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Zum ersten Mal überhaupt ist Marshmellos bahnbrechendes Debütalbum „Joytime“ auf Vinyl erhältlich. Diese Jubiläumsausgabe feiert 10 Jahre euphorische Beats und genreübergreifende Energie und würdigt das Album, das der Welt Marshmellos charakteristischen Sound vorgestellt hat.
Von dem boomenden Trap-Track „Know Me“ bis hin zu „Want U 2“ ist „Joytime“ eine Meisterklasse in melodischer Tanzmusik, die es wagt, mutig zu sein. „Joytime“ enthält auch die Debütsingle „Keep It Mello“ mit Omar Linx, eine Crossover-Hymne, die bis heute zu Marshmellos ikonischen Werken zählt.
Feiern Sie das Album, das ein globales Phänomen ausgelöst hat.
„Joytime“ auf Vinyl ist mehr als ein Sammlerstück, es ist ein Stück Elektronik-Musikgeschichte.“

Aiming all glitter cannons firmly at CHRISTMAS #1 (vinyl singles chart - let's be real), art punk royalty Art Brut and electro pop gems bis deliver genuine glitter dancefloor filling power with a cover of Paula Abdul's Opposites Attract, twang liberally at heartstrings with a take of Make Your Own Kind of Music by Cass Elliot - finally covering each other's seminal bangers with an icy fresh take that can only come from years of genuine love of the band you're reimaging.

Erstpressung ausverkauft, Nachpressung (schwarzes Vinyl und neue Farbe) wegen großer Nachfrage! Das schwedische Punkrock-Urgestein SATOR veröffentlicht mit den High (Rock'n) Rollern und Punkrockern THE HEADLINES eine Split EP: Eine längst fällige Herzens- und Freundschaftsangelegenheit! Schließlich war es Sator-Bandgründer Chips Kiesbye, der vor mehr als 15 Jahren das musikalische Potential und die wilde, ungestüme Power von The Headlines erkannte. Es folgten Supportshows und bis heute produziert und supportet Chips die Band im Studio. Die jeweils zwei exklusiven Songs der Bands auf der limitierten 10inch Vinyl spannen dabei den Bogen von Hard Rock, Sleaze, Glam bis straight forward Punkrock. The Headlines kehren mit "Fucked up" zu der klassischen Rock-Essence zurück, rotzig-frech verpackt in 2 Minuten mit allem was es braucht, um eine "fuckin great hymn" zu schreiben! "True Grit" - der zweite Song" orientiert sich mit melodischen Punkrock an den US-Westcoast Style: "Remember what you're fighting for!" The Headlines liebten es schon immer Gedanken über das Leben, die jeder kennt in griffige Rocksongs zu verpacken. SATOR präsentieren mit "Thanks (For nothing for all) einen vor langer Zeit geschriebenen wütenden Dampfhammer, der als Demo in den Bandarchiven irgendwie in Vergessenheit geriet. Während der Aufnahmen zu "Return of The Barbie-Q-Killers" stoplerte die Band über dieses Juwel und wurde neu aufgenommen. "Wir können uns nicht wirklich erinnern, worüber wir beim Schreiben wütend waren, aber es gibt immer etwas, das einen nervt. Wut ist nie aus der Mode." "I only want a date" wurde ebenfalls im Rahmen der Studio-Sessions für das letzte Sator-Album aufgenommen und ist ein Coversong der US-Band "The Embarrassment", die den gesuchten Song 1984 nur auf Tape veröffentlichten. Die 10inch EP erscheint streng limitiert in klassisch schwarzen oder blauen oder in limitierten zweifarbigen Swirl Vinyl und dürfte sich schnell als Sammlerstück etablieren. Swedish Alternative Rock at its best!

4 tunes of pure old school tribe sound, 148/160 BPM on top sound. A very good surprise ! ENJOY !

Die Trilogie ist komplett, und zum ersten Mal überhaupt erscheint Marshmellos „Joytime III“ auf Vinyl in einer speziellen 10-Jahres-Jubiläumsausgabe, die eines seiner bisher ambitioniertesten und kollaborativsten Projekte feiert. Als entscheidender Moment in der Joytime-Saga hat dieses Album den Mello-Sound in neues, mutiges Terrain vorangetrieben und hochoktanige EDM mit emotionalen Melodien und festivaltauglicher Energie vereint.
Von „Rescue Me“ mit A Day to Remember bis hin zur explosiven Trap-Hymne „Room to Fall“ (mit Flux Pavilion und Elohim) – dem unbestreitbaren Smash-Hit des Albums – ist Joytime III ein Kaleidoskop des Sounds. Marshmello versammelt eine All-Star-Besetzung, darunter Slushii, YULTRON, Wiwek, Crankdat und TYNAN, zu einer genreübergreifenden Feier der Einheit, Kreativität und puren Klangfreude.
Joytime III ist ein kraftvoller Abschluss der Joytime-Reihe, ein mutiges, emotionales und mitreißendes Statement, das nun zum ersten Mal auf Vinyl verewigt wurde.
Feiern Sie 10 Jahre musikalische Entwicklung, Zusammenarbeit und Mello-Magie mit dieser unverzichtbaren Ausgabe eines modernen Dance-Klassikers.

Black Retail VersionMarshmellos mitreißender Nachfolger seines bahnbrechenden Debüts ist zum ersten Mal überhaupt anlässlich seines 10-jährigen Jubiläums auf Vinyl erhältlich, eine hochkarätige Fortsetzung, die Marshmellos Stellung als globale Dance-Musik-Ikone festigte.
Während Joytime uns in das Chaos von Mellos Welt einführte, legt Joytime II mit härteren Drops, helleren Synthesizern und noch mehr unerbittlicher Energie noch einmal nach. Vom explosiven Opener „Stars“ bis zum euphorischen „Tell Me“ glänzt Marshmello in jedem Track mit seiner Beherrschung von Future Bass und melodischem Trap, ohne Features, nur mit purer, ungefilterter Mello-Verrücktheit.
Mit dem Smash-Hit „Check This Out“ präsentiert sich Marshmello auf Joytime II von seiner selbstbewusstesten Seite und liefert Festival-Hymnen, die für maximale Lautstärke gemacht sind.

Feiern Sie ein Jahrzehnt Mello-Magie mit Joytime II – einem Meilenstein der Dance-Musik, der nun zum ersten Mal auf Vinyl verewigt wurde.

Gold/schwarzes Marble-Vinyl. Die PORT SULPHUR BAND, die im Schlamm des Lawson Delta Bayou gegründet wurde, bewegt sich zwischen Fiktion und Realität. Die PORT SULPHUR BAND ist sowohl ein Meta-Element des Videospiels Hunt: Showdown 1896 als auch eine hauseigene Band der Spieleentwickler von Crytek. Sie wurde gegründet, um Geschichten aus der Welt von Hunt zu erzählen, einem übernatürlichen Shooter, der in den Anfängen des Blues und Jazz im Louisiana der 1890er Jahre spielt. Das neue Album ,Shadows Wake" der Band wird mit 20 neuen düsteren Western-Songs aus der Welt von Hunt: Showdown 1896 alle bisherigen Alben übertreffen. Jeder Song erzählt eine Geschichte aus dieser rauen Westernwelt, in der Verrat, Brutalität, Draufgängertum und Verzweiflung das Leben derer prägen, die es wagen, sich der sich ausbreitenden Korruption zu stellen und gegen die von ihr erschaffenen Monster zu kämpfen.In ,Web of the Empress" hört man die Geschichte einer Frau, die lebendig begraben wurde, nur um von Hunderten von verdorbenen Spinnen wieder zum Leben erweckt zu werden. In ,Beneath the Apple Tree" sinniert ein Mann über seine eigene Verzweiflung, während er seine unschuldigen Träume gegen eine Waffe und ein Grab eintauscht. Und in ,Curtain Call" laden verstörte Zirkusclowns den Zuhörer ein, ihnen in die Dunkelheit ihres eigenen Wahnsinns und ihrer Korruption zu folgen.,Shadows Wake" ist das vierte Album und die dritte Vinyl-Veröffentlichung von PORT SULPHUR BAND.

,Kurayami", die neueste Single von Mei Semones, hat ein paar der mathematischsten Riffs und einen der bombastischsten musikalischen Höhepunkte ihrer bisherigen Karriere. Ein aufregender Track, der ein für Mei erfolgreiches Jahr abrundet. Mei über die neuen Songs: ",Kurayami" heißt auf Japanisch ,Dunkelheit" und handelt davon, wie es war, in Michigan aufzuwachsen und mit meinen Freunden abzuhängen. Kind sein war echt cool. Ich hatte echt viel Spaß und war glücklich, aber ich erinnere mich, dass es einen Punkt gab, an dem wir unsere Unschuld verloren haben, und ich denke, in diesem Song geht es um dieses Gefühl. Es ist einer der technisch anspruchsvolleren Songs, die ich geschrieben habe, und ich musste ziemlich viel üben, bis ich ihn singen und gleichzeitig spielen konnte. Es gibt viele coole Tempowechsel, ungerade Taktarten, Arpeggios mit großen Intervallen und schnelle Licks, und ich finde, dass auch das Bandarrangement echt kreativ ist. ,Get used to it" handelt von der Schönheit der Einsamkeit und des Alleinseins, davon, wie man etwas hinter sich lässt, das in deinem Leben wichtig war, aber dennoch Platz dafür lässt, und von meiner Liebe zur Gitarre und zur Musik. Es ist der zweite Song, den ich auf meiner Nylonsaitengitarre geschrieben habe, und die Wechsel und die Melodie sind etwas von Thelonious Monk inspiriert. Die Instrumentierung ist minimalistischer als bei unseren anderen Songs - nur ich (Gitarre & Gesang), Kontrabass und Schlagzeug. Wir wollten einen Live-Jazz-Trio-Sound hinbekommen, also gibt's keine Überlagerungen oder so. Es ist einfach eine direkte Aufnahme von uns dreien, wie wir den Song spielen, und ich finde, das war der beste Weg, um das Gefühl hinter dem Song einzufangen."

Für Aesop Rock war der Satz "I heard it's a mess there too" zuerst nur ein Songtext, aber es dauerte nicht lange, bis ihn dieser Satz packte. Er kam ihm bekannt vor, wie ein Satz, den er in den letzten Jahren tausendmal gesagt hatte, wenn er sich mit Freunden in verschiedenen Städten austauschte und sie sich gegenseitig erzählten, wo sie gerade waren und was dort so los war. Je länger er über diesen Satz nachdachte, desto mehr wurde ihm klar, dass er der Kern von etwas Größerem war. "I Heard It's A Mess There Too" steht für Aesop an der Schnittstelle zweier persönlicher Bedürfnisse: dem Bedürfnis, sich hinauszuwagen und seine Umgebung zu dokumentieren, und dem Wunsch, in Verbindung zu bleiben - besonders wenn die Lage unsicher ist. Musikalisch betritt Aesop Rock auf dem Album Neuland. "Ich habe viele Jahre lang auf die gleiche Weise Tracks produziert", sagt er, "aber hier habe ich bewusst meinen Prozess geändert. Ich habe ein paar neue Tools ausprobiert und versucht, meine Beats klarer und minimalistischer zu gestalten. Die Drums sind reduzierter, die Basslines dürfen einfach für sich stehen, ohne dass zehn weitere Elemente darübergelegt werden. Ich wollte nicht, dass der Beat und der Gesang um Aufmerksamkeit konkurrieren - ich wollte nur genug, um eine Welle ins Rollen zu bringen, und nicht viel mehr, nur eine Stimmung schaffen, zu der ich mich bewegen konnte." Diese zwölf Songs markieren verschiedene Stationen auf diesem Weg des Experimentierens und der Suche nach etwas Neuem.

Für Aesop Rock war der Satz "I heard it's a mess there too" zuerst nur ein Songtext, aber es dauerte nicht lange, bis ihn dieser Satz packte. Er kam ihm bekannt vor, wie ein Satz, den er in den letzten Jahren tausendmal gesagt hatte, wenn er sich mit Freunden in verschiedenen Städten austauschte und sie sich gegenseitig erzählten, wo sie gerade waren und was dort so los war. Je länger er über diesen Satz nachdachte, desto mehr wurde ihm klar, dass er der Kern von etwas Größerem war. "I Heard It's A Mess There Too" steht für Aesop an der Schnittstelle zweier persönlicher Bedürfnisse: dem Bedürfnis, sich hinauszuwagen und seine Umgebung zu dokumentieren, und dem Wunsch, in Verbindung zu bleiben - besonders wenn die Lage unsicher ist. Musikalisch betritt Aesop Rock auf dem Album Neuland. "Ich habe viele Jahre lang auf die gleiche Weise Tracks produziert", sagt er, "aber hier habe ich bewusst meinen Prozess geändert. Ich habe ein paar neue Tools ausprobiert und versucht, meine Beats klarer und minimalistischer zu gestalten. Die Drums sind reduzierter, die Basslines dürfen einfach für sich stehen, ohne dass zehn weitere Elemente darübergelegt werden. Ich wollte nicht, dass der Beat und der Gesang um Aufmerksamkeit konkurrieren - ich wollte nur genug, um eine Welle ins Rollen zu bringen, und nicht viel mehr, nur eine Stimmung schaffen, zu der ich mich bewegen konnte." Diese zwölf Songs markieren verschiedene Stationen auf diesem Weg des Experimentierens und der Suche nach etwas Neuem.

GOD SAVE THE PONY. Limitiertes Format der zweiten BIG SPECIAL-LP auf Yellow Splatter On Clear Vinyl - im Gatefold mit Obi-Strip.

- " Von Assi-Punk-Rap bis Gothic-Country-Ballade, die einem das Blut in den Adern gefrieren lässt, gilt: Solange Big Special nicht irgendwann glücklich werden, könnten sie richtig groß werden." - Visions
- "Mit „National Average“ bekräftigen Big Special ihren Ruf als eine der aufregendsten und unberechenbarsten Bands der britischen Szene." - Popklub.de
- "Mal erinnern sie mehr an die Sleaford Mods, mal mehr an die IDLES. Das neue Big Special Album jedenfalls, “National Average”, macht da weiter, wo sie zuletzt aufgehört haben." - Bayern 2

Nachpressung der 20th Anniversary Vinyl-Edition mit Bonustrack, 2025 ist die Vinylfarbe Gelb (Auflage weltweit 1500). CD (2005er-Auflage) auch wieder erhältlich. "The Illusion of Safety" ist das bahnbrechende Post-Hardcore-Album von Thrice, das eine furiose Mischung aus Punk und Metal mit außergewöhnlichen Texten und musikalischem Können verbindet. Die Band schrieb zwei Songs pro Monat, bevor sie im Juli 2001 mit dem Produzenten Brian McTernan (Converge, Cave In) in den Salad Days Studios aufnahm. Es ist ein unvergleichliches Album, das rohe Underground-Authentizität mit bahnbrechendem Ehrgeiz verbindet. Es wurde sofort zu einer tragenden Säule des Post-Hardcore des 21. Jahrhunderts und hat sich weit besser gehalten als seine vielen Nachahmer. Das Album fängt seine Zeit perfekt ein und bleibt dennoch zeitlos, sodass man bei jedem Hören neue Entdeckungen macht und nicht nur in Nostalgie schwelgt. Von Punk-/Hardcore-Clubs aller Altersgruppen in Orange County, Kalifornien, bis hin zum Headliner der größten Rockfestivals und Veranstaltungsorte der Welt - Das Album gilt als Katalysator für den großen Erfolg der Band. Auch 20 Jahre und zehn Alben später kann man bei jeder Thrice-Show unweigerlich die Aufforderung hören, »Deadbolt« zu spielen - ein Beweis für das Durchhaltevermögen eines Albums, das die Screamo / Post-Hardcore-Ära definiert hat. Auch mit der 2025er Pressung feiert die Band das Vermächtnis des Emo / Post-Hardcore-Klassikers, indem sie als Bonus die B-Seite »That Hideous Strength« wieder dem Vinyl hinzufügt.

Eine der erfolgreichsten Aufnahmen der österreichischen Musikszene ist zurück auf Vinyl! Dieses Alpendrama ist das erste gemeinsame Konzeptalbum der Jugendfreunde Wolfgang Ambros, Manfred Tauchen und Joesi Prokopetz. (die Autoren nennen es "Rustical", abgeleitet von Musical und rustikal) Es beschreibt das ewige Gerufen-Sein vom bösen Berg Watzmann, von den Männern, die aus Imponiersucht "auffi" wollen und oft ihr Leben lassen müssen, sowie von der Gailtalerin, die ihre Macht über die Männer missbraucht und diese damit ins Verderben stürzt. Das Stück wurde 1972 von Manfred Tauchen als Bergbauerndrama-Parodie geschrieben und von W. Ambros zu Liedtexten von J. Prokopetz vertont. Mit bis heute über 250.000 verkauften Exemplaren ist dieses deutschsprachige Konzeptalbum eine der erfolgreichsten Aufnahmen der österreichischen Musikszene.

Adam Greens Musik ist so untrennbar mit dem Wesen New Yorks verbunden wie das Rumpeln der U-Bahn, der Schmutz der Lower East Side oder der barocke Glanz der Midtown-Blocks, in denen einst die Geisterjäger ihre Runden drehten. Seine Songs spiegeln die Stadt in ihrer zeitlosen Mischung aus Chaos, Energie und Sehnsucht wider. Sie durchdringen die dunklen Geschichten Manhattans ebenso wie die von Gentrifizierung gereinigten Straßen und fangen die widersprüchliche Erfahrung des Großstadtlebens ein - die Gleichzeitigkeit von Nähe und Einsamkeit, Abenteuer und Entfremdung, Gesellschaft und Isolation. Sein 2005 erschienenes Soloalbum Gemstones ist tief in dieser Welt verwurzelt - eine musikalische Antwort auf Bright Lights, Big City. Die rockabilly-getriebenen Rhythmen rütteln wie die L-Train, die Melodien wehen wie ein Windstoß zwischen den Häuserschluchten. Doch auch wer New York nie betreten hat, findet in diesen Stücken den universellen Nerv des Alleinseins inmitten der Menge. Getragen von Greens markanter Baritonstimme entfaltet sich Gemstones als bunte Klangreise: vom drehenden, von einer Wurlitzer angetriebenen Titelsong über das orgelnde Over The Sunrise und das unwiderstehliche Rock"n"Roll-Stück Emily bis hin zur bittersüßen Ballade Losing On A Tuesday. Fantasievolle Bilder, surreale Sprachspiele und charmante Melodien schaffen eine Welt. Doch unter all dem Witz und der Verspieltheit schlägt ein echtes, warmes Herz voller Gefühl. Gemstones ist zugleich berauschend und tröstlich - ein Album, das Leichtigkeit mit Tiefgang verbindet. Nach seiner Veröffentlichung machte es Adam Green vor allem in Deutschland zum Star: Das Publikum erkannte in diesem modernen "Two Cent Opera" die Schönheit kleiner Geschichten und großer Melodien. Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint Gemstones nun neu auf Vinyl - ein perfekter Anlass, diesen musikalischen Edelstein erneut funkeln zu lassen.

Einer der wohl bekanntesten Songs Udo Lindenbergs ist „Cello“. Die Ballade über einen jungen Mann, der
eine Cello-Spielerein anhimmelt erschien erstmals 1973 auf dem Album „Alles klar auf der Andrea Doria“.
1997 nimmt Lindenberg „Cello“ dann erneut auf. Diesmal zusammen mit dem Filmorchester Babelsberg.
Zusammen schaffen sie das Album „Belcanto“. Jetzt kehrt ein Stück Musikgeschichte zurück. Zusammen
mit den zeitlosen, emotionalen Balladen „Bis ans Ende der Welt“, „Du und ich – und dann ganz Lage
gar nichts“ und „Die kleine Zockerin“ in orchestraler Aufmachung, gibt es die Single jetzt erstmals streng
limitiert und handnummeriert auf 10“ Vinyl mit neuem Cover in Anlehnung an das kraftvolle originale
Album „Belcanto“.
Lindenberg besingt in „Club der Millionäre“ in alter Udo-Manier den Wunsch, reich zu sein. Der Song
war die erste Single-Auskopplung von Udos Hommage-Album an seinen Vater, „Gustav“. Die Single erscheint nun zum ersten Mal als 10‘‘ Vinyl in Gold, streng limitiert und handnummeriert. Neben dem
Titelsong sind auf der Single zudem mit „Die Augen zu“, sowie die Ballade „Niemandsland“ und der HipHop Track „Wo ich meinen Hut hinhäng“ enthalten.
Mit echten Raritäten, kraftvollen Balladen und sozialkritischen Texten erscheint „Der blaue Planet“ von
Udo Lindenberg am 12.12.2025, das erste Mal als blaue 10‘‘ Vinyl in streng limitierter und handnummerierter Auflage. Die B Seite bilden zwei Balladen über Freundschaft und Liebe, die die Single perfekt
abrunden.

Einer der wohl bekanntesten Songs Udo Lindenbergs ist „Cello“. Die Ballade über einen jungen Mann, der
eine Cello-Spielerein anhimmelt erschien erstmals 1973 auf dem Album „Alles klar auf der Andrea Doria“.
1997 nimmt Lindenberg „Cello“ dann erneut auf. Diesmal zusammen mit dem Filmorchester Babelsberg.
Zusammen schaffen sie das Album „Belcanto“. Jetzt kehrt ein Stück Musikgeschichte zurück. Zusammen
mit den zeitlosen, emotionalen Balladen „Bis ans Ende der Welt“, „Du und ich – und dann ganz Lage
gar nichts“ und „Die kleine Zockerin“ in orchestraler Aufmachung, gibt es die Single jetzt erstmals streng
limitiert und handnummeriert auf 10“ Vinyl mit neuem Cover in Anlehnung an das kraftvolle originale
Album „Belcanto“.
Lindenberg besingt in „Club der Millionäre“ in alter Udo-Manier den Wunsch, reich zu sein. Der Song
war die erste Single-Auskopplung von Udos Hommage-Album an seinen Vater, „Gustav“. Die Single erscheint nun zum ersten Mal als 10‘‘ Vinyl in Gold, streng limitiert und handnummeriert. Neben dem
Titelsong sind auf der Single zudem mit „Die Augen zu“, sowie die Ballade „Niemandsland“ und der HipHop Track „Wo ich meinen Hut hinhäng“ enthalten.
Mit echten Raritäten, kraftvollen Balladen und sozialkritischen Texten erscheint „Der blaue Planet“ von
Udo Lindenberg am 12.12.2025, das erste Mal als blaue 10‘‘ Vinyl in streng limitierter und handnummerierter Auflage. Die B Seite bilden zwei Balladen über Freundschaft und Liebe, die die Single perfekt
abrunden.

Einer der wohl bekanntesten Songs Udo Lindenbergs ist „Cello“. Die Ballade über einen jungen Mann, der
eine Cello-Spielerein anhimmelt erschien erstmals 1973 auf dem Album „Alles klar auf der Andrea Doria“.
1997 nimmt Lindenberg „Cello“ dann erneut auf. Diesmal zusammen mit dem Filmorchester Babelsberg.
Zusammen schaffen sie das Album „Belcanto“. Jetzt kehrt ein Stück Musikgeschichte zurück. Zusammen
mit den zeitlosen, emotionalen Balladen „Bis ans Ende der Welt“, „Du und ich – und dann ganz Lage
gar nichts“ und „Die kleine Zockerin“ in orchestraler Aufmachung, gibt es die Single jetzt erstmals streng
limitiert und handnummeriert auf 10“ Vinyl mit neuem Cover in Anlehnung an das kraftvolle originale
Album „Belcanto“.
Lindenberg besingt in „Club der Millionäre“ in alter Udo-Manier den Wunsch, reich zu sein. Der Song
war die erste Single-Auskopplung von Udos Hommage-Album an seinen Vater, „Gustav“. Die Single erscheint nun zum ersten Mal als 10‘‘ Vinyl in Gold, streng limitiert und handnummeriert. Neben dem
Titelsong sind auf der Single zudem mit „Die Augen zu“, sowie die Ballade „Niemandsland“ und der HipHop Track „Wo ich meinen Hut hinhäng“ enthalten.
Mit echten Raritäten, kraftvollen Balladen und sozialkritischen Texten erscheint „Der blaue Planet“ von
Udo Lindenberg am 12.12.2025, das erste Mal als blaue 10‘‘ Vinyl in streng limitierter und handnummerierter Auflage. Die B Seite bilden zwei Balladen über Freundschaft und Liebe, die die Single perfekt
abrunden.

Das zweite Werk eines Künstlers hat in der öffentlichen Kritik meist einen besonders schweren Stand. Die
Vorschusslorbeeren, die beim Debüt noch großzügig verteilt werden, sind schnell aufgebraucht. So erging
es auch der zweiten Fehlfarben-LP bei ihrer Veröffentlichung im Herbst 1981. Zu sehr wurde „33 Tage in
Ketten“ an dem Überalbum „Monarchie und Alltag“ gemessen.
Bei „33 Tage in Ketten“ war der charismatische Shouter Peter Hein nicht mehr dabei. Kurz vor einer
geplanten Deutschlandtour im Frühjahr 1981 hatte er der Band den Rücken gekehrt, weil er mit dem Erfolgsdruck nicht fertig wurde. Gitarrist Thomas Schwebel, der bei „Monarchie und Alltag“ noch die Texte mit
Peter Hein zusammen schrieb, übernahm schließlich das schwere Amt des Frontmanns. Das im Sommer
1981 in den Kölner EMI-Studios eingespielte Album ist wesentlich härter und aufwühlender als „Monarchie
und Alltag“. Beim wuchtigen Opener „Tanz mit dem Herzen“ trommelt der 2023 verstorbene Uwe Bauer,
der ohnehin nie ein Freund leiser Töne war, wie ein junger Gott, während Bass (Michael Kemner) und
Gitarre (Uwe Jahnke) marschieren.
Für die strikt limitierte 2LP-Reissue in braunem Vinyl konnte neben raren B-Seiten auch das komplett
unveröffentlichte Stück „Warten auf“ sowie bislang ebenfalls noch nie gehörte Live-Aufnahmen von einem
81er-Gig bei Radio Bremen gesichert werden. Feuilleton-Autor Marc Hairapetian steuert zudem aktualisierte und exklusive Linernotes bei.
Ein absolutes Must-Have!

USA Hardcore/Punk Geschichte! M.I.A. wurden 1980 in Las Vegas gegründet, zogen 1981 nach Orange County und begannen im berüchtigten Cuckoo's Nest zusammen mit Fear, Shattered Faith, T.S.OL. u.a. Shows zu spieln. Ende '81 gingen sie in ein lokales Tonstudio in Costa Mesa und nahmen an einem Nachmittag neun Songs auf, bis ihnen das Geld ausging - 300 Dollar gut angelegt! Eine Kassette wurde rasch kopiert und herumgereicht. Eine Kopie der Kassette wurde KevinSeconds bei einem Gig mit 7 Seconds in Reno gegeben. Kevin gab sie an Tim Yohannan von Maximum Rocknroll weiter. Schließlich gelangte sie in die Hände von Felix Alanis von Smoke Seven und Greg Shaw von Bomp. Mitte 1982 waren M.I.A. dann auf drei Vinyl-Veröffentlichungen vertreten: "Tell Me Why" auf der Compilation American Youth Report von Bomp, "New Left" auf Maximum Rocknroll Presents: Not So Quiet On the Western Front von Alternative Tentacles und acht der neun Tracks landeten auf der berüchtigten Split-LP mit Last Rites auf Smoke Seven. Alle 9 Tracks des ersten Tapes sind hier versammelt, zum ersten Mal richtig abgemischt. Der Begin von M.I.A. (US) und gleichzeitig das letzte Lapitel der Moder City Records-Reissue-Reihe zur Band. « ...In one corner is M.I.A., a band originally from Las Vegas, the champions of punk's positive side. They've managed to fuse a super tight thrash sound with enlightened attitudes_"I Hate Hippies" is obviously meant as a satire with a moral, and the results are absolutely stunning. » _Jeff Bale's 1982 review of the Last Rites for...-Split-LP in Maximum Rocknroll #2 Farbiges Vinyl plus 24seitigem Booklet.

USA Hardcore/Punk Geschichte! M.I.A. wurden 1980 in Las Vegas gegründet, zogen 1981 nach Orange County und begannen im berüchtigten Cuckoo's Nest zusammen mit Fear, Shattered Faith, T.S.OL. u.a. Shows zu spieln. Ende '81 gingen sie in ein lokales Tonstudio in Costa Mesa und nahmen an einem Nachmittag neun Songs auf, bis ihnen das Geld ausging - 300 Dollar gut angelegt! Eine Kassette wurde rasch kopiert und herumgereicht. Eine Kopie der Kassette wurde KevinSeconds bei einem Gig mit 7 Seconds in Reno gegeben. Kevin gab sie an Tim Yohannan von Maximum Rocknroll weiter. Schließlich gelangte sie in die Hände von Felix Alanis von Smoke Seven und Greg Shaw von Bomp. Mitte 1982 waren M.I.A. dann auf drei Vinyl-Veröffentlichungen vertreten: "Tell Me Why" auf der Compilation American Youth Report von Bomp, "New Left" auf Maximum Rocknroll Presents: Not So Quiet On the Western Front von Alternative Tentacles und acht der neun Tracks landeten auf der berüchtigten Split-LP mit Last Rites auf Smoke Seven. Alle 9 Tracks des ersten Tapes sind hier versammelt, zum ersten Mal richtig abgemischt. Der Begin von M.I.A. (US) und gleichzeitig das letzte Lapitel der Moder City Records-Reissue-Reihe zur Band. « ...In one corner is M.I.A., a band originally from Las Vegas, the champions of punk's positive side. They've managed to fuse a super tight thrash sound with enlightened attitudes_"I Hate Hippies" is obviously meant as a satire with a moral, and the results are absolutely stunning. » _Jeff Bale's 1982 review of the Last Rites for...-Split-LP in Maximum Rocknroll #2 Handgedrucktes Lithographie-Sleeve, farbiges Vinyl plus 24seitigem Booklet (weltweite Limitierung 300 Stück).

The post-punk-ish Leipzig garage rockers Onyon put out their last album, 2023’s Last Days On Earth, on Chicago’s revered Trouble In Mind label. Now that Trouble In Mind has ceased operations, they’ll release their forthcoming Pale Horses through the Swish Swash and Mangel labels.

Silva Screen Records präsentiert „Music from The Crown“, ein mitreißendes neues Album, dass die Emmy-prämierte Netflix-Serie mit frischen orchestralen Interpretationen ihrer einprägsamsten Melodien feiert. Aufgenommen vom renommierten Ensemble London Music Works und mit ausdrucksstarken Cello-Soli von Nick Squires, umfasst die Sammlung die Hauptthemen und wichtigsten musikalischen Momente aller sechs Staffeln und zeichnet die Reise der Krone von der jungen Elizabeth II. bis zum Ende ihrer Regierungszeit nach.

Diese neuen, für ein volles Orchester arrangierten und mit modernem cineastischem Glanz versehenen Versionen würdigen den musikalischen Ton von „The Crown“ und verleihen den prägnanten Themen von Hans Zimmer, Rupert Gregson-Williams und Lorne Balfe die Unmittelbarkeit eines Konzertsaals. Hans Zimmer ging das Projekt mit dem Gewicht eines Spielfilms an und erkannte die weitreichende Vision des Schöpfers Peter Morgan. Rupert Gregson-Williams erinnert sich an lange Gespräche, in denen der majestätische und doch zurückhaltende Ton des ersten Themas festgelegt wurde, während Lorne Balfe betont, wie die Filmmusik mit Königin Elizabeths Entwicklung von der Unschuldigen zur Monarchin mit gereift ist. Als Martin Phipps in Staffel 3 das Ruder übernahm, schuf er ein Gleichgewicht aus Respekt vor dem Bestehenden und einer frischen musikalischen Identität, die die neue Ära der Serie widerspiegelte.

Oh No helped shape the texture of modern independent hip-hop, introducing the world to his turbulent lyricism with the 2004 Stones Throw classic The Disrupt before establishing himself as one of the world’s most dynamic beat architects. Ranging from soulful to sinister, hypnotic to chaotic, Dr. No’s psychedelic production has become a vital force in hip-hop, bringing the best out of artists like Mos Def, Action Bronson, Prodigy, Murs, Dilated Peoples, Danny Brown, Elzhi, Your Old Droog, and more. The California native has also released several acclaimed sample-themed instrumental collections, mining Mediterranean psyche funk, the work of jazz icon Roy Ayers, Italian library music, rare Ethiopian grooves, and more. Now, Oh No is back with Nodega, his first vocal album in more than a decade. Conceptualized as a corner store where microphone assassins stop through to lay down their street tales, the project finds Oh No cooking up a fresh batch of wild creations as the drama unfolds. While contributing a handful of memorable verses himself, Oh No mostly focuses on crafting soundscapes for a staggering array of guests, including Logic, Ghostface Killah, Talib Kweli, Tha God Fahim, Alchemist, Guilty Simpson, Blu, Crimeapple, Rah Digga, Esoteric, Vic Spencer, Wildchild, Big Twins, and more. “I work with some of the most dangerous emcees in the game,” he explains. “I wanted the album to be like a hip-hop play, with all these different geniuses showing how they steal the scenes.” This concept is brought to life by music Oh No describes as a “cinematic landscape ranging from dark stabbing pianos to melodic jazz interludes, raw gutter loops to funk grit, dirty synths to nighttime thrills.” A visceral experience elevated by immense collective talent, Nodega is a compelling one-stop shop for Oh No’s expansive artistry.

Produziert vom kreativen Kopf der The Clash, Mick Jones, und mit einem Gesangsbeitrag von Kate Moss, fängt Down In Albion die Atmosphäre seiner Ära ein - die Gerüche, die Stimmungen, den Zeitgeist - und blickt zugleich nach vorn. Das Ergebnis ist ein zeitloses Werk, das die menschliche Erfahrung sowohl dokumentiert als auch tröstet. Neben den ursprünglichen 16 Songs enthält die Jubiläumsausgabe fünf ausgewählte Stücke aus dem Archiv der Band, von denen einige - trotz ihrer Bootleg-Bekanntheit unter Fans - hier erstmals offiziell veröffentlicht werden. "Gang Of Gin" und "352 Days" entstanden in derselben Phase wie das Album und waren ursprünglich als mögliche B-Seiten gedacht, wurden jedoch nie veröffentlicht. "Why Did You Break My Heart/Piracy" erschien damals auf der B-Seite der Single Albion. Die Songs "Do You Know Me" und "My Darling Clementine" stammen aus der von Fans geliebten BBC Radio 1 Session mit Zane Lowe vom Oktober 2004, die den kreativen Grundstein für Down In Albion legte. Babyshambles wurde 2003 gegründet, als Pete Doherty vorübergehend aus The Libertines ausgeschlossen war. Schnell entwickelte sich das Projekt zu einem alternativen kreativen Ventil, das ihm erlaubte, neue Themen in einer spontanen, offenen musikalischen Umgebung zu erforschen. In Zusammenarbeit mit Bassist Drew McConnell, Drummer Adam Ficek und Gitarrist Patrick Walden gelang es der Band, die elektrische Energie einer Gruppe einzufangen, die immer am Limit segelte - künstlerisch, kulturell und persönlich. Down In Albion ist erfüllt von klarem, zeitlosem Songwriting, das zwischen intensiven Emotionen und lebendigen Erzählungen wechselt. Diese Jubiläumsausgabe würdigt nicht nur die rohe Mischung aus persönlichen Erfahrungen und gesellschaftlichen Beobachtungen, sondern ehrt auch Patrick Walden, der Anfang des Jahres verstorben ist. Sein unverkennbares Gitarrenspiel prägt das Album tief - und sein Porträt, fotografiert von Hedi Slimane, wurde in das neue Cover mit einem speziellen UV-Glanzdruck integriert. Von dem scheinbar nihilistischen, in Wahrheit aber hoffnungsvollen "Fuck Forever", über die chaotische Energie von "Pipedown" und "8 Dead Boys", den Witz von "What Katie Did Next", die Romantik von "In Love With A Feeling", bis hin zur melancholischen Hymne "Albion" - das Debüt von Babyshambles bleibt ein mitreißendes, emotionales und kreatives Meisterwerk.

"The Virgin Suicides", AIR's zweites Album und der unvergessliche Soundtrack zu Sofia Coppolas Regiedebüt wird zum 25. Jubiläum als "The Virgin Suicides Redux" neu aufgelegt. Ein brandneuer analoger Mix des Original-Albums verleiht den eindringlichen Klanglandschaften, die wie der dazugehörige Kultfilm über die Jahre an Bedeutung gewonnen haben, neue Tiefe. "The Virgin Suicide Redux" ist als analoges Vinyl-Album sowie in einem 2-CD/Blu-Ray Digipack erhältlich. Dieses Set enthält den neuen Analog-Mix von 2025, eine Blu-Ray mit dem Album in Dolby Atmos und eine Auswahl bisher unveröffentlichter Demos und Raritäten.

Feuerschwanz - Methämmer // 2LP Ltd. Edition - Jetzt endlich auch auf Vinyl! Für Sammler und Vinyl-Fans gibt es Methämmer jetzt als: Golden Nugget Doppel-LP 180 g schweres Vinyl Gatefold-Cover limitiert auf 2.000 Stück PO-Start: 02.10.2025 VÖ: 05.12.2025 Mit Methämmer präsentierten Feuerschwanz ihr achtes Studioalbum - und setzen damit einen wichtigen Meilenstein auf ihrem Erfolgsweg. Ursprünglich als augenzwinkernde Mittelalter-Folkband gestartet, zeigt sich hier erstmals der deutliche stilistische Wandel hin zu einem härteren, metallischeren Sound, der bis heute prägend für die Band ist. Während satirischer Humor, Gesellschaftskritik und ausgelassene Festivalstimmung weiterhin fester Bestandteil bleiben, überzeugt Methämmer auch musikalisch mit kraftvollen Riffs, eingängigen Hooks und epischen Hymnen. Einer der Höhepunkte des Albums ist der Song "Schubsetanz", der sich bis heute zum erfolgreichsten Track der Bandgeschichte entwickelt hat - mit über 10 Millionen Streams allein auf Spotify. Gemeinsam mit Titeln wie "Die Hörner hoch" oder der epischen "Krieger des Mets"-Trilogie zeigt der Song, wie gekonnt Feuerschwanz zwischen Parodie, Metal-Hymne und mitreißender Live-Energie balancieren. Methämmer markiert einen klaren Wendepunkt: Mit diesem Album legten Feuerschwanz das Fundament für ihren kometenhaften Aufstieg, der in den Folgejahren mit Chartplatzierungen an der Spitze der Offiziellen Deutschen Charts (Memento Mori, Fegefeuer) seinen bisherigen Höhepunkt fand. Die Band hat sich längst aus der Nische der Spaß-Fraktion befreit und gehört heute zu den erfolgreichsten Acts der deutschen Rock- und Metal-Szene. Jetzt erscheint Methämmer endlich auch als lang erwartete Vinyl-Ausgabe: Die auf nur 2.000 Stück limitierte und nummerierte Golden Nugget Doppel-LP kommt auf hochwertigem 180g-Vinyl im edlen Gatefold-Cover - ein Muss für Sammler, Fans und alle, die die eindrucksvolle Entwicklung dieser einzigartigen Band nachverfolgen wollen. Ein Album mit Kultfaktor - laut, lustvoll, legendär. LIVE: Lords Of Fyre Tour (Zusammen mit Lord Of The Lost) 7 Termine // 02.10. - 18.10. //Berlin - Leipzig - Offenbach am Main - Hannover - Fürth bei Nürnberg - München - Düsseldorf) Ticket: https://feuerschwanz.de/events/

The Sha La Das sind Bill Schalda und seine talentierten Söhne Paul, Will und Carmine, die aus Staten Island, New York, stammen. "Your Picture", das zweite Album der Sha La Das und ihre erste Veröffentlichung auf dem Label Diamond West Records des Produzenten Tom Brenneck (Charles Bradley, Menahan Street Band, Lady Wray), ist ein weiteres einzigartiges Zeugnis der mitreißenden Kraft der Harmonie zwischen Blutsverwandten und eine Hommage an die dauerhafte Liebesgeschichte zwischen Bill und der Matriarchin der Familie, Linda. Spuren alter Erinnerungen flimmern durch "Your Picture". Bills klassisches Songwriting und üppige Gesangsarrangements werden in neues Territorium katapultiert und aktualisieren den Doo-Wop mit dem basslastigen Groove und dem wirbelnden Pop von Brennecks schlanker, räumlicher Produktion. "Wir haben einige psychedelische Klänge eingebracht und uns von Deep-Soul-Platten bis hin zu den Beatles und den Beach Boys inspirieren lassen", sagt Brenneck. Liebe strahlt aus "Your Picture" heraus und fließt aus den schimmernden Melodien, die Bill und seine Söhne produzieren, während sie ihren musikalischen Traum leben.

Die LP wird mit einem 48-seitigen Hochglanz- Booklet geliefert. Das Kunsthaus Bregenz freut sich, ,Wish You Were Gay" von Anne Imhof anzukündigen. ,Wish You Were Gay" ist eine sehr persönliche Ausstellung, die mehrere neue Werkgruppen präsentiert, die eine Reihe von Kernelementen reflektieren und weiterentwickeln, die seit Beginn an das Repertoire von Imhof geprägt haben. In der Ausstellung untersucht Imhof Vorstellungen von Endlichkeit, Realität und Künstlichkeit, Zufall und Schicksal, Abwesenheit und Anwesenheit vor dem Hintergrund einer postapokalyptischen Isolation. ,Wish You Were Gay" umfasst brandneue Skulpturen, Gemälde, Klangarbeiten und eine Serie von sechs bisher unveröffentlichten Videoarbeiten, in denen die Künstlerin auf frühes Material aus den Jahren 2001-03 zurückgreift, einer entscheidenden Übergangsphase im Leben und Werk der Künstlerin. Zu dieser Zeit waren Imhofs Leben und Werk eng miteinander verbunden und manchmal nicht zu unterscheiden, was der aktuellen Ausstellung einen deutlich biografischen Charakter verleiht und Themen wie die Wahlfamilie anspricht, eine Realität für viele queere Menschen. Mit dem Aufkommen von handlichen digitalen Camcordern, bei denen der Bildschirm zum ersten Mal gedreht werden konnte und die Vorläufer der heute allgegenwärtigen Frontkameras sind, nutzte Imhof diese neue Technologie als Spiegelaufnahmegerät, vor dem sie Bewegungen und Gesten ausführte, um die Szene zu beleben und zu gestalten. Mit ihrem Körper als Medium, zusammen mit anderen provisorischen Mitteln wie geliehenen Gitarren und Verstärkern, und der Aufnahme von Liedern und ihrer Stimme als Mittel, diese zu finden, schuf sie Kunst mit ihrer Gemeinschaft Freunden, Liebhabern, Mitarbeitern - und nutzte dabei die Rohstoffe des Lebens, wie es sich gerade entfaltete. Diese Videoarbeiten vermitteln ein unterschwelliges Gefühl der Dringlichkeit, verkörpern Kraft durch Beharrlichkeit und Präsenz, die sich in kontinuierlichen Proben und Improvisationen manifestiert. In den folgenden zwei Jahrzehnten verwebte Imhof diese Elemente - durch unzählige Spiegelungen, Verdopplungen und Variationen der Motive aus dieser prägenden Zeit - zu einer tiefgründigenPraxis der Bewegung, die den Körper in den Mittelpunkt stellt. Rohe Momente werden manchmal auf surreale Weise verlangsamt, in eine Stille versetzt, die voller Spannung und Potenzial für explosive Handlungen ist, etwas, das in ihren eigenwilligen Performance-Stücken, die von anderen aufgeführt werden, wiederkehrt und ihre skulpturale und malerische Praxis prägt.

Light in the Attic freut sich, Nancy Sinatras gleichnamiges Album von 1969 zu veröffentlichen. Diese neue Ausgabe und erste Vinyl-Neuauflage überhaupt von "Nancy" feiert eine der am wenigsten bekannten Phasen der verehrten Künstlerin. Nach drei Jahren im Rampenlicht und an der Spitze der Popmusik war Nancy Sinatra plötzlich in einer unerwarteten, aber irgendwie vertrauten Situation - ähnlich wie Anfang 1965. Sie war wieder einmal ohne Produzenten, ohne neue Songs und kämpfte darum, bei ihrem Label zu bleiben. Lee Hazlewood war Nancys Produzent und Duettpartner gewesen und hatte viele ihrer Hits geschrieben. Nach einer unglaublichen dreijährigen Erfolgsserie zog Lee plötzlich ohne Abschied nach Schweden. Nancy war überrascht und verletzt, aber sie machte weiter und entwickelte sich weiter. Sie fand einen Produzenten in ihrem langjährigen Arrangeur Billy Strange und entdeckte einen jungen Songwriter (und zukünftigen Superstar) namens Mac Davis, der ihr helfen würde, ihren Sound neu zu definieren. Dieses Album mit dem einfachen Titel ,Nancy" steht allein in ihrer Diskografie, versteckt zwischen ihren ikonischen Alben aus den 1960er Jahren und ihren funkigeren Werken aus den 1970er Jahren. Das Album enthält Country-Soul (,God Knows I Love You", ,Son of a Preacher Man"), zeitlose Balladen (,Memories") und eine atemberaubende orchestrale, bluesige Downtempo-Funk-Version von ,Light My Fire" von The Doors, die im besten Sinne an David Axelrod in Las Vegas erinnert. Es ist ein Übergangsalbum, ihr Abschiedswerk für Reprise Records, ein Favorit der treuen Fans und reif für eine Wiederentdeckung. Jede Vinyl-Ausgabe kommt in einer erweiterten Gatefold-Hülle (mit einem 12-seitigen Booklet), auf farbigem Vinyl und enthält eine Bonus-Flexi-Single mit dem bisher unveröffentlichten Titel "Longtime Woman (Early Alternate Version)", einem Outtake, das von Bob Elusive Butterfly Lind geschrieben wurde. Der Track mit dem atemberaubenden Gesang von Nancy und dem zarten Cembalo von Don Randi wurde von Lee Hazlewood während der Aufnahmen zum Album ,Nancy & Lee" im Jahr 1968 produziert.

Indignation Meeting präsentieren ,Murder On The Santa Express", einen brandneuen Song, der die zur Jahreszeit passende Geschichte eines verärgerten Eisenbahnarbeiters erzählt. Zu einem eingängigen Punk-Riff und einem Refrain, den man mitsingen kann, erzählt der widerwillige Weihnachtsmann von seinen Erfahrungen mit den jährlichen Santa Specials, wobei seine Frustration immer größer wird, bis der Satz ,it was murder..." (es war Mord...) von einer klischeehaften Metapher zur grausamen Realität wird. ,Murder..." ist die freche Seite der Single; um die Stimmung ein wenig aufzulockern, gibt es mit ,Christmas Train" die nette Seite, eine neue Version des ältesten Songs von Indignation Meeting, der geschrieben wurde, als Frontmann Peter gerade einmal sieben Jahre alt war! Die neue Single ist bei Damaged Goods Records auf kohlefarbenem 7"-Vinyl (ok, das ist schwarz!) mit vollfarbigem Insert erhältlich. Dies ist die zweite Single von Indignation Meeting nach ,That Leeds Feeling" (Eigenveröffentlichung 2023), wobei die Alben ,Trouble In The Shed" (2023) und ,A Model World" (2024) ebenfalls in allen Formaten erhältlich sind.

EK77 trifft auf MEY, REINHARD! Die unerwartete, aber umso kraftvollere Kollaboration zeigt, was passiert, wenn Punk und Liedermacher auf Augenhöhe zusammenkommen: Kein billiges Crossover, sondern gelebte Solidarität zwischen den Generationen und Genres. Ein Vierteljahrhundert Punkrock mit Ruhrpott-Attitüde, charismatischen Texten und ehrlicher Musik mit dem gewissem Charme - Emscherkurve 77 feiern 2025 ihr 25jähriges Bandjubiläum. Und wie! Denn zum Jubiläum haben sich die Jungs, beim neuen Song "Eins ist geblieben" einen ganz besonderen Gast (und sogar Fan) ins Boot geholt: Reinhard Mey. Ja, der Reinhard Mey! Reinhard Mey hat seine erste Single zwar schon vor exakt 60 Jahren veröffentlicht, da lagen die Sex Pistols und Die Toten Hosen noch in ihren Windeln und die Jungs von Emscherkurve 77 waren noch lange nicht einmal geboren, aber er war schon da und ebnete diesen Weg mit seiner freundlichen Radikalität: Niemands Herr und niemands Untertan! "Eins ist geblieben" von Emscherkurve 77 im Duett mit Reinhard Mey ist somit nicht nur nicht verwunderlich, sondern absolut naheliegend, ja sogar überfällig. Der Generationsunterschied ist irrelevant, die Geisteshaltung, die Freiheitsliebe, das Misstrauen gegen jede Machtfülle und die Demut vor dem Leben eint sie alle: "Dem Himmel sei Dank; für immer ein Punk!" Der zweite Song "Alchemie" ist ein klassischer Emscherkurve 77-Song, ein Lied über das Leben, das eine Brücke baut von der Kindheit bis ins "Jetzt", verbunden mit der klaren Botschaft, dass man jede Phase des Lebens genießen sollte, um möglichst zufrieden zu werden. Nach ausverkaufter Erstpressung (zu Halloween, drei unterschiedliche Farben, jeweils limitiert) erscheint die nachgepresste 2-Song-EP als 10" Vinyl zu Nikolaus in zwei neuen Farben (transparentes Rot oder transparentes Orange).

EK77 trifft auf MEY, REINHARD! Die unerwartete, aber umso kraftvollere Kollaboration zeigt, was passiert, wenn Punk und Liedermacher auf Augenhöhe zusammenkommen: Kein billiges Crossover, sondern gelebte Solidarität zwischen den Generationen und Genres. Ein Vierteljahrhundert Punkrock mit Ruhrpott-Attitüde, charismatischen Texten und ehrlicher Musik mit dem gewissem Charme - Emscherkurve 77 feiern 2025 ihr 25jähriges Bandjubiläum. Und wie! Denn zum Jubiläum haben sich die Jungs, beim neuen Song "Eins ist geblieben" einen ganz besonderen Gast (und sogar Fan) ins Boot geholt: Reinhard Mey. Ja, der Reinhard Mey! Reinhard Mey hat seine erste Single zwar schon vor exakt 60 Jahren veröffentlicht, da lagen die Sex Pistols und Die Toten Hosen noch in ihren Windeln und die Jungs von Emscherkurve 77 waren noch lange nicht einmal geboren, aber er war schon da und ebnete diesen Weg mit seiner freundlichen Radikalität: Niemands Herr und niemands Untertan! "Eins ist geblieben" von Emscherkurve 77 im Duett mit Reinhard Mey ist somit nicht nur nicht verwunderlich, sondern absolut naheliegend, ja sogar überfällig. Der Generationsunterschied ist irrelevant, die Geisteshaltung, die Freiheitsliebe, das Misstrauen gegen jede Machtfülle und die Demut vor dem Leben eint sie alle: "Dem Himmel sei Dank; für immer ein Punk!" Der zweite Song "Alchemie" ist ein klassischer Emscherkurve 77-Song, ein Lied über das Leben, das eine Brücke baut von der Kindheit bis ins "Jetzt", verbunden mit der klaren Botschaft, dass man jede Phase des Lebens genießen sollte, um möglichst zufrieden zu werden. Nach ausverkaufter Erstpressung (zu Halloween, drei unterschiedliche Farben, jeweils limitiert) erscheint die nachgepresste 2-Song-EP als 10" Vinyl zu Nikolaus in zwei neuen Farben (transparentes Rot oder transparentes Orange).

15th Anniversary Edition. Black Vinyl. When Dinosaur Jr. reunited, more than 20 years after their formation and legendary dissolution, the worry was that these guys were just flogging the back catalog, taking the old show on the road as a marketing gimmick. But the 2007 release of Beyond gave a hearty Marshall-driven "F**K YOU!" answer to those inquiring ears. Restoring the sound established by the unassailable hat-trick gambit of their first three albums -- Dinosaur, You're Living All Over Me, and Bug -- Beyond continued the band's march into rock greatness by making old ears smile and new ears bleed afresh. And then came Farm, the 9th full length record by the original line-up: J Mascis, Lou Barlow, and Murph. If Beyond was Dinosaur Jr.'s return to form, Farm is proof that Dinosaur Jr. could (and still do, to this day!) deliver timeless, exhilarating rock music. Farm encompasses Dinosaur Jr.'s signature palette: soaring and distorted guitar, unshakable hooks, honey-rich melodies. At times wholly 70's guitar-epic, at times perfect for sitting by a babbling brook with Joni and Neil, these songs get into your head and stay there, bouncing happily around. The ear-catching "Plans" is nearly seven minutes of classic whipped-topping rock dessert, while "I Don't Wanna Go There" is a meat-and-potatoes main dish, mixing unapologetic lead guitar with straight-ahead delivery a la James Gang or Humble Pie. This expanded deluxe edition of Farm features four songs never pressed to vinyl and never given worldwide release:"Houses", "Whenever You're Ready" (The Zombies Cover), "Creepies" (Instrumental), and "Show". "Whenever You're Ready", a cover of classic pop-rockers The Zombies, is impossibly good for a hidden gem; Murph stomps in with a sledgehammer to the kit, J and Lou layer low-end and fuzz like two halves of one brain, and right when things feel biggest, airy and colossal, there's J with a lightning bolt of a guitar solo. Pure electricity and melody like only he can make. Recorded in J Mascis' Bisquiteen studio in Amherst, Massachusetts, Farm was produced by Mascis himself, and delivers the singular, unique energy of one of America's greatest living rock bands.

Minisex: Kult-Album "Ayo" erscheint als limitierte Vinyl-Reissue am 05.12.2025 - remastered, farbig & rechtzeitig zum 70. Geburtstag von Sänger & Mastermind Rudi Nemeczek

Ein Klassiker des österreichischen New Wave feiert ein Comeback auf Vinyl: Am 5. Dezember 2025 erscheint das gefeierte Album "Ayo" von Minisex in einer remasterten 1LP-Reissue - limitiert auf eine exklusive Auflage und gepresst auf red-marbled Vinyl.

Ursprünglich 1984 veröffentlicht, zählt "Ayo" zu den musikalischen Meilensteinen der Bandgeschichte und enthält einige der größten Erfolge der österreichischen Kultband - allen voran die Songs "Rudi gib Acht" und "Eismeer", die bis heute Genre-Fans und Nostalgiker gleichermaßen begeistern.

Der Reissue-Termin könnte passender nicht sein: Nur wenige Wochen später, am 23. Dezember, feiert Rudi Nemeczek, Sänger, Songwriter und kreativer Kopf hinter Minisex, seinen 70. Geburtstag. Die Neuveröffentlichung ist somit nicht nur ein audiophiles Sammlerstück, sondern auch eine Hommage an eine zentrale Figur der österreichischen Musikszene.
Die LP erscheint in begrenzter Stückzahl. Wer sich ein Exemplar sichern möchte, sollte schnell sein - Ayo ist zurück, und zwar schöner denn je.

Minisex "AYO"
Limitierte 1LP auf red marbled Vinyl - ab 5.12.2025 erhältlich!

Das 1967 veröffentlichte Album "Jazz Raga" ist mehr als nur ein Album - es ist ein furchtloser Sprung in unbekanntes musikalisches Terrain. Gábor Szabó, der ungarische Jazzgitarrist, der für seinen grenzüberschreitenden Stil bekannt ist, liefert mit diesem Meisterwerk eines der faszinierendsten Alben seiner Karriere in diesem Genre. "Jazz Raga" vereint Jazz, Rock, psychedelischen Folk und östliche Einflüsse - mit Sitar-Melodien und lateinamerikanisch angehauchten Rhythmen, die dem legendären Funk-Schlagzeuger Bernard Purdie zu verdanken sind - und lässt sich keiner Kategorie zuordnen. Es ist eine hypnotische Fusion, in der europäische Tradition auf den Gegenkulturgeist der 60er Jahre trifft, alles verbunden durch Szabós unverkennbaren Gitarrensound. Vom verträumten Groove von ,Walking On Nails" über die wirbelnde Mystik von ,Mizrab" bis hin zu seiner eindringlich originellen Interpretation von ,Paint It Black" der Rolling Stones schafft Szabó eine Klanglandschaft, die sowohl gewagt als auch zutiefst gefühlvoll ist. Sein Spiel ist elektrisierend - voller ungewöhnlicher Akkorde, fließender Improvisationen und einer ganz eigenen Stimme. Auch Jahrzehnte später ist ,Jazz Raga" noch immer ein Meilenstein kreativer Freiheit und globaler Einflussnahme - ein Muss für alle, die Musik suchen, die Grenzen und Erwartungen überschreitet. Wenn Sie diesen Kultklassiker noch nicht kennen, ist es jetzt an der Zeit, dass Gábor Szabó Ihren musikalischen Horizont erweitert. Neuauflage auf 180-g-Vinyl.

Editors-Frontmann Tom Smith veröffentlicht sein Solo-Debütalbum „There Is Nothing In The Dark Which Isn’t There In The Light“

Nach zwei Jahrzehnten als Frontmann von Editors und zwei Alben mit Smith & Burrows betritt Tom Smith mit „There Is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ nun endlich Solo-Territorium. Motiviert durch den Wunsch, zu den rohen, akustischen Anfängen seines Songwritings zurückzukehren, machte sich Smith daran, etwas Intimeres und Persönlicheres zu schaffen, weg vom kollaborativen Charakter seiner Bandprojekte.
Anfangs Stand noch der Gedanke im Raum, diese Songs wieder mit seinem langjährigen Kollaborateur Andy Burrows zu schreiben, entschied sich aber schließlich für einen einsameren Weg und engagierte stattdessen den Produzenten Iain Archer. Gemeinsam schufen sie ein Album, das auf emotionaler Ehrlichkeit, akustischen Texturen und Themen wie Verbundenheit, Erinnerung und Resilienz basiert.
Auf dem gesamten Album balanciert Smith reduzierte Arrangements mit filmischen Schnörkeln und schafft so eine dynamische Bandbreite – vom minimalistischen Schmerz von „Broken Time“ bis zum mitreißenden Drama von „Life Is For Living“.
Obwohl von Melancholie geprägt, schwingt auf dem Album letztlich Hoffnung mit – es unterstreicht Smiths Entwicklung als Songwriter und seinen Wunsch, Musik zu schaffen, die das Wesen seiner Persönlichkeit widerspiegelt.

- Oxblood Single Vinyl