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Two-Piers bringt mit "Come To My World" eine kurze Geschichte und Tauchgang in die Welt des Indie-Pop, von seinen bescheidenen Anfängen in den 1980ern bis zu den vielen grossartigen Bands, die heute die Flagge hochhalten.

"Come To My World" beginnt mit coolen Bands wie Talulah Gosh, The Flatmates, Blueboy, Primal Scream, McCarthy, 14 Iced Bears und The Springfields auf bahnbrechenden DIY-Labels wie Sarah Records, The Subway Organization und Creation. Über die einflussreichen C86-Kassettenjahre gelangen wir zu den kommerzielleren Spät-1980er-Sounds von The Primitives, The Soup Dragons und The Darling Buds. Wir navigieren durch die 1990er mit der unterschätzten Brillianz von Heavenly, der florierenden schottischen Szene mit Acts wie BMX Bandits und The Vaselines, bis zum Durchbruch der Indie-Pop-Sounds von Velocity Girl und Blake Babies in den USA. In den 2000ern brachte die US-Szene exzellente Bands wie Dum Dum Girls und The Pains Of Being Pure At Heart hervor, neben Underground-Acts wie Joanna Gruesome, The Spook School und Veronica Falls. Die Zusammenstellung endet mit einem Blick in die glänzende Zukunft des Indie-Pop mit Künstlern wie The Goon Sax, The Lost Days und Ribbon Stage.

Für Indie-Pop-Liebhaber ist diese Underground-Musik seit fast 40 Jahren eine ständige Quelle der Freude. 2LP mit 34 Tracks. 2CD mit 40 Tracks.

Eine weitverbreitete Utopie ist die Ewigkeit. Eine andere ist das Glück. Man spielt mit dem Leben - wie gehabt und wie immer ohne Gewähr!

Manche tragen ihre Hoffnungen an die Börse, andere zur Glücksspielannahmestelle. Die Berliner Band Milliarden befindet sich auf ihrer neuen Studioeinspielung 'Lotto' in der Transitzone zwischen Kommen und Gehen. Dort, wo der Puls rauscht und Dasein Ankunft und Abschied bedeutet. Milliarden sind Ben Hartmann und Johannes Aue aus Berlin.

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl+ Poster)

Eine weitverbreitete Utopie ist die Ewigkeit. Eine andere ist das Glück. Man spielt mit dem Leben - wie gehabt und wie immer ohne Gewähr!

Manche tragen ihre Hoffnungen an die Börse, andere zur Glücksspielannahmestelle. Die Berliner Band Milliarden befindet sich auf ihrer neuen Studioeinspielung 'Lotto' in der Transitzone zwischen Kommen und Gehen. Dort, wo der Puls rauscht und Dasein Ankunft und Abschied bedeutet. Milliarden sind Ben Hartmann und Johannes Aue aus Berlin.

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl+ Poster)

