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Limitiertes farbiges Vinyl, 2024 Pressung! Valley of Rain ist das Debütalbum von Giant Sand, das 1983 von Howe Gelb (Gesang, Gitarre) und Winston Watson (Schlagzeug), Tommy Larkins (Schlagzeug) und Scott Garber (Bass) aufgenommen und schließlich 1985 veröffentlicht wurde. Zum Zeitpunkt der Aufnahme war Howe Gelb mit den Möglichkeiten von Röhrenverstärkern nicht vertraut und hatte den Großteil des Albums mit einem Roland JC120 in den wunderbaren 8-Spur-Studio The Control Center in Korea Town, Los Angeles zusammen mit Ricky "Mix" Novak produziert. Gesamtkosten der eineinhalbtägigen Aufnahme betrugen $400. Als Enigma Records anbot, das Album zu veröffentlichen, baten sie um weitere 15 Minuten Musik, um es zu einer vollständigen LP zu machen. Ron Goudie wurde dann hinzugezogen, um die zusätzlichen Aufnahmen in einem Studio in Venedig, CA namens Mad Dog mit Eric Westfall Engineering zu überwachen. Es war dort, als Howe sich einen Verstärker auslieh, der im Studio gelagert worden war, dass er das Polster eines Röhrenverstärkers entdeckte und seine Welt sich veränderte. Der Verstärker war ein leicht modifizierter Fender Twin Reverb von Robbie Krieger von The Doors. 30 Jahre später, nachdem die Band auf unbestimmte Zeit eingeschläfert worden war, begannen sich die ersten Songs in die letzten Giant Sand Tourneen einzuschleichen. Irgendwie schien es angebracht, ihnen einen weiteren Versuch mit dem richtigen Verstärker zu geben, nur um zu sehen, was sie hätten sein können. Was die Idee zugänglicher machte, war die Verfügbarkeit der beiden ursprünglichen Schlagzeuger, die in Tucson lebten. Der erste Versuch kam letzten Sommer mit Winston & Tommy und Thoger Lund am Bass, sowie den beiden neuesten Mitgliedern, dem 29-jährigen Gabriel Sullivan und der 23-jährigen Annie Dolan an Doppelhalsgitarren. Das Geräusch war wahnsinnig. Der lustige Teil war Gabriel, der die Session entwickelt und gemischt hat und ihr einen absichtlichen 80er Jahre Produktionssound gab. Howe erklärte ihm später, dass er sich seit den ersten Originalaufnahmen im Krieg mit diesem Produktionstrend befand. So versuchten sie es alle noch einmal zur Weihnachtszeit, diesmal mit einem neu entdeckten Fender 30 Amp, der von 1980 - 1983 in Produktion war. Diese neue Neuaufnahme des ersten Albums klingt jetzt so, wie es hätte klingen sollen. Es wurde für $400 und am selben Tag und in der halben Sessionzeit wie das Original neu gemacht. Scott Garber kam sogar von Austin TX mit seinem Fretless Bass, so dass das Album buchstäblich die ursprüngliche Besetzung für mindestens die Hälfte der Songs zusammen hat. Giant Sand sind an den Anfang zurückgekehrt.

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

1982 erschien in Eigenregie die LP „Revival“ von Winterhawk.
Der ausufernde Hardrock mit Heavy Metal-Tendenzen und
vielen zweistimmigen Gitarrensoli fand einst nur im Raum
Chicago Verbreitung, doch irgendwann wurden Sammler auf
die Platte aufmerksam. Das rief 1998 das Label Monster
Records auf den Plan, die sich zeitweise auf amerikanischen
Hardrock und Heavy Metal zwischen Ende der Siebziger und
Anfang der Achtziger spezialisert haben. Recht schnell waren
Winterhawk in der Szene ein Name.

