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'Girl Violence' ist das dritte Album der New Yorker Künstlerin King Princess (Mikaela Straus) und ihr bisher persönlichstes und unverblümtestes Werk. Sie schrieb das Album, nachdem sie eine langjährige Beziehung, einen Major-Label-Deal und eine Stadt, die ihr den Funken nahm, hinter sich gelassen hatte. Es fängt das Chaos, die Klarheit und die Katharsis eines Neuanfangs ein.

In kühnen Pop-Hymnen und intimen Bekenntnissen erforscht Straus die nuancierte, chaotische und magnetische Dynamik der Liebe zu Frauen. Das Ergebnis ist eine Platte, die emotional wild, klanglich furchtlos und zutiefst selbstbewusst ist.

Seit ihrem Durchbruch mit der Platin-zertifizierten Hymne '1950', die über eine Milliarde Streams verzeichnen konnte, hat sich King Princess einen einzigartigen Platz im modernen Pop geschaffen. Mit 'Girl Violence' wendet sie das Blatt, übernimmt die volle kreative Kontrolle und liefert ihre bisher eindrucksvollste und kompromissloseste Vision.

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

Ursprünglich aus Albany, NY, aber jetzt ein fester Bestandteil der Brooklyner Indie-Rock-Community, ist das Duo Ali Genevich und Jake Brooks für seinen verträumten, sonntäglichen Dreampop bekannt. Auf ihrem 3. Album und ihrem ersten für Bar/None haben Laveda ihre Komfortzone verlassen und verfolgen einen härteren Ansatz für ihre Rock-Tendenzen. Sie haben ihre traditionellen Einflüsse hinter sich gelassen und begeben sich auf den Weg, den Bands wie Unsane und Sonic Youth geebnet haben.

Ltd Edition!

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Selector Dub Narcotic hat uns beim letzten Mal gewarnt: "The Party Is Just Getting Started". Das ist OK, wir wollten nie, dass sie endet. 9 Jahre später beehrt Selector Dub Narcotic uns wieder einmal mit ihrer Präsenz und präsentiert "When Boys Cry" KLP309, eine vier Songs umfassende EP von unvergleichlicher Pracht. "When Boys Cry" ist eine echte Schnulze, die vier Taschentücher eingebracht hat - eins für die Beats, eins für die Reime, eins für die dunkle Schokoladenfrisur und eins für ich weiß nicht was, aber es bringt alle zum Tanzen. Wieder einmal arbeitet Selector Dub Narcotic mit dem Northwest Hip-Hop Produzenten Smoke M2D6 zusammen. Der Titelsong "When Boys Cry" schwebt in einem melancholischen Dunst; "Love Don't Come Around" sinniert über die Muse und alle unbeabsichtigten Konsequenzen; "Excuse Moi" ist eine freche kleine Nummer; "California Trippin'" erinnert uns daran, dass in jedem unserer Unternehmungen Freude steckt. "When Boys Cry" wird von drei digitalen Vorab-Singles begleitet, bevor es als 45rpm 12" EP in den Plattenläden des Planeten erscheint. Perfekt für die nächste gesellige Veranstaltung oder das antisoziale Grübelfest.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.

Star Feminine Band, hardest working women in Beninese show business, are releasing their third album on Born Bad, who went all out for their first. Some get malaria at the sight of that sticky world label : rest assured, the world is all they deserve after nine years of hard work. These eight young women, from a village that even Beninese can't quite place, started out in hard mode.

They had to convince themselves that it was worth a shot, but also their family, their village and an entire continent.

André Balaguemon, composer, manager and lyricist, does a lot, while remaining in the background. He put the group together, included his three daughters, houses everyone with his wife Edwige who also manages dances and costumes. He gave them a musical training, and created the framework for them to continue school while rehearsing hard. From local heroes to UNICEF ambassadors, the group has made it. The very existence of this new album is a testament to the perseverance of Grâce, Anne, Urrice, Bénie, Angélique, Sandrine, Julienne and Ashley. The personnel of this family affair has changed a bit : two new women have joined the group, which conquered bigger stages (Glastonbury in the summer, the X-mas BBC special).



This new album brings simple joys : watching them grow from Benin's first girl band to a band in its own right. And never forgetting why they took to the stage in the first place. Star Feminine Band makes straightforward music, taking no detours to express what's missing in the country. When Grâce advocates for kids getting a chance to get to school it's because there's nothing else more important to say that day. Teachers, don’t leave the kids alone, after all.



