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Orange-farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD! Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus.

2019 Repress of one of the most outstanding records in the history of german avantpop/punk. Originally released 1981 on the legendary ZickZack label, the debut LP by Freiwillige Selbstkontrolle soon reached cult status and became one of the most important NDW / german postpunk releases ever. Active since today (and right now working on their 13th longplayer) F.S.K. were one of John Peel's all time favourites and actually did more Peel Sessions than any other band - besides The Fall, of course. Comes with extensive liner notes by NDW-historiograph Frank Apunkt Schneider (in german).

Tief aus den Schatten der südlichen Mystik taucht Cammie Beverly, die gefühlvolle Stimme von Oceans Of Slumber, mit ihrem Solo-Debütalbum auf: "House Of Grief" ist eine Odyssee des Pop Noir, bestickt mit südgotischen Texturen, Alt-Pop-Rhythmen und Wellen von Dark Wave, die die Zuhörer in ihr beschwörendes Reich einladen. Eine faszinierende Reise, bei der die eindringliche Atmosphäre des Gothic Country auf die nervöse Energie südlicher Melodien trifft. Von unter moosigen Eichen geflüsterten Geschichten aus der Zeit vor dem Amerikanischen Bürgerkrieg bis zu Liebesgeschichten, die vor der Kulisse eindringlicher Bayous erzählt werden, ist jeder Track ein Schritt in eine Landschaft voller Nostalgie und Sehnsucht.

- "Cammie Gilbert hat eine Stimme, die zu den hochfliegenden Ambitionen der Gruppe passt, und sie kann sowohl Intensität als auch Intimität in einer Zeile zum Ausdruck bringen." // Pitchfork USA

- "Cammie Beverly, eine der emotionalsten Sängerinnen im Vorprogramm des Metal." // KERRANG

- "Cammies gefühlvoller Gesang ist die stärkste Waffe in ihrem Arsenal." // Metal Hammer

- "Cammie Beverly hat eine der besten Stimmen im Geschäft." // New Noise Magazine USA

"Girl Missing" ist das zweite Album von Albertine Sarges, der einzigartigen Berliner Künstlerin, die bereits mit Holly Herndon, Colin Self, Kat Frankie und B O D I E S zusammengearbeitet hat und Teil des italienischen Synthwave-Duos Ostia ist, und folgt auf Albertines gefeiertes Debüt von 2021, "The Sticky Fingers". "Girl Missing" lädt die Zuhörer zu einer intimen Erkundung der Schwesternschaft, der Widerstandsfähigkeit und der Überwindung von Trauer ein und geht dabei mit einer großen Portion Positivität und Ermutigung für das hervor, was vor uns liegt. Die Entstehung des Albums fand in einer Zeit persönlichen Verlusts statt. Als eine enge Freundin vermisst wurde, schrieb Albertine unveröffentlichte Skizzen, überarbeitete sie und baute langsam ein musikalisches Mosaik auf, das ihr Verständnis von Abwesenheit zum Ausdruck brachte. "Ich habe eine klingende Biografie der Liebe geschaffen", überlegt sie und verwebt dabei die Themen weiblicher Freundschaft. "Girl Missing" entstand zwischen ihrem Aufnahmestudio in Ostberlin und Margate und ist sowohl nachdenklich als auch verspielt, geprägt von Sarges' flinker Stimmakrobatik. Mit ihrem langjährigen Partner Lo Selbo beschäftigte sich Albertine mit komplizierten Klanglandschaften, arrangierte luftige Flötenstimmen und Chöre, "um Platz für Verletzlichkeit zu schaffen", und nahm dann Vintage-Orgeln und E-Pianos auf, um Wärme und Seelenfülle zu erzeugen, "um den Schmerz zu lindern". Albertines Arbeit wird von einem anhaltenden Gefühl der Sehnsucht angetrieben, einer Kraft, die ihrer Musik poetische Lebendigkeit und eine ansteckende Anziehungskraft verleiht. "Girl Missing" oszilliert zwischen dem Philosophischen und dem zutiefst Emotionalen und vermischt Launen mit Schatten. Das Album endet mit einer verspielten Note ("Wie nennt man einen Fisch ohne i? A fsh."), doch im Kern erzählt es eine lebendige, zutiefst menschliche Geschichte über monumentalen Verlust und die Hoffnung auf Erneuerung. Durch das Nebeneinander scheinbar widersprüchlicher Gefühle entsteht ein Hörerlebnis, das noch lange nachklingt, nachdem die Musik verklungen ist.

