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Warrant was formed in 1984 in Hollywood, Los Angeles, California, and experienced success from 1989 to 1996 with five albums reaching international sales of over 10 million. The band first came into the national spotlight with their double platinum debut album Dirty Rotten Filthy Stinking Rich (1989) and one of its singles, "Heaven", which reached No. 2 on the Billboard Hot 100. The band's success continued in the early 1990s with the double platinum album Cherry Pie (1990), which provided the hit song of the same name. In 1992, Warrant released their third album the critically acclaimed Dog Eat Dog. The record achieved only moderate commercial success compared with the first two albums, but still sold over 500,000 copies reaching Gold status and charting at No. 25 on the US Billboard charts. The band's fourth album Ultraphobic (produced by a returning Beau Hill) was released in March 1995 and, featured the singles "Family Picnic", " Followed" and the ballad "Stronger Now". Now to celebrate the 30th Anniversary of their fifth album which was released in October of 1996 and the last with Jani Lane. Belly To Belly Vol. 1 has been remastered and repackaged and is available for the first time on strictly limited vinyl LP.

Gulp Joachim Nordwall’s queasiest, most curdled synth tones on this supremely detuned co-op with Athens’ Stellage crew = 45 minutes of pure nasal-drip tang and gungy pulses tipped FFO Connor Camburn, Wolf Eyes, Conrad Schnitzler, Ilpo Väisänen’s Liima alltimers.

Joachim Nordwall’s 1st solo jaunt since capping the ‘Healing Music’ series in ’23 finds the DIY linchpin and serial collaborator coaxing potently psychoactive tones from an undisclosed set up. It appears to be one of his most intently focussed jags in recent memory, concentrated on juicing a paucity of ingredients for optimal flavour. Nothing that new then? Well, aye, but when he really gets into it, with an effect that really probes parts of the psyche untouched by anything we’ve heard from him before, he produces synaesthetic sounds that frankly makes our ears salivate.

A starting exercise in plucky pulse-work recalling Robert Aiki Aubrey Lowe initiates a real descent into the nether regions of Nordwall’s imagination, pulling into sepulchral drone on ‘Trance Recording’ and Droog wet dream material on ‘Abandoned Test Site’, while allowing for some levity in the lacquer-crackling pulse poem ‘Expand Your Mind’. However, he soon pitches back into resonant, metallic sonorities with durational conviction on a ‘Some Skies Overlap’ bringing to mind Connor Camburn works, but with an icier edge, and his title track spews molten drums in a rumbling, spark-spitting torrent.

Proper filth. Snorkel it!

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

GoldFord’s soul music is rooted in truth. His raw, unvarnished songs are a balance of introspection and catharsis, grappling with heartbreak, healing, and the quiet revelations that come with growth. After spending a decade in corporate America, the St. Louis native (now based in Los Angeles) turned to music as a means of survival following a devastating personal loss. “I was more afraid of dying with regret than I was of failing,” he says of his decision to finally choose the path at 30, a choice that set his entire trajectory in motion.

That initial fearlessness has since fueled extraordinary momentum. With over 4 million monthly listeners on Spotify, GoldFord has rapidly become one of the most compelling emerging voices in contemporary music. His breakout EP, Orange Blossoms (Oct 2024), has surpassed 100M streams, and his latest project, Space of the Heart (Sept 2025), has already generated 90.8M streams, 2.7M saves, and over 153,000 pieces of user-generated content across TikTok and Instagram. The standout track “Easy Does It” has reached 43.5M streams and continues to accelerate with more than 250K new weekly discoveries on Spotify.

GoldFord is stepping into a more luminous and soulful era as he prepares to unveil his next body of work. Defined by the warmth and light of his latest single, Only You Do, the music remains a dedicated exploration of mental wellness, restoration, and the profound power of human connection. From its opening chords, this new project serves as both a continuation and an elevation of his journey toward healing.

With Fuck, Marry, Kill, Tink delivers her most provocative and conceptually sharp body of work to date, firmly reclaiming her position as a premier storyteller in the modern R&B landscape. Moving beyond the diary-entry style of her earlier years, this project utilizes the titular game as a brutal yet honest framework for the complexities of modern intimacy. Tink navigates the chaos of the dating world with a dual-threat precision that few can match, seamlessly blending the grit of her Chicago rap roots with the velvet textures of contemporary soul. Under the executive production of Hitmaka, the album finds its heartbeat in the friction between high-gloss production and raw, unfiltered lyricism.

The album is meticulously structured to mirror the chaotic cycle of urban romance: the adrenaline of fleeting lust, the heavy stakes of long-term commitment, and the inevitable coldness of a bridge burned. In the "Fuck" segment, Tink radiates a lethal confidence, delivering anthems of autonomy and physical desire that demand space in the club and on the charts. As the project transitions into "Marry," she peels back the armor, offering a vulnerable look at the desire for stability and the terrifying leap of faith required to trust a partner. However, it is in the "Kill" section where Tink’s songwriting truly bites; here, she chronicles the aftermath of betrayal and the empowerment that comes from cutting ties, transforming her heartbreak into a weapon of self-preservation.

Ultimately, Fuck, Marry, Kill is a masterclass in "Toxic R&B" that refuses to settle for easy answers. Tink captures the specific anxiety of a generation trying to distinguish between a temporary thrill and a permanent soulmate, all while navigating a world of ghosting and digital infidelity. By leaning into her flaws and her triumphs with equal intensity, she creates a sonic space where listeners feel both seen and vindicated. This isn't just an album about love—it's a survival guide for the heart, narrated by an artist who has seen every side of the game and lived to write the definitive soundtrack for it.