Die Sensation war aber erst perfekt, als sich die Möglichkeit
ergab, eine frühe Liveaufnahme von 1978 zu überarbeiten
und ebenso auf CD zu veröffentlichen. Mit bestechender
Klangqualität legt „There And Back Again“ sogar noch
eine Schippe drauf. Die Spielfreude ist nicht mit Worten
zu beschreiben und allein die zweistimmigen Gitarrensoli
müssten einen Grammy gewinnen. Dabei erinnert man immer
wieder an die Frühphase von Rush („Rusch“, „Fly By Night“),
während man

Kitty Liv hat schon in jungen Jahren Musikliebhaber auf der ganzen Welt begeistert. Als Co-Frontfrau der Familienband "Kitty, Daisy & Lewis"
verkaufte sie über eine Viertelmillion Platten. Die Band tourte mehrmals um die Welt und gewann Fans wie Amy Winehouse, Mark Ronson und
Coldplay.
Jetzt schickt sie sich an, eine noch breitere Fangemeinde mit einem Solo-Albumprojekt zu erobern, das eine völlig neue Richtung für sie markiert. Als
Songwriterin, Produzentin und Multi-Instrumentalistin greift Kitty auf eine Vielzahl von Einflüssen zurück, von Erykah Badu und D'Angelo bis hin zu Al
Green und der Blues-Legende Howlin' Wolf, um eine Reihe persönlicher Songs zu produzieren, die die ursprünglichen Tiefen von Soul, Gospel, Blues
und Rock and Roll heraufbeschwören. Die Songs sind von einer tiefen Stimme durchdrungen, die fast ihre Dämonen kanalisiert. Kitty hat ihre Ideen
über mehrere Jahre hinweg entwickelt und nimmt derzeit einige atemberaubende Performances im Studio auf.
Die in Camden Town geborene und aufgewachsene Kitty lebt und atmet Musik, gründete die Durham Sound Studios und arbeitet mit anderen
Musikern und Künstlern zusammen, um magische Momente auf funkelndem analogem Aufnahmeequipment einzufangen. Wenn jemand seit seinem
siebten Lebensjahr Musik spielt, aufnimmt und schreibt, ist es nur eine Frage der Zeit, bis er einen Quantensprung in ein neues Paradigma macht.

High Roller Records, 12 Seiten Booklet, Schuber, Seit den Achtzigern ist Cleveland ein Hotspot für großartige Heavy Metal Musik. Der aus Ohio stammende Andrew D'Caga setzt diese Tradition stilecht fort. In den vergangenen Jahren war der Multiinstrumentalist in mehr als einem halben Dutzend Bands aktiv, darunter Brimstone Coven und Icarus Witch. Sein Hauptaugenmerk liegt jedoch auf seinem eigenen Projekt Ironflame, für das er die Musik und Texte schreibt, alle Instrumente bedient und singt. Ironflame wurde 2016 gegründet und hat seitdem vier Alben veröffentlicht, die von Kritikern gelobt und von den Fans begeistert aufgenommen wurden. Auf das 2017 erschienene „Lightning Strikes The Crown“ folgten „Tales Of Splendor And Sorrow“ (2018), „Blood Red Victory“ (2020) und das High Roller-Debüt „Where Madness Dwells“ (2022). Und nun ist es Zeit für das brandneue Studioalbum, das den Namen „Kingdom Torn Asunder“ trägt.

High Roller Records, 12 Seiten Booklet, Schuber, Seit den Achtzigern ist Cleveland ein Hotspot für großartige Heavy Metal Musik. Der aus Ohio stammende Andrew D'Caga setzt diese Tradition stilecht fort. In den vergangenen Jahren war der Multiinstrumentalist in mehr als einem halben Dutzend Bands aktiv, darunter Brimstone Coven und Icarus Witch. Sein Hauptaugenmerk liegt jedoch auf seinem eigenen Projekt Ironflame, für das er die Musik und Texte schreibt, alle Instrumente bedient und singt. Ironflame wurde 2016 gegründet und hat seitdem vier Alben veröffentlicht, die von Kritikern gelobt und von den Fans begeistert aufgenommen wurden. Auf das 2017 erschienene „Lightning Strikes The Crown“ folgten „Tales Of Splendor And Sorrow“ (2018), „Blood Red Victory“ (2020) und das High Roller-Debüt „Where Madness Dwells“ (2022). Und nun ist es Zeit für das brandneue Studioalbum, das den Namen „Kingdom Torn Asunder“ trägt.

