Search:end to end

Ähnlich wie die nachtblühende Flora, nach der das Album benannt ist, ist Constant Smiles' Felte-Debüt ,Moonflowers" das Ergebnis langsamer, weitgehend unsichtbarer Wachstumsmuster. Die in New York ansässige Band hat sich ihren eigenen Weg hierher gebahnt und sich nach und nach von einer amorphen Sammlung hochkonzeptioneller Ideen zu etwas Greifbarerem entwickelt, wobei jeder Schritt ihres ungewöhnlichen Weges zu ,Moonflowers" führte, einem subtilen Meisterwerk des intern entstandenen Ambient-Pop. Constant Smiles wurde 2009 von Ben Jones gegründet. Er wurde von verschiedenen Mitwirkenden in verschiedenen Versionen der Band unterstützt, die sich in Form von lauten Soundscapes, szenischem Chamber Pop oder eisigem Coldwave-ähnlichem Synth-Pop manifestierten und oft auf undurchsichtig gestalteten, ultra-limitierten Alben veröffentlicht wurden, die nach Lieblingsfilmregisseuren benannt waren. Durch den Umzug nach New York und einige Platten bei Sacred Bones wurde die Band einem größeren Publikum bekannt, aber Jones und seine Freunde blieben in ständigem Wandel. Die große Entschlüsselung des Constant Smiles-Rätsels erfolgte, als sich die Band zu einer festen Kernbesetzung formierte, als Schlagzeugerin/Sängerin Nora Knight Ende 2022 zu Jones und dem langjährigen Bassist Spike Currier stieß. Nach Jahren, die von tiefgreifenden Veränderungen und Unbeständigkeit geprägt waren, veränderte diese stabilisierte Besetzung den Sound, die emotionale Färbung und die Wirkung der Band. Mit Knight und Currier, die einen Kontrapunkt und Struktur zu Jones' stets sprudelnder Kreativität bildeten, wurden die Songs stromlinienförmiger und direkter. Nach wie vor luftig und traumhaft, hat die Trio-Version von Constant Smiles, die Moonflowers produzierte, die Wolken der Unbestimmtheit und Unsicherheit beseitigt, die es schwieriger machten, sich mit früheren Versionen der Band zu identifizieren. Wie die besten Momente der grundlegenden Alben von Talk Talk oder Nick Drake, die gelebte Erhabenheit von Adrianne Lenkers Songs/Instrumentals oder Jim O'Rourkes Ausflüge in den Kammerpop erreicht Moonflowers seine dynamischen Schwünge auf natürliche, fast unterschwellige Weise. Es ist ein Sound, den frühere Veröffentlichungen von Constant Smiles andeuteten, aber nie ganz erreichten. Moonflowers ist die klarste Sicht auf etwas, dessen Entstehung Jahre gedauert hat, das sich aber dennoch ganz natürlich wie eine Einführung anfühlt. Die Musik ist sorgfältig, aber nicht überladen, und das passt perfekt zu Songs über Gefühle, die entstehen, bevor man Zeit hat, nachzudenken. In dieser vollendeten Form erschließt Constant Smiles etwas Instinktives, eine Atmosphäre der Stille mit mikroskopisch kleinen Teilen, die nie aufhören, sich zu bewegen, und Songs, die fast transparent sind, aber dennoch irgendwie schwerer als ein Berg.

Mit ihrem 2025 erscheinenden Album »Alienated« startet Europas Nr. 1 Horror-Punk- Band The Other ein neues, aber vertrautes Kapitel. Frontmann Rod Usher beschreibt es als bewusstes »Back to the Roots«-Album mit energiegeladenen Punk-Riffs, dunklen Hymnen und Gothic-Punk-Vibes. Die neue Besetzung – inklusive Gründer Andy Only – ermöglichte die Rückkehr zum klassischen Stil.

Nach Erfolgen wie »Haunted« (2020) und der Rückkehr zum eigenen Label Fiend Force entstand ein fokussiertes, kraftvolles Album voller Spaß beim Songwriting. Produzent Tim Schulte brachte frische Akzente, während Arne Neurand den Mix perfektionierte. Songs wie »I Give You the Creeps« oder »Hier Sein« greifen Themen von Entfremdung auf. Rod Ushers tiefe, eindringliche Stimme macht Alienated womöglich zum bisher dunkelsten Album der Band – direkt, emotional und mit Herzblut.

None other than Nick Cave helped director John Hillcoat with the screenplay for the movie Lawless, while he also took great care of the movie’s soundtrack. Cave and fellow musician Warren Ellis form the core of The Bootleggers, a country and bluegrass ensemble that welcome a string of guests artist like Emmylou Harris, Ralph Stanley and Mark Lanegan. The Lawless soundtrack contains cover versions of artists such as Velvet Underground and Captain Beefheart and also features original compositions by Cave/Ellis and the great Willie Nelson. Lawless is a studded movie by director John Hillcoat (The Road, The Proposition) about a gang of bootleggers in Virginia during the Great Depression. And when we say star-studded, we really mean it: Guy Pierce, Gary Oldman, Tom Hardy and Shia LeBoeuf signed up for the gritty and evocative story about brothers who try to create their own American Dream during Prohibition. Lawless is available as a limited edition edition of 750 numbered copies on smoke coloured vinyl and includes an 8-page booklet with movie pictures and liner notes by Hal Willner and director John Hillcoat.

One Vice at a Time is the sixth studio album by Swiss hard rock legends Krokus, originally released in 1982. Showcasing the band’s signature AC/DC-inspired hard rock sound, this album features hard-hitting tracks like “Long Stick Goes Boom” and “Bad Boys, Rag Dolls,” which helped Krokus break through to the American market and achieve gold certification in Switzerland. The album is celebrated for its polished production by Tony Platt and its riff-driven energy, capturing the raw power and catchy hooks that defined early 80s hard rock. One Vice at a Time remains a key milestone in Krokus’s enduring legacy. One Vice at a Time is available as a limited edition of 666 numbered copies on yellow coloured vinyl and includes an insert.

