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Gary Bartz und das neue Londoner Ensemble Your Brother’s Keeper präsentieren mit "Where Rivers Meet" ein tiefgründiges und intuitives Studioalbum, das die seltene Begegnung zweier Generationen von Jazzmusikern einfängt. Das Album, das pünktlich zum 20-jährigen Jubiläum von Brownswood erscheint, vereint Bartz' Tradition mit der jungen, pulsierenden Szene Londons. Das Ergebnis ist Musik, die sich mit Offenheit und Intensität entfaltet, getragen von tiefem Zuhören und gemeinsamer Improvisation.

Im Zentrum des Projekts steht Bartz, eine der einflussreichsten Vertreter des modernen Jazz. Der Saxophonist, dessen Karriere sich über mehr als fünf Jahrzehnte erstreckt, machte sich einen Namen durch Auftritte mit Charles Mingus, Max Roach und Art Blakey, bevor er sich Miles Davis in dessen elektrisierender Phase der frühen 1970er-Jahre anschloss. Mit seinen gefeierten Aufnahmen mit der NTU Troop wurde er schnell zu einer prägenden Figur des Spiritual Jazz und schuf ein Werk, das Generationen von Musikern und Zuhörern gleichermaßen begeistert. Sein Spiel – lyrisch, tiefgründig und unverkennbar gefühlvoll – zählt nach wie vor zu den markantesten Stimmen des Jazz.

Das Album markiert zudem die Gründung von Your Brother’s Keeper, einem neuen Kollektiv um Schlagzeuger und Produzent Jake Long (Maisha), dessen musikalischer Dialog und die Improvisation tief in der Musik verwurzelt sind. Mit Ali MacSween (Piano, Synthesizer, modulare Effekte), Axel Kaner-Lidstrom (Trompete), Twm Dylan (Kontrabass), Tim Doyle (Percussion) und Chelsea Carmichael (Tenorsaxophon) sowie Long am Schlagzeug spiegelt die Gruppe eine Szene wider, die den Sound des zeitgenössischen Jazz im letzten Jahrzehnt maßgeblich geprägt hat.

Ltd Edition! Pat Todd & the Rankoutsiders — hervorgegangen aus der Asche der legendären Lazy Cowgirls und angeführt von einem Frontmann, dessen Name seit Jahrzehnten für das raue Herz der amerikanischen Underground-Musik steht — melden sich mit ihrem neunten Album „I’ll Dream Alone“ zurück. Zwölf Songs voller lauter Gitarren, schnörkelloser Storytelling-Tradition und der bekannten Mischung aus knurrendem 70er-Jahre-Punk, Country, Blues und klassischem Rock, die die Band seit den Lazy-Cowgirls-Tagen zum Maßstab für Authentizität in der amerikanischen Rock’n’Roll-Szene gemacht hat. Aufgenommen und produziert von Gavin Ross in den Steady Studios, Burbank, CA — demselben Studio wie die letzten beiden Alben. Pat Todd hat die Songs so geschrieben oder mitgeschrieben, wie es bei den Rankoutsiders Tradition ist — manche jahrelang live erprobt, bevor sie endlich aufgenommen wurden („Ambition Street“), andere direkt im Studio entstanden, mit Texten, die erst zum Schluss dazukamen („We’re Outta Time“, „The World It Don’t Need You“ und der Titeltrack „I’ll Dream Alone“ selbst). Das Album reicht von der an Velvet Undergrounds „Loaded“ erinnernden Ballade „Mediocre Heart“ über den treibenden Soul-Beat von „Beyond the County Line“ bis zum Update eines 60er-AM-Radio-Rockers in „The Last Of Me“. Gitarrist Nick Alexander übernimmt bei „It Ain’t All My Fault“ – nach wahren Begebenheiten – ausnahmsweise den Leadgesang, unterstützt von Stephen Vigh, Kevin Keller und Pat Todd. Den Auftakt macht die erste Single „Desire Has Left Town“, gefolgt von „We’re Outta Time“ als zweiter Single und „Blood & Gunpowder“ am Release-Tag. Die Band unterstützt die Veröffentlichung mit einer Europa-Tournee vom 9. Oktober bis 8. November 2026 und bringt „I’ll Dream Alone“ direkt ab Release quer über den Kontinent auf die Bühne.

Das wandlungsfähige Trio Vanishing Twin präsentiert sein neues Album ,Archives" - eine Collage aus postmoderner Songkunst, die im gemeinsamen Schaffensprozess Transzendenz findet. Der Albumtitel spielt auf den unverwechselbaren Ansatz von Vanishing Twin an, tägliche Aufnahmesessions anzuhören, zusammenzufügen und neu zu bearbeiten. Gründungsmitglied Cathy Lucas beschreibt den Prozess so: ,Material sammeln, damit herumspielen, es auf den Kopf stellen, versuchen, die Teile zusammenzufügen und daraus eine Geschichte zu erschaffen". Da Lucas mittlerweile ins ländliche Frankreich gezogen ist und Valentina Magaletti sowie Susumu Mukai in London leben, verbinden sich die drei, indem sie Songs und Instrumentalfragmente in einem virtuellen Studio austauschen. Die geografische Distanz wird durch ihre kollektive Kreativität überbrückt, wobei jedes Mitglied als Multi-Instrumentalist seinen Beitrag leistet. Jeder Musiker bringt umfangreiche Erfahrung in Zusammenarbeit und Improvisation mit, wobei das Anhören und Bearbeiten von Studio-Sessions ein wesentlicher Bestandteil des kreativen Prozesses ist. Konzepte von Urheberschaft und Eigentumsrechten lösen sich in der Musik von Vanishing Twin auf, während die Mitglieder Instrumente tauschen und sich ganz dem Moment der Zusammenarbeit hingeben. Die ,Archive", die dem Albumtitel seinen Namen geben, werden zu Dokumenten der kollektiven Intelligenz des Trios. Die chaotische Energie von ,Archives" treibt Vanishing Twin in ungewohnte Formen und Richtungen. Außerhalb ihrer Komfortzonen findet das Trio neue Momente der Erleuchtung und Freude. Tief im Mix hörst du vielleicht, wie Magaletti zum Bass greift, Mukai unerwartet am Schlagzeug einspringt oder Lucas chamäleonartig durch die Lücken gleitet. ,Archives" verfeinert Vanishing Twins Modell des kollektiven Musizierens, bei dem Egos in spielerischen Mix-and-Match-Spielen in den Hintergrund treten und die Kreativität zwischen den drei Multi-Instrumentalisten fließt. Sie bewegen sich zwischen und außerhalb konventioneller Genrekategorien und reihen sich neben Weggefährten wie dem Tara Clerkin Trio und Still House Plants ein, wodurch sie die Vorstellung vom zeitgenössischen Musikensemble erweitern. Nach einem Jahrzehnt ihres Bestehens sind Vanishing Twin wandelbarer denn je.

Das Unwound-Album, das allen Unwound-Alben ein Ende setzte. Aufgenommen im Keller eines verfallenen Bauernhauses zu Beginn des neuen Jahrhunderts, ist ,Leaves Turn Inside You" die No-Wave-Antwort auf Spectors Aufruf zur ,Wall of Sound". Unendliche Schichten aus abgehackten Gitarrenstichen und Kratzgeräuschen, kehliger Bass-Dröhn, Secondhand-Synthesizer und monotones Singen überlagern erstickende Rhythmen und liefern so die weltweit einzige Chor-Grunge-LP. Diese Ausgabe zum 25-jährigen Jubiläum wurde anhand der originalen Analogbänder neu gemastert und präsentiert sich in einer prächtigen Hülle mit Silberfolie, Prägung, Vertiefungen, Spotlackierung sowie einer Nachbildung des 12x24-Zoll-Posters. Neu aufgelegt - nur für dich.