Jetzt folgt endlich Liana Flores‘ Debüt-Album auf dem berühmten Verve-Label. Musikalisch beeinflusst ist die Songschreiberin mit den hypnotischen Songs und der einschmeichelnden Stimme von britischem Folk der 60er Jahre, Künstlern wie Nick Drake und brasilianischer Bossa Nova. Ihre eigene Melange aus diesen Zutaten erinnert an erfolgreiche aktuelle Zeitgenossen wie Laufey und Faye Webster. Auf ihren Social-Media-Kanälen beschäftigt sich Liana Flores, die nicht nur eine beeindruckend reife Songschreiberin, Sängerin und Gitarristin ist, auch mit Themen wie Literatur und der Natur und ihrer Schutzwürdigkeit, Themen die sie auch in ihren Liedern behandelt.

"I Erode“ ist vollgepackt mit den Markenzeichen der Blütezeit des US Death Metal und explodiert förmlich aus dem Tor mit gnadenlosen Riffs, wilden Tempi, geschmackvollen Soli und den bösartigen Unterströmungen aggressiver Death Thrash-Perfektion.

Mit einer idealen Balance aus Technik und Geradlinigkeit, Highspeed- und Midtempo-Breaks und einer prägnanten, auf den Punkt gebrachten Attacke voller Abwechslung bietet „I Erode“ einen rein süchtig machenden Schuss echtes Death Metal-Adrenalin in einer Linie, die Demolition Hammer, Morgoth und Suffocation umfasst.

Obwohl es vielleicht ein Gefühl von Nostalgie hervorruft, ist es eine Tatsache, dass Laceration's gewachsenes Selbstvertrauen und die Hingabe an die schonungslose Ausführung eines Songs jeden Fokus auf die Ära auf dem halsbrecherischen 'I Erode' auslöschen. Die Hingabe an die Zeitlosigkeit des Death Metal und der hohe Anspruch an wahre Anerkennung kennzeichnen Lacerations Schaffen mehr denn je.

"I Erode“ ist vollgepackt mit den Markenzeichen der Blütezeit des US Death Metal und explodiert förmlich aus dem Tor mit gnadenlosen Riffs, wilden Tempi, geschmackvollen Soli und den bösartigen Unterströmungen aggressiver Death Thrash-Perfektion.

Mit einer idealen Balance aus Technik und Geradlinigkeit, Highspeed- und Midtempo-Breaks und einer prägnanten, auf den Punkt gebrachten Attacke voller Abwechslung bietet „I Erode“ einen rein süchtig machenden Schuss echtes Death Metal-Adrenalin in einer Linie, die Demolition Hammer, Morgoth und Suffocation umfasst.

Obwohl es vielleicht ein Gefühl von Nostalgie hervorruft, ist es eine Tatsache, dass Laceration's gewachsenes Selbstvertrauen und die Hingabe an die schonungslose Ausführung eines Songs jeden Fokus auf die Ära auf dem halsbrecherischen 'I Erode' auslöschen. Die Hingabe an die Zeitlosigkeit des Death Metal und der hohe Anspruch an wahre Anerkennung kennzeichnen Lacerations Schaffen mehr denn je.

David Bowies bahnbrechendes Debütalbum erlebt mit einer Neuauflage ein pulsierendes Revival und bietet exklusive Tracklisten, die alte und neue Fans begeistern werden.

Kritiker der damaligen Zeit äußerten sich wie folgt: Der NME lobte Bowies frischen Sound als „durch und durch sehr erfrischend“ und pries ihn als „ein sehr vielversprechendes Talent“. Melody Maker lobt das Album als „eine außergewöhnlich lohnende Sammlung“ mit „exzellenter“ Produktion und zeigt sich überrascht, dass Bowie die Popszene noch nicht stärker beeinflusst hat. Disc & Music Echo schwärmt unterdessen von dem Album, beschreibt es als „ein bemerkenswertes, kreatives Debütalbum eines 19-jährigen Londoners“ und bezeichnet Bowie als „ein neues Talent, das Aufmerksamkeit verdient“. Mit solch aufschlussreichen Kritiken verspricht diese Neuauflage, Bowies frühes Erbe wiederzubeleben und sein visionäres künstlerisches Schaffen einer neuen Generation von Zuhörern vorzustellen.

David Bowies bahnbrechendes Debütalbum erlebt mit einer Neuauflage ein pulsierendes Revival und bietet exklusive Tracklisten, die alte und neue Fans begeistern werden.

