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Berlin-based dance night and sound system SHUSH present their first musical offering: six soulful tracks that encapsulate the unique spirit of their functions and underlying community. Atlanta house ambassador Stefan Ringer lends his touch on deep vocal cut ‘Focus’, electronic jazz maestro Ziggy Zeitgeist serves up the late-night coaster ‘Yours To Make’ (feat. Jitwam), whilst SHUSH’s own D’Monk deals the dubbed-out damage of ‘Love Or Lust’, a raw house cut heavy on the 909s. Alongside them, producer Whodat offers a slapper in her own distinctive Detroit-style, AMA//MIZU comes with an introspective downbeat roller whilst Dweller presents one of his stunning orchestral works.
Spread across two sides of a 12”, these bold selections translate their feeling both on and off the dancefloor.

The Millennium Bell is the 20th record album by Mike Oldfield, originally released in 1999. The theme of the album is a reflection of different periods of human history. The album borrows its name from the dawning of the 3rd millennium and Oldfield's Tubular Bells series of albums. The Millennium performance of the latter half of the album plus some older tracks was given in Berlin, Germany on New Year's Eve
1999, with an estimated audience of 500,000 people.


Oldfield recorded the majority of the album at his home studio, Roughwood Studios, Berkshire, and then recorded the orchestrations in just one day at Abbey Road Studios, London with the London Session Orchestra.

It was Oldfield's third album within one year, after Tubular
Bells III in late 1998 and Guitars (MOVLP1694) earlier in
1999. The album is eclectic in style, ranging from majestic choruses and soundtrack-esque orchestral passages through New Age sonic textures and ethnic sounds to strong pulse of electronic percussion.

Marionette presents 'dessus oben alto up', the first collaborative recording by Andrea Belfi and Jules Reidy. Hailing from different ends of the globe (Australia and Italy) but both longtime residents of Berlin, Reidy and Belfi’s approaches have much in common, bringing together compositional precision and electroacoustic rigour with improvisation freedom, the immediate gratifications of rhythmic pulse, and an overtly lyrical sensibility. Working together during a residency at the sound studio of Berlin’s Callie’s, an arts institution housed in a 19th century machine factory, the pair (with Marco Anulli manning the desk) have conjured up four expansive pieces where the beautifully recorded percussive clarity of Belfi’s drums threads through a sparkling haze of guitars and electronics.

Opener ‘dessus’ begins with Reidy’s distinctive just-intoned guitar figures, shimmering over a delicate substratum of Befli’s brushwork and bass drum accents. As in all of Reidy’s recent work, the guitar is twisted out of cliché by the unfamiliar tuning and electronic processing. Hanging almost inaudibly in the background for much of the piece, a rush of synthetic tones surges into the foreground to end it. ‘oben’ is built from kinetic patterns of picked guitar arpeggios, locking into irregular grooves with Belfi’s drums, which move from elegant rolls and cymbal patter to driving closed hi-hats and explosive rock interjections. Around the traditional instruments and across the stereo field, electronic sounds swarm and swirl, fizzing and popping in a sun-drenched soundscape that at points suggests both vintage analogue synth destruction and glitching harmonies. ‘alto’ begins in similar territory but turned up a notch, eventually settling into a propulsive 6/8 groove of shifting drum accents, manically strummed 12 string acoustic, and burbling synth chords.

The B side is dedicated to the fifteen-minute ‘up’, where the strategies adopted on the other pieces are put in the service of a more relaxed, slowly unfolding epic. Anchored by a steady pulse throughout, the piece combines chiming guitars, dubbed-out bass lines and constantly adjusted percussive details into a complex flux of sound. Change is at once so subtle and so ever-present that, at any given moment, the listener can never be entirely sure quite how they got there.

Peggy Gou’s Gudu Records is proud to present the label’s first ever album, from someone who’s been part of the family since the start: Brain de Palma.

Born in Ukraine, settling as a child in Turin and spending three years in Egypt before settling in his current home of Berlin, Alexei Versino has one hell of a story.

Musically, he’s been around for a decade now, releasing his previous music (solo as Panama Keys, and also as one half of the duo Stump Valley) on labels like Dekmantel, Soul Clap and Off Minor, before settling on Gudu with his Brain de Palma alias. But personally, his relationship to music goes much deeper: as a young child growing up in the former Soviet Union, a lot of European music was banned, so he relied on his well-travelled uncle to bring him back smuggled cassettes of Italo Disco, Depeche Mode, Kraftwerk, Erasure and early DJ mixes – getting an illicit musical education behind closed doors as a child.

He still carries that underground mindset to this day: the press release for his last Gudu EP, Purple Brain, reads: “dedicated to all the ravers, DJs, aficionados who had to go through the lockdowns … a shout out to people who keep on fighting for the underground culture!”. The perfect candidate for Gudu’s first album, then.

Comprising eleven tracks made across the past year, Versino describes Rhythmption as “my redemption through rhythm”, and a tribute to “seeing people enjoying themselves on the dancefloor, that feeling of unity where people become one thing, regardless of their life path or social status.” Opening with the gorgeous ‘Thandolwami’ (featuring South African vocalist Sfiso Atomza), Rhythmption charts a path through sun-drenched Balearic house, stuttering drum work-outs, Italo-inspired synth romps, trancey house and even a touching tribute to his former home of Egypt, taking in every aspect of Versino’s journey to date. After all, it’s not all about the destination, it’s also the sights you see along the way.

Dennis Bovells produktive und vielseitige Karriere umfasst ein riesiges Spektrum an Musik: von Dub Poetry über Lovers Rock und Post-Punk bis hin zu Disco, Pop und mehr. Seine Produktionsarbeit umfasst so unterschiedliche Persönlichkeiten wie The Slits, I Roy, Maximum Joy, Fela Kuti, The Pop Group, Janet Kay, Saada Bonaire, Orange Juice, Golden Teacher, Steel Pulse und mehr.

Diese Zusammenstellung konzentriert sich auf die Zeit während und unmittelbar nach Bovells Engagement beim Jah Sufferer Sound System und gräbt tief, um deepe Cuts und weniger bekannte Versions zu finden, hauptsächlich aus den Jahren 1976-1980, samt eines umwerfenden und weniger bekannten Dub des ikonischen Tracks "Silly Games". Sorgfältig restauriert und remastered bei Dubplates & Mastering in Berlin, sodass diese Jahrzehnte alten Tracks makellos und dynamisch klingen und so angeordnet sind, dass sie den Hörer auf eine Reise durch Bovells Produktions- und Arrangement-Genie mitnehmen.

Die beiliegenden Sleevenotes sind das Ergebnis eines langen Gesprächs mit Dennis über diese Zeit seines Lebens, mit Erinnerungen an jeden einzelnen Track und faszinierenden biografischen Anmerkungen. Die Vinyl- und CD-Versionen weisen unterschiedliche Cover auf, wobei jedes Format ein einzigartiges Foto von Syd Shelton verwendet.