As they said on their first album, « music is our job », let them be that : musicians having a lot of fun on this album. It wanders through the vast territory of the countless West African styles. They even make a quick foray into reggae to talk about marriage (with a little rap thrown in), and interweave their voices in multiple languages (Waama, Ditamari, Bariba, Fon, Yoruba). And boy do they have hits. To each is own, but “L'enfant c'est un don de Dieu » (Child is god’s gift) is a mighty steamroller, methodically smoothing out the ground for dancing together to its final chorus, singing « debout-les-en-fants / get up, kids ! » along.



Smoother than the first two albums, supported by fine arrangements, ambitious keyboard parts and more complex vocal harmonies without losing any of their spontaneity, this third opus quietly adds to Benin's musical heritage. As they make clear in « Jusqu'au bout du monde », clever little number that we can already hear swelling up on stage: « oui, c’est Star Feminine Band qui a gagné - o / Star Feminine Band won».

Gothenburg/Malmö-based post rock power trio Barrens return with Corpse Lights, the band's second full-length release following their critically-acclaimed 2020 debut Penumbra. Five years in the making, Corpse Lights sees Barrens strike a breathtaking balance between light and dark, beauty and brutality. Corpse Lights, Barrens' sophomore album, is somehow deeper, richer and headier; imbued with an alluring compositional patience that serves as unspoken testament to the combined creativity of the trio in their element, as something so much greater than the sum of its parts. Recorded and produced by Kristofer Jönson, who also helmed Penumbra, and mixed and mastered once again by Cult of Luna's Magnus Lindberg, shimmering synthesizers and sprawling guitars lead the charge propelled by exhilarating drums and percussion but Corpse Lights also finds Barrens using space, silence and atmosphere as another instrument if not as another band member entirely. `Corpse Lights' is the name given to the folk belief that small coloured lights often appear near the home of someone about to die, leading them along the path to their eventual resting place. Often considered to be evidence of the soul leaving the body, the concept of corpse lights embodies Barrens' approach to creating music as a cathartic release; not just writing music because they want to but because they have to. Their writing process is one of joy, light and release as much as it is dark, heavy and tense. The result is Corpse Lights, a collection of nine pieces that guide us through five tumultuous years of highs and lows, of loves and losses and victories and defeats without ever needing to say a word. FOR FANS OF Mono, PG.LOST, Caspian, Mogwai, This Will Destroy You, Russian Circles, Pelican, Scraps Of Tape, God Is An Astronaut. Vinyl is a gatefold, the sleeve comes with metalic ink, the Periastron edition is transparent "white" Vinyl

Die Psych-Rocker aus Cincinnati kehren mit ihrem vierten Album zurück und drehen die texturierten Synthesizer und spacigen Melodien voll auf, um ihr bisher shoegaze-lastigstes Album zu schaffen. Das zentrale Nervensystem von In The Pines befindet sich in The Lodge - einem alten Freimaurertempel, der als Mehrzweckraum gegenüber von Cincinnati in Dayton, Kentucky, umfunktioniert wurde. Die Band bewohnt eine Ecke des Kellers in diesem weitläufigen Labyrinth, wo sie Foleytronics betreibt - einen kleinen Laden für Vintage-Profi-Audio-Reparaturen und einer der wenigen Läden weltweit, der Vintage-Digitaleffekte reparieren kann. Ein natürliches Nebenprodukt dieses Ladens ist das Studio in Bandmitglied Peter Foleys Keller, ein Raum voller verschiedener Vintage-Effekte, Bandmaschinen und Synthesizer, in dem sie Sunbeam Dream vollständig aufgenommen und produziert haben. Alle Aufnahmegeräte, die für ,Sunbeam Dream" verwendet wurden, wurden vor dem sicheren Tod gerettet, repariert und von der Band selbst wieder funktionsfähig gemacht, die sich der Grenzen dieser Geräte bewusst war (und diese gerne ausnutzen wollte). Ähnlich wie beim Konzept von Oulipo in der Poesie und Mathematik entstehen Kreativität und Problemlösungsfähigkeiten aus einem klaren Verständnis und ständiger Überprüfung der Grenzen. Der Aufnahmeprozess ermöglichte es In the Pines zum ersten Mal, sich mit den kleinsten Details zu beschäftigen - ganze Tage wurden damit verbracht, den richtigen Akustikgitarrensound zu finden, nur um schließlich auf ein Stück Klebeband zu kommen, das über die Saiten geklebt wurde; Stunden, die in anderen Studios als Luxus gelten würden, wurden damit verbracht, verschiedene Beckenkombinationen für einen Refrain oder eine Bridge auszuprobieren. Genau wie bei ihrer Reparaturwerkstatt schuf die Band einen Aufnahmeraum, in dem Hyperfokus und Liebe zum Detail nicht nur erlaubt, sondern ausdrücklich erwünscht sind. Das Ergebnis dieser obsessiven Kontrolle ist das bislang ausgereifteste Werk von In The Pines. Sunbeam Dream hebt den Shoegaze-beeinflussten Psych-Rock der Band auf ein neues Niveau. Mit einer stärkeren Betonung der Synthesizer, die sich von einem strukturellen Element zu einem Hauptcharakter im Sound der Band entwickeln (dank eines wiederbelebten Mellotrons von 1971), reiht sich die Band in die Tradition großartiger und kraftvoller Alben wie ,A Northern Soul" von The Verve oder dem selbstbetitelten Album von The Charlatans (UK), bei denen die Produktion der beiden Bands ihrer kreativen Vision zu entsprechen schien. Mit ,Sunbeam Dream" fühlt sich alles heller und klarer an, während es gleichzeitig auf wunderbare Weise in einem Zwielichtschleier schwebt, der jedes Element umgibt.