Kritiker der damaligen Zeit äußerten sich wie folgt: Der NME lobte Bowies frischen Sound als „durch und durch sehr erfrischend“ und pries ihn als „ein sehr vielversprechendes Talent“. Melody Maker lobt das Album als „eine außergewöhnlich lohnende Sammlung“ mit „exzellenter“ Produktion und zeigt sich überrascht, dass Bowie die Popszene noch nicht stärker beeinflusst hat. Disc & Music Echo schwärmt unterdessen von dem Album, beschreibt es als „ein bemerkenswertes, kreatives Debütalbum eines 19-jährigen Londoners“ und bezeichnet Bowie als „ein neues Talent, das Aufmerksamkeit verdient“. Mit solch aufschlussreichen Kritiken verspricht diese Neuauflage, Bowies frühes Erbe wiederzubeleben und sein visionäres künstlerisches Schaffen einer neuen Generation von Zuhörern vorzustellen.

Endlich ist es soweit: Schwedens Electro/ Synth-Pop-Sternchen Ashbury Heights melden sich zurück mit ihrem neuen Album “Ghost House Sessions - Vol. 1”. Bekannt für Anders Hagström’s einzigartige Stimme, einen unverkennbaren Musikstil und ihre mitreißenden Live Shows, liefern Ashbury Heights nun einen brandneuen Longplayer mit 23 neuen, wunderbar eingängigen und tanzbaren Songs mit Ohrwurmgarantie. “Ghost House Sessions - Vol. 1” ist ein außergewöhnliches Produkt aus langer, intensiver Arbeit und einer aufregenden sowie anstrengenden Zeit der Band: “Das vergangene Jahr war unglaublich inspirierend. Es gab großartige Höhen, aber auch unschöne Tiefen. Diese Achterbahn der Gefühle nimmt nun Gestalt in Form neuer Musik an”. In ihren nun schon fast 20 Jahren, haben Ashbury Heights nie aufgehört, ihren Sound aus New Wave, Electro, Synth Pop und Industrial weiterzuentwickeln und zu perfektionieren und beschenken uns wieder einmal mit einzigartigen Meisterwerken, die wirklich alle Füße und Hüften schwingen werden lassen.

Wiederveröffentlichung des CM Debtus! Limitiertes farbiges Triple-Vinyl mit Mamoreffekt. Nach zwei "Groove Sessions"-Compilations war es für die drei Künstler an der Zeit, ihr Rennen mit der Sonne zu starten und ein echtes Debütalbum mit Hip Hop, Dub, Electro und mehr zu schaffen... "Racing with the Sun" wurde wie ein Soundtrack zu einem imaginären Film konzipiert, einem seltsamen Western, der in einem geisterhaften fernen Westen spielt, in dem sich mysteriöse Charaktere in den verschiedenen Tracks verflechten. Später meldete sich das französische Kollektiv mit einem Remix-Album seiner bisher besten Veröffentlichung zurück und nannte es "Remix with the Sun". Ihre eigenen DJs und befreundeten Künstler haben das Album neu abgemischt, um einen neuen Einblick in die Lehren des Chinese Man zu geben. Simbad, Femi Kuti, DJ Suv, Deluxe, Mourning Son feat. Jeru The Damaja, Tha Trickaz, Iration Steppas, OBF, Scratch Bandits Crew, General Elektriks und weitere Gäste haben dazu beigetragen. Die Triple-Gatefold-LP enthält auf drei Seiten das reguläre Album und auf den drei anderen Seiten alle Remixe.

Es steht das fünfte Studioalbum des Alt-Pop-Duos Cults, ”To The Ghosts” an. Das in New York ansässige Duo, bestehend aus den Multiinstrumentalisten Madeline Follin und Brian Oblivion, perfektioniert mit
diesem cineastischen Album selbstbewusst und klar seine Vision. ”To the Ghosts” wurde akribisch ausgearbeitet; die frühesten Ideen stammen aus der Zeit der Pandemie, als sie wochentags von 10 bis 17 Uhr ohne
Deadlines oder Ablenkungen, Musik schrieben. Das Album wurde in Brians Wohnung geschrieben und
aufgenommen; 2022 reisten sie nach Los Angeles, um mit dem langjährigen Produzenten und kreativen
Vertrauten Shane Stoneback zusammenzuarbeiten, denn ”niemand kann unsere Gedanken so gut lesen wie
er”, scherzt Madeline. ”To the Ghosts” wurde von Cults und Shane Stoneback co-produziert, von John
Congleton gemischt und von Heba Kadry NYC gemastert.
Gepresst auf Green Onion Vinyl enthält die exklusive EU-Version eine limitierte, signierte Zoetrope-PlattenspielerSlipmat.

