Platte zu machen, die die Intensität, die Launenhaftigkeit und die Emotionen ihrer bisherigen Reise vollständig einfängt.

Smut - die Band aus Chicago, bestehend aus Sängerin/Texterin Tay Roebuck, Gitarrist Andie Min, Bassist John Steiner, Gitarrist Sam Ruschman und Schlagzeuger Aidan O'Connor - hat neue Energie getankt und sich auf das grenzenlose Potenzial besonnen, das entsteht, wenn man mit Menschen, die man liebt, Musik macht. In neuer Besetzung - "Tomorrow Comes Crashing" ist das erste Album von Smut mit O'Connor und Steiner - konzentrierten sich Smut darauf, die großen Gefühle einzufangen, die entstehen, wenn man sich zum ersten Mal in Musik verliebt. Das Ergebnis sind zehn intensive und bombastische Songs. Roebuck, Ruschman und Min gründeten die Band ein Jahrzehnt zuvor in Cincinnati, Ohio. Nach Jahren in der DIY-Szene von Cincinnati nahmen sie ihr Debütalbum "How the Light Felt" auf, das eine Offenbarung war. Pitchfork beschrieb es als "eine rigorose, Jahrzehnte umspannende Studie" und eine "gut geölte Drehung des Gitarrenpops der späten 80er". Under the Radar nannte es "Pop-Perfektion", die "subtile Haken mit wehmütigen Texten verbindet". "Tomorrow Comes Crashing" zeigt die Band mit neuem Elan. Der Song "Syd Sweeney", inspiriert von der Schauspielerin, ist das Herzstück der Platte. Es handelt davon, wie seltsam es sein kann, eine Frau zu sein und von Leuten missverstanden zu werden, die einen nicht einmal kennen. Der Song wird von tuckernden Gitarren und großen, rollenden Trommeln angetrieben. Mit anderen Worten: Stadionrock über Wahrnehmung. Paramore trifft "Dookie". "She connects to the youth and the girls in the water/All she amounts to is someone's daughter", singt Roebuck in einem besonders poetischen Moment. Der Song endet in einem Thrash-Metal-inspirierten Breakdown. Es ist ekstatisch. Um die Platte zu machen, nahmen Smut "so live wie möglich" zusammen mit Aron Kobayashi-Ritch (Momma) in einem Studio in Red Hook, Brooklyn, in zehn Tagen auf. Kurz bevor sie nach New York aufbrachen, heirateten Roebuck und Min, wobei der Rest der Band an ihrer Seite war. Die Aufnahmen waren ein wahrer Kraftakt: Sie fuhren mit ihrer gesamten Ausrüstung von Chicago nach Brooklyn, schliefen nach 12-stündigen Studiotagen auf den Sofas und Böden von Freunden, und am Ende war Roebucks Stimme völlig durch. Smut war schon immer ein DIY-Projekt. Weil sie es lieben und genau so tun müssen. "Tomorrow Comes Crashing" ist der Höhepunkt dieses DIY-Gedankens: eine Platte zu machen, die die Intensität, die Launenhaftigkeit und die Emotionen ihrer bisherigen Reise vollständig einfängt.