Neuaufgelegt! Hebt das Glas mit mir und gemeinsam trinken wir "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht"! Das sechste Studioalbum aus dem Jahr 2013 gilt zurecht schlichtweg als Klassiker und hatte erheblichen Anteil am heutigen - nennen wir es ruhig - "Phänomenen OXO86". Mit ihrem einzigartigen Stil aus Gute-Laune Ohrwürmern gepaart mit subtilem Wortwitz, Punkrock, Bläsern und Sänger Willi's knochentrocken-verschmitztem Gesang, haben die Bernauer seitdem ein Alleinstellungsmerkmal weit über die üblichen Szenegrenzen hinaus. Millionen Streams der Album-Songs mit Hits wie "Bier und Reggae", "Samba Skinheads", "Saus und Braus" bis hin zum Titelsong zeigen dies deutlich. Die Vinyl-Auflagen von "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht" sind allesamt in kurzer Zeit vergriffen gewesen und derzeit fast nur zu horrenden Sammlerpreisen erhältlich. Doppel-Vinyl mit dem Original-Album sowie der Kinderlieder-Bonus EP "If the Kids Are United" auf Seite C und wunderschönem Etching des beliebten Anker-Logos auf Seite D! Selbstredend auf 180g Vinyl, in schwarz oder trans-yellow/gold splatter, limitiert auf insgesamt 500 Exemplare!

Neuaufgelegt! Hebt das Glas mit mir und gemeinsam trinken wir "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht"! Das sechste Studioalbum aus dem Jahr 2013 gilt zurecht schlichtweg als Klassiker und hatte erheblichen Anteil am heutigen - nennen wir es ruhig - "Phänomenen OXO86". Mit ihrem einzigartigen Stil aus Gute-Laune Ohrwürmern gepaart mit subtilem Wortwitz, Punkrock, Bläsern und Sänger Willi's knochentrocken-verschmitztem Gesang, haben die Bernauer seitdem ein Alleinstellungsmerkmal weit über die üblichen Szenegrenzen hinaus. Millionen Streams der Album-Songs mit Hits wie "Bier und Reggae", "Samba Skinheads", "Saus und Braus" bis hin zum Titelsong zeigen dies deutlich. Die Vinyl-Auflagen von "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht" sind allesamt in kurzer Zeit vergriffen gewesen und derzeit fast nur zu horrenden Sammlerpreisen erhältlich. Doppel-Vinyl mit dem Original-Album sowie der Kinderlieder-Bonus EP "If the Kids Are United" auf Seite C und wunderschönem Etching des beliebten Anker-Logos auf Seite D! Selbstredend auf 180g Vinyl, in schwarz oder trans-yellow/gold splatter, limitiert auf insgesamt 500 Exemplare!

Beth Orton – Comfort Of Strangers (1LP Recycled Black Vinyl) Intimes, minimalistisches Folk-Rock-Album von 2006. - Nachhaltiges Vinyl: Gepresst auf Recycled Black Vinyl. - Analoger Klang: In den New Yorker Sear Sound Studios aufgenommen. - Organischer Sound: Abkehr vom Folktronica hin zum mittenbetonten Folk-Rock.

Diese Veröffentlichung ist Teil der farbigen Vinyl-Serie zum 40-jährigen Jubiläum von World Circuit. „Moussolou“ ist das Debütalbum der malischen Sängerin Oumou Sangaré; es wurde 1989 aufgenommen und 1991
veröffentlicht. Der Titel bedeutet auf Bambara „Frauen“ und verweist von Anfang an auf das zentrale
Thema des Albums. Viele der Lieder basieren auf Sangarés eigenen Erfahrungen als Frau in einer männerdominierten Gesellschaft, in der Polygamie nach wie vor praktiziert wird. Ihre Texte behandeln Themen wie
Liebe, Ehe, Unabhängigkeit und Frauenrechte mit einer Direktheit, die sowohl mutig als auch bahnbrechend
war.
Auch die Musik war ebenso revolutionär wie die Thematik. Verwurzelt in den kraftvollen, pulsierenden
Rhythmen des traditionellen Wassoulou-Sounds und geprägt durch das brillante Kamalengoni-Spiel von
Bénogo Diakité, modernisierte „Moussolou“ diese Traditionen mit zeitgenössischen Arrangements und einer
Instrumentierung, die bei einer neuen Generation von Hörern in Mali und ganz Westafrika Anklang fand.
Das Album, das sowohl tiefen Respekt vor der Tradition als auch einen unverkennbar modernen Geist zeigte,
entwickelte sich rasch zu einem großen Erfolg und begründete Sangarés Karriere, als sie noch sehr jung
war.
Die Mischung aus kultureller Authentizität und furchtlosem Eintreten für ihre Überzeugungen machte
„Moussolou“ zu einem Meilenstein der afrikanischen Musik und der Weltmusik; es legte den Grundstein
für Sangarés anhaltenden Ruf als eine der gefeiertsten Künstlerinnen des Kontinents und als starke Stimme
für Frauenrechte.
Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von World Circuit Records erscheint dieses kraftvolle und einflussreiche
Debüt nun neu auf transparentem, türkisfarbenem Vinyl. Die Veröffentlichung enthält zudem ein farbiges
Booklet mit den Liedtexten auf Englisch und Französisch.

Recordings on ECM vereint, wie Pitchfork es formuliert hat, „einige der herausragendsten Werke des
Minimalismus-Komponisten Steve Reich, darunter die maßgebliche Aufnahme seines unbestrittenen Meisterwerks Music for 18 Musicians“. Die Sammlung umfasst die drei Steve-Reich-Alben, die zwischen 1978
und 1982 auf dem Label veröffentlicht wurden. Sie erscheinen als originalgetreue Faksimile-Ausgaben in
einem hochwertigen Kartonschuber mit einem Booklet, das Fotos aus dem Archiv sowie Manuskriptseiten
und Liner Notes von Paul Griffths enthält. Direkt von den originalen analogen Masterbändern gefertigt
(AAA) lassen die drei Vinyl-Ausgaben diese wegweisenden Aufnahmen, die längst zum Kanon der zeitgenössischen Musik gehören, in ihrer ursprünglichen Klangqualität neu strahlen. Die drei Alben enthalten
die Werke Music for 18 Musicians, Octet, Music for a Large Ensemble, Violin Phase und Tehillim und
dokumentieren somit die einflussreiche frühe Schaffensphase des Komponisten sowie seine künstlerische
Entwicklung über einen Zeitraum von fünfzehn Jahren. Die Box erscheint anlässlich des 90. Geburtstags
von Steve Reich im Oktober 2026.
“About the famed ECM Recordings, much has already been written. Suffce to say that they confirm
that Reich could convey the pulse and spirit of American urban life as brilliantly as Gershwin did 30 years
earlier. Even the unity that arises from out of phase quasi-chaos is revelatory. Recorded 1976–1981, the
works’ emphasis on percussive sounds makes for anything but soothing background listening. It’s all fabulous stuff. Although listening to multiple works in one sitting could possibly induce numbness – taken one
at a time, they are as exhilarating as they are essential.” – Jason Victor Serinus, Stereophile Magazine

Eine neue, transparent blaue 2LP-Variante dieses legendären Soundtracks anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von Danny Elfmans Filmmusik zum Blockbuster „Mission: Impossible“ aus dem Jahr 1996.
Sie enthält das unverkennbare „Mission: Impossible“-Thema, das ursprünglich von Lalo Schifrin für die
Fernsehserie aus den 1960er Jahren komponiert und von Elfman für den ersten Film der Action-Reihe
mit Tom Cruise neu arrangiert wurde. Das Thema ist bekannt für seinen spannungsgeladenen Rhythmus
mit einer ungewöhnlichen 5/4-Taktart und das berühmte Vier-Noten-Motiv, das das Stück eröffnet: eine
musikalische Anspielung auf das Morsecode-Muster für die Buchstaben M.I. (‐‐ ··). Diese raffnierte Verschlüsselung verbindet das Thema nicht nur direkt mit dem Titel, sondern verstärkt auch die Atmosphäre
aus geheimer Kommunikation, verdeckten Operationen und Rätseln, die die Welt von „Mission: Impossible“
prägt

Begeben Sie sich auf ein Abenteuer mit Hans Zimmers epischer Filmmusik zu „Pirates of The Caribbean
- Dead Man’s Chest“. Während Captain Jack Sparrow sich einer tödlichen Schuld gegenüber Davy Jones
und dem Schrecken des Kraken stellen muss, erwecken Zimmers kraftvolle Kompositionen jeden Moment
voller Gefahr, Geheimnisse und verwegenen Abenteuern zum Leben. Diese erweiterte Vinyl-Veröffentlichung
auf zwei LPs fängt die ganze Bandbreite und den dunklen Reiz der unvergesslichen Filmmusik ein – ein
unverzichtbares Kapitel in der „Piraten“-Saga.
Erhältlich auf durchscheinendem grünem Vinyl.

