Cerca:abe

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Als im Sommer 2008 Philipp Poisels erste Single "Wo Fängt Dein Himmel An" erschien, der das gleichnamige Debütalbum im Herbst folgen sollte, wusste man zwar, wo 'sein' Himmel anfängt, aber kaum einer konnte ahnen, bis wohin sich dieser erstrecken würde. Heute zählt Philipp Poisel zur ersten Liga der neuen deutschen Pop-Poeten mit zahlreichen Gold- und Platinauszeichnungen. Sein Name steht für Qualität, Authenzität und eine umwerfende Poesie, oder wie es Rea Garvey ausdrückt: "Philipp Poisels Lieder sind eine Waffe." Neuauflage der Debüt-LP im Doppel-Gatefold.

2024 Repress

180 Gram, Tip On Sleeve RSD version of this classic. One of the rarer records of the mythical Strata East albums is finally reissued for the first time on Heavenly Sweetness!
The recording of Earth Blossom, the John Betsch Societys one and only album, seems something of an enigma nowadays. For even though Nashville is clearly one of the towns in the US with the highest number of recording studios, who would have thought that the capital of country music would give birth to one of the forgotten masterpieces of 1970s spiritual jazz. The path leading to the album starts in 1963 when John Betsch, originally from Jacksonville in Florida, arrives in Nashville to study at Frisk University. He is a young drummer and joins Bob Holmes trio. Holmes is one of the towns major jazz organists and pianists; he becomes Betschs mentor and, over the space of two years, John will play alternately with him and with the trumpeter Louis Smiths group. However, in 1965, John leaves town to go to the prestigious Berkeley University in Boston and do a two-year course along with his fellow debutants with names like John Abercrombie, Ernie Watts and Alan Broadbent. Two years later, he is invited by a pianist friend, Billy Chilf, to join the legendary singer/songwriter Tim Hardins group. Just after Woodstock, John Betsch and Tim record a psychedelic album Columbia will never release together with the members of the future group Oregon: Colin Walcott, Glen Moore, Paul McCandles and his friend Billy Chilf. But he soon leaves this group to return to Nashville where he hooks up again with his friend Bob Holmes. Two years later, he is accepted on Archie Shepp and Max Roachs famous course at the University of Massachusetts Amherst (UMASS) and for the next four years he participates in this collective of intellectuals and musicians under the aegis of the two masters.
During this period he returns to Nashville to form his Society whose music is obviously influenced by the Afrocentric ideas of the UMASS student and political movement. However, the album, recorded in one day and in one take, also bears the hallmark of their generations psychedelic experiences, and in the themes and playing of the musicians we can hear a less violent form of music than the radical free jazz of New York or Chicago. Nature and environmental themes are the inspiration behind tracks touched by the spirit of Coltrane but also of Flower Power.

After Amherst, John Betsch joins Marion Browns group in 1976, leaves Tennessee for good and makes his home in New York over the next ten years or so. He plays and records with Dollar Brand, Kalaparusha Maurice McIntyre and many others, before heading off to France. He has lived in Paris for the last twenty years and played in Steve Lacy, Mal Waldron and Archie Shepp bands, as well as forming groups of his own. He now lives in Paris and plays with many musicians/bands.

1982 erschien in Eigenregie die LP „Revival“ von Winterhawk.
Der ausufernde Hardrock mit Heavy Metal-Tendenzen und
vielen zweistimmigen Gitarrensoli fand einst nur im Raum
Chicago Verbreitung, doch irgendwann wurden Sammler auf
die Platte aufmerksam. Das rief 1998 das Label Monster
Records auf den Plan, die sich zeitweise auf amerikanischen
Hardrock und Heavy Metal zwischen Ende der Siebziger und
Anfang der Achtziger spezialisert haben. Recht schnell waren
Winterhawk in der Szene ein Name.