His technical fluency and electronic sensibility place groove at the centre of his language, allowing him to control density, space and pulse with clarity. Across work with Loyle Carner, Jordan Rakei, Petter Eldh and Alfa Mist, his playing remains recognisable - elastic, deliberate and grounded in feel. Released on Edition Records, the album marks a new chapter with Spaven stepping forward as a bandleader and composer with a clear focus. The music is built from the inside out - groove shaping harmony, texture shaping form. Studio and live performances follow the same intent: direct, physical, locked into the pocket. The result is controlled intensity, where technique serves expression, and the music moves freely across genres without losing its centre of gravity

One of the biggest “re-discoveries” of obscure eighties US Metal/Hard Rock are Ashbury from Tuscon in Arizona. The band, led by brothers Randy and Rob Davis, did originally record two very hard to find albums: »Endless Skies« in 1983 and the (belated) follow-up »Something Funny Going On« (issued in 2010). However, the roots of the band go way back to the late 1970s, when multi-instrumentalist Randy Davis formed his very first band (called Ashbury South) in Southern Oklahoma in late 1977. The original vinyl edition of »Endless Skies« came out in 1983 (with a circulation of 1,000 copies). ”It was a complete indie project all the way,” states Rob Davis. “We worked mostly on a budget of $ 5,000 for the entire project. Our distribution was through Tower Records in the western United States.” Ashbury's sound has sometimes been compared to Jethro Tull and the Davis brothers are indeed not too unhappy about this comparison: ”We both have a big smile on our face with that question,” they explain. “Yes, we are proud to be compared with Jethro Tull.” Ashbury's first album does feature an iconic artwork. Who was responsible for it and what does the cover signify? ”The cover signifies Creation, and the choices we all make,” elaborate Rob and Randy. “The cover obviously coincides with the opening song 'The Warning', about the Prophet who warns against bad choices, evil and greed. The final touch was a 'fantasy' setting, a look just off from any real world appearance.” Randy and Rob Davis are playing as brothers in Ashbury, they have always been the core of the band: ”We would not continue performing as Ashbury without both being involved. We write independently, and also together, therefore the very creation of the music would be different if one of us left the band. We also both sing lead vocals, so the sound of the band would be altered. I might refer to a recent tour concerning Styx - touring without Dennis DeYoung - therefore it's NOT Styx.”

Australian black metal force, Faustian, have been referred to as a super group of the Antipodean extreme metal scene; the members of this formidable three-piece having set their demons loose with the likes of Werewolves, The Berzerker, The Amenta, The Antichrist Imperium, Psycroptic, Abramelin and more. However, when confronted with the atmospheric, majestic inferno that is the sound of Faustian, whatever else its creators may have achieved is inconsequential - nothing else matters beyond experiencing the firestorm they unleash in this particular incarnation to its fullest enticing, exhilarating, unnerving extent. With a new deal signed with Apocalyptic Witchcraft, the band are now prepared to unveil their latest collection of unholy hymns. Following in the scorched earth wake of 2023s We Come As Angels, Faustian present Parable Of The Sewer_ From the first, breathless assault of 'I Curse You', with its storm torn atmosphere, dramatic darkness and furious speed, to the warped denouement of 'The Rot Shall Inherit The Earth', a sickly melodious foretelling of putrefaction and degradation, Parable Of The Sewer careers through fear-filled twilight and tenebrous realms of profane secrets. A combination of powerfully evocative lyrics and soul scarring music creates an unequivocal, yet irresistible invitation to damnation. From the indefatigable velocity of the wicked 'Cephalophore' to the precision guitar patterns and chanted revelations of 'Immaculate', the cruel, haunting and surely damned 'We Do Not Use Names Here' to the cold menace of 'Tenements (Only The Wicked Walk In Circles), steeped in the sweat and stench of terror, every moment of Parable Of The Sewer is a masterful expression of black metal art. Sinister and insidious, overwhelming and darkly glorious, walking the edge of a sacrificial blade between repulsion and temptation, Parable Of The Sewer is music at its most potent and dangerous.

Recorded in Paris with Jean-Yves Messan, Patrick Francfort, and François Corea, leading figures of the African diaspora, Na Bo Ndedi is one of the pinnacles of makossa"s golden age. A classic by Ngallé Jojo, with a unique sound that blends traditional rhythms with modern arrangements, vibrant grooves, and a powerful rhythmic drive. Thirty years later, CelluloïdRecords is reissuingthis essential album in a remastered version. For collectors who know it by heart, and for all those who are finally discovering it.

The Carburetors are back and louder than ever! Their brand-new album, "We Ride At Night", is set to tear through speakers and shake venues to their foundations. Packed with the ferocious riffs and raw attitude that fans have come to love, this is the band firing on all cylinders-no brakes, no apologies. "We Ride At Night" is a statement that The Carburetors are still one of the most dangerous rock'n'roll bands on the planet. The Carburetors are a hard-hitting rock band hailing from Oslo, Norway, known for their electrifying blend of rock'n'roll, hard rock, and heavy metal. Formed in 2001, the band has carved out a reputation for delivering fast-paced, high-energy music that channels the raw spirit of Chuck Berry and the relentless power of Motörhead. Their signature sound-often described as "Fast Forward Rock'n'Roll"-combines driving riffs, thunderous drums, and an unapologetic attitude that's made them a staple of the Norwegian rock scene. Over the years, The Carburetors have released a string of acclaimed albums, including their debut "Pain Is Temporary, Glory Is Forever" (2004), "Loud Enough to Raise the Dead" (2006), "Rock'n'Roll Forever" (2008/2010), and "Laughing in the Face of Death" (2015). Their latest release, "Drinkin' from the Skull of Our Enemies," continues their tradition of raw, energetic rock, capturing the band's dynamic stage presence and relentless drive. The band has also contributed to tribute albums for legends like Kiss and The Ramones, and in 2012, they made it to the Grand Final of Norway's Melodi Grand Prix with their song "Don't Touch the Flame." With a career spanning over two decades, sold-out shows, and a loyal fanbase, The Carburetors continue to embody the spirit of rock'n'roll-loud, fast, and forever.

