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Perlenfarbenes Vinyl. Die in Berlin ansässige Songwriterin und Produzentin Neva Demure präsentiert ihr Debütalbum Antidote. Antidote zeigt Nevas Entwicklung von experimentellen elektronischen Klängen zu einer reichen Vielfalt an Genres und verbindet Elemente, die sowohl Nostalgie als auch Neuheit hervorrufen. Das Album behandelt Themen wie Liebe, Identität und innere Konflikte und spiegelt Nevas persönliche Reise der Selbstfindung wider.

Ein argentinisch-baskischer Grrrl-Powerpunkpop-Split! LAS VIN UP wurden 2008 im Süden von Buenos Aires gegründet. Die Band besteht aus drei Frauen und einem Gitarristen. Die Musik ist ein melodischer Mix aus RAMONES und MUFFS-Parts die Songs sind Ohrwürmer von den man nicht genug bekommen kann. Die Band ist ein fester Bestandteil der Buenos Aires-Punkszene, ihre Konzerte werden frenetisch vom Publikum gefeiert. LARRU BELTZAK kommen aus Onati, einer kleinen Stadt im Baskenland in Spanien. Die Band wurde 2020 gegründet, aber alle Musiker haben vorher schon in diversen Bands gespielt. Die Musikstil ist Punk mit unglaublichen melodischen Gitarren, dazu ein sehr ausdrucksstarker Gesang von Sängerin Naiara. Die Band singt auf baskisch. Die beiden CDs, die die Band bisher veröffentlicht hat, genießen Kultstatus in Spanien Die LP kommt eingeschweißt mit Einleger und vielen Infos. Pop Punkrock/Punkrock für Fans von RAMONES/RAMONAS, MUFFS, 77er Powerpop/Punkrock

Nach fast ȓȑ Jahren erfahren die ersten Ȕ via Listenable veröffentlichten Alben der polnischen BlackɑDeath Metalband HATE eine ehrwürdige Wiederveröffentliɞchung

Nach fast ȓȑ Jahren erfahren die ersten Ȕ via Listenable veröffentlichten Alben der polnischen BlackɑDeath Metalband HATE eine ehrwürdige Wiederveröffentliɞchung

Nach fast ȓȑ Jahren erfahren die ersten Ȕ via Listenable veröffentlichten Alben der polnischen BlackɑDeath Metalband HATE eine ehrwürdige Wiederveröffentliɞchung

Es ist ein Fall von popkultureller Archäologie. Eine Spurensuche der elektronischen Musik. Nach über 30 Jahren tauchen verschollene Tapes von Holger Czukay wieder auf, die er einst "zur freien Verfügung" eingespielt hatte. Eine Sound-Meditation von 1997, die nun erstmals neu gemastert im Original und in einer "Version" von die ANGEL (Ilpo Väisänen / Dirk Dresselhaus) und Zappi W. Diermaier von der Krautrock-Legende Faust vorliegt.

Die Arbeiten aus dem Czukay-Studio sind eigenwillige Klangstrukturen, die Mastering-Ingenieur Dresselhaus alias Schneider TM einschätzt als "futuristisches Kleinod, das für seine Entstehungszeit musikalisch weit vorne ist." Für ein abstraktes Klanggebilde "tief und emotional" wie er sagt. Eine Komposition, die mit Avantgarde oder Neue Musik nur unzureichend beschrieben ist. Ein echter Czukay eben. Die Genese dieser Aufnahmen führt in die freigeistigen 1990er, als Holger Czukay in Köln mit jüngeren Techno-Kollegen wie Dr. Walker von Air Liquide mit Beats experimentierte und sich ansonsten sehr für die leise Explosion der digitalen Medien interessierte.

Es war der Tech-Pionier und Medienkünstler Arthur Schmidt alias Gvoon, der ihn in langen Gesprächen auf die (damals futuristische) Data-Maschine "RealityEngine" brachte, mit der sich virtuelle Welten erschaffen ließen. Vom Full-Body-Tracking-System bis zum gemeinsamen Prototyp eines "Internet-TV-Senders". Darauf liefen experimentelle Czukay-Videos, die er mit neuen Samples und Klangfragmenten ausstattete. Später wurde eine kontemporäre Show namens "Czukay/Gvoon:Magazine" daraus und auch die "Can-Live-Soloprojekts" im März 1999, ausgestattet mit der Body-Tracker-Technik von Gvoon. Die DDR-Vergangenheit seines Tech-Sparringspartners Schmidt, der ihm von seiner Zeit in Stasi-Haftanstalten erzählte, setzte in Czukay einen kreativen Prozess frei. Er setzte dieses Trauma in Töne um und machte ihm ein musikalisches Geschenk. "Gvoon-Brennung 1", eine Gabe, die Schmidt "irgendwann" einmal verwenden könne. Einfach so. Ein Soundtrack, der ganz profan auf Digital Audio Tape übergeben wurde.

Über 20 Jahre später brachte Schmidt das "Czukay-Geschenk" für eine zum Kunstwerk umfunktionierte Verhörzelle des Ministeriums für Staatssicherheit (MfS) wieder zum Einsatz. Als Installation für einen stockfinsteren, bedrückenden Raum mit Gummiwänden. Hier stieß wiederum Dresselhaus auf das Material. Ihm wurde klar, dass er dort mehr hörte als irgendwelche 1990er-Fragmente: "Es ist irgendwie Blues-mäßig, auf eine kybernetische und abstrakte Art." "Mit einem sehr langsamen Groove, der einen die gesamte Strecke aufmerksam hält", sagt Dresselhaus. Er beschreibt den Mastering-Prozess sowie die Neubearbeitung in Form der "Gvoon-Version 1" als Balanceakt zwischen Respekt vor dem historischen Material und einer zeitgemäßen Studio-Bearbeitung.

Eine respektvolle Verbeugung zum 87sten Geburtstag von Holger Czukay im März 2025.

Remember: Rod loves you! Es ist 1995. Die Welt ist schlecht aber alle lieben die ärzte. Also kniet nieder!

Denn nur nochmal für’s Protokoll: die ärzte sind aus Berlin (aus Berlin!) und sie sind zurück. Mit Hits, Hits … und noch ein paar Hits.
„Planet Punk“ ist das gewohnt großmäulige Statement der Besten Band der Welt und vier mal Onanieren und eine explodierte Freundin später ist klar: Dies ist eines der kurzweiligsten Alben, das die an Kurzweiligkeit nicht gerade darbenden die ärzte bis dato abliefern. Da fällt der teils brutal, schnell, laut in Szene gesetzte Metal-Sound zwischendrin fast gar nicht auf. Denn es gibt die gnadenlos abseitige Obskur-Avantgarde um Nasenkoteletts, den Rumba-Hüftschwung inklusive Querflöte und Flamenco-Gitarre, den schamfrei in Haudrauf-Manier hinballadierten Freud-Penis-Overkill mit passiv-aggressivem Schlafzimmer-Blick und die ebenso sozialrealistische wie hemmungslos zynische Loser-Hymne. die ärzte: Jetzt mit Friedrichstadtpalast und Friede, Freude, Eierkuchen. Sowie einem der schönsten hässlichen Band-T-Shirts der Popgeschichte, das sich noch Jahrzehnte später als Klassiker am MerchStand behaupten wird. Und „Schunder-Song“. „Planet Punk“ erscheint ausschließlich als Doppelvinylalbum (inklusive Downloadcode) am 7. Oktober
2022.

Perila returns with a contemplative spiritual successor to her album »7.37/2.11«, which was also released on Vaagner’s sister label A Sunken Mall back in 2022.

Featuring a collection of 8 pieces produced between 2021 and 2023, the album carries a serene vulnerability that underpins each work, drawing the listener in while gently grounding them amidst a drifting, ephemeral motion of echoing voices, droning guitars and sonorous soundscapes. Like a whispered conversation in the quiet moments of the day.

Perila has once again created a world unto itself, one that doesn’t need to be understood but simply felt. If anything, it’s an album that brings us back to the present, reminding us that the chaotic disarray of the world outside can be addressed and mitigated through our internal landscape. By embracing imperfection and forging new paths, »The Air Outside Feels Crazy Right Now« is a testament towards Perila’s ability to turn fragility into a powerful form of strength.

Mit "Glory" veröffentlicht Mike Hadreas aka Perfume Genius sein siebtes Studioalbum. Zusammen mit seinem Partner Alan Wyffels und Produzent Blake Mills ist eine Platte entstanden, die nach außen hin strahlt, in seinen makabren Bildern und seinem aufgewühlten Innern aber das Tor in eine Welt von Entfremdung, Sehnsucht und Verlangen aufmacht. Es ist der Konflikt zwischen dem Außen und dem Innen, der Hadreas beschäftigt, der Widerspruch zwischen einem künstlerischen Leben in der Öffentlichkeit und dem Wunsch nach Isolation. In seinen Charakterskizzen betrachtet der US-Künstler mit der Sorgfalt eines Schriftstellers Szenen von Freundschaft, Verlangen und Intimität durch eine queere Prima, während er sich musikalisch geöffnet und in seinem Songwriting-Prozess mehr Raum für Gruppendynamik gelassen hat: "Es ist auf eine Weise kollaborativ, die es besser macht", so Hadreas, "aber auch beängstigender - es fühlt sich verletzlicher an". Dass Glory dennoch ein zutiefst persönliches Album geworden ist, liegt auch daran, dass Hadreas seine eigenen Ängste vor dem Hintergrund der Entwicklung einer den Zeitgeist durchdringenden, allgemeinen Paranoia reflektiert. Mit seinen fein gesponnenen Tracks wirkt "Glory" beizeiten wie eine Kollektion neuer Standards für queere Romantiker und alte Seelen im Tumult der Gegenwart.