Die Sensation war aber erst perfekt, als sich die Möglichkeit
ergab, eine frühe Liveaufnahme von 1978 zu überarbeiten
und ebenso auf CD zu veröffentlichen. Mit bestechender
Klangqualität legt „There And Back Again“ sogar noch
eine Schippe drauf. Die Spielfreude ist nicht mit Worten
zu beschreiben und allein die zweistimmigen Gitarrensoli
müssten einen Grammy gewinnen. Dabei erinnert man immer
wieder an die Frühphase von Rush („Rusch“, „Fly By Night“),
während man

Endlich ist es soweit: Schwedens Electro/ Synth-Pop-Sternchen Ashbury Heights melden sich zurück mit ihrem neuen Album “Ghost House Sessions - Vol. 1”. Bekannt für Anders Hagström’s einzigartige Stimme, einen unverkennbaren Musikstil und ihre mitreißenden Live Shows, liefern Ashbury Heights nun einen brandneuen Longplayer mit 23 neuen, wunderbar eingängigen und tanzbaren Songs mit Ohrwurmgarantie. “Ghost House Sessions - Vol. 1” ist ein außergewöhnliches Produkt aus langer, intensiver Arbeit und einer aufregenden sowie anstrengenden Zeit der Band: “Das vergangene Jahr war unglaublich inspirierend. Es gab großartige Höhen, aber auch unschöne Tiefen. Diese Achterbahn der Gefühle nimmt nun Gestalt in Form neuer Musik an”. In ihren nun schon fast 20 Jahren, haben Ashbury Heights nie aufgehört, ihren Sound aus New Wave, Electro, Synth Pop und Industrial weiterzuentwickeln und zu perfektionieren und beschenken uns wieder einmal mit einzigartigen Meisterwerken, die wirklich alle Füße und Hüften schwingen werden lassen.

Mit ihrem neuen Album Megafauna in Sichtweite und seit fast 20 Jahren dabei, haben die irischen Experimentierfreaks And So I Watch You From immer wieder neue Ideen aufgenommen und die Grenzen ihrer komplizierten und ekstatischen gitarrenbasierten Posteverything-Kompositionen erweitert. Aber nichts in ihrem Repertoire kommt an den Ehrgeiz und das Ausmaß ihres 2022 entstandenen multimedialen Langform-Ensembleprojekts Jettison heran. Jettison wurde von Rory Friers, dem Gitarristen von And So I Watch You From Afar, konzipiert und von der Band, dem Orchestrator Connor O'Boyle, dem Arco String Quartet und dem bildenden Künstler Sam Wiehl zum Leben erweckt. Jettison ist eine Verschmelzung von ASIWYFAs lebensbejahender musikalischer Akrobatik, der mitreißenden Größe von Filmmusik und den surrealen und erhabenen Möglichkeiten von bewegten Bildern. Die Bühne für Jettison wird mit den friedlichen Klavierakkorden und den orchestralen Klängen von ,Dive Pt1" eröffnet, bevor es mit ,Dive Pt2" richtig losgeht, wo Friers und Kennedy von ihren Landsleuten Chris Wee am Schlagzeug und Johnny Adger am Bass unterstützt werden. Von da an durchläuft die 40-minütige, neunteilige Reise von Jettison die verschiedenen Schattierungen der euphorischen Instrumentalstücke von ASIWYFA, die von der ätherischen Eleganz des Arco String Quartet durchdrungen sind. Kurze Schnipsel kryptischer Dialoge von Emma Ruth Rundle und Neil Fallon sind über das ganze Album verstreut und weisen dem Hörer den Weg wie Wegweiser, die eine größere Geschichte andeuten und das Erlebnis weiter färben, während sie der Komposition insgesamt ein Gefühl des Geheimnisses verleihen. Ob es die Stakkato-Gitarren und Pedalboard-Manipulationen von ,Lung", der dubbige Bass und die spärlichen Folk-Melodien von ,In Air", der hymnische Geist von ,Emerge" oder die perfekte Symbiose aus klassischem ASIWYFA-Elektrojubel und der zarten Anmut des Arco String Quartetts sind, die verschiedenen Kapitel von Jettison bewahren den Geist und die Klangfarbe von ASIWYFA, während sie die Möglichkeiten ihres Sounds erweitern und die Sinne durch zusätzliche Instrumentierung übersättigen.Jettison ist auf keinen Fall ein gewöhnliches ASIWYFA-Album. Vielmehr handelt es sich um eine sehr bewusste Abkehr und nicht um einen evolutionären Schritt hin zu einem immer komplexeren und konzeptionelleren Werk. Die ehemals nur begrenzt verfügbare Veröffentlichung wird nun neu aufgelegt!