Auf dieser Tribute-Compilation finden sich Interpretationen von Margo-Guryan-Songs von TOPS, Rahill, Clairo, June McDoom, MUNYA und Kainalu, Frankie Cosmos und Good Morning, Kate Bollinger, Pearl & The Oysters, Bedouine und Sylvie, Empress Of, Barrie, und Margo Price. Die meisten unserer Geschichten über Kultmusiker, die ein oder zwei Alben machen und dann zu verschwinden scheinen, sind von Trauer, Verzweiflung und ausgefranstem Ehrgeiz umrahmt. Nicht so bei Margo Guryan, einer begeisterten Jazz-Ausnahmeerscheinung, die Popmusik verachtete, bis sie 1966 „God Only Knows“ hörte, das ihr ein Fenster zu den Wundern öffnete, die diese Musik-Form enthalten konnte. Nur zwei Jahre später veröffentlichte sie auf dem Album „Take a Picture“ ihre eigenen kleinen Popsinfonien und erntete dafür großes Lob und hohe Erwartungen. Aber da sie sich bereits von dem Posaunisten Bob Brookmeyer hatte scheiden lassen, lehnte sie es ab, ein Musikerleben zu führen und auf Tournee zu gehen oder auch nur darüber zu sprechen. Ihre Zurückhaltung führte dazu, dass „Take a Picture“ bald in den Regalen der Discounter und letztlich in den Mülleimern landete. Sie schrieb weiterhin Songs und nahm noch jahrelang auf, arbeitete sogar mit der Band von Neil Diamond zusammen, aber meistens schien sie mit ihrem relativ privaten Leben zufrieden zu sein. Wie es sich für eine so atemberaubende und subtile Musik gehört, erlebte die 2021 verstorbene Guryan in den letzten sechs Jahrzehnten mehrere Wiederauferstehungen. Und jetzt geschieht es wieder: Kurz nachdem ihre fast geflüsterte und liebeskranke Hymne „Why Do I Cry“ sie 2021, im selben Jahr, in dem sie starb, zum TikTok-Star machte, startete die Numero Group eine Wiederveröffentlichungskampagne, aus der 2024 das hochgelobte Set „Words and Music“ hervorging. Und jetzt haben ein Dutzend Künstler - von denen keiner geboren war, als „Take a Picture“ entstand - das gesamte Album (plus einen Bonustrack) für „Like Someone I Know: A Celebration of Margo Guryan“ neu interpretiert. Empress Of, Margo Price, Clairo, June McDoom: Sie alle bestätigen Guryans Schärfe als Songwriterin und die Brillanz eines Albums, das den Werbezyklus, den Guryan vor so langer Zeit ablehnte, bei weitem übertroffen hat. Guryan wurde in einer weitläufigen Familie in Far Rockaway geboren, als der Ort noch größtenteils von Bäumen umrahmt war. Während ihres Kompositionsstudiums an der Boston University stolperte Guryan in einen Auftritt als Pianistin zwischen den Konzerten des Miles Davis Quintet, unterschrieb einen Vertrag als Songwriterin bei Atlantic Records und verpatzte eine Session mit Nesuhi Ertegun. Aber sie war nicht darauf aus, ein Gesangsstar zu werden. 1959 ging sie an die Lenox School of Jazz in den Berkshires, um für Ornette Coleman und Don Cherry zu schreiben, die Aufmerksamkeit des Dozenten Max Roach zu gewinnen und in Gunther Schuller einen langjährigen Mentor und Freund zu finden. Sie wurde eine versierte Texterin und schrieb nicht nur für Coleman und Nancy Harrow, sondern auch für Harry Belafonte und Gary MacFarland. Aber es war die spätere Begegnung mit den Beach Boys, die Guryan die Tür zu „Take a Picture“ und einer Reihe anderer großartiger Songs öffnete, von denen viele auf „Words and Music“ erschienen sind. „Take a Picture“ ist eine ausgefeilte Bestandsaufnahme der Romantik und Unentschlossenheit der Mittzwanziger, vom koketten Treiben in „Sunday Morning“ und der Verliebtheit in „Can You Tell“ bis zur verzweifelten Hilflosigkeit in „What Can I Give You“. Ihre ewig weiche Stimme, ihre kühne Songkunst und ihre völlige Offenheit: Guryan machte 1968 und darüber hinaus gewagte Musik, egal wie sanft sich diese Klänge zu bewegen schienen. „Like Someone I Know: A Celebration of Margo Guryan“ unterstreicht die Stärke von Guryans Liedern, indem es einem Dutzend verschiedener Künstler erlaubt, sie auf ihre eigene Reise mitzunehmen. Im Laufe der letzten Jahrzehnte ist immer deutlicher geworden, wie gut Guryan war, wie stabil ihre Lieder inmitten der wechselnden Geschmacksrichtungen. „Like Someone I Know: A Celebration of Margo Guryan“ ist eine absolute Bestätigung, ein Zeugnis für die anhaltende Relevanz und Brillanz von Guryans Arbeit. Ein Teil des Erlöses dieses Albums wird für die Bereitstellung von und den Einsatz für erschwingliche reproduktive Gesundheitsdienste gespendet.

Remastered Deluxe-Format zum 25-jährigen Jubiläum des legendären Debütalbums der US-Indie-Band American Football. Die Band brillierte mit einem Slowcore-Sound zwischen Math- und Post-Rock, löste sich aber kurz danach auf, um sich mit einer Reissue dieser LP 2014 wieder zu vereinen. Im Zuge der zweiten Emo-Welle entfaltete das Album eine ungeahnte Wirkung: Für Pitchfork "beste Neuauflage" und "einflussreichstes Album des Genres", für den Rolling Stone #6 der "40 besten Emo-Alben aller Zeiten". Das neue Format ist remastert und erscheint auf silberfarbigem Doppelvinyl mit 24-seitigem Booklet und Download-Card im Gatefold-Sleeve mit neuem Artwork in Silberfolienprägung.