Mit seinem siebten Studioalbum kehrt der Musiker und Singer-Songwriter Juan Wauters mit einem Liebesbrief an seine Geburts- und Heimatstadt Montevideo, Uruguay, zurück. "MVD LUV" erscheint am 27. Juni 2025 über Captured Tracks. Mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn seiner Solokarriere hat Wauters seine musikalische Identität zu einem charismatischen und charmanten, authentischen und fesselnden Drahtseilakt geformt, der auf dem schmalen Grat zwischen Aufrichtigkeit und Performativität balanciert. Auf seinem neuen Album kommen seine Fähigkeiten als Songwriter voll zur Geltung. Die meisten Songs auf "MVD LUV" sind weniger als zwei Minuten lang und strotzen nur so vor Lebensfreude, aber das Album als Ganzes zeigt Wauters von seiner liebenswertesten Seite, denn er schreibt mit Zuneigung und Mitgefühl über die uruguayische Stadt, die er liebt und sein Zuhause nennt. Die klare Absicht, mit der Wauters Montevideo und seinen Charakter illustriert, zeichnet das Porträt eines Künstlers, der sich seinem Handwerk und seinem Thema mit großer Hingabe widmet. So gesehen ist "MVD LUV" mehr als nur ein Album - es ist eine Heimkehr. Dabei hat er sich die reichen musikalischen Traditionen von Montevideo zu eigen gemacht und gleichzeitig die Grenzen seines unverwechselbaren Songwritings weiter verschoben. "MVD LUV" ist eine Liebeserklärung an seine Wurzeln und seine Gegenwart und bringt uruguayische Klänge auf die Weltbühne, indem es Candombe- und Murga-Rhythmen in Wauters' charakteristische Mischung aus Folk, Pop und Experimenten einbezieht. Da Wauters einen Großteil seiner Karriere in den Vereinigten Staaten verbracht hat, trägt er seit langem die doppelte Identität eines Einwanderers und eines Einheimischen. Mit "MVD LUV" wollte er eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und die Essenz der Straßen, Häuser und des Gemeinschaftsgeistes von Montevideo einfangen. Das Album wurde an verschiedenen Orten in der Stadt aufgenommen, von seinem eigenen Studio bis hin zu Bürgersteigen, Dächern und den Wohnungen der beteiligten Musiker. Dieser Ansatz verleiht dem Projekt eine unverfälschte Authentizität und lässt Montevideo selbst wie eine aktive Präsenz in der Musik erscheinen. Thematisch beschäftigt sich "MVD LUV" mit Identität, Nostalgie und menschlichen Beziehungen. Tracks wie "Manejando por Pando" und "Siempre Vuelven" reflektieren über die Rückkehr nach Hause und den Lauf der Zeit, während "If It's Not Luv" und "Dime Amiga" sich mit Liebe, Kameradschaft und persönlicher Reflexion beschäftigen. "Ando con Miedo" fängt urbane Ängste ein und stellt Introspektion den pulsierenden Rhythmen der Stadt gegenüber. Wauters schafft damit eine zutiefst persönliche und doch universelle Meditation über Zugehörigkeit. Mit "MVD LUV" präsentiert Juan Wauters eine lebendige, tief empfundene Erkundung von Ort und Identität und schafft ein Album, das sich sowohl tief verwurzelt als auch universell anfühlt. Dieses Album führt den Hörer nicht nur in Montevideo ein, sondern lädt ihn ein, sich dort zu Hause zu fühlen.

Da Taylor Nordberg und Jeramie Kling den Titel der 1992er Massacre-EP "Inhuman Condition" als Namen für ihre neue Band wählten, nachdem sie das Death-Metal-Flaggschiff 2020 verlassen hatten, erscheint es plausibel, dass in den letzten fünf Jahren an diesem bewährten Old-School-Sound festgehalten haben. Das dritte Inhuman-Condition-Album "Mind Trap" ist jedoch mehr als nur Massacre 2.0 und markiert eine Steigerung auf allen Ebenen. Die Tatsache, dass sich das ursprüngliche Trio, das durch den altgedienten Bassisten Terry Butler (zu verschiedenen Zeiten ebenfalls Mitglied von Massacre) vervollständigt wird, bei der Arbeit an neuem Material nie Ziele setzt, hat sich als Segen erwiesen: "Wir haben das Gefühl, dass wir unsere Identität gefunden haben und endlich über die Verbindung zu Massacre hinweg sind", sagt Nordberg. "Beim Schreiben, Aufnehmen, Mischen und so weiter wurde nichts überstürzt. Dieses Album zeichnet sich durch eine gewisse Behaglichkeit aus, hat aber immer noch diese knallharte Kante." Die Songs auf "Mind Trap" sind dem Gitarristen zufolge ein "Kommentar zu der Welt, in der wir leben". "Einige meiner Texte befassen sich mit dem erdrückenden Einfluss der Technologie auf unsere Spezies. Die Platte hat alles - Blut, Eingeweide, Serienmörder, Sci-Fi-Horror, schlechte Menschen." Die Band produzierte das Album vollständig in ihrem eigenen Studio, und das Ergebnis kann sich mehr als hören lassen. "Mind Trap" kommt mit einem weiteren bestechenden Artwork von Dan Goldsworthy (Accept, Alestorm) und zeugt von der besonderen Chemie des produktiven Duos hinter Inhuman Condition.