Dies ist die zweite Auflage von The Monsters "You're Class, I'm Trash", dem noch aktuellem Monsters-Album aus dem Jahre 2021 (erste Auflage war gelb und mit einer 7" Bonus-Single). Diese zweite Auflage hat ein neues pinkfarbendes Sleeve-Design, kommt als 180g Vinyl und mit einem zweiseitig bedrucktem Insert. HI-SPEED-BOOGIE-FUZZ-GARAGE-TRASH-ROCK-N-ROLL FROM LEGENDARY BERNESE GARAGE PUNKS PLAYED WITH A CHAINSAW-ON-STEEL 13 SPLATTER HITS INCLUDING SMALL HORROR OPERA BY SWISS FILM COMPOSER MARIO BATKOVIC The Monsters wurden 1986 in Bern der Schweiz gegründet, als Alternative zur damaligen populären Musik (z. B. Disco, Pop, Top 40 Rock). Sie nannten dies "Teenage Primitive Rock n' Roll Chainsaw Massacre Garage Trash Mix up Rockabilly mit Punkrock und Garage" und haben sich zu einer gefragten Garagen-Punkrockband gemausert, die auf Festivals, in Klubs und großen Hallen so weit gen Osten wie Japan, gen Süden wie Brasilien und gen Norden zu den Skandinavier resit und dort audspielt. Sogar im so Wilden Westen wie New York City in Amerika. Und dann öffnet 2020 die Türen, YAHOO!!! Die Welt wurde komplett abgeschottet und die Pläne aller änderten sich! Da es in naher Zukunft keine Tourneen gäbe, war es jetzt an der Zeit, ein neues Album zu machen. So widmete sich die Band zwei Wochen, um ihren Proberaum aufzuräumen und neue Musik zu schreiben, und 3 Tage im Berner Shirt Off Studio um diese aufzunehmen. Voila! Hier hast du Rosemary's Baby den Knüppel aus dem Sack: 13 raue, laute und spritzig klingende Tracks, die live ohne Overdubs (nur der Gesang/das Geschrei') aufgenommen wurden. Textlich ist das Album eine komplette Katastrophe mit nicht viel mehr als 120 Wörtern, welche aneinandergereiht meistenfalls keinen Sinn ergeben! Es ist eigentlich völliger Quatsch, aber THE MONSTERS lieben es! Das Cover stammt übrigens vom Berner Surrealisten Jerry Haenggli.

Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus. (Limitiertes) Pink farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD!

Basias Palast ist kein Schloss, sondern ein Ort voller Liebe, Erinnerungen und schlechter Verkabelung. Seit sich wieder mit Co-Produzent Mark Lawson zusammentat, bewegt sie sich durch eine Traumwelt aus Geflüster, Synthesizern, frühen Chansons und Eurovision-Songs, Leonard Cohens "I'm Your Man", Airs "Moon Safari" und den hauchzarten Maryla Rodowicz-LPs ihres Grossonkels. Das Ergebnis klingt wie ein Album, das hinter den Hintergründen ihrer Kindheitsfotos verborgen war. "Basia's Palace" wurde vom legendären Toningenieur Tucker Martine (Beth Orton, Neko Case, The National) gemischt und mit dem schwebenden Streicherarrangement von Drew Jurecka (Dua Lipa, Alvvays) eingespielt.

Zur Künstlerin:
Basia Bulat ist eine Singer-Songwriterin aus Montreal, Kanada. Neben ihren Fähigkeiten als ausdrucksstarke Sängerin mit unverwechselbarer Stimme ist sie eine versierte Multiinstrumentalistin, die auf E-Gitarre, Klavier, Autoharp, Ukulele, Bass und Charango aufnimmt. Ihre Songs werden für Aufführungen mit Symphonieorchestern adaptiert, sie selber wird zu prestigeträchtigen Tributes an Leonard Cohen, Daniel Lanois, Nick Cave und The Band eingeladen. Seit der Veröffentlichung ihres Debüts 2007 teilte sich Bulat die Bühne mit Künstlern wie St Vincent, Sufjan Stevens, Nick Cave aAnd The Bad Seeds, The National, Michael Kiwanuka, Daniel Lanois, Beirut, Destroyer, US Girls, Jim James, u.a. Sie trat in der #LateShowMeMusic-Reihe mit Stephen Colbert und Jools Holland auf, ist dreimalige Finalistin des Polaris Music Prize und wurde für fünf JUNO Awards nominiert.

Das neue Album Rarely Do I Dream wurzelt in Liebe und Kindheitserinnerungen und ist ein Triumph amerikanischer Gothic-Phantasie - wo sich die
Unschuld aus dem Märchenbuch in einer radioaktiven Welle aus jugendlichen Driftern, drogensüchtigen Strippenziehern und Folklore der alten Welt
auflöst.
Trevor Powers' einzigartige Stimme, die zwischen treibender Electronica und halluzinatorischen Rocksongs hin- und herpendelt, leuchtet stets wie ein
neonfarbenes Straßenschild, das nach Hause weist.
Trevor Powers kehrte 2023 mit der Veröffentlichung seines vierten Albums „Heaven Is a Junkyard“ zu Youth Lagoon zurück, das unter anderem von
Pitchfork als „Best New Music“ gelobt wurde. Mit "Rarely Do I Dream" erscheint im februar endlich der Nachfolger.

Donizetti: Lieder Vol. 4 - Marie-Nicole Lemieux
Gaetano Donizetti – die meisten Musikbegeisterten verbinden seinen Namen mit italienischem Belcanto und Opern wie Der Liebestrank oder Maria Stuarda. Dabei verfasste der Komponist rund 200 Kunstlieder, viele von ihnen nur selten aufgeführt und nicht wenige sogar vollkommen unbekannt. Musikwissenschaftler Roger Parker und Carlo Rizzi, Künstlerischer Leiter von Opera Rara, machten es sich zur Aufgabe, Donizettis vollständiges Kunstlied-Œuvre in einer auf acht Alben angelegten Reihe zu veröffentlichen. Auf jedem Album singt ein anderer namhafter Interpret. Album Nr. 4 präsentiert die Sopranistin Marie-Nicole Lemieux, Gewinnerin des Liedpreises der renommierten Queen Elisabeth Competition.

Kyle Falconer, prämierter Songwriter und Kopf der schottischen Indieband The View, bringt auf "The One I Love The Most" neue Acoustic-Versionen von Songs aus dem umfangreichen The View- und Solokatalog aus fast zwei Jahrzehnten (vom No.1 Debütalbum "Hats Off To The Buskers" (2007) bis zum Top-10-Comebackalbum "Exorcism Of Youth" (2023)), die alle nach Frauen benannt sind. Immer schon von der weiblichen Muse inspiriert, erzählt Kyle von guten Zeiten der Liebe und Lust, von schlechten Zeiten der Reue und des Kummers, von überlebensgrossen Charakteren ("Madonna") und fiktiver Verspieltheit. Bei dem ansonsten reduzierten "Lucy" fügt Rapper PROSE aus Manchester seine messerscharfen Reime hinzu.

Seit der Veröffentlichung ihres gefeierten Debüts "Versions of Modern Performance" 2022 (u. a. mit Höchstwertung um US-Rolling Stone) hat sich vieles für Nora Cheng, Penelope Lowenstein und Gigi Reece verändert. Im Herbst desselben Jahres zog die junge Band von Chicago in die Ostküstenmetropole, wo Penelope und Nora an der New York University ihr Studium begannen und das erste Mal überhaupt Musik außerhalb des elterlichen Zuhauses schrieben. Der Einfluss der neuen Umgebung macht sich unmittelbar im Sound bemerkbar. Zugleich wendet sich der Blick in Zeiten beispielloser Veränderungen nach innen. Im Januar 2024 kehrten Horsegirl nach Chicago zurück, um die neuen Songs aufzunehmen. Im "The Loft" Studio stellten sich dort ein Fokus und eine Intimität ein, wie sie wohl nur entstehen können, wenn es schlicht zu kalt ist, das Gebäude zu verlassen. Cate Le Bon führte die Band derweil in neue, helle und klare Sound-Gefilde, die Raum und Textur gegenüber den dichten Soundflächen des Debüts in den Vordergrund rücken und das charakteristische Songwriting von Horsegirl betonen. Dazu zählt auch der erstmalige Einsatz von Violinen, Synths und Gamelan. Die Leadsingle "2468" ist ein Beispiel für die offenkundige Experimentierlust auf "Phonetics On and On". Mit seinen Raincoats-artigen Streichern und energischen Drums verdreht einem der Song in seinem fortlaufenden Crescendo immer mehr den Kopf. Das dazugehörige Video stammt von der Schriftstellerin und Regisseurin Eliza Callahan und wurde von Alexa West choreographiert. Es ist schwer vorstellbar, dass Songs wie die auf "Phonetics On and On" augenblicklich von irgendwem anderes stammen könnten als von diesem Trio bester Freundinnen. Nora, Penelope und Gigi schreiben mit ungefilterter Aufrichtigkeit über Szenen ihrer Jugend als Momentaufnahmen des Lebens. Die Liebe zueinander ist dabei in jedem Augenblick spürbar und resoniert durch und durch im Zusammenspiel auf ihrem zweiten Album. Horsegirl gründeten sich 2019 in der umtriebigen DIY-Szene Chicagos. Die damals 17- und 18-jährigen Schülerinnen zählen Yo La Tengo und Pavement zu ihren erklärten Vorbildern. Ihr Debüt, auf dem Steve Shelley und Lee Ranaldo als Gäste zu hören sind, nahm die Band in Steve Albinis Studio mit John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) auf. Zuletzt tourten Horsegirl u. a. mit The Breeders.

Mit Rausch Against the Machine kehren Schmutzki zu ihrer Brutstätte zurück: Die verregneten und mit Licht verklebten Straßen ihrer Stadt, wo sie einst in jenem verschimmelten Bunker die ersten 3 1/2 Akkorde in den feuchten Stahlbeton rotzten. Doch vieles hat sich geändert: Gute Freunde sind fort, die alte Liebe fast vergessen und von den damals grandiosen Nächten nur noch Schemen übrig. Sind wir erwachsen geworden_? Schmutzki stemmen sich mit aller Kraft und diesem Album dagegen! Sie beschwören die alten Geister und reanimieren die Nacht und den guten, alten Wahnsinn. Und plötzlich ist alles wieder da: Der Rausch, die Liebe und die alte Gang, die heute alles in Schutt und Asche legen wird. So wie früher. Aber diesmal für immer!

Seit der Veröffentlichung ihres gefeierten Debüts "Versions of Modern Performance" 2022 (u. a. mit Höchstwertung um US-Rolling Stone) hat sich vieles für Nora Cheng, Penelope Lowenstein und Gigi Reece verändert. Im Herbst desselben Jahres zog die junge Band von Chicago in die Ostküstenmetropole, wo Penelope und Nora an der New York University ihr Studium begannen und das erste Mal überhaupt Musik außerhalb des elterlichen Zuhauses schrieben. Der Einfluss der neuen Umgebung macht sich unmittelbar im Sound bemerkbar. Zugleich wendet sich der Blick in Zeiten beispielloser Veränderungen nach innen. Im Januar 2024 kehrten Horsegirl nach Chicago zurück, um die neuen Songs aufzunehmen. Im "The Loft" Studio stellten sich dort ein Fokus und eine Intimität ein, wie sie wohl nur entstehen können, wenn es schlicht zu kalt ist, das Gebäude zu verlassen. Cate Le Bon führte die Band derweil in neue, helle und klare Sound-Gefilde, die Raum und Textur gegenüber den dichten Soundflächen des Debüts in den Vordergrund rücken und das charakteristische Songwriting von Horsegirl betonen. Dazu zählt auch der erstmalige Einsatz von Violinen, Synths und Gamelan. Die Leadsingle "2468" ist ein Beispiel für die offenkundige Experimentierlust auf "Phonetics On and On". Mit seinen Raincoats-artigen Streichern und energischen Drums verdreht einem der Song in seinem fortlaufenden Crescendo immer mehr den Kopf. Das dazugehörige Video stammt von der Schriftstellerin und Regisseurin Eliza Callahan und wurde von Alexa West choreographiert. Es ist schwer vorstellbar, dass Songs wie die auf "Phonetics On and On" augenblicklich von irgendwem anderes stammen könnten als von diesem Trio bester Freundinnen. Nora, Penelope und Gigi schreiben mit ungefilterter Aufrichtigkeit über Szenen ihrer Jugend als Momentaufnahmen des Lebens. Die Liebe zueinander ist dabei in jedem Augenblick spürbar und resoniert durch und durch im Zusammenspiel auf ihrem zweiten Album. Horsegirl gründeten sich 2019 in der umtriebigen DIY-Szene Chicagos. Die damals 17- und 18-jährigen Schülerinnen zählen Yo La Tengo und Pavement zu ihren erklärten Vorbildern. Ihr Debüt, auf dem Steve Shelley und Lee Ranaldo als Gäste zu hören sind, nahm die Band in Steve Albinis Studio mit John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) auf. Zuletzt tourten Horsegirl u. a. mit The Breeders.

Das aufstrebende "Death Pop"-Trio Corlyx wird sein bisher ambitioniertestes Projekt veröffentlichen: Purple Pain. Das Doppelalbum, das am 14. Februar 2025 via Out Of Line Music erscheint, ist eine tiefgreifende, 19 Tracks umfassende Erkundung von allem, was die Band an der dunklen Seite der Musik liebt. Mit Einflüssen, die von 80er Jahre Synthpop und Post-Punk bis hin zu Darkwave und Alt-Rock reichen, ist Purple Pain ein spannendes Mosaik des Goth Genres. Ursprünglich aus Los Angeles stammend, leben Corlyx heute zwischen Großbritannien und Italien und bestehen aus der Singer-Songwriterin Caitlin Stokes, dem Gitarristen/Produzenten Brandon Ashley und dem Bassisten Davide Rocco. Über Touren in Europa, Großbritannien und den USA mit Blutengel, Twin Tribes, Double Echo und Unzucht sowie die Zusammenarbeit mit Künstlern wie Lord Of The Lost, Massive Ego und Ashbury Heights haben sich Corlyx schnell eine solide Fan Base erspielt. Mit ihrem 3. Studioalbum "Purple Pain" werden Corlyx die Welt der dunklen Musik im Sturm erobern und die Band in ihrer kreativsten und gewagtesten Form präsentieren. “Purple Pain - ja, eine Anspielung auf Prince - ist der Höhepunkt jahrelanger Experimente mit den Gothic-Genres, die wir so lieben", sagt Sängerin Caitlin Stokes. "Es ist emotional, sinnlich und kreativ, aber auch ein bisschen gruselig, kitschig und lustig. Goth kann all diese Dinge auf einmal beinhalten." Das Album enthält sowohl sehr persönliche Stücke wie Death Is The Beginning - eine ergreifende Reflexion über Caitlins Verlust ihrer Mutter - als auch ansteckende Dancefloor-Hymnen und entfaltet sich wie ein Film, der den Hörer durch seine dramatischen Höhen und melancholischen Tiefen trägt. Für Gitarrist Brandon Ashley war der kreative Prozess für Purple Pain ebenso natürlich wie aufregend. "Als wir mit dem Schreiben anfingen, sprudelten die Songs einfach aus uns heraus, wir konnten nicht aufhören. Caitlin schlug vor, noch weiter zu gehen und ein Doppelalbum zu kreieren. Diesmal haben wir mehr von meinen 70er-Jahre-Rock-Einflüssen aufgenommen und unserem typischen Sound eine gewisse Blues-Note hinzugefügt." Die auf 12 Tracks limitierte Vinyl-Edition komprimiert das Album zu einem einzigartigen Meisterwerk aus Goth-Hits, während die Doppel-CD den vollständigen Umfang des Albums offenbart. Merkt Euch also den 14. Februar vor und macht Euch bereit für Purple Pain - eine genreübergreifende, dunkle und gleichzeitig unterhaltsame Reise von Corlyx; einer Band, die neu definiert, was es bedeutet, Goth zu sein.

I’m Not In Love“ ist der unverkennbare Song von 10cc. Innovativ, unverwechselbar und der Katalysator, der
die Band zu internationalen Superstar machte. Der Song stand 1975 zwei Wochen lang an der Spitze der
britischen Single-Charts und erwies sich als der Durchbruch von 10cc außerhalb des Vereinigten Königreichs.
Er erreichte die Spitze der Charts in Kanada und Irland sowie die Top 10 der Charts in mehreren anderen
Ländern, darunter Australien, Westdeutschland, Neuseeland, Norwegen und die Vereinigten Staaten, wo er
auf Platz 02 landete.
Der Song erfreut sich anhaltender Beliebtheit und wurde seit seiner Veröffentlichung über drei Millionen Mal im US-Radio gespielt. 1976 wurde er mit drei Ivor Novello Awards für den besten Popsong, den
internationalen Hit des Jahres und das meistgespielte britische Werk ausgezeichnet. Der Song wurde in
zahlreichen Filmen und Fernsehsendungen gespielt, darunter The Virgin Suicides und Guardians of the
Galaxy.
Nun hat die BBC „I’m Not In Love“ zum „größten Liebeslied aller Zeiten“ gekürt, das nächstes Jahr
sein 50-jähriges Jubiläum feiert. Die 7“ erscheint am Valentinstag auf passend romantischem rotem Vinyl
und enthält die Single in voller Länge, sowie die Original-B-Seite ”Good News”.

half•alive ist eine amerikanische Indie-Pop / Rockband aus Long Beach, Kalifornien. Die Band wurde
2016 gegründet und besteht aus Leadsänger Josh Taylor, Schlagzeuger Brett Kramer und Bassist J. Tyler
Johnson. Mit der 2017 erschienenen EP 3 erweckten sie offziell das Leben und sorgten für einen spürbaren
Hype. Die mit RIAA-Gold ausgezeichnete Single „still feel.“ erreichte die Top 10 bei Alt Radio und wurde
weltweit 300 Millionen Mal gestreamt.
Ihr drittes Album ”Persona” zielt darauf ab, ein mutiges, zusammenhängendes und kompaktes Werk zu sein,
das Liebe, Wut, Sehnsucht, Krise und Entfremdung berührt. In 11 Tracks geht half•alive auch der Frage
nach, was es bedeutet, ein Mensch zu sein – wie sich Identität entwickelt und wie man von der Außenwelt
wahrgenommen wird. Die Band, die für ihre dynamische Optik und fesselnde Produktion bekannt ist, ließ
sich im Studio von Produzent Tommy King (HAIM, The 1975, Vampire Weekend) inspirieren. Am Ende
des Ganzen fordern sie dich heraus, die Frage zu beantworten: Schaust du oder siehst du?

Mehr als zwanzig Jahre ist es her, dass das Hamburger Trio
SONO mit dem Clubhit „Keep Control“ die nationalen und
internationalen Charts enterte und so seinen Weg in die
Dance- und Popwelt ebnete. Zwei Dekaden, die der Band
um Lennart A. Salomon, Florian Sikorski und Martin Weiland Zeit gaben, ihren ganz eigenen Stil zu erfinden: eine
Mischung aus clubtauglichen Beats und lupenreinen Popsongs. Eine Hommage an eben diese Clubs ist nun der neue,
neunte SONO Longplayer „In The Haze“. Für „In The Haze“
haben sich SONO mit angesagten Größen der Club-Szene
zusammengetan, wie beispielsweise dem Hamburger Techno-Produzenten André Winter, dem italienischen DJ Rafael
Cerato und der Hamburger Drum ’n’ Bass Größe Phace.
— Das Album erzählt von dem, was in den undurchsichtigen, vielschichtigen Schwaden der Nebelmaschinen
eben so passiert: Liebe, Tanz, Trennung, Verunsicherung
— Ein emotionales Album, das genauso zum Tanzen wie
auch zum Zuhören und Mitsingen einlädt

Faye Webster hat heute ihr neues Album “Underdressed At The Symphony” für den 01. März 2024 bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single “Lego Ring (feat. Lil Yachty)”.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Im zugehörigen Musikvideo spielen Faye und Yachty ein Videospiel, bei dem Fans die Möglichkeit haben, über diesen Link mitzuspielen.


Faye Webster - “Lego Ring (feat. Lil Yachty)” (Official Video)


Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.



“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Kilmara klingen frischer, kraftvoller und härter als je zuvor, dank einer exzellenten und sorgfältigen Produktion. Auf der Suche nach dem besten und zeitgemäßesten Sound haben sie die Aufnahmen zu ihrem 2. Album "Journey To The Sun" in die Hände von Carles Salse in seinem Sureau Studio gelegt und mit dem preisgekrönten Produzenten Seeb Levermann (Orden Ogan, Rhapsody Of Fire, Riot V) zusammengearbeitet. Das Konzept von "Journey To The Sun" spielt in den Arcade-Hallen der späten 80er Jahre, wo die erste Liebe, unzerbrechliche Freundschaften, Rivalitäten, Niederlagen
und Siegesfeiern stattfanden. KILMARA treten die Nachfolge der neuen Power Metal-Helden an und bringen den Sänger der legendären und schmerzlich vermissten schwedischen Band Lost Horizon, Daniel Heiman, zurück.