Die Pop-Punk-Band State Champ kündigt ihr fünftes Album an:
Das sebstbetitelte Album State Champs sprudelt mit der Energie von The Finer Things (2013), Around the World and Back (2015) und Living Proof
(2018). Es baut auf der Grundlage von Kings of the New Age (2022) auf. Das geliebte Post-Pandemic-Album bewies, dass die Band überleben wird.
State Champs lässt sie nun aufblühen.
Songs wie „Silver Cloud“, „Clueless“, „Sobering“, „Tight Grip“, „I Still Want To“ und „Golden Years“ explodieren mit energiegeladener,
leidenschaftlicher und klug konstruierter Präzision. Obwohl die Produktion groß, fett und ausgefeilt ist, klingt sie dennoch wie eine Band, die
zusammen in einem Raum sitzt oder die Bühne teilt.

Die neue EP der Melodic Synth Metal-Pioniere - mit zwei brandneuen Tracks und weiteren spannenden Überraschungen!
Nach ihrem Erfolgsalbum Dark Waters (2023, #9 der offiziellen deutschen Albumcharts) veröffentlichen die Melodic Synth Metal-Pioniere DELAIN
diesen Herbst ihre neue EP, Dance with the Devil.
Die Platte erscheint über Napalm Records und enthält neben zwei brandneuen Songs weitere spannende Überraschungen, die kein Fan verpassen
sollte! Dance with the Devil vereint Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft und präsentiert die Kraft des neu formierten Lineups in einem vollen,
modernen Sound, der die Vorfreude auf all das schürt, was von der Band um Gründer und Mastermind Martijn Westerholt zu erwarten sein wird.

Bandkopf Wintherr hat auf dem dritten regulären PAYSAGE D'HIVER Album "Die Berge" die dunkle Seite seiner alpinen Heimat perfekt eingefangen. Abseits der kitschigen Postkartenlandschaften herrschen zerklüftete Gipfel, die unfassbare tektonische Kräfte aus der dünnen, kalten Kruste dieses Planeten herausgezwungen haben. Diese grauen Riesen erzeugen eine harsche, menschenfeindliche Umgebung, die im rauen Black Metal des Schweizers ein musikalisches Echo findet. Note für Note entfaltet sich die majestätische Kraft der Berge, die bedrohlich und gefährlich wirkt, aber zugleich auch eine wilde Schönheit ausstrahlt. Die gewaltigen Song-Brocken auf "Die Berge", die sich zu einer Spielzeit von über 100 Minuten auftürmen, erinnern allein schon durch ihre epische Länge an die gebirgigen Quellen ihrer Inspiration. Mit jeder Veröffentlichung erzählen PAYSAGE D'HIVER ein neues Kapitel ihrer fortlaufenden Geschichte über einen mysteriösen Protagonisten namens 'Der Wanderer'. "Die Berge" führen den Wanderer zu seinem 14. Kapitel, welches vielleicht auch sein letztes sein könnte. Denn das Hauptthema von "Die Berge" ist der Tod. Diese Reise des rätselhaften Wanderers lässt sich mit der eines Zen-Mönchs vergleichen, der sein Ende nahen fühlt und zum Sterben auf den Gipfel eines Berges steigt. PAYSAGE D'HIVER wurden im Jahr 1997 in der Schweizer Region Bern gegründet. Das Soloprojekt blieb zunächst ein reines Underground-Phänomen. Wintherr veröffentlichte 10 sogenannte "Demos" in Albumlänge sowie 4 Split-EPs, die seinem Projekt einen exzellenten Ruf verschafften. Derweil wuchs eine beeindruckende Fangemeinde vor allem durch Mundpropaganda heran. Als der Schweizer im Jahr 2020 mit "Im Wald" gewissermaßen "aus dem Versteck" kam, stieg das erste "reguläre" Album sogar in die deutschen Charts ein - obwohl PAYSAGE D'HIVER mit beiden Beinen weiterhin fest im Untergrund ihres Genres verwurzelt sind. Mit "Die Berge" erweitern PAYSAGE D'HIVER erneut den Horizont ihres nordisch geprägten Black Metal, ohne das schwarze Ziel aus den Augen zu verlieren.

blauweiß marmoriertes Vinyl m. Download Code. "Transition" (der Übergang) fasst als Titel die Bedeutung des Albums für die Wuppertaler Shoegazer Casino Garden bestens zusammen. Bisheriger Live-Drummer Jonas Schoelen löst Gründungsmitglied Alex Alaimo Di Loro ab, David Burdina ergänzt Sänger Matthias Ballke an der zweiten Gitarre, zur Single "Pretend" wird das erste professionelle Musikvideo gedreht und Jo Philippi (Vandermeer) und die Schall und Wahn Studios sorgen für die erste professionelle Albumproduktion. Mit diesem Album verabschieden sich Casino Garden von ihrem DIY-Image und machen einen großen Schritt in Richtung Erwachsenwerden. Das Soundspektrum reicht auf "Transition" vom grungigen Shoegaze über wuchtigen Postrock bis hin zu lupenreinem Indierock.