Ready to take our streets back? Kill the Colossi sind wohl eine der spannendsten neuen Bands aus England und haben mit ihrer (zuerst nur) selbstveröffentlichten Debut-CD "Braces for Impact" vor zwei Jahren sofort für weltweite Beachtung in der Szene gesorgt (mittlerweile auf Vinyl von Sunny Bastards erhältlich)! Kein Wunder die aggressive Mischung aus "in your face"-OI!-Shoutern und markanten Streetpunk-Melodien umrahmt von fetten Gitarrensound und wohlplatzierten Singalongs knallen alles weg. Vergleiche mit Kalibern wie "Lion's Law" machten schnell die Runde. Das Ox-Magazin schrieb zurecht: "KILL THE COLOSSI sind neben THE CHISEL die gegenwärtig wohl beste englische Oi!-Punk-Combo." Und selbst die Metalszene wurde auf die Band aufmerksam (Rock Hard 9/10) und bescherte der Band eine Einladung zum Kuhzi-Festival. Jetzt erscheint der Nachfolger "Roses & Riot Shields" und setzt den Weg von Kill the Colossi eindrucksvoll fort: Mitreißend-kraftvoller UK-Streetpunk/ Oi! mit ausgeklügeltem Songwriting und dem "gewissen Etwas", den man schwer in Worte fassen, dafür umso mehr im Herzen spüren kann! 10 neue Songs bei denen man übliche Klischees und abgenudelte Stereotypen vergebens sucht. Stattdessen sozialkritische Lyrics (Empire of the Dirt, Scarcity), wütende Bestandsaufnahmen über das verzerrte Spiegelbild der Gesellschaft (Working the weak), bis hin zu all dem neumodischem Scheiss, der manipuliert und beeinflusst (Under the Influencer; Legal High). Mit "Boots don't fit" schließlich gibt's eine unter die Haut gehende Hymne, die fernab der üblichen oft banalen Bekenntnisse gegen Rassismus viel tiefer in die Wunde sticht und deutlicher nicht sein kann! Jede Gesellschaft kriegt halt was sie verdient_"Kill the Colossi" dürfte mit diesem Album der Sprung in die nächste Liga sicher sein!

Ready to take our streets back? Kill the Colossi sind wohl eine der spannendsten neuen Bands aus England und haben mit ihrer (zuerst nur) selbstveröffentlichten Debut-CD "Braces for Impact" vor zwei Jahren sofort für weltweite Beachtung in der Szene gesorgt (mittlerweile auf Vinyl von Sunny Bastards erhältlich)! Kein Wunder die aggressive Mischung aus "in your face"-OI!-Shoutern und markanten Streetpunk-Melodien umrahmt von fetten Gitarrensound und wohlplatzierten Singalongs knallen alles weg. Vergleiche mit Kalibern wie "Lion's Law" machten schnell die Runde. Das Ox-Magazin schrieb zurecht: "KILL THE COLOSSI sind neben THE CHISEL die gegenwärtig wohl beste englische Oi!-Punk-Combo." Und selbst die Metalszene wurde auf die Band aufmerksam (Rock Hard 9/10) und bescherte der Band eine Einladung zum Kuhzi-Festival. Jetzt erscheint der Nachfolger "Roses & Riot Shields" und setzt den Weg von Kill the Colossi eindrucksvoll fort: Mitreißend-kraftvoller UK-Streetpunk/ Oi! mit ausgeklügeltem Songwriting und dem "gewissen Etwas", den man schwer in Worte fassen, dafür umso mehr im Herzen spüren kann! 10 neue Songs bei denen man übliche Klischees und abgenudelte Stereotypen vergebens sucht. Stattdessen sozialkritische Lyrics (Empire of the Dirt, Scarcity), wütende Bestandsaufnahmen über das verzerrte Spiegelbild der Gesellschaft (Working the weak), bis hin zu all dem neumodischem Scheiss, der manipuliert und beeinflusst (Under the Influencer; Legal High). Mit "Boots don't fit" schließlich gibt's eine unter die Haut gehende Hymne, die fernab der üblichen oft banalen Bekenntnisse gegen Rassismus viel tiefer in die Wunde sticht und deutlicher nicht sein kann! Jede Gesellschaft kriegt halt was sie verdient_"Kill the Colossi" dürfte mit diesem Album der Sprung in die nächste Liga sicher sein!

Die Guitar Gangsters könnte man getrost als die "older statesmen" des britischen Punkrocks bezeichnen, obwohl sie nie Teil der ersten Welle in den späten 70er waren. Gegründet Ende der 80er Jahre von den Brüdern Pete und Phil Ley hat die Band den musikalischen Schmelztiegel ihrer Heimatstadt London von Punk, Glam, Rock 'n' Roll bis Reggae förmlich aufgesogen. Ihr Debütalbum "Prohibition" erschien dann 1988 bei Link Records. Mehr als 35 Jahre und über 1000 Shows später haben die Guitar Gangsters noch mehr als genug Munition und Durchsetzungsvermögen um auf der "Revolution Street" ganz klar den Ton anzugeben! Wer ihr neues Album hört, wird keine Zweifel daran haben. Mit einer unglaublichen Spielfreude, treffsicheren Gespür für mitreißende Powerchord-Melodien, eingängigen Riffs, Hooks und stilsicheren Ausflügen quer durch alle Rockepochen ist "Revolution Street" ihr abwechslungsreichstes Album geworden_bleibt dabei aber immer unverwechselbar "Guitar Gangsters", eng verwurzelt im Punk Rock. Von klassisch, zeitlosen 77er Punk ("Suck it" up" / "Fake"), Pub- und Garagerock ("Without Prejudice"), RocknRoll und Glam bis zu dem einmaligen "80er feeling" in dem Gitarrenpop mit Punk und New Wave verschmolz ("Invisible"). Und mit "Car Crashed Heart" präsentiert die Band ein von den 50er/60er inspirierten Song, bei dem man förmlich "The Wanderers" auf der anderen Straßenseite erwartet. Da verwundert es auch nicht, dass mit "Baby Blue" die 70er und ein verlorener Rock-Klassiker von Badfinger neu zum Leben erweckt werden_.natürlich auf Guitar Gangsters-Art! Es gibt viel zu entdecken auf der "Revolution Street"! Nach knapp 45 Minuten Spielzeit endet in bester "The Clash"-Tradition mit "Warzone" das Album. Mit einer lässig-coolen Eleganz und großartigen Songwriting haben die Gentlemen des Punk Rocks ihr 12-er Magazin abgefeuert. Jede Menge Spaß, Singalongs und eine gute Zeit ist dabei garantiert! Die Revolution muss nicht immer blutig-aggressiv sein und Street credibility hat man halt, oder eben nicht. Klassisch schwarzes oder mehrfarbiges Splatter Vinyl am Start!