Vom Wall Street Journal als "eine der faszinierendsten Sängerinnen der modernen Musik" beschrieben, hat die in New York geborene und in Tamil Nadu aufgewachsene Sängerin und Multi-Instrumentalistin GANAVYA Details zu ihrem neuen Album "Daughter of a Temple" veröffentlicht, das am 15. November 2024 erscheinen soll. Das Album folgt auf ihren Auftritt bei SAULTs umjubeltem Live-Debüt 2023 in London, bei dem, laut The Guardian, ihre "Stimme eine zarte emotionale Kraft hatte, die selbst Stoiker zu weinenden Wracks machen konnte." Für "Daughter of a Temple" lud ganavya über 30 Künstler*innen verschiedener Disziplinen zu einer rituellen Zusammenkunft nach Houston ein. Dementsprechend sind auf dem entstandenen Album zahlreiche Mitwirkende zu hören, darunter renommierte Musiker*innen wie esperanza spalding, Vijay Iyer, Shabaka Hutchings, Immanuel Wilkins und Peter Sellars. Die Ergebnisse, eine innovative und zutiefst bewegende Mischung aus spirituellem Jazz und südasiatischer geistlicher Musik, wurden zunächst von Ryan Renteria aufgenommen und dann 2024 von Nils Frahm im LEITER Studio in Berlin weiter bearbeitet und abgemischt. ganavya ist die Autorin und Sängerin des ersten tamilischen Textes, der mit einem Latin Grammy ausgezeichnet wurde, sie war Sängerin in Vijay Iyers Ritual Quartet und Solosängerin auf dem von Quincy Jones produzierten "Tocororo", das Platz 1 der Jazz-Charts erreichte. Ihr letztes Album, "like the sky I"ve been too quiet", hat sie mit Shabaka Hutchings aufgenommen und versammelt Gäste wie Floating Points, Tom Herbert, Carlos Niño und Leafcutter John.

lim. to 200 180Gr Vinyl!

Schnieke is rich and fruitful, yet carries a sadness within. A 5-string violin charts its melodious journey from Istanbul to Belin, accompanied by electronics, breakbeats, live drums and percussions. An authentic oriental funky mood keeps you in a trance or gets your body moving tribally…

This is Schnieke, a.k.a. Özgür Akgül, with his first studio album Hediye, or Gift. The album is intended as a gift to Özgür's grandmother, Hadiye, who was very important to him and to whom he dedicates a song. But his debut album will also come as a gift to anyone interested in how a sophisticated musical sensibility brings together electronic elements with stringed instruments of all kinds. Özgür plays the violins himself, as well as the analogue synths and drum machines. Guest musicians include Hasan Gözetlik (trumpet and trombone), Göksun Çavdar (saxophone), Korhan Erol (electric guitar and bass), Burhan Hasdemir and Baris Güney (live percussion), Zafer Tunç Resuloglu (live drums), John Gürtler (church organ) and the Istanbul Strings, Turkey’s most vibrant string ensemble.

Their diverse influences create a wide emotional range on Hediye - sometimes dark and melancholic, sometimes wild, groovy and danceable, somewhere between jazz, dub and electro, each song surprising in its own way. Despite the variety of the individual songs, a captivating pulse runs like a thread through Schnieke's first album. Incidentally, Özgür came up with the band name during a night out in a bar, when a friend explained to him what Berlin slang he absolutely had to know. He liked the sound of the word ‘schnieke’ – it means something approximating ‘snazzy’ - and perhaps he secretly also wanted to flatter himself a little! Well, shouldn't we all do that much more often?

Hediye consists of eight tracks, three of which are traditional: Aman Doktor comes from Istanbul, Özgür's birthplace, and is a homage to his own origins. Kadioglu comes from the Aegean region and features the zeybek dance form which, despite its ‘standardisation’ in recent times, still summons up the ecstasy, inspired improvisation and musical finesse of its historical roots. The other five tracks are Özgür's own compositions, with Pasali providing the soundtrack for the 2010 Turkish feature film Memleket Meselesi. Creating compositions for film has been Özgür’s primary passion since his time as a student at the Filmakademie Baden-Württemberg. You can hear that in his music, because on his debut album Özgür does completely without vocal support, the instrumental depth stands for itself, and, in the style of The Cinematic Orchestra, space is created for us to develop our own images while listening – it is a soundtrack for the film we want to make of it.

Reissue des sechsten Toxpackers, original aus 2011, endlich wieder auf Vinyl! 2011 veröffentlichten TOXPACK zum 10 jährigen Bandjubiläum ihr Album "Bastarde von Morgen" und danach war nichts mehr wie zuvor für die Berliner: Das Album war Start- und Sprungbrett für den rasanten Erfolg der Band, die seitdem in den vordersten Rängen der Charts mit ihren Veröffentlichungen vertreten sind. Und Fans sind sich einig: "Bastarde von Morgen" ist ein Meilenstein gewesen und ihr wohl bestes Album! Ihr packender Trademark-Sound aus Punk, Hardcore, Rock`n`Roll und einem Hauch Metal, von der Band gerne als East Berlin Street Core (E.B.S.C.) umschrieben, entwickelte sich von Album zu Album weiter und hat ihnen eine zahlreiche und stetig wachsende Fangemeinde beschert. 13 mitreißende Songs, die sofort ins Ohr gehen - und in Refrains gipfeln, die durch die Bank stadiontauglich sind. Textlich schleichen sich Tiefgang und Reife in den als beherzt zupackend bekannten Themenkreis der Band ein. Die bewährte Tradition, befreundete Musiker als Gastsänger ins Studio zu holen, wird mit Roi Pearce von The Last Resort (Heute So, Morgen So) und Paul Shearer von Sheer Terror (E.B.S.C.) fortgesetzt. "Bastarde Von Morgen" wurde von Studiolegende Harris Johns (im House Of Music / Stuttgart und Musiclab / Berlin) produziert, aufgenommen gemischt und gemastert. Unterm Strich steht ein Monolith von einem Album, das von der Punk- über die Streetcore-Fraktion bis hin zu Metal- und Hardcore-Fans und den Freunden harten deutschsprachigen Rocks alle prompt dort abholt, wo sie gerade stehen. Und das ganz ohne einen einzigen Funken Beliebigkeit. Ein sicherer Streetpunk-Klassiker! Seit vielen Jahren auf Vinyl vergriffen veröffentlicht ihr damaliges Label "Sunny Bastards" jetzt eine Collector's Edition Neuauflage auf 180gr. Vinyl in zwei Farben jeweils limitiert auf nur 250 Stück!