Als BRAINDANCE Anfang der 90er auf "Helen of Oi!"-Records nach ihrer Debut EP "Streets of Violence" ihr erstes Album "At full Volume" veröffentlichten, katapultierte sich die Band um Sänger Sloss mit einem Knall in die britische Oi! & Punk-Szene. Spätestens mit ihrer Split-LP zusammen mit OXYMORON und Veröffentlichungen auf "Knockout" & "We Bite" gehörten die Norwicher auch in Deutschland zu den angesagtesten Bands der 90er bis zu ihrer Auflösung 10 Jahre später! 2015 reaktivierte Sloss (der mit "ON THE HUH" ein weiteres Ass im Ärmel hat) die Band wieder mit neuen Mitstreitern. "This world is a fuckin ASYLUM" and the BRAINDANCE-story continues_ die Working Class-Underdogs rebellieren und rüpeln auch im Alter noch mit fetter Mittelfinger-Attitüde und süffisanten Hieben gegen das Establishment; der Sound weiterhin im perfektem 90er Style zwischen catchy Streetpunk & rauh-melodiösem Oi. Die 15 neuen Songs klingen teilweise eine Nuance härter aber eingängig-mitreißend wie eh und je. "Do it all again"_ja bitte, wenn es so klingt!

Als BRAINDANCE Anfang der 90er auf "Helen of Oi!"-Records nach ihrer Debut EP "Streets of Violence" ihr erstes Album "At full Volume" veröffentlichten, katapultierte sich die Band um Sänger Sloss mit einem Knall in die britische Oi! & Punk-Szene. Spätestens mit ihrer Split-LP zusammen mit OXYMORON und Veröffentlichungen auf "Knockout" & "We Bite" gehörten die Norwicher auch in Deutschland zu den angesagtesten Bands der 90er bis zu ihrer Auflösung 10 Jahre später! 2015 reaktivierte Sloss (der mit "ON THE HUH" ein weiteres Ass im Ärmel hat) die Band wieder mit neuen Mitstreitern. "This world is a fuckin ASYLUM" and the BRAINDANCE-story continues_ die Working Class-Underdogs rebellieren und rüpeln auch im Alter noch mit fetter Mittelfinger-Attitüde und süffisanten Hieben gegen das Establishment; der Sound weiterhin im perfektem 90er Style zwischen catchy Streetpunk & rauh-melodiösem Oi. Die 15 neuen Songs klingen teilweise eine Nuance härter aber eingängig-mitreißend wie eh und je. "Do it all again"_ja bitte, wenn es so klingt!