Halina Rice is a London-based electronic music artist known for her groundbreaking approach to music production and live performance.Rice has established herself as a leading figure in the contemporary electronic scene, blending complex soundscapes with immersive visual elements.

Her previous releases have been praised for their innovative use of technology and emotional depth, earning her a dedicated following around the world.

UNREALITY is the latest installment in the NEW WOLRDS series where each track is considered as the creation of a unique environment using textured synths, warped sound design and underpinned by a beat-driven dance sensibility.

Rice has toured the album extensively across the UK and Europe with sold out headline shows as well as festival appearances on the lineup with artists such as Jon Hopkins, Max Cooper and Rival Consoles.

Press coverage for the album includes Mundane Mag, Narc Magazine and previous support for the artist project includes feture length articles in Electronic Sound Magazine, DJ Mag, Mixmag, Decoded, Earmilk and Headphone Commute.

"Rice is part of a frontier movement of like-minded artists who twist, transform and manipulate the hallmarks of electronic dance music and visual accompaniments into exciting new shapes"

Electronic Sound Magazine

SID MEIER’S CIVILIZATION VII – DER SOUNDTRACK AUF VINYL

Firaxis Games, 2K Games und Laced Records schließen sich zusammen und bringen den epischen Soundtrack von Sid Meier’s Civilization VII erstmals auf Vinyl.
Diese exklusive Doppel-LP präsentiert eine sorgfältige Auswahl musikalischer Highlights aus den verschiedenen „Zeitaltern“ des Spiels – verpackt in kunstvoll gestalteten Hüllen mit historischen Illustrationen aus dem Hause Firaxis.
Der Soundtrack spannt einen weiten Bogen über die Menschheitsgeschichte und Kulturen weltweit – mit orchestraler Wucht, weltmusikalischer Tiefe und eindrucksvollen Chören.
Den Auftakt macht Grammy-Gewinner Christopher Tin mit dem epischen Hauptthema „Live Gloriously“, gesungen in Altgriechisch, Altenglisch, K’iche’ und Sanskrit vom renommierten Crouch End Festival Chorus. Bereits mit „Baba Yetu“ (Civilization IV) schrieb Tin Videospielmusikgeschichte.
Die restliche Ingame-Musik stammt von den langjährigen Civilization-Komponisten Geoff Knorr und Roland Rizzo. Eingespielt wurde sie von internationalen Ensembles wie dem Prague FILMharmonic Orchestra, dem Mongolian State Morin Khuur Ensemble oder der Southern Pine Drum Group – eine weltumspannende Klangreise durch Vergangenheit und Gegenwart.

Ein Must-Have für Sammler*innen, Gaming-Fans und Liebhaber orchestraler Weltmusik.

The fourth installment in the acclaimed Jungle Scratch vinyl series brings together a heavyweight lineup
of DJs, producers, and turntablists from Poland and the UK. Jungle Scratch JS004 continues the label’s
mission to connect the energy of jungle and drum & bass with the craftsmanship of world-class scratch
performance. Numer 1, Cheeba, Sabot, and DJ Riffz (UK) contribute fresh jungle-infused tracks and cuts,
each crafted for both the dancefloor and the battle scene.
Mastering was handled by AudioAnimals (UK), ensuring the release delivers powerful low end and crisp
detail across all frequencies.
A special highlight of the record is the DJ Scratch Tool prepared by Needlework Scratch Crew — the
reigning IDA World Champions and DMC World Team Champions 2022. The crew also recorded an

Am 12. und 13. Oktober 2024 gaben American Football zwei ausverkaufte Konzerte im El Rey Theatre in Los Angeles als Teil ihrer Tour zum 25. Jubiläum ihres selbstbetitelten Debütalbums. Mit Gastauftritten von Ethel Cain und M.A.G.S. wurden diese besonderen Konzerte für das erste und einzige Live-Album der Band aufgezeichnet. Zeitgleich erscheint gemeinsam mit Prophet Media und Regisseur Steph Rinzler ein abendfüllender Konzertfilm mit Interviews. Sowohl der Film als auch das Album fangen das Erbe und die unerwartet anhaltende Stärke einer Band ein, die ein Genre mitgeprägt hat.

Nachdem American Football 1999 während des Studiums in aller Stille ihr Debütalbum veröffentlichten, lösten sie sich auf, um sich anderen Projekten zu widmen. 15 Jahre später kehrte die Band jedoch mit einer Fangemeinde zurück, die in der Underground-Emo-Szene stetig gewachsen war. Das Album landete später auf #6 der Rolling Stone-Liste "40 Greatest Emo Albums Of All Time", während Pitchfork der Deluxe-Neuauflage den Titel "Best New Reissue" verlieh und die LP als "einflussreichstes Album des Genres" bezeichnete.

Acclaimed electronic musicians, producers and sound architects Max Cooper and Rob Clouth team up for a new collaborative EP; a dark, playful four-track dive into ambient, breakbeat and techno’s subconscious flow, featuring a standout vocal performance from South London rapper FLOHIO.

Recorded over a series of spontaneous London sessions, “8 Billion Realities” channels years of creative exchange between two of the genre’s most quietly innovative artists and is a result of a decision between the longtime friends to refrain from conceptual overthinking in favour of instinct and joy.

As long-time admirers of each other’s audio/visual work, Cooper and Clouth collaborated in London together after both emerging from intense, idea-heavy album cycles. What followed was a series of exploratory sessions, half-improvised, half-built around half-formed thoughts.

The result is a club-ready EP that feels alive and human: imperfect and hypnotically rich.