Macht euch bereit für das lang erwartete, brandneue Album "Psychotic Mutilation" von DEMENTED ARE GO! 39 Jahre nach ihrem Debutalbum und 13 Jahre nach "Welcome Back To Insanity Hall" veröffentlicht eine der legendärsten original Psychobilly-Acts um den charismatischen, außergewöhnlichen (manche würden sagen "frenzy") Bandleader Mark "Sparky" Philips ein Dutzend neue Songs, oder sind's nicht doch 13? Schon von jeher scheren sich DAG einen Dreck um den klassischen Psychobilly-Purismus: Ihr Sound ist immer noch eine einzigartige Mischung (Hellbilly) und kombiniert Elemente von Rockabilly, Punk, höllischem Rock'n'Roll mit mal Country-esken Einflüssen oder dunkelsten Blues, alles immer geprägt von Sparkys rauem, giftigem Gesang. Und als ganz besonderer Gast tritt Emanuela Hutter von The Hillbilly Moon Explosion wieder im Duett mit Sparky bei ,Cast A Lonesome Shadow" an. Eine wilde und schräge musikalische Reise durch menschliche Abgründe, Wahnsinn und dunkle Sehnsüchte. "Psychotic Mutilation" mit genau den Songs, die diese kranke Welt verdient. Simply a masterpiece!! Die Pressung der LP-Erstauflage dürfte ein jedes Sammlerherz höherschlagen lassen, denn neben 180g Vinyl, klassisch schwarz oder Multicolour, gibt es noch ein Plakat und am Ende der der endlos B-Seiten-Rille ein verstecktes Special zu finden, oder genauer gesagt: ganz in der Mitte der B-Seite....lasst euch überraschen. LP als 180g Vinyl, Glanz-Cover & A2 Poster, CD als Digipack. Diese Version hier ist klassisch schwarzes Vinyl!

Macht euch bereit für das lang erwartete, brandneue Album "Psychotic Mutilation" von DEMENTED ARE GO! 39 Jahre nach ihrem Debutalbum und 13 Jahre nach "Welcome Back To Insanity Hall" veröffentlicht eine der legendärsten original Psychobilly-Acts um den charismatischen, außergewöhnlichen (manche würden sagen "frenzy") Bandleader Mark "Sparky" Philips ein Dutzend neue Songs, oder sind's nicht doch 13? Schon von jeher scheren sich DAG einen Dreck um den klassischen Psychobilly-Purismus: Ihr Sound ist immer noch eine einzigartige Mischung (Hellbilly) und kombiniert Elemente von Rockabilly, Punk, höllischem Rock'n'Roll mit mal Country-esken Einflüssen oder dunkelsten Blues, alles immer geprägt von Sparkys rauem, giftigem Gesang. Und als ganz besonderer Gast tritt Emanuela Hutter von The Hillbilly Moon Explosion wieder im Duett mit Sparky bei ,Cast A Lonesome Shadow" an. Eine wilde und schräge musikalische Reise durch menschliche Abgründe, Wahnsinn und dunkle Sehnsüchte. "Psychotic Mutilation" mit genau den Songs, die diese kranke Welt verdient. Simply a masterpiece!! Die Pressung der LP-Erstauflage dürfte ein jedes Sammlerherz höherschlagen lassen, denn neben 180g Vinyl, klassisch schwarz oder Multicolour, gibt es noch ein Plakat und am Ende der der endlos B-Seiten-Rille ein verstecktes Special zu finden, oder genauer gesagt: ganz in der Mitte der B-Seite....lasst euch überraschen. LP als 180g Vinyl, Glanz-Cover & A2 Poster, CD als Digipack. Diese Version hier ist klassisch schwarzes Vinyl!