Annlaug Borsheim is an established freelance musician and songwriter based in Bergen, Norway. She comes from the folk music world, but operates within a wide range of genres, theatrical expressions, and instruments. She sings in Norwegian, and the music reflects Annlaug's versatile background, from traditional tunes from Hardanger to indie rock. She is joined by a star team from the local music scene in Bergen, led by the album's producer, Pedro Carmona-Alvarez.

Transparent green vinyl. After an uncomfortably long five-year hiatus-likely spent arguing about time signatures, chord progressions, and who forgot to bring snacks to rehearsals-Glutton is finally back. The beloved (by at least a few people) trio is ready to unleash their questionable wisdom upon an unsuspecting world with their upcoming album: "Skiva heter Vishnu!" On their latest outing, Glutton boldly ditches vocals (likely realizing that nobody was really listening to their lyrics anyway) and commits fully to an instrumental format. This time around, it's only guitar, bass, and drums-because who needs keyboards or vocalists when you have enough distortion pedals and élan? Guitarist Eirik Orevik Aadland (Spurv), bassist Ola Mile Bruland (Actionfredag, Jordsjo), and drummer Jonas Eide Hollund (Mt. Mélodie) clearly didn't bother to consider commercial viability while crafting this sonic oddity, delivering tracks like "Hallux Valgus," "Orkensur," and "Rematusenogennatt" with absurd seriousness and delightfully misplaced confidence. Expect a reckless fusion of punk attitude, jazz complexity, and prog rock pretentiousness, presented with complete sincerity and zero self-awareness (well, almost zero). Each track is carefully constructed to give the illusion of a band deeply serious about their art, while simultaneously admitting that they may have no idea what they're doing. Whether you're a sophisticated music connoisseur with an ear for complexity, or just someone who enjoys pretending to appreciate weird music, Glutton's latest record promises to be precisely the type of organized hotchpotch you didn't realize your life was lacking. "Skiva heter Vishnu!" - because of course it does.

Mit "Smile" liefern Rong Kong Koma ihr drittes Album, und es ist ihr kompromisslosestes. Wo die Vorgänger noch verspielte Umwege nahmen, geht es jetzt direkt durch die Wand. Der Sound ist rau, kantig und voll auf die Fresse. Mit mehr Schmutz als Glanz. Die Band stampft mal wie ein zorniges Metronom, schaltet dann in Reggaeton-Grooves oder fällt in sich zusammen, wenn sich plötzlich eine zerbrechliche Ballade in den Raum stellt. Was glauben die eigentlich, wer sie sind? Die Produktion ist trocken und aggressiv, das Songwriting unberechenbar und bissig. Auch textlich bleibt es unbequem: Absurder Humor trifft auf präzise Alltagsbeobachtungen und wütende Spitzen gegen den Rechtsruck, toxische Männlichkeit und die gepflegte Lethargie der Mitte. "Smile" ist keine einfache Platte. Aber eine zwingende. Zwischen Punk, Indie und einer gesunden Portion Wahnsinn, der große Gefühle kennt, aber keine Pose braucht.