“Rob Clouth has been one of my favourite electronic music producers since I first heard his work in 2011,” says Cooper. “His work is more full of ideas and structure than anyone else.” “We were both coming from extensive conceptual studio albums and both in the mood for simplifying things and having some fun with the music, so that’s what we did”.

For Clouth, no stranger to Max Coopers Mesh label having previously released an array of EP’s plus his 2020 debut album “Zero Point” this record marks a new chapter, both creatively and personally.“Something pretty new for me is collaborating,” he says. “You kind of have to when to stop, because if you develop an idea all the way to its endpoint, the other person has nowhere to jump in.”

The first “A Moment Set Aside” began as a break from another idea, a live, unplanned improvisation based around arps and ambience. “The track was written in about as long as it took to play it,” says Cooper. “It was pulled from a 1 hour recording session, more or less as you hear it… the energy and excitement grew as the unplanned moment bore some magic.”

“The lesson being that sometimes it’s helpful to set aside a moment without forcing results, and let the subconscious have something to say.” What followed was darker, heavier. “Asymptote” is detuned techno. Subversive and euphoric in its descent. “We found a sort of brain mangling, half consonant, half wandering detuned techno pulse, which we started chatting about being a sort of pit of spiralling body parts we were falling into,” says Cooper. “It was a lot of fun to work on and let loose with bigger kicks than I usually ever get to unleash.”

Then came “8 Billion Realities”, featuring a standout rap performance from FLOHIO; an emerging figure in the UK grime and rap scene. The track was inspired by conversations about algorithmic echo chambers and hyper-personalised online worlds. Frantic, direct, and South London to the core, FLOHIO brings this tension to life. Her sharp, intense flow cuts through distortion and rhythm, landing the track somewhere between chaos and control instantly making it one of the most striking moments in either artist’s catalogue. “A different reality for all 8 billion of us,” says Cooper. “We weren’t sure if it would work… but there was something about the energy of the percussive idea and the story which felt like it might fit.” “Then FLOHIO had a play with it and straight off the bat absolutely killed it, not just with the lyrics and energy, but the harmonising too, it was a beautiful process.”

The final piece on the EP “Candeleda” originated from Clouth’s solo experiments with a live rig made entirely of vocals and keys, using his self-developed “cheatbox” system. “He put forward a beautiful stumbling melodic sequence which we bounced back and forth adding harmonies and synth layers,” says Cooper. “It rounds off a collection covering some of the breadth of music that we both love.”

Evelyne/Masao bring TESTPATTERN to Dark Entries for the label’s first foray into vintage Japanese electronics. Masao Hiruma and Fumio Ichimura’s project Testpattern is known for their release Apres-Midi, a cult slab of synthpop perfection released by Yukihiro Takahashi and Haruomi Hosono’s legendary Yen Records in 1982. While Hiruma and Ichimura parted ways following Apres-Midi, Hiruma’s musical endeavors would continue after meeting French/American model and vocalist Evelyne Bennu in 1984 at a café bar where she would sit and write poetry. Their collaborative efforts as Evelyne/Masao were fruitful, and the duo first performed together in June 1984 on a television program called TOKYO ROCK TV. The album TESTPATTERN comprises seventeen songs recorded in Hiruma’s home studio, which have never been released previously. The Evelyne/Masao duo continues building on the soundworld of Apres-Midi: lush, sophisticated electronics with intricate yet minimalist production. Tracks like “Sakuramochi” and “Bird Island” bear influence from Hosono most clearly, their soaring melodies revealing a subtly ironic redeployment of East Asian musical tropes. But TESTPATTERN is more than homage to Yellow Magic Orchestra. “Tabac” and “Le Soleil Se Leve” display oddball sensibilities closer to Sky Records icons Asmus Tietchens or Cluster. Elsewhere, the project shows affinity for the punkier ethos of continental DIY electronics, like on the quirky “Alien Go Home” and a positively skewed cover of “Singin’ in the Rain.” Bennu’s vocals provide a common thread through these explorations, as she alternates deftly between New Wave deadpan and unhinged chanson singer—check her waxing maximally Francophone on “Au Clair de Lune,” based on an 18th century French song. TESTPATTERN will be available on both double LP as well as CD, and includes a fold-out poster with liner notes with lyrics. This album is dedicated to Masao Hiruma, who passed away in 2011.

“sitting in the terminal at Barcelona airport, health safety warnings echo through empty architecture. feeling slow, and fast, out of sync with rituals and routines. structure and rhythm disintegrate into micro gestures appearing in random order, a daily psychedelia... amid all of the chaos and distraction in the last few years, it’s only through letting go that I've found solid ground to stand on.”

These are some of the experiences and reflections that gave shape to Slipstream, a hallucinatory mini-album by the artist PVAS and the fourth release on Objekt's label, Kapsela. Slipstream is an aural document of PVAS's interior life, conceived not as a grab-bag of DJ-friendly tracks (although it’s clearly inspired by the club) but as a single, delicately crafted artistic statement. The entire record is shrouded in a flickering haze, worn through by smudged breakbeats and wiry drum machines. “Wetland”, with its swampy percussion and crystalline arps, echoes T++ and Kraftwerk. The radiant incandescence of “Gathering Drift” recalls GAS or Monolake's “Hong Kong.” Sampled breakbeats dip and swerve asymmetrically through “Boba” and “Terminal”. Across the record, textures and voices are reshaped by PVAS's homemade algo-software, UMT, which, in PVAS’ own words, “reconstructs one audio file by sampling another, resulting in output that merges their aesthetic qualities, creating rhythm with non-rhythmic sound files and abusing the stereo field.” But the most striking union of technology and poetic self-exploration comes at the end of the record, in the title track, from words murmured through a classic vocoder:



“when i stop framing myself as a boundaried stone

immovable, and powerful, and heavy

when i stop figuring my deepest space as my own

something which i am solely responsible

i surrender, i surrender”



PVAS is Jordan Juras, a Berlin-based artist who grew up outside of Windsor, Ontario. He has released solo EPs on Isla and xpq?, and is half the duo NUG (3XL, West Mineral Ltd.). In addition to developing music software professionally, he has used his UMT software on records by Lyra Pramuk and Dylan Kerr. Slipstream was recorded from 2022 to 2025.