Fausts Herangehensweise an Rockmusik (im weitesten Sinne) beinhaltet Elemente der elektronischen Musik und der Improvisation, Drones und Dissonanz und so wurden sie zu einer der wichtigsten Gruppen der Kosmische Musik bzw. des Krautrocks. Ihr Debütalbum war innovativ und wurde von der Kritik gelobt, verkaufte sich aber nicht sehr gut. Nach den schlechten Verkaufszahlen des Debüts präsentiert das nachfolgewerk "So Far" (1972) die kommerziellere und zugänglichere Seite von Faust, ohne ihren fortschrittlichen und experimentellen Charakter aufzugeben. Es ist ein perfektes Album, um die Diskografie der Band zu erkunden, denn es enthält einen ihrer bekanntesten Songs, It's a Rainy Day, Sunshine Girl,, und gilt als ein beeindruckendes Werk, das mit dem ersten Album von Neu! oder Cans Tago Mago" gleichzusetzen ist. Vor anderen Künstlern wie Throbbing Gristle und Nurse with Wound waren Faust, die 1971 in Hamburg/Deutschland gegründet wurden, Pioniere bei der Schaffung industrieller und futuristischer Atmosphären unter Verwendung bearbeiteter Rhythmen, wie in dem Stück Mamie is Blue". Seit geraumer Zeit nicht mehr auf Vinyl erhältlich, gibt es hier eine lang erwartete Wiederveröffentlichung dieses essentiellen Krautrock-Meisterwerks. Ein unverzichtbares Album des Kanon des Krautrocks. Zuletzt offiziell vor 15 Jahre auf Vinyl erhältlich, nun remastered von den Originalbändern. 180g Vinyl. Inklusive Booklet.

Dogma, die treuen Wahrheitssucher, veröffentlichen ihr selbstbetiteltes Debütalbum jetzt auf CD und LP. Das Album erzählt eine kraftvolle
musikalische Geschichte, die tief in die menschliche Psyche eindringt. Frontfrau Lilith sagt: „Auf unserem Debütalbum enthüllen wir eine rohe und
unverblümte Erzählung, die den Kampf gegen aufgezwungenen Glauben, ungerechte Zensur und die Befreiung von unlogischen Überzeugungen
beleuchtet. Es ist eine Reise durch verlorene Unschuld und eine Rebellion gegen archaische Zwänge. Ein kühnes Statement, das die Auflehnung gegen
gesellschaftliche Normen einfängt. Es geht darum, sich zu befreien, unsere Wahrheit anzunehmen und die uns auferlegten Beschränkungen
herauszufordern.“
Lilith führte weiter aus: „Visuell ist das Album-Artwork eine gewagte Reflexion der Allgegenwart der Lust in der Menschheit, unabhängig von allen
Bedingungen. Es dient als kühnes visuelles Testament, das die Wahrheit entlarvt, dass Lust ein inhärenter Teil unserer Natur ist, frei von jeglichen
auferlegten Beschränkungen wie falscher Moral und unlogischem Glauben.“ Dogma fordert uns auf, die Rebellion anzunehmen und unsere fleischlich
Gelüste zu entfesseln. Sie werfen die Ketten der Bescheidenheit beiseite und beschwören einen Sturm der Sinnlichkeit herauf, der unerschütterliche
Aufmerksamkeit und leidenschaftliches Mitmachen verlangt

Die verbitterte Tochter eines toten Predigers, die in einem Exodus gefangen ist, schlängelt sich durch einen schwindelerregenden Ausbruchsversuch
aus ihrer erstickenden Erziehung, nur um am Ende in deren Fängen zerquetscht zu werden.
Hayden Anhedönia, die Frau hinter dem Vorhang, ist die Architektin der viszeralen und eindringlichen Welt von Ethel Cain. Nach über vier Jahren
akribischer Arbeit an ihrem Debütalbum und der dazugehörigen visuellen Welt wurde Preacher's Daughter im Mai 2022 veröffentlicht und von den
Kritikern hoch gelobt. Das Album fand großen Anklang bei der Fangemeinde ihrer Töchter und wurde von der New York Times, Vogue, NPR, Billboard,
Vice, TheFADER, NYLON, Paper Magazine, Pitchfork, W Magazine, V Magazine und vielen mehr bewundert.

Die verbitterte Tochter eines toten Predigers, die in einem Exodus gefangen ist, schlängelt sich durch einen schwindelerregenden Ausbruchsversuch
aus ihrer erstickenden Erziehung, nur um am Ende in deren Fängen zerquetscht zu werden.
Hayden Anhedönia, die Frau hinter dem Vorhang, ist die Architektin der viszeralen und eindringlichen Welt von Ethel Cain. Nach über vier Jahren
akribischer Arbeit an ihrem Debütalbum und der dazugehörigen visuellen Welt wurde Preacher's Daughter im Mai 2022 veröffentlicht und von den
Kritikern hoch gelobt. Das Album fand großen Anklang bei der Fangemeinde ihrer Töchter und wurde von der New York Times, Vogue, NPR, Billboard,
Vice, TheFADER, NYLON, Paper Magazine, Pitchfork, W Magazine, V Magazine und vielen mehr bewundert.

Atmosphärischer Black Metal aus Sibirien – Klirrende Kälte, antike Rituale und finstere Wälder!
Atmosphärischer Black Metal aus der sibirischen Taiga – GRIMA vertonen klirrende Kälte, Rituale vergangener Zeiten und finstere, einsame Wälder in
atmosphärischem Gewandt. Mit ihrem neuen Album und Napalm Records-Debüt Nightside setzt die Band ein Ausrufezeichen als eine der
vielversprechendsten Hoffnungen im Black Metal!

Mit AVEC präsentiert die österreichische Singer-Songwriterin AVEC ein selbstbetiteltes Album, das die bittersüßen und zärtlichen Momente des
Lebens nahtlos miteinander verbindet. Diese Sammlung verkörpert ihre charakteristische Mischung aus sanften Melodien, introspektiven Texten und
cinematischen Klanglandschaften. Roh und intim taucht das Album in die Komplexität menschlicher Beziehungen und persönlicher Introspektion ein
und lädt die Hörer:innen in eine Welt ein, in der Verletzlichkeit auf Widerstandsfähigkeit trifft und Herzschmerz mit Hoffnung tanzt.
Seit 2015 AVECs erste EP “Heartbeats” erschienen ist, rüttelt die junge österreichische Musikerin gekonnt und gut am Bild dessen, was man über
zutiefst ehrliche Popmusik zu wissen geglaubt hat. Die erste, sehr erfolgreiche Single “Granny” hat den Weg zum jugendlich-melancholischen
Debütalbum “What If We Never Forget” geebnet. Es wurde mit mehreren Nominierungen bei den Austrian Amadeus Music Awards (unter anderem
“Künstlerin des Jahres” und “Best Sound”) belohnt: ein erstes, starkes Folkpop-Statement, reduziert, kraft- und eindrucksvoll. So eindrucksvoll, dass
AVEC in weiterer Folge unter anderem Support-Slots für Zucchero, Sting oder The Tallest Man On Earth gespielt hat.

Cassette

Kaum ein Ereignis hat die deutsche Gesellschaft im noch jungen Jahr 2024 so sehr bewegt, wie der Tod von Fußballlegende und Sportikone Franz Beckenbauer. Als einer der größten Namen ging „Der Kaiser“,
wie er oft genannt wird, sowohl als Spieler als auch später als Trainer und Funktionär in die weltweite Fußballgeschichte ein.

Unvergessen sind, im Angesicht seiner außergewöhnlich erfolgreichen Karriere, aber nicht nur seine Leistungen und Erfolge auf dem Platz oder seine Einflüsse als Funktionär, sondern auch im Bereich der Musik hinterließ Franz Beckenbauer seine Abdrücke in der deutschen Kulturlandschaft.

All diese Umstände ergeben in Summe eine regelrechte Aufforderung zur Neuauflage von Franz Beckenbauers größten Hits, oder besser gesagt: ”Des Kaisers schönste Lieder”. So lautet nämlich auch der
offzielle Titel der neuen 10“-Vinyl, die alle alten Titel aus der Zusammenarbeit mit dem Polydor-Label enthalten und pünktlich zum Fußball-Highlight des Jahres erscheinen wird. Universal Music wird diese feine Schatztruhe an Liedern zudem auch erstmals digital veröffentlichen und für Streaming verfügbar machen.

Die strikt auf 1.000 Stück limitierte Edition in transparentem 10”-Vinyl wird am 14.06.2024 erscheinen.

"Volcanic Tongue" war ein Plattenladen, der von 2005-2015 in Glasgow von David Keenan und Heather Leigh betrieben wurde und zeitgenössische DIY-Musik aus der ganzen Welt in kleinen selbstgemachten CD-R-Auflagen veröffentliche. Parallel versuchte man, vergessene Künstler aus der Vergangenheit ins Rampenlicht zu rücken, die ihre Musik oft als Privatpressung veröffentlicht hatten. Der Laden war für seine wöchentliche Mailingliste bekannt, in der Keenan enthusiastisch über Neuankömmlinge rappte, insbesondere über die Platte der Woche, die den Spitznamen "tip of the tongue" (Zungenspitze) erhielt. Dieser eklektische Sampler mit 20 "tips of the tongue" - von Outsider-Synth über Psych-Folk bis zu kaputtem Rock'n'Roll, aufgenommen zwischen 1968-2013 - ist eine Hommage an eine lebendige und vielseitige Underground-Avantgarde. Black Vinyl 2LP in PVC-Hülle, von Julian House designt, mit bedruckten Innentaschen samt Linernotes von David Keenan zu jedem Künstler.