Mit ihrem neuesten Album "Cycles In The Infinite Dream" bündeln REZN die erdrückende Wucht ihres gesamten klanglichen Arsenals mit himmlischen Melodien und einer synästhetisch aufgeladenen, geradezu erhabenen Atmosphäre - und zwar so nahtlos, dass es beinahe jenseitig wirkt, als befände man sich in einem Grenzbereich zwischen zwei Realitäten. Während sich REZN in den ungezügelten Sphären des Metal und den grenzenlosen Weiten der Psychedelia bewegen, zeigt ihr neues Album eine Band, die mit Disziplin und klarer Intention arbeitet - selbst dann, wenn diese Absichten bewusst kryptisch gehalten sind. Wie der Albumtitel andeutet, erkundet "Cycles In The Infinite Dream" die Schnittstelle zwischen Wachzustand und nächtlicher Welt. Ähnlich wie das vom Unterbewusstsein geleitete Werk von David Lynch existiert das Album als eine Art Parallaxe zwischen Künstler und Publikum: Es erschafft einen verschleierten, verzerrten Raum, der zugleich vertraut und fremd wirkt - wie ein Korridor in die eigene Vergangenheit, in dem man die Umgebung wiedererkennt und sich dennoch in ihrer verschobenen Geometrie verliert. REZN bewegen sich seit jeher - und äußerst erfolgreich - im unterirdischen Kosmos jener Musikfans, die nach dem klanglichen Äquivalent veränderter Bewusstseinszustände suchen. Mit "Cycles In The Infinite Dream" haben sie nun ihr bislang wohl psychedelischstes Werk geschaffen. Die Vinyl-Erstpressung kommt mit einem 20seitigem Booklet (Deluxe Ed.).

Mit ihrem neuesten Album "Cycles In The Infinite Dream" bündeln REZN die erdrückende Wucht ihres gesamten klanglichen Arsenals mit himmlischen Melodien und einer synästhetisch aufgeladenen, geradezu erhabenen Atmosphäre - und zwar so nahtlos, dass es beinahe jenseitig wirkt, als befände man sich in einem Grenzbereich zwischen zwei Realitäten. Während sich REZN in den ungezügelten Sphären des Metal und den grenzenlosen Weiten der Psychedelia bewegen, zeigt ihr neues Album eine Band, die mit Disziplin und klarer Intention arbeitet - selbst dann, wenn diese Absichten bewusst kryptisch gehalten sind. Wie der Albumtitel andeutet, erkundet "Cycles In The Infinite Dream" die Schnittstelle zwischen Wachzustand und nächtlicher Welt. Ähnlich wie das vom Unterbewusstsein geleitete Werk von David Lynch existiert das Album als eine Art Parallaxe zwischen Künstler und Publikum: Es erschafft einen verschleierten, verzerrten Raum, der zugleich vertraut und fremd wirkt - wie ein Korridor in die eigene Vergangenheit, in dem man die Umgebung wiedererkennt und sich dennoch in ihrer verschobenen Geometrie verliert. REZN bewegen sich seit jeher - und äußerst erfolgreich - im unterirdischen Kosmos jener Musikfans, die nach dem klanglichen Äquivalent veränderter Bewusstseinszustände suchen. Mit "Cycles In The Infinite Dream" haben sie nun ihr bislang wohl psychedelischstes Werk geschaffen. Die Vinyl-Erstpressung kommt mit einem 20seitigem Booklet (Deluxe Ed.).

John Hassall (The Libertines) & The April Rainers release their long overdue second, self- titled album. It's is the followup to 2017's Wheels to Idyll, which picked up critical applause on its release. The new album was largely recorded at John's home studio in Aarhus, Denmark where he has been living since 2009. And was produced by the band, with string player Clementine Brown having a big influence on the sound. John Hassall "These 10 songs are the ones that survived, grew and took on a life of their own. There's no way of telling if a song will make it until the end. That Pale Lantern in my opinion, started off as a rank outsider and then turned into one of the strongest songs on the album. Lessons were learnt from Wheels to Idyll and a new musical development runs through it. Whereas the last album was recorded pretty much live. The new album maintains similar classic songwriting and pop sensibilities, though with more complex arrangements and production." Most of the songs were cowritten by John and longtime poet collaborator Steev Burgess exploring memories of school days, journeys and adventures, fading dreams, ancient empires and even somebody's trinket collection. Burgess who has known Hassall for many years, wrote the lyrics to lead single Miracles, a sort of Ballad of John and Line. Libertines band mate Peter Doherty is also involved with a co-writing credit on Doing Time. John Hassall and The April Rainers will be announcing UK shows shortly, in the meantime John will be appearing with his other band The Libertines at summer festivals across Europe and the UK.