Mit ihrem neuen Album Megafauna in Sichtweite und seit fast 20 Jahren dabei, haben die irischen Experimentierfreaks And So I Watch You From immer wieder neue Ideen aufgenommen und die Grenzen ihrer komplizierten und ekstatischen gitarrenbasierten Posteverything-Kompositionen erweitert. Aber nichts in ihrem Repertoire kommt an den Ehrgeiz und das Ausmaß ihres 2022 entstandenen multimedialen Langform-Ensembleprojekts Jettison heran. Jettison wurde von Rory Friers, dem Gitarristen von And So I Watch You From Afar, konzipiert und von der Band, dem Orchestrator Connor O'Boyle, dem Arco String Quartet und dem bildenden Künstler Sam Wiehl zum Leben erweckt. Jettison ist eine Verschmelzung von ASIWYFAs lebensbejahender musikalischer Akrobatik, der mitreißenden Größe von Filmmusik und den surrealen und erhabenen Möglichkeiten von bewegten Bildern. Die Bühne für Jettison wird mit den friedlichen Klavierakkorden und den orchestralen Klängen von ,Dive Pt1" eröffnet, bevor es mit ,Dive Pt2" richtig losgeht, wo Friers und Kennedy von ihren Landsleuten Chris Wee am Schlagzeug und Johnny Adger am Bass unterstützt werden. Von da an durchläuft die 40-minütige, neunteilige Reise von Jettison die verschiedenen Schattierungen der euphorischen Instrumentalstücke von ASIWYFA, die von der ätherischen Eleganz des Arco String Quartet durchdrungen sind. Kurze Schnipsel kryptischer Dialoge von Emma Ruth Rundle und Neil Fallon sind über das ganze Album verstreut und weisen dem Hörer den Weg wie Wegweiser, die eine größere Geschichte andeuten und das Erlebnis weiter färben, während sie der Komposition insgesamt ein Gefühl des Geheimnisses verleihen. Ob es die Stakkato-Gitarren und Pedalboard-Manipulationen von ,Lung", der dubbige Bass und die spärlichen Folk-Melodien von ,In Air", der hymnische Geist von ,Emerge" oder die perfekte Symbiose aus klassischem ASIWYFA-Elektrojubel und der zarten Anmut des Arco String Quartetts sind, die verschiedenen Kapitel von Jettison bewahren den Geist und die Klangfarbe von ASIWYFA, während sie die Möglichkeiten ihres Sounds erweitern und die Sinne durch zusätzliche Instrumentierung übersättigen.Jettison ist auf keinen Fall ein gewöhnliches ASIWYFA-Album. Vielmehr handelt es sich um eine sehr bewusste Abkehr und nicht um einen evolutionären Schritt hin zu einem immer komplexeren und konzeptionelleren Werk. Die ehemals nur begrenzt verfügbare Veröffentlichung wird nun neu aufgelegt!

Omega, die erfolgreichste ungarische ProgRock Band, veröffentlichte sein bestes Material in den 70er Jahren, und "Time Robber" gilt als der musikalische Höhepunkt in der Omega-Diskographie. Kernstück der LP ist der Titelsong, flankiert von "House Of Cards Part I & II". Das fast 13-minütige Werk bündelte exakt, was Omega 1976 ausmachte: Progressiver Space Rock versetzt mit Hard-Rock-Elementen. Nach vier Studio-Alben und einer Compilation waren die ungarischen Top-Stars Omega im Westen immer noch nur ein Geheimtipp. Eine steigende Tendenz bei den Absatzzahlen war aber zu erkennen, selbst wenn die Verkäufe längst nicht durch die Decke gingen. Darüber hinaus hatte sich die Band entwickelt, war live und in ihrem Erscheinungsbild professioneller geworden. Die Bacillus/Bellaphon-Verantwortlichen wollten Omega demnach auf jeden Fall behalten und verlängerten 1976 den Vertrag mit dem Quintett bis 1980. Und dieses zog mit Peter Hauke in die Offenbacher Europasound-Studios und spielte dort "Time Robber" ein. Die LP wurde im Westen Omegas Durchbruch. Bis heute soll sich das Album an die zwei Millionen Mal verkauft haben. Und dieser Erfolg kam nicht von ungefähr, lieferten die Ungarn doch erstmals ein komplexes, in sich geschlossenes Werk ab.