Cass McCombs ist zurück bei Domino. Sammlung bislang unveröffentlichter Songs erscheint am 08.11.2024.

Cass McCombs veröffentlicht mit "Seed Cake On Leap Year" eine Sammlung früher, bisher unveröffentlichter Musik, die in Jason Quevers Wohnung in der 924 Fulton Street in San Francisco aufgenommen wurde, während McCombs zwischen 1999 und 2000 in Berkeley lebte. Alles, was Cass McCombs‘ Fans lieben gelernt haben, ist auf "Seed Cake On Leap Year" zu hören. Bereits zu dieser Zeit beherrschte er die anmutigen, schwebenden Melodien, die wirken, als stammten sie aus zeitlosen Liedern von Jukeboxes und Transistorradios in ganz Amerika; ebenso seine tiefgründige, verschlungene Art mit alltäglicher Sprache umzugehen, die aufrichtige Wahrheiten in Rätsel verwandeln kann. „Songs are sung every day/So what can I say to find my own way?“, verkündet er in der ersten Zeile von „I’ve Played This Song Before“. Und mit diesen Worten schlägt er seinen eigenen Weg ein, immer verwurzelt in Tradition, aber dem Unbekannten zugewandt. Das Bemerkenswerte an "Seed Cake On Leap Year" ist, wie lebendig und roh diese Songs geblieben sind, voller Einsicht und Wunder, im Dialog mit allem, was noch kommen wird. Es gibt eine ungeschönte Ehrlichkeit in dieser Jugend, und obwohl dies vielleicht die ungeschönteste Ehrlichkeit ist, die sich Cass McCombs je auf einem Album zugestand, verstärken und vertiefen diese Songs nur das Mysterium.

Unbound by place or genre, mercurial, experimental pop duo Soft as Snow find freedom to intuitively reflect the disarray of human connection with their intricate, shape-shifting pop production. With each successive release, the duo evolves, unfurling into their own poetic sound, now fully realized on their intimate, third full-length, Metal.wet.

The oft-present trappings of male-female duos are eschewed here as the Berlin-based Oda Starheim and Øystein Monsen contribute equally across a canvas of analogue synthesizers, samplers, live drums, and processed guitars. At once a part of and yet apart from the zeitgeist, their forward-thinking modernity stretches the limits of expectations across Metal.wet's ten insouciant tracks. Fans of Tirzah, Hype Williams, and even Angelo Badalamenti will find much to love in this haunting work peppered with ASMR moments and rough sampling wrapped in high production –– twinkling glasses and sirens in the distance, rhythms and voices up front. The result is synth-driven, noisy, and dripping with laidback, confident sensuality.

Although Starheim's voice begins the album in a whisper, it quickly becomes apparent that the group has jettisoned their previous tendency to bury and distort her vocals. Nested in a bed of thorny electronics and broken rhythms, her multifaceted vocals might bring to mind Kazu Makino of Blonde Redhead or Hope Sandoval fronting Massive Attack. London MC Brother May (Mica Levi, CURL) makes an appearance on the driving and ethereal “Whip,” while Øystein’s own voice appears for the first time in a state of languid background haze.

Soft as Snow create and record across Europe. Defiantly averse to genre, the pair become vessels for their “electronic music pushed to the brink of collapse” (The Wire), previously released by Infinite Machine and Houndstooth. Informed by backgrounds in film and performance art, “there’s a surrealism that comes with watching Soft as Snow in the flesh,” (Vice) as seen at L.E.V. and Lunchmeat Festivals. Collaborations with visual artist Guynoid, designer AGF Hydra, and sculptor Camilla Steinum add depth to the corporeality of their “strange, mesmerising and utterly unforgettable” electronic experimentations. (DJ Mag).