Reissue des sechsten Toxpackers, original aus 2011, endlich wieder auf Vinyl! 2011 veröffentlichten TOXPACK zum 10 jährigen Bandjubiläum ihr Album "Bastarde von Morgen" und danach war nichts mehr wie zuvor für die Berliner: Das Album war Start- und Sprungbrett für den rasanten Erfolg der Band, die seitdem in den vordersten Rängen der Charts mit ihren Veröffentlichungen vertreten sind. Und Fans sind sich einig: "Bastarde von Morgen" ist ein Meilenstein gewesen und ihr wohl bestes Album! Ihr packender Trademark-Sound aus Punk, Hardcore, Rock`n`Roll und einem Hauch Metal, von der Band gerne als East Berlin Street Core (E.B.S.C.) umschrieben, entwickelte sich von Album zu Album weiter und hat ihnen eine zahlreiche und stetig wachsende Fangemeinde beschert. 13 mitreißende Songs, die sofort ins Ohr gehen - und in Refrains gipfeln, die durch die Bank stadiontauglich sind. Textlich schleichen sich Tiefgang und Reife in den als beherzt zupackend bekannten Themenkreis der Band ein. Die bewährte Tradition, befreundete Musiker als Gastsänger ins Studio zu holen, wird mit Roi Pearce von The Last Resort (Heute So, Morgen So) und Paul Shearer von Sheer Terror (E.B.S.C.) fortgesetzt. "Bastarde Von Morgen" wurde von Studiolegende Harris Johns (im House Of Music / Stuttgart und Musiclab / Berlin) produziert, aufgenommen gemischt und gemastert. Unterm Strich steht ein Monolith von einem Album, das von der Punk- über die Streetcore-Fraktion bis hin zu Metal- und Hardcore-Fans und den Freunden harten deutschsprachigen Rocks alle prompt dort abholt, wo sie gerade stehen. Und das ganz ohne einen einzigen Funken Beliebigkeit. Ein sicherer Streetpunk-Klassiker! Seit vielen Jahren auf Vinyl vergriffen veröffentlicht ihr damaliges Label "Sunny Bastards" jetzt eine Collector's Edition Neuauflage auf 180gr. Vinyl in zwei Farben jeweils limitiert auf nur 250 Stück!

Unter den zahlreichen Aufnahmen von Giuseppe Verdis Messa da Requiem zählt Herbert von Karajans Aufnahme von 1972 zu den am meisten bewunderten. Neben den Berliner Philharmonikern und dem Wiener
Singverein stehen ihm mit Mirella Freni, Christa Ludwig, Carlo Cossutta und Nicolai Ghiaurov vier der
besten Verdi-Interpreten seiner Zeit zur Seite.
Die neue audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er
Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen
Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten.
Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr
Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und
Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie veröffentlicht. Begleitet werden sie von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen Hintergründe.

Nur wenige Tondokumente bezeugen die hochkarätige künstlerische Zusammenarbeit zwischen Ausnahmepianist Emil Gilels, Stardirigent Eugen Jochum und den Berliner Philharmonikern. Ihre gemeinsamen
Aufnahmen der beiden Klavierkonzerte von Johannes Brahms erreichten jedoch Kultstatus und gelten bis
heute als unübertroffen („unsurpassed pair of performances“, The Guardian).
Die neue audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er
Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen
Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten.
Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr
Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und
Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie veröffentlicht. Begleitet werden sie von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen Hintergründe.

Dischi Fantom’s Sussurra Luce series, blurring the boundaries between text, music and voice, returns with their fifth instalment, an expanded version of Hanne Lippard’s “Talk Shop”. Sculpting a fascinating bridge between radically experimental sound practice, conceptual art, and sound poetry, across its two sides the Berlin based multidisciplinary artist taps an almost dada sensibility, delivering a suite of poems and texts where singular words and sentences are looped and repeated creating a sensory experience of the efficiency and stress found in our private as well as public life.

Roughly a year ago, we had the pleasure of exploring the first two releases from Dischi Fantom’s emerging Sussurra Luce series, Ginevra Bompiani, Caterina Barbieri, and Tomoko Sauvage’s “Il Calore Animale” and Francesco Cavaliere’s “Zoomachia Disc 1”. An extension of the Milan based cultural platform Fantom’s broad and diverse activities (exhibitions, installations, performances, etc.) across numerous artistic disciplines, the series, curated by Francesco Cavaliere and Massimo Torrigiani, delves into the “science of imagination”, working with contemporary authors to explore and blur the boundaries between text, music and voice. Now the brilliant series returns with its latest entry, the Berlin based multidisciplinary artist Hanne Lippard’s “Talk Shop”. Released in a limited edition of 200 copies and coming with an LP-sized booklet, it combines orality and textuality with the idea of loop and repetition to explore the notion of time, and it’s a stunning gesture of performative poetics that plums a startling range of subjects through its sonorous forms.

Working across the fields of text, vocal performance, sound installation, printed objects and sculpture, for more than a decade Hanne Lippard has deployed language as the raw material for her work. Working within a practice that rests at the juncture of the spoken and written word, drawing upon content appropriated from the public sphere (found text) intertwined with her own words, Lippard’s work investigates how the rise in digital communication and mediation reprograms our relationship to language, presenting the subsequent fragility of language - its flaws, oddities, and potential for misinterpretation - and its attempts to convey meaning and sense.

“Talk Shop”, the fifth instalment of Dischi Fantom’s Sussurra Luce series and Lippard’s third recorded release - building upon the ground of 2020's “Work”, issued by Collapsing Market, and 2021's “PigeonPostParis”, released by Boomkat Editions - began as a live performance. Combining orality and textuality with the idea of loop and repetition to explore the notion of time, its relationship with the world of work today, and its personification through the experience of the human body - anonymity as the spearhead of the digital economy - the conceptual underpinnings of the piece depart from the notion that the human voice has become commodified by the ubiquitous nature of contemporary productivity, and intertwined with the mechanics of capital - the voices of satnavs, smart speakers and voicemail systems - while the written word has become increasingly anonymous online.

Addressing vocal anonymity as a spearhead of the digital economy, Lippard’s “Talk Shop” - regarded by the artist as “a compilation of poems and texts where singular words and sentences are looped and repeated creating a sensory experience of the efficiency and stress found in our private as well as public life” - taps an almost dada sensibility through its unexpected layers of meanings drawn from a maximalized approach to the potential of the human voice, creating an engrossing and challenging listen from the first sounding to the last, that continues to reveal itself and unfold with every return.

Sculpting a fascinating bridge between radically experimental sound practice, conceptual art, and sound poetry, it culminates as one of the most strikingly singular creative gestures we’re likely to encounter this year. Highly recommended and not to be missed.

Hanne Lippard (Milton Keynes, 1984) explores the social forms that govern discourse. Her artistic practice, which mainly takes the form of reading and sound installations, investigates the voice as an instrument of emancipation and alienation in times of hyper-connectivity. By mixing personal thoughts and appropriating texts from advertising, slogans and newspaper articles, the text becomes a mix of private and public that regains inventiveness and authorship through the use of the voice, becoming a body of its own. Her recent artistic research has focused on the use of the female body as a container of sounds, on the conscious and unconscious automation of speech and language.

Wer hat Macht? Wie wird sie genutzt und ausgeübt? Und wie, verdammt noch mal, kann man sich Macht - gerade in unseren Zeiten, in denen wir uns so oft ohnmächtig fühlen - zurückholen und sich selbst ermächtigen? Mit ordentlich Wut im Bauch, rotziger Stimme, mächtig Fuzz auf der Gitarre und einer unbändigen Punk-Rock-Energie, sucht das Berliner Duo CAVA auf ihrem neuen Album "Powertrip" Antworten auf diese drängenden Fragen. Ihr Zweitwerk, das auf Buback erscheint, vereint lautstarke Messages gegen Sexismus, Klassismus und Kapitalismus mit der so wichtigen Perspektive nicht cis-männlicher Akteur*innen in der Musikindustrie. Kurzum: "Powertrip" ist eine Kampfansage an das Patriarchat und all seine schmerzhaften Begleiterscheinungen.