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Andy Jenkins neues Album Since Always entstand aus dem Loslassen von Selbstwahrnehmungen, Erwartungen und Annahmen. Jenkins fand Raum in sich selbst als Gitarrist seinen eigenen Songs zu vertrauen, und Produzent Nick Sanborn schlüpfte in eine neue Art von Produktionsrolle, indem er Ideen entwarf und filterte sie gemeinsam durch. Kurzum, es war ein sehr erwachsenes Vorgehen, zwei Fans, die zusammenarbeiten, um etwas zu schaffen; eine Platte, auf der der Verlust und die Liebe, der Kompromiss und der Gewinn des Erwachsenseins sichtbar werden. Beide waren in ihren jeweiligen, aber miteinander verflochtenen Musikszenen in Richmond und Durham, schon seit Jahren Fans voneinander, hatten aber nie offiziell zusammengearbeitet. Jenkins hatte ein paar Jahre damit verbracht, Songs für den Nachfolger seines 2018 erschienenen Debüts "Sweet Bunch" zu sammeln; die neuen Songs waren kunstvoll gestaltete Oden an die verschiedenen Zusicherungen und Ängste, die damit einhergehen können, ein gewisses Maß an Zufriedenheit zu finden, wenn man auf die 30 zugeht. Als Jenkins seine Stücke einspielte, hörte Sanborn zu und ließ seiner seiner Fantasie freien Lauf und überflutete Jenkins mit Ideen - Rhythmusverschiebungen, Keyboard-Verzierungen, Gesangseffekten. Es gab ein Doppel-Takt-Piano, einen Fehler in ,Too Late", den sie beide liebten. Da war die Vocoder-Auswahl während ,Emptiness Is", eine Wahl, die es dem Paar ermöglichte einen großen Teil des Songs allein mit Bass und Schlagzeug zu bestreiten. Da war die Sequenz, die unter ,Leaving Before" brodelt, ein Spiegel des lyrischen nervösen Herzens. Als Amelia Meath und Jenn Wasner von Flock of Dimes im Studio herumhingen im Studio herumhingen, fragte Sanborn, ob sie bei ein paar Stücken singen wollten. Das ist Meath bei ,Blue Mind", die Jenkins' Zeilen über den Zauber der Liebe singt, als würde sie eine Beschwörung anbieten, und Wasner erhebt sich durch die statische Morgendämmerung von ,Lovesick". ,Andy wollte jemanden, der Entscheidungen trifft, die er nie treffen würde", erinnert sich Sanborn. ,Es war diese Minenarbeit, die wir zusammen machen mussten." Als die Songs jedoch immer mehr zusammenwuchsen, bestand Jenkins darauf, dass es endlich an der Zeit war, seine Gitarren abzulegen. ,Ich war noch nie ein besonders kompetenter Gitarrist", sagt er jetzt mit einem kleinen Lachen, aber Sanborn liebte die eigenwillige Art und Weise, wie sich seine Gitarrenschläge mit seiner Stimme verbanden, also hielt er sie hin. Sie würden auf Jenkins' langjährigen Mitarbeiter, ein Ass namens Alan Parker, warten, der aus Richmond kommen und die Teile ersetzen sollte. Als Parker kam, hörte er dasselbe wie Sanborn - ja, er war technisch versierter, aber seine Overdubs hatten nicht dieselbe Persönlichkeit, nicht die gleiche erzählerische Wahrheit. Jenkins lenkte ein, und so blieben seine Gitarren und verankern das Album.