A real cult favorite of the American psychedelic underground, Three blends hypnotic guitars, immersive atmospheres, and deeply melodic songwriting into a rich, transportive listening experience. Drawing from neo-psychedelia, space rock, and dream pop traditions, the album has become a sought-after modern psych classic with enduring appeal among collectors and fans of expansive, guitar-driven music. Originally released in 2012, Three by Flavor Crystals has steadily become a cult favorite within the modern psychedelic underground. Blending hypnotic guitars, immersive atmospheres, motorik rhythms, and deeply melodic songwriting, the album moves seamlessly between neopsychedelia, dream pop, and space rock. With its warm production, shimmering textures, and expansive mood, Three creates a rich and transportive listening experience that continues to resonate far beyond its original release. Over the years, the album has developed a devoted following among collectors and fans of atmospheric, guitar-driven music, earning recognition as an essential modern psych title. This vinyl reissue reintroduces a sought-after underground classic with strong crossover appeal across psychedelic, indie, and dream pop audiences, offering excellent long-term catalogue value for retailers and distributors alike. Recommended For Fans Of The Brian Jonestown Massacre, Spiritualized, Spacemen 3, Mazzy Star, The Black Angels.

THE HOBKNOBS - ein Projekt der Stimmen von LEWSBERG & THE KLITTENS - werden im Juli 2026 ihr erstes Album auf ihrem eigenen Label THK Records veröffentlichen! "Helmets Off" lässt sich als ein ehrlicher Versuch beschreiben, ehrlich zu sein. Obwohl im Moment der Entstehung alle Optionen offenstehen, bleibt das Endergebnis oft reduziert und schnörkellos. Instrumente setzen genau dann ein, wenn sie gebraucht werden - doch die Songs selbst scheinen gar nicht viel zu benötigen. Jedes Wort und jeder Gitarrenanschlag wirken so, als wären sie exakt im richtigen Moment platziert. Vielleicht ist es gerade diese Schlichtheit der Songs, die das Gefühl vermittelt, als würden The Hobknobs direkt zum Hörer sprechen. Es ist offensichtlich, dass sie nichts zulassen wollen, was diese menschliche Interaktion trüben könnte - eine Interaktion, die zudem eine gewisse Verspieltheit ausstrahlt. Yaël Dekker - dem einen oder anderen bekannt als Sängerin von The Klittens - und Arie van Vliet, der seine Botschaften einst mit der Band Lewsberg verbreitete, wurden einmal als "liebevolle Misanthropen" bezeichnet. Beim Hören des Albums erscheint diese Beschreibung durchaus treffend. Ein tröstlicher Song wie ,The Mind" wirkt eindringlich. In "Dictionary" scheinen selbst Worte ihre Bedeutung verloren zu haben. Lieder, die zunächst fröhlich und naiv wirken, entpuppen sich beim zweiten Hinhören als eindringliche Appelle. Und ist "Enarmoured" etwa ein Protestsong, der den Krieg befürwortet? Welchen Krieg wollen sie eigentlich führen? Die Stimmen von Dekker und Van Vliet scheinen bestens miteinander zu harmonieren; dieses Zusammenspiel hebt die Songs auf "Helmets Off" über ihre trügerische Einfachheit hinaus. In Kombination mit der minimalistischen Produktion von Jaap van der Velde trifft das Album genau den richtigen Punkt zwischen "sofort vertraut" und "einzigartig - niemand sonst klingt so wie sie". Karina Gill von der in San Francisco ansässigen Band Cindy schrieb über The Hobknobs: "Um die Musik von The Hobknobs zu beschreiben, ist das Wort "natürlich" treffend. Gemeint ist damit: Sie ruht in sich selbst; sie ist im Grunde - wenn auch auf höfliche Weise - daran desinteressiert, ob man ihr gerade zuhört oder nicht. Man mag an frühen Rock 'n' Roll denken - und dabei an dessen energiegeladene Lässigkeit und ehrliche Reduktion, frei von jeglicher Sentimentalität. Musikalisch und textlich greifen die Elemente der Songs perfekt ineinander; sie offenbaren ihren Fluss, ohne jedoch dazu zu verleiten, sie in ihre Einzelteile zerlegen zu wollen. Das Duo Yaël Dekker und Arie van Vliet schätzt die Musik des jeweils anderen schon lange, doch ihre Zusammenarbeit hier ist kein geschlossener Dialog - sie ist zugleich umgangssprachlich und intellektuell anspruchsvoll, und wir sind eingeladen, daran teilzuhaben, sofern wir mithalten können. So wie etwas Natürliches eine gewisse Gelassenheit ausstrahlt, manövrieren sich The Hobknobs geschickt in eine Position, in der wir an ihrer Seite stehen, mit ihnen hören und sehen und feststellen: Jeder Song ist ein Ort, an dem man gerne verweilt."

Auckland-based indie-pop outfit Borderline officially plant their flag in the New Zealand music scene with their self-titled project, Borderline. Seamlessly blending the nostalgic warmth of classic indie-rock with the polished, infectious hooks of modern pop, the band delivers a sonic snapshot of youth, ambition, and navigating the fine line between late-night euphoria and introspective vulnerability. Driven by shimmering guitar lines, driving bass rhythms, and anthemic vocals, the project feels both intimately local and ready for a global stage.

Borderline serves as a definitive introduction to the band’s signature sound, trading in sun-drenched, feel-good anthems built for summer road trips alongside high-energy tracks that tackle the fast-paced nature of modern relationships. By balancing cinematic storytelling with irresistible hooks, the up-and-coming band crafts a listening experience that is both fresh and deeply relatable, securing their place as a compelling new voice to watch out of New Zealand.