Die Guitar Gangsters könnte man getrost als die "older statesmen" des britischen Punkrocks bezeichnen, obwohl sie nie Teil der ersten Welle in den späten 70er waren. Gegründet Ende der 80er Jahre von den Brüdern Pete und Phil Ley hat die Band den musikalischen Schmelztiegel ihrer Heimatstadt London von Punk, Glam, Rock 'n' Roll bis Reggae förmlich aufgesogen. Ihr Debütalbum "Prohibition" erschien dann 1988 bei Link Records. Mehr als 35 Jahre und über 1000 Shows später haben die Guitar Gangsters noch mehr als genug Munition und Durchsetzungsvermögen um auf der "Revolution Street" ganz klar den Ton anzugeben! Wer ihr neues Album hört, wird keine Zweifel daran haben. Mit einer unglaublichen Spielfreude, treffsicheren Gespür für mitreißende Powerchord-Melodien, eingängigen Riffs, Hooks und stilsicheren Ausflügen quer durch alle Rockepochen ist "Revolution Street" ihr abwechslungsreichstes Album geworden_bleibt dabei aber immer unverwechselbar "Guitar Gangsters", eng verwurzelt im Punk Rock. Von klassisch, zeitlosen 77er Punk ("Suck it" up" / "Fake"), Pub- und Garagerock ("Without Prejudice"), RocknRoll und Glam bis zu dem einmaligen "80er feeling" in dem Gitarrenpop mit Punk und New Wave verschmolz ("Invisible"). Und mit "Car Crashed Heart" präsentiert die Band ein von den 50er/60er inspirierten Song, bei dem man förmlich "The Wanderers" auf der anderen Straßenseite erwartet. Da verwundert es auch nicht, dass mit "Baby Blue" die 70er und ein verlorener Rock-Klassiker von Badfinger neu zum Leben erweckt werden_.natürlich auf Guitar Gangsters-Art! Es gibt viel zu entdecken auf der "Revolution Street"! Nach knapp 45 Minuten Spielzeit endet in bester "The Clash"-Tradition mit "Warzone" das Album. Mit einer lässig-coolen Eleganz und großartigen Songwriting haben die Gentlemen des Punk Rocks ihr 12-er Magazin abgefeuert. Jede Menge Spaß, Singalongs und eine gute Zeit ist dabei garantiert! Die Revolution muss nicht immer blutig-aggressiv sein und Street credibility hat man halt, oder eben nicht. Klassisch schwarzes oder mehrfarbiges Splatter Vinyl am Start!

Ein spannender Mix aus Terrortekk, Electro und Dark Ambient.
Vier klassische nolongerhuman-Tracks in definitiven Versionen (Stand 2026)
Komplett neu abgemischt aus den Original-Session-Dateien, inklusive neu aufgenommenem Gesang
Erste Vinyl-Veröffentlichung dieses Materials
Weltweit streng auf 300 Exemplare limitiert
Klassisches schwarzes Vinyl, passend zum Artwork ausgewählt
Artwork und Konzept von Vlad McNeally
Etablierte Fanbasis in den Dark-Electro-, Industrial- und Aggrotech-Szenen
RIYL Suicide Commando, Hocico, Grendel, Combichrist, Aesthetic Perfection, Tactical Sekt, God Module, Psyclon
Nine, Velvet Acid Christ, Unter Null
Unterstützt durch Promotion in deutschen Medien, Charts, Clubs und sozialen Netzwerken sowie durch DJ-Support

Zwei wahre cineastische Juwelen auf einer 7"-Single. Eine Auskopplung aus der beliebten Vinyl-Compilation-Reihe "The Tape Masters", die laufend seltene Rare Groove-Schätze und unveröffentlichte Aufnahmen aus den Archiven des Filmkomponisten Peter Thomas zutage fördert. Exklusiv auf dieser Single – und überhaupt zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich – ist die rare deutschsprachige Version des Tracks "Black Power", gesungen von einer gewissen Donna Gaines. Später natürlich weltberühmt geworden als Donna Summer, markiert dieser Song ihre allererste Aufnahme als Solokünstlerin im Alter von gerade einmal 20 Jahren. Zugleich war es ihr erster Auftritt vor der Kamera – prominent platziert im ZDF-Krimi-Dreiteiler "11 Uhr 20" (1969). Sowohl der Film als auch bisherige Sampler verwendeten die englischsprachige Version; der Mono-Mix der deutschen Fassung wurde erst vor Kurzem in Peter Thomas’ Bandarchiv wiederentdeckt. Ein weiteres vokales Highlight aus einer deutschen Krimi-Trilogie ist Senta Bergers frech-laszives "Vergiss mich, wenn du kannst" (aus dem ZDF-Krimi-Dreiteiler "Babeck", 1968). Das Lied basiert auf dem Titelthema der Serie und wird von der Sängerin in ihrer Rolle als geheimnisvolle, vamp-artige Barchefin interpretiert. Unter Liebhabern europäischer Filmmusik hat sich der Titel längst zum Kultstück entwickelt und wurde bereits mehrfach gecovert. Das Original feiert nun endlich hier seine Vinyl-Premiere. Achtung: Ein absoluter Doppelseiter!


a a1: Black Power (German version) feat. Donna Summer

a a1: Black Power (German version) feat. Donna Summer

a a1: Black Power (German version) feat. Donna Summer

a a1: Black Power (German version) [feat. Donna Summer]

[a] a1: Black Power (German version) [feat. Donna Summer]

[a] a1: Black Power (German version) [feat. Donna Summer]

[a] a1: Black Power (German version) [feat. Donna Summer]

[a] a1 | Black Power (German version) [feat Donna Summer]

Als Dublins Gurriers 2024 ihr Debütalbum Come And See veröffentlichten, bewiesen sie eindrucksvoll, dass sie eine der drängendsten und unüberhörbaren neuen Stimmen der boomenden irischen Punk-Szene sind. Seitdem haben sie sich mit knochenerschütternden, moshpit-tauglichen Live-Shows einen stetig wachsenden Ruf erarbeitet. Come And See stellte dabei auch ihre lyrische Stärke und ihren neugierigen, gesellschaftskritischen Blick in den Vordergrund – mit Songs über digitale Verlorenheit und die ganz realen Schrecken der modernen Welt.
Das grandiose zweite Album des Quintetts heißt Nobody's Coming To Save You – könnte aber ebenso gut den Untertitel „härter, besser, schneller, stärker" tragen. Es wird am 25. September auf Play It Again Sam veröffentlicht.

Aufgenommen in Donegals Attica Studios und den Holy Mountain Studios in London, produziert von Mark Bowen (Idles) und Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter), engineered von Chris Fullard (Idles, Sunn O)))) und gemixt vom weltbekannten John Congleton (St. Vincent, Modest Mouse, Swans) – allein das Team, das sich für LP2 zusammengefunden hat, spricht Bände. Gurriers nehmen alles, was sie von Anfang an großartig gemacht hat – die musikalische Chemie, den klugen, analytischen Blick auf die Welt – und schrauben es konsequent auf das nächste Level.

Von der vibrierenden Spannung der ersten Takte des Titeltracks, die sich in einem kakophonischen, kathartischen Finale entlädt, bis zum Ende: Nobody's Coming To Save You überführt den Geist des schwitzenden Kellerclubs in Stadiondimensionen. Das Album ist nicht nur laut – es ist dynamisch. „Shades" schickt industrielle, kantige Gitarrensplitter in einen brachial-rohen Hardcore-Chorus; „Drones" ist ein druckvolles, langsames Aufbäumen mit einem Drop, der jeden Moshpit zum Kollabieren bringt. „Pins" zeigt eine lässigere, melodischere Seite – irgendwo zwischen Grunge und Trip-Hop –, während „Party Lines" pure, unersättliche Dance-Punk-Ekstase ist. Wer sich fragt, ob die Band ihr Ziel erreicht hat, das Album „wie eine Ohrfeige" wirken zu lassen: Ja, die sitzt.

Mit Nobody's Coming To Save You haben Gurriers ihre Ambitionen in neue Höhen getrieben – und liefern dabei auf ganzer Linie.

Als Dublins Gurriers 2024 ihr Debütalbum Come And See veröffentlichten, bewiesen sie eindrucksvoll, dass sie eine der drängendsten und unüberhörbaren neuen Stimmen der boomenden irischen Punk-Szene sind. Seitdem haben sie sich mit knochenerschütternden, moshpit-tauglichen Live-Shows einen stetig wachsenden Ruf erarbeitet. Come And See stellte dabei auch ihre lyrische Stärke und ihren neugierigen, gesellschaftskritischen Blick in den Vordergrund – mit Songs über digitale Verlorenheit und die ganz realen Schrecken der modernen Welt.
Das grandiose zweite Album des Quintetts heißt Nobody's Coming To Save You – könnte aber ebenso gut den Untertitel „härter, besser, schneller, stärker" tragen. Es wird am 25. September auf Play It Again Sam veröffentlicht.