PS: Gleichzeitig erscheint beim White Rabbit-Verlag eine Deluxe-Ausgabe des gleichnamigen Buches mit einer CD-Version des Samplers, limitiert auf 1.000 Exemplare, und signiert von Autor David Keenan und Designer Julian House.

Diese Sonderveröffentlichung feiert den 20. Jahrestag von The Grind Date. Die LP ist als Splatter-Vinyl
in limitierter Auflage erhältlich und enthält neben dem Originalalbum 4 Instrumentalversionen der Haupttitel. Die 2CD enthält außerdem 2 brandneue Titel, die während derselben Sessions wie The Grind Date
aufgenommen wurden. Diese noch nie zuvor veröffentlichten Titel mit den Titeln „Respect“ und „Bigger“
ergänzen dieses bereits bekannte Album perfekt.
De La Soul ist eine einflussreiche Hip-Hop-Gruppe, die Ende der 1980er Jahre gegründet wurde. Das
Trio, bestehend aus den Mitgliedern Kelvin Mercer (Posdnuos), David Jude Jolicoeur (Trugoy the Dove)
und Vincent Mason (Maseo), ist für seinen einzigartigen Sound und seine innovative Herangehensweise an
Hip-Hop bekannt. Ihnen wird oft zugeschrieben, dass sie mit ihrem eklektischen Stil, ihrer Verwendung
von Sampling und ihren positiven Botschaften die Landschaft des Genres mitgestaltet haben.
„The Grind Date“ ist das sechste Studioalbum von De La Soul und wurde 2004 veröffentlicht. Das Album markierte eine bedeutende Rückkehr der Gruppe nach einer Pause seit ihrem letzten Album im Jahr
2001. „The Grind Date“ zeigt De La Souls charakteristische Mischung aus cleveren Texten, innovativer
Produktion und einer Mischung aus verspielten und introspektiven Themen. Das Album enthält eine Fülle
spannender Gastauftritte von Künstlern, darunter MF Doom, Ghostface Killah, Flava Flav und Sean Paul.

Der weltweit gefeierte Musiker, Produzent und Songwriter Steven Wilson veröffentlicht sein achtes Studioalbum ”The Overview”. Das 42-minütige Werk, bestehend aus zwei epischen Tracks – ”Objects Outlive
Us” und ”The Overview” – ist inspiriert vom “Overview Effect”, einem transformativen Erlebnis, das Astronauten beim Blick auf die Erde aus dem Weltall erfahren.
Mit ”The Overview” kehrt Wilson zu seinen progressiven Wurzeln zurück, einem Genre, das er maßgeblich
mitgestaltet hat. Die beiden ambitionierten Stücke bestehen aus einzigartigen musikalischen Abschnitten, die nahtlos ineinander übergehen, und kombinieren klassische Prog-Elemente mit modernen Einflüssen
wie Elektronik und Post-Rock. Die Texte, teils von XTCs Andy Partridge, erzählen Geschichten über die
Schönheit und Herausforderungen des Lebens auf der Erde.
Das Album spiegelt 30 Jahre Wilsons Karriere wider, mit Anklängen an Porcupine Tree, The Raven That
Refused to Sing und The Future Bites. Wie immer liefert Wilson ein audiophiles Erlebnis: ”The Overview”
wird in Spatial Audio und als speziell gemastertes Half-Speed-Vinyl erhältlich sein.
”The Overview” ist ein einzigartiges Werk für 2025 – ein Erlebnis für offene Ohren und weite Gedanken.

Was ist ein "Boogie"? In der Umgangssprache ist es ein Tanz oder eine Gelegenheit zum Tanzen. Da es sich hier um ein Destroyer-Album handelt und nicht um den allgemeinen Sprachgebrauch, sind die Implikationen eines Titels wie "Dan's Boogie" verführerischer und gefährlicher zugleich. "Ein Boogie ist ein Täuschungsmanöver, ein Betrug, der nicht ganz funktioniert, die Bewegungen, die wir machen, wenn wir damit konfrontiert werden", erklärt Dan Bejar. "Ich denke an Spionage, Doppelagenten, die mit einem offenen Auge schlafen und die Ausgänge im Auge behalten. Aber ich denke auch an kleine Siege und Niederlagen auf der Straße und an Improvisation". Um "Dan's Boogie" aufzunehmen, musste Bejar eine Reihe von gewollten und ungewollten Hindernissen überwinden, um die Songs zu schreiben. Die Monate nach der Fertigstellung von "LABYRINTHITIS" wurden zu einem Jahr und dann zu zwei Jahren, in denen Bejar sich selbst den Neujahrsvorsatz gab, jeden Tag eine Stunde lang Klavier zu spielen. Das hat ungefähr vier Tage gedauert, aber die Songs, die Bejar als Ergebnis dieses Vorsatzes bezeichnet - darunter "Cataract Time", "Hydroplaning Off the Edge of the World", "Bologna" und "Dan's Boogie" - sind allesamt Destroyer-Songs aus dem breiten Spektrum, das Bejar und seine Mitstreiter für sich selbst geschaffen haben: Spektakuläre Pop-Epen, persönliche Piano-Balladen und schwelende Stimmungsbilder, die die Grenzen zwischen Song, Roman und Kino verschwimmen lassen, jedes voll von der Dringlichkeit eines Staatsgeheimnisses im Kopf eines gequälten Spions. Die Leadsingle "Bologna" ist der radikalste Rahmen für diese Energie, denn es ist das erste Mal, dass Bejar einen Song schreibt, in dem er sich selbst als Nebenfigur vorstellt. In der Hauptrolle ist Simone Schmidt von Fiver zu hören, deren Stimme - hart und ausdrucksstark, durchdringend durch die Düsternis der Szene - ein Sirenengesang ist, der das ganze Album durchdringt. Die Schwere ihrer Stimme ordnet "Dan's Boogie" um ein Gefühl des drohenden Untergangs herum, so wie das Versprechen einer Fatale auf das Ungewöhnliche und Ekstatische die Hauptfigur eines erotischen Thrillers zum Verhängnis wird. "Hydroplaning Off the Edge of the World" ist ein köstlicher Widerspruch, ein schwungvoller Song, der aus der Verwüstung entstand, die Bejar absichtlich mit sich selbst anrichtete. "We are now entering a new phase", intoniert Bejar und führt Schichten von Gitarren und Synthesizern ein, die die Palette erheblich verdunkeln, während er zwischen Gesang und Sprache wechselt. Der Nebel, der Bejar umgibt, wird durch die Reibung zwischen konkurrierenden Wahrheiten und Geschmäckern erhellt, etwa wenn sein Interesse an jazzigen Balladen auf das Interesse des Produzenten und Bassisten John Collins an Bands wie Led Zeppelin und Scritti Politti trifft. Als Bejar Collins erzählte, dass er an Sammy Davis Jr. dachte, entstand der Titeltrack, in dem Bejar mit fast wahnhafter Freude einen Rat Pack-Swagger vor einer verträumten Klangkulisse aus schwebenden Gitarren, üppigen Bläsern, Jazz-Drumming, spacigen Synthesizern und - vielleicht am ehesten dem Selbstverständnis Bejars entsprechend - einem klimpernden Lounge-Piano annahm. Das Herzstück von "Dan's Boogie" ist vielleicht "Cataract Time", ein achtminütiges Epos, das zu den schwersten Texten gehört, die Bejar je geschrieben hat, und eine der musikalisch komplexesten Kompositionen von Destroyer ist. Getragen von einem lässigen Groove, sind Bejars Texte verklärt, ihre Melancholie schmeckt fast widersinnig nach Hoffnung. Es ist ein intimer Song, der Destroyers übliches urbanes Fabel-Milieu gegen eine erfrischende Innerlichkeit eintauscht, aber sein beschwingter Groove lässt eine Zukunft erahnen, der Bejar und seine Band entgegenfiebern. Wo frühere Destroyer-Alben mit der Welt kämpften, tanzt "Dan's Boogie" mit ihr, und seine neun Träumereien verschmelzen zu einem einzigen langen Treiben. Dan Bejar mag die Ausgänge im Auge haben, aber er wird nicht so bald abreisen.





e 5 BOLOGNA [FEAT. FIVER]