Written and produced by PVAS

Mixed by TJ Hertz

Mastered by Anne Taegert at D&M

Artwork and design by Brodie Kaman

Ian Elms’s cult isolationist synth masterpiece Good Night returns via Dark Entries. Originally released in 1982, Good Night blends Berlin school minimalism and BBC Radiophonic weirdness with the aesthetics of then-nascent DIY punk electronics throughout its fifteen short tracks. According to Elms, these pieces were composed in two broad but interrelated modes: pieces with voice and synthesizer, which are obliquely narrative, and instrumental synthesizer pieces that aspire to capture fleeting emotions. Ian met with producer David Hoser at Octopus Studios and they began constructing pieces using a Polymoog Keyboard 280a, sampled drum tracks, and Elms’s synthesizer. On “The Street Enters the House”, live drums lurch along with skeletal motifs while Elms’s elliptical lyrics evoke domestic discontent. “A Light Moves Across Curtains” features metronomic pummeling and icy strings buttressing the scant cryptic lines from Elms. Instrumental gems like “Goodnight” and “Surrounded by Trees” are built around detuned riffs in round-like structure, both drifting and static like the motion of waves. With original pressings fetching three digits – if you can even find a copy – this reissue is essential listening for fans of John Bender, Transparent Illusion, and the early 80’s DIY cassette scene. Each copy of Good Night comes with a postcard featuring a photograph and notes by Elms. “This record is intended for anyone who by accident or design spends most of their time alone (whether in the body or in the mind).” – Ian Elms.

The word "amateur" originates from the Latin word "amator," meaning "lover" or "admirer". This Latin term is derived from "amare," which means "to love". The French adopted "amateur" from Latin, and the English then borrowed it from French, initially retaining the sense of someone who loves or is devoted to something. Over time, the English usage of "amateur" also developed a meaning related to a lack of professional skill or experience. How did a word derived from love become a slur? Is love really so defenseless? They say love conquers all, but in reality isn’t love quite ridiculous? It has no intention, no motive, no agenda. How could it possibly prevail? It can’t be bought or sold, or so they say.Its mere existence can't be proven or even measured. What an impossible thing. Trying and failing, time and time again, no wonder cynicism always seems to win. I see “amateurism” as a delighted, even foolish, protest. Protest against everything. Of what’s expected of someone, or expected of someone to desire or strive for. To be elite, to be expert, to be professional, to be a master, to excel and succeed. Where’s the joy in that? I just want to have fun. I want to want. I want to love. And keep doing it, forever. I want to have fun, even when it’s tiring and sometimes even heaven is boring as hell. I want to be bad. I want to do my own thing. “I vant to be alone”. I want to be someone so dedicated to their passion that it starts to seem like there’s something wrong with them. All the way. We can take it all the way, and never get it back. ” - Molly Nilsson Amateur is the 12th studio album by Molly Nilsson. Deep in the teeth of a career that threatens to tip into something resembling a “legacy,” Molly Nilsson celebrates with an album recorded instinctively, quickly and bursting with so many moments of emotional brilliance and clarity it may be her greatest yet. Hers has been a career spent reaching out, perennially powerful in her earnestness, a warrior ridiculously defenceless and armed with a glittering sincerity. Shearing herself of the machinations of the music industry, recording at home, writing direct to the heart. Amateur is a jubilee for losers. A treatise in 13 songs, Amateur states clearly that we should live our life with eternal curiosity, offers us an open hand of comradeship out of the rat race. The songs on the album are both some of the most personal of Nilsson’s career and the most anthemic. First single How Much Is The World asks us to re-evaluate value in the face of a Neo-liberal system squeezing the life out of our loves. Pulsing opener Die Cry Lie satirises the commercialisation of emotion in the form of a shout-along diss-track. With a pounding rhythm track held down by gorgeous chord changes, heartbreaker Valhalla carries the torch for the main themes of the album: never growing up, making mistakes with kindness, moving on. When the drums crash in on the line “It’s going to get better now, you’ll see, going to be much better off without me” there is a world of feeling swirling about in the vocal delivery. One reading of the track might be that it’s a break up song but the subtext is classic Molly Nilsson: by living truthfully, making mistakes, we’re active agents against the myriad oppressions of the world. All The Way takes the theme for a run into the eternal sunset. It’s a manifesto for living fully. “Take it all the way, and never get it back” - it’s the process that’s the important point. The journey not the destination. Big Life, follows on like a part 2: An ode not only to Molly Nilsson’s career of endless gigs, endless connections with people, it’s a massive ode for following your dreams, doing it yourself. Closer The Bitter End is a powerful anthem for friendship, another definition of love infused in Nilsson’s work, A beautifully poignant ode to comradeship til the end, it seems to be the songwriter approaching aging, approaching life’s inevitability with the same vigour and earnestness, the same love of life she enjoyed at the onset of her career. There are moments on Amateur shrouded in reverb, slightly out of focus, forcing the listener to step deeper into the Mollyverse.. Nilsson’s open-armed beseeching to the world permeates every beat, every chord. These are songs exploding with life: the chunky, aggressive bassline on the punker Get A Life can’t hide its massive, catchy chorus. The sweeping Swedish Nightmare might be a tongue-in-cheek self-reference, but at its heart it’s a song about the duality of living life large, what is a dream, what is a nightmare? Molly Nilsson says you can’t have one without the other, and why would you want to? Here’s to making mistakes.