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album „Through and Through“ kehrt Baby Rose mit „Slow Burn“ zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu „Slow Burn“. Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen." Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir “One Last Dance“ hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf „Slow Burn“ wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe und imaginäre Dialoge zu schaffen, die man sonst vielleicht nicht zu hören wagt. Diese Momente haben etwas Verträumtes, und sie schwelen auf Slow Burn: Erinnerungen verlieren ihre Realität, Gefühle ersetzen Geschehnisse. Der Titeltrack zum Beispiel setzt sanfte, schlendernde Drums gegen Roses lyrische Wiederholungen, während sie diesen Erinnerungen - manche leben, manche fühlen - mit geduldigem, beharrlichem Verlangen nachspürt. Das herausragende "One Last Dance" kommt als Liebeslied getarnt daher, ist aber eigentlich eine Ode an eine verlorene Freundschaft und ein imaginärer Traum von einem weiteren Tag wie in alten Zeiten. Die Realität verschwimmt wieder mit dem Gefühl, der Gesang geht in ein Wiegenlied über, und BADBADNOTGOODs Bassist Chester Hansen bringt diese traumhafte Qualität in einen schleichenden, vorsichtigen, aber liebevollen Unterton. Tatsächlich haben die meisten Songs auf „Slow Burn“ dieses schleichende, schattenhafte Gefühl, als würden sie auf Zehenspitzen daherkommen: intim, aber ein wenig gefährlich, zärtlich, aber ein wenig geheimnisvoll. So vollständig und überzeugend dieses Werk auch ist, Slow Burn weist auf einen größeren, höheren Aufstieg in Baby Roses Zukunft hin.

Das neue Studioalbum einer der größten Rockbands aller Zeiten -
Deep Purple!
Erneut produziert vom legendären Bob Ezrin – für den klassischen
DeepɞPurpleɞSound!

Das neue Studioalbum einer der größten Rockbands aller Zeiten - Deep Purple!
Erneut produziert vom legendären Bob Ezrin – für den klassischen
DeepɞPurpleɞSound!

Dabei sein ist alles ist 100 Prozent Oxo 86 pur. Wenn es eine Band schafft auch bei Frust und schlechten Zeiten aus der Seele zu sprechen und zeitgleich ein Lächeln ins Gesicht zaubert, dann die Bernauer mit ihrem bissig-verschmitzte Humor. Das 2022er-Album nun wieder auf Vinyl in neuen Farben erhältlich. "Dabei sein ist Alles!" ist schlichtweg ein Bernauer-Meisterstück geworden....wer hätte auch ernsthaft daran gezweifelt? Auch in konzertlosen Pandemiezeiten und nach über 24 Monaten Corona-Scheisse hat sich die Band ihren spritzigen Charme und wohl einmaliges Händchen für sofort zündende Lieder bewahrt, wenngleich auch an OXO86 diese Zeiten in ihren Texten nicht spurlos vorbeigegangen sind! Aber keine Sorge: Von der ersten Note bis zum letzten Akkord gibt es 100 Prozent OXO86 pur! Und wenn es eine Band schafft Dir auch bei Frust und schlechten Zeiten aus der Seele zu sprechen und Dir zeitgleich ein Lächeln ins Gesicht zaubert, während Deine Füsse unmerklich anfangen zu wippen, dann wohl die Bernauer, oder? Natürlich kommt auch der bissig-verschmitzte Humor mit hundsgemeinen Ohrwürmern im unvergleichlichen OXO-Stil nicht zu kurz und so gibts auf "Dabei sein ist Alles" eigentlich alles in den 13 neuen Songs, was die Band schon immer ausmachte..."