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Faye Webster hat heute ihr neues Album “Underdressed At The Symphony” für den 01. März 2024 bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single “Lego Ring (feat. Lil Yachty)”.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Im zugehörigen Musikvideo spielen Faye und Yachty ein Videospiel, bei dem Fans die Möglichkeit haben, über diesen Link mitzuspielen.


Faye Webster - “Lego Ring (feat. Lil Yachty)” (Official Video)


Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.



“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Faye Webster hat heute ihr neues Album “Underdressed At The Symphony” für den 01. März 2024 bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single “Lego Ring (feat. Lil Yachty)”.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Im zugehörigen Musikvideo spielen Faye und Yachty ein Videospiel, bei dem Fans die Möglichkeit haben, über diesen Link mitzuspielen.


Faye Webster - “Lego Ring (feat. Lil Yachty)” (Official Video)


Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.



“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Das neue Monkeytown-Signing, das NYC-via-Berlin-Duo Sha Ru, schöpft aus der in Protest und Befreiung verwurzelten Punk- und Dancemusik, gefiltert durch die Erweiterung und Fluidität der queeren Identität. Erste aufrührerische EPs und mitreißende Auftritte haben die Band zu einer ausgesprochenen Kraft der in elektronischen Musik gemacht, die dunkle Schattierungen und basslastige, zukunftsweisende Klänge erforscht, die ebenso an Post-Punk-/Industrial-Pioniere wie an alles im Club-Kanon erinnern. Die neue EP, ihre bisher gewagteste, ehrlichste und verletzlichste Arbeit, ruft eine Palette überwältigender Emotionen hervor, von platonischer und romantischer Liebe bis zu Herzschmerz und psychischem Leid, wiedergegeben in cleveren rhythmischen Architekturen und grollendem Bass, ausbalanciert mit sinnlichen Melodien und sanfteren Texturen.

LUCKYME® startet 2024 mit der Debüt-EP des Pariser Produzenten Sunareht. Dieser stammt aus der Szene um Teki Latex und dessen Label Sound Pellegrino und betreibt zusammen mit den Zeitgenossen Le Dom, To Van Kao, De Grandi und Birol den Paradoxe Club, ein Label, das sich für zukunftsweisende französische Dance Music einsetzt. Die Youth EP ist genau das – sechs prickelnde Club-Cuts, die den bekannten French Touch-Sound aufgreifen, ihn auf die Spitze treiben und in die ferne Zukunft schleudern. Samples werden in flatternde Sequenzen zerhackt und mit dem glitzernden, basslastigen Sounddesign von Post-Dubstep und Hyperpop vereint.

Der Opener 'Promises' des regelmäßigen Kollaborateurs und Aphex Twin-Lieblings Le Dom ist ein zertifizierter Partystarter und perfekter Einstieg in die Technicolor-Welt von Sunareht. Der rotierende Hook duckt und schlängelt sich durch wunderschön gestaltete Drums in einer beunruhigenden, zerquetschten Landschaft – als ob der Track seine eigene Bandbreite nicht bewältigen könnte. An anderer Stelle quetscht der Titeltrack 'Youth' jeden Tropfen bis zur Unkenntlichkeit aus einem stotternden Pop-Sample heraus; während 'Break Bandits' für helle Euphorie sorgt, indem es Synths von Etienne de Crécy mit Vocals im Overmono-Style mischt.

Tritt mit Tamás Kátais visionärem Projekt in das Reich des Avantgarde-Metal ein: Thy Catafalque. Seit mehr als zwei Jahrzehnten leistet Thy Catafalque meisterhaft Pionierarbeit im Bereich der extremen Metal-Musik.
Die Reise geht weiter mit Thy Catafalques zweitem Meisterwerk Microcosmos, einer Offenbarung, die die Dichotomie zwischen Black Metal und Avantgarde-Kunst fein ausbalanciert. Das ursprünglich 2001 erschienene Album erforscht strukturierte thematische Elemente, die vom Weltraum und dem weiten Kosmos inspiriert sind. Eine klangliche Entdeckungsreise, die die rastlose Abnutzung von Tremolo-gezupften Zweiklängen und subtil eingemischten Blastbeats beibehält, während die psychedelisch klingenden Gesänge, die den charakteristischen Sound von Thy Catafalque ausmachen, beibehalten werden.
Jetzt präsentiert Season of Mist stolz die offizielle Wiederveröffentlichung von Microcosmos und stellt damit sicher, dass dieses bahnbrechende Werk für die Nachwelt erhalten bleibt. Fans, sowohl erfahrene als auch neue, können in die Feinheiten von Kátais visionären Kompositionen eintauchen und die Verschmelzung von Aggression und Kunstfertigkeit erleben, die Thy Catafalque ausmacht.

Das mit einem Grammy ausgezeichnete Tuareg-Kollektiv Tinariwen veröffentlicht eine limitierte Picture-Disc mit den 4 Bonustracks der digitalen Deluxe-Version ihres gefeierten neunten Studioalbums 'Amatssou' (2023). Der Leadtrack 'He Layla' ist von einem Traditional aus der Djanet-Region inspiriert, wo das Album aufgenommen wurde. In typischer Tinariwen-Manier erzählt der Song von der Vergangenheit, als die Sahara unter französischer Kolonie stand, während poetische Metaphern des wilden Lebens in der Wüste verwendet werden.

In den zwei Jahrzehnten, seit Tinariwen aus ihrer Basis in der afrikanischen Wüste hervortraten, um den Globus zu bereisen, haben sie viele renommierte Country-, Folk- und Rockmusiker aus den USA kennengelernt, darunter Kurt Vile, Stephen O'Malley, Jack White und Wilco. Tuareg-Nomaden und Cowboy-Wanderer. Kamelzüge und Mustang-Pferde. Der zeitlose Horizont der endlosen Sahara und die wilde Grenze des Wilden Westens – mehrere tausend Meilen Ozean trennen den Wüstenblues von Tinariwen und die authentische Country-Musik des ländlichen Amerikas, aber die Links sind genau so spürbar wie romantisch.