Cyphon Recordings proudly presents the latest release from Berwick, a Sheffield by Bristol
producer and DJ carving out a reputation for razor-sharp electro and forward-thinking club
sounds. With a background steeped in underground electronic music, Berwick has steadily built
his name through a string of uncompromising releases and energetic live and DJ sets, blending
the grit of classic electro with a modern rave-inspired touch. His new EP showcases his most
refined work yet—four tracks built for the floor, designed to move bodies and shake systems.
Opening with Fall & Melt, Berwick sets the tone with a punchy, contemporary electro cut. Its
driving percussion, crisp groove, and propulsive energy make it a peak-time weapon, balancing
raw dancefloor impact with seriously fat production finesse. Next up, Powerflip dives deeper
into the shadows. Gnarly synth lines, guttural bass, and clipped vocal hits collide to create a
darker, more menacing side of Berwick’s electro vision. With eyeball-rattling low-end, it’s a track
that demands a big system to unleash its full force.
On Impossible, Berwick shifts gears into an even faster lane. Elasticated bass and synths bounce
around the crisp drum groove, pushing the pace with an adrenaline-fuelled rhythm that’s as
urgent as it is infectious. Rounding off the EP, fellow Bristolian Sam Lester takes Powerflip into
new territory with a remix that leans towards wonky tech house. Stripping back some of the
raw menace of the original, Lester reshapes it with a 4 on the floor kick, layering in hypnotic
textures and a slick low-end that makes it a tripped-out weapon for house and techno sets
alike.
This release cements Berwick’s position as an artist unafraid to push electro into bold and
uncompromising spaces, while also opening the door to cross-genre interpretations.

Anushka Chkheidze + Robert Lippok’s »Uncontrollable Thoughts« on Morr Music is the duo’s debut joint release. The Netherlands-based Georgian composer and the German sound artist from Berlin first met in 2019 in the context of a workshop programme that took place in Tbilisi, and later worked with Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, and Lillevan on the massive »Glacier Music II« music and book project, released in 2021. This led them to engage in a less conceptually driven form of musicking and real-time composition that corresponds with their respective environments. They draw on traditions such as minimal music or late 1990s and early 2000s electronica to integrate subtle beats with elegiac organ drones, playful melodies with lush textures. The first document of an ever-shifting intergenerational dialogue, »Uncontrollable Thoughts« is a product of mutual listening outside time.

Though Chkheidze and Lippok had access to professional studios, they chose to rent a simple rehearsal space, equipped with only the bare essentials—bass and guitar amps as well as a small PA—to maintain immediacy in their working process. The music they made together corresponded to and drew on the respective possibilities and shortcomings of this studio, much like their collaboration in general is characterised by the care with which they approach each other's talents and ideas. While both had loosely defined roles—Chkheidze was responsible for the free-flowing beat programming and the evocative distortion came courtesy of Lippok, for example—they individually contributed in different ways to their joint process, which is as free of hierarchies as it is limitless. Hence, the duo’s focus on spontaneity and out-of-the-moment emergence makes them organically move beyond tried and tested conventions, resulting in music that seems to suspend time altogether.

When the first chimes on »Bird Song« announce a piece that sets rattling kickdrums against a backdrop of layered drones and rhizomatically entangled melodic elements, it becomes clear why »Uncontrollable Thoughts« carries this title: The album follows the constant detours of the subconscious of its makers, letting them explore moments of ecstasy such as on »Rainbow,« melancholy with »Field,« and the interplay of suspense and release through the ten-minute-long title track. But the different pieces also tie into one aother in various ways. The dirge-like organ drones on which »Rainbow Road« ends reappear in the beginning of »Uncontrollable Thoughts,« much like Chkheidze’s gentle yet emphatic piano chords on »Field« seem to provide the starting point from which the artist develops the striking motifs of the final piece »Opening«, whose title itself suggests that the record as a whole can and should be enjoyed as a loop. All this creates a unique, idiosyncratic temporal logic.

While there is much that sets Chkheidze and Lippok apart as solo artists, the major shared leitmotif in their respective bodies of work is the sonic engagement with space. »Uncontrollable Thoughts« is hence best understood as an extension of this practice; as an album that maps the geographies of their minds in motion, tracing musical movements as they melt into each other.

funcionário delights in the freedom of creating freeform music for the first time in his career. On “horizonte”, he loosens the reins, his sound follows a wavy, organic structure rather than a rigid, formal one. If it feels freer and more colourful, that’s because it truly is.

Eight years ago, when we first encountered his work, he was composing soundtracks for imaginary video games and crafting sonic landscapes that felt like destinations for sci-fi anime characters. With “Cavalcante” (2022), he broke away from that past. It marked a turning point, he was ready to explore a “fourth world” in both sound and concept. The feedback was overwhelming.

Three years later, “horizonte” marks another evolution. He sends us music regularly, but this album stood out immediately. It felt right: more synth-driven, more open to improvisation. As he put it: “It’s like using oil pastels for the first time and discovering new possibilities. In a way, I’ve found new ways of creating using the same colours.”

Listening to horizonte is like waking up from a dream. Again and again. The opening track, “nascer”, suggests a new dawn, but it’s in “pássaros” that the vision fully takes flight: less processed, more raw, yet still detailed and expansive.

Finding new ways with the same colours has been his quiet mission all along. What’s new here aren't the tools, but the feeling. The movement. The invitation to travel with him. You can hear - and feel - his sense of wonder. Every sound radiates joy. Every moment sparks a new thought. The music moves quickly, but breathes slowly.

Tracks like “renascer” and “o caminho do regresso” echo the spirit of late-70s/early-80s Vangelis, in deep reverence. And just as you approach the end, “fantasma” arrives - a stunning closer, reminiscent of Eno’s “An Ending”. By then, it’s clear: the “fourth world” is behind him. funcionário has moved on. To where? We’re about to discover.