Blake Lee has always been fascinated by the unknown, and space, in its isolating, mysterious vastness, embodies this theme immaculately. The open void, captured so memorably by Stanley Kubrick in '2001: A Space Odyssey', is Blake's far-reaching canvas on 'No Sound In Space', a cinematic meditation on the cosmos that's painted in nuanced, emotionally sincere colors. The Los Angeles-based composer has been contemplating his full-length debut since 2021, using his guitar as a sonic paintbrush rather than find himself snared in its traditional aesthetic constraints. Transforming its characteristics with effects and subtle processes, he layers sustained tones and intimate improvisations, creating richly visual polychromatic utopias teeming with unknown life.

Since 2011, Blake has been most known for being the guitarist and a music director for Lana Del Rey, notching up three songwriting credits on her acclaimed ‘Ultraviolence’ full length. He sees his solo work is a form of escapism, a place where he can experiment and find comfort and catharsis outside of expectations and formal structure. The album was written instinctively, and Blake made sure he didn't force anything, letting go and getting out of his own way, listening intently as sounds and textures materialized organically. "I didn't want to ruin it by being a perfectionist," he laughs. And his collaboration with Kenyan sound artist KMRU, who runs the OFNOT label and contributes to two of the tracks on the album, occurred similarly organically.

Blake was moved to reach out to KMRU when he caught a performance of 'Natur' at Los Angeles' Zebulon in 2022, leading to a prolonged back-and-forth. They didn't meet in person until earlier this year, by which time they'd become firm friends, continuously sharing music and conversation. KMRU had lent a valuable ear to Blake, who sent early playlists of 'NSIS' that, over the months, slowly evolved into the finished album. It's the first release on OFNOT that's not by KMRU himself; the label emerged last year with the release of KMRU's own 'Dissolution Grip', and Blake's debut immediately expands its sonic universe. Alongside the playlists, Blake also provided KMRU with the tracks' raw stems, which KMRU began to edit and expand in his Berlin studio. 'Miura' and 'Waiting' are the result of this process, two sublime abstractions that augment Blake's dreamlike, euphoric tones with KMRU's pebbly distortions and booming low-end rumbles. And this same playful sense of freeness seeps into Blake's other compositions.

On the misty 'In A Cloud', he surrounds cascading string tones with soft-focus pads that swell until they're like crashing waves, and on the two 'Echoplexx' pieces, he uses delay and reverb to smudge his sounds until they're viscous residue, the harmonies obscured by whooshes of white noise and distant chimes. The mood is quieted somewhat on 'Moving Air', as Blake's swirling tones form half-heard lullabies, coalescing into a dense, melancholy crescendo, and he fills out the sound with reverberant airport recordings on 'Pan Am', letting pitchy My Bloody Valentine-esque drones warble beneath the transitory chatter. Each track melts into the next, forming a billowing, cryptic narrative that leaves more questions than answers. Blake is constantly searching, and fills his unoccupied space with warmth, perception and sensitivity.

Blake Lee has always been fascinated by the unknown, and space, in its isolating, mysterious vastness, embodies this theme immaculately. The open void, captured so memorably by Stanley Kubrick in '2001: A Space Odyssey', is Blake's far-reaching canvas on 'No Sound In Space', a cinematic meditation on the cosmos that's painted in nuanced, emotionally sincere colors. The Los Angeles-based composer has been contemplating his full-length debut since 2021, using his guitar as a sonic paintbrush rather than find himself snared in its traditional aesthetic constraints. Transforming its characteristics with effects and subtle processes, he layers sustained tones and intimate improvisations, creating richly visual polychromatic utopias teeming with unknown life.

Since 2011, Blake has been most known for being the guitarist and a music director for Lana Del Rey, notching up three songwriting credits on her acclaimed ‘Ultraviolence’ full length. He sees his solo work is a form of escapism, a place where he can experiment and find comfort and catharsis outside of expectations and formal structure. The album was written instinctively, and Blake made sure he didn't force anything, letting go and getting out of his own way, listening intently as sounds and textures materialized organically. "I didn't want to ruin it by being a perfectionist," he laughs. And his collaboration with Kenyan sound artist KMRU, who runs the OFNOT label and contributes to two of the tracks on the album, occurred similarly organically.

Blake was moved to reach out to KMRU when he caught a performance of 'Natur' at Los Angeles' Zebulon in 2022, leading to a prolonged back-and-forth. They didn't meet in person until earlier this year, by which time they'd become firm friends, continuously sharing music and conversation. KMRU had lent a valuable ear to Blake, who sent early playlists of 'NSIS' that, over the months, slowly evolved into the finished album. It's the first release on OFNOT that's not by KMRU himself; the label emerged last year with the release of KMRU's own 'Dissolution Grip', and Blake's debut immediately expands its sonic universe. Alongside the playlists, Blake also provided KMRU with the tracks' raw stems, which KMRU began to edit and expand in his Berlin studio. 'Miura' and 'Waiting' are the result of this process, two sublime abstractions that augment Blake's dreamlike, euphoric tones with KMRU's pebbly distortions and booming low-end rumbles. And this same playful sense of freeness seeps into Blake's other compositions.

On the misty 'In A Cloud', he surrounds cascading string tones with soft-focus pads that swell until they're like crashing waves, and on the two 'Echoplexx' pieces, he uses delay and reverb to smudge his sounds until they're viscous residue, the harmonies obscured by whooshes of white noise and distant chimes. The mood is quieted somewhat on 'Moving Air', as Blake's swirling tones form half-heard lullabies, coalescing into a dense, melancholy crescendo, and he fills out the sound with reverberant airport recordings on 'Pan Am', letting pitchy My Bloody Valentine-esque drones warble beneath the transitory chatter. Each track melts into the next, forming a billowing, cryptic narrative that leaves more questions than answers. Blake is constantly searching, and fills his unoccupied space with warmth, perception and sensitivity.

Man muss es als eine glückliche Fügung des Himmels bezeichnen, dass diese drei Musiker zusammengefunden haben: Am Kontrabass der Schwede Anders Jornim, einer der wichtigsten Tieftöner der europäischen Jazz-Szene mit acht Alben als Bandleader für ECM und einer prallvollen künstlerischen Vita mit Touren und Aufnahmen an der Seite von Legenden wie Elvin Jones, Albert Mangelsdorff, Joe Henderson, Lee Konitz oder Kenny Wheeler. An der Gitarre Arne Jansen, der zweifach mit dem "ECHO Jazz" ausgezeichnete Berliner, der mit dem senegalesischen Orchestra Baobab, Nils Landgren oder Jazzanova spielte und dessen Duo-Aufnahme mit Nils Wülker unlängst sogar auf Platz 15 der deutschen Pop-Charts kletterte. Am Saxofon der ebenfalls in Berlin lebende Uwe Steinmetz, der sich neben seiner Zusammenarbeit mit u.a. Joe Maneri oder Tord Gustafvsen einen Namen als Komponist für die NDR Bigband oder das Fitzwilliam String Quartet machen konnte. Erstmals trat das deutsch-schwedische Trio 2016 in der Kathedrale in Göteborg im Rahmen eines nordischen Kirchenmusikfestivals auf. Sofort war klar, dass es eine spezielle Verbindung zwischen den drei Musikern gibt. Eine in dieser Form nicht oft zu beobachtende Gleichgestimmtheit, die auch die gemeinsame Tournee des Trios im Herbst 2022 prägte - und im besonderen Maße das Abschlusskonzert in der Waldkirche am Timmendorfer Strand am 22. Oktober. Nicht umsonst trägt das aus dem Live-Mitschnitt entstandene Album nun den Titel "The Pilgrimage". Zum einen, weil es mit "La Peregrinacion" beginnt, einem Pilgerlied des Argentiniers und "Misa Criolla"-Komponisten Ariel Ramirez. Zum anderen, weil Jansen, Jormin und Steinmetz in ihren zwischen Jazz, Klassik, nordischer und außereuropäischer Folklore wandelnden Stücken den Urgründen eines universellen menschlichen Phänomens nachspüren.