ALP002, Alpine Sound’s second self-released record, sees the duo charting new territory, trading their signature heavy-hitting steppas sound with a more meditative and introspective palette.

‘Do The Cobra Dance’ on side A delivers deep acid-dub textures, anchoring a hypnotic rhythm with healthy doses of washed-out 303 action. Flip it over and you enter the more atmospheric realm of dub techno with ‘Clouds Connect’, where muted stabs, heavy low-end, and expansive delays send you drifting straight through the echo chamber.

Mastered by Jack Robinson at The Dub Crate and pressed at Well Tempered, these are two weighty dubs, equally suited to home-listening and the dance.

Als eine der prägendsten und einflussreichsten Künstlerinnen unserer Zeit vereint die mehrfache Grammy- und BRIT-Award-Gewinnerin Charli xcx Musik, Mode und Film wie keine andere. Ihr mit Spannung erwartetes neues Album „Music, Fashion, Film“ erscheint am Freitag, den 24. Juli, und führt ihren visionären Mix aus Mainstream und innovativem Underground perfekt fort. Das Meisterwerk enthält bereits gefeierte Tracks wie „SS26“ und „Rock Music“ und besticht durch ein ikonisches Cover von Aidan Zamiri, auf dem Legenden wie John Cale, Marc Jacobs und Martin Scorsese zu sehen sind.

MAEVE returns with a new chapter led by Mano Le Tough, continuing the label's long-standing vision of releasing timeless, emotionally resonant electronic music.

Leading the way is a special 3-track 12" featuring a collaboration of Mano Le Tough with DJ Koze, Remcord and Jonathan Kaspar, - the first in a new run of releases scheduled throughout 2026, with further singles and an EP to follow from Maeve artists and new talents.

DYING VICTIMS PRODUCTIONS is proud to present the much-needed reissue of WITCHING HOUR’S mini-album, Where Pale Winds Take Them High…, on vinyl LP format. Under license from Evil Spell Records. Originally released in 2014, this 6-track mini-album continued the evolvement of the band’s sound from rough and straight forward black thrash to a more varied, multilayered approach to the genre. On this record, Witching Hour still concentrated on shorter, more to the point song writing, whereas their following albums began to see more expansive and atmospheric tunes.

DYING VICTIMS PRODUCTIONS is proud to present the highly anticipated debut album of Poland’s TORPOR, Ɖungeon Ɖescent, on CD and vinyl LP formats. TORPOR were formed in Warsaw by three school friends and music fans under the huge influence of Bathory. While recording their first release, Burning Realms / Behold the Spell of Black Fortress, in dusk of 2017, the band were laying their music foundations inspired by the epic side of black and the haunted / melancholic side of early ‘80s heavy metal. Since their last release – 2021’s The Ancient Tales EP, which was actually recorded in 2019 – TORPOR parted ways with their drummer, who alongside Mike Magister I.V. and Franciszek Archont, was a founding member of the trio. Upon the arrival of a new drummer and long-time friend, Bloodhammer, they recorded their debut album. It marks the result of their work and path undertaken. "We knew it was our direction to follow and polish, so now, after some time, we can happily present our debut album, Ɖungeon Ɖescent,” the band state. “It is our first real record that pictures our vision exactly how we liked to. After years of wandering around basement rehearsal rooms and two self-released demos, we are finally coming out of our lairs with this LP under the banners of DYING VICTIMS." Their past connections with fellow labelmates ARMAGH and FUKKIN’ VENGEANCE somewhat explains TORPOR’s link to the idiosyncratic side of ancient heavy metal, which has taken far more prominence on Ɖungeon Ɖescent over the first-wave black metal side – but that’s only part of the picture. Some might call it “cleaning up,” others might liken it to a harnessing of feral energies, but TORPOR’s emphatic-yet-stoic strut conveys equal amounts of energy and mystery, finesse and fine-tuning. Of course, the power-trio can kick into high gear when they want to, be it heroic gallop or even hypnotic blast, but their sense of movement from one moody segment to the next imparts a narrative flow that’s part and parcel of their lyrical imagery. Or, perhaps it’s true swords & sorcery metal without belaboring the point – no “COOL IMAGERY DUDE” without the music & atmosphere to back it up, more specifically – that harkens to a glorious, sadly bygone era. However you approach this Ɖungeon Ɖescent, TORPOR have surely delivered a cult classic in the making. Passion, authenticity, the reverberating ring of truth…ancient powers arise from time immemorial

Als eine der prägendsten und einflussreichsten Künstlerinnen unserer Zeit vereint die mehrfache Grammy- und BRIT-Award-Gewinnerin Charli xcx Musik, Mode und Film wie keine andere. Ihr mit Spannung erwartetes neues Album „Music, Fashion, Film“ erscheint am Freitag, den 24. Juli, und führt ihren visionären Mix aus Mainstream und innovativem Underground perfekt fort. Das Meisterwerk enthält bereits gefeierte Tracks wie „SS26“ und „Rock Music“ und besticht durch ein ikonisches Cover von Aidan Zamiri, auf dem Legenden wie John Cale, Marc Jacobs und Martin Scorsese zu sehen sind.

The album was inspired by the dislocation Kennan felt upon returning, after several years
away, to the rustic neighborhood northwest of L.A. where she’d grown up: “Wandering through a place where my life once existed but where everything had quietly shifted with time.”