DRAHDIWABERL - "Psychoterror"- limitierte und nummerierte LP-Neuauflage mit blau-transparenter Vinyl und 8seitigem Booklet, illustriert von Stefan Weber!Das legendäre Debutalbum der Kultformation um Enfant terrible Stefan Weber erschien 1981 und schaffte es entgegen allen Erwartungen sich acht Wochen in den Top 20 der österreichischen Albumcharts zu halten und erreichte Goldstatus.Mit "Ganz Wien" ist auf der LP der "erste Hit" des späteren Weltstars Falco zu hören. Falco alias Hans Hölzel gehörte 1981 zur Drahdiwaberl-Besetzung und wirkte auf "Psychoterror" am E-Bass und Gesang sowie als Texter und Komponist mit.Weitere absolute Kulttracks auf "Psychoterror" sind z.b. "Mad Cat Sadie", "Boring Ord Fart" und "Ausgeflippter Lodenfreak".Das in gewohnter Drahdiwaberl-Manier hochprovokante und politische Album zählt vielen eingefleischten Fans als bestes Album der Band überhaupt.DRAHDIWABERL - "Psychoterror"Ab 8.11.2024 in limitierter und nummerierter LP-Neuauflage mit blau transparenter Vinyl und 8seitigem Booklet, illustriert von Stefan Weber, erhältlich.

Idiosynkratisch, großformatig gedacht und in seiner Grundanlage einzigartig, ist Florian Webers Imaginary
Cycle, der für die ungewöhnliche Besetzung von Blechbläserensemble und Klavier konzipiert wurde, ein
Hybrid aus mehreren musikalischen Sprachen, der das Harmonische mit dem Gewagten nahtlos verbindet.
Weber präsentiert hier einen Zyklus in vier Teilen, plus einer Eröffnung und einem Epilog. Darin wird der
deutsche Pianist von einer Gruppe von vier Euphonien, einem Posaunenquartett sowie der Flötistin AnnaLena Schnabel und Michel Godard auf dem selten verwendeten historischen Blechblasinstrument „Serpent“
begleitet. Gemeinsam führen sie ein Werk auf, das die Grenze zwischen Improvisation und Komposition
verwischt. Während das Ensemble elegant durch Webers mehrere Idiome umfassendes Werk reist, mischen sich symphonische Passagen mit komplizierten Kontrapunkten, pastorale Vorstellungen werden mit
zeitgenössischeren Texturen kontrastiert, und jede Stimme des Ensembles spielt eine eigenständige Rolle
und fügt sich zu einem Ganzen. Imaginary Cycle ist ein gewagtes und spektakuläres Unterfangen, das an
Webers Beiträge zu den Alben von Matthieu Bordenave, Ralph Alessi und seiner eigenen Quartettaufnahme
Lucent Waters anschließt - auch wenn die musikalischen Überschneidungen zwischen diesen Aufnahmen
und dem vorliegenden Album eher gering und zweideutig sind. Das Projekt, das im 2023 im Sendesaal
Bremen aufgenommen wurde, ist in enger Zusammenarbeit mit Manfred Eicher entstanden.

Up To Here ist das diamantene Debütalbum von The Tragically Hip, das ursprünglich am 8. August 1989
veröffentlicht wurde.
Es enthält einige der beliebtesten Songs der Band: „Blow At High Dough“ und „New Orleans Is Sinking“
- beides Nummer-1-Radio-Singles in Kanada sowie die Fan-Favoriten „Boots Or Hearts“ und „38 Years Old“.
Die erweiterte Neuauflage von Up To Here ist ein Muss für Sammler. Sie wird in Form von vier Doppel-LPSets auf 180g-Vinyl sowie einem Vier-CD-Set und einem Buch, das die Geschichte des Debütalbums dokumentiert, präsentiert. Die Neuauflage enthält ein 2024-Remastering des Originalalbums, eine Aufnahme
von Live at The Misty Moon, dem 1990 für MuchMusic gedrehten Special aus dem The Misty Moon in
Halifax mit begleitendem einstündigen Konzertfilm auf Bluray, sowie die Demos der ursprünglichen Aufnahmesession von 1988. Vier bisher unveröffentlichte Songs, die es nicht auf das Original-Album Up To
Here geschafft haben - „She’s Got What It Takes“, „Get Back Again“, „Rain, Hearts And Fire“ - sind Teil
dieses erweiterten Pakets, das in Atmos neu gemastert wurde.
Erhältlich ab dem 8. November!