In den letzten Jahren hat der legendäre John Williams eine Reihe von ganz besonderen Konzerten aufgenommen und mit einigen der größten Orchester der Welt eine Auswahl seiner eigenen Musik dirigiert. Nun bringt
die Deutsche Grammophon eine einzigartige Sammlung dieser Aufnahmen als 7-LP-Set in limitierter Auflage
heraus. “John Williams in Concert” vereint Aufführungen von Filmmusik mit dem Saito Kinen Orchestra,
den Berliner Philharmonikern und den Wiener Philharmonikern sowie die Weltersteinspielung von Williams’
zweitem Violinkonzert mit der Solistin Anne-Sophie Mutter und dem Boston Symphony Orchestra.
Das stilvoll gestaltete Set enthält neben den Booklettexten der jeweiligen Alben, einen neuen Essay über
John Williams vom renommierten Filmmusik-Autor Jon Burlingame, Erinnerungen von Williams selbst,
Anne-Sophie Mutter und anderen an diesen Aufnahmen beteiligten Musikern sowie eine Auswahl an Konzertund Porträtfotos.

Zwei Sitzungen benötigten Claudio Abbado und das Boston Symphony Orchestra im Februar 1970, dann
war die Aufnahme des eingespielten Teams im Kasten. Ihre Interpretation von Debussys Trois nocturnes,
Ravels Suite Daphnis et Chloé sowie seiner Pavane pour une infante défunte wurde zum Klassiker.
Die neue audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er
Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen
Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten.
Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr
Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und
Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie veröffentlicht. Begleitet werden sie von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen Hintergründe.

Die Ära von Seiji Ozawa als Chefdirigent des Boston Symphony Orchestra überdauerte eindrucksvolle 29
Jahre – eine Zeitspanne voller musikalischer Höchstleistungen, die ihresgleichen sucht. Noch vor dem
offziellen Amtsantritt kreierte Ozawa mit seinem Orchester eine facettenreiche Aufnahme von Berlioz‘
Symphonie fantastique bei der Deutschen Grammophon, die von der New York Times als besonders „leicht
und quecksilbrig“ gerühmt wurde.
Die neue audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er
Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen
Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten.
Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr
Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und
Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie veröffentlicht. Begleitet werden sie von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen Hintergründe.

Loren Kuehne has been living the techno scene of Berlin for the past few years, finding inspiration in its clubs and streets. In this EP, she captures the current state of the city's electronic music culture.
This fuego 5 tracker ranges from energetic and powerful to uplifting and melancholic, always maintaining a high BPM with kick drums designed to shake dance floors around the world.

TECHNO DJ MUST LISTEN ALERT

Bella and the Bizarre is a high-energy Berlin-based band that blends the raw intensity of garage rock with a silky soulful flow. A wild fusion of garage punk, sixties rock’n roll and a touch of RnB soul, with its own gentle smokiness. Combining a broad spectrum of influences - from Wanda Jackson to the Remains, Eartha Kitt to the Ramones, they are ready to set you in trance! Known for their vibrant stage presence and infectious energy, Bella and the Bizarre deliver performances that are as captivating as they are unpredictable.

Um das Jahr stilvoll ausklingen zu lassen, schließt sich Buddha-Bar mit dem Berliner Duo Dole & Kom für ein Deep, Ethnic und Organic House Projekt zusammen. Die international bekannten deutschen Produzenten und DJs Dole & Kom sind Stammgäste auf den Buddha-Bar-Compilations. Ob auf Ibiza, Mykonos, Tulum, Kairo oder Dubai, ihre Electro-Deep-Sound mit mystischem und ethnischem Touch bringt Clubgänger und Jetsetter aus aller Welt zum Tanzen. Zwischen Underground und Mainstream verbreitet sich ihr einzigartiger, dynamischer und fesselnder Vibe in den Tracks und unterstreicht die stets scharfe, akribische und magische Arbeit von Ravin, Resident DJ in der Buddha-Bar Paris seit über 20 Jahren.

Stomping into the SBC universe comes 131bpm; a Berlin houseTM-hold head with his distinct signature style of sass’d up sexy dance floor burners. The 5 track collection “Ethereal Yarn” weaves in jacking house, bounce bass and flirty tech with a bonus remix from PSL; hot, heavy and ready for your play. Expect the unexpected as conventionality is unraveled through freaky vocal cuts, buckwild percussion and genre mashups for the gods. How long is a piece of string? Lick my chain if you’re nasty!

When the quartet of Luke Martin, Gabriel Salomon, Klaus Janek and Andy Graydon gathered to record an afternoon of sessions in Andy's studio, it was both the result of years of cultivation and an afterthought. Klaus and Andy had been long-time, and now long-distance, collaborators since their shared years in Berlin. That city was also where Andy was introduced to Gabriel at one of his solo performances by their mutual friend, the painter Paul McDevitt. Years passed, and cities. After meeting and working together in Boston, Luke and Andy both found themselves transplanted to Minneapolis. And by happenstance Gabriel arrived a few years later. A new conversation was just starting to emerge when Klaus announced his arrival, stopping by on a North American tour. Suddenly the four got a chance to listen and play together performing on a bill at a local gallery, in one configuration or another, for the first time. Packing up after that show, Klaus leaned over to ask, "isn't there a moment we could meet again, to play?"

Nothing was expected, and so anything was possible. The circumstances lent their gathering an impromptu but grounded feeling, a unique mix of chance encounter and reunion. As befits an opening encounter, the focus was as often on listening to the unfolding sonic conversation as it was on making a recording. Everyone seemed to intuit the direction despite not knowing where they were headed. The four faced each other in a loose circle surrounded by speakers and microphones pointed haphazardly, as likely to catch the dog padding around curiously as the bowing of strings or rattling of a cymbal. The permissive spirit of the day was declared early, just before rolling, when Gabriel asked if we should close the studio windows or leave them open. "You know what my answer is," replied Luke. If it's in the nature of a recording to become fixed, to be bottled up, let us at least leave open the windows to hear what might be coming next.