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album „Through and Through“ kehrt Baby Rose mit „Slow Burn“ zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu „Slow Burn“. Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen." Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir “One Last Dance“ hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf „Slow Burn“ wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe und imaginäre Dialoge zu schaffen, die man sonst vielleicht nicht zu hören wagt. Diese Momente haben etwas Verträumtes, und sie schwelen auf Slow Burn: Erinnerungen verlieren ihre Realität, Gefühle ersetzen Geschehnisse. Der Titeltrack zum Beispiel setzt sanfte, schlendernde Drums gegen Roses lyrische Wiederholungen, während sie diesen Erinnerungen - manche leben, manche fühlen - mit geduldigem, beharrlichem Verlangen nachspürt. Das herausragende "One Last Dance" kommt als Liebeslied getarnt daher, ist aber eigentlich eine Ode an eine verlorene Freundschaft und ein imaginärer Traum von einem weiteren Tag wie in alten Zeiten. Die Realität verschwimmt wieder mit dem Gefühl, der Gesang geht in ein Wiegenlied über, und BADBADNOTGOODs Bassist Chester Hansen bringt diese traumhafte Qualität in einen schleichenden, vorsichtigen, aber liebevollen Unterton. Tatsächlich haben die meisten Songs auf „Slow Burn“ dieses schleichende, schattenhafte Gefühl, als würden sie auf Zehenspitzen daherkommen: intim, aber ein wenig gefährlich, zärtlich, aber ein wenig geheimnisvoll. So vollständig und überzeugend dieses Werk auch ist, Slow Burn weist auf einen größeren, höheren Aufstieg in Baby Roses Zukunft hin.

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Das ist schon ein historischer Moment: Exile On Mainstream bringt erstmalig eine Wiederveröffentlichung einer Platte, die seit Jahren restlos ausverkauft ist und am 25. April 2008 nur auf CD erschien. Erstmalig auf Vinyl, remastered: Heavy Zooo von BEEHOOVER. Die Band schreibt dazu: "Endlich! Oft gewünscht, drüber nachgedacht und wieder verworfen. Aber jetzt, endlich, kann mit Hilfe unseres Lieblingslabels Heavy Zooo so kommen, wie wir uns das die letzten 15 Jahre gewünscht haben: auf Vinyl!" Ist es Metal? Ist es Stoner Rock? Ist es Jazz oder gar Avantgarde? Weißt du was? Vergiss doch einfach mal die ganzen Schubladen in deinem Kopf und beantworte folgende Frage: Wann hat das letzte Mal jemand versucht, die Melvins zu klassifizieren? Oder Primus? Siehst du! Ladies & Gentlemen - der Heavy Zooo öffnet seine Tore! Treten sie ein und bestaunen sie eine Sammlung der unglaublichsten Geschöpfe dieses Planeten. Schimären aus Groove und Intelligenz. Sounds, so vertraut und doch so neu. Nichts hier ist eindimensional. Nur mit Bass und Drums schaffen Beehoover die Quadratur des Kreises - verrückte Arrangements mit Arsch, die dir das Tanzbein zucken lassen, dich aber trotzdem große Augen machen lassen. Damit sind die Eckpfeiler gemauert, zwischen denen sich die Sounds einer der wohl außergewöhnlichsten deutschen Bands dieser Tage spannen. Eine Kategorisierung erscheint unmöglich, wenn auch Beehoover Einflüsse aus traditionellen Stilen miteinander verweben. Im wahrsten Sinne des Wortes - das Ergebnis ist ein Teppich aus Bass und Drums, aus emotionalen Ausbrüchen und psychotischer Melancholie. Claus-Peter Hamisch (Drums) und Ingmar Peterson (Bass) versuchen dabei konsequent herkömmliche Strukturen zu vermeiden und neue Wege zu gehen, ohne jedoch den Song aus dem Auge zu verlieren. Ihre Herangehensweise ist avantgardistisch, das Ergebnis aber trotzdem melodisch. Ihre Auseinandersetzung mit Sounds ist intelligent und Kopf-betont. Das Resultat hingegen geht direkt in den Bauch - eine Wirkung, die heute nicht viele Bands erzielen können. Die Presse schrieb im April 2008: Dieses Duo ist ein echter Geheimtipp! ... ein echtes Original! ... Einfach nur großartig! (Eclipsed) Ein erneut bärenstarkes Album! (Rock Hard) Amtlicher Irrendoom, nur mit Ballerbass und Drums fabriziert. Ein herrlicher, fachmännisch fröhlicher Krach. Funktioniert eins a, absolut nicht zu klassifizieren.(Intro) ... die schwäbische Antwort auf die Melvins ... brachial-tighte Riffmaschine unter Dampf ... fette Prog-Schwarte, nie affektiert oder klugscheißend, sondern immer mitreißend komplex. (VISIONS) _ eine Mischung aus der Verrücktheit und technischen Brillianz von Primus, dem feinsinnigen Humor und der Vielseitigkeit der Melvins, der Heaviness und Brachialität von Neurosis und der Rhythmik von Kyuss (METAL HAMMER) Beehoover sind sie der lebende Beweis dafür, dass ein Bass, ein Schlagzeug und ein gepflegter Testosteronüberhang ausreichen, um die Musikgeschichte auf Lightning Bolt, Led Zeppelin, Melvins und Unsane einzudampfen und dein Trommelfell inklusive allem was dahinter liegt in die ewigen Jagdgründe zu schicken. (VICE) _ Es grenzt an ein Wunder ... Heavy Zooo steht als untrüglicher Beweis dafür, dass musikalischer Minimalismus tatsächlich maximale Brachialität und Wirkung erzielen kann (Legacy)