Aufgenommen in Donegals Attica Studios und den Holy Mountain Studios in London, produziert von Mark Bowen (Idles) und Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter), engineered von Chris Fullard (Idles, Sunn O)))) und gemixt vom weltbekannten John Congleton (St. Vincent, Modest Mouse, Swans) – allein das Team, das sich für LP2 zusammengefunden hat, spricht Bände. Gurriers nehmen alles, was sie von Anfang an großartig gemacht hat – die musikalische Chemie, den klugen, analytischen Blick auf die Welt – und schrauben es konsequent auf das nächste Level.

Von der vibrierenden Spannung der ersten Takte des Titeltracks, die sich in einem kakophonischen, kathartischen Finale entlädt, bis zum Ende: Nobody's Coming To Save You überführt den Geist des schwitzenden Kellerclubs in Stadiondimensionen. Das Album ist nicht nur laut – es ist dynamisch. „Shades" schickt industrielle, kantige Gitarrensplitter in einen brachial-rohen Hardcore-Chorus; „Drones" ist ein druckvolles, langsames Aufbäumen mit einem Drop, der jeden Moshpit zum Kollabieren bringt. „Pins" zeigt eine lässigere, melodischere Seite – irgendwo zwischen Grunge und Trip-Hop –, während „Party Lines" pure, unersättliche Dance-Punk-Ekstase ist. Wer sich fragt, ob die Band ihr Ziel erreicht hat, das Album „wie eine Ohrfeige" wirken zu lassen: Ja, die sitzt.

Mit Nobody's Coming To Save You haben Gurriers ihre Ambitionen in neue Höhen getrieben – und liefern dabei auf ganzer Linie.

Manchmal reicht ein Sommer, um zu zeigen, wohin die Reise geht. Fruchtiger Beigeschmack haben ihren nicht nur angekündigt, sie bespielen ihn gerade und begeistern dabei: 300.000 Streams in nur acht Wochen, zehntausende neue Fans auf den sozialen Netzwerken, ein ausverkauftes Releasekonzert, eine Zusatzshow mit Milla im September, die ebenfalls fast ausverkauft ist, ein Support-Slot vor 6.000 Menschen bei ZAZ in München, viele Festivals - und mittendrin "Löschzug", den die TAZ zum "linken Sommerhit des Jahres" erklärt hat. Auf den Socials wird das Trio gerade zur Band, über die man spricht, bevor man sie überhaupt gehört hat. Klare Haltung, großartige Songs, eine Band, die Musikfans begeistert, weil sie so ein wohltuender Gegenentwurf zum sonst vorherrschenden oder zumindest gefühlten Sound-Einheitsbrei im Netz darstellt. Jetzt kommt das Debüt, das all das einfängt: "Fast schon gut ist nicht schlecht" - die Debüt-EP von Fruchtiger Beigeschmack, erscheint bei superpolrecords. Ein Titel mit Understatement, der genau das Gegenteil meint. Fünf Songs, die Indie-Songwriting und Jazz-Offenheit zusammenbringen, ohne sich in Genreschubladen zu verlieren. Die wirbelnde Frontfrau Milena vorne, mit Texten, die nicht ausweichen und längst nicht nur der GenZ aus dem Herzen sprechen. Levi und Felix, die dem Ganzen Raum und Reibung geben, vorgetragen mit unbändiger Spielfreude, die sowohl auf Platte, aber vor allem live zündet. Das ist keine Band, die auf den Durchbruch wartet - sie ist bereits mittendrin, und die Zahlen sprechen für sich: Hunderttausende Streams, ausverkaufte Shows, ein Sommerhit im Feuilleton. "Fast schon gut ist nicht schlecht" ist der Beweis auf Vinyl - das Debüt einer Band, die längst mehr ist als ein Geheimtipp. Diese Zeit braucht einfach einen fruchtigen Beigeschmack.

Das 1997 erschienene Album „Romanza“ verhalf Bocelli zum weltweiten Durchbruch: Es verkaufte sich
weltweit fast 20 Millionen Mal und wurde zu einem der meistverkauften Alben der modernen Klassik aller
Zeiten.
„Romanza (30th Anniversary)“ wird sowohl als Standard- als auch als Deluxe-Edition erhältlich sein. Das
Deluxe-Paket enthält zwei goldfarbene Schallplatten, eine von Bocelli signierte Lithografie sowie einen
Bildband mit eigens in Auftrag gegebenen Begleittexten des renommierten Journalisten Craig McLean, der
Bocellis außergewöhnlichen Aufstieg vom aufstrebenden italienischen Tenor zu einem der weltweit gefeiertsten Künstler nachzeichnet. Beide Editionen enthalten zudem bisher unveröffentlichte Fotos von den
Aufnahmen zum Album.
Die Sammlung vereint alle 16 Titel des Originalalbums, darunter die zeitlosen weltweiten Hits „Time
to Say Goodbye“ mit Sarah Brightman und „Vivo per Lei“ mit Giorgia sowie eine bisher unveröffentlichte
Extended Version von Bocellis Hit „Con te Partirò“.

Der Blick auf sein erstes LP-Cover zeigt uns einen 24-jährigen Reinhard Mey vor einer Ruinen-Kulisse nur
mit seiner Gitarre in der Hand. Der Barde und sein Lied, sich selbst begleitend, mehr nicht. Mehr braucht
es nicht. Das ist fast 60 Jahre her und so hielt er es auf bald 2000 Konzerten seiner großen Tourneen
immer. Auf dem ersten Album von 1967 stimmte das nicht ganz; da waren schon ein paar Musiker mit im
Studio. Über 28 weitere Alben hat Reinhard Mey all die Jahrzehnte sehr viel gelungen gewagt, mit großen
Orchestern musiziert, moderne Sounds probiert und seine Lieder mit den Klängen anderer Instrumente
bereichert. Doch das Lied ist das Lied, seine Seele braucht keine Garnitur.
Mit Schatzhauser veröffentlicht der Land und Leute prägende Dichter und Liedermacher fast 60 Jahre
nach seiner ersten LP sein nunmehr 30. Studiowerk; zum ersten Mal seit genau 40 Jahren nicht wie üblich
im Mai, sondern im September und zum ersten Mal überhaupt auch im Studio ganz allein aufgenommen!
Schatzhauser lächelt freundlich, ist weisen und guten Herzens, wie die namensgebende literarische Figur
von Wilhelm Hauff. Er spart nichts aus, den Tod nicht, aber auch nicht das Leben, das Weinen nicht, das
Lachen nicht und vor allem das Lieben nicht.
Wir blicken in melancholische Seelenwinkel und werden auf wundersame Weise doch mit Zuversicht beladen
zurückgelassen.
Das Album deutet auf die Schönheit des Sonnenuntergangs, auch wenn er das Ende des Tages markiert.
Doch ein Sonnenuntergang im Sommer im Norden, erstreckt sich sehr lange. Schatzhauser ist das feinsinnige 30. Album von Reinhard Mey. Vom letzten war hier mit keiner Silbe die Rede!

Das 1997 erschienene Album „Romanza“ verhalf Bocelli zum weltweiten Durchbruch: Es verkaufte sich
weltweit fast 20 Millionen Mal und wurde zu einem der meistverkauften Alben der modernen Klassik aller
Zeiten.
„Romanza (30th Anniversary)“ wird sowohl als Standard- als auch als Deluxe-Edition erhältlich sein. Das
Deluxe-Paket enthält zwei goldfarbene Schallplatten, eine von Bocelli signierte Lithografie sowie einen
Bildband mit eigens in Auftrag gegebenen Begleittexten des renommierten Journalisten Craig McLean, der
Bocellis außergewöhnlichen Aufstieg vom aufstrebenden italienischen Tenor zu einem der weltweit gefeiertsten Künstler nachzeichnet. Beide Editionen enthalten zudem bisher unveröffentlichte Fotos von den
Aufnahmen zum Album.
Die Sammlung vereint alle 16 Titel des Originalalbums, darunter die zeitlosen weltweiten Hits „Time
to Say Goodbye“ mit Sarah Brightman und „Vivo per Lei“ mit Giorgia sowie eine bisher unveröffentlichte
Extended Version von Bocellis Hit „Con te Partirò“.