Zweites Album des Berliner FRONTALANGRIFFes mit den illustren Gästen Walli, Sucker und Henne & Justin als Knüller obendrauf! FRONTALANGRIFF spielen Berliner Hardcore-Punk. Dreckig und schnell, so wie die Stadt ist, aus der sie kommen. Was bei einem Filmprojekt als fiktive Punkband begann, wurde Mitte 2020 real. Ralle (Rawside, Troopers), Pete (Cut My Skin, Soul For Sale) & Dima (Cut My Skin, Tilidin) holten sich Sascha (Darwins Rache) ans Mikro und es konnte losgehen. Im legendären Görli-Proberaum (Vorkriegsjugend, Jingo de Lunch) entstand in nur wenigen Wochen das erste Album. Bei Sascha in den Trailerpark Studios aufgenommen, von Matze Wendt gemastert und bei Break the Silence / Attack Records Ende 2021 erschienen. Es folgten Konzerte mit EXPLOITED, SUBHUMANS, TOXOPLASMA, RAZZIA, RAWSIDE, M.D.C., DISTURBANCE, LOIKAEMIE, OPERATION FOXLEY u.v.a.m. Das neue Album "Blutige Hände" kommt nun über Smith & Miller Records und setzt da an, wo Ihr Debütalbum endete: 17 Stücke in 34 energiegeladenen Minuten. Dringlichster Hardcore-Punk - ohne Umweg frontal nach vorn! Oxymoron's Sucker, Toxoplasma's Walli sowie Henne und Sohn Justin von Rawside lassen es sich als Gastschreier nicht nehmen, der Bande ihren Segen zu geben und Respekt zu erweisen. Starkes Stück! 500 Stück weltweit auf klassisch schwarzem 180gr schwerem Vinyl, plus A2-Poster und Insert, durchnummeriert.

Zweites Album des Berliner FRONTALANGRIFFes mit den illustren Gästen Walli, Sucker und Henne & Justin als Knüller obendrauf! FRONTALANGRIFF spielen Berliner Hardcore-Punk. Dreckig und schnell, so wie die Stadt ist, aus der sie kommen. Was bei einem Filmprojekt als fiktive Punkband begann, wurde Mitte 2020 real. Ralle (Rawside, Troopers), Pete (Cut My Skin, Soul For Sale) & Dima (Cut My Skin, Tilidin) holten sich Sascha (Darwins Rache) ans Mikro und es konnte losgehen. Im legendären Görli-Proberaum (Vorkriegsjugend, Jingo de Lunch) entstand in nur wenigen Wochen das erste Album. Bei Sascha in den Trailerpark Studios aufgenommen, von Matze Wendt gemastert und bei Break the Silence / Attack Records Ende 2021 erschienen. Es folgten Konzerte mit EXPLOITED, SUBHUMANS, TOXOPLASMA, RAZZIA, RAWSIDE, M.D.C., DISTURBANCE, LOIKAEMIE, OPERATION FOXLEY u.v.a.m. Das neue Album "Blutige Hände" kommt nun über Smith & Miller Records und setzt da an, wo Ihr Debütalbum endete: 17 Stücke in 34 energiegeladenen Minuten. Dringlichster Hardcore-Punk - ohne Umweg frontal nach vorn! Oxymoron's Sucker, Toxoplasma's Walli sowie Henne und Sohn Justin von Rawside lassen es sich als Gastschreier nicht nehmen, der Bande ihren Segen zu geben und Respekt zu erweisen. Starkes Stück! 400 Stück weltweit auf blutrotem 180gr schwerem Vinyl, plus A2-Poster und Insert, durchnummeriert.

Eine weitverbreitete Utopie ist die Ewigkeit. Eine andere ist das Glück. Man spielt mit dem Leben - wie gehabt und wie immer ohne Gewähr!

Manche tragen ihre Hoffnungen an die Börse, andere zur Glücksspielannahmestelle. Die Berliner Band Milliarden befindet sich auf ihrer neuen Studioeinspielung 'Lotto' in der Transitzone zwischen Kommen und Gehen. Dort, wo der Puls rauscht und Dasein Ankunft und Abschied bedeutet. Milliarden sind Ben Hartmann und Johannes Aue aus Berlin.

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl+ Poster)

Eine weitverbreitete Utopie ist die Ewigkeit. Eine andere ist das Glück. Man spielt mit dem Leben - wie gehabt und wie immer ohne Gewähr!

Manche tragen ihre Hoffnungen an die Börse, andere zur Glücksspielannahmestelle. Die Berliner Band Milliarden befindet sich auf ihrer neuen Studioeinspielung 'Lotto' in der Transitzone zwischen Kommen und Gehen. Dort, wo der Puls rauscht und Dasein Ankunft und Abschied bedeutet. Milliarden sind Ben Hartmann und Johannes Aue aus Berlin.

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl+ Poster)

Phase Group are thrilled to present our next release by newcomers to the label, the excellent Hamburg band, Love-Songs. Their new album 'Passive Progressive' will be out on cassette and digital on October 18th.

Love-Songs are the trio consisting of Thomas Korf (electronics + vocals) Sebastian Kokus (Bass) and Manuel Chittka (Percussion) who make cosmic, kraut-inspired electro-acoustic music. Many will be familiar with their previous output on wonderful labels like Kame House and Bureau B.

'Passive Progressive' lands in the form of 8 enthralling tracks that take us through dreamlike and psychedelic echoing territories, where Korf’s modulating electronics and effected vocals ripple over the grooving rhythm section of percussion and bass supplied by Kokus and Chitka. Across the album, the band are joined by a host of guest musicians and friends from Berlin and Hamburg’s underground and experimental music scenes, supplying Trombone, Mbira, Clarinet, Flute and extra synthesisers and vocals to enhance the mind-expanding and unique sound palette of these incredible tracks.

As with most of the material we’ve released on Phase Group, this is music that’s hard to pin down, that lends itself equally well to creating transcending atmospheres in the early moments of a special kind of club set as to soundtracking a mind-bending and deep personal listening experience. We’ve no doubt that the sound that Love-Songs have crafted with Passive Progressive will be enthusiastically received by all sonic voyagers and fans of the label, and we’re over the moon to welcome them to the Phase Group family.

Passive Progressive is available on limited cassette, with double-sided risograph print artwork by Andrija Čugurović.

SAFI ist laut und intensiv. Ein furioses Statement wie Punk auch definiert werden kann. Ambivalenz und Zerrissenheit sind Ausgangspunkt, die kombinierte Virtuosität aus viereinhalb Oktaven Stimmumfang und dem Kunstdiplom sind das Fundament. SAFI zeigt ihr Gesicht mit schnörkelloser Geradlinigkeit, pur, groß. Umarmt von einer gewaltigen Klangmauer. Krachsituation. SAFIs drittes Studioalbum wurde vom Berliner Soundkreateur Moses Schneider produziert (Tocotronic, Ätna, u. v. m.). Gäste sind u.a. Dennis Lyxzén (Refused), Sebastian Madsen (Madsen) und Rummelsnuff.

Joel Sarakula's new album "Soft Focus" is a mid-career album spanning his many influences and genres including Soft-Rock, Funk and Indie Pop, all brought under the umbrella of his gentle gaze and a 'soft' aesthetic. "Soft Focus" is also the name of a photographic technique born out of a spherical abberation of the lens where the image is a bit blurry and undefined: it's both flattering and forgiving on the subject. It's an apt title. As a lifetime wearer of (vintage) glasses, Sarakula knows a lot about spherical abberations. Perhaps he produced these songs with his glasses off as these are abstract and warm vignettes, never overstaying their welcome and for this reason Sarakula manages to feature twelve new tracks on "Soft Focus".

Highlights include one of the two Shawn Lee produced tracks "I'll Get By Without You", the rockier, iberic beat of "King Of Spain", the soulful affirmation of "Back For Your Love" and the psychedelic-tinged "Bird Of Paradise" and "Microdosing". This is a lovingly crafted album, well polished and it feels like the culmination of Sarakula's adventures in soulful soft-rock and his defining statement in the genre. While comparisons will be made with contemporary projects like Shawn Lee's Young Gun Silver Fox, Drugdealer, Benny Sings and Prep, echoes of soft-rock icons Ned Doheny, Boz Scaggs, Todd Rundgren and Michael Franks also ripple gently through the album.