C"mon Tigre announces their new instrumental project,Instrumental Ensemble - Soundtrack for Imaginary Movie Vol 1. This album oï¬Çers an alternate view of cinematic music: a soundtrack composed for a fictional film using a challenging and inventive method.This project investigates an alternative approach in which music shapes and guides visual storytelling. It"s the first in a series of albums dedicated to as-yet-unmade films, enabling listeners to explore music as a key component in cinematic narrative. The original story that inspired this music was created in partnership with a large language model, which was taught and instructed in substance and style to best fit the project"s artistic concept. C"mon Tigre works with AI to achieve collaborative harmony while contemplating on the unavoidable future ahead. Each track on the album depicts a scene, delivering stories about humans jugglingpersonal issues and contacts with advanced technology. The end result is a story told by sound and text, designed to immerse listeners in a multisensory universe

Anvar Kalandarov is a music archaeologist, musician and producer from Tashkent, Uzbekistan with a focus on unearthing rare and hard to find gems from across Central Asia. Last year he compiled Synthesizing the Silk Roads: Uzbek Disco, Tajik Folktronica, Uyghur Rock & Tatar Jazz, released in collaboration with Ostinato Records. He also runs his own label Maqom Soul Records. Digging Central Asia is a mixtape that journeys through the psychedelic landscapes of the Silk Road, featuring recordings recorded between the 1970s through to the early 1990s.

Zonate presents its fifth release, The Roots EP, uniting four tracks from three exciting new voices in the scene. The A1 comes from Guzman with Final Point - a grooving electro cut that builds patiently before unleashing a roaring drop in the second half. Bassy Bee follows with Will Not Hurt You - dark and evolving, driven by growling low-ends and self- recorded vocals. The flip side is all Gaston Cabrera. On B1, Persiguiendo Pesadillas is propelled by a defining arp that touches into prog-trance territory. Closing with B2, A La Luz De Las Velas, Cabrera returns to his South American–infused sound - hypnotic, driving techno / prog.

Until The End (The Lost Album) features recordings made by Wil Malone throughout 1970, possibly intended as a follow-up to Wil Malone – Wil Malone, which was recorded in mid-1969 and mastered for release on Fontana Records on July 5, 1969.
Recently unearthed from the Morgan Blue Town tape vaults, these tracks offer a compelling mix of ’60s pop and bubblegum, diverging from the original album’s string-heavy, progressive-psych sound. All the material comprises either demos or finished masters, recorded over several months. With the exception of the brass parts — performed by session musicians — all instruments were played by Wil Malone himself.
It’s a shame the debut didn’t achieve greater commercial success, as it might have brought these follow-up recordings to light much earlier, back in the 1970s.

LP&DL Im Jahr 2023 erschien das Debütalbum der Wiener Band Bad Ida, das einen durchaus bemerkenswerten musikalischen Stil repräsentiert: eine explosive Mischung aus Soul, Funk, R'N'B traditioneller Spielart und dem absolut Besten was man aus dem guten, alten Bluesrock herausholen kann. Das klang im positivsten Sinne gewohnt und auch wieder ganz neu und heiß und dann war da ja noch eine Stimme, die besagte brandgefährliche Mixtur mit dem ersten Atemhauch zum Bersten brachte. Die Melodien - pure Ohrwürmer - und der rhythmische Drive hinterließen bei vielen geneigten Hörer:innen erstaunt-ekstatische Blicke und nur noch ein einzelnes, rudimentäres Wort im auf der Tanzfläche leergefegten Gehirn: WOW! Was tun nach so einem runden und rundum gelungenen Anfang? Easy: einfach weitermachen, wenn sich der perfekte Flow schon so schön zur groove-orientierten Spielfreude verdichtet hat. Nun startet also mit Ending Things der zweite Anlauf, um Hörnerven und Tanzbeine ordentlich auf Schiene zu bringen. Und es geht wieder aus dem Stand auf 180: angereichert mit einem dezenten Schuss Pop nistet sich hier ein weiteres großartiges Album konsequent auf dem Plattenteller ein. Die Lyrics von Ines Dallaji behandeln wieder die ganz großen, nicht immer ganz glücklichen Gefühle - die wiederum von einer richtig gut aufeinander eingespielten Band sehr zum Glück des Publikums intensiv zum Leben erweckt werden. Themen wie Umweltzerstörung ("Red Flags"), der Druck sozialer Medien ("Age of Likes"), Trauer ("I Still Miss You"), Angstbewältigung ("Fear") und toxische Beziehungen ("Remember My Love For You", "Leave Me Alone") verleihen dem perfekten Pop-Sound tiefgründige Strahlkraft: Bad Ida ist weit mehr als die oberflächliche Eleganz und der reizvolle Glamour, mit denen man das Genre Soul ja oft verbindet.

Deep black, with ghostly glimmers of an old car melting into the tarmac: the cover of Never En-ding Rodeo sets the tone. This isn't just a late-night drive, but a controlled skid across the borders of Post-Rock, Noise and Psych. The engine roars, the ground shakes, the white lines blur. Six years after the release of Ain't That Mayhem, the Lyon-based band returns with a dense, smoke-veiled record. Never Ending Rodeo: a deceptively playful, almost cartoonish title for such an intense album. As if, after circling endlessly around dust, bucking, and stampedes, Zëro had carved out its own orbit. Unstable, inevitably. But magnetic. Éric Aldéa (guitar, vocals), Franck Laurino (drums), Ivan Chiossone (Persephone, synths), and now Varou Jan (guitar, bass) - (Le Peuple de l'Herbe, Condense) - have lost none of their bite. Better still: this new album marks a turning point in production quality, thanks in particular to the mixing work of Niko Matagrin. The sound is broader, more inhabited. Every snare crack, every synth layer sits precisely in a meticulously sculpted space. "As if Tom Waits had collided with Nine Inch Nails. Before a frightening modernity hurled this so-nic convoy into a headlong rush." ~ Indiepoprock "You don't simply pass through Never Ending Rodeo: you step inside, you lock yourself in, drawn irresistibly by its magnetism." ~ Solénopole

