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D.R.F. Pills makes his debut on his own imprint D.R.F. with straight-to-the-dancefloor reworks.
Four cuts sourced from the obscure corners of a 90s band catalogue, approved by the legendary figure Nino Dolce — bizarre, unmatched and sabroso.

No explanations needed, just play it loud.

There is a strong sense of place running through 'North West Tonight', as God Colony aka Crack Copies label heads and Liverpool-raised duo James Rand and Thomas Gorton sketch out a hazy, after-hours portrait of their hometown. Drawing on 80s new wave melodies and rough-edged club rhythms, the EP balances sounds of yore with present-day energy. There is crunchy, disrupted bass on 'The Column', backlit broken beat on 'Middle Eye' and more sun-kissed depths on 'Rhyll Sun Centre'. 'The Paradox' stands out as a darker, more edgy and club-ready sound while the rework by Sasha stretches the track into something built for wide-eyed dancefloors.

Frenchman Franck Roger is as consistent as any of the deep house greats we have all loved and appreciated for many years. He returns to Seasons Limited with another EP of perfectly timeless sounds to back that up. Opening up this latest gem is 'Don't Make Me Wait', which is shimmering and candlelit, with wispy pads and aching vocal cries occasionally bursting out of the mix. 'The Number Track' has a more pronounced groove with lumpy kicks and this time neon chords bubble through nicely for zoned-out late-night hypnosis. 'Fast Lane' closes with a more insular and dark feel that takes you back to the early days of Chicago house with a devastating synth conveying great loneliness

Uluru is back with another tasty 7”.

Making his debut on the label, Italian producer Mondocane jump into the dancefloor with a bouncy electro reggae tune.

Flip it to find label honcho Smile Davis ready to “blow ya mind”

2026 Repress

Langsam, schnörkellos und größtenteils instrumental - auf ,Orphans" wendet sich Art Feynman nach innen. Das Album, das als ,Musik zum Nebenbei-Hören" konzipiert ist, soll den Alltag begleiten und die Atmosphäre untermalen, ohne konzentrierte Aufmerksamkeit zu erfordern. Es bewegt sich durch den Raum wie ein Windspiel - weniger etwas, dem man folgt, als etwas, das man spürt. Es sind intime, einsame Erkundungen, Skizzen, die sich weniger komponiert als vielmehr entdeckt anfühlen, und doch strahlen sie eine stille emotionale Klarheit aus. Während sich Feynmans frühere Arbeiten oft auf komplexe Grooves und dichtes Zusammenspiel stützten, ist ,Orphans" entwaffnend still, geduldig und beruhigend. Zu Beginn des Albums kann man sich fast vorstellen, wie Feynman über einem 4-Spur-Recorder sitzt, Melodien auf einem kleinen Casio nachspielt und seinem Instinkt folgt, wohin auch immer er ihn führt. Der Eröffnungstrack ,Soft Reminder" entfaltet sich mit einer sanften Orgelmelodie, die zu gleichen Teilen melancholisch und neugierig ist; ihre Töne verweilen in der Luft, anstatt voranzutreiben, und legen sich so mühelos im Raum nieder, wie sie zur stillen Reflexion einladen. An anderer Stelle vermittelt ,Soup Song" eine Art hausbackenen Minimalismus, wobei sein beharrliches Orgelmuster an den frühen, experimentierfreudigen Geist von Terry Rileys ,A Rainbow in Curved Air" erinnert. ,Always In Need of Something" verweist auf die verspielten, suchenden Qualitäten von Francis Bebey, wobei seine zyklische Phrasierung eine stille, menschliche Unruhe unter der Oberfläche andeutet. Durchgehend sammeln sich Klänge und Texturen sanft an und formen ebenso sehr eine Atmosphäre wie eine Reihe eigenständiger Kompositionen, wobei sie subtil die emotionale Temperatur des Raums verändern, den sie einnehmen. Das späte Herzstück des Albums, ,Ice Bath", einer der wenigen Momente mit Gesang, bietet eine subtile These: "It slowed me down / That's what I needed / For a new beginning." Der Song fühlt sich wie ein Wendepunkt an, eine Akzeptanz der Stille als notwendige Voraussetzung für Veränderung. Er geht nahtlos über in ,The Condition of New Things", ein wunderschön skizzenhaftes E-Gitarrenstück, das im offenen Raum nachhallt, wobei jede Note mit sorgfältiger Absicht platziert ist und an einige von Jeff Parkers Soloarbeiten erinnert. Der Abschluss-Track ,Plastic Flowers" schwebt herein, getragen von Vocoder-gefiltertem Gesang und einem zarten Bett aus Gitarre und Synthesizer. "To trick the eye but still touch the heart", singt Feynman - eine Zeile, die stillschweigend das Ethos des Albums umrahmt. Wie Licht, das im Laufe eines Tages über eine Wand wandert, mögen diese Aufnahmen bescheiden sein, in ihrer Einfachheit sogar illusionartig, doch ihre emotionale Resonanz ist unbestreitbar.

In December 2025, I performed alongside Asmus Tietchens and Jetzmann at the final Hörbar Ausklang Festival. This cassette was produced for that occasion. It contains preliminary studies for my live modular synthesiser performance.

The tape wasn't sold on the night, and its release ended up being postponed until now. At one point I had almost forgotten that I had even produced it. Now it's finally here—but what does that change?

Side A features a 24-minute piece titled Aber Was Ändert Das? (What Does That Change?)
Aber Was ändert Das? – Two oscillators coupled via a comparator and routed through a filter bank form the foundation of this piece. Eight filters within the bank are modulated by a synchronised octal triangle wave. Over time, the modulation gradually unfolds like an abanico (fan), shifting into different patterns. The impulses slowly dissolve into noise. A looping voice tape is added to the texture, and the piece concludes with a melody of comb-filtered sine tones.

Side B presents several variations and adjustments of a self-generative patch.