"Word on the Street" ist das amerikanische Debütalbum der kanadischen Avant-Pop-Singer-Songwriterin und Performance-Künstlerin Elle Barbara und geht auf das Konto von Elle Barbara's Black Space - einer Gruppe von Instrumentalisten aus Montreal, die Barbara zusammengerufen hat, um mit anderen schwarzen Musikern ins Gespräch zu kommen und dabei nicht den Erwartungen an den Klang schwarzer Musiker zu entsprechen. "Word on Street" wurde von Elle Barbara in enger Zusammenarbeit mit Renny Wilson geschrieben, komponiert, arrangiert und produziert. Renny Wilson hat das Album über einen Zeitraum von acht Jahren aufgenommen, bearbeitet und abgemischt, in denen Elle, eine schwarze Trans-Person, sich sozial und medizinisch neu orientieren musste, während sie von Sozialhilfe lebte und sich häufig von nur 11 CAD pro Woche ernährte. In diesem Sinne ist "Word on the Street" ein Sieg gegen Klassenkampf und Vetternwirtschaft und ein unverschämtes Zeugnis dafür, wie eine einkommensschwache, von der Sozialhilfe unterstützte, schwarze Mann-zu-Frau-Transsexuelle mittleren Alters es geschafft hat, alle Ressourcen zu nutzen, um die Musik zu machen, die ihr vorschwebt, und die Konventionen der Musikindustrie völlig zu ignorieren. "Word on the Street" ist auch vehement radikal und unabhängig; ein Meisterwerk der DIY-Prog-High-Production, inspiriert von der Art und Weise, wie das Konsumverhalten und die gegenwärtige technologische Zeit dazu führen, dass sich unser Leben verschlechtert und wir uns zunehmend voneinander entfremdet fühlen. Mit einer breiten Palette von Einflüssen, darunter Todd Rundgrens "A Wizard, a True Star", Prince and the Revolution mit "Purple Rain" und "Running Out of Time" von Rexy, beschwört jeder Track auf "Word on the Street", abgesehen davon, dass sie sehr melodisch sind, einzigartige Bilder herauf, die sich aus scheinbar unvereinbaren Bildern zusammensetzen, wie z. B. korrupte Justizsysteme, die Prophezeiungen von Nostradamus und das Eishockeyteam Montreal Canadiens. "Word on the Street" ist eine gemischte Tüte, deren verschwörerische Ästhetik eine antikonsumistische Haltung verbirgt, die zum Widerstand gegen den Aufstieg der künstlichen Intelligenz und anderer Werkzeuge der technologischen Unterdrückung aufruft und außerhalb der aktuellen Überwachungssysteme arbeitet, was wiederum mit Elle Barbaras Vorstoß für Low-Tech-Unterstützung wie Vinyl-Schallplatten übereinstimmt.

Lauren Spencer-Smith kehrt mit ihrem neuen Album „THE ART OF BEING A MESS“ zurück und entführt uns auf eine tiefgreifende emotionale Reise. Die talentierte Interpretin von „Fingers Crossed“ lässt uns in die Achterbahn ihrer Gefühle eintauchen, die sie während des kreativen Prozesses durchlebt hat. Jeder einzelne Song auf diesem Album ist ein Ausdruck einer spezifischen Emotion – sei es Wut, Verzweiflung, Liebe, Frieden, Verwirrung oder etwas dazwischen.

Mit beeindruckender Reflexion zeigt die Sängerin das Chaos, das wir alle in unserem Inneren tragen und zieht dabei aus ihren eigenen Erfahrungen Inspiration. Ihre Musik erzählt von realen Geschichten, die nicht nur ihr Leben prägen, sondern auch die Herzen ihrer Fans berühren. In „THE ART OF BEING A MESS“ erinnert sie uns daran, dass es wichtig ist, unsere Emotionen zuzulassen und sich mit ihnen wohlzufühlendenn das Leben ist nicht einfach schwarz oder weiß. Das Album ist als Standard CD und LP verfügbar.

Das meisterhafte Zusammenspiel des Trios, das sich auf eine ausgefeilte Kommunikation zu dritt und einen raffnierten Sinn für Understatement stützt, macht Fred Herschs dritte Aufnahme für ECM zu einem unverzichtbaren Beitrag zum Klaviertrio-Kanon. Zusammen mit Drew Gress am Bass und Joey Baron am Schlagzeug, zwei langjährigen Weggefährten, die seit den späten 80er bzw. frühen 90er Jahren immer wieder mit ihm zusammenspielen, nimmt sich Hersch eine Handvoll Kompositionen des 20. Jahrhunderts vor - von Standards bis hin zu seltener gespielten Jazztiteln. Dazu kommen drei Eigenkompositionen, „Ich habe das Gefühl, dass man auf dieser Platte wirklich die Geschichte hört“, merkt der Pianist an. „Ich hoffe, dass die Leute die Reife der Interaktion, die Klangwelt und die Sensibilität im Spiel spüren können.“ Freds eigene Stücke bestechen durch ihre lyrische Intensität, leuchten mit ausgefeilten Harmonien und verwobenem Kontrapunkt in „Plainsong“, zeitloser melodischer Erfindung im Titelstück „The Surrounding Green“ und unwiderstehlichem Latin-Groove in „Anticipation“. Der Ansatz des Trios bei Ornette Colemans „Law Years“ ist eine frei swingende Angelegenheit, während Egberto Gismontis „Palhaço“ eine elegante Reise durchdachter Trio-Interaktion darstellt. Und bei „Embraceable You“ von den Gebrüdern Gershwin glänzen der Pianist und seine Begleiter mit ansteckender Nonchalance. Mit viel Hingabe an die eindringliche Qualität der melancholischen Melodie erkundet das Trio Charlie Hadens „