Lonnie Liston Smith hat sich als Sideman mit legendären Bandleadern wie Art Blakey, Pharoah Sanders und Miles Davis einen Namen gemacht. Er erschien zum ersten Mal auf einer Flying Dutchman-LP, als er Piano auf dem Leon Thomas-Album 'Spirits Known And Unknown' spielte, das 1969 veröffentlicht wurde. 'Live!' wurde im Mai 1977 im Smuckers Cabaret Club in Brooklyn aufgenommen und beinhaltet neben einem schnellen Streifzug durch 'Expansions' über 'Visions Of A New World' aus der gleichnamigen LP von 1975. Das atmosphärische 'Prelude' klingt nach einem Vorläufer von Vangelis' Soundtrack für den bahnbrechenden Science-Fiction-Film 'Blade Runner'. Es war Smiths letztes Album für Flying Dutchman und ein perfekter Abschied. 'Live!' ist seit Jahrzehnten auf Vinyl vergriffen und erscheint nun als wertiges 180Gr. LP-Re-Release!

In dieser turbulenten Zeit ist es wichtiger denn je, als Menschheit eng zusammenzustehen, anstatt sich gegenseitig zu bekämpfen. Und genau darum geht es im neuen FIREWIND-Album ‚Stand United‘! Neben top aktuellen Themen, die in Zehn neuen Tracks besungen werden, erwartet uns textlich wie auch musikalisch das wohl stärkste Werk ihrer bisherigen Bandgeschichte. Passend zum neuen Release verbreitet die Band rund um ex Ozzy Osbourne-Gitarrist Gus G. und Sänger Herbie Langhans (ehemals Avantasia) im Frühjahr 2024 ihre Botschaft von ‚Stand United‘ in Europa. Gemeinsam mit MASTERPLAN geht die Band auf große Co-Headliner Tour, u.a. in Deutschland, Frankreich, Spanien, Schweden und vielen weiteren Ländern. So erblickt ab dem 01.03.2024 ‚Stand United‘ das Licht dieser Welt - verfügbar als limitierte Splatter- und Marbled-Vinyl-Versionen, CD-Digipak und Digital!

Neue 4-Track-EP des in Brighton ansässigen, mit Punk infiltrierten Alternative-Rock-Trios SNAYX, das sich dank wilder Live-Sets und knallharter Bassriffs schnell zu einer der angesagtesten und hochgelobtesten neuen Bands des Vereinigten Königreichs entwickelt hat.

Das Kerrang! Magazine zählt NEW YEARS DAY zu einer elitären Handvoll von Bands, die die nächste Generation inspirieren. Angeführt von der "pulsierenden Naturgewalt der Frontfrau Ash Costello", entfesseln NEW YEARS DAY Hymnen der Unzufriedenheit und der Ermächtigung, vorgetragen mit Gothic-Flair und theatralischem Bombast. Heilige und Sünder, Opfer und Sieger. In Klang und Bild wandeln NEW YEARS DAY auf der Grenze zwischen Licht und Dunkelheit. In cineastischen Musikvideos, transzendenten Live-Auftritten und der täglichen Interaktion (virtuell oder persönlich) mit gleichgesinnten Außenseitern macht diese Band aus Schmerz Freude. Selbst wenn es höllisch weh tut.

Dostrotime ist Spaß im Squarepusher-Stil. Schwere, intensive, herausreissende, experimentelle, elektronische Musik für pures Hochgefühl. Keine Entschuldigung nötig, eine für das Squarepunter-Massiv! Anfang 2020 hatte Squarepusher gerade sein letztes Album 'Be Up A Hello' mit großem Erfolg veröffentlicht und bereitete sich auf eine weltweite Tour mit einigen seiner bisher größten Shows vor. Dann kam die Pandemie und alles war vorbei ... Ohne Ablenkung begab sich der Künstler direkt in sein Studio, um mit neuen Aufnahmen zu beginnen. Er sagt: 'Ohne die üblichen Unterbrechungen verlief die Zeit anders.' Es ist eine Episode, die er Dostrotime nennt. Daher ist Dostrotime ein Versuch, die Besonderheit der durch den Lockdown katalysierten Musik als Teil der Feier des Endes des Lockdowns einzufangen.

EVERGREY - seit 30 Jahren bereichert das schwedische Schwergewicht die Musikwelt mit ausgezeichnetem Progressive Metal. Zeit, um eine kleine Handvoll ihrer Alben erneut auf Vinyl zu pressen, die es so noch nicht gab! Mit den Klassikern "The Dark Discovery", "Solitude, Dominance, Tragedy" & "The Atlantic" gehen gleich drei Kandidaten an die Startlinie und bieten dem Musikliebhaber hochwertige dreifarbige Vinyl im qualitativen Gatefold. Jetzt zuschlagen! Nur solange der Vorrat reicht!

EVERGREY - seit 30 Jahren bereichert das schwedische Schwergewicht die Musikwelt mit ausgezeichnetem Progressive Metal. Zeit, um eine kleine Handvoll ihrer Alben erneut auf Vinyl zu pressen, die es so noch nicht gab! Mit den Klassikern "The Dark Discovery", "Solitude, Dominance, Tragedy" & "The Atlantic" gehen gleich drei Kandidaten an die Startlinie und bieten dem Musikliebhaber hochwertige dreifarbige Vinyl im qualitativen Gatefold. Jetzt zuschlagen! Nur solange der Vorrat reicht!

EVERGREY - seit 30 Jahren bereichert das schwedische Schwergewicht die Musikwelt mit ausgezeichnetem Progressive Metal. Zeit, um eine kleine Handvoll ihrer Alben erneut auf Vinyl zu pressen, die es so noch nicht gab! Mit den Klassikern "The Dark Discovery", "Solitude, Dominance, Tragedy" & "The Atlantic" gehen gleich drei Kandidaten an die Startlinie und bieten dem Musikliebhaber hochwertige dreifarbige Vinyl im qualitativen Gatefold. Jetzt zuschlagen! Nur solange der Vorrat reicht!

Melvin Davis' 'Wedding Bells' 45er, erstmals 1964 auf dem Label Ke Ke in Detroit veröffentlicht, war ein frühes Dave Hamilton-Projekt, für das er mit Melvin zusammenarbeitete. Die B-Seite 'It's No News' besticht mit amüsantem Text über einem tanzfreundlichen Rhythmus.

Violet Vinyl

Das 3. Imperial State Electric Albums 'Reptile Brain Music' jetzt erhältlich als Ltd. Violet Vinyl. Imperial State Electric ist eine schwedische Rockband, die 2010 von Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) mit Dolph de Borst (The Datsuns, The Hellacopters), Tobias Egge sowie Thomas Eriksson gegründet wurde. Empfehlung geht raus an alle Rock N Roll-, Power-Pop-, Hellacopters- und Beatles-Fans!

■ "A Ghost Story" ist ein übernatürliches Drama aus dem Jahr 2017, verfasst und inszeniert von David Lowery, mit Casey Affleck und Rooney Mara in den Hauptrollen. Der Film erzählt die Geschichte eines Mannes, der nach seinem Tod zu einem Geist wird und im Haus verweilt, das er einst mit seiner Frau geteilt hat. Der Film erhielt lobende Kritiken und wurde mit mehreren Auszeichnungen geehrt, darunter von der Boston Society of Film Critics, dem Deauville Film Festival, den Houston Film Critics und dem Sitges Film Festival. Die Musik für "A Ghost Story" wurde von Daniel Hart (bekannt für "The Green Knight" und "Pete's Dragon") komponiert, wie bereits bei allen
vorherigen Filmen von Lowery.

Eine Limited Edition von 500 Exemplaren des Soundtracks ist auf Smoke Coloured Vinyl erhältlich und wird mit einem Druckbeileger geliefert.

Gemeinsames Album des vielseitigen, mit einem Grammy ausgezeichneten Pianisten und Songwriters Bruce Hornsby und des experimentellen
klassischen Ensembles yMusic ,unter dem Namen BrhyM.
Deep Sea Vents ist ein Album mit 10 Songs über Wasser und die Art und Weise, wie wir mit, in oder gegen das Wasser leben. Hornsbys unmittelbare
melodische Leichtigkeit verbindet sich mit der rhythmischen Präzision und endlosen Vielseitigkeit von yMusic, und verbindet die verschiedensten
Einflüsse zu einem unverkennbaren Stil.
yMusic und Hornsby haben bereits bei mehreren Bruce-Hornsby-Alben zusammengearbeitet, darunter auch bei seinem letzten Album 'Flicted 2023,
seinem dreiundzwanzigsten. In seiner langen und abwechslungsreichen Karriere hat Hornsby u.a. mit The Grateful Dead, Pat Metheny, Ricky Skaggs,
Justin Vernon, Jamila Woods Songs aufgenommen und ist mit ihnen gemeinsam aufgetreten.

Gemeinsames Album des vielseitigen, mit einem Grammy ausgezeichneten Pianisten und Songwriters Bruce Hornsby und des experimentellen
klassischen Ensembles yMusic ,unter dem Namen BrhyM.
Deep Sea Vents ist ein Album mit 10 Songs über Wasser und die Art und Weise, wie wir mit, in oder gegen das Wasser leben. Hornsbys unmittelbare
melodische Leichtigkeit verbindet sich mit der rhythmischen Präzision und endlosen Vielseitigkeit von yMusic, und verbindet die verschiedensten
Einflüsse zu einem unverkennbaren Stil.
yMusic und Hornsby haben bereits bei mehreren Bruce-Hornsby-Alben zusammengearbeitet, darunter auch bei seinem letzten Album 'Flicted 2023,
seinem dreiundzwanzigsten. In seiner langen und abwechslungsreichen Karriere hat Hornsby u.a. mit The Grateful Dead, Pat Metheny, Ricky Skaggs,
Justin Vernon, Jamila Woods Songs aufgenommen und ist mit ihnen gemeinsam aufgetreten.

Viktoria Tolstoys ACT-Debütalbum »Shining On You« aus dem Jahr 2004 markiert aus heutiger Sicht einen wichtigen Moment in der Erfolgsgeschichte populärer Jazzstimmen aus Skandinavien. Die Musik für die Aufnahme schrieb Esbjörn Svensson, der zusammen mit Dan Berglund und Magnus Öström die Kern-Band bindet, welche wenig später als e.s.t. weltberühmt wurde. Das von Nils Landgren produzierte Album ist auch ein Treffen vieler Mitglieder der damals noch jungen ACT Family of Artists, die als Gäste an der Session teilnahmen.

Genau 20 Jahre später hat Viktoria Tolstoy für »Stealing Moments« die Idee des »familiären« Musikzierens wieder aufgegriffen. Die Kompositionen des Albums stammen von einer ganzen Reihe aktueller ACT Künstler, von denen viele auch schon an »Shining on You« beteiligt waren. Und auch Esbjörn Svensson ist auf besondere Art am Album beteiligt: Von ihm stammt die Instrumentalkomposition »Hands Off«, für welche seine Frau Eva nun einen Text verfasst hat. Dazu kommen Kompositionen, die langjährige Freunde und Weggefährten wie Nils Landgren, Ida Sand, Wolfgang Haffner, Cæcilie Norby, Lars Danielsson, Iiro Rantala und Jan Lundgren eigens für Viktoria Tolstoy und ihre Stimme geschrieben haben.

»Wenn du singst, geht die Sonne auf«, sagte Pat Metheny einst zu Viktoria Tolstoy. Ihre klare, kraftvoll strahlende Stimme ist der rote Faden, der alle Stücke auf »Stealing Moments« verbindet. Dazu kommt eine Mischung aus Energie und Leichtigkeit, die Viktoria Tolstoy als Person ausmacht und die sich durch die Musik auf die Zuhörer überträgt. Ihre Botschaft ans Publikum, in Anlehnung an den Albumtitel: »Lasst mich Euch ein bisschen Zeit stehlen, um dieser Musik zuzuhören.«

First ever vinyl release of the album recorded in 1969/70 by UK prog-psych band Misty. Including their terrific mod-psych “Hot Cinnamon” 45.

A dazzling fusion of classically-inspired progressive rock and song-based psychedelic pop with an organ-based sound, in the vein of Procol Harum and The Nice.

“In October 1969, King Crimson released their debut, In The Court Of The Crimson King, Pink Floyd unleashed Ummagumma and Led Zeppelin put out their second LP. At the same time, Misty were in London’s Regent Sound Studios recording what turned out to be the only album of their career with producer, Adrian Ibbetson, who had cut his teeth as an engineer working with everyone from the Beatles to the Equals.

After only a handful of gigs, Misty signed a deal with Parlophone and began to gather momentum with the release of Hot Cinnamon. Although they received a lot of airplay, the single failed to chart and the band’s hopes of releasing their debut album were dashed. Reluctantly, Misty went their separate ways and the Here Again master tapes sat gathering dust on a shelf until Gelardi came across the original acetate and decided it was time for the album to finally see the light of day.

Bridging late psych and early prog, songs like Life Has Just Begun, Witness For The Resurrection and the title track were played with a perfect mix of high-flying experimentation and virtuosic musicianship. Blurring the fine lines between rock, jazz, classical and chamber pop, Here Again is a transcendent kaleidoscope of colour that is beyond definition.

Maybe you can tell an album is truly timeless when it takes half a century for it to be properly appreciated. Misty were a rare bird, a brilliant, truly original band who should have left an indelible mark instead of joining what now seems like the never-ending line of half-remembered and long-forgotten flotsam and jetsam of the psychedelic era.

Both the first and the final statement from a group who never really got their chance to be heard, Here Again is a slice of pristine psychedelic pop that so embodies the dizzying energy and the progressive spirit of the time, it’s astonishing that it stays afloat under the weight of its own intentions. But float it does, like mist in the air - a half-forgotten diaphanous dream slowly coming back to you after 50 years of silence.” – Jonathan Wingate

Als ELECTRIC CALLBOY in diesem Jahr ihr neues Album TEKKNO veröffentlichten, war nicht klar, welche Auswirkungen das Album haben würde.Ausverkaufte Konzerte, Abriss der größten europäischen Festivals und endlich Platz 1 in den offiziellen deutschen Charts. Die Band aus Castrop-Rauxel is begeistert eine unglaubliche Bandbreite an Menschen.Die TEKKNO Tour 2023 findet nun in Arenen statt und Electric Callboy sind bereit für den nächsten großen Schritt.Um dies gebührend zu feiern, wird es eine limitierte 'TEKKNO (Tour Edition)' geben, die neben dem regulären Album, 5 Live-Bonus Tracks enthält, die während der ausverkauften Europatour 2022 aufgenommen wurden. Erhältlich als Ltd. 180g. transp. light blue-lilac marbled Vinyl

Mit „Stadtmusikant“ erscheint Björn Heusers elftes
Studioalbum mit zwölf Songs, in denen der kölsche
Singer/Songwriter ein weiteres Mal beweist, dass kölsche
Musik nicht immer mit Karnevalsmusik gleichzusetzen ist.
Rockig und mit Tiefgang, melancholisch-kölsch und immer mit
Charme. Heuser, der in seiner Heimat Köln regelmäßig in der
Lanxessarena und im RheinenergieStadion tausende
Menschen zum Singen bringt, präsentiert sich mit diesem
Album einmal mehr als Liedermacher, der auch was zu sagen
hat. Egal, ob das Wahrzeichen „Colonius“ besungen wird, er
ganz romantisch „Satt vür Jlöck“ ist oder auf „De jeilste Johre
“ zurückblickt: Heuser ist kölsch, authentisch und echt.

'Take Her Up to Monto', das vierte Album von Roísín Murphy von 2015, ist eine abenteuerliche und wilde Entdeckungsreise in ihr kreatives Schaffen. Überall treibt Murphy ihre charakteristischen Sounds auf die Spitze und sorgt so für ein fesselndes und unvorhersehbares Erlebnis. 'Take Her Up To Monto' erscheint nun wieder auf Vinyl.

Faye Webster hat heute ihr neues Album “Underdressed At The Symphony” für den 01. März 2024 bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single “Lego Ring (feat. Lil Yachty)”.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Im zugehörigen Musikvideo spielen Faye und Yachty ein Videospiel, bei dem Fans die Möglichkeit haben, über diesen Link mitzuspielen.


Faye Webster - “Lego Ring (feat. Lil Yachty)” (Official Video)


Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.



“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Roberto Carlos Lange alias Helado Negro liefert mit "PHASOR" den Nachfolger zu seinem von der Kritik gelobten Album "Far In" (2021)ab. Gleichzeitig erscheint die erste Single "LFO", die von einem halluzinatorischen, selbstgedrehten offiziellen Video begleitet wird. Den Anfang nahm "PHASOR" 2019 an Langes 39. Geburtstag nach einem fünfstündigen Besuch von Salvatore Matiranos SAL MAR-Projekt an der Universität von Illinois. Diese Maschine ist ein komplexer Synthesizer, der mit einem alten Supercomputergehirn und analogen Oszillatoren generativ Musik erzeugt. Er kann eine unendliche Anzahl von Klangsequenzen erzeugen. Diese SAL MAR-Erfahrung wurde zum Grundstein für PHASOR. Sie lehrte Lange mehr über sich selbst und wurde zu einem zentralen Faktor in seinem kreativen Prozess. "PHASOR" ist Langes dichteste Song-Sammlung - tiefgründig, atmosphärisch, akribisch ausgeführt. Damit reiht es sich ein in das langjährige Schaffen Langes sowie an das 2019er Album "This Is How You Smile", auf dem er mehr Schlagzeug und Bass und fokussierte Grooves einsetzte. Sein Album "Far In" aus dem Jahr 2021 befasste sich mit dem Thema "Quarantäne". "PHASOR" wiederum ist eine Rückkehr ins Leben, eine Erinnerung daran, wie sich die Sonne anfühlt und wie man sich von ihr wärmen lassen kann.

Felix Machtelinckx is a singer, composer, producer and lyricist from Belgium. Featuring an array of film scores, dance soundtracks, pop, folk and electronic music, Felix's music resonates with a familiar, almost nostalgic patina, applied with a distinctly crooked touch. Through artistic collaboration, coaching and production, Felix has cut a dash in the pop and indie cult scenes of Belgium, especially with his band Tin Fingers, who are feted as one of the most promising indie acts of the moment. Night Scenes, Felix’s solo debut is, in contrast to his other work, more humble and less traditional, roughly hewn from a series of ambient soundscapes, earthy textures and playful structures. Felix’s voice, normally the flagship of his music, becomes more of a distant memory, an indistinct emotion feathered throughout the music. Many lyrics are improvised, sometimes unintelligible, conjuring haunted, uncertain undertones. Similarly, the album is innately peripatetic to the core, being created, written and recorded in Lithuania, Belgium, France, mastered in the US, and finally released in the UK. In the first instance, some of the tracks were created for the contemporary dance piece Doggy Rugburn by Brandon Lagaert of Kaiho and Peeping Tom; others were created enigmatically for a film that never surfaced; while the remainder are the product of more personal work and research. As Felix began to collect and review these disparate parts, the concept of a unified album began to evolve. With 'night' featuring as a suitably dark leitmotif, or backdrop to a series of emotionally fraught 'scenes', each track depicts a form of trauma, locked within the confines of the mind. Felix observes: "Imagine yourself in a dusty old room unable to sleep. Emotions, fears and other demons haunt your mind. This in-between state makes your mind reach for other worlds. This is Night Scenes." For the most part, Night Scenes was created using a variety of old, and rare, analogue equipment. With almost no digital editing, the record was primarily mixed through a vintage cassette desk, giving it a nostalgic character with a noisy undertone. Felix fully embraced the synergy of his emotional themes and retrograde gear, enthusing: "A lot of textures were created on an old Soviet synthesizer that causes a blackout when you hit the lowest note on the keyboard. The dysfunctionality of the synths was often used to create rhythm and texture." This unnerving ability Night Scenes has to comfort and confound the listener is summed up by Jordan Hudson, House Of Media producer, and music podcaster, when he concludes: "Some songs on the album have this sort of fleeting comfort and tonality, which dissolves into a subtle rhythmic/structural or modulated disarray the moment I settle into them - this really fits with my experience of the night .. This record is a winner, and will be something I'll listen to a lot from here on

“I’m not anti-hippie. I’m anti-unrealistic utopianism. Hell, I’m basically an anarchist.”

The realm of the hippies stretches between “Nature Boy”, Eden Ahbez’s international hit song from 1948, and Charles Manson’s “Trial Testimony” from 1970. NATURE BOY by Raymond Pettibon & Oliver Augst is a romantic-anarchistic search for the sources of punk. A must for all Pettibon fans.

DE:
„Ich bin nicht gegen Hippies. Ich bin gegen unrealistischen Utopismus. Zum Teufel, ich bin im Grunde ein Anarchist.“

Zwischen „Nature Boy“, Eden Ahbez weltbekannter Ballade von 1948, und Charles Mansons „Trial Testimony“ von 1970 spannt sich das Reich der Hippies. NATURE BOY von Raymond Pettibon & Oliver Augst ist eine romantisch-anarchistische Suche nach den Quellen von Punk. Ein Muss für alle Pettibon-Fans.

Das Debütalbum der irischen Post-Punk Newcomer.
"Madra" (was auf Irisch "Hund" bedeutet) ist ein
gitarrenlastiges, instinktgeleitetes Album, auf dem sich die
irischen NewDad auf eine Reise der Selbsterkundung,
Selbstsabotage und Reflexion begeben. Durchtränkt von
Dysfunktion sucht "Madra" Trost im Schmerz und setzt
sich mit Themen wie Mobbing,
Selbstmedikation/Depression, Zerstörung, Co-Abhängigkeit
und Widerstand auseinander. Geschrieben in ihrer
Heimatstadt Galway, Irland, fanden die Aufnahmen des
Albums in den legendären Rockfield Studios (Black
Sabbath, Queen) in London statt, wo die Band inzwischen
auch wohnt. Julie Dawson, Cara Joshi und Fiachra
Parslow gründeten ihre Band, um bei der
Musik-Abschlussprüfung der Secondary School nicht solo
antreten zu müssen; kurz darauf stieß Sean O'Dowd
dazu, erst nur als Toningenieur, bald aber festes
Bandmitglied. Ihren Bandnamen NewDad ließen sie von
einem Zufallsgenerator erzeugen, und ein weiterer Zufall
kam ins Spiel, als kurz nach der Bandgründung Anfang
2020 die Welt plötzlich fast zum Stillstand kam. Trotzdem
schafften es die vier, im März 2021 ihre Debüt-EP
"Waves? zu veröffentlichen und im Januar 2022 den
Nachfolger "Banshee?. NewDad erinnern uns an die
Rastlosigkeit, all die Ängste und Beziehungsprobleme, mit
denen wir alle im Laufe unseres Lebens konfrontiert
werden. Sie verschmelzen Fantasie und Autobiografie mit
Einflüssen aus dem modernen Kino und Fernsehen - und
der ruhigen Küstenlandschaft von Galway, die den
Hintergrund ihrer prägenden Jahre bildet.

Auf ihrem Album "Intermundia" befasst sich die auf dem Land in der ostitalienischen Region Marche lebende Pianistin und Komponistin Olivia Belli mit spirituellen Orten, die eine besondere Verbindung zwischen Himmel und Erde haben sollen. "An diesen heiligen Orten treffen Himmel und Erde zusammen. Sie beruhigen und besänftigen oder betören und verzaubern und eröffnen einen Blick auf das Transzendente", erklärt Olivia Belli. "Hier wird man von allem Unwesentlichen der modernen Welt befreit und es gibt nur dich und deine Seele".Für die Komposition ihres Albums hat Olivia Belli acht spezielle, spirituelle Orte in ganz Mittelitalien besucht. Jedes Stück auf "Intermundia" repräsentiert das besondere, tiefe Gefühl, das sie dort empfunden hat. So ist erste Single "Valadier" von der einmaligen Atmosphäre des in einer Felsengrotte errichteten Tempels "Tempio di Valadier" inspiriert - ein Jahrhunderte altes Heiligtum in den Frasassi-Höhlen in der Provinz Ancona. Olivia Bellis ruhige, wehmütige Miniatur vermittelt die Hoffnung und das Gefühl der Absolution, das sie an diesem Ort erlebte."'Tempio di Valadier' ist mein Zufluchtsort, an dem ich versuche das wahrzunehmen, was real aber unsichtbar ist, um über die physischen Dinge hinaus den Geist zu formen," erörtert Olivia Belli. "Der Tempel vermittelt eine einzigartige Schönheit und eine besondere Atmosphäre, die von seiner Perfektion ausgeht und im Kontrast zum kahlen Felsen steht." Der Titel "Bet Ha Chaim" ist von dem gleichnamigen, alten jüdischen Friedhof in Pesaro inspiriert. Dieser Friedhof gilt seinem hebräischen Namen nach als "Haus des Lebens". In "Pian Perduto" vertont Olivia Belli die auf einer von drei Tälern umschlossenen Hochebene gelegene Landschaft, in der einst das Dorf Castelluccio zu finden war, bevor es durch ein Erdbeben unwiederbringlich zerstört wurde. "Sybil" ist dem Gipfel des Monte Sibyl im italienischen Apennin gewidmet, wo der Legende nach die Hellseherin Sibylle in einer Höhle lebte. "Sibyl" schließt das Album als Höhepunkt von Olivia Bellis musikalischer Pilgerreise ab. Kompositorisch ließ sich Olivia Belli für ihr Album durch das mittelalterliche Modalsystem der Kirchentonarten inspirieren. Sie ordnet die acht bekannten Modi den jeweiligen Stimmungen der von ihr besuchten Orten zu. Die so entstandenen acht Kompositionen unterbricht sie in der Reihenfolge des Albums mit vier nach dem italienischen Begriff für Atem "Respiro" benannten, ruhigen Klavierzwischenspielen. Sechs der Titel werden von einem Streichtrio begleitet. "Die Orte, die ich auf Intermundia vertonte, sind Plätze, an denen Menschen spirituelles Wachstum suchen und wir uns selbst besser wahrnehmen können. Solche Orte können überall sein - wir müssen sie nur finden" so Olivia Belli.

Colouring, das Pseudonym des Sängers und Musikers Jack Kenworthy, kündigt das neue Album 'Love To You, Mate' an, das am 23. Februar über Bella Union veröffentlicht wird.

Das Leben des Songwriters und Produzenten aus Nottingham wurde 2021, wenige Monate vor der Veröffentlichung seines Debütalbums 'Wake', auf den Kopf gestellt, als bei seinem Schwager Krebs diagnostiziert wurde. Was folgte, war ein intimes Jahr des Zusammenseins mit der Familie, in dessen Folge Kenworthy das Projekt eigentlich schon komplett beenden wollte, von Freund und Produzent Gianluca Buccellati (Arlo Parks, Lana Del Rey) dann aber doch zum Weitermachen überredet wurde.

Colouring ist jetzt schon seit einiger Zeit ein Soloprojekt, das neben den Post-Britpop-Größen der 00er-Jahre von The Blue Nile beeinflusst ist, aber auch elektronische und rhythmische Einflüsse von Radiohead und James Blake aufnimmt. So auch die neuen elf Songs, die auch schlurfende Breakbeats, Arpeggio-Gitarrenmelodien und düstere Pianoparts enthalten. “I've always been on the side of making up scenarios rather than being really honest about my life within my music”, fügt Jack hinzu. “This is the first time I've been able to do that. I've been less scared of it because it's not my story. It’s a shared one.”

Klanglich überfrachtet Kenworthy das Album jedoch nicht mit Traurigkeit. Gerade die letzten beiden Songs, 'For Life' und 'Big Boots', sind fröhlichere Stücke, die das Leben und den Zusammenhalt der Freundschaft feiern. “Love To You, Mate is a love letter to my wife, family and Greg for what they all did; a photograph of that time”, erzählt der Songwriter. “I really feel we've made this music together.”

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl)

In O.D.O.O. singt Fela über die Auswirkungen der militärischen Machtübernahme und die Zerstörung der jungen afrikanischen Demokratien seit der Unabhängigkeit - insbesondere der jungen Demokratien, die nach langen Auseinandersetzungen und manchmal sogar Kriegen mit den Kolonialmächten ihre Unabhängigkeit erkämpft und gewonnen haben. Er sagte, dass Putschisten, wenn sie an die Macht kommen, Namen annehmen wie: Nigerianischer Oberster Militärrat, Ghanaischer Erlösungsrat, Libyscher Revolutionär usw. In den meisten Fällen wurden die Putschversuche von den ehemaligen Kolonialmächten geplant und finanziert. Für diejenigen, die sich dessen nicht bewusst sind, schafft die Präsenz des Militärs auf der politischen Bühne die Illusion einer friedlichen "demokratischen" Partizipation und einer funktionierenden Regierung. Zumal der größte Teil der täglichen Regierungsarbeit von Zivilisten geleistet wird, die den Militärchefs unterstehen. Für Fela besteht die Aufgabe der Streitkräfte unter normalen Umständen darin, die zivile Regierung zu verteidigen und zu unterstützen, und nicht darin, sie zu stürzen oder die Aufgaben eines Regierungszweiges an sich zu reißen, weil sie kein politisches Mandat haben. Das Gegenteil zu tun - das bedeutet "überholen". Jede Vorstellung von einem wohlhabenden und friedlichen Land, in dem das Militär an der Spitze der Macht steht, ist eine Illusion.

Die anhaltenden Skandale und die Korruption auf höchster Ebene, die alle Regime seit der Unabhängigkeit kennzeichnen, tragen dazu bei, Felas Desillusionierung und sein Misstrauen gegenüber dem Militär ins rechte Licht zu rücken. Er weist auf die Zweideutigkeit hin, daß die Verfassungen der neuen unabhängigen afrikanischen Nationen an die Verfassungen der scheidenden Kolonialherren angelehnt sind. Identifiziert das als Ursache der Probleme. In seiner sarkastischen Art bezeichnet Fela das, was in Afrika als Regierung durchgeht, als: '…soldier go! Soldier come!' Damit meint er, dass die Institution, die die militärische Struktur geschaffen hat, die Armee absichtlich dorthin gebracht hat, um ihr koloniales Werk fortzusetzen. Um die Not der Afrikaner unter einer solchen Diktatur deutlich zu machen, führt Fela eine Liste von Liedern an, die er geschrieben hat und in denen er die Ungerechtigkeiten des Systems kritisiert: Kalakuta Show! Mr. Follow-Follow! Zombie! Shuffering und Shmiling! Leider sind es die armen Massen, die am meisten unter der Misswirtschaft und Korruption der Regierung leiden. Von klein auf müssen afrikanische Kinder lernen, wie man in einem System überlebt, in dem man nicht weiß, woher die nächste Mahlzeit kommt - keine soziale Sicherheit, keine Bildung etc.

Trotz all dieser Rückschläge versuchen die Afrikaner weiterhin, ihre Kinder zu erziehen. Die Kinder wachsen auf, nehmen feste Jobs an, um ihr Leben zu verbessern, sparen hier und dort, um zu überleben. Letzten Endes jedoch machen die Ereignisse der Misswirtschaft verschiedener Verwaltungen alle Opfer und Abstriche, die der Einzelne zur Verbesserung seines Lebens macht, nutzlos.

O.D.O.O. war im Box Set #5 enthalten, das von Chris Martin und Femi Kuti kuratiert wurde. Das Album wurde auf grünem, transparentem Vinyl neu gepresst und mit einem bedruckten Inlay versehen in einer single sleeve Außenhülle.

- Ltd. Col. LP: (Transparent Green Vinyl)

Bereits seit 2017 warten die vier Tracks dieser Full-Length-Split LP auf eine Veröffentlichung. Es wurde also Zeit, dass sich die Geschichte einer Freundschaft zweier Bands zum Happy End wendet. Wobei, 'happy' ist hier wenig - neben der Freundschaft verbindet die beiden Bands vor allem das zähflüssige Aufschichten von Riffs: unprätentiös, negativ, kathartisch. Das Ergebnis ist monolitischer Sound und Inhalte, die mehr Fragen stellen, als dieses Leben Antworten geben kann. In den deutschen Texten von Crowskin findet diese Frustration ihre Entsprechung: ohnmächtige Wut, gepaart mit düsterer Melancholie folgen schleppenden Rhythmen und dunkler Emotionalität. Bad Luck Rides On Wheels bespielen mit einem über 15 Minuten langen Track die zweite Seite der Platte und bringen den Hörer schon mit einem repetitiven, an eine dunkle Version von Kraut erinnerndes Intro an die Grenzen, bevor sich der Track in ein von Baudelaires "Blumen des Bösen" inspiriertes groovendes Sludge-Monster steigert. CROWSKIN gibt es seit 2004. Das Doom/Sludge-Quintett aus Potsdam/Magdeburg/Zittau kanalisiert Gefühle wie Wut, Frustration und Angst zu einem finsteren Gemisch aus tiefgestimmten Gitarren, ohrenbetäubenden Feedback und schleppenden Grooves. Das Ziel dabei: maximale Katharsis. CROWSKIN kommen aus dem DIY-Hardcore-Underground. Die Mitglieder spiel(t)en außerdem bei Bands wie CYNESS, MIST, CHAINBREAKER und BRINK OF DESPAIR. Die Bühne teilen sie sich gerne mit gleichgesinnten und befreundeten Geistern, wobei ihnen dabei die Haltung wichtiger ist als musikalische Ähnlichkeiten. BAD LUCK RIDES ON WHEELS aus Rostock gibt es ebenfalls seit 2004, gegründet als Post-Metal-Projekt voller dunkler Endlos-Prog-Jams. Die Musiker spiel(t)en u.a. auch bei WOJCZECH, CONFUSION MASTER und WHO'S MY SAVIOUR. In Jahren endloser Touren, ernsthafter mentaler Zusammenbrüche und Schwierigkeiten ist das Powertrio mittlerweile in der absoluten Finsternis angekommen, mit hypnotischen Soundschleifen, tonnenschweren Drums und undurchdringlichen Gitarren, zwischen denen von irgendwo ganz unten der Gesang hervorgurgelt. Beide Seiten der Platte wurden in Rostock im Studio von BAD LUCK RIDES ON WHEELS-Drummer Pierre aufgenommen, der es verstanden hat, das Individuelle aber auch das Verbindende beider Bands einzufangen. Für Fans von: Neurosis, Melvins, Bellrope, Black Shape Of Nexus.

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

Fela definiert geistige Blindheit als eine Person, die mit weit geöffneten Augen die Richtung verliert und sich im Kreis dreht, ohne je an ihr Ziel zu gelangen. Die Ikoyi-Blindheit bezieht sich auf die nigerianische Elite, die falsche Berufe wählt, weil sie damit eher sozialen Status als berufliche Befriedigung erlangen. Sie üben nicht nur die falschen Berufe aus, sondern sind auch blind für das Leid ihrer Landsleute, die in Ghettos wie Mushin, Ajegunle, Somolu, Maroko und sogar Kalakuta leben. Als Beispiel nennt er den Anwalt, der statt eines Buches den Hammer als Werkzeug wählt, oder den Musiker, der den Schraubenschlüssel als Werkzeug wählt. Fela sagt, dass es für solche Menschen noch Hoffnung gibt, wenn sie ihre Denkweise an ihre Umgebung anpassen. '…them miss road! Them find road again oh!'. Jene sozialen Aufsteiger, die den Status quo und die Tatsache, dass sie in die Fußstapfen der ehemaligen Kolonialverwalter getreten sind, als Zeichen ihres sozialen Aufstiegs sehen. Sie vergessen, dass die Mehrheit ihres Volkes immer noch in den Ghettos kämpft. Diese Menschen müssen erkennen, dass es ihnen schlechter geht als einem Blinden, der am Ufer eines Flusses lebt. Sie werden fallen: "shallow" into more 'Ikoyi mental' Blindness.