Was ist ein "Boogie"? In der Umgangssprache ist es ein Tanz oder eine Gelegenheit zum Tanzen. Da es sich hier um ein Destroyer-Album handelt und nicht um den allgemeinen Sprachgebrauch, sind die Implikationen eines Titels wie "Dan's Boogie" verführerischer und gefährlicher zugleich. "Ein Boogie ist ein Täuschungsmanöver, ein Betrug, der nicht ganz funktioniert, die Bewegungen, die wir machen, wenn wir damit konfrontiert werden", erklärt Dan Bejar. "Ich denke an Spionage, Doppelagenten, die mit einem offenen Auge schlafen und die Ausgänge im Auge behalten. Aber ich denke auch an kleine Siege und Niederlagen auf der Straße und an Improvisation". Um "Dan's Boogie" aufzunehmen, musste Bejar eine Reihe von gewollten und ungewollten Hindernissen überwinden, um die Songs zu schreiben. Die Monate nach der Fertigstellung von "LABYRINTHITIS" wurden zu einem Jahr und dann zu zwei Jahren, in denen Bejar sich selbst den Neujahrsvorsatz gab, jeden Tag eine Stunde lang Klavier zu spielen. Das hat ungefähr vier Tage gedauert, aber die Songs, die Bejar als Ergebnis dieses Vorsatzes bezeichnet - darunter "Cataract Time", "Hydroplaning Off the Edge of the World", "Bologna" und "Dan's Boogie" - sind allesamt Destroyer-Songs aus dem breiten Spektrum, das Bejar und seine Mitstreiter für sich selbst geschaffen haben: Spektakuläre Pop-Epen, persönliche Piano-Balladen und schwelende Stimmungsbilder, die die Grenzen zwischen Song, Roman und Kino verschwimmen lassen, jedes voll von der Dringlichkeit eines Staatsgeheimnisses im Kopf eines gequälten Spions. Die Leadsingle "Bologna" ist der radikalste Rahmen für diese Energie, denn es ist das erste Mal, dass Bejar einen Song schreibt, in dem er sich selbst als Nebenfigur vorstellt. In der Hauptrolle ist Simone Schmidt von Fiver zu hören, deren Stimme - hart und ausdrucksstark, durchdringend durch die Düsternis der Szene - ein Sirenengesang ist, der das ganze Album durchdringt. Die Schwere ihrer Stimme ordnet "Dan's Boogie" um ein Gefühl des drohenden Untergangs herum, so wie das Versprechen einer Fatale auf das Ungewöhnliche und Ekstatische die Hauptfigur eines erotischen Thrillers zum Verhängnis wird. "Hydroplaning Off the Edge of the World" ist ein köstlicher Widerspruch, ein schwungvoller Song, der aus der Verwüstung entstand, die Bejar absichtlich mit sich selbst anrichtete. "We are now entering a new phase", intoniert Bejar und führt Schichten von Gitarren und Synthesizern ein, die die Palette erheblich verdunkeln, während er zwischen Gesang und Sprache wechselt. Der Nebel, der Bejar umgibt, wird durch die Reibung zwischen konkurrierenden Wahrheiten und Geschmäckern erhellt, etwa wenn sein Interesse an jazzigen Balladen auf das Interesse des Produzenten und Bassisten John Collins an Bands wie Led Zeppelin und Scritti Politti trifft. Als Bejar Collins erzählte, dass er an Sammy Davis Jr. dachte, entstand der Titeltrack, in dem Bejar mit fast wahnhafter Freude einen Rat Pack-Swagger vor einer verträumten Klangkulisse aus schwebenden Gitarren, üppigen Bläsern, Jazz-Drumming, spacigen Synthesizern und - vielleicht am ehesten dem Selbstverständnis Bejars entsprechend - einem klimpernden Lounge-Piano annahm. Das Herzstück von "Dan's Boogie" ist vielleicht "Cataract Time", ein achtminütiges Epos, das zu den schwersten Texten gehört, die Bejar je geschrieben hat, und eine der musikalisch komplexesten Kompositionen von Destroyer ist. Getragen von einem lässigen Groove, sind Bejars Texte verklärt, ihre Melancholie schmeckt fast widersinnig nach Hoffnung. Es ist ein intimer Song, der Destroyers übliches urbanes Fabel-Milieu gegen eine erfrischende Innerlichkeit eintauscht, aber sein beschwingter Groove lässt eine Zukunft erahnen, der Bejar und seine Band entgegenfiebern. Wo frühere Destroyer-Alben mit der Welt kämpften, tanzt "Dan's Boogie" mit ihr, und seine neun Träumereien verschmelzen zu einem einzigen langen Treiben. Dan Bejar mag die Ausgänge im Auge haben, aber er wird nicht so bald abreisen.

Von seiner Arbeit in der explosiven frühen Hollywood-Punk-Musikszene mit seiner Band The Plugz über das Produzieren von Bands wie The Gun Club bis hin zur Filmmusik, seiner beachtlichen Schauspielkarriere und der Gründung von Fatima Records - Tito Larriva verdient den Titel, den ihm die LA Times einst verliehen hat, durch und durch: "Renaissance Man".

The Plugz, 1978 in Los Angeles von Tito Larriva gegründet, waren inspirierend für die frühe Latino/Latinx-Punk-Gemeinschaft und ihr "West Coast Punk" hatte einen anhaltenden Einfluss auf ganze Generationen von Rockbands.
Kenner der Latino-Kultur würdigten die Band für ihre unkonventionelle Version von "La Bamba" und ihren Einfluss auf die Chicano/Xicanx-Rocker in Südkalifornien.

Mit "Hombre Secreto", einer spanischen Version des 60er-Jahre-Klassikers "Secret Agent Man", brachte Larriva seine einzigartige Handschrift in die Filmmusik des Kult-Klassikers "Repo Man" ein. Seine Karriere ging von hier aus kontinuierlich und vielfältig weiter; zu den wichtigsten Etappen zählen seine Arbeit als Produzent des Cast-Albums der "Pee-Wee Herman Show" und des Debüts "Fire of Love" von The Gun Club, sein Einsatz als Schauspieler in David Byrnes "True Stories" und die von ihm 1984 gegründeten The Cruzados. 1992 entwickelte sich aus The Cruzados die Band Tito & Tarantula, mit der Larrivas intensive Arbeitsbeziehung zu Robert Rodriguez und Quentin Tarantino begann. Er spielte in einem halben Dutzend ihrer Filme mit, unter anderem auch in "From Dusk Till Dawn", wo sein Song "After Dark" und sein musikalischer Auftritt im legendären "Titty Twister Club" eine legendäre Rolle spielt.

Nun veröffentlichen Tito & Tarantula ihr mit Spannung erwartetes Album "!Brincamos!". Das neue Werk ist eine Soundreise, die die Tiefen der menschlichen Seele erforscht, durchsetzt von der rohen Kraft des Rock und dem reichen Erbe des Latino/Latinx-Punkrock. Jeder Track ist ein Beweis für die Fähigkeit Larrivas, Grenzen, Genres und Sprache zu überwinden und einen Sound zu kreieren, der bei Fans auf der ganzen Welt Anklang findet. Mit rohen Balladen und emotionalen Rock-Hymnen ist Larriva mit "!Brincamos!" ein musikalisches Meisterwerk gelungen, das die Geschichte von Tito & Tarantula mehr als würdig fortschreibt.

Neben der Veröffentlichung dieses Albums bereiten sich Tito & Tarantula derzeit auf ihre "!Brincamos!"-Europatournee vor, um ihre berüchtigten Live-Performances auf die Bühnen des europäischen Kontinents zu bringen. Die Fans werden eine Verschmelzung von Rock'n'Roll und cineastischen Welten erleben und Teil unvergesslicher Konzerte sein. Mit Titos intensivem Gesang und der unvergleichlichen Bühnenpräsenz der Band schickt diese Tournee sich an, eines der großen Highlights des Jahres für Musik-Enthusiasten zu werden.

Mit der Veröffentlichung von "!Brincamos!" und dem Beginn ihrer Europatournee im März 2025 laden Tito & Tarantula alte und neue Fans ein, sie auf dieser aufregenden Reise zu begleiten. Die Musik dieser Band ist ein Zeugnis für die Energie des Rock und den vereinenden, kulturellen Stolz der Latinos.

"!Brincamos!" erscheint am 14.03.2025 als Vinyl (aufgrund der Spiellänge des Albums fallen 2 Live Tracks weg), limitierte Vinyl mit einer separaten 10" incl. der Livetracks, CD und digital auf allen gängigen Streaming Plattformen

Bria Salmenas Solo-Debütalbum "Big Dog" erzählt eine Geschichte der Transformation - eine zutiefst persönliche Erkundung der Widerstandsfähigkeit und eine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit, die durch Zusammenarbeit geschmiedet wurde. Lange Zeit als Frontfrau der kanadischen Post-Punk-Band FRIGS und als Sängerin in Orville Pecks Live-Band gefeiert, erreicht Salmena mit "Big Dog" den vorläufigen Höhepunkt ihrer künstlerischen Entwicklung. Getragen von ihrer souveränen Stimme, die abwechselnd zart, rau und trotzig ist, durchquert das Album das Terrain der Verletzlichkeit und Verbundenheit und markiert die Ankunft einer Künstlerin, die mutig zu sich selbst findet. "Big Dog" ist ein Album mit großen Gefühlen und großen Ambitionen. Musikalisch vereint es Elemente von hypnotischem Krautrock und schimmerndem Shoegaze, opulentem Gothic und pulsierendem Darkwave mit einer Mischung aus elektronischen Texturen zu einem ausgefeilten und oft unheimlichen Sound. Inmitten dieser weitläufigen Klanglandschaft stehen Salmenas kraftvolle lyrische Bilder und ihr großartiger Gesang im Mittelpunkt. Für Salmena ist es unmöglich, die persönliche Reise, die "Big Dog" darstellt, von der Zusammenarbeit zu trennen, die zu seiner Entstehung führte. Salmena arbeitete mit dem Produzenten und Multiinstrumentalisten Duncan Hay Jennings zusammen, der sowohl bei FRIGS als auch in der Band von Orville Peck spielte. Vor "Big Dog" gaben die beiden auf Brias zwei "Cuntry Covers" EPs klassischen und modernen Americana-Songs eine Gothic-Dream-Pop-Behandlung. Jennings, der nicht nur Salmenas engster kreativer Mitarbeiter, sondern auch ihr engster Freund ist, schrieb "Big Dog" mit Salmena über mehrere Jahre hinweg, in denen Salmena in LA und Jennings in Toronto lebte. Graham Walsh (Holy F**k, METZ, Debby Friday, Alvvays) half den beiden, ihre aufkeimende Mischung aus Rock und elektronischer Musik weiter zu verfeinern, während Meg Remy (vom von der Kritik gefeierten experimentellen Pop-Projekt U.S. Girls) sich vor allem auf Salmenas Gesang konzentrierte. Remy half dabei, die unvergesslichen Darbietungen, die im Mittelpunkt von "Big Dog" stehen, durch eine Reihe von kathartischen Treffen herauszukitzeln und drängte Salmena dazu, noch tiefer in die Bedeutung ihrer Texte einzudringen und wirklich über verschiedene Möglichkeiten des Einsatzes ihrer Stimme nachzudenken. Als "Big Dog" zusammenkam, wurde deutlich, dass Salmenas Songwriting eine rohe und intime Wendung genommen hatte, die weit über die Arbeit von ihr und Jennings auf ihren vorherigen EPs hinausging. Der Sound von "Big Dog" schwebt zwischen zwei Welten, düstere Punk-Ehrlichkeit, die immer unter einer glänzenden Atmosphäre brodelt, die man nicht ignorieren kann. Es gibt Anklänge an den Alternative Rock - man denkt an Holes "Live Through This", The Distillers, Mazzy Star - und mit Lee Ranaldo von Sonic Youth steuert eine echte Alternative-Rock-Ikone die Gitarre zu "See'er" bei. Aber es gibt auch eine Geschmeidigkeit, die ebenso sehr an den Coldwave der 80er Jahre erinnert wie an ekstatische Formen der Tanzmusik. Salmenas satte Stimme ist allgegenwärtig, ein konstantes warmes Glühen in einem Geflecht aus mechanischen Klängen. In seinem Kern ist "Big Dog" mehr als nur eine Platte über die Entdeckung, wer man ist, indem man schmerzhafte Erfahrungen verarbeitet. Es ist eine Platte über die Entdeckung, dass man nie wirklich allein ist.