The music conjures a mood of distance, dust, and dazed emotion, alternately lulling and unraveling. From shuffling tumbleweed vignettes (“The Lone West,” “Romantic Strings”) to sepia-tone torch songs (“Shadows,” “Reverie”) to oblique keyboard meditations (“Moonlight,” “Rain”) , Kennan’s soundworld moves with a muted, murky beauty, like alluring shapes seen through smudged glass. In her hands, haze is a transformative property, liberating melody and memory into landscapes still untraveled.

Josh da Costa's "New Wave Graveyard" ist ein Solo-Debüt, das die Vielfalt der Underground-Musik feiert und sich dabei eine eigene Nische schafft. Nach anderthalb Jahrzehnten in Bands wie dem Synthpop-Duo CMON (Mexican Summer) und den New Yorker DIY-Legenden Regal Degal (Terrible Records), veröffentlicht Josh da Costa endlich sein Solo-Debüt. Der erfahrene Kollaborations- und Tourmusiker spielte bereits mit Künstlern wie Drugdealer, Jessica Pratt, MGMT, Chris Cohen und vielen anderen. Über fünf Jahre entstand "New Wave Graveyard", das weit mehr als nur das im Titel erwähnte Genre der späten 70er/frühen 80er Jahre umfasst - von Flying-Nun-Compilations über den Glam-Rock von Sparks und Japan, Art-Pop von Prince und Yoko Ono bis hin zu Power-Pop, Electro, Britpop und Shoegaze - allesamt aus da Costas umfangreicher Plattensammlung. "New Wave Graveyard" mag zwar vom Genre der 70er und 80er Jahre inspiriert sein, das dem Album seinen Namen gibt, doch ist die/der New Wave nur eine(r) von vielen musikalischen Einflüssen von Josh da Costa. Das Album ist ein wunderschöner Mix aus Stilen und Ideen, von Glam bis Shoegaze, allesamt geprägt von Joshs vielseitigem Geschmack. Mit geistreichen Texten und einer Fülle eingängiger Songs ist es ein mitreißendes Statement eines vielversprechenden neuen Künstlers, ein komplettes Soloalbum, für das da Costa alle Songs und Texte selbst geschrieben, nahezu alle Instrumente gespielt und das Album selbst gemischt hat. Gemastert wurde es von Heba Kadry (Björk, Panda Bear, Blood Orange), das Albumcover stammt von Robert Beatty (dem legendären Künstler hinter den Plattencovern von Tame Impala, The Weeknd, Mdou Moctar, Oneohtrix Point Never und vielen mehr). Die klassische schwarze Vinyl-LP enthält ein farbiges Booklet mit den Songtexten.

Mit seinem GRAMMY-Gewinn 2021 für seine Zusammenarbeit mit Esperanza Spalding hat sich der Komponist, Sänger und Multi-Instrumentalist Corey King still und leise zu einer der vielseitigsten Stimmen der zeitgenössischen Musik entwickelt. Seine Karriere umfasst Kooperationen mit so unterschiedlichen Künstlern wie Milton Nascimento, Gil Scott-Heron, Bonobo, DJ Premier und Iggy Pop und prägt einen Sound, der fließend zwischen Jazz, Soul, experimentellem Songwriting und filmischer Komposition wechselt. Auf ,Change the Wind" bündelt King diese Bandbreite zu einem fokussierten, zutiefst persönlichen Statement. Das Album, das in Jahren des Umbruchs und des Wandels entstanden ist, schafft einen Ausgleich zwischen Intimität und Weite und bewegt sich zwischen stiller Reflexion und ausladenden Arrangements mit voller Bandbesetzung. Themen wie Resilienz, Klarheit, und emotionale Neuausrichtung ziehen sich durch das gesamte Werk und verleihen der Platte einen Zusammenhalt, der sich eher gelebt als konzeptionell anfühlt. Im Kern steht ein tiefes Gefühl von Hingabe und Verletzlichkeit, das am deutlichsten in ,R.M.K." zu spüren ist, einem strahlenden Stück, das von der Geburt von Kings Tochter inspiriert wurde. Ohne sich in narrativen Details zu verlieren, verankert der Song das Album emotional und gibt den Ton für ein Werk vor, das sich mit Fürsorge, Verantwortung und der Zerbrechlichkeit von Verbindungen beschäftigt. An anderer Stelle erkundet King Liebe, Zweifel und persönliches Wachstum mit einer leichten, aber beständigen Hand, wobei sie Stimmung und Bewegung gegenüber explizitem Storytelling den Vorzug gibt. Musikalisch ist ,Change the Wind" reichhaltig, ohne schwerfällig zu wirken. Warmes Klavier, mehrstimmiger Gesang und kammermusikalische Bläserarrangements werden durchbrochen von Broken-Beat-Rhythmen und subtilen elektronischen Texturen. Manchmal neigt sich das Album zu Groove und Vorwärtsdrang, mit von Afrobeat geprägten Passagen und dynamischen Bläsersätzen, während es sich an anderer Stelle in spärliche, intime Räume zurückzieht. Beiträge von engen Mitwirkenden, darunter Spalding und der Trompeter Takuya Kuroda, verleihen dem Album Tiefe, ohne dessen zusammenhängendes Gefühl zu überwältigen. Anstatt einzelne Titel in den Vordergrund zu stellen, offenbart sich ,Change the Wind" als ein ganzheitliches Hörerlebnis, das sich allmählich entfaltet und mit der Zeit belohnt. Es ist ein Album über stetige Verwandlung, darüber, Klarheit in der Bewegung zu finden, und darüber, inmitten ständiger Veränderung an etwas Menschlichem festzuhalten.