Imagine if Ray Manzarek was the frontman for the Bee Gees... It's a neat visual introduction to Joel Sarakula, a UK-based Australian artist who writes, produces and sings Soulful Pop, gazing out at a contemporary world through vintage glasses, vintage threads and long blond hair. His music is informed by a rich, 1970s-inspired palette, drawing on soft-rock, funk and disco influences: sunny, uptempo jams for darker times. Self-aware that he looks and occasionally sounds like the love child of Ray Manzarek and the Gibb brothers, his self-deprecating sense of humour is always there just below the fringe.

Born in Sydney, based in UK and international in outlook Sarakula is a songwriter who has travelled the world in search of his muse, experiencing everything from being a victim of Caribbean carjackings to performing in the remote fishing villages of Norway before finally establishing his career in the UK and Europe. Since then he has released albums such as "Island Time" (2023), "Companionship" (2020), "Love Club" (2018) and "The Imposter" (2015) that have racked up plays on rotation across national UK and European radio and got him noticed in The New York Times, The Independent (UK), The Irish Times, Rolling Stone Germany, El Pais (Spain) and Sydney Morning Herald. It's- been a long road finding his current cult status starting out at the piano from a young age in suburban Sydney, writing and singing songs by the time he was a teenager and onstage by fifteen years old playing jazz standards in his local golf club. "I came from humble beginnings, it's best not to mention" as he sings in his 70s boogie influenced song "I'm Still Winning". Joel Sarakula is a fixture on the festival and club circuit having previously performed at SXSW, Primavera Sound and Glastonbury festivals. Ever the internationalist, he tours with pickup bands sourced from each territory he plays in: a Barcelona band for Spain, a Berlin band for Germany and so forth. This cross-cultural exchange is another echo of the 1970s when world travelling soul and pop artists from the US did the same and guarantees that his live shows remain fresh, exciting and absolutely contemporary.

Unbound by place or genre, mercurial, experimental pop duo Soft as Snow find freedom to intuitively reflect the disarray of human connection with their intricate, shape-shifting pop production. With each successive release, the duo evolves, unfurling into their own poetic sound, now fully realized on their intimate, third full-length, Metal.wet.

The oft-present trappings of male-female duos are eschewed here as the Berlin-based Oda Starheim and Øystein Monsen contribute equally across a canvas of analogue synthesizers, samplers, live drums, and processed guitars. At once a part of and yet apart from the zeitgeist, their forward-thinking modernity stretches the limits of expectations across Metal.wet's ten insouciant tracks. Fans of Tirzah, Hype Williams, and even Angelo Badalamenti will find much to love in this haunting work peppered with ASMR moments and rough sampling wrapped in high production –– twinkling glasses and sirens in the distance, rhythms and voices up front. The result is synth-driven, noisy, and dripping with laidback, confident sensuality.

Although Starheim's voice begins the album in a whisper, it quickly becomes apparent that the group has jettisoned their previous tendency to bury and distort her vocals. Nested in a bed of thorny electronics and broken rhythms, her multifaceted vocals might bring to mind Kazu Makino of Blonde Redhead or Hope Sandoval fronting Massive Attack. London MC Brother May (Mica Levi, CURL) makes an appearance on the driving and ethereal “Whip,” while Øystein’s own voice appears for the first time in a state of languid background haze.

Soft as Snow create and record across Europe. Defiantly averse to genre, the pair become vessels for their “electronic music pushed to the brink of collapse” (The Wire), previously released by Infinite Machine and Houndstooth. Informed by backgrounds in film and performance art, “there’s a surrealism that comes with watching Soft as Snow in the flesh,” (Vice) as seen at L.E.V. and Lunchmeat Festivals. Collaborations with visual artist Guynoid, designer AGF Hydra, and sculptor Camilla Steinum add depth to the corporeality of their “strange, mesmerising and utterly unforgettable” electronic experimentations. (DJ Mag).

Human existence in digital times is accompanied by a constant noise of language, words and opinions. It"s a cacophony, it"s all too much. The more is said and written, the less is said at times. The Berlin band neànder has no words. Guitarists Jan Korbach, Michael Zolkiewicz and Patrick Zahn and drummer Flo Häuser rather speak through their instruments. This is not a cliché, but can be heard and felt on the new album "III". Everything is in motion here, one thinks of endless landscapes and unknown worlds. And by the way, if we have refrained from categorizing genres in this text so far, it is because neànder cannot be assigned to any genre in a meaningful way. Of course, this music is somehow post-rock, grunge, metal, prog, ambient and even pop - but at the same time it"s not. You might have to imagine it a bit like Godspeed You! Black Emperor, Prong, Mogwai, Black Sabbath, Faith No More and Venom would play a session together in 2024 and the result would be "III".

Ein Livealbum (nochmal) ist eine recht offensichtliche und doch für Talco passende Idee zum Jubiläum. Im Jahr 2022 hatten Talco beschlossen, ein Mischpult für die "Videogame"-Tour zu mieten. Die Möglichkeit, jedes Konzert mitzuschneiden, verlockte, und am Ende der Tournee gab es etwa 35 Sets, aus denen ein echtes Live-Album werden konnte. Und genau um "echt" geht es. Es durfte nichts gefälscht, neu aufgenommen oder überspielt werden, nichts bereinigt werden. Das moralische Diktat, live darzustellen, wer Talco ist, mit der Musik, Entschlossenheit, den Witzen, dem goliardischem Unsinn, der Herzlichkeit der Menschen, all das musste erhalten bleiben und daher "wahr" sein, nicht perfekt oder künstlich, sondern wahr. Ein echtes DIY-Projekt, an dem die gesamte Talco-Familie mitgewirkt hat: von Tontechnikern Matteo "Houdini" Piccolo - der alle Live-Auftritte der Tournee aufgenommen hat - und Edoardo "Dodi" Pellizzari (Overdrive Recording Studio), der das Album abgemischt hat, bis hin zu den Beiträgen der gesamten Band, die während einer anderthalbjährigen Europa-Tournee aufgenommen wurden. Talco in eigenen Worten: "Wir hätten nie gedacht, dass wir noch einmal ein Live-Album machen würden, aber vielleicht haben wir es nach weiteren 10 Jahren nötig. Viele Bands erreichen ein Ziel, und feiern es mit einer Best Of-Compilation, aber die Greatest Hits einer Live-Band kann nur ein Live-Album sein." Und hier sind nun die essentiellen Songs der bisherigen 20 Jahre-TALCO-Karriere, aufgenommen zwischen 2022 und 2024 in unterschiedlichen Städten, eine traumhafte Set-List vor den besten Fans der Welt. Immer daran denkend, dass ein Ziel nicht das Ende ist, sondern ein neuer Weg, der zu gehen ist. 2LP klassich schwarz oder Jewelcase-CD!