(2018 Remix)

30. Juni 2022 – Im Januar 1977 veröffentlichten Pink Floyd ihr zehntes Studioalbum „Animals“. Das Werk eroberte Platz 1 der deutschen Charts, gilt als eines ihrer besten – und es wird nun, 45 Jahre später, als Deluxe Gatefold, CD, LP und Blu-ray wiederveröffentlicht. Zum ersten Mal überhaupt wird das Album in 5.1 Surround-Sound zu hören sein. Die einzelnen Versionen werden ab dem 16. September 2022 erhältlich sein, die Deluxe-Version folgt am 7. Oktober.

Pink Floyd – David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters und Richard Wright – nahmen „Animals“ 1976 und Anfang 1977 in den bandeigenen Britannia Row Studios in London auf und produzierten auch selbst.

„Animals 2018 Remix“ wird als CD, LP (mit Klapphüllen-Artwork), Blu-Ray und als Deluxe-Gatefold-Format veröffentlicht. Die Deluxe-Gatefold-Version beinhaltet eine LP, CD, Audio-Blu-Ray, Audio-DVD und ein 32-seitiges Booklet. Die Audio-Blu-Ray und -DVD enthalten den Remix von 2018 in Stereo, in 5.1 Surround (beide von James Guthrie) und den ursprünglichen Stereo-Mix von 1977. Das 32-seitige Booklet gewährt mit selten gezeigten Fotos einen Blick hinter die Kulissen des Shootings für die Plattenhülle sowie Live-Bilder und Memorabilia. Das Album-Artwork wurde für diese Veröffentlichung mit einem zeitgemäßen Motiv neu interpretiert.

„Animals“ ist ein Konzeptalbum, das sich kritisch mit den sozialpolitischen Verhältnissen im Großbritannien der mittleren 1970er-Jahre auseinandersetzt und damit eine Abkehr vom Stil der früheren Arbeiten der Band markierte. Aus einer Ansammlung ursprünglich nicht miteinander zusammenhängender Songs entwickelten Pink Floyd ein Konzept, das den offenkundigen sozialen und moralischen Verfall der Gesellschaft beschreibt. Inspiriert von George Orwells „Farm der Tiere“, verbildlichen sie die menschliche Natur mit einer Analogie zum Tierreich und teilen die Menschen in drei Klassen von Tieren ein: Die Schweine stehen an der Spitze der sozialen Kette, die Schafe tun als hirnlose Herde, was man ihnen sagt, und die Hunde sind die Geschäftsbosse, die sich am Profit und ihrer Macht über andere schamlos bereichern. Seit 1977 ist viel Zeit vergangen – und dann wieder gar nicht, denn die Erzählung des Albums hat als Kommentar auf unsere gesellschaftliche und wirtschaftliche Situation nichts von ihrer Aktualität verloren.

Das berühmte Cover von „Animals“ zeigt ein aufblasbares Schwein (heute bekannt als Algie), das in luftigen Höhen zwischen zwei Schornsteinen der Battersea Power Station in London schwebt. Die Idee für das Cover kam von Roger Waters, die Umsetzung übernahm der langjährigen Kreativpartner der Band, Storm Thorgerson von Hipgnosis Studios. Für die jetzige Neuveröffentlichung wurde das Artwork von Storms Hipgnosis-Partner Aubrey „Po“ Powell für die heutige Zeit neu gestaltet. Basierend auf neuen Aufnahmen des Gebäudes während der jüngsten Umgestaltungsarbeiten (das ehemalige Kraftwerk wird für die kulturelle und gewerbliche Nutzung umgebaut, gestaltet von Frank Gehry und Norman Foster), experimentierte Po mit neuen Blickwinkeln und erschuf einige beeindruckende neue Varianten des berühmten Originals. Po dazu: „Das Original-Albumcover von 1977 ist ikonisch und steht so sehr für sich, dass ich eine Menge Respekt davor hatte, ihm ein Update zu verpassen. Doch Hipgnosis nahm die Gelegenheit zum Anlass, das Motiv neu zu fotografieren und damit eine sich verändernde Welt widerzuspiegeln. Durch den Einsatz moderner digitaler Färbetechniken konnte ich Pink Floyds düstere Botschaft des moralischen Verfalls beibehalten, und auch die Orwellsche Tier-Analogie in Form des Schweins Algie lebt in dem neuen Artwork fort.“

Pink Floyds „Animals 2018 Remix” kann ab jetzt hier vorbestellt werden.

In dem neuen Werk ''Shlimazl'' des Schweizer Komponisten Michael Wertmüller verschmelzen Sinfonieorchester und Big Band zu einem virtuosen, polymetrischen Organismus zusammen, der nicht nur Stile, sondern auch eine gefühlte Linearität der Zeit überwindet. Dabei knüpft er explizit an die reiche Tradition der Big Band an und belebt sie im sinfonischen Kontext unter neuen Vorzeichen wieder und lässt sie emporfahren. Alle Solisten agieren wie ein Bild im Bild der Big Band, die zwischen musikalischer Keimzelle, Ort der Konzentration und utopischem Freiraum oszilliert. Wertmüller beleuchtet die Doppeldeutigkeit des jiddischen Titels Shlimazl (dt.: Durcheinander) mit den strukturierenden Phrasen Mazely Shlimazl (dt.: Glück und Unordnung). Die stilistische Karombole und das Chaos der Polyphonie ohne Einheitlichkeit bergen nicht nur den überwältigenden Effekt der scheinbaren Unvereinbarkeit, sondern auch das Glück neuer Möglichkeiten des Miteinanders: aus der Kraft des Widerspruchs und der Reibung an irgendetwas, welches weder planbar noch vorstellbar ist. Ein Model, das in Zeiten zunehmender Unvereinbarkeit und Verhärtung die Vision eines konstruktiven Auswegs birgt. ''Shlimazl'' von Michael Wertmüller ist eine Auftragskomposition der Basel Sinfonietta und der Ruhrtriennale. Basel Sinfonietta & NDR Bigband Musical Director - Titus Engel Drums - Lucas Niggli E-guitar - Kalle Kalima

Kerrigan sind eine der hoffnungsvollsten deutschen Newcomer-Bands aus dem Bereich des traditionellen Heavy Metal. 2019 in Freiburg als Nebenprojekt der Funeral-Doomer Lone Wanderer von Bruno S. (Gitarre, Bass) und Jonas W. (Gesang, Gitarre) gegründet, veröffentlichten High Roller Records 2023 das von der Presse in den höchsten Tönen gelobte Debütalbum »Bloodmoon«. Die Scheibe enterte in der metallischen Fachpresse sogar die eine oder andere Jahresbestenliste. Wegen der großen Nachfrage haben sich High Roller Records nun dazu entschieden, auch das Mini-Album »Heavy Metal 2020« wieder für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Bruno S. und Jonas W. hatten im Jahre 2020 vier Stücke als Demo-Tape aufgenommen: das Titelstück “ Heavy Metal 2020”, “Intruders”, “Force And Will” sowie die Coverversion von “Rest In Peace” der englischen Wolf. Fucking Kill Records sorgten später für eine limitierte Veröffentlichung auf Kassette und Vinyl. Ursprünglich war das Material während eines Jams für die Hauptband von Bruno und Jonas entstanden, die Doom-Formation Lone Wanderer. “Mit Lone Wanderer machen wir eigentlich genau das Gegenteil von Kerrigan”, lacht Gitarrist und Bassist Bruno: “Langsam, tief dröhnend und depressiv. Da nimmt man sich spielerisch sehr zurück, weshalb sich Kerrigan manchmal wie ein Befreiungsschlag anfühlt. Es erinnert mich auch an die Jugend, als ich meinen ersten Gitarrenhelden nacheiferte.” Ein prägendes Merkmal von Kerrigan sind die teilweise doppelstimmig gespielten Gitarrenleads, die im Ansatz auch bereits auf »Heavy Metal 2020« zu hören waren. Mit “Rest In Peace” verbeugten sich Kerrigan seinerzeit vor der NWOBHM, wie Gitarrist und Sänger Jonas bestätigt: “Ja, Wolf war eine der Bands, die wir während der frühen Jam-Phasen sehr intensiv gehört haben, und ‘Rest In Peace’ ist einfach ein Überhit! An den Größen Maiden und Priest kommt man eh nicht vorbei, diese Einflüsse können wir nicht abstreiten. Neben den NWOBHM-Bands lief bei mir aber auch sehr viel Heavy Load oder frühe Accept, deren ‘Neon Nights’ in unserer Demophase wohl die teutonische Entsprechung zu ‘Rest In Peace’ war, was die Dauerschleife angeht.” Mit Sicherheit werden wir von Kerrigan in Zukunft noch viel hören. Jetzt ist es allerdings erstmal an der Zeit, sich noch einmal dem Frühwerk dieses hoffnungsvollen Newcomer-Acts zu widmen. Lehnt euch zurück, dreht den Lautstärkeregler auf und genießt »Heavy Metal 2020«.