Die Legenden der elektronischen Musik, Soft Cell, bestehend aus Sänger & Frontmann Marc Almond und Multiinstrumentalist & Produzent Dave Ball, veröffentlichen mit "Danceteria" ihr sechstes und letztes Studioalbum - zugleich ein Liebesbrief an das New York der frühen 80er Jahre, wo Soft Cell ihre ersten drei Alben aufnahmen. "Danceteria" ist ein großartiger, stilvoller und verspielter Abschied von 47 Jahren gemeinsamer Musikgeschichte von Marc & Dave als Soft Cell und präsentiert Darbietungen, die für die Karriere dieser Electro-Pop-Legenden prägend sind. Mit Anklängen an Sparks und die Pet Shop Boys sowie Texten, für die Lady Gaga töten würde, nimmt das Album den Hörer mit auf eine lebendige Reise durch einen Tag im New York der frühen 80er Jahre – eine Reise, die rund um die Uhr von der Nacht über den verschwommenen Tagesanbruch bis zum direkten Wiedereintritt in den Club führt.

"Danceteria" ist gleichermaßen eine Hommage an den verstorbenen, großartigen Dave Ball. Dieses letzte Album gehört zu den letzten Werken, an denen Ball als Co-Autor und Produzent mitwirkte, bevor er am 22. Oktober 2025 auf tragische Weise viel zu früh verstarb. Marc Almond führte die Reihe der Nachrufe an und bezeichnete Dave als "geniales musikalisches Genie". Die weltweiten Medien und Musikstars wie Neil Tennant & Chris Lowe (Pet Shop Boys), Daniel Miller (Mute Records), Cabaret Voltaire sowie Richard Norris aus Daves Techno-Duo The Grid würdigten ihn voller Anerkennung und Wehmut als Pionier der elektronischen Musik. Dave stellte "Danceteria" zwei Tage vor seinem Tod fertig, und ganz in seinem Sinne wurde die Veröffentlichung des Albums wie geplant durchgeführt. Auch aufgrund von Daves Tod muss "Danceteria" zwangsläufig das letzte Soft Cell-Album sein, wie Marc erklärt: "Ohne Dave kann es keine weiteren Aufnahmen von Soft Cell geben; das wäre schlichtweg unmöglich. Die traurige Realität ist, dass Dave Ball die eine Hälfte von Soft Cell war, und abgesehen von Live-Auftritten kann ich ohne ihn keine Soft-Cell-Songs schreiben."

"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" und "II" - abgemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor; sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken - ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Die CD und 2LP Gatefold-Sleeves sind jeweils auf 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. Die CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.

Zwischen jamaikanischem Ska, Reggae, Two Tone, kölschem Charme und politischer Kante. Mal swingend, mal bissig, mal melancholisch - aber immer Offbeat. Es scheppert, brazzt und twangt wieder: Kapelle #3 melden sich mit ihrem neuen Album ,Momentaufnahme" zurück. Die Kölner Offbeat-Veteranen servieren auf elf Songs eine Mischung aus jamaikanischem Ska, Reggae, Two Tone und charmant schrägem Großstadtblick. Zwischen tanzbarer Leichtigkeit und klarer Haltung entstehen Songs über Umwege, Alltagsfluchten, Köln, antifaschistische Erinnerungskultur - und über politische Figuren, die förmlich nach einem Ska-Song verlangen. ,Momentaufnahme" ist kein nostalgischer Rückblick, sondern ein lebendiges Stück Gegenwart: direkt, warm, bissig und voller Liebe zum Offbeat. Mit über zwanzig Jahren Bandgeschichte und unzähligen Konzerten bleibt die Kapelle #3 eine feste Größe der Kölner Subkultur - jetzt auf allen Streamingplattformen und endlich auch auf Vinyl! 11 Track LP, 300 Stück 180 gr. schwarzes Vinyl, handnummeriert, bedruckte Innenhülle.

"Exklusive Erstveröffentlichung auf Vinyl: Die seltenen, alternativen Mixe von Richard Digby Smith erscheinen zum allerersten Mal auf Vinyl.


Die Ur-Zelle von Motörhead: Enthält die historischen allerersten Aufnahmen von 1975/76 im seltenen Ur-Line-up (Lemmy, Wallis, Taylor, Fox).


Edles Sammler-Format: Hochwertige 140g-Pressung im spektakulär gemusterten Smokey Vinyl Marble inklusive den Klassikern „Motorhead“ und „Iron Horse“."

"Die Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum: Feiern Sie zehn Jahre „Ojos Del Sol“, das gefeierte Album von Y La Bamba aus dem Jahr 2016, das nun um den neuen Song „Sin Tu Amor“ erweitert und von Adam Gonsalves remastert wurde. Das Album, das von NPR zu einem der 50 besten Alben des Jahres 2016 gekürt wurde, fängt Luz Elena Mendozas einzigartige Stimme an einem strahlenden Wendepunkt ein. NPR lobte Mendoza als „eine der innovativsten und spannendsten jungen Sängerinnen der Szene“, während KEXP das Album später als „ein Werk voller Poesie, Erinnerung und Heilung“ bezeichnete. Ab sofort als limitierte Auflage von 1.000 Exemplaren auf 180 g schwerem, splatterfarbenem Vinyl vorbestellbar, inklusive eines von Luz entworfenen Posters im Format 18x24. Sichern Sie sich Ihr Exemplar, bevor sie vergriffen sind.


Im September auf Tour mit Hermanos Guitierrez.


Thu, Sep 24, 2026 - Vancouver, BC - Queen Elizabeth Theatre Sun, Sep 27, 2026 - Woodinville, WA - Chateau Ste. Michelle Winery Tue, Sep 29, 2026 - Portland, OR - Arlene Schnitzer Concert Hall Sat, Oct 3, 2026 - Denver, CO - Mission Ballroom Mon, Oct 5, 2026 - Albuquerque, NM - Popejoy Hall Sun, Oct 18, 2026 - Austin, TX - Moody Amphitheater Tue, Oct 20, 2026 - Dallas, TX - South Side Ballroom Wed, Oct 21, 2026 - Houston, TX - The Lawn at White Oak"

Das im Oktober 1957 aufgenommene Album “Sonny Clark Trio” sticht aus zweierlei Gründen aus der
Blue-Note-Diskografie des Pianisten Sonny Clark (1931-1963) heraus. Einerseits, weil er sich nicht wie
auf seinen anderen Alben für das Label mit einem Quintett oder Sextett präsentierte, sondern im Trio mit
dem Bassisten Paul Chambers und dem Schlagzeuger Philly Joe Jones. Zum anderen, weil er darauf keine
Eigenkompositionen spielte, sondern auf subtile Weise erstmals ausschließlich Standards aus dem Great
American Songbook und Werke führender Jazzkomponisten jener Zeit interpretierte. Das Album kam bei
den Fans und Kritikern so gut an, dass Clark im Dezember 1957 und im November 1958 nach demselben Muster mit zwei anderen Trio-Besetzungen zusammenarbeitete. Aus unerfindlichen Gründen sollten
diese Aufnahmen jedoch erst lange nach Clarks Tod veröffentlicht werden - und zunächst auch nur in Japan.
Nun erscheinen die kompletten Aufnahmen zusammen mit alternativen Takes des Albums “Sonny Clark
Trio” auf einer Doppel-LP innerhalb der audiophilen Blue-Note-Tone-Poet-Serie unter dem Titel “The Art
of the Trio”. Die Veröffentlichung kommt in einer luxuriösen Tip-On-Gatefold-Hülle daher und enthält ein
Booklet mit neuen Liner Notes von Syd Schwartz, den Original-Liner Notes von Ben Sidran und Bob Porter
sowie bisher unveröffentlichten Fotos von Francis Wolff.

Die 5-LP-Box enthält den bisher unveröffentlichten 2-LP-Pre-Master-Mix, den längst vergriffenen 2-LPMono-Master-Mix, eine LP mit Highlights aus dem Super-Deluxe-Box-Set zum 60. Jubiläum, darunter
Live-Aufnahmen aus dem „The Fillmore“ in San Francisco (1966) sowie „Mothers“-Demos, ein erweitertes
Booklet mit seltenen Fotos, neuen Essays, einem ganz besonderen neuen Abschnitt mit noch mehr „Relevant Quotes“, der originalen doppelseitigen ausklappbaren „Freak Out!“-Hot-Spots-Karte von Frank Zappa
und einem Lithografie-Druck.