Borned In Ya zeigt Carpers langjährige musikalische Einflüsse ebenso wie ihre künstlerische Entwicklung und ihren Sinn für Abenteuer.

Neben ihrer bekannten Mischung aus Country mit Jazz, Blues, Soul und R&B setzt Carper auf dem neuen Album ihre subtile Mischung dieser Elemente fort und kreiert Songs, die die Genres kreuzen und an die "populären" Sounds einer anderen Ära erinnern. Von Refrains im Gospel-Stil über funkige Grooves, die an den klassischen R&B der 50er und 60er Jahre erinnern, bis hin zu Hillbilly-Jazz, Honky-Tonk und Country-Soul - Carper hat ein weiteres Meisterwerk geschaffen.
Melissa Carper wollte dem Old-School-Sound der 1940er- und 1950er-Jahre treu bleiben, den die Fans von ihren von der Kritik gefeierten Alben Daddy's Country Gold (2021) und Ramblin' Soul (2022) kennen und lieben, und gleichzeitig ihre einzigartige Mischung aus Blues, Soul, frühem Rock'n'Roll, Jazz, Western Swing und Country-Sounds einbringen.

„Drifts and Surfaces“ ist ein dreiteiliges Set, wobei jedes Werk aus Auftragsarbeiten hervorgeht und durch gemeinsame Themen vereint wird: der Fluss zwischen ephemerer Bewegung und alltäglichem Stillstand, das Paradoxon von außergewöhnlicher und alltäglicher Schönheit und der Ehrgeiz und Müßiggang, der das Leben im 21. Jahrhundert ausmacht Saxl nutzt weiterhin kammermusikalische Ensembles neben analogen Synthesizern und digitalen Experimenten und vertieft sich dabei in strukturelle Emotionen und die lebendigen Details kleiner Handlungen. Während ihre bahnbrechende LP „The Blue of Distance“ (2021) Feld-Aufnahmen aus den Adirondacks und dem Lake Superior verarbeitete, stammt Saxls Quellenmaterial hier vor allem aus Live-Percussion und anderen Instrumenten. Das Projekt begann 2018 im Brooklyner Stadtteil Red Hook in dem Proberaum, den sich Saxls Band mit dem Percussion-Trio Tigue teilt. Später im selben Jahr spielten sie gemeinsam eine Residency und nahmen das Stück auf. 2021 begann sie ein neues Auftragswerk mit Third Coast Percussion aus Chicago. Der Titel „Drifts“ bezieht sich auf den Roman von Kate Zambreno aus dem Jahr 2020, in dem die Protagonistin von der Arbeit von Chantal Ackerman fasziniert ist, die die typisch weiblichen, unsichtbaren Formen der häuslichen Arbeit als ebenso wertvoll darstellt wie Tätigkeiten, die gemeinhin als produktiv angesehen werden. Saxl stellt „Drifts“ im Geiste dieser feministischen These auf: „Es fühlt sich an, als gäbe es hier eine kleine Reihe von Frauen, die diese Idee erforschen und kleine Aktionen feiern, von denen ich hoffe, dass ich deren Arbeit fortsetze.