Ein Livealbum (nochmal) ist eine recht offensichtliche und doch für Talco passende Idee zum Jubiläum. Im Jahr 2022 hatten Talco beschlossen, ein Mischpult für die "Videogame"-Tour zu mieten. Die Möglichkeit, jedes Konzert mitzuschneiden, verlockte, und am Ende der Tournee gab es etwa 35 Sets, aus denen ein echtes Live-Album werden konnte. Und genau um "echt" geht es. Es durfte nichts gefälscht, neu aufgenommen oder überspielt werden, nichts bereinigt werden. Das moralische Diktat, live darzustellen, wer Talco ist, mit der Musik, Entschlossenheit, den Witzen, dem goliardischem Unsinn, der Herzlichkeit der Menschen, all das musste erhalten bleiben und daher "wahr" sein, nicht perfekt oder künstlich, sondern wahr. Ein echtes DIY-Projekt, an dem die gesamte Talco-Familie mitgewirkt hat: von Tontechnikern Matteo "Houdini" Piccolo - der alle Live-Auftritte der Tournee aufgenommen hat - und Edoardo "Dodi" Pellizzari (Overdrive Recording Studio), der das Album abgemischt hat, bis hin zu den Beiträgen der gesamten Band, die während einer anderthalbjährigen Europa-Tournee aufgenommen wurden. Talco in eigenen Worten: "Wir hätten nie gedacht, dass wir noch einmal ein Live-Album machen würden, aber vielleicht haben wir es nach weiteren 10 Jahren nötig. Viele Bands erreichen ein Ziel, und feiern es mit einer Best Of-Compilation, aber die Greatest Hits einer Live-Band kann nur ein Live-Album sein." Und hier sind nun die essentiellen Songs der bisherigen 20 Jahre-TALCO-Karriere, aufgenommen zwischen 2022 und 2024 in unterschiedlichen Städten, eine traumhafte Set-List vor den besten Fans der Welt. Immer daran denkend, dass ein Ziel nicht das Ende ist, sondern ein neuer Weg, der zu gehen ist. 2LP klassich schwarz oder Jewelcase-CD!

On his new album ‚forge’, ambient artist KMRU explores the blend of melody and noise, rhythm and drone. ‚forge’ marks the third release on Seil Records for the Nairobi born and Berlin based producer. Made up of 10 tracks, the album effortlessly wanders from intimate compositions over field recordings to deep and rich soundscapes.

The result feels like a living, breathing organism. Music you can immerse yourself in. Like few others, the 27 year old producer carved a niche of his own, capturing the essence of his raw live performances to form a highly unique listening experience that transcends what ambient music is known for.

‚forge‘ can both exist in the background as well as front and center. Filled with intricate details and vast sonic vistas, it invites the listeners to lose themselves in the music. It’s gentle, yet uncompromising; soft and warm, yet growly and dense.

"L'œil De La Tigresse" by Delphine Dora & Anaïs Tuerlinckx presents six different sonic explorations of hidden aspects of perception and past experiences. Song titles that conjures images of freedom and exploration in untamed spaces. A raw experience that explores jazz and free improvisation, the contrast between tranquility and underlying longing.

Released under the Possible Motive label the album features six pieces that explore sound and identity.

Anaïs Tuerlinckx, a pianist and sound artist from Brussels, is involved in the Berlin improvised music scene. Her performances blend intensity with open spaces, achieved through her play on the piano and found objects, including a string box that adds depth to her sound.

Delphine Dora is a French musician and composer known for her work with keyboard instruments and field recordings. Her performances, often improvised, showcase her voice alongside various instruments, creating a rich blend of sounds. Over 15 years, she has developed a unique musical universe that crosses genres and languages, exploring themes of identity and the sacred. A prolific artist, she has participated in over thirty recordings and founded the Wild Silence label.

2025 marks 50 years since the release of Donna Summer’s debut international hit ‘Love To Love You Baby’. To herald in this milestone anniversary, we proudly present this newly expanded edition of Donna’s classic hits collection “On The Radio”. • This 24 track/2LP collection features the international hits that propelled Donna’s popularity through the decades, from her 1976 UK Singles chart debut up until her 2008 studio album and includes eighteen UK Top 20 hits. • They include ‘Hot Stuff’, ‘Bad Girls’, ‘This Time I Know It's For Real’, ‘Down Deep Inside (Theme From 'The Deep')’, ‘I Remember Yesterday’, ‘Love's Unkind’, the vocal powerhouse track ‘No More Tears (Enough Is Enough)’ with Barbra Streisand and the groundbreaking #1 ‘I Feel Love’. • Donna Summer gained prominence during the disco era of music, rightly earning the title "The Queen of Disco" and becoming one of the most successful recording artists of the 1970s and all-time best-selling female Artists. • She was the first artist to have three consecutive Double Albums hit No. 1 on the US Billboard charts, as well as becoming the first female artist to have four No. 1 singles in a thirteen-month period. • Donna’s catalogue has sold more than 130 million units worldwide and her music is still relevant today, as her music continues to fill the radio airwaves, appears in TV programmes, movies, as well as TV commercials. • In 2023, her daughter, Brooklyn Sudano, who along with Roger Ross Williams, directed “Love To Love You, Donna Summer”, a documentary that followed Donna’s personal life and career. The film had its world premiere at the 73rd Berlin International Film Festival and was screened at SXSW. HBO released it in May 2023. • Earlier this year, Donna was posthumously awarded a Recording Academy Special Merit Lifetime GRAMMY, as well as ‘I Feel Love’ being inducted into the GRAMMY Hall of Fame

a 1. Love To Love You Baby Single Edit
b 2. Could It Be Magic 7" Version
c 3. I Feel Love [Edit]


[f] 6. Love's Unkind [7" Version]
[g] 1. I Love You [Single Version]
[h] 2. Rumour Has It [Single Version]
[i] 3. Last Dance [7" Version]
[j] 4. MacArthur Park [Single Version]
[k] 5. Heaven Knows [7" Version]
[l] 6. Hot Stuff [Single Version]
[m] 1. Bad Girls [Single Version Edit]
[n] 2. Dim All The Lights [7" Single Version]
[o] 3. No More Tears (Enough Is Enough) [7" Version]
[p] 4. On The Radio [7" Version]

[r] 6. State Of Independence [7" Version]
[s] 1. She Works Hard For The Money [7" Version]
[t] 2. Unconditional Love [Edit]
[u] 3. Dinner With Gershwin [Edit]
[v] 4. This Time I Know It's For Real [7" Mix]
[7" Remix]
[PWL 7" Mix]

The second release on Objekt’s newly established Kapsela imprint arrives in the form of Chicken Garaage, a solo 2-track EP by Objekt that explores the fertile terrain around 00s breakbeat and garage. The A-side, Chicken Garaage, is a playful and poignant nod to the pioneering proto-dubstep explorations of the early 2000s, as the genre was first beginning to crystallise, by the likes of Horsepower Productions, DJ Abstract and Benny Ill. First sketched out on tour in Melbourne while eating takeaway chicken karaage, it’s the first outcome of an experiment with a new workflow to produce music with an accelerated approach and more immediacy and expressivity; encouragingly, it has the lowest final version number (55) of any Objekt track in recent memory. B-side “Worm Dance” leans into Hertz’s headsier inclinations – constructed mostly from field recordings made at a lake house outside of Berlin in 2022, it channels mid-00s T++ into a moody, elastic breakbeat roller.

The vinyl comes with a free lossless download.

Mastered by Kassian Troyer at Dubplates & Mastering

Artwork by Brodie Kaman