The two separate double vinyl sets are now available that correlate to the triple CD released earlier this year. TMTCH stumbled into existence onstage at the Alternative Country Festival, Electric Ballroom, Camden on Easter Sunday in 1984; after a long afternoon busking and drinking in a Hammersmith subway. They knew three chords and a hundred songs all of which sounded a bit the same, a frenzied skiffle that was exciting to jump around and drink snakebite to. If they thought about longevity at all, a lifespan of 40 days seemed most likely. It's forty years later and they are still running. Since those early days, and without much of a game plan other than always stepping onward, TMTCH have released around 20 albums plus many side projects, bootlegs, curios and an unknown number of T shirts. They've toured constantly, whether in dingy pub backrooms or Grand Ballrooms and Festival Stages. From Cairo to Reykjavik and all points in between, the TMTCH roadshow has shambled and thrilled through the decades, always passionate, always literate, occasionally dishevelled. Forty years of recording has spawned a vast back catalogue, well represented here by songs from each album, style and era; a tapestry of human stories and vibrant characters. So there are the fast sprints like early folk hoedown 'Ironmasters', the frantic shanty 'Raising Hell' and the amphetamine punk blues of 'Going Back to Coventry'. Then there are the waltzing folk ballads, from their impassioned version of the anti war standard 'Green Fields Of France' to the bitter regret of 'The Bells' and the righteous testimony of 'Our Day'. Elsewhere there are anthems galore; 'The Crest' a swirling gaelic chant, 'Rosettes', a fast marching assault of drums, fiddles and mandolins; historical epics such as 'Ghosts Of Cable Street', 'Shirt of Blue' and 'The Colours'; romantic ballads like the wistful 'Parted From You' and 'Island in The Rain'. All the eras are here; from the wiry lo fi of the first album, through the eighties into full blown MTV ready multi trackers with vast charging drums; the initial simplicity of their recipe deepening and darkening. And then on through the nineties, noughties and tens; always the double pronged vocals drifting between harmony and unison, always the celtic, folk and country tones vying for attention, the emotive fiddle, the top end mandolin above the thundering rhythm section. On through bouffant hair, spiky hair, dyed hair, thin hair and hats; on through Grunge, Baggy, Madchester, Rave, Britpop. On through the Miner's Strike, Poll Tax, New Labour, Iraq and Brexit. On through marriage, children, loss and revival. Forty years at the working end of rock and roll is a feat achieved by very few bands. It requires tremendous chemistry, a deep catalogue; both panoramic and miniature, a vital and irrepressible energy, all of which is on resplendent display in this sprawling 3 disc compilation. But most of all it requires an intense resilience, something that TMTCH possess in spades. Forty years on the run; was ever a band so aptly named?

The only EP (and more studio recordings!) by one of the first 77 punkrock bands from Liverpool. Released in 1979 and long out of print, The Accelerators S/T EP was the only vinyl output released by this pioneering Liverpool punkrockin' band. A soulful, prime example of from pubrocl originating first wave punk that sounds as fresh and powerful today as the day it was recorded and is presented here in its totality with a B side consisting of juicy demos and alternative mixes. A mandatory gem for fans of garage rock, punk, pub rock and hi-energy rock 'n' roll in general!

Die französische Alternative Art-Rock-Band Klone kehrt mit ihrem 10. Album "The Unseen" zurück und treibt ihren ohnehin schon üppigen Sound in schwindelerregende, magische Höhen. "The Unseen" ist eine kühne neue Reise durch eine einzigartige und doch kontrastreiche Klanglandschaft, eine immersive, traumhafte Erfahrung, die von der Bedeutung von Dingen spricht, die auf den ersten Blick keine Bedeutung zu haben scheinen. Emotional wie konzeptionell haben Klone wieder einmal neue klangliche Wege beschritten und ihren charakteristischen doch weiten Sound ausgebaut. Seit der Veröffentlichung von "Le Grand Voyage" im Jahr 2019 sind die französischen Post-Prog-Metal-Art-Rocker Klone weltweit zu neuen Höhen aufgestiegen, tourten in Europa, den USA, Australien und Mexiko an der Seite von Bands wie Devin Townsend, Leprous, Riverside, Pain of Salvation und Gojira und begeisterten die Festivalbesucher beim Hellfest 2024, Prog Power USA, Midsummer Prog und Cruise to the Edge. Nach ihrem phänomenalen Album "Meanwhile" aus dem Jahr 2023 ist das Album ein neues Meisterwerk in Sachen Performance und Produktion, bei dem Klone ihre jahrelange Erfahrung voll auspielen. Mit jedem Mitglied und jedem Instrument, das bis an seine Ausdrucksgrenze getrieben wird, hat das Album eine Kraft und Intensität, die sich, obwohl sie manchmal rau ist, gleichzeitig natürlich, kohärent und einheitlich anfühlt, da sich die Band von Motiv und Melodie als Einheit bewegt, Wie immer geleitet von der unverwechselbaren Stimme und Vision von Yann Ligner. Mit 25 Jahren Musik im Rücken scheint es passend, dass "The Unseen" auch die 10. vollständige Veröffentlichung von Klone ist. Das Album ist ein Meilenstein, welches Reflexionen über die Vergangenheit als Mittel nutzt, um die Schönheit der Gegenwart zu würdigen, wobei die Band ihre gemeinsame jahrzehntelange Kreativität und Zusammenarbeit nutzt, um aufschlussreiche neue Perspektiven für das Hier und Jetzt zu bieten.