Ziggy Marley & the Melody Makers, bestehend aus zwei Söhnen und zwei Töchtern der Legende Bob Marley,
veröffentlichten 1988 ihr drittes Album „Conscious Party“. Produziert von Chris Frantz und Tina Weymouth
(Talking Heads, Tom Tom Club) und mit dem Nummer-1-Hit „Tumblin’ Down“ wurde „Conscious Party“
zum beliebtesten Album der Gruppe. Dies ist die erste Vinyl-Ausgabe des Albums seit seiner ursprünglichen
Veröffentlichung und wird in den Varianten Standard-Schwarz und CD erhältlich sein.

,Independent" ist das 1996 erschienene Album der New Yorker Hardcore-Band Maximum Penalty und gilt als eines ihrer wichtigsten Werke. Die Band verband darauf klassischen New York Hardcore mit melodischen Elementen, Groove und dem markanten Gesang von Jimmy Williams, wodurch sie sich deutlich von vielen Zeitgenossen abhob. Zum 30-jährigen Jubiläum erscheint das Album erstmals auf Vinyl. Die Neuauflage würdigt den anhaltenden Einfluss von Maximum Penalty auf die Hardcore-Szene, der zuletzt durch die Unterstützung von Bands wie Turnstile und das Cover von End It neu sichtbar wurde. Für viele Fans gilt ,Independent" als ein Schlüsselmoment in der Geschichte des melodischen New York Hardcore.

„Take Me Back / Live from the Gorge“ ist ein bahnbrechendes Live-Album, das 2025 während des jährlichen Labor-Day-Wochenendes der Band im Gorge Amphitheater in Washington aufgenommen wurde. An diesem Wochenende spielte DMB zum ersten Mal das Album „Before These Crowded Streets“ in voller Länge live. Weitere Songs sind: Dylans „All Along The Watchtower“, „You Never Know“ und „It Could Happen“. Béla Fleck (der auf „Before These Crowded Streets“ als Gastmusiker mitwirkte) begleitet die Band bei „Last Stop“ und „Don’t Drink the Water“.

»Pipe Dreams II & III« presents two new, side-long organ works by Mary Jane Leach, extending the sonic investigations of her 1989 landmark »Pipe Dreams«. Recorded in Ghent and Cologne, the two side-long pieces use shifting stops, resonance and beating tones to turn the pipe organ into a vivid, physical field of sound.

When »Pipe Dreams« was issued on vinyl for the first time by Blume in 2017, it was effectively the first time many of us encountered Mary Jane Leach’s music, finally placing her work in its proper historical context amid the searching Downtown milieu of Julius Eastman, Arthur Russell, Arnold Dreyblatt, Ellen Fullman, Philip Corner, Daniel Goode, and Peter Zummo. Leach collaborated with most of these artists at one point or another, either in Downtown Ensemble or as a guest on their records.

Now »Pipe Dreams II« and »Pipe Dreams III« arrive, recorded in 2023 and 2024 at Miry Concertzaal in Ghent, Belgium, and Kunst-Station Sankt Peter in Cologne, respectively.

»When I was a young child, my family lived next door to a church, where my mother was the organist. I spent many hours lying on the floor of the sanctuary listening to the music, letting the sound of the organ envelop me. I also liked to play the piano loudly with the pedal down, producing clouds of sound, much to my family’s annoyance. These two organ pieces explore some of my earliest musical interests and aesthetics.

In 1989, I lived in a tower attached to St Peter’s Church in Cologne, where I had access to its organ. It had two sets of pipes, front and back, which could create antiphonal effects. I spent countless hours exploring the possibilities of all the permutations of notes, space, and the resulting sound phenomena. I wrote »Pipe Dreams« for that organ. Fast forward to 2023, when I was asked to create a piece for organ for a concert at the Miry Concertzaal in Ghent, Belgium: »Pipe Dreams II«. I had a few days to familiarise myself with the organ, its available stops, and the layout of the console. I choreographed stop changes for a volunteer, as I couldn’t reach them myself. Some amazing sounds began to happen, and at one point the sound was so visceral that I felt as though I were taming a wild beast.

»Pipe Dreams III« was performed in 2024 on the organ that I had spent so much time playing in 1989–90. One big difference, though, was that the console was totally new and computerised. Having access to the organ for only a few hours before the concert, I decided that I did not have enough time to feel comfortable with the console and should not attempt to recreate the piece I had written in 1989. I would instead use the same sequence of stops and perform an improvised piece. I loved the sounds that were being created, and I was having so much fun that at one point I even started to laugh quietly. I began to visualise the beating notes as if they were atoms, opening them up to expose their innards, with the beating, higher-pitched notes — neutrons and protons — shimmering at the top, and the lower notes — the electrons — throbbing away at the bottom. I was playing notes not so much for their pitch value, but for how they affected the notes and sound phenomena already being played. Instead of a time signature, I timed the entries by listening to the beating patterns, waiting for the right moment to enter. And no, I wasn’t hallucinating.«

Mary Jane Leach, 2026

"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" & "II" - gemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor. Sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Das CD- und 2LP Gatefold-Sleeve ist jeweils aus 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.

Zum 30-jährigen Bestehen gönnt sich das Hamburger Dub-Label Echo Beach ein multidimensionales Porträt seiner Heimat- und Hansestadt Hamburg. Musikalisch hat das Label bereits die ganze Welt bereist und Dub-Sets aus UK, Südafrika, Neuseeland, New York, Jamaika und Germany veröffentlicht. King Size Dub - Hamburg ist die erste Album-Compilation, die sich exklusiv der Dub-Musik aus Hamburg widmet. Schon als das Label mit einer Compilation mit UK Dub die Bühne betrat, gab es mit Soundhaudegen wie Silly Walks und Dub Me Ruff, Projekten um den Producer Matthias Arfmann sowie Bands wie Dub Division und Di Iries eine vitale Dub-Szene in Hamburg, die im Lauf der Jahrzehnte ebenso wilde Blüten trieb wie outernational das Echo Beach Label, wobei es durchaus zu Überschneidungen und Kreuzungen kam. Nun ist die Zeit der Ernte gekommen: Für die Vinyl-Version hat sich das erste Dub-Label am Platz mit dem nicht nur für Dub-Heads besten Plattenladen der Stadt zusammengetan und jeweils eine Rille voller Versions, Specials und Exclusives aus den Hamburger Studios gepresst.

Die britische Singer-Songwriterin und Musikerin Martina Topley-Bird wurde durch ihre Zusammenarbeit mit
den Trip-Hop-Pionieren Tricky und Massive Attack in der Musikbranche bekannt. Besonders hervorzuheben
ist ihr gefühlvoller Gesang auf dem Track ”Teardrop” von Massive Attack aus deren Album ”Mezzanine”,
der zu seiner atmosphärischen Wirkung beiträgt. Auch auf Trickys Debütalbum ”Maxinquaye” (1995)
hat ihre eindringliche Stimme den unverwechselbaren Sound geprägt. Als sie 2003 zu einer Solokarriere
überging, erntete sie mit ihrem für den Mercury Award nominierten Debütalbum ”Quixotic”, das bei Independiente Records erschien, großen Beifall der Kritiker. 2004 erweiterte Topley-Bird ihre Zusammenarbeit
und lieh ihre Stimme den Gorillaz-Tracks ”All Alone” und ”Kids with Guns” von deren Debütalbum ”Demon
Days”. Seitdem hat sie weitere Alben veröffentlicht, darunter ”Anything” (2004), ”The Blue God” (2008)
und ”Some Place Simple” (2010).
Martina Topley-Birds von der Kritik hochgelobtes und für den Mercury Award nominiertes Debütalbum
”Quixotic” wird zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht. Diese erweiterte Ausgabe enthält das Originalalbum sowie drei B-Seiten und einen unveröffentlichten alternativen Mix der ersten Single ”Sandpaper
Kisses”. Sie wird auf Doppel-Vinyl gepresst und in einem Gatefold-Sleeve verpackt sein.