Quantitative Unbestimmbarkeit I-V (Quantitative Indeterminacy I–IV) – At the core of these pieces is a source of uncertainty and three function generators programmed in mutual feedback. The tonal material is derived from a wave-folded sine wave, a noise source, and a pinged state-variable filter. This type of self-generative patch is commonly known as a Krell patch.

The edition is limited to 50 copies. Release day will be the August 7th, 2026.

The title Miszellen Band is derived from the term Miszelle (plural: Miszellen), which refers to a short informative text or brief scholarly essay, often published in academic journals or collected volumes under a "Miscellanea" section. The word originates from the Latin miscella, meaning "mixed things". Such texts typically explore highly specific subjects without the scope or depth of a full-length study. They often consist of etymological notes, addenda to previously published work, concise discussions, or small discoveries from archives.

2026 Repress

Peter Brown's P&P label is possibly the most collectible of all the Disco-era independent labels. The distribution was always patchy, the records would often appear out of nowhere and then disappear equally fast. Many of the artists were one-off productions or working under hastily conceived pseudonyms.

In short, P&P has all the ingredients of the perfect label for diggers everywhere with records still being discovered some 40 years later. Little is known about Marta Acuna but plenty is known about the production team of Patrick Adams and Lonnie Johnson who were just way ahead of everyone else on this spacey Disco jam from 1977. It's been consistently popular on the cooler dance-floors for the last 20 years but suddenly the 7" has sprung into demand. A mint copy isn't far off £100 these days, so it seemed a good time to finally make the 7" available again.

As per usual, this will be on the original 7" P&P label and mint (which is near impossible to find these days). Always handy to have a guaranteed banger on a crisp 7" pressing and that P&P label looks so good. Black Vinyl in P&P Disco Sleeve.

Vor 24 Jahren veröffentlichte Jane Weaver ihr Solo-Debütalbum. Nun erscheint es erstmals wieder als Neuauflage! Das ursprünglich 2002 veröffentlichte *Like An Aspen Leaf* ist ein atemberaubendes, atmosphärisches Folk-Werk, durchzogen von einer Sehnsucht, die an Americana erinnert. Mit der Unterstützung von Mitgliedern von Elbow, Voice Of The Seven Woods und Andy Votel entstanden, entfaltet sich das Album wie aus einer Welt des Barock-Pop: untermalt von Liedern voller Wehmut, durchdrungen von eindringlichen Melodien und üppigen Harmonien sowie verfeinert durch klagende Cello-Klänge und ein sich sanft schlängelndes Klavier, das hinter Janes Moll-Akkorden lauert. Das nun für die heutige Zeit remasterte *Like An Aspen Leaf* ist eine betörende Sammlung von sieben Songs, erfüllt von tiefer Melancholie. "These are urban poems, reflecting frailties in urban landscapes and finding great passions hiding between the lines of everyday conversation" The Guardian ****

Joyce und Tutty Moreno, die legendäre Sängerin/Gitarristin und der Schlagzeuger, die maßgeblich den Klang der brasilianischen Popmusik geprägt haben, haben sich mit Adrian Younge zusammengetan, um JID027 zu erschaffen.Das Ergebnis ist ein Album, das die ätherische Schönheit kollektiver Improvisation, die Schwere der Saudade und die unzerstörbare Verbindung zwischen zwei der angesehensten Musiker Brasiliens einfängt.Das Album bewegt sich in einem feinen Gleichgewicht zwischen Vorausplanung und Improvisation. Joyce' Kompositionen - ,Mandala", ,Uaná Eté", ,Is This Love?", ,Fingers" und ,Janeiro" - stehen neben instrumentalen Stücken von Younge, in denen Joyce' Stimme selbst zum Instrument wird: mal wie ein Horn, mal wie eine Flöte, ein wortloser Strom aus Melodie.Den Abschluss bildet ,Círculo Vicioso", eine Vertonung eines ikonischen Gedichts von Machado de Assis, Brasiliens bedeutendstem Schriftsteller. Joyce' gesprochene Worte, vorgetragen in ihrer Muttersprache Portugiesisch, verwandeln das Stück in eine Meditation über Leben, Tod und die zyklische Natur der Kunst.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Auf ,Revelations of Divine Love", Jason Calhouns fünfter Veröffentlichung bei Dear Life Records, hat Calhoun ein besonders kraftvolles Album zusammengestellt, das surrt, summt und leuchtet. Im Gegensatz zu seinen jüngsten Werken, die sich um ausgedehnte, hypnotische Kompositionen drehen, wecken die vierzehn Tracks hier sofort deine Aufmerksamkeit und Neugier. Ihre Prägnanz unterstreicht nur eine seiner größten Stärken: die Fähigkeit, einen verfliegenden, flüchtigen Moment einzufangen und festzuhalten. Der Titel ist eine Anspielung auf die britische Anachoreta Julian von Norwich, deren gesammelte Schriften mit demselben Titel die frühesten sind, die jemals von einer Frau in englischer Sprache verfasst wurden. Hier dient er als verbindendes Thema für Calhouns ganz eigene Palette aus unruhigen Texturen und zaghaften Melodien. Das ist zweifellos persönliche Musik, aber sie fühlt sich auch greifbar an, fast wie Toffee in ihrer Präsentation - und bei einer so kraftvollen Kombination fällt es schwer, beim Hören ein Lächeln zu unterdrücken. Zum Beispiel, wenn der eindringliche Puls, der ,last one" trägt, plötzlich seine Farbe wechselt, während sich gähnende Töne offenbaren, oder wie ,eye dilation" auf Zehenspitzen in den Raum schleicht, wobei jede Note wie ein sorgfältig gewählter Schritt klingt. Obwohl das Album niemals gekünstelt oder überladen wirkt, bleibt es entschlossen intim.