Die französische Alternative Art-Rock-Band Klone kehrt mit ihrem 10. Album "The Unseen" zurück und treibt ihren ohnehin schon üppigen Sound in schwindelerregende, magische Höhen. "The Unseen" ist eine kühne neue Reise durch eine einzigartige und doch kontrastreiche Klanglandschaft, eine immersive, traumhafte Erfahrung, die von der Bedeutung von Dingen spricht, die auf den ersten Blick keine Bedeutung zu haben scheinen. Emotional wie konzeptionell haben Klone wieder einmal neue klangliche Wege beschritten und ihren charakteristischen doch weiten Sound ausgebaut. Seit der Veröffentlichung von "Le Grand Voyage" im Jahr 2019 sind die französischen Post-Prog-Metal-Art-Rocker Klone weltweit zu neuen Höhen aufgestiegen, tourten in Europa, den USA, Australien und Mexiko an der Seite von Bands wie Devin Townsend, Leprous, Riverside, Pain of Salvation und Gojira und begeisterten die Festivalbesucher beim Hellfest 2024, Prog Power USA, Midsummer Prog und Cruise to the Edge. Nach ihrem phänomenalen Album "Meanwhile" aus dem Jahr 2023 ist das Album ein neues Meisterwerk in Sachen Performance und Produktion, bei dem Klone ihre jahrelange Erfahrung voll auspielen. Mit jedem Mitglied und jedem Instrument, das bis an seine Ausdrucksgrenze getrieben wird, hat das Album eine Kraft und Intensität, die sich, obwohl sie manchmal rau ist, gleichzeitig natürlich, kohärent und einheitlich anfühlt, da sich die Band von Motiv und Melodie als Einheit bewegt, Wie immer geleitet von der unverwechselbaren Stimme und Vision von Yann Ligner. Mit 25 Jahren Musik im Rücken scheint es passend, dass "The Unseen" auch die 10. vollständige Veröffentlichung von Klone ist. Das Album ist ein Meilenstein, welches Reflexionen über die Vergangenheit als Mittel nutzt, um die Schönheit der Gegenwart zu würdigen, wobei die Band ihre gemeinsame jahrzehntelange Kreativität und Zusammenarbeit nutzt, um aufschlussreiche neue Perspektiven für das Hier und Jetzt zu bieten.