Gba Mi Leti Ki N'Dolowo (Schlag mich, damit ich Geld bekomme): Das Jahr 1974 war ein Wendepunkt für das Justizsystem, das sich die Durchsetzung des Rechts auf die Fahnen geschrieben hatte. Vor allem in einem Land, in dem die Reichen die Armen ungestraft ausbeuteten. Eine Reihe von Prozessen, an denen Menschen aus den unteren Schichten der Gesellschaft gegen die Oberschicht und einflussreiche Männer beteiligt waren, führte dazu, dass die Reichen ihren armen Anklägern hohe Entschädigungssummen zahlen mussten. Fela sang darüber und betonte, dass man niemanden ausnutzen und damit davonkommen kann. Wenn du mich schlägst, bekomme ich Geld. Solange ich mich selbst respektiere, werde ich meine Grenzen nicht überschreiten - wenn du mich schlägst, wirst du bezahlen.

Ikoyi Blindness war im Box Set #5 enthalten, das von Chris Martin und Femi Kuti kuratiert wurde. Das Album wurde auf weißem Vinyl neu gepresst und ist untergebracht in einer bedruckten Innen- und single sleeve Außenhülle.

Neben ihrer Zusammenarbeit mit Modern Cosmology, dem unglaublichen What Will You Grow Now? aus dem letzten Jahr und ihren fortgesetzten Tourneen mit den neu formierten Stereolab ist Laetitia mit Rooting For Love solo plus The Choir zurück in der Welt und ruft uns erneut dazu auf, uns auf unsere innere Ausrichtung und unsere Herzenskraft zu besinnen, um besser gerüstet zu sein für das, was kommen wird. Das regelmäßige Auftauchen von The Choir während Rooting For Love erinnert daran, dass diese Musik von einem Volk in der kritischen Masse stammt, zusätzlich zu einer Entwicklung, die die reichen harmonischen Felder, in denen Laetitia spielt, weiter vertieft. Die diversen musikalischen Arrangements tragen dazu bei - Orgel, Synthesizern, Gitarre, Bass, Posaune, Schlagzeugprogrammierung, Vibraphon und Zither, die alle auf verschlungenen Pfaden von Akkord- und Tempowechseln arbeiten. Der melodische Funk des Bassisten Xavi Muñoz führt zu gelegentlichen Dancefloor-Vibes und No-Wave-Rockouts, während Hannes Plattemier und Emma Mario abwechselnd die Tracks abmischen und das Material mit Vibes, zusätzlichem Drum-Programming und Synthesizern zusammen mit einer talentierten Besetzung von Spielern und Sängern aus Laetitas Source Ensemble und darüber hinaus bereichern. Ob sie sich Laetitia Sadier nun von der eigenen Zen-Shiastu-Ausbildung oder von den Texten von Véronique Vincent (Texterin und Sängerin von Aksak Maboul und einst Leadsängerin der Honeymoon Killers) inspirieren lässt, immer stellt sie sich der Wahrheit, ohne mit der Wimper zu zucken. Die Schatten, aus welchem Stoff sie auch immer bestehen - individuelle und kollektive, gegenwärtige und uralte - müssen erkannt und anerkannt werden, denn je mehr wir in uns selbst heilen, desto ungeteilter werden wir angesichts der drohenden neofaschistischen/neoliberalen Narrative, die die inneren und äußeren Landschaften verschmutzen. Wie das Titelbild des Winterbaums, das sich in den Wortmustern von Rooting For Love widerspiegelt, behauptet Laetitia, dass die Art und Weise, wie wir die kommende Welt heilen, und was wir daraus machen, eine Ko-Kreation sein wird. Die Qualität unserer Vorstellungskraft, die Ausrichtung, die wir unseren Gedanken geben, und die Fähigkeit, uns selbst und der Welt Liebe zu bringen, sind ein erster Schritt.

DREIEIER sind vier Musiker, die Mitte der Achtziger wenn auch nicht weltweit, so doch einige Bekanntheit erlangten und mehrere Preise eingeheimst haben: Franz J. Erlmeier, Fritz Köstler, Paul M. Ehrenreich und Robert "Bopo" Ponzer. Das ist ein paar Jährchen her. Und wie"s so ist, hat "Trikont" das Material nach rund 40 Jahren wieder ausgekramt. Und festgestellt: Das war gut. Es war sogar sehr gut! Ob es die - mittlerweile gewiss angejahrten - Jungs wohl noch gibt? Es gibt sie noch. Das ist nicht selbstverständlich und schon deshalb wert, eine Neuauflage ins Werk zu setzen. Info Trikont 1985: "Moderne Populärmusik mit Lust am rigorosen eklektizistischen Verwirrspiel, an Brüchen und Montagen. Bel ihrem Streifzug durch verschiedeíne Stile und Epochen der Pop-Musik frönen sie gleichzeitig der Unterbrechung des Gewohnten und der Pervertierung des Hergebrachten. Die Musik ist nicht neu - will es auch nicht sein -, jeídoch neuwertig. Sie wertet neu, verwertet Altes und Gehabtes und wertet um. Dies aber mit eiíner spielerischen Leichtigkeit und technischen Perfektion, sodass an der musikalischen Oberfläíche erzeugte Stimmungen immer wieder intern gebrochen und hinterfragt werden. Die Storys werden in virtuosem Englisch oder krudem, asíketischen Deutsch erzählt. Drei Eier, das sind vier Musiker, die Ihre Musik zum einen in München, aber vor allem in Aham, Niederbayern, ausgebrütet haben. Der Bayeriísche Rundfunk wählte sie zur besten Nachwuchsígruppe des Jahres 1983."