Danny Clay is a composer who often utilizes classical instruments, open forms, found objects, analog media, and digital errata in his work. He has collaborated with musicians and ensembles throughout the US, including Kronos Quartet, Eighth Blackbird, Third Coast Percussion, Volti, the San Francisco Girls Chorus, Wu Man, Sarah Cahill, Phyllis Chen, the International Contemporary Ensemble (ICE), Ensemble Dal Niente, the St. Louis Symphony Orchestra, and others.

10 years after his last solo release on IIKKI ("Stills" IIKKI001), Danny Clay comes back with "A Moment Beyond". A new intimate and out-of-time piece evolving between ambient, chamber music and contemporary music.

Susan Cadogan is a Reggae & Rocksteady singer from Kingston, Jamaica. With a delicate voice that shimmers between childlike innocence and smoldering sexuality, Susan Cadogan’s vocals were the perfect expression of lovers rock.

Susan Cadogan's singing talents led to her recording her first single, "Love My Life" for Jamaican Broadcasting Corporation (JBC radio) DJ Jerry Lewis. Lee "Scratch" Perry was in the recording studio at the time, and was impressed by Cadogan's voice enough to record an album's worth of material with her, also renaming her Susan.

One of her first recordings for Perry, a cover of Millie Jackson's soul hit, "Hurt So Good" (featuring bassist Boris Gardiner), was released was released in the UK by Dennis Harris' DIP International label, and topped the UK reggae chart and went on to reach No. 4 in the UK Singles Chart which resulted in Cadogan flying to London to promote the single, including many television appearances on the BBC's Top of the Pops. Other singles ("Nice & easy", "Fever", "In the Ghetto") were released but none of these charted. "Hurt So Good" was subsequently certified silver in the United Kingdom and gold in South Africa after a few weeks and became one of the top selling singles of 1975 in the UK.

This is the album she recorded for Trojan Records and it was produced by the legendary Lee Perry, Susan Cadogan is available as a limited numbered edition of 750 copies on orange vinyl.

Ras Michael's Dadawah. The Singing Drummer, a devout Rastafarian musician. Dadawah brought Ras Michael together with veteran studio hands: bassist Lloyd Parks, drummer Paul Williams, guitarist Willie Lindo, and last but not least pianist/organist Lloyd Charmers, who also produced.

The resulting album Peace & Love is a work of faith. Although not a concept album in the strict sense of the term, it thematically evokes the Biblical final days. "Run Come Rally" calls together the world's righteous in preparation for the upcoming battle with evil. Having gathered together the brethren from "Seventy Two Nations," all bow before Jah in a celebration of His greatness, then give voice to their desire to return to "Zion Land." The set concludes with "Know How You Stand"'s call for freedom, and with it the ability to fulfill Jah's plan.

The extraordinary power of the set's themes is echoed by the equally phenomenal backings, all conjuring up the most haunting of atmospheres. While the hand drums give the album a grounation feel, Parks and Williams simultaneously ground the numbers deep in roots. Intriguingly, though, there's no reggae guitar, just Lindo's sublime riffs and licks that flick into the rock realm, while constantly sliding back into blues. Charmers' piano and organ occasionally take over the reggae guitar role, but mostly his keys intertwine around Lindo's leads, accentuating melodies, scattering elegant flourishes here and there, and subtly building up the atmospheres. Charmers' production is superb, the musicians inspired, and Ras Michael's power undeniable. An astounding album that's lost none of its potency over the years.

Chicken Shack are a British blues rock band founded in 1965 by Stan Webb, Andy Silvester, and Alan Morley, who were later joined by Fleetwood Mac’s Christine McVie, then still known as Christine Perfect. She would leave the band somewhere in 1969 to join Fleetwood Mac, and was replaced by Paul Raymond of UFO and Michael Schenker Group fame. They signed to the legendary British blues label Blue Horizon in 1967.

100 Ton Chicken is the band's third studio album from 1969 and offers a nice balance of blues standards and originals penned by the band's only constant member Stan Webb, who is still active to this day. It features the single "Tears In The Wind" and a cover of Davey Graham’s folk masterpiece "Anji".

100 Ton Chicken is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on green vinyl.

Neuauflage des Lambchop-Albums "Nixon" aus dem Jahr 2000 auf schwarzem Vinyl, inkl. "Up With People" und "Grumpus".

Wir feiern das 15-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Downtown Battle II*
aus dem Jahr 2011 mit einer neuen, limitierten Pressung auf hellblauem Glitter-Vinyl.
Wir feiern das 10-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Mothership* aus
dem Jahr 2016 mit einer neuen, limitierten Pressung auf meerblauer Glitzer-Vinyl.Die auf 20 Jahre Jubiläum limitierte Neuauflage der 2006er-EP
„Whatever I Say Is Royal Ocean“ von Dance Gavin Dance ist erstmals auf „Forest Green Glitter“-Vinyl
erhältlich.

Wir feiern das 15-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Downtown Battle II*
aus dem Jahr 2011 mit einer neuen, limitierten Pressung auf hellblauem Glitter-Vinyl.
Wir feiern das 10-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Mothership* aus
dem Jahr 2016 mit einer neuen, limitierten Pressung auf meerblauer Glitzer-Vinyl.Die auf 20 Jahre Jubiläum limitierte Neuauflage der 2006er-EP
„Whatever I Say Is Royal Ocean“ von Dance Gavin Dance ist erstmals auf „Forest Green Glitter“-Vinyl
erhältlich.