Keshavara tragen prächtige Schnurrbärte, verwegene Kopfbedeckungen und sprechen ein abenteuerliches Patois aus Englisch, Hindi, Deutsch und Gibberish. Auf ihrem neuen Album "III" kreieren die Kölner um den deutsch-indischen Musiker Keshav Purushotham Klänge, wie andere Leute Drinks mixen, nachdem sie schon drei genossen haben: Verwaschener Kraut-Pop und diasporische Dub-not-Dub-Exkursionen werden nach Augenmaß miteinander kombiniert und wild geschüttelt. Zuckersüß mäandernde Melodien, entlehnt einem fantastischen Niemandsland in der Grenzregion zwischen exotischen Library-Kompositionen und psychedelischen Soundtracks, verschmelzen mit den Grooves einer Rhythmusgruppe, die sich auch in den Tonstudios des funky Beirut der Mittsiebziger Zuhause gefühlt hätte. Das Ergebnis sind mit surrealistischem Zuckerrand gekrönte Cocktails mit der Wirkung einer halluzinogenen Götterspeise. Musik, die schillert und flirrt, wie eine Fata Morgana in der Wüste. Keshavara klingen in einem Moment, als hätte Ennio Morricone einen Bollywood-Film vertont, und im nächsten wie ein von Curt Boettcher produzierter Eden-Ahbez-Song, oder - nicht ganz so spinös aber nichts desto weniger fantastisch - als hätten Khruangbin und Sven Wunder endlich ein gemeinsames Album aufgenommen. In den glanzvollsten Momenten fügt sich das alles wie von magischer Hand zusammen und kulminiert dann in Songs wie "Spiegelmann" und "Tableau Vivant" - fantasmorgiastischen Partys voller transkultureller Clashes, die uns Hörer dazu einladen, sie in farbenprächtige Gruppenchoreografien zu überführen.
War das Debüt von Keshavara noch ein Solo- und der Nachfolger "Kabinett der Fantasie" im Kern ein Duo-Album, so sind Keshav Purushotham, Niklas Schneider, Benedikt Filleböck und Christopher Martin mit ihrem selbstproduzierten, schlicht "III" betitelten dritten Album endgültig zu einer vierköpfigen Band zusammengewachsen … und zwar um eine alte Farfisa-Orgel herum, die eines Tages als Geschenk im Proberaum gelandet ist: Ein, auf sämtlichen Songs mal mehr, mal weniger präsentes UFO aus einer Zeit der Slow-Jams, Live-Takes und des exzessiven Space-Echo-Einsatzes. Sein analoges Blubbern und sein wabernder Funk rollt dem warmen, organischen Bandsound den roten Teppich aus, und verpasst ihm einen zärtlichen Schubs Richtung 70er. Erfrischenderweise kommt er dort niemals so richtig an, sondern bleibt immer im Fluss. Denn das eigentliche Ziel der halldurchtränkten Korridore dieses Albums ist stets der Weg, genau genommen der kunstvoll gezimmerte Holzweg, der phantastische Irrpfad. "III" ist eine Reise, auf der Zeiten und Orte keine Fixpunkte sind, sondern austauschbare Koordinaten eines augenzwinkernden Vexierspiels. Da ist es nur folgerichtig über "Indische Götter im Sauerland" zu singen. Dass ungeachtet der Nostalgie, die alle neun Songs durchweht wie ein warmer Mittelmeerwind, niemals Sentimentalität aufkommt, ist nicht zuletzt diesem Humor geschuldet.
Die ätherischen Drones, sanft nuschelnden Akkorde und geisterhaft seufzenden Soundschwaden, die Keyboarder Benedikt Filleböck seiner altersschwachen Farfisa bevorzugt in den ruhigeren Momenten und den Instrumentalnummern des Albums entlockt, bilden einen stimmungsvollen Kontrast zu den beiden anderen Säulen des Keshavara-Sounds: Christopher Martins leichtfüßig hüpfenden Bass-Dreiecken und Keshavs sonnendurchfluteten Gitarren-Ornamenten. Im Zusammenspiel mit Niklas Schneiders crispen Drumbeats entsteht ein Fundament, mit dem die kaleidoskopischen Texturen und Melodien vollständig verschmelzen.
Das Ergebnis ist das bisher homogenste Album des Quartetts. Mit "III" erweisen sich Keshavara als gewiefte Soundalchemisten und Weltenwanderer, als eine softe Macht, deren Stärke sich aus ihrer enormen Musikalität, ihrer Fabulierlust und ihrem surrealistischen Witz speist.

Auf den Monat genau 30 Jahre nach Bandgründung legen uns
die deutschen Melodic/Celtic Death Metaller von SUIDAKRA
ihr 15. Studioalbum vor! Musikalisch besinnt sich die Band mit
den vorliegenden 11 Tracks augenscheinlich auf ihre
Anfangsjahre, denn zweifellos wird DarkanakraD von
melodischen Death Metal Anteilen dominiert, vollzieht dabei
aber gleichzeitig auch eine Weiterentwicklung. Das Album,
dessen Titel übersetzt soviel wie „Armageddon“ bedeutet,
klingt so frisch und kraftvoll als wäre die Band einem
Jungbrunnen entsprungen und schließt die „Realms Of Odoric
“ Trilogie, die 2016 mit dem gleichnamigen Album begann,
ab.
Auch andere Kreise schließen sich, denn die 11 Songs,
erstmals selbst im eigenen GHA Studio in Würzburg von
Mastermind Arkadius aufgenommen, gemixt und gemastert,
wurden von Death Metal Legende Dan Swanö gemastert.
Damit erfüllte sich für Arkadius so etwas wie ein Traum, denn
Edge Of Sanity hatten in der Anfangsphase Suidakras einen
prägenden Anteil an der musikalisch-melodischen Ausrichtung