Neuaufgelegt mit erneuertem Artwork! HELLUCIFERNATION ist DEMENTED ARE GO's sechstes Album von 1999 und wahrhaftig eines ihrer allerbesten Studiowerke. Das Album enthält Klassiker wie "Strangler In Paradise", "Reptile Queen", "What's The Problem" und den Single Track "Daddy's Making Monsters". Das ist bizarrer Psychobilly, wie es nur DEMENTED ARE GO hinbekommen. Limitiertes, farbiges Vinyl in entweder Orange, Magenta oder Gelb-Mamor!

Jedes Album von BC Camplight hat eine Hintergrundgeschichte, die genauso fesselnd ist wie seine Musik. A Sober Conversation ist da nicht anders, denn der virtuose Songwriter und Pianist Brian Christinzio dokumentiert die letzten zwei Jahre seines Lebens, in denen er sich endlich einem schockierenden Kindheitstrauma stellt, während er sich der Nüchternheit verschreibt, um sein mutigstes und aufschlussreichstes Album zu schaffen. Es handelt sich um ein fesselndes, manchmal eindringliches Quasi-Konzeptalbum, das von schonungsloser tragikomischer Läuterung und erhabener, komplexer Melodik geprägt ist und lyrische Drehbücher mit schillernden Arrangements verbindet. Es ist BC Camplight auf dem Höhepunkt seiner bemerkenswerten Fähigkeiten.

A Sober Conversation folgt auf Christinzios Album aus dem Jahr 2023, das von der Kritik gefeierte The Last Rotation Of Earth (sein erstes Top-40-Album), ein Album, das sich um die quälende Trennung von seiner langjährigen Beziehung dreht. Es erhielt die enthusiastischsten Kritiken seiner Karriere – „Ein Meisterwerk“ (Sunday Times), „Meisterhaft“ (Uncut), „Eine außergewöhnliche Platte“ (MOJO) – und seine bisher größten Headline-Shows im Londoner Shepherd’s Bush Empire und in der Manchester Albert Hall. Doch selbst die zunehmende Anerkennung für das beachtliche Talent des Mannes kann die lange Geschichte seiner Depressionen nicht ausgleichen, und Christinzio gibt zu, dass es ein harter Kampf war, diesen Punkt in seinem Leben zu erreichen.

Folamour ist zurück mit seinem neuen Album. Diese 14-Track-LP ist ein wahrer Wirbelwind der Emotionen, eine Mischung aus Euphorie und Tagträumen, getragen von House-, Disco-, Funk- und Soul-Einflüssen. Nach einem dreiteiligen Album im Jahr 2024, schuf der Sänger eine kaleidoskopische Kombination aus Delirium und Euphorie, aufgebaut auf den Grundpfeilern von House, Disco, Funk und Soul. Er plädiert für Musik als verbindende Kraft, als Ort, an dem Barrieren zerfallen und Platz machen für den gegenwärtigen Moment und für Liebe in all ihrer Vielfalt. Das Album ist auch eine Ode an die Freiheit, die Freiheit, man selbst zu sein und zu akzeptieren, wer man wirklich ist. Auf der Tracklist und den beiden Singles finden sich viele lebendige Nuancen des elektronischen Spektrums, angetrieben von erhabenen House-Beats mit Kabusa Oriental Choir, und "Ça Va Aller", einer Hymne der Hoffnung mit viel Groove, gefühlvollen House-Vibes und einem eingängigen Gesangs-Hook. Der Sommer kann kommen!