The Tedeschi Trucks Band and Leon Russell’s Mad Dogs & Englishmen Revisited ist eine lebendige Hommage an eine der kultigsten Live-Rock-Kollaborationen der Musikgeschichte. Ursprünglich von Joe Cocker
und dem legendären Keyboarder und Bandleader Leon Russell im Jahr 1970 geleitet, war Mad Dogs &
Englishmen eine raue, gefühlvolle Tour, die ein riesiges Ensemble von Musikern zusammenbrachte. Im
Jahr 2015 ließ die Tedeschi Trucks Band unter der Leitung des Gitarrenvirtuosen Derek Trucks und der
kraftvollen Sängerin Susan Tedeschi diesen Meilenstein wieder aufleben und fügte ihm ihre eigene Mischung
aus Südstaaten-Soul, Blues und Rock hinzu.
Das Revival-Konzert im Rahmen des Lockn’ Festivals war mit einem Staraufgebot besetzt. TTB brachten
nicht nur ihr übliches 12-köpfiges Ensemble mit, sondern begrüßten auch ursprüngliche Mad Dogs-Mitglieder
wie Rita Coolidge, Chris Stainton und Claudia Lennear sowie eine vielfältige Gruppe zeitgenössischer Kollaborateure, darunter Chris Robinson von den Black Crowes, Warren Haynes, Anders Osborne und Dave
Mason. Die Bühne schwoll oft auf über 20 Musiker an, was den großen, gemeinschaftlichen Geist der
ursprünglichen Tournee widerspiegelte.
Derek Trucks selbst sagt zum Projekt:
”Als ich anfing, mit Susan darüber zu sprechen, eine Band zu gründen, schauten wir ungefähr zu der
Zeit den Film ‚Mad Dogs‘ noch einmal. Uns ist klar geworden: Wenn wir jemals eine Big Band oder einen
Rock ‚n‘ Roll-Zirkus machen wollten, dann ist jetzt der richtige Ze

Mit seiner kraftvollen Stimme und seinem gefühlvollen Songwriting kreiert Calum Scott die Art von Songs,
die tief in uns nachhallen und die bedeutungsvollsten Momente in unserem Leben begleiten.
Seit seiner Single „You Are The Reason“ hat der in Großbritannien lebende Künstler von unzähligen Fans
auf der ganzen Welt gehört, die seine Musik als Soundtrack für wichtige Lebensereignisse oder als Trost
beim Ertragen von großem Herzschmerz und Verlust nutzen.
Sein drittes Album „Avenoir“ enthält die Singles „Roots“, ‚Lighthouse‘, „At Your Worst“, „My World“
und „God Knows“ - eine beeindruckende Sammlung von Songs, die ein herzliches Plädoyer dafür sind, das
Leben in vollen Zügen zu leben.

River of Music, das neue Album der „musikalischen Zauberer“ der Kanneh-Masons (The Guardian), bringt
nach dem Erfolg von Carnival (2020) alle sieben Geschwister - Isata, Braimah, Sheku, Konya, Jeneba, Aminata und Mariatu - wieder zusammen. Auf dem Album sind neue Arrangements von klassischen Werken
bis hin zu Folk-Songs zu hören. Das Herzstück bildet Schuberts Forellenquintett - ein Lieblingsstück der
Familie, das die Geschwister seit ihrer Kindheit gemeinsam hören. River of Music wurde im Sommer 2024
in den Abbey Road Studios aufgenommen und erzählt, wie die Liebe der Kanneh-Masons zur Musik über
Generationen hinweg weitergetragen wurde. Von der walisischen Großmutter, die ihrer Liebe über das Meer
nach Sierra Leone folgte, bis hin zum antiguanischen Großvater, der seine eigenen Träume einer Musikkarriere weitergab, feiert dieses Album die musikalischen Wurzeln der Familie Kanneh-Mason.
”Dies ist eine Geschichte über unsere Familie und die Quellen unserer Musik. Musik fließt wie ein Fluss
durch die Generationen, und unsere Leidenschaft, Musik zu hören und zu spielen, stammt von unseren
Großeltern und ihren Geschichten, von den Orten und Träumen, die sie weitergegeben haben...”
Konya Kanneh-Mason, Grandad’s Dream