After so long it becomes harder to say new things about older things you now just do. Some things you've become. Some things you simply (never simply) are. The thing becomes a slippery notion. The self slides along with it. After this long, the story is whatever are the songs. A Self-portrait at two decades. Here are 11 new ones, from the current constellation, and a future still to come. The cement is still wet on that one. From the forest near where I now live you can hear a chorus of different birds in voice at once, competing but each defined, in defence of a territory or to attract a mate. There's an app that tells you so. I wonder, too, what that app doesn't reveal, if their nature need not share those same purposes. This is simply (never simply) how it exists. If we can't speak to the mysteries of these strategies, they at least persist, regardless of who picks up the frequency. Singing to itself, and there will always be these kinds of songs. Indies only Blue Vinyl! 1.Ulrika Spacek - 'Interesting Corners' 2. Empty Country - 'D3SP4IR' 3. The Reds, Pinks & Purples - 'New Market Space (Down the Stairs Ver.) 4. Cindy - 'The Thousand First' 5. April Magazine - 'U Bop' 6. Index For Working Musik - 'Going to Heaven On the End of A String' 7. Midding - 'Do As You Would' 8. Luft - 'My Third Eye' 9. Hospital - '25 Jade Place' 10. William Doyle - 'The Sun Ain't Doing It For Me Lately' 11. Daily Toll - 'Begin Again'

Serie mit unbekanntem Ausgang. Diary of Dreams starten eine Serie von Mini Alben, deren finale Anzahl noch nicht beschlossen ist; Mastermind Adrian Hates erklärt: "Die Serie endet, wenn die Geschichte zu Ende erzählt ist." So beginnt nun am 31.10.2025 die neue musikalische Traumreise mit dem Kapitel "Dead End Dreams". Der Titel ist ursprünglich eine Textzeile aus dem Song Panik? vom 2002er Mini Album PaniK Manifesto, welches für DoD das erste seiner Art war. Die Zeile blieb für Adrian jedoch bis heute inhaltlich unvollendet; es gab dazu noch so viel mehr zu sagen. Es war also höchste Zeit, dieses Sinnbild zu vollenden. Begeben wir uns dafür nun gemeinsam in völlig neue Klangwelten des Tagebuchs. Der Titel verrät ein wenig, womit zu rechnen ist - düstere und apokalypische Szenarien und ein Rückzug in die eigenen Gedanken, um das auszublenden, was kaum fassbar mehr scheint: die Realität; Eine Welt am kollektiven Abgrund. Gegründet wurde die Band 1989 und erspielte sich seitdem mit über 700 Konzerte in 43 Ländern ein treues Publikum.

BEWARE! THE ECHOES OF DEATH’S HORRID CHANT ARE DRAWING CLOSER…From the endless fields of obsidian darkness rise eerie hymns, echoing an ancient, long-forgotten apocalypse that slices through the eternal night. OBSIDIAN SCAPES are the embodied nightmare – a deathly veil of cascading riffs, raining down like the lethal erosion of cosmic worlds. Layered with relentless, thunderous drums and ghostly dirges, their music summons visions of a dying universe.Their sounds crawl like molten madness into the depths of the mind, painting aphotic images of shadowy, chthonic cathedrals and titanic monoliths rising against a crumbling horizon. Despair and anguish permeate every note – dirges for a world drowning in the abyss of decay and tributes to powers lurking beyond human comprehension.Including one song from the upcoming debut-album Death Chants Echo From Aphotic Void and an unique and exclusive cover-version from SIGH’s “At My Funeral” (only available on the 12″EP).Mixed and mastered by Thomas Taube at FiveLakes Tonstudio.ltd 500, 300 x black vinyl, 200 x cream white bone. Incl. download-code. S

Kee'ahn, whose name is derived from kee’an, the Wik word meaning to dance and to play, is a proud Yalanji, Jirrbal, and Badulaig artist. Her music is steeped in connection to culture, community, Country, and self and with her soulful voice and storytelling, Kee’ahn has had a powerful impact on the Australian music scene, earning her the Archie Roach Foundation Award and Music Victoria’s Best Emerging Artist award. She has since performed at the 2025 AFL Grand Final collaborating with Baker Boy, Thelma Plum, Emma Donovan, Dallas Woods, Alice Ivy and shared stages with the likes of Julia Jacklin, Hiatus Kaiyote, Greentea Peng and Angie McMahon.

Kee’ahn’s debut EP “for me, for you x” is a collection of lush cinematic soul and rnb love letters. Across 5 tracks, Kee’ahn explores the pursuit of hope, compassion, connection, heartbreak, and healing. This project naturally and authentically came together, detailing moments across 5 years of Kee’ahn’s life. Each song begins on guitar and vocals with demo production in Kee’ahn’s Brunswick bedroom - they are diary entries to herself, formed into messages that hit the hearts of its listeners.

Each song is reminiscent of classic 60’s jazz soul to 90’s neo-soul rnb, to early 2000’s inspired soul pop weaving dynamic soundscapes with clear and meaningful catchy lyricism.