Auf ihrem ersten Album mit Alt-Pop-Hymnen - "When I'm Alone" (2022) - hatte girlpuppy (geborene Becca Harvey) oft das Gefühl, im Schatten ihrer Mitstreiter zu stehen. "Sweetness" entstand auf der anderen Seite einer Beziehung, in der sie sich oft an den Rand gedrängt fühlte. Für die 25-jährige Singer-Songwriterin aus Atlanta war "Sweetness" das richtige Projekt, um ihre kreative Herangehensweise zu überdenken und ausschließlich mit ihren eigenen lyrischen und melodischen Ideen zu arbeiten. Das Ergebnis dieses Prozesses ist ein dunkleres, textlich weitläufigeres Album als sein Vorgänger, voller herzzerreißender Songs über das Zurückdrängen von Selbstvorwürfen und Zweifeln. Von den kraftvollen Klängen über die natürlich fließenden Melodien bis hin zu den emotional großzügigen Texten strahlt jedes Element von "Sweetness" Zuversicht aus und zeigt, dass Harvey die rohe Kreativität genießt und ihren Neigungen vertraut. Das Album spielt sich in dem Moment ab, auf den alle Künstler warten: wenn ihre "Stimme" so klar wird, dass sie einfach den Mund aufmachen und anfangen können zu sprechen. Befreit von der nagenden Unsicherheit, dass sie keine Songwriterin sein kann, ohne ein Instrument zu spielen - sie nennt Matt Berninger von The National als Inspiration - begann Harvey für "Sweetness" mit der Aufnahme von Acapella-Stimmnotizen in voller Länge. Um einen Hintergrund für den Gesang zu finden, griff Harvey auf ihre vielfältigen, lebenslangen musikalischen Bezugspunkte zurück, von der Country- und Top-40-Popmusik, mit der sie in der Kleinstadt Georgia aufgewachsen ist, bis hin zu ihren späteren Lieblingsliedern, die ihre Vorstellung davon, was Songwriting erreichen kann, erweitert haben: Elliott Smith, Lana Del Rey, Yo La Tengo und mehr. Mit Hilfe des in Asheville ansässigen Produzenten und Co-Autors Alex Farrar und den weiteren Co-Autoren Tom Sinclair und Holden Fincher hat Harvey den Sweet Spot zwischen Shoegaze, Dream-Pop und Pop-Rock-Hymnen der Jahrtausendwende ausfindig gemacht. Harvey mischt das Verspielte mit dem Zerstörerischen und schwimmt in "Sweetness" auf kathartischen Wellen von Emotionen und Monster-Hooks - eine Dynamik, die sie garantiert an die Spitze der furchtlosesten aufstrebenden Indie-Pop-Singer-Songwriterinnen von heute katapultieren wird.

War Drosselbart eine Krautrockband nur weil sie aus München kamen wie Amon Düül, deutsch sangen und 1971 bei einer großen Plattenfirma ihr erstes und einziges Album veröffentlichten? "Nein", meint Monika Vincent-Gunia aka Jemima, Sängerin von Drosselbart. "Wir waren die erste Punkband Deutschlands. Die Jungs von der Band konnten damals nur drei Akkorde, vielleicht auch vier, aber sie brannten vor Begeisterung." Doch mit dem Punk der Mitsiebziger Jahre hat dann Drosselbarts Musik auf dem gleichnamigen Album recht wenig zu tun. Die Jungs hatten anscheinend doch ein bisschen geübt und sich mehr als vier Akkorde draufgeschafft. So klingt das Ganze stark nach den 1960er Jahren, erinnert gelegentlich an härtere rockende, psychedelische US-Bands wie Iron Butterfly oder an die Musik britischer Bluesrocker wie z. B. Brian Auger und Julie Driscoll. Keyboarder Christian Trachsel steuert ein paar progressive Momente bei und Gastmusiker Ralf Nowy sorgt für klassisch angehauchte Hörerlebnisse. Gesungen wird, wie bereits erwähnt, in Deutsch, von Jemima und Peter Randl. Der bevorzugt einen eher aggressiven, agitativ-deklamierenden Stil, wie man ihn auch von diversen deutschen Politrockbands Anfang der 1970er kennt. Aufgenommen wurde in den Union Studios in München, wobei der Band ein junger Toningenieur namens Reinhold Mack zur Seite gestanden und für den Mix gesorgt haben soll. Unter dem Kürzel Mack machte dieser ab Mitte der 1970-er Karriere als Soundmixer und Produzent von Größen wie ELO, Sparks, Deep Purple und vor allem Queen.

Auf dem vierten Album von Chrystia Cabral als SPELLLING verwandelt die Künstlerin aus der Bay Area ihr gefeiertes Avant-Pop-Projekt in einen Spiegel. Cabrals Texte auf „Portrait of My Heart“ befassen sich mit Liebe, Intimität, Angst und Entfremdung und tauschen den allegorischen Ansatz vieler ihrer früheren Werke gegen einen Blick in ihr menschliches Herz. Die thematische Unverblümtheit des Albums spiegelt sich in den Arrangements wider und macht es zum bisher schärfsten und direktesten SPELLLING-Album. Vom düsteren Minimalismus ihrer frühesten Musik über den üppig orchestrierten Prog-Pop von „The Turning Wheel“ aus dem Jahr 2021 bis hin zu diesem neuen energiegeladenen Ausdruck ihres kreativen Geistes hat Cabral immer wieder bewiesen, dass SPELLLING alles sein kann, was sie braucht. Der Titeltrack mit seinem treibenden Drum-Groove und dem hymnischen Refrain von „I don't belong here“ ist die stärkste Verkörperung der Hinwendung des Albums zu emotionaler Direktheit. Sobald sich die Hauptmelodie herauskristallisiert hatte, nutzte Cabral den Song als Werkzeug, um ihre Ängste als Performerin zu verarbeiten, und entschied sich für eine straffere, rockigere Komposition. Diese Transformation spiegelt die allgemeine Verlagerung des Albums in Richtung Energie und Unmittelbarkeit wider, die von der Kernband Wyatt Overson (Gitarre), Patrick Shelley (Schlagzeug) und Giulio Xavier Cetto (Bass) vorangetrieben wird, deren Zusammenarbeit neue Konturen des SPELLLING-Sounds offenbart. Cabral schreibt und demontiert immer noch alleine, aber die Präsentation der Songs für „Portrait of My Heart“ vor ihren Bandkollegen hat ihr geholfen, die späteren lebendigen, organischen Formen zu entdecken. Das gilt auch für die Zusammenarbeit mit einem Produzententrio: Drew Vandenberg, der Tontechniker von „The Turning Wheel“, Rob Bisel, der mit SZA zusammenarbeitet, und Psymun, der Produzent von Yves Tumor. Wichtige Gastbeiträge prägen das Album zusätzlich. Chaz Bear (Toro y Moi) liefert SPELLLINGs erstes Duett auf „Mount Analogue“, Turnstile-Gitarrist Pat McCrory verwandelt Cabrals ursprüngliches Piano-Demo für „Alibi“ in die knackige, rifflastige Version, die auf dem Album zu hören ist, während Braxton Marcellous von Zulu „Drain“ seine schlammige Wucht verleiht. Diese Teile fügen sich nicht nur nahtlos in das Album ein, sie fühlen sich wie ein integraler Bestandteil seines Universums an. Letztendlich ist Portrait of My Heart jedoch niemandes Platte, sondern die von Cabral. Sie zieht furchtlos den Vorhang über Teile ihrer selbst zurück, die sie in SPELLLING noch nie gezeigt hat - ihre Gefühle als Außenseiterin, ihre übermäßig vorsichtige Art, die Art und Weise, wie sie sich rücksichtslos in intime Beziehungen stürzen kann, um sie dann genauso schnell wieder abzubrechen. „Es ist wie ein offenes Tagebuch all dieser Empfindungen“, sagt sie.