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Die Kritikerin von Gramophone erwartete „außergewöhnliche Dinge“ von Marc-André Hamelin in CPE
Bachs Sonaten & Rondos. Man kann mit Sicherheit sagen, dass sich ihr Instinkt als richtig erwiesen hat:
„Kurz gesagt, ich kann mir keine bessere Einführung in CPE Bach auf dem modernen Klavier vorstellen“.
Dies ist ein 2LP-Set.
Der Pianist Marc-André Hamelin ist weltweit bekannt für seine unvergleichliche Mischung aus vollendeter
Musikalität und brillanter Technik in den großen Werken des etablierten Repertoires sowie für seine unerschrockene Erkundung der Raritäten des 19., 20. und 21. Jahrhunderts - in Konzerten und auf Aufnahmen,
die ihn zu einer wahren Ikone des Klaviers machen.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Die Zusammenarbeit von Hyperion mit Stephen Layton und Polyphony hat im Laufe der Jahre zu einigen
der besten Choraufnahmen geführt, die es gibt, und Eric Whitacre: Cloudburst & other choral works
ist wirklich etwas Besonderes: Das für einen Grammy nominierte Album wurde von BBC Radio 3 als
„atemberaubend“ und von der Times als „ein Gewinner“ beschrieben und machte Whitacres einzigartige
kompositorische Stimme einem weltweiten Publikum bekannt.
Polyphony wurde 1986 von Stephen Layton für ein Konzert in der King’s College Chapel in Cambridge
gegründet. Seitdem hat der Chor regelmäßig Konzerte gegeben und Aufnahmen gemacht, die von Kritikern
in der ganzen Welt gelobt wurden

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und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
„Absolut herausragend“, „ein wildes neues Talent“ und „elektrisierend“ sind nur einige der Superlative, mit
denen Andrey Gugnins Hyperion-Debütalbum mit Schostakowitschs Präludien und Klaviersonaten bei seiner
Veröffentlichung 2019 überhäuft wurde. Gugnin war der Gewinner des Internationalen Klavierwettbewerbs
von Sydney 2016, „von dessen Klavierspiel man einfach nicht genug bekommen kann“ (Gramophone).
Der in Moskau geborene Konzertpianist Andrey Gugnin erlangt schnell internationale Anerkennung als
leidenschaftlicher Virtuose, der über eine „außerordentlich vielseitige und agile Technik verfügt, die einer oft
inspirierten musikalischen Fantasie dient“ (Gramophone). Als gefragter Konzertsolist wurde Andrey Gugnin
zu Gastauftritten mit namhaften Orchestern auf der ganzen Welt eingeladen: dem London Philharmonic
Orchestra, dem Danish National Symphony Orchestra und dem Mariinsky Theatre Orchestra, um nur einige
zu nennen.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Für seine 2011 erschienene Aufnahme der Klavierkonzerte von Grieg und Liszt reiste Sir Stephen Hough
in Griegs Heimatstadt Bergen, um mit Andrew Litton und dem Bergen Philharmonic Orchestra zusammenzuarbeiten. Bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung nannte die Sunday Times Houghs Album „eine
der wichtigsten Veröffentlichungen zum Liszt-Jubiläum, von Großbritanniens größtem lebenden Magier der
Klaviatur“.
Sir Stephen Hough, der von The Economist als einer der zwanzig lebenden Universalgelehrten bezeichnet
wurde, verbindet die herausragende Karriere eines Konzertpianisten mit der eines Komponisten und Schriftstellers. In Anerkennung seines Beitrags zum kulturellen Leben wurde er als erster klassischer Künstler mit
einem MacArthur Fellowship ausgezeichnet und erhielt 2022 im Rahmen der Queen’s Birthday Honours
den Ritterschlag für seine Verdienste um die Musik.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
2025 feiert das Nash Ensemble sein 60-jähriges Bestehen, und Hyperion begeht diesen Anlass mit einem
Programm aus Debussys Sonaten & Prélude à l’après-midi d’un faune. Das Originalalbum stand Anfang
des Jahres auf Platz 1 der britischen Specialist Charts, und die Times schrieb: ”Sechzig Jahre haben uns
gezeigt, dass mit den Musikern des Nash Ensembles, ganz gleich, welches Repertoire sie spielen, eigentlich
nie etwas schiefgehen kann.
Das Nash Ensemble, residierendes Kammerensemble in der Londoner Wigmore Hall, gilt als Vorreiter
des britischen Musiklebens und wurde von The Independent als „unvergleichliche Kammermusikgruppe“
bezeichnet. Das Nash Ensemble hat sich einen bemerkenswerten Ruf als eines der besten Ensembles
Großbritanniens erarbeitet und sich dank des Engagements seiner Gründerin und künstlerischen Leiterin
Amelia Freedman und des Kalibers seiner Spieler einen ähnlichen Ruf in der ganzen Welt erworben.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Alina Ibragimovas Aufnahme der Solo-Violinkonzerte von Bach mit Jonathan Cohen und Arcangelo wurde
bei ihrer CD-Veröffentlichung von der Kritik durchweg gelobt. Gramophone begrüßte sie als „eine herausragende und unverwechselbare Ergänzung zu einem Katalog, der aus allen Nähten platzt“, und Classic FM
lobte Ibragimova für ihr „Spiel auf höchstem Niveau“.
Als Interpretin von Barockmusik bis hin zu neuen Kompositionen auf modernen und historischen Instrumenten hat sich Alina Ibragimova einen Ruf für ihre Vielseitigkeit und die „Unmittelbarkeit und Ehrlichkeit“
(The Guardian) ihrer Darbietungen geschaffen. Alina Ibragimova ist unter anderem mit Orchestern wie
dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem London Philharmonic sowie den Dirigenten
Sir John Eliot Gardner und Jakub Hrůša aufgetreten.