Wir feiern das 15-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Downtown Battle II*
aus dem Jahr 2011 mit einer neuen, limitierten Pressung auf hellblauem Glitter-Vinyl.
Wir feiern das 10-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Mothership* aus
dem Jahr 2016 mit einer neuen, limitierten Pressung auf meerblauer Glitzer-Vinyl.Die auf 20 Jahre Jubiläum limitierte Neuauflage der 2006er-EP
„Whatever I Say Is Royal Ocean“ von Dance Gavin Dance ist erstmals auf „Forest Green Glitter“-Vinyl
erhältlich.

60 Years celebrates six decades of of pianist and composer Horace Tapscotts radical and uplifting musical and social vision. Digging deep into the Arkestra"s archives, the album gathers breath-taking unreleased material, including previously unheard compositions, from every stage of the band"s development - from Tapscott"s earliest iterations of the group, recording at home in 1961, to the current incarnation of the band, led by the new generation of young musicians. Remastered from archival sources by the Arkestra"s longstanding engineer Wayne Peet, 60 Years is presented by The Village, a label operated by members of the Pan Afrikan Peoples Arkestra. With archival photographs documenting the Arkestra"s history, the album arrives with liner notes featuring track-by-track commentary from Arkestra members past and present. In the words of Mekala Session, "This release is the culmination of 60 years of Black history through sound". South Central"s musical colossus is still very much awake, and 60 Years reveals the secrets of the Ark.

This 45 reissues two Spanish classics-DJ'd, sung, and danced to exhaustion-featuring striking arrangements and rhythms inspired by soul, funk, and rock, pushing flamenco-influenced popular music into previously uncharted territory. The flamenco rock of 'Orgullo' (1974) by Las Grecas will appeal to international listeners already captivated by the Anatolian sound of Baris, Manço, Mogollar_ On the B-side, Paco, Paco, Paco' (1969) by Encarnita Polo is a soul-pop hit with an irresistible syncopated rhythm and killer bass lines. In the final years of Franco's dictatorship, when Spain's popular music was kept on the sidelines of avant-garde and countercultural trends, a number of records emerged that dared to bend and hybridize the country's so-called "national" musical genres (calling it flamenco outright would be imprecise) and infuse them with a dose of modernity. The first 20 seconds of 'Orgullo' (1974) hit with a powerful sonic punch built on ferocious fuzzed-out guitars, distorted keyboards, and thunderous drums that could easily belong in the discography of Led Zeppelin, The Guess Who, or Cream_ until, suddenly, Las Grecas start to sing and Flamenco rock is born. It will undoubtedly resonate with international audiences already drawn to the Anatolian sounds of Bar?? Manço or Mogollar. A few years earlier, in 1969, the brilliant Argentine producer and arranger Adolfo Waitzman had already transformed a harmless light pop tune recorded by a yeyé girl, Encarnita Polo, into a soul-pop hit driven by an irresistible syncopated groove and killer bass lines. The playful 'Paco, Paco, Paco' became a bestselling single in Spain and, more than 50 years later, is still celebrated as a brilliant example of the romance between flamenco-inflected sounds and soul-pop. First-ever single reissue.

Hausu Mountain co-founder Maxwell Allison returns to the label under his moniker Mukqs with an hour-long progressive ambient statement entitled Juckport. Performed live on a solitary sampler in a single take, the album shifts from warp-speed blasts of glitch to iridescent jazz fusion piano sketches to expanses of ecstatic synthesis. Allison's improvised approach to live sound collage blends innumerable layers of texture and oblique harmony into a continually thrilling electro-acoustic mosaic. Each track begins as a bank of samples sourced from Allison’s collection of synthesizers, drum machines, and field recordings, arrows pointing in a direction but without established counterpoint. Spontaneity, and the sometimes chaotic juxtapositions it engenders, undercut any traces of machine logic in the music as it expands and contracts organically. It is the product of hands moving in real space, in real time, for an extended period. Juckport is animated by a duality of glitched-out abstraction and intangible bliss. Synthesizer pads stretch beyond the imagination’s horizon line, counterbalanced by a churn of clipped samples that scatter across the stereo field like rapidfire psychedelic flashbacks. Cohesion emerges through textural continuity and development rather than repetition or pattern-making. Blink and innumerable details might slip by unnoticed, and the landscape might have shifted entirely. Still, as more viscous sounds enfold the listener, they communicate a calm, settled mindset, reflecting the motion of a creative mental state; large amounts of information are synthesized into a focused stream that reacts intuitively with the introduction of each new complicating element.

Tiki Nation finds Truckstop Tomahawk charting new territory at the outer edges of modern exotica. Created by Robert Kress—one half of Kava Kon—the album treats tiki not as nostalgia, but as a living, evolving sound world. These tracks roam freely through imagined geographies: remote islands, half-remembered myths, roadside rituals, and sun-bleached dream states where vintage exotica collides with forward-leaning composition.

Rather than simply revisiting mid-century tropes, Tiki Nation recontextualizes them—layering cinematic arrangements, unexpected textures, and playful titles that hint at folklore, travel, and quiet surrealism. The result is music that feels exploratory and unbound, equally suited for deep listening, late-night reverie, or drifting into unfamiliar landscapes with a drink in hand.

The album’s visual centerpiece deepens this atmosphere. The cover art, Pele’s Release, was painted by Catherine Robbins, a self-taught artist and longtime Hawaiʻi Island resident who created the oil painting in her rainforest studio just miles below Kīlauea’s erupting summit. That proximity to raw, elemental power mirrors the album itself—beautiful, mysterious, and quietly volatile.

Tiki Nation stands as a bold statement of intent: exotica untethered from the past, alive in the present, and pointed firmly toward uncharted horizons.