Auf dem vierten Album von Chrystia Cabral als SPELLLING verwandelt die Künstlerin aus der Bay Area ihr gefeiertes Avant-Pop-Projekt in einen Spiegel. Cabrals Texte auf „Portrait of My Heart“ befassen sich mit Liebe, Intimität, Angst und Entfremdung und tauschen den allegorischen Ansatz vieler ihrer früheren Werke gegen einen Blick in ihr menschliches Herz. Die thematische Unverblümtheit des Albums spiegelt sich in den Arrangements wider und macht es zum bisher schärfsten und direktesten SPELLLING-Album. Vom düsteren Minimalismus ihrer frühesten Musik über den üppig orchestrierten Prog-Pop von „The Turning Wheel“ aus dem Jahr 2021 bis hin zu diesem neuen energiegeladenen Ausdruck ihres kreativen Geistes hat Cabral immer wieder bewiesen, dass SPELLLING alles sein kann, was sie braucht. Der Titeltrack mit seinem treibenden Drum-Groove und dem hymnischen Refrain von „I don't belong here“ ist die stärkste Verkörperung der Hinwendung des Albums zu emotionaler Direktheit. Sobald sich die Hauptmelodie herauskristallisiert hatte, nutzte Cabral den Song als Werkzeug, um ihre Ängste als Performerin zu verarbeiten, und entschied sich für eine straffere, rockigere Komposition. Diese Transformation spiegelt die allgemeine Verlagerung des Albums in Richtung Energie und Unmittelbarkeit wider, die von der Kernband Wyatt Overson (Gitarre), Patrick Shelley (Schlagzeug) und Giulio Xavier Cetto (Bass) vorangetrieben wird, deren Zusammenarbeit neue Konturen des SPELLLING-Sounds offenbart. Cabral schreibt und demontiert immer noch alleine, aber die Präsentation der Songs für „Portrait of My Heart“ vor ihren Bandkollegen hat ihr geholfen, die späteren lebendigen, organischen Formen zu entdecken. Das gilt auch für die Zusammenarbeit mit einem Produzententrio: Drew Vandenberg, der Tontechniker von „The Turning Wheel“, Rob Bisel, der mit SZA zusammenarbeitet, und Psymun, der Produzent von Yves Tumor. Wichtige Gastbeiträge prägen das Album zusätzlich. Chaz Bear (Toro y Moi) liefert SPELLLINGs erstes Duett auf „Mount Analogue“, Turnstile-Gitarrist Pat McCrory verwandelt Cabrals ursprüngliches Piano-Demo für „Alibi“ in die knackige, rifflastige Version, die auf dem Album zu hören ist, während Braxton Marcellous von Zulu „Drain“ seine schlammige Wucht verleiht. Diese Teile fügen sich nicht nur nahtlos in das Album ein, sie fühlen sich wie ein integraler Bestandteil seines Universums an. Letztendlich ist Portrait of My Heart jedoch niemandes Platte, sondern die von Cabral. Sie zieht furchtlos den Vorhang über Teile ihrer selbst zurück, die sie in SPELLLING noch nie gezeigt hat - ihre Gefühle als Außenseiterin, ihre übermäßig vorsichtige Art, die Art und Weise, wie sie sich rücksichtslos in intime Beziehungen stürzen kann, um sie dann genauso schnell wieder abzubrechen. „Es ist wie ein offenes Tagebuch all dieser Empfindungen“, sagt sie.

Mit "Glory" veröffentlicht Mike Hadreas aka Perfume Genius sein siebtes Studioalbum. Zusammen mit seinem Partner Alan Wyffels und Produzent Blake Mills ist eine Platte entstanden, die nach außen hin strahlt, in seinen makabren Bildern und seinem aufgewühlten Innern aber das Tor in eine Welt von Entfremdung, Sehnsucht und Verlangen aufmacht. Es ist der Konflikt zwischen dem Außen und dem Innen, der Hadreas beschäftigt, der Widerspruch zwischen einem künstlerischen Leben in der Öffentlichkeit und dem Wunsch nach Isolation. In seinen Charakterskizzen betrachtet der US-Künstler mit der Sorgfalt eines Schriftstellers Szenen von Freundschaft, Verlangen und Intimität durch eine queere Prima, während er sich musikalisch geöffnet und in seinem Songwriting-Prozess mehr Raum für Gruppendynamik gelassen hat: "Es ist auf eine Weise kollaborativ, die es besser macht", so Hadreas, "aber auch beängstigender - es fühlt sich verletzlicher an". Dass Glory dennoch ein zutiefst persönliches Album geworden ist, liegt auch daran, dass Hadreas seine eigenen Ängste vor dem Hintergrund der Entwicklung einer den Zeitgeist durchdringenden, allgemeinen Paranoia reflektiert. Mit seinen fein gesponnenen Tracks wirkt "Glory" beizeiten wie eine Kollektion neuer Standards für queere Romantiker und alte Seelen im Tumult der Gegenwart.

Für ihr Debütalbum hat die Band einen Vertrag mit High Roller Records unterzeichnet. Neben dem Hitten-Sänger, der auch Rhythmus- und Leadgitarre bedient, komplettieren Mirko Negrino am Bass, Mattia Itala an der zweiten Gitarre sowie Marcello “Cell” Leocani hinterm Schlagzeug die Besetzung. “Dieses neue Projekt ist noch niemals zuvor in der Öffentlichkeit diskutiert worden”, erklärt der Sänger. “Vor einigen Jahren ist eine Demoversion von ‘Shadow Rider’ im Internet hochgeladen worden, doch danach ist die ganze Sache für einige Jahre wieder auf Eis gelegt worden. In der jüngeren Vergangenheit haben wir uns dann dazu entschlossen, die Arbeiten abzuschließen, weil das Material viel Potenzial hat. Die aktuelle Besetzung hat neuen Enthusiasmus in die Sache hereingebracht, was letztendlich zu einem vollständigen Release geführt hat.” Und was für ein Debütalbum Vigilhunter da gelungen ist! Kompositionen wie “Disconnected”, “Titan Glory” oder “Sacrifice” sind einige der besten Songs, die Queensryche nie geschrieben haben. Alexx Panza fühlt sich geschmeichelt: “Ich nehme das als ein großes Kompliment. Natürlich sind wir stark von Queensryche beeinflusst, aber wir könnten niemals zu 100% Songs schreiben, die sich anhören wie sie – so etwas ist ein Ding der Unmöglichkeit. Dieses Projekt zeichnet sich durch mannigfaltige Einflüsse aus, stilistisch lässt es sich nicht auf eine bestimmte Band herunter brechen. Es liegt uns fern, das Rad neu erfinden zu wollen, aber ich denke schon, dass wir als Band eine eigene Identität besitzen. Ich kann jedenfalls sagen, dass eine Menge Arbeit in die Platte eingeflossen ist und wir mit dem Endresultat äußerst zufrieden sind. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, wie die Platte dort draußen ankommt. Ich denke allerdings, dass alle Anhänger des originalen US Power Metal viel Gefallen an dem Album finden werden.” Davon ist stark auszugehen, denn neben Queensryche schwingen bei Vigilhunter auch noch ein wenig Crimson Glory und frühe Fates Warning mit. Alexx Panza lacht: “Damit hast du die Referenzpunkte ziemlich genau erkannt. Das ist genau der Sound und die Atmosphäre, die wir einfangen möchten. Dazu noch ein Schuss Savatage und Vicious Rumors. Manchmal kommen allerdings auch Songideen aus Bereichen, mit denen man nicht gerechnet hätte.”

The Quireboys trafen 2022 auf ein kleines Orchester! Ein Abend, an dem klassischer Rock auf klassische Musik unter dem Dach des legendären O2 Forum Kentish Town traf. Bei diesem Meilenstein in der Geschichte der Quireboys wurde die Band von einem Streichquartett und einem Bläsertrio begleitet, die dem bewährten Sound der Gruppe eine neue Dimension verliehen. Gemeinsam interpretierte das erweiterte Ensemble der Quireboys Stücke aus dem umfangreichen Backkatalog der Band neu. Ein ziemlich einzigartiger Abend. Zum Glück haben The Quireboys die Erinnerung an dieses einzigartige Live-Erlebnis in ihrem neuen Konzertalbum mit dem Titel ,Orchestral Quireboys Live" festgehalten. Auf dem Album mit sechzehn Titeln spielt die fünfköpfige Band live Fan-Favoriten wie ,There She Goes Again", ,I Don't Love You Anymore" und ,7 O'Clock", aber auch versteckte Perlen aus dem Repertoire der Gruppe. Jeder der dargebotenen Songs wurde dank der Streicher und Bläser zu neuem Leben erweckt. Orchestral Quireboys Live funktioniert. 10-Song-Vinyl-LP & 14-Song-CD mit 16-Song DVD!

Yukimi, die gefeierte Sängerin und Mitbegründerin der Grammy-nominierten Band, Little Dragon, veröffentlicht ihr Debütalbum „For You“ am 28. März 2025 bei Ninja Tune.

Mit ihrem Debüt-Soloalbum löst sie sich von einer Band und schafft einige ihrer schönsten und intimsten Werke, die es bisher gab: sehr persönlich und brillant nachvollziehbar. Auf „For You“ verwebt Yukimi auf elegante Weise Musikstile von Jazz über Soul und elektronischen Pop bis hin zu Hiphop, Folk und Psychedelic, aber die Themen ihrer Solosongs gehen tiefer als je zuvor und umfassen Liebe, Verlust, weibliche Energie und angeborene Widerstandsfähigkeit. Die Zusammenarbeit mit Erik Bodin (Schlagzeug bei Little Dragon) und Lianne La Havas war für Yukimi das erste Mal, dass sie mit einer anderen Frau Musik schreibt und kreiert, was ihr erlaubt, ihre weibliche Energie auf eine befreite und persönliche Weise auszudrücken. Passenderweise geht es in den Texten des Songs um die Erforschung ihrer inneren Stärke während herausfordernder Lebenserfahrungen. Es ist ein bemerkenswertes Statement einer Künstlerin, die eine neue Phase ihrer Karriere als Solokünstlerin einleitet, jedoch mit der Gelassenheit und Intuition einer „alten Häsin“ mit jahrelanger Erfahrung im Musikbusiness. Yukimis markante und anmutige Stimme hat seit der Gründung von Little Dragon ihre Fans in ihren Bann gezogen. Der Erfolg der Band führte dazu, dass sie auf einigen der größten (und kleinsten) Bühnen der Welt auftrat - von Coachella bis zu NPRs Tiny Desk - und mit Künstler:innen wie u.a. KAYTRANADA, Killer Mike, Gorillaz, Tinashe, Mac Miller, De La Soul, BADBADNOTGOOD, DJ Shadow, ODESZA, Kali Uchis, Faith Evans, Dave Sitek, Big Boi, Flume und JID zusammenarbeitete.