Mit “Therapy At The Club” kündigt das Londoner Trio FLO ihr mit Spannung erwartetes zweites Album an
– und hebt modernen R&B auf ein neues Level. Bestehend aus Renée Downer, Stella Quaresma und Jorja
Douglas, steht die seit 2021 aktive Girlgroup für eine neue Ära – roh, selbstbewusst und kompromisslos.
Musikalisch vereinen FLO den unverkennbaren Spirit der 90er – inspiriert von Ikonen wie Destiny’s Child
und TLC – mit zeitgenössischem R&B und eingängigen Pop-Elementen.
Nach ihrem bahnbrechenden Debüt “Access All Areas” (2024), das direkt in die Top 3 der UK-Albumcharts
einstieg (übrigens die höchste Platzierung einer britischen R&B-Girlgroup seit 23 Jahren) setzen FLO ihren
kometenhaften Aufstieg fort. 2026 wurde das Album bei den Grammy Awards als “Best Progressive R&B
Album” nominiert und machte FLO zur ersten britischen Girlgroup seit zwei Jahrzehnten mit einer GrammyNominierung.
Ihr Erfolg ist kein Zufall: Bereits 2023 gewannen FLO sowohl den BRIT Award als Rising Star als auch den
BBC Sound of 2023 – als erste Gruppe überhaupt.
Auch international wächst ihre Strahlkraft stetig: Mit Streams in Millionenhöhe, hochkarätigen Kollaborationen mit Künstler:innen wie KAYTRANADA, GloRilla, Missy Elliott, Kehlani und Stormzy sowie Support
von Stars wie SZA, Megan Thee Stallion, Ariana Grande und Kelly Rowland zählen FLO längst zu den
spannendsten Acts ihrer Generation.
Mit ihrer “Access All Areas”-Tour (2025) spielten sie zudem die größte US-Headliner-Tour einer britischen
Girlgroup seit den Spice Girls und setzten als erste britische R&B-Girlgroup neue Maßstäbe mit über 20
Shows in den USA.
“Therapy At The Club” ist mehr als nur ein Album – es ist ein Statement. Emotional, empowernd und
gemacht für die Tanzfläche.

ROLE MODEL kündigt sein drittes Studioalbum Chuck Timely & The Hourglass an. Das Album beschäftigt
sich mit der Angst, dass die Zeit davonläuft, mit vergangenen Fehlern, unerfüllten Hoffnungen und der
Sehnsucht nach einer Zukunft, die vielleicht nie erreichbar scheint. Im Zentrum steht Chuck Timely, keine
klassische Alter-Ego-Figur, sondern ein eigenständiger Charakter, der die Themen des Albums verkörpert.
Charmant, schwer greifbar und zeitlos bewegt sich Chuck zwischen Nostalgie und Gegenwart, als jemand,
der überall Eindruck hinterlässt, vertraut wirkt und trotzdem unerreichbar bleibt. Visuell bewegt sich die
Figur zwischen klassischer Vintage-Ästhetik, nostalgischer Ikonografie sowie bewusst chaotischen Lo-Fiund Grunge-Elementen. Genau dieses Spannungsfeld aus Vergänglichkeit, Sehnsucht und Liebe prägt das
gesamte Album, das sich musikalisch um Zeitdruck, Vergangenheitsbewältigung und Reue dreht.
ROLE MODEL, bürgerlich Tucker Pillsbury, steht für eine neue Form moderner männlicher Popmusik:
emotional offen, selbstironisch und charmant leichtfüßig. Nach ausverkauften Tourneen, einem SNL-Debüt,
einem Platz auf der Forbes-„30 Under 30“-Liste und einer Rolle im Netflix-Film Good Sex zeigt sich ROLE
MODEL auf Chuck Timely & The Hourglass auf dem bisherigen Höhepunkt seiner kreativen Entwicklung

Mit seiner außergewöhnlichen Virtuosität und poetischen Klangsprache gehört Bruce Liu, Gewinner des
Internationalen Chopin-Klavierwettbewerbs 2021, zu den faszinierendsten Pianisten seiner Generation. Auf
seinem neuen Album „Lunaris“ präsentiert Liu ein Programm, das ihn von seiner intimsten, visionärsten
und atmosphärischsten Seite zeigt:
Im Zentrum von „Lunaris“ stehen Beethovens legendäre Sonaten „Mondschein“ und „Waldstein“. Rund um
diese Meisterwerke entfaltet sich ein Programm voller atmosphärischer Dichte und emotionaler Tiefe, das
ikonische Klavierwerke mit verborgenen Schätzen verbindet. Chopins geliebtes Nocturne, Debussys schimmernde „Rêverie“ und Bachs zeitlose Klangsprache treffen auf selten eingespielte Werke von Mompou,
die ekstatische Intensität Skrjabins und die hypnotische Schönheit von Cages „Dream“. Zeitgenössische
Klangfarben von Agnes Obel und Ligeti verleihen dieser musikalischen Reise eine frische und überraschende
Dimension.
Mehr als ein klassisches Recital-Album ist „Lunaris“ ein immersives Hörerlebnis, cineastisch, nächtlich
und zutiefst persönlich. Inspiriert von Poesie, Malerei und dem Geheimnis der Nacht erschafft Bruce Liu
mit jedem Werk einen Raum voller schwebender Zeit, Licht und Fantasie.
„Es ist nicht nur eine Auswahl von Werken, die ich liebe, sondern auch mein Versuch, eine neue Art des
Hörens und Erlebens von Klang zu erschaffen, die in mir gewachsen ist. Diese Atmosphäre der schwebenden
Zeit sowie das Nebeneinander von Intimität und Distanz sind Dinge, die ich in meiner täglichen Beziehung
zum Instrument wiedererkenne.“ – Bruce Liu
Gelobt für seine „elfengleiche Virtuosität“ (Le Monde) und seine „Eleganz und Leichtigkeit des Anschlags“
(The Guardian), entführt Liu sein Publikum in eine faszinierende Welt aus mondlichtdurchfluteter Reflexion,
Fantasie und Transzendenz.