Im Laufe des Jahres 2026 hat das Jazz-Piano-Trio Okonski (Steve Okonski am Keyboard, Aaron Frazer Bandkollege von Durand Jones and the Indications am Schlagzeug und Bassist Michael Isvara Ish" Montgomery) nach und nach eine Vielzahl von Singles veröffentlicht, um die Fans bis zum mit Spannung erwarteten Album LP3" im Jahr 2027 bei Laune zu halten. Die Tracks zeigen vielfältige Einflüsse und beinhalten Kollaborationen mit Künstlern wie dem Saxophonisten Cochemea und der Harfenistin Rachel Kitchlew. Zum Abschluss dieser Single-Reihe hat Colemine Records eine limitierte Auflage von Kassetten gepresst, die alle neuesten Tracks sowie ein paar Bonus-Live-Stücke enthalten. Die hochgelobte EP Trio Session Demos" der Band wurde auf die B-Seite der Kassette gepackt damit sind diese vom Hip-Hop inspirierten frühen Aufnahmen zum ersten Mal physisch erhältlich. Anfang 2025 veröffentlichte Okonski ihr zweites Album Entrance Music" und erntete dafür großes Lob. Das Spiritual-Jazz-Album wurde von Rolling Stone, BBC, Billboard, KEXP und unzähligen anderen gelobt und wurde bereits über 10 Millionen Mal gestreamt. Das Trio hat kürzlich ein ausverkauftes Konzert in LA absolviert und bricht diesen Herbst zu seiner ersten Tour durch Großbritannien und die EU auf. Von Okonski ist in den kommenden Jahren noch viel mehr zu erwarten.

,Teranga", das letzte Album der Wau Wau Collectif-Trilogie - dieser verträumten, kulturübergreifenden Zusammenarbeit -, zeigt, wie die Band endlich zu einer Einheit zusammenwächst. Der Name leitet sich vom Wolof-Wort ,Teranga" ab, das für Herzlichkeit, Gastfreundschaft gegenüber anderen und - ganz allgemein - für ein gemeinsames Zusammentreffen steht - ein passender Titel für das Album, das selbst Ausdruck einer solchen Begegnung ist. Das Projekt begann 2018 im Dorf Toubab Dialaw, wo die beiden Musiker Arouna Kane und Karl-Jonas Winquist die Idee erstmals hatten. In den folgenden Jahren entwickelte sich das Projekt weiter: Die beiden Produzenten tauschten über WhatsApp Dateien aus und bezogen ihr Netzwerk aus Freunden und Kollegen in das ein, was später zum Wau Wau Collectif werden sollte - was schließlich in ihren ersten Alben ,Yaral Sa Doom" (2021) und ,Mariage" (2022) gipfelte. Ihr neuestes Album, ,Teranga", ist der dritte und letzte Teil dieser Trilogie, der während der ersten Live-Tour der Band fertiggestellt und abgemischt wurde - eine fünfwöchige, weitreichende Reise quer durch Europa mit ,drei Schweden, drei Senegalesinnen und einem französischen Fahrer, ein herrliches Sprachengewirr", wie Karl-Jonas erklärt. Das Herzstück von Wau Wau Collectif ist ein starkes musikalisches Fundament, das nicht nur auf dem breiten kulturellen Spektrum beruht, aus dem sich das Kollektiv inspirieren lässt, sondern auch auf den äußerst talentierten Musikern - komponiert und eingespielt von sage und schreibe 26 verschiedenen Songwritern und Musikern, die eine beeindruckende Bandbreite an Instrumenten spielen, darunter Balfon, Ngoni, Calabasse, Violine, Cello, Saxophon und Omnicord. Der daraus resultierende Sound lässt sich nur schwer einordnen, hat aber klanglich zweifellos seinen Platz in Teranga gefunden. Mal verträumt und meditativ, aber durchdrungen von einer organischen Seele - ein völlig einzigartiger Sound, der zugleich anachronistisch und zukunftsweisend ist. ,Oh, Africa" könnte auf einer klassischen Neuauflage zu Hause sein, mit einem fast türkisch anmutenden Gitarrenriff, während ,100 ans" (ihre erste Live-Studioaufnahme) an Amadou et Mariam aus den frühen 2000er Jahren erinnert. Mit Wurzeln in der Avantgarde (Karl-Jonas hat Barney Wilens ,Moshi" als Inspiration genannt), während Wau Wau sich von diesen Experimenten inspirieren lässt, auch wenn sie in ihrem Bekenntnis zum Gemeinschaftsgeist davon abweichen - ein Projekt, das durch Handys, WhatsApp und im Internet kursierende MP3s ermöglicht wird -, was leicht ironisch wirkt, wenn man bedenkt, wie akustisch, bodenständig und menschlich es sich anfühlt. Während wir das Kapitel der Trilogie abschließen, betont Karl-Jonas, dass dies vielleicht erst der Anfang ist: ,In gewisser Weise haben wir gerade erst angefangen", sagt er. Für das nächste Jahr zeichnen sich Pläne ab, die ganze Band zusammenzubringen, und es stehen weitere Tourneen bevor - mehr Hoffnung, mehr Menschlichkeit und mehr Zusammenhalt.

Kissin' Dynamite veröffentlichen ihr selbstbetiteltes 9. Studioalbum in kompletter Eigenregie. Doch nicht nur die Rahmenbedingungen zum Album zeugen von Ende und Neuanfang. Genau diese beiden Themen wurden auch inhaltlich in den neuen Songs aufgegriffen.

So ist die Single-Auskopplung »Glory Days« eine Stromgitarren-getriebene Reminiszenz an die glorreichen, vergangenen Tage, in der sich inhaltlich jeder einzelne wiederfinden kann. Sommer-Cabrio-Vibes garantiert!
Der Stampfer »I Salute You« kann als eigene Art und Weise des Frontmanns verstanden werden, sich von seinen Fans zu verabschieden. Musikalisch rollt der Titel schwer wie ein Panzer voran und bahnt sich mit triumphierend klingenden Dudelsäcken und prominenter Unterstützung von der Band Saltatio Mortis als Feature-Künstler seinen Weg in die Gehörgänge.
Die ausufernde Rockballade »The Good Goodbye« erzählt vom Schmerz der notwendig gewordenen Trennung, aber auch davon, dass es weitergeht, auch wenn es anders ist, als zuvor.
Im Arena-Rocker »I'll Be« wird ein Schwur geleistet, immer da zu sein, immer präsent zu sein. Der Titel ist wie gemacht für die ganz großen Bühnen.
Das zunächst düster daherkommende »Nothing Breaks Like A Heart« baut sich kontinuierlich auf, bis im Chorus die s.g. Hero-Kadenz ebendiesen zum perfekten Singalong-Refrain macht. Thematisch geht es um leere Versprechungen, die ein gebrochenes Herz nach sich ziehen.
Bei »The Night Is Calling« wird jedes Partyherz höher schlagen. Es ist die perfekte Rockhymne.

Auch optisch hat man bei diesem Langspieler Nägel mit Köpfen gemacht: Das Cover und seine Wirkung erschließen sich dem geneigten Betrachter unmittelbar. Zu sehen ist ein verführerisch roter Kussmund, der eine nicht weniger knallrote, Dynamitstange küsst. Es wurde der Bandname und somit auch gleichzeitig der Albumname bebildert! Das Cover wirkt dabei schon fast ikonisch. Man kann sich das Motiv jetzt schon auf T-Shirts, Taschen, Autos und co. vorstellen.

Zu den brandneuen 6 Songs gesellen sich weitere 7 Titel der ersten zwei Alben des Quintetts. Diese wurden neu aufgelegt und ins typische Kissin-Dynamite-Gewand gepackt. Hier wurde nicht gegeizt:
So bekam ein Song der ersten Stunde »Out In The Rain« prominente Unterstützung von der Band Amaranthe.
Für die geheime Schwabenhymne »Steel Of Swabia« wurde passenderweise Ralf Scheepers von Primal Fear verpflichtet. Außerdem wurde ein gigantisches Gitarrensolo von Dragonforce-Gitarrist Sam Totman beigesteuert.

Die Band versteht es wie keine andere, ihrer Musik einen übergroßen Pathos zu verleihen, der nicht Comedy ist, nicht Welt verbessernd, sondern einfach mitten ins Herz geht! Geile Hooks, knackige Riffs, eingängige Melodien!

Für all das und mehr stehen Kissin' Dynamite.