“ Das letzte Stück, „Surfaces“, wurde vom Guggenheim Museum in Verbindung mit der Alex Katz-Retrospektive im Jahr 2022 in Auftrag gegeben. Die Gruppe - bestehend aus Henry Solomon am Baritonsaxophon, Robby Bowen am Glasmarimbaphon und Saxl - lehnt sich an leichte, nachdenkliche Töne an, die von der Gegenwartsbezogenheit des bahnbrechenden Malers inspiriert sind. Katz' Arbeit beschäftigt sich mit der optischen Wahrnehmung von „schnell vergehenden Dingen“, wie der Liminalität der Dämmerung, wenn die Umrisse eines Objekts beginnen, undeutlich zu werden. „Die Art und Weise, in der sich unsere Wahrnehmung der Dinge verändert, nicht weil sie sich verändern, sondern weil wir uns verändern“, erklärt Saxl. „Ich wollte, dass sich diese wirklich kleinen Veränderungen dramatisch anfühlen, um die imaginäre Bewegung in seinen Gemälden widerzuspiegeln.“ Tritt man zurück, um „Surfaces“ innerhalb des Sets zu betrachten, findet Saxl den Strom, der sich durch die gesamte Arbeit zieht, das Konzept des Selbst als Teil von etwas Größerem. „Katz‘ Darstellung mehrerer Generationen von New Yorker Künstlern hat mich dazu inspiriert, darüber nachzudenken, dass es kein individuelles ‘Ich' als Künstler gibt, ohne die Künstler, die vor mir kamen, und die Gemeinschaft der Künstler, mit denen ich zusammengewachsen bin. Die Grenzen zwischen uns verschwimmen, und ich habe das Gefühl, dass ich auf einer verwobenen Oberfläche getragen werde, die von der Gemeinschaft um mich herum gebildet wird. Gleichzeitig weiß ich aber auch, dass ich mich irgendwann nach innen wenden und allein hinausschwimmen muss.“

In Flames gehören zu den Urvätern des Götheborg Melodic Death Metals. Mit Alben wie Lunar Strain oder Colony hat sich die Band in den Metal Geschichtsbüchern verewigt. Aber auch die späteren Alben, auf dem In Flames einen deutlich größeren Groove Metal Einflusse an den Tag legen, sind Werke, die man im Regal stehen haben sollte. Ingesamt erscheinen 4 In Flames Alben im Juli 2024 als farbige LP Neuauflagen: Lunar Strain (1994), Colony (1999), Soundtrack to Your Escape (2004) und Siren Charms (2006)

In Flames gehören zu den Urvätern des Götheborg Melodic Death Metals. Mit Alben wie Lunar Strain oder Colony hat sich die Band in den Metal Geschichtsbüchern verewigt. Aber auch die späteren Alben, auf dem In Flames einen deutlich größeren Groove Metal Einflusse an den Tag legen, sind Werke, die man im Regal stehen haben sollte. Ingesamt erscheinen 4 In Flames Alben im Juli 2024 als farbige LP Neuauflagen: Lunar Strain (1994), Colony (1999), Soundtrack to Your Escape (2004) und Siren Charms (2006)

In Flames gehören zu den Urvätern des Götheborg Melodic Death Metals. Mit Alben wie Lunar Strain oder Colony hat sich die Band in den Metal Geschichtsbüchern verewigt. Aber auch die späteren Alben, auf dem In Flames einen deutlich größeren Groove Metal Einflusse an den Tag legen, sind Werke, die man im Regal stehen haben sollte. Ingesamt erscheinen 4 In Flames Alben im Juli 2024 als farbige LP Neuauflagen: Lunar Strain (1994), Colony (1999), Soundtrack to Your Escape (2004) und Siren Charms (2006)