Roland Van Campenhout is for sure one of the most unique Belgian artists. Active since the 60’s of the past century Roland built up an extensive and eclectic discography. More than 20 albums on which folk, blues, rock, world music, movie- and theatre soundtracks … all celebrate together, creating a new musical dimension defining the true free musical spirit Roland really is. He received multiple Awards, toured the world with Rory Gallagher and played with Tim Hardin, Leo Kottke, Ian Anderson and the entire Belgian scene.

Roland Van Campenhout is certainly one of the most unique Belgian artists. Active since the 1960s, Roland has built an extensive and eclectic discography. With more than 20 albums featuring folk, blues, rock, world music, movie and theatre soundtracks — all blending together to create a new musical dimension that defines his true free musical spirit. He has received multiple awards, toured the world with Rory Gallagher, and performed with Tim Hardin, Leo Kottke, Ian Anderson, and the entire Belgian scene.

Born in Antwerp in 1939, Ferre became a true icon in the sixties, adored by youngsters and hippies and hated by the establishment. His successful debut album in 1966, which featured the hits “Ring Ring, I’ve Got to Sing,” “Crucified Jesus,” and “Drunken Sailor,” brought him an international breakthrough with concerts in Paris, London, and Hamburg, leading to a contract with the famous French Barclay label. The next three albums did not equal the initial commercial success — a pressure the music business was happy to put on his shoulders. Still, these three albums, reissued in their original packaging and artwork on vinyl for the very first time, are loaded with hidden gems, combining folk, blues, and psychedelics in Ferre’s original songs.

Grignard sadly succumbed to throat cancer in 1982 at the early age of 43.

Born in Antwerp in 1939, Ferre became a true icon in the sixties, adored by youngsters and hippies and hated by the establishment. His successful debut album in 1966, which featured the hits “Ring Ring, I’ve Got to Sing,” “Crucified Jesus,” and “Drunken Sailor,” brought him an international breakthrough with concerts in Paris, London, and Hamburg, and led to a contract with the famous French Barclay label. The next three albums did not match the initial commercial success — a pressure the music business was happy to put on his shoulders. Still, these three albums, reissued in their original packaging and artwork on vinyl for the very first time, are loaded with hidden gems, combining folk, blues, and psychedelics in Ferre’s original songs.

Born in Antwerp in 1939, Ferre became a true icon in the sixties, adored by youngsters and hippies and hated by the establishment. His successful debut album in 1966, which featured the hits “Ring Ring, I’ve Got to Sing,” “Crucified Jesus,” and “Drunken Sailor,” brought him an international breakthrough with concerts in Paris, London, and Hamburg, and led to a contract with the famous French Barclay label. The next three albums did not equal the initial commercial success — a pressure the music business was happy to put on his shoulders. Still, these three albums, reissued in their original packaging and artwork on vinyl for the very first time, are loaded with hidden gems, combining folk, blues, and psychedelics in Ferre’s original songs.

Grignard sadly succumbed to throat cancer in 1982 at the early age of 43.