The first-ever best of of Nim Vind is called Anthology 1 and is released by Sunny Bastards Records! This collection of audio medicinals created in a UFO vibrating in the Key of NV is guaranteed to blow your mind. Experience the energy and indulge in some Halloween candy with Nim Vind's 180-gram Vinyl album. This collection includes Nim Vind's most popular tracks from regular albums Fashion Of Fear, Stillness Illness & Saturday Night Seance Songs, along with some special versions or tracks that have never been released before. Nim Vind was introduced to Europe through Zillo Magazine and the Goth club "Pagan Love Songs". This led to the release of his first album, "Fashion of Fear", on Fiendforce Records Germany. The album was recognized by Metal Hammer UK, Maximum Rock n Roll and many other magazines that support underground artists. Rue Morgue Magazine (the world's biggest Horror Entertainment Print magazine) selected Nim's album "Saturday Night Seance Songs" as the Album of the Year. He has shared stages with the likes of Gary Numan, Filter, Blitzkid, The 69 Eyes, Todd Kerns (Slash with Miles Kennedy and the Conspirators), Peter Murphy of Bauhaus, and many more. The album kicks off with NV classic "Killing Saturday Night", which has garnered 1.7 million plays on Spotify and more than 330,000 views on YouTube. The collection attempts to showcase some of the songs that have been a part of his story, bringing us up-to-date with his current work. If you're a Horrorpunk, Goth, Post-Punk, Rock N Roll or Alternative collector, this collection is a must-have! Vinyl only compilation, for fans of MISFITS, JERRY ONLY, CHRIMSON GHOSTS, BLITZKID, THE OTHER.

Rotterdam's Bright Message Records' second release is the highly anticipated 12-inch vinyl "KING INNA THE RING," produced by Imperial Sound Army. The title refers to the powerful vocal version, sung by UK-based King Stanley, which immediately creates the impression of a true anthem and a strong tribute to Jah Rastafari. The vocal version is paired with a dub cut that strongly emphasizes this element of praise. The way this dub connects the A-side and B-side of the record, reveals both Dan-I's years of experience as a soundsystem selector and excellent production skills.

The B-side contains the fantastic melody version "TROMBONE INNA THE RING." With an unexpected intro and upfull vibes, Matic Horns shows he grooves like no one does and keeps the melody tuff till the end. The final track is a dub of Matic's melody version, in which Dan-I explores the full depth of his riddim.

"King Inna The Ring" is a versatile record that captivates from start to finish and was played as dubplate by a handful of well-known soundsystems during the summer of 2025.

Play it loud and let the world know who's the KING INNA THE RING!

Vocals: King Stanley (UK)
Trombone melody: Matic Horns (UK)
Horns vocal riddim: Ital Horns (UK)
Keys: Smiling Roots (IT)
Riddim, mixing and production: Imperial Sound Army (IT)
Mastering: Pressure Mastering (UK)

Als MONO zum ersten Mal die Idee eines Live-Konzerts mit Orchesterbegleitung hatten, schien dies ein einmaliger Traum zu sein, der einzigartige Umstände, ein riesiges Team gleichgesinnter und großzügiger Mitwirkender und eine Menge Glück erfordern würde. Genau zehn Jahre nach Beginn ihrer Karriere war dies ihr mit Abstand ehrgeizigstes Projekt. Sie flogen aus ihrer Heimat Japan - wo sie zu dieser Zeit ironischerweise weniger bekannt und erfolgreich waren als in den Vereinigten Staaten und Europa - nach New York City, wo sie ein Orchester zusammenstellten, einen historischen Veranstaltungsort in der Nähe des Lincoln Centers sicherten und auf sich selbst setzten, um einen wirklich unvergesslichen Abend zu gestalten. Das Konzert war nicht nur ein voller Erfolg, sondern begründete auch einen wesentlichen Teil der Identität von MONO: die orchestrale Live-Performance. Seit dieser magischen Nacht in NYC im Jahr 2009 haben MONO mehr als drei Dutzend Live-Konzerte mit einer Vielzahl von Orchestern in fast ebenso vielen Ländern weltweit gegeben. Ihr letztes solches Konzert in Japan lag jedoch mehr als 15 Jahre zurück. Ein Vierteljahrhundert nach Beginn ihrer legendären Karriere sind MONO endlich nach Hause zurückgekehrt. ,Forever Home: Live in Japan with Orchestra PITREZA" feiert MONOs 25-jähriges Jubiläum mit der ,OATH"-Orchestral-Welttournee, die in den letzten Monaten des Jahres 2024 20 Konzerte in Europa, Asien und den Vereinigten Staaten von Amerika umfasste. ,Forever Home" wurde vor ausverkauftem Haus im Spotify O-EAST in Tokio aufgenommen und präsentiert ein 12-köpfiges Orchester unter der Leitung des Orchesterdirektors und häufigen Kollaborateurs Chad McCullough, das MONO bei der Aufführung ihres aktuellen Albums ,OATH" in voller Länge begleitet. Das 100-minütige Konzert endet mit zwei der bekanntesten Songs der Band - ,Ashes in the Snow" und ,Everlasting Light" -, die eine Hommage an den ersten Orchester-Live-Auftritt vor 15 Jahren in New York City darstellen. ,Forever Home" wurde von Matt Cook, dem langjährigen Tontechniker von MONO, aufgenommen und gemischt und fängt die ehrwürdige Gruppe in ihrer natürlichen Umgebung und in ihrer transzendenten Höchstform ein. Mit der symphonischen Begleitung des japanischen Orchesters PITREZA verwandeln MONO einen Raum in Tokio in ein grenzenloses Meer - launisch, kontemplativ und überwältigend. Die physischen Formate von ,Forever Home" sind angemessen umfangreich und besonders. Das von dem langjährigen Art Director und Mitarbeiter Jeremy deVine entworfene 2xCD-Set ist in einer vierfachen Gatefold-Hülle verpackt und enthält einen Konzertfilm in Spielfilmlänge auf hochauflösender Blu-ray, unter der Regie von Yusaku Mitsuwaka. Es ist ein atemberaubendes Werk der Multi-Kamera-Kinematografie, das das Live-Erlebnis von MONO perfekt einfängt. Die 3xLP im Dreifach-Klappcover ist auf audiophilem schwarzem Vinyl oder als limitierte farbige Vinyl-Variante erhältlich. Sowohl das CD- als auch das LP-Format enthalten jeweils ein umfangreiches 28-seitiges, vollfarbiges Archiv-Fotobuