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,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

"Singled Out" kommt als auf 1000 Stück limitierte Doppel-LP auf farbigem Vinyl (LP1 blau / LP2 kirschrot) im Klappcover oder als glänzende CD! Dreiunddreißig Tracks! Alle 7"-Singles der Band bis jetzt! Das sind alle ihre A- und B-Seiten! Mit dabei sind zwei bald erscheinende Singles, von denen eine als kostenlose 7" der nächsten Ausgabe des SAFETY PIN MAGAZINE beiliegt. Die andere gibt's als streng limitierte Lathe-Cut-7". Um Komplettisten zu begeistern oder zu ärgern, wird gleichzeitig eine dritte (Standard-)7"-Single veröffentlicht, deren A- und B-Seite hier nicht enthalten sind. Cyanide Pills veröffentlichten 2009 ihre erste 7"-Single ,Break It Up", gefolgt von weiteren 14 fantastischen 45er-Singles, zuletzt eine Split-Single mit den Schweizer Nasty Rumours Anfang letzten Jahres. Die meisten dieser Veröffentlichungen enthielten exklusive B-Seiten, die auf keinem Album zu finden sind und die Damaged Goods für ,Singled Out" zusammengestellt haben. Schön, sie alle an einem Ort zu haben, oder? Alle Tracks wurden im Billiard Room in Leeds mit dem Produzenten Carl ,Razorblade" Rosamond aufgenommen. ,Einflüsse? Hmm, nun, wir hören nicht nur Punkrock, das taten auch die frühen Bands nicht, weil es noch keinen gab", sagte Leadsänger Phil 2023 im Gespräch mit dem Magazin ,Vive le Rock". ,Wir mögen natürlich die üblichen Verdächtigen, unsere Favoriten sind die belgische Band The Kids, X-Ray Spex und Buzzcocks. Wir mögen Satan's Rats, The Tours, Knots, The Fingers, Panic, Kleenex, Crime, The Terrorways, Victims, Wipers, The Briefs, The Spits, The Plugz, Bad Nerves, Nasty Rumours, solche Sachen, jede Menge Sachen, Syd Barrett, The Kinks, MC5, Stooges, Bowie, Ruben and the Jets, Kim Fowley, John Lee Hooker, Howlin' Wolf. Die Liste geht weiter und weiter und weiter."

Seit über 30 Jahren ist Simon Joyner eine Ausnahmeerscheinung - ein vollkommen unabhängiger Künstler, der sich ganz auf sein Handwerk konzentriert. Der in Omaha lebende Singer-Songwriter veröffentlichte Anfang der 90er Jahre erstmals Musik und ist seitdem seinem Weg treu geblieben. Joyners Songs voller stiller Freude und Herzschmerz haben verschiedene Generationen von Künstlerkollegen geprägt und zeigen sich als offensichtlicher Einfluss bei Acts wie Bright Eyes oder Kevin Morby sowie als Anklänge gemeinsamer Perspektiven bei den nachfolgenden Lenkers, Oldhams und Molinas. "Tough Love", Joyners 19. Studioalbum, setzt diesen Aufwärtstrend fort. Obwohl es untrennbar mit der persönlichen Trauer von "Coyote Butterfly" aus dem Jahr 2024 verbunden ist - dem autobiografischen Album, das Joyner nach dem Tod seines Sohnes aufgenommen hat - erforscht dieses neue Album das Konzept der ,tough love" als Dichotomie, die auf verschiedene fiktive Beziehungen angewendet wird, darunter romantische, familiäre und politische. Dieser Balanceakt zeigt sich in lebhaften Schilderungen alltäglicher Herzensschmerzen und in der Auseinandersetzung mit politischer Wut und dem Verrat am amerikanischen Traum. Eines der Wunder von Joyners Werk ist, dass sich seine Muster nicht wiederholen, sondern wandeln. Anspielungen auf Cohen, Dylan und die Velvets sind seit den frühen Lo-Fi-Tagen Teil seines Songwritings, doch die Art und Weise, wie diese Vorbilder einfließen, verändert sich ständig. Während Joyners raue Akustiksongs im Rampenlicht stehen, werden sie von E-Gitarren angestachelt und sind von experimentellen Tendenzen durchdrungen. Die Rocksongs bilden einen Mittelweg zwischen minimalistischen Grooves, die von Velvet Underground der Loaded-Ära übernommen wurden, und der ekstatischen rhythmischen Verrücktheit von Can. Wenn wir beim vorletzten Track, ,Anniversary Song", angelangt sind, haben die geisterhaften Vocals und die Scratches des mikrotonalen Synthesizers die Grenzen zwischen Joyners Folk-Sänger-Herz und seinem Avantgarde-Geist verwischt. All das mündet in den 20-minütigen Titeltrack, der "Tough Love" abschließt - ein erschütternder Sturz in einen scheinbar bodenlosen Abgrund aus Reue, Überlebensschuld und unverblümter Trauer. Er leiht sich eine repetitive Struktur aus Lou Reeds erzählter Suite ,Street Hassle" und kombiniert sie mit dem seitenfüllenden Zeugnis von Dylans ,Sad-eyed Lady of the Lowlands", Joyner erzählt dazu aus der Perspektive seines verstorbenen Sohnes, der zu seinem Vater spricht, all seine Fehler darlegt und schonungslos hervorhebt, dass nichts davon rückgängig gemacht werden kann. Bald jedoch öffnet sich diese Qual zu etwas Transzendentem, sowohl in ihrer eleganten Bildsprache als auch in ihrer ätherischen Atmosphäre. Die letzten Momente des Albums gewähren die Erlaubnis zur Selbstvergebung und hoffentlich eines Tages auch zum Verständnis. Dieses kathartische Ende bringt all die verworrenen Gefühle, die sich durch "Tough Love" ziehen, auf den Punkt. So wie Joyner das Songwriting aus ungewöhnlichen Blickwinkeln angegangen ist, die sich jedes Mal ändern, wenn er zur Gitarre greift, um ein neues Album aufzunehmen, so verändert sich auch auf "Tough Love" seine Beziehung zu Trauer, den alltäglichen Kämpfen und dem ewigen Streben nach etwas Besserem.

Mit "Angriff auf"s Schlaraffenland" veröffentlicht Tapete Records eine umfassende, musikalisch kuratierte Reise durch 50 Jahre deutschsprachigen Punk - von den frühen Experimenten der späten 1970er bis zu modernen Positionen der Gegenwart. Die Compilation begleitet die Jubiläums-Veröffentlichungen des Ventil Verlags, der über 200 Autor:innen zu ihren prägendsten Punk-Songs versammelt und damit das Vermächtnis sowie die Relevanz des Genres würdigt. Wie ein gutes Mixtape verzichtet die Sammlung bewusst auf Chronologie und setzt auf rein musikalische Kriterien: rohe Energie, politische Haltung, Humor, Widerspruchsgeist und stilistische Vielfalt. Vertreten sind u. a. Die Radierer, Hans-A-Plast, Palais Schaumburg, Egotronic, Bärchen und die Milchbubis, Toxoplasma, Slime, Schnipo Schranke, Stereo Total, Die Nerven - Bands, die Punk mit Pop, Dada, Elektronik, Chanson oder Noise neu definiert haben. "Angriff auf"s Schlaraffenland" ist damit ein unverzichtbares Dokument für alle, die Punk nicht als Nostalgie, sondern als lebendige, widersprüchliche und weiterhin unbequeme Kulturform verstehen.

Shaped from fragile, emotionally charged piano motifs that distort, disappear and transform into dense, cinematic textures, 'CANALS' is a debut that's finely matured, the result of years of friendship and growth. Italian artist Vanja Sturno and Montréal-based Belgian-Spanish composer Pablo Geeraert (aka Sanea Ima) have worked together extensively on various projects up until now, but 'CANALS' is their first official release as a duo. Having both studied music academically, the pair were eager to work more intuitively, so applied their well-honed set of skills to sound that, instead of fitting into a conceptual box, reflected more personal experiences.

Back in 2023, Geeraert travelled to Rome to support his friend at a difficult time and, during the trip, received some bad news of his own. The complicated feelings unconsciously surged through a series of delicate Ryuichi Sakamoto-inspired piano improvisations and a new project began to coalesce. They didn't realize it at the time, but once the record was finished, Sturno and Geeraert began to understand that the entire process had been a form a joint catharsis - a release of pressure. They were able to function so effortlessly and swiftly because they had already provided the space for each other to resonate emotionally and the music flowed from that point.

So the album's title, while remaining ambiguous, suggests its formation: a sequence of eight interconnected channels that feed a creative whole. On the first segment, Sturno and Geeraert's initial recordings can be perceived most nakedly, the melancholy, Satie-like phrases floating peacefully for a moment before the tranquility is agitated by stormy distortions and swelled into thick waves of harmony. The piano provides the record with its emotional anchor, offering focus and clarity as multi-dimensional noise wells up around it before inevitably dissipating, leaving gentle, unadorned sounds once again.

And the familiar instrument is reshaped into a wheezing artificial organ on the animated 'CANALS III', punctuated by percussive, tape-warped pitch fluctuations that seem to bite into its very essence. Gauzy acoustic granulations snowball into a powerful, bass-heavy crescendo on the fourth part, setting the tenor for the album's second half. But after the crushing 'CANALS VI', possibly Sturno and Geeraert's heaviest track, a brief tremolo-heavy vignette that ripples through experimental rock and ambient music's braided history, the duo clear the air with a jazzy diversion, introducing soft woodwind blasts as a palate cleanser before an epic, widescreen finale.

It's an album that's best absorbed as a whole, a vortex of ritualistic, rhythmic repetitions that Sturno and Geeraert appropriately refer to as "spiral listening".

Aggressive Measures by Dutch death metal veterans Sinister is a relentless assault of brutal riffs, blast beats, and guttural vocals. Released in the late 1990s, the album showcases the band’s uncompromising style, combining technical precision with raw aggression. Dark atmospheres and crushing songwriting make it a standout in classic European death metal. Now reissued as Ltd. Edition Vinyl. Pressed on Black Red orange Splatter Vinyl in a sleeve.

SUN DONT SHINE (formerly EYE AM) is a powerful convergence of four iconic musicians who have shaped the landscape of hard rock and heavy metal. Comprising Kenny Hickey (vocals/guitar, ex-Type O Negative/Silvertomb), Kirk Windstein (guitar/vocals, Crowbar/Down), Johnny Kelly (drums, ex-Type O Negative/Silvertomb), and Todd Strange (bass, ex-Crowbar/Down), the band offers a raw, unfiltered sound that rejects the overly polished, embracing instead the heavy atmosphere of their origins. From Birth to Death is a 2026 masterpiece produced by Duane Simoneaux and recorded at OCD Studios. The album delivers earth-shaking riffs, bleak atmosphere, and a "next level up" in songwriting - darker, heavier, and more versatile than their previous singles.

Die erste britische Pressung seit der Vinyl-Ausgabe von Hangman Records aus dem Jahr 1991! Jetzt erweitert um zwei zusätzliche Titel: ihre ersten beiden Singles - ,Headcoat Girl" und ,Davey Crockett"! "Da saßen wir also, um einen Küchentisch herum, und tüftelten an Ideen und Melodien für ,Girlsville". ,Wild Man" - wow! ,Round Every Corner" (von Billy für uns geschrieben), ,First Plane Home", ein Kinks-Cover, das wir immer live spielten, ebenso wie ,Meet Jacqueline" (anscheinend von Albert Hammond geschrieben, seltsam!). Jeder Track war ein Hit, finde ich. Dann machten wir uns auf, die Welt zu erobern - mit unseren Alben ,Have Love Will Travel", ,Bozstik Haze" (nicht lila!) und ,Punk Girls" sowie zahlreichen 7"-Knallern. Was für ein Spaß, bis ,Here Comes Cessation" kam. Na ja, dachten wir zumindest..." - MISS LUDELLA BLACK - JAN 20206

Is planet Earth weighing you down? 12 Tribes are ready to take you away. Mars is the destination and their music is the spaceship. Drop your past to join them in a future where humans from all walks of life build new traditions, and music is the language we all speak.

12 Tribes of Mars takes the basic elements of the Reggae, Ska, and Dub traditions and blasts them into outer space. A closer listen reveals that what might seem familiar at first has a truly unique and eclectic sound. Heavily influenced by the spirit of free improvisation, the music is as sexy and danceable as it is uncompromisingly gritty.

On stage 12 Tribes Of Mars really cast their spell: time and time again trance inducing acoustic grooves are torn apart by wild improvisations and electronics, before the musicians return to the rhythm as if nothing had ever happened. Concerts are both an intense, trippy listening experience as well as a high energy dance party, ultimately leaving the audience sweaty and wanting for more.

All members of 12 Tribes are trained jazz musicians that are most comfortable in the borderland between musical genres. In the past years, the band toured the festival circuit and alternative venues of Amsterdam. Now they are celebrating the release of their first full album, Hidden Sun, on a beautiful 12 inch limited edition vinyl and on digital.

Wer sich Drunks Debütalbum ,A Derby Spiritual" aus dem Jahr 1996 noch einmal anhört, wird feststellen, dass es charmanter, sanfter und - wenn ich das so sagen darf - farbenfroher ist, als es sein stoischer Slow-Core-Ruf aus den 90ern vermuten lässt. Und man könnte sogar bemerken, dass Rick Alversons Stimme einen bisher ungeahnten, von Niederlagen gezeichneten Tom-Petty-Singsang aufweist. Der Sound der Band aus Richmond ist zweifellos zurückhaltend, knarrend und karg. Doch die Jahrzehnte haben diesem alten, traurigen Kerl einen wärmenden bernsteinfarbenen Schimmer verliehen. Das Black-Hole-Radio-Stück am Ende des atemberaubenden Openers ,Collarbone" scheint das Kommen von ,Yankee Hotel Foxtrot" vorherzusagen. Und hier in der seltsamen Gegenwart könnten Stücke wie ,Germany Skies", ,Gideon's Trumpet" und ,Gizmo" nahtlos in den heutigen Indie-Country-Boom eingefügt werden. Der seltsame Walzer aus Akkordeon und Geige in Stücken wie ,Indeliberate Matrimony" und ,Coming Home" klingt - wage ich es noch einmal zu sagen - wie Mellencamp aus der ,The Lonesome Jubilee"-Ära am Boden eines Fasses Schnaps. Alversons Lyrik schwankt zwischen dem hoffnungsvollen Nihilismus seines zeitgenössischen Songwriter- und Dichterkollegen aus Virginia, David Berman, und dem tiefgründigen Post-Beat-Minimalismus von Robert Creeley. Ich schwöre, wenn er in dem hoch-und-einsamen, von der Mundharmonika getragenen ,Window Sill" seufzt: ,I feel willy-nill/I pissed upon your window sill", klingt das im Lenderman'schen Sinne des Wortes verdammt romantisch. Im Rahmen des 30-jährigen Jubiläums von Jagjaguwar wird ,A Derby Spiritual", Jags zweite Veröffentlichung überhaupt, zum ersten Mal auf Vinyl gepresst. Ein drei Jahrzehnte langes Unrecht wird endlich wiedergutgemacht. Tatsächlich erscheinen im Rahmen der Feierlichkeiten zum 30-jährigen Jubiläum des Labels eine Handvoll dieser frühen Veröffentlichungen aus der Charlottesville-Ära von Jagjaguwar auf Vinyl.

The 12th studio album from Death Metal Veterans, JUNGLE ROT. DAVE MATRISE (Vocals/Guitars): "Let's start off by saying what an amazing accomplishment it is to hit 12 releases in my career. Never would I think I'd still be doing this 30+ years later. I guess be careful what you wish for I'm very grateful to all of our fans that have supported us for so many years and for never giving up on us. To my bandmates for all of their hard work and dedication to me and JRot over all these year’s. Cruel Face Of War will not disappoint. It's full of crushing grooves and violent hooks that will surely break anyone’s neck. We have stood the test of time. We are still here playing our trademark style of Oldschool Death Metal that has carved a legendary name for us in the underground scene today." Produced by Chris Djuricic at Bell City Sound Company. Mixed and Mastered by Dan Swano at Unisound Studio. Artwork and design by Gyula Havancsak

DYING VICTIMS PRODUCTIONS is proud to present the much-needed reissue of BAPTHOMET’S BLOOD’s debut album, Satanic Metal Attack, on vinyl LP and - for the first time - CD formats. This marks the beginning of reissues of all of the band’s four albums. Originally released in 2006, the Italian act went all in with their pure and authentic love for the old metal scene of the 80s. The aim was never to reinvent the wheel and bring new influences into classic speed metal. These maniacs represented a new generation which wanted to continue and blast out heavy metal in the old way, with the same spirit.

DYING VICTIMS PRODUCTIONS in conspiracy with DE PANKRAKER RECORDS is proud to present SHEWOLFF’s highly anticipated debut mini-album, We’re All Gonna Fukking Die, on CD and 12” vinyl formats. Hailing from Belgium, SHEWOLFF emerged from the underground as a solo-project of K. Von Shewolff, which eventually formed into the solid three-piece band it is today. They find their origins in raw, punk-driven blackness galore, faithfully returning to the old-school spirit of making music by modest and primitive means. A five-song digital-only demo was released in 2023 - songs which contain absolute fury towards the known and long-overdue established order, existential live-or-die sentiment, and a small tribute paid to the old-school believers who came before them. Now, SHEWOLFF blend all that together on the debut mini-album We’re All Gonna Fukking Die.

With six new tracks pushing towards a final and inevitable end, this bleakly titled record is actually invigorating and inspiring: railing against the dying of the light with a paradoxically dark metalpunk sound, familiar in its stomping swagger but exuding cantankerous charisma that’s all their own. The aesthetic signposts are planted firmly in the ground – think Hellhammer, pre-Viking Bathory, Darkthrone’s record-nerd era, early Midnight, the almighty Venom, or even labelmates like KARLOFF, HELLCRASH, and Germany’s LUCIFUGE – but SHEWOLFF manage to stir some diabolical little twists into the bubbling brew, with K. Von Shewolff’s vocals in particular imparting a femininity that’s fierce, frightening, and fucking going for the throat.

DYING VICTIMS PRODUCTIONS is proud to present the striking debut EP of Spain’s FABLE, Long Hath the Night Dwelt, on CD and 12” vinyl formats. FABLE started as a solo-project by Jose Soler (Phantom Spell, Chantrice) influenced by ‘70s and ‘80s hard rock and heavy metal – a list as varied and idiosyncratic as Thin Lizzy, Whitesnake, Pagan Altar, Ashbury, and Hällas – along with hints of old US metal. Duly girded, the band bring forth their public debut, Long Hath the Night Dwelt. An actually-narrated prelude sets the stage for a cautionary tale about class struggle and revolution, FABLE indeed using fables and stories as a medium to tell an expansive story of the woodsfolk dominated under the iron claw of “The Owl.” Despite that, the band’s debut EP is exceptionally compact at five tracks in 22 minutes, moving with a simmering patience that’s heavy on mood and dynamic in its restraint. Never overdriven nor busy, warm and intimate but with a psychic distance that seems impossibly ancient, FABLE very much evoke the perhaps-centuries-old folklore that seems so central to their rustic rock; the wise-sage vocals almost seem an afterthought when the narrative flow of the music starts winding and wending like smoke from a tavern fireplace, so illustrative is its hushed power. However, each element here is equally important, and all work together to form a totality that’s unfussy but hewn with class and care. And this is just the start of this FABLE: discover for yourself how Long Hath the Night Dwelt!

Weiß-blaues Halstuch, das Dorf im Rücken, die große Bühne vor der Brust: TREAM hat in den vergangenen Jahren aus einer Welt, die lange eher nach Bierzelt, A-Klasse-Fußball und letzter Zigarette am
Weiher klang, eines der eigenständigsten Erfolgsmodelle der deutschen Poplandschaft gebaut. Der 27-
Jährige aus Büchelkühn bei Schwandorf verbindet HipHop, Pop und modernen Schlager zu einem Sound,
der genauso drückt wie er mitsingtauglich ist, genauso größenwahnsinnig wie bodenständig und genauso
laut wie herzlich. Oder, wie TREAM selbst es sagt: »Meine Musik klingt nach Leben«. Genau das ist auch
die Überschrift über seinem neuen Album »STAMMTISCHPAROLEN«.
Dass TREAM längst mehr ist als ein Phänomen mit Kultstatus, zeigt sein Weg der letzten Jahre ziemlich
eindeutig. Nach der restlos ausverkauften »Biergarnitour 2024«, einer Arena-Tour 2025 mit über 130.000
verkauften Tickets und drei Abenden hintereinander in der Münchner Olympiahalle geht es im Sommer
2026 auf die nächste Stufe: die erste große Open-Air-Tour. Dazu kommt in diesem Jahr seine Teilnahme
bei »Sing meinen Song – Das Tauschkonzert«. Das alles wirkt bei TREAM nicht wie der glattgebügelte
Aufstieg eines Künstlers, der sich für den Mainstream passend gemacht hat, sondern eher wie das konsequente Durchziehen einer eigenen Vision.
Genau deshalb passt auch der Albumtitel so gut. »STAMMTISCHPAROLEN« ist nicht politisch gemeint,
sondern ein selbstbewusstes Etikett für 15 Songs, die TREAMs eigenes Lebensgefühl bündeln: Provokation,
Herz, Heimweg, Heimweh, Abriss, Eskalation, Freundschaft, Sehnsucht und ein Humor, der nur funktioniert, wenn einer weiß, wo er herkommt. Das Album spielt mit bayerischen Bildern, ohne darin stecken zu
bleiben, und macht aus Klischees Gegenwart.
Schon der Opener »BAYERN GO HIGH (INTRO)« macht klar, dass hier niemand langsam anlaufen will:
808s drücken, Hörner dröhnen, irgendwo zwischen US-Rap-Sound und bayerischer Folklore wird sofort der
Claim abgesteckt. »DIE KENN ICH NICHT« zieht als vergnügter Spießrutenlauf weiter, »SAUNAKONTAKT« erzählt mit Uptempo-Beats den Wahnsinn einer Begegnung, und »HASENJAGD« liefert eine
Hymne, die klingt, als würde die Nacht schon beim Intro eskalieren.
Auch in den Kollabos zeigt sich die Erweiterung seiner Welt: »EISENBAHN« mit Bausa, »APRES SKI«
mit Gzuz oder »K2« feat. Blümchen verbinden scheinbar Gegensätzliches und funktionieren genau deshalb.
Dass »STAMMTISCHPAROLEN« mehr kann als Abriss, zeigen die ruhigeren Momente: »WUNSCH FREI«
erzählt von den Schattenseiten eines Lebens, das von außen nach Dauerparty aussieht, »99 LUFTBALLONS« ist ein Lovesong, während »PSYCHO« und »ALLERLETZTE FAHRT« die Platte in eine nachden-klichere Richtung ziehen.
Gerade darin liegt die Stärke des Albums: Es macht aus Bayern kein Postkartenmotiv und aus TREAM
keine Kunstfigur, sondern zeigt einen Künstler, der Wirtshaus, Wahnsinn und Weltoffenheit gleichzeitig
denken kann – laut, liebevoll, verletzlich und provokant.

Gravity Freeze ist die andere Seite derselben Medaille und entstand im gleichen Zeitraum wie Electric War.
Beide Alben wurden parallel aufgenommen, wobei bei Gravity Freeze Tony Coote am Schlagzeug sitzt. Die
Songs wurden in derselben Phase geschrieben und aufgenommen, allerdings gab es Stücke, die sich natürlicher in den Little Barrie-Kosmos einfügten – Gravity Freeze verfolgt dabei einen stärker songorientierten
Ansatz mit einer direkten Verbindung zu Rhythm & Blues, während Electric War experimenteller angelegt
ist.
Barrie hatte zuvor bereits mit dem Produzenten Rupert Lyddon an verschiedenen Soundtrack- und Filmprojekten gearbeitet, darunter der Dokumentarfilm-Soundtrack zu Dogs On The Streets sowie Barries
musikalische Beiträge zu Elvis und The Black Phone von Scott Derrickson.
Dies ist das erste Little Barrie-Album seit dem tragischen Tod von Virgil Howe im Jahr 2017.

Limitierte Auflage von Alex Gs Original-Soundtrack zu ,I Saw the TV Glow", gepresst auf blauem Glow-Vinyl, mit holografischem Cover und einem ,Mr. Melancholy"-Aufkleber. Der von Alex G komponierte Soundtrack zu ,I Saw The TV Glow" (Original Motion Picture Score) wurde am 16. Mai 2024 von A24 Music veröffentlicht und umfasst 20 atmosphärische und eindringliche Titel. Das Album hat eine Spieldauer von 41 Minuten und enthält Titel wie ,Opening Theme from The Pink Opaque" und ,Downed Power Line", die die unheimliche Klangwelt für Jane Schoenbruns Film untermalen. Dieses Projekt ist Alex Gs zweiter Film-Score nach seiner Arbeit an ,We're All Going to the World's Fair". Der Alex G Original Score von "I Saw The TV Glow" unterscheidet sich vom Soundtrack-Album des Films, auf dem Künstler wie Caroline Polachek, Phoebe Bridgers und Sloppy Jane zu hören sind.

Zeitgleich mit der Fußball-Weltmeisterschaft 2026 veröffentlicht das Label 4AD eine besondere Double-A-Side-7-Inch-Single mit zwei alternativen WM-Hymnen von Air Miami und Colourbox. Die Single trägt den Titel "Complicated Opposition". Das Artwork stammt von Chris Bigg und verwendet Fotografien von The Douglas Brothers. Der Song "World Cup Fever" von Air Miami erschien ursprünglich 1995 auf dem Album "Me. Me. Me.". Er entstand im Sommer 1994, als Mark Robinson mit Blast Off Country Style auf Tour war - während die USA erstmals Gastgeber der Fußball-WM waren. Robinson erinnerte sich, dass er sich damals Fußballschuhe und grellorange Trainer-Shorts aus einem Second-Hand-Laden kaufte. Seine Bandkollegen nannten ihn daraufhin "Coach". Bei einem Konzert in North Carolina meinte Esther Oliver zu ihm: "Du hast World-Cup-Fieber" - eine Bemerkung, die schließlich den Song inspirierte. Der Titel wurde von Pete Weiss neu gemastert. Der zweite Track, "The Official Colourbox World Cup Theme", erschien ursprünglich 1986 als Bonustrack einer CD-Neuauflage des Debüt-Mini-Albums von Colourbox. Das Stück war als Fußball-Thema gedacht und wurde sogar für die BBC-Sendung während der 1986 FIFA World Cup in Betracht gezogen, jedoch letztlich nicht verwendet. Das Remaster stammt von Kevin Vanbergen. Auch darüber hinaus gibt es Verbindungen zwischen 4AD und Fußball. Designer Vaughan Oliver war leidenschaftlicher Fußballfan und gestaltete unter anderem Artwork für Sunderland AFC. Die Indie-Supergroup The Lillies veröffentlichte zudem den Song "And David Seaman Will Be Very Disappointed About That...", der 1991 einem Fanzine von Tottenham Hotspur beilag.

The album's unique concept features answer songs by Skeeter Davis to male performed country hits of that era - Jim Reeves ' "He'll Have to Go" is answered by "He'll Have to Stay", Ray Peterson 's "Tell Laura I Love Her" is responded by "Tell Tommy I Miss Him" etc. The album also includes "The End of the World", her biggest hit, as a bonus track. This special reissue by Sepia is available in heavyweight black vinyl or magenta coloured marbled vinyl editions

The album's unique concept features answer songs by Skeeter Davis to male performed country hits of that era - Jim Reeves ' "He'll Have to Go" is answered by "He'll Have to Stay", Ray Peterson 's "Tell Laura I Love Her" is responded by "Tell Tommy I Miss Him" etc. The album also includes "The End of the World", her biggest hit, as a bonus track. This special reissue by Sepia is available in heavyweight black vinyl or magenta coloured marbled vinyl editions

Formed by "Fast" Eddie Clarke (formerly of Motorhead) and Pete Way (formerly of UFO), the band delivered a raw, energetic sound driven by powerful guitar riffs and melodic hooks. With standout tracks like "Say What You Will" and "Easy Livin'," Fastway received praise for its straightforward rock appeal and infectious energy. Lead vocalist Dave King's dynamic voice adds a gritty edge to the album's heavy rhythms and bluesy influences. Fastway was a commercial success, helping the band gain a strong following and cementing their place in the hard rock and metal landscape. For fans of classic rock and early heavy metal, Fastway is a must-listen, delivering a high-energy experience from start to finish. Fastway is available on black vinyl.

San Francisco style driving techno tinged with dark dubs and disco from two of the town’s most explosive producers.

Brick & Zero Idea represent the same city, blazing their own paths in San Francisco’s heady techno scene. Both manage their own labels / parties, Brick with Perfect Dark and Vitamin1000 a la Zero Idea respectively, but are no strangers in the studio together.

First up, two full-bodied techno timebombs from the duo: a mega sub’n’dubchord special alert on A1’s “West End” paired with a more refined, smoother, slippier companion on the A2 “No Room For Error”. Combined-strengths banger collabs for different moments and moods of a night.

Sticking with the theme, we see contrasting solo tracks on the flip side as well. Brick’s “Sigil” spotlights the producer’s laser focus for darker, hypnotic, full force synths in impeccable arrangement, while “Xhale” ends this release on an upliftingly funky bassline disco tip showcasing Zero Idea’s ease at blending techno sensibilities with French House techniques.

Building momentum around his moody, alchemical breakthroughs in the techno-bass laboratory, Buckley lands on Sneaker Social Club with a punchy quadruplex that marks him out as an innovative talent in the next generation of low end producers.

Manchester-based Elias Buckley first came to light with a lathe-cut drop on ec2a, followed up over the past two years with outings on Well Street, Dimeshift and S.P.E.C. That sets the tone for exploratory zone Buckley is operating in, and he maintains a forward-thinking slant to his physical, dynamic club weapons on this latest EP.

'City Dweller' rests on a creeping mid tempo 4/4 pulse, all the better to carry slithering layers of sound design that slide off the undulating sub bass throb. Minimalism is the order of the day here, but his approach is shot through with gully zaps and rude swagger that makes this a positively UK- centric affair. 'Carl's Floorboard' makes a sizeable swerve towards brutalist grime mutation, letting the space in the mix swallow you whole around the dislocated bass womps and whipcrack snares.

On the B side, 'Gawy' hits the mark squarely between techno propulsion and soundsystem swagger, plying slippery sound design to the bass blasts and working an offbeat groove designed for maximum lock-in. Making sure there are no doubts about his range, Buckley saves one of the deadliest joints on the record for the closer, whipping up a wide-as-you-like UKG bounce on 'M.O.B.S.O.T.' while maintaining the lean and mean sound that binds the EPs any angles together.

Berlin-based artist and label head Tom Peters returns to his techno-focused imprint ...isserving with IS011 - CAN U, a refined four-track vinyl-only release that channels groove,hypnosis, and physical intensity in equal measure.
The EP opens with "CAN U", a deep yet propulsive cut built around metallic percussion,textured synths, and a haunting vocal hook. Its stripped precision and subtle emotionalcharge reflect Peters' evolving sound-somewhere between warehouse minimalism andlate-night transcendence.
Ketch, from the SYXT collective, reimagines the title track with raw drive and rhythmicprecision. His remix sharpens the low-end punch while unfolding layers of atmospherictension that feel both industrial and intimate.
On the flip, "Control Conscious" dives deeper into Tom's hypnotic palette-dark, groove-heavy, and cinematic in its design.
Steffi's remix closes the EP with her signature blend of deep techno and Detroit-infusedswing: warm chords, tight percussion, and a dynamic arrangement that nods to bothemotion and functionality.
Pressed on 140g black vinyl in a limited run of 300 copies, CAN U EP encapsulates thecore spirit of ...is serving-techno with groove, depth, and emotional intelligence.

Limited, 500 copies black gatefold 2LP...

Originally released in 2013, the long-awaited second album from Lulu Rouge finally returns to vinyl in its first-ever limited repress — revived after years of growing demand.

The Song Is In The Drum captures the duo at their most fearless and immersive. Known for their deep melancholia and anti-traditional pop structures, Lulu Rouge blur the lines between dark dub, cinematic electronica, and left-field songwriting. Intense, soul-cutting vocal pieces unfold alongside towering instrumentals — brooding, beautiful, and unapologetically atmospheric.

The album features standout appearances from Danish indie pop visionary Asbjørn and Icelandic-born vocalist Fanney Osk, adding further depth to an already richly textured sonic landscape.

Across 11 meticulously crafted tracks, producers Torsten “Buda” Jacobsen and Thomas “T.O.M” Bertelsen shape a world that feels both intimate and vast. Every beat is deliberate, every space intentional. This is music that doesn’t simply play — it envelops.

Fifty-three minutes that grip you by the heart and refuse to let go.

Welcome to the brightest dark place you’ve ever been.

Look out for a much anticipated new album coming later this year from Lulu Rouge - making this re-issue a timely reminder of the power of their work.

Les Rallizes Dénudés returns with Disque 4 -’76 Studio et Live-, the latest in the ongoing series of official archival releases from the celebrated Japanese underground band.

In 1991, Les Rallizes Dénudés released what would become the only official albums issued during the band’s lifetime: ’67-’69 STUDIO et LIVE, MIZUTANI / Les Rallizes Dénudés, and ’77 LIVE. What no one knew at the time was that Takashi Mizutani was already deep into preparing another record.

Disque 4 reconstructs the track list Mizutani had put together for that fourth album. This includes the single “White Awakening," recorded in 1976 at the studio in Takadanobaba BIG BOX as part of the sessions that would become known among collectors as the “Virgin Demos.” Production and mastering of this archival release were handled once again by Makoto Kubota, assembling the album from the masters left behind by Mizutani, utilizing newly discovered tapes as additional sources.

Prepared by Mizutani using a variety of formats, including U-Matic, open reel, and DAT, the tracks were originally labeled with working titles such as “Disque 4” and “Record No. 4,” indicating that Mizutani intended them for inclusion on a possible fourth album. The recordings were taken primarily from studio sessions that all seemed to have taken place around 1976, which aligns with the claim that Mizutani himself once made that “there exists an album of studio recordings made with the same members as ‘77 LIVE.” His notes also suggest an attempt to sequence the tracks as a vinyl LP, splitting them into A and B sides. It's not hard to imagine that in the era of CDs in the early 1990s, an album on analog LP would have been an extremely difficult sell. Thus, the “Fourth Album” had become another lost piece of the intricate Rallizes myth.

Les Rallizes Dénudés may be notorious for the colossal volume and extended song lengths in their live settings. But this work, centered around studio recordings and condensed onto a single LP record, transcends the common impression of the band’s aggressive flood of noise. Instead, the “lyricism” at its core emerges with striking clarity. And needless to say, this is precisely the charm of the Rallizes that continues to captivate fans worldwide today.

Giving You the Best That I Got is the third studio album by Anita Baker, released in 1988 by Elektra. It was Baker's first and only #1 album in the US and her second #1 R&B Album. This will be a Vinyl reissue for Black Music Month.

Darwin Chamber is a veteran of the prog game, and now that sound is very much back en vogue, it's no wonder new generations are falling for the American's sounds. Back in March, he dropped this EP which was inspired by a San Fran acid trip, and it became an instant classic that meant the initial translucent yellow vinyl edition, limited to 303 copies, soon sold out. Now it reappears on black wax and obviously it still bangs. 'The Acid Test (DJ Spun mix)' is a heavy, raw jam with plenty of trippy details, warped pads and vocals that come and go so subtly you can't really be sure they're there. 'Never Coming Down' is a deep and dark workout with cold analogue hits and paranoid vocals, then '25th Century Acid Cat' is a little brighter with its synths but no less of a mind-fuck. 'Get Down' is gurgling, coruscated, sleazy and mid-tempo acid techno for the freaks. Brilliant.

Born 2 Be Free celebrates the naughtier end of the house and garage spectrum with a first volume in this new Low End Guerrillas series. Mista Men's 'Corner' has muggy blasts of bass that cocoon you in warmth as lively garage drums and nimble synth motifs keep things fresh. Mella Dee brings his usual sonic filth to the rugged analogue grind of 'A Way Of Life'. No Brainers then layer up a bubbly mix of top and hits over driving bass notes on 'Not Again', then Lvpica's 'Funky:Mission' keeps it deep and moody with a shadowy bassline and slick drums for cool cats. Live From The Moon shuts down with the more eerie and suspenseful 'Parrot In The Studio.' Characterful tools from font to back.

Constructive is pleased to announce, 'Utopia or Oblivion', a new compilation featuring ten artists inspired by the pioneering work of R. Buckminster Fuller, with each track inspired and in response to Fuller's work specifically Utopia or Oblivion', first published in 1963.

From the irregular glitch pop scintillation of 'How Would I Be? What Would I Do' by German artist & founding member of To Rococo Rot, Robert Lippok, to the heartfelt ambient and seraphic voices of 'Afterimage' by Japanese artist Tujiko Noriko (Editions Mego, PAN, Room40), through to the tensile, eruptive, dub-contoured emittances of 'Tensegrity Rhythms' by Peruvian experimental composer Ale Hop (Karlrecords).

Elsewhere, there are appearances from the Bafta-nominated composer Adam Janota Bjowski (Saint Maud OST), musician & Constructive co-founder Adrian Corker, London-based experimentalist No Home, Italian artist & NTS Radio resident Silvia Kastel (Blackest Ever Black, Palto Flats, Youth), British sound artist David Prior, and a unique collaboration between the British DIY experimental musician Richard Skelton & Corey Fuller, a descendant of R. Buckminster Fuller.

In a Secret Room is a retrospective that reopens the sonic and visual archive of KKD, bringing back to light a trajectory that long remained underground within the history of Italian new wave. The tracks, recorded between 1979 and 1986, reflect a constantly evolving process shaped by experimentation, improvisation, and a drive toward new languages. The project takes shape inside a former hotel in Italy’s Po Valley, transformed into a studio, rehearsal space, and visual lab.

Here, among analog synthesizers, homemade electronics, and multitrack recorders, Kriminal Killer Division experimented with and pushed their available technology to its limits, developing a hybrid language: sounds captured from radio and the street, synthetic voices, guitars, and electronic sequences intertwine in compositions that move between art rock, minimal wave, and more industrial directions. This collection aims precisely to reactivate that imaginary. The vinyl is accompanied by a risograph fanzine that restores the project’s visual dimension: collages, photographs, and graphic materials reflecting the same experimental attitude found in the recordings. Sound and image move together, as parts of a single expressive device. In a Secret Room offers access to a hidden space where interference, noise, and intuition take form without mediation. Not a nostalgic operation, but a re-emergence: a living archive that continues to generate meaning in the present.

The second installment of The Tape Masters series by German film music maestro Peter Thomas. Audiophile pressing in deluxe 2x10" vinyl set, limited to 500 copies.
While volume one of the series compiled Thomas' dopest library music cuts, this album dives deep into the soulful side of the Peter Thomas Sound Orchester, featuring the mystique house band of Afro-American Munich GI club Tabarin Bar, Donna Summer's first solo recordings, stunning cinematic funk instrumentals and a healthy amount of breaks and beats.

Out of the 20 scorching tunes on this compilation, only three were released at the time of their recording and are nearly impossible to find on the 2ndhand market, ten have never been released anywhere before, others celebrate their first outing on vinyl or in stereo.

Peter Thomas is widely acknowledged as Germany's most inventive film music composer of the 1960s and 1970s, best known for his iconic soundtracks. Today, his work is cherished not least for its incredible groove factor. The story of this compilation traces the origins of the Peter Thomas Sound Orchester's rhythm section and its soul music background, shines a light on unsung heroes like singer Joe Quick and unearthes nuggets that have been lying dormant on tape for decades.

All music was carefully transferred from Peter Thomas' private master tapes and cut in full dynamics, housed in a beautiful fold-out cover with liner notes and private pictures. The compilation is released in cooperation with Peter Thomas' son Philip who represents the Peter Thomas Sound Orchester catalogue since his father's passing in 2020.

Tim Wright is a musician, composer and video artist based in York. He is perhaps best known as a producer of unusual electronic dance music released under his own name and the pseudonym Tube Jerk. His music has been released by some of the key labels in the field including Tresor, Mute/Novamute, Sativae and GPR. Remix credits range from scorn through Cristian Yogel to Laurent Garnier and Goldfrapp.

Tim also works for the Japanese choreographer Saburo Teshigawara as a composer and sound designer. his compositions for Teshigawara include the original music for metamorphosis (2014), a commission for Goteborgsoperans Danskompani, Sweden; darkness is hiding black horses (2013) for the ballet de l'opera de paris, France; and compositions for installations at the Yokohama Triennale 2008, the Shanghai Zendai museum of modern art and the ikon gallery in Birmingham.

the producer, multi-instrumentalist, DJ and record collector Gabriel Cyr AKA Teleseen releases 5th album 'The Emotional Life of Savages' via French imprint Goldmin Music.

African rhythms, Latin heat and otherworldly electronics collide like neurons, processed through a New York state of mind. The pancontinental sounds are mirrored in his own life, which has oscillated back and forth between various countries.

A jazz background combined with a love for house and techno are ingrained in the grooves. Also key is the samba, baile funk and MPB that inspired him while living in Rio de Janeiro, plus the sounds he reabsorbed on returning to NYC's club scene.

This wide range of influences spanning the global underground coalesces into a rich, vital and coherent whole. Warm and soulful, but also evoking an intoxicating, heady atmosphere, the hypnotic and ultra-rhythmic tracks subtly shift and build to fever pitch, due primarily to deft polyrhythmic drums and percussion - both played and sequenced.

"Working on this record I finally found myself able to manifest a certain sound I'd been hearing in my head for years, combining the rhythmic intensity of afro-house and afro-Brazilian music with the more cosmic sounds of Detroit and deep house", explains Cyr on his musical vision.

The gentle sundowner glow of 'Myrtle Avenue' with its textured synth waves and wandering Parrish-esque keys acts as a precursor to the potent nocturnal adventure to follow: 'Espelhos' captures a similar essence to Black Science Orchestra's classic 'Save Us (The Jam)', before the heat goes up and heads go down for the eastern-tinged, autotune-laden fire of 'Khalil'.

The album then intensifies further still on the percussion-heavy, big bottomed cosmic throb of 'Jaguar', whilst Brazilian flavour meets tech house rush on 'Fundos', before the party reaches its feverish close on the wiggling batucada- meets-tribal-house of 'Temporada De Seca'.

Born in the north eastern United States, as an adult Cyr has always been nomadic. He has sought to live and immerse himself in other cultures and absorb their sounds, but eventually always succumbs to the Big Apple's magnetic pull. Back home, a key inspirational catalyst for the album was the Brooklyn-based party Africainoir, where he's a resident DJ.

Alongside cutting his teeth producing illbient/hip hop and working as an engineer, he ran his own studio for period, before starting his own label Percepts, on which to release his dub techno style debut. He has since released on 100% Silk, Boomarm Nation and Feel Up Records, and now 'The Emotional Life Of Savages' marks Teleseen's first album for Goldmin.