In a year which marks the 40th anniversary since the initial formation - under the moniker of Black Death - of what would subsequently grow into influential genre legends, 2026 marks the return of the imperishable Norwegian duo of Fenriz & Nocturno Culto for their new opus of high calibre old metal, under the banner of 'PreHistoric Metal'. As Fenriz himself proclaims of the title's symbolic origin, "Prehistoric is a loose term.

I just figure it's our VIBE, our take on things & it's more a statement that we use old style to create something new". 'Pre- Historic Metal' contains eight tracks of primal epics & gargantuan riffs with organic sound & the ever- present permeating spirit of the 70s & 80s, for a new continuation of the mastery witnessed on 2024's 'It Beckons Us All'. This next chapter in Darkthrone's extensive & ongoing catalogue presents a vast odyssey through the sonic landscapes of Thrash, Black, Heavy & Doom Metal &, adorned with a punishing & "in your face" guitar presence, Darkthrone stirs the cauldron of savage creativity with a nod to the writing methods which were indicative of their earlier works of the late 80s, but with a more refined craft.

Phosphor returns with its fifth release and a new chapter for the label’s founders, Blue Vision. As their second EP on the imprint, Machines Will Transform Us (PHP005) confirms the project’s direction: a precise balance between club-driven tech house and more immersive, hypnotic electro textures.

Across the EP, Blue Vision asks a simple question: after spending our days connected to algorithms and modern machines, can repetitive rhythms and mechanical grooves on the dancefloor turn us into machines once again, or instead help us reconnect with ourselves?

Machines Will Transform Us (A1) opens the EP with a driving Italo bassline and tight, tech-driven drums. Melodic 80s synths contrast with sharper electro elements, gradually building tension before a final drop designed for peak-time impact. The track sets the tone for the release: machines transform us as much as we transform them.

Then comes Just a Game (A2), blending spacious 90s progressive and synthwave influences over a rock-solid club bassline and crisp drums. Playing with atmosphere and emotion, the track explores the feeling that we are never too far from a simulation, that maybe everything is just a game. Perfectly suited for introspective yet intense moments, it acts as an ideal bridge between harder tracks in a set.

On the flip side, I Love Acid (B1) is direct, hypnotic, and designed to lock the dancefloor into a steady flow. Stripped back to punchy drums and a raw acid line, it takes a minimal approach that works equally well in early hours or late-night sets. Behind the title lies the idea of acid as both machine energy and mental escape, where repetitive sequences blur the boundary between human emotion and mechanical movement.

As a final touch, Scan Your Brain (B2) shifts into deeper, more immersive territory. Analog pad textures create a drifting atmosphere over a hypnotic bassline and electro drums. With this closing track, Blue Vision answers their initial question by imagining the dancefloor as a space to disconnect from rigid thinking. The vocal serves as a reminder that the brain is constantly overloaded, and that dancing becomes a way to let go, reset, and reconnect.

Demon Records as part of our ongoing catalogue initiative are pleased to be making ‘Ten More Turnips from the Tip’, the fourth and final album to be released by Ian Dury & The Blockheads widely available on vinyl, pressed for the first time ever on classic black vinyl and featuring the singles 'Dance Little Rude Boy' & 'One Love'.

Am 7. August 2026 veröffentlichen THE BOYS eine limitierte Doppel-A-Seite-Vinyl-Single bei Damaged Goods Records. ,Damn Those Eyes" und ,Never Mind the Botox" wurden letztes Jahr im The Planet Of Noise Studio in Limmared, Schweden, aufgenommen. Beide Songs stammen aus dem sechsten offiziellen Studioalbum von The Boys, das im Dezember 2026 erscheinen wird. Zusammen mit den Sex Pistols, The Clash und The Damned gehörten The Boys zur ersten Welle der britischen Punk-Explosion Mitte der 1970er Jahre. Ausgestattet mit einem Arsenal an Killer-Songs von Steel und Dangerfield wurden The Boys im Januar 1977 zur ersten britischen Punkband, die einen Plattenvertrag unterschrieb. Von der Musikpresse und ihren Zeitgenossen hoch geschätzt, führten ihre gut ausgearbeiteten Songs zusammen mit Steels und Dangerfields Liebe zu Harmonien dazu, dass sie als ,die Beatles des Punk" bezeichnet wurden, aber sie hätten genauso verdient mit den Ramones verglichen werden können (und sollen) - schnell, abwechselnd frech und augenzwinkernd, und herrlich hymnisch. Auf der neuen Single sind die ursprünglichen Gründungsmitglieder und das Songwriter-Team Matt Dangerfield und Casino Steel zu hören, zusammen mit den langjährigen Mitgliedern Chips Kiesbye & Kent Norberg (von der schwedischen Megaband Sator) sowie Martin H-Son (ex-Backstreet Girls). Der renommierte internationale Filmemacher und ehemalige Bassist von The Crybabys, Danny Garcia, hat einen Gastauftritt auf ,Never Mind the Botox" und hat außerdem Promo-Videos für beide Songs gedreht.

"I miss Conway. We all miss Conway. We miss him a lot. Things are not the same without him." Nick Cave

Maverick folk artist and touring veteran Rev Hammer has been writing and releasing music for over 40 years. He regards his music not so much as a passport to fame and fortune but as a ticket to ride and has enjoyed numerous tours, collaborations, and projects over his long and varied career. The Old Crow Folk Club album features 23 of his songs re-imagined by friends and artists including Justin Sullivan (New Model Army), Mark Chadwick (Levellers), Maddy Prior (Steeleye Span), Simon Friend (Levellers), Seth Lakeman, John Jones (Oysterband), Dan Donnelly & Jon Sevink (Levellers), Nick Harper, Kathryn Roberts & Sean Lakeman, Nick Parker,

At War with Satan ist ein Meilenstein der Metal-Geschichte. Das ursprünglich 1984 veröffentlichte dritte
Studioalbum verbindet Venoms charakteristische Mischung aus Proto-Black- und Thrash Metal mit dem
epischen, die komplette erste Albumseite einnehmenden Titelsong. Mit seiner kompromisslosen Intensität
und seinem visionären Songwriting trug das Album maßgeblich dazu bei, die Grenzen des Heavy Metal neu
auszuloten und den Weg für kommende Extreme-Metal-Generationen zu ebnen.

Erstmals seit der ursprünglichen Veröffentlichung zurück, und nun auch endlich auf Vinyl erhältlich! Janes zweites Album aus dem Jahr 2006 - eigentlich eine Zusammenstellung von Songs und Aufnahmen, die noch vor ihrem Debüt entstanden - ist eine augenzwinkernde Sammlung moderner Alltagsdramen. Es bietet ein breites Spektrum an schwebenden Dreampop-Stücken, die sich auf bittersüße Geschichten aus dem Leben in kleinen Mietwohnungen konzentrieren und eine wunderbare Balance zwischen atmosphärischem Americana und hauchzartem New Folk halten. Das unter Mitwirkung von Doves und Andy Votel entstandene Werk ist ein Downtempo-Spiegelbild der Post-Britpop-Ära des Nordens, geprägt von schwungvollen Rhythmen und lebensnahen Beobachtungen. ,Seven Day Smile" vereint Sessions für das unveröffentlichte ,Supersister"-Album mit eigenen Heimaufnahmen und bleibt so eine zutiefst persönliche Songsammlung.

Recorded April 17 and 18, 1993, at the Union Grove Baptist Church, Ozark, Alabama.

The Wiregrass Singers' Dewey Williams began learning the shape-note tradition in his childhood. He studied under Judge Jackson, who authored the landmark 1934 hymnbook The Colored Sacred Harp. In 1971, Williams formally organized The Wiregrass Sacred Harp Singers to preserve the music full-time. This unified troupe began touring nationally and leading workshops, which ultimately launched them onto stages at the Smithsonian and Newport folk festivals up until Williams' passing in 1995 when the group disbanded. The African-American Sacred Harp tradition in the Wiregrass region has steeply declined since the start of the 21st century, due to an aging generation of singers, and today it is largely sustained through archival preservation and occasional multi-book singing meetups.

This raw recording, made at the Union Grove Baptist Church, Ozark in mid-April 1993 finds the group singing from B. F. White’s The Sacred Harp (1844), which together with his brother-in-law William Walker’s Southern Harmony (1835) formed the musical backbone of generations of Southern music and Southern musical styles.

"On almost any Sunday between the months of March and October, the season most conducive to travel and outdoor dinner-on-the- grounds, Sacred Harp devotés join with fellow songsters at the County Line Church in Slocomb, or the Mount Sinai Church in Henry County, or the Union Grove Baptist Church in Dale County, or at any one of a dozen or so churches in the southeast Alabama counties of Barbour, Coffee, Dale, Geneva, Houston and Pike, to form the square and sing fa-sol-la. Approximately fifteen African-American Sacred Harp singings occur annually in the Wiregrass region of southeast Alabama. A singing tradition characteristically associated with white culture in the Deep South, southeast Alabama has enjoyed a vibrant African-American Sacred Harp tradition for well over a century.

On a day of a typical African-American Sacred Harp Singing, the participants arrive casually in the late morning, seat themselves in the square according to voice part, and begin to sing. A dinner break occurs in the early afternoon, and the singers enjoy a covered-dish "dinner-on-the-grounds" (or in the church basement) prepared by the women. The most intense and emotional singing typically occurs after the dinner break. Each singer takes a turn leading the song of his choice. He walks to the middle of the square, calls out the song's page number and waits for the designated tuner to key the song. Singers are discouraged by the other singers from repeating a song that has already been sung, or "used." This proscription is often dispensed with, however, if the singer is particularly young, particularly old, or if the song has special significance to the individual song leader (perhaps the favorite song of a recently deceased relative).

Every singer is given an opportunity to lead a song. Often, older or more infirm singers will request younger singers to lead their songs for them. The motions of the song leaders are highly stylistic and often emotional. Young children are taught in singing school to mark time with their right arm while holding the book in their left. Typically, a singer will stand in place at the center of the square while leading the singing of the notes. When he begins to lead the lyrics portion of the song, he will often begin to "walk time," rhythmically pacing from one side of the square to the other, being careful never to turn his back on the tenor section. This "walking time" is unique to the African-American tradition. As a singer grows more confident he develops his own distinctive leading style. During fuguing songs in particular, he may gesture to each section of the square as its part joins in. Skilled song leaders often elicit applause or other emotional responses from the group. Occasionally a singer may fall into a state of spiritual ecstasy and "get happy." The episode might include a personal testimonial followed by a repeat of the last verse or refrain from the previous song. The singings break up around 5 P.M."
—Henry Willett, 1997 credits

As We Once Were is the third studio album from twice Welsh Music Prize nominated artist and producer The Anchoress (aka Catherine Anne Davies) - This new record is the long-awaited follow-up to the UK Top 40 album The Art Of Losing and features an all-star cast of guest vocalist, including Mercury Music Prize nominees Hannah Peel and Welsh-Cornish musician Gwenno, long-time collaborator James Dean Bradfield from Manic Street Preachers also contributes vocals and electric guitar on 'Throw Over Your Man' - a song inspired by the love letters between literary legends Virginia Woolf and Vita Sackville West - and newcomer Eaves Wilder (Secretly Canadian) duets on 'Damsels' The Art Of Losing received wall-to-wall critical plaudits upon its release in 2021 and scooped up a raft of Album of The Year nods from The Sunday Times, to Prog, to the Mail on Sunday. With Sir Elton John naming it "one of my favourite records of the year" and Caitlin Moran calling it "the inadvertent, beautiful and truthful soundtrack to this moment", it went on to sell over 10,000 physical copies via the power of word of mouth.

As We Once Were is the third studio album from twice Welsh Music Prize nominated artist and producer The Anchoress (aka Catherine Anne Davies) - This new record is the long-awaited follow-up to the UK Top 40 album The Art Of Losing and features an all-star cast of guest vocalist, including Mercury Music Prize nominees Hannah Peel and Welsh-Cornish musician Gwenno, long-time collaborator James Dean Bradfield from Manic Street Preachers also contributes vocals and electric guitar on 'Throw Over Your Man' - a song inspired by the love letters between literary legends Virginia Woolf and Vita Sackville West - and newcomer Eaves Wilder (Secretly Canadian) duets on 'Damsels' The Art Of Losing received wall-to-wall critical plaudits upon its release in 2021 and scooped up a raft of Album of The Year nods from The Sunday Times, to Prog, to the Mail on Sunday. With Sir Elton John naming it "one of my favourite records of the year" and Caitlin Moran calling it "the inadvertent, beautiful and truthful soundtrack to this moment", it went on to sell over 10,000 physical copies via the power of word of mouth.

As We Once Were is the third studio album from twice Welsh Music Prize nominated artist and producer The Anchoress (aka Catherine Anne Davies) - This new record is the long-awaited follow-up to the UK Top 40 album The Art Of Losing and features an all-star cast of guest vocalist, including Mercury Music Prize nominees Hannah Peel and Welsh-Cornish musician Gwenno, long-time collaborator James Dean Bradfield from Manic Street Preachers also contributes vocals and electric guitar on 'Throw Over Your Man' - a song inspired by the love letters between literary legends Virginia Woolf and Vita Sackville West - and newcomer Eaves Wilder (Secretly Canadian) duets on 'Damsels' The Art Of Losing received wall-to-wall critical plaudits upon its release in 2021 and scooped up a raft of Album of The Year nods from The Sunday Times, to Prog, to the Mail on Sunday. With Sir Elton John naming it "one of my favourite records of the year" and Caitlin Moran calling it "the inadvertent, beautiful and truthful soundtrack to this moment", it went on to sell over 10,000 physical copies via the power of word of mouth.

Fresh from dropping a fine collection of reworks by Scruscru, Blur Records welcome back regular contributor Hotmood. He brings with him a belated sequel to his 2023 EP Disco Power. The Mexican begins in fine form via the tease-and-release, disco-funk powered disco-house slammer 'Give It To Me', before opting for a more elastic and rubbery groove on the similarly-minded peak-time bounce of 'Let Me Dance'. Hotmood decides to breathe new life into a string-laden, cowbell-sporting 1970s disco workout on 'That's What You Had', once more exploring effects-laden disco-house dynamics, while closing cut 'Summer Nights' sees him making merry with loops and samples from an old Earth, Wind and Fire favourite and some suitably powerful beats.

Coyote are back with another typically carefully curated collection of Baleraic re-edits and revisions via the reliable (and hush-hush) Magic Wand imprint. The Nottingham twosome kick things off themselves with 'Carpenter', a dubby and bass-heavy extension of a dreamy, folksy number (all jangling acoustic guitar, stoned male lead vocals and gentle hand percussion), before we're treated to the 'Pointless edit' of 'Six Blade Scalpel' - a languid, bass-heavy revision of a late 70s blues/soft-rock number crafted by Bedmo Disco's Sell By Dave. There's an Americana/neo-folk feel to Andy Kidd's sublime extension of Dan England's 'I Don't Feel That Way', while YZ's edit of 'Sapelo' is a horizontal, Rhodes-laden, spoken word-sporting ambient delight.

Tomoyoshi Date and Stijn Hüwels met for the first time in 2015 in Tokyo, being introduced to each other by Chihei Hatakeyama. That same evening, they recorded what would later become Hochu-Ekki-Tou, their first album, released on Home Normal in 2019, followed by 遠き火、遠き雲 (A Distant Fire, A Distant Cloud) in 2021 on LAAPS.

Tomoyoshi Date creates acoustic and organic sounds with a little touch of digital processing. He began to create electronic music in 1998. In 2003, he forms the group Opitope with Chihei Hatakeyama (released by SPEKK), in 2012 the group ILLUHA with Corey Fuller (released by 12k), and the group Melodia with Federico Durand (Home Normal). His solo albums were released from Flyrec (2009, Japan) and Own Records (2011, Luxembourg). Also he worked as emergency doctor until 2014, and started his ambient oriental medical clinic "Tsuyukusa Clinic" in Tokyo since 2014. Tomoyoshi currently resides in Narita, close to Tokyo.

Stijn Hüwels has a profound fascination for minimalism. He's using mainly layers of processed guitar and field recordings. He released on Dauw, mAtter, Eilean Rec., Home Normal, White Paddy Mountain and Slowcraft/Lifelines. He released albums in collaboration with Chihei Hatakeyama, Norihito Suda, An Moku and Ian Hawgood. Together with James Murray he forms Silent Vigils. Stijn lives and works in Leuven and Brussels, Belgium. He's also curating Slaapwel Records since 2014, a label dedicated to music to fall asleep with.

In Arc, Yorkshire-born artist Kirk Barley explores alternative tunings and off-grid sequencing to shape fluid rhythmic and melodic systems that unfold into rich harmonic forms. Kirk’s fourth album under his own name and debut for Marionette continues his exploration of just intonation through a sparse but finely detailed palette of organic atmospheres, metallic shimmer and off-kilter rhythms. Across the record, glassy pads, gamelan metallophones, clarinet and guitar dissolve into fluid, dreamlike forms, suggesting vast coastal landscapes, charged air and the stillness that follows turbulence.

Drawing on the feel of sample-based hip-hop, the minimalism of Terry Riley and Jon Hassell, as well as dub techno and post-rock, Kirk brings together a range of influences in a sound that feels both intimate and expansive. After first hearing Terry Riley’s Shri Camel as a teenager, he became captivated by just intonation and microtuning, inspirations that have shaped his work ever since, from his earliest Bambooman releases to the present solo works and as on half of Church Andrews & Matt Davies. Arc is his first record to be fully rooted in alternative tunings from start to finish. Longtime friend and collaborator Matt Davies appears on Ion, Sundry, Ecstatic and Fret (Haar), where his finely detailed, ASMR-like muted percussion deepens the dialogue between tactile acoustic sound and Kirk’s luminous electronic palette.

180g White Vinyl

* Following on from the hugely popular ‘Klavirni’ (Emika’s first solo piano album in 2015) her second installment of piano solos are a magical cluster of melodies, dreamy effects, obscure production mistakes with tape echo’s and other old analog gear.

* The pieces were recorded during the time she was pregnant with her first child Silvy, to whom she has dedicated this record ‘To Silvy who heard it first from the inside’.

* The collection of ‘Dilo’s’ which means moment in Czech, were recorded ‘in a state of ultra hyped up creativity combined with a massive fear about losing my identity or creativity as an artist once I would become a mother’ - says Emika about the album process.

* A truly personal affair and in keeping with the original style of the first Klavirni, all the Dilo’s were recorded improvisations by the composer on her home piano, this time in Berlin.

* Dilo 7 from the first album has been streamed more than 15 million times on Spotify and there will also be a ‘Red Edition’ repress of the album on vinyl.

* This release marks the 5 year anniversary of Emika Records, celebrating 5 years of independence since her days with Ninja Tune.

* Dilo Variations EP (not released previously before on vinyl) will come with the anniversary releases on a cute little 10’’ with updated artwork.

* This is also the final release in her Emika Records catalog before starting a new venture in 2020 with more details to follow later in the year.

* ‘Klavirni Temna’ which means dark piano in Czech, explores the relationship between dark and light, good and evil, death and rebirth.

* ‘Music is a powerful and sometimes unexplainable force.’ - Emika

The legends of the golden era of Italian soundtracks and library music go by many names, but the backbone of that era’s definitive sonic identity is most often identified as I Marc 4 (also known as Marc 4 or I Marc Quattro). While the moniker might be less familiar to the uninitiated, it is a simple acronym derived from its founding members: Maurizio Majorana (bass), Antonello Vannucchi (organ), Roberto Podio (drums and percussion), and Carlo Pes (guitar). The number "4" serves to highlight the core synergy of these four master musicians. Their journey began in Rome’s vibrant jazz scene of the 1950s and early 1960s, where they honed their craft as members of the RAI national orchestra and collaborated with the most prominent jazz and pop icons of the day. However, it was their pivotal role in defining the Italian cinematic sound of the 1960s and 1970s that secured their legacy. Their unmistakable style was an eclectic fusion of beat, jazz, classical, and Latin influences—textured with early synthesizers, experimental sound effects, and a blend of electronic and baroque instrumentation. Consequently, their initials are etched into the credits of countless landmark recordings by legendary composers such as Nino Rota, Armando Trovajoli, Gianni Ferrio, Alessandro Alessandroni, Piero Umiliani, and Ennio Morricone.

Beyond their work as session luminaries, they produced a vast body of library music under their own name at the legendary Telecinesound Studios in Rome. These recordings were released through prestigious library labels like Sermi, Ricordi, and Fonit Cetra, as well as through their own imprints: Nelson Records, Silver Men, and Silver Music, spanning a definitive series of sixteen albums. Ten of these volumes were issued on Nelson Records during the 1970s, featuring the now-iconic military stencil design. Each release was color-coded: red (G.L.P. 1001), dark blue (G.L.P. 1002), gold (G.L.P. 1003), light green (G.L.P. 1004), brown (G.L.P. 1005), black (G.L.P.1006), light blue (G.L.P. 1007), yellow (G.L.P. 1008), orange (G.L.P.1009), and cool green (G.L.P. 1010). The series was completed by two elusive companion releases: S.M. 2001 on Silver Music and S.M. 2002 on Silver Men, both presented in the same distinctive brown sleeve. Rediscovered in the 1990s and 2000s, these Nelson releases have since achieved cult status among collectors, producers, and DJs worldwide. The final two installments, S.M. 2001 and S.M. 2002, remain the rarest and most enigmatic of the set.

Often overlooked, they contain some of the most profound "hidden gems" in the group’s catalog. The tracklist traverses a wide stylistic spectrum: from the rare groove and proto-hip hop energy of "Trama Nella Metropoli", "Beat Morbido", and "Candy", to the lush cinematic atmospheres featuring the ethereal vocals of Edda Dell'Orso on "Summer In Love", "On The Rain", and "Arcobaleno". The collection is rounded out by sophisticated jazz pieces like "Flauti Ensemble", "Passeggiata", and "Atmosfere Dolci”. Sonor Music Editions has meticulously curated the finest moments from these two rare albums for this first-ever dedicated reissue. Bringing together the best of Silver Music (S.M. 2001) and Silver Men (S.M. 2002), this release retains the iconic stencil artwork but introduces a striking silver finish. This design choice honors the original ten-album sequence while shedding new light on these outstanding recordings—works that remain, in every sense, golden.

Weapons Of Desire is back with its first vinyl release in three years. WOD032 sees label misfits Auto Sound City and Iron Blu collaborate once again with a four tracker kick ass release that turns music upside down!

Nach seiner ersten Netflix-Hauptrolle meldet sich Fatoni mit neuer Musik zurück. „Drama endet nie“ geht den Weg weiter, den das Vorgängeralbum „Wunderbare Welt“ (2023) schon eingeschlagen hatte: eingängige Melodien, ohne in eine unangenehme Seichtheit abzudriften, Produktionen, die auf der Höhe der Zeit sind, ohne sich ihr anzubiedern, und immer der Spagat zwischen Tiefsinn und Leichtigkeit, den keiner so gut beherrscht wie Fatoni. Es geht um Trennungen, es geht um Neuanfänge, es geht um den Versuch, im alltäglichen Wahnsinn nicht zu verzweifeln. Um Vespas und Hollywood, Algorithmen und Raubüberfälle. Wie immer ohne Netz, aber mit doppeltem Boden. PS: Eat the rich!

Children, the one and only instrumental song that breaks all the rules, created by Robert Miles. The netherlands producers Tinlicker signed the new remix of Children.

Bio:
Tinlicker are Utrecht based duo Micha Heyboer and Jordi van Achthoven who have been crafting their computerized soul together since 2013. Before joining forces, they individually honed their skills as part of world renowned drum 'n bass act Black Sun Empire (Heyboer) and as producer, songwriter and music editor for many artists (Van Achthoven). Their previous experience was apparent from day one of their collaborative project, resulting in an impressive
string of highly mature and deeply emotive tracks. Since starting working together they’ve quickly become a household name in the world of electronic dance music previously releasing on Armada,
mau5trap, Anjunafamily and Astralwerks. They have released their first full length album 'This Is Not Our Universe' last fall and released their remix album this past spring from the likes of Dosem, Joris Delacroix and Grum.

Leading Danish contemporary jazz label April Records is proud to present Well, actually..., the third album from Polish acoustic jazz quartet O.N.E. Grounded in the spirit of democracy andcollective improvisation, the album offers a tightly woven set of original compositions that blur the lines between modal jazz lyricism and the raw energy of free improvisation.The band name O.N.E. is a clever double entendre: in Polish, "one" (pronounced oh-neh) means "they" in the feminine plural - an apt nod to the all-female lineup. In English, of course, it signifies unity. Both meanings reflect the band"s egalitarian, leaderless approach and cohesive group sound.Almost three years after the recording of their previous release Entoloma(Audio Cave), the group reunited in December 2024 at Studio S4 in Warsaw to record a fresh set of ten compositions. Spread over two sides, the album captures the continued evolution of a band that thrives on interaction, trust, and shared purpose - even in a society fractured by post-pandemic socio-economic uncertainty and political ambiguity. Featuring contributions from all four members - pianist Kateryna Ziabliuk, saxophonist Monia Muc, bassist Kamila Drabek, and drummer Patrycja Wybranczyk - the recordreflects their commitment to artistic democracy. Each voice is given space, yet the music always feels greater than the sum of its parts. Even on the miniature solo track solo form, the other three players remain present, supportive, and responsive. From Ziabliuk"s percussive piano textures and dreamlike voicings on tracks like Osloand Berio, to Muc"s expressive, woody tone on alto and baritone sax, each piece explores dynamic interplay and shifting emotional landscapes. Drabek"s resonant, grounded bass - by turns lyrical and propulsive - provides a central thread, while Wybranczyk"s drumming fizzes with precision and imagination, as heard on Cipherand the angular closer Sneaking Around.Together, these four distinctive creative forces have developed a shared language built on mutual respect, long-term collaboration, and deep listening. Their concerts across Europe (including Jazzahead, B-Jazz, Umea, and the Edinburgh Jazz & Blues Festival) haveaffirmed their standing as a boundary-pushing group with something new to say.








f SOLO FORM






[f] b2 [SOLO FORM]






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Leo Mas is a true icon, who was there at the start of the Ibiza revolution in the 80s, he is the protagonist and witness of the birth of Ibiza as the World Capital of Clubbing alongside Dj Alfredo Fiorito at Amnesia (Ibiza) during the years of 1985, 1986, 1987, 1988 and 1990, thanks to his unique sound and innovative set he is as one of the Pioneers of House and Techno music and one of the Balearic Beat Originators.

Leo Mas - The Dark Side (Irreverent Mix)

Amnesia was the club that changed the European and later the global club scene in 1987, thanks in part to the support of London DJs Paul Oakenfold, Danny Rampling, Nicky Holloway, Johnny Walker, and Nancy Noise, who came to Amnesia for the first time that year. At the time, Amnesia was still an open-air club, and the group was amazed by the unique, eclectic, and irreverent style of Alfredo and Leo, who played the new House Music imported from the United States along with a genre-blending sound that would later become known as Balearic Beat. When he returned to London, Paul Oakenfold bought all the records that were being played at Amnesia, with the help of Nancy Noise, and together with his friend Ian St. Paul opened the one-night event Future, “The Original and Only Balearic Club.” This later became Spectrum on Mondays, and eventually evolved into Land of Oz, where in the VIP chillout room, the White Room, the DJ was Alex Paterson, later known as The Orb. Danny Rampling and his wife Jenny wanted to recreate their Ibiza experience by opening Shoom, while Nicky Holloway would go on to open The Trip. All of these clubs transformed the London club scene and, in turn, had a worldwide influence. During the second half of the 1980s, Amnesia was also the favorite club of Sven Väth, who was a regular customer there.

This one-hour long recording is an essential snapshot of a pivotal point in dance music history. The records’ selection was, deliberately a mix of Indie Rock, Gothic Synth-Pop, Subversive Electro, Industrial, Belgium New Beat, Techno with Poetry, EBM. A magical moment in time that could never truly be repeated, yet lives on through this tape, now finally available to music lovers everywhere, including those who only ever dreamed of experiencing it firsthand.

The release comes with liner notes by Robert Harris (Dr. Rob), DJ, music writer and author of the well-known book, IBIZA DJ 1976 - 1988, released in 2019, during his collaboration with Paul Byrne (Test Pressing)

Ri-tape & ELSI Berlin produced a very limited run of 50 tapes, be quick!