- Format: 140G schwarzes Eco Vinyl mit bedruckter Innenhülle und Downloadcode-Sticker

Im Lateinischen bedeutet das Wort Gemini "zwei zusammen" oder "Zwillinge". Astrologisch gesehen sind Zwillinge unter anderem dafür bekannt, dass sie neugierig und vielseitig sind. Für die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo The Sure Fire Soul Ensemble aus San Diego waren Jazz und Funk schon immer die beiden Genres, die sie konsequent und effektiv miteinander verschmolzen haben und die das Fundament ihres Sounds bilden. Mit ihrer stilistischen Neugier und Vielseitigkeit haben sie dieses Fundament auf ihrem neuen 11-Song-Longplayer für Colemine Records weiter ausgebaut. Aufgenommen zwischen Ende 2021 und Anfang 2024 im The Kitchen II in ihrer Heimat Lemon Grove, Kalifornien, lenken SFSE ihre ,introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch der Eckpfeiler ihres Sounds ist, wie er in Stücken wie ,Makin' Moves", ,TheGrifter" und ,Don't Trip" zum Ausdruck kommt, haben sie begonnen, mehr und mehr Einflüsse von Library-Musik-Labels wie KPM Music, spirituell orientierten Jazz-Labels wie Tribe & Black Jazz Records und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufzunehmen. Jetzt lehnen sie sich mehr an den ,introspektiven" Teil ihres Sounds an, insbesondere bei ,Mother Earth", ,Freddie" und dem Titeltrack, und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf (hören Sie sich Adderleys Alben ,Soul Zodiac" und ,Soul of The Bible" als Referenz an). ,Corporatocracy" geht noch einen Schritt weiter mit einem ausgedehnten Tabla-Solo, das auf der perkussiven Welle reitet, bevor es in seinen funkgetriebenen, modalen Vibe übergeht. In der aktuellen Besetzung mit Tim Felten an den Tasten, Jake Najor am Schlagzeug, Omar Lopez am Bass, Kiko Cornejo Jr. an Conga/Percussion, Aquiles ,Lito" Magana an der Gitarre, Wili Fleming an der Posaune, Sheryll Felten an der Percussion, und Jesse Audelo und Travis Klein am Saxophon und an der Flöte. SFSE bleibt dem Funk treu, traut sich aber auch, neue Wege zu gehen, die sie bisher noch nicht beschritten haben, und betritt damit faszinierendes Neuland in ihrem Gesamtsound.

Im Lateinischen bedeutet das Wort Gemini "zwei zusammen" oder "Zwillinge". Astrologisch gesehen sind Zwillinge unter anderem dafür bekannt, dass sie neugierig und vielseitig sind. Für die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo The Sure Fire Soul Ensemble aus San Diego waren Jazz und Funk schon immer die beiden Genres, die sie konsequent und effektiv miteinander verschmolzen haben und die das Fundament ihres Sounds bilden. Mit ihrer stilistischen Neugier und Vielseitigkeit haben sie dieses Fundament auf ihrem neuen 11-Song-Longplayer für Colemine Records weiter ausgebaut. Aufgenommen zwischen Ende 2021 und Anfang 2024 im The Kitchen II in ihrer Heimat Lemon Grove, Kalifornien, lenken SFSE ihre ,introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch der Eckpfeiler ihres Sounds ist, wie er in Stücken wie ,Makin' Moves", ,TheGrifter" und ,Don't Trip" zum Ausdruck kommt, haben sie begonnen, mehr und mehr Einflüsse von Library-Musik-Labels wie KPM Music, spirituell orientierten Jazz-Labels wie Tribe & Black Jazz Records und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufzunehmen. Jetzt lehnen sie sich mehr an den ,introspektiven" Teil ihres Sounds an, insbesondere bei ,Mother Earth", ,Freddie" und dem Titeltrack, und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf (hören Sie sich Adderleys Alben ,Soul Zodiac" und ,Soul of The Bible" als Referenz an). ,Corporatocracy" geht noch einen Schritt weiter mit einem ausgedehnten Tabla-Solo, das auf der perkussiven Welle reitet, bevor es in seinen funkgetriebenen, modalen Vibe übergeht. In der aktuellen Besetzung mit Tim Felten an den Tasten, Jake Najor am Schlagzeug, Omar Lopez am Bass, Kiko Cornejo Jr. an Conga/Percussion, Aquiles ,Lito" Magana an der Gitarre, Wili Fleming an der Posaune, Sheryll Felten an der Percussion, und Jesse Audelo und Travis Klein am Saxophon und an der Flöte. SFSE bleibt dem Funk treu, traut sich aber auch, neue Wege zu gehen, die sie bisher noch nicht beschritten haben, und betritt damit faszinierendes Neuland in ihrem Gesamtsound.

Revolution Rock Deluxe vereint das bahnbrechende erste Album von Greenleaf mit ihrer lange vergriffenen Debüt-EP in einer einzigen atemberaubenden Neuauflage! Angeführt von Gitarrist Tommi Holappa von den europäischen Wüstenrock-Ikonen Dozer, begannen Greenleaf als informelles Kollektiv von Freunden, die Musik machten, inspiriert von ihrer gemeinsamen Liebe zum Riff-Rock der 70er Jahre. Nachdem sie sich 2013 in eine richtige Band verwandelt haben, stehen Greenleaf jetzt an der Spitze der globalen Heavy-Szene, nachdem sie ihr letztes Album The Head & The Habit 2024 veröffentlicht haben. Im fünfundzwanzigsten Jahr ihrer unglaublichen Karriere markieren sie diese beeindruckende Leistung mit einer speziellen Neuauflage ihrer frühesten Veröffentlichungen. Mit Jungs von Dozer, Lowrider, Demon Cleaner und anderen wurde Greenleafs erstes Album Revolution Rock 2001 in Eigenregie veröffentlicht und seit der ursprünglichen Auflage von 500 Exemplaren noch nie neu aufgelegt. Revolution Rock Deluxe vereint dieses bahnbrechende Album mit der lange vergriffenen Debüt-EP von Greenleaf aus dem Jahr 2000 in einer einzigen, atemberaubenden Ausgabe. Alle Songs wurden von Karl Daniel Lidén komplett neu gemastert und das ursprüngliche Artwork und Design von Lowriders Peder Bergstrand brillant aufgefrischt und aktualisiert.Feiern wir ein Vierteljahrhundert majestätischer Riffs mit Revolution Rock Deluxe und erleben Greenleafs Big Bang zum ersten Mal wieder! Präsentiert in einer luxuriösen, aufklappbaren 2LP-Edition auf limitiertem farbigen Vinyl oder als Einzel-CD im Digipack. Alle Songs wurden vollständig neu gemastert und die Verpackung und das Design aktualisiert und aufgefrischt. Eine der aktivsten und beliebtesten Bands der europäischen Stoner-/Desert-Rock-Szene

Der Nachfolger von City of Evil, Avenged Sevenfold's viertes Studioalbum, das selbstbetitelte Album im schlichten Weiß mit Logo, debütierte auf Platz 4 der US Billboard 200 Chart und Platz 24 in UK. Mit dem Fan-Favoriten "Afterlife", "A Little Piece of Heaven" & "DearGod", wurde das Album mit dem Kerrang!-Awards als Album des Jahres ausgezeichnet. Das Album ist auch auf Kerrangs "666 Alben You Must Hear Before You Die" aufgenommen. Für Fans von Metallica, Slipknot & Bullet For My Valentine. Avenged Sevenfold (abgekürzt A7X) ist die amerikanische Heavy-Metalcore-Band aus Huntington Beach, Kalifornien, die 1999 gegründet wurde. Das aktuelle Lineup der Band besteht aus dem Sänger M. Shadows, dem Rhythmusgitarristen Zacky Vengeance, dem Leadgitarristen Synyster Gates, dem Bassisten Johnny Christ und dem Schlagzeuger Brooks Wackerman. Avenged Sevenfold sind bekannt für ihren abwechslungsreichen Rocksound und teilweise für ihre dramatischen Bilder auf Albumcovern und Merchandise-Artikeln. Die Band trat mit einem Metalcore-Sound auf ihrem Debütalbum Sounding the Seventh Trumpet in Erscheinung und setzte diesen Sound bis zu ihrem zweiten Album Waking the Fallen weitgehend fort. Der Stil der Band hatte sich bis zu ihrem dritten Album und ihrer ersten Veröffentlichung bei einem Major-Label, City of Evil, zu einem traditionelleren Heavy-Metal-Stil entwickelt. Mit dem selbstbetitelten vierten Album erkundete die Band neue Klänge und feierte einen anhaltenden Mainstream-Erfolg, bevor ihr Gründungsschlagzeuger Jimmy ,The Rev" Sullivan 2009 starb. Trotz seines Todes machten Avenged Sevenfold mit Hilfe des Dream Theater-Mitglieds Mike Portnoy weiter und veröffentlichten 2010 ihr fünftes Album Nightmare, das an der Spitze der Billboard 200 debütierte und ihr erstes #1-Album war. Doppel-LP, 2025er Pressung in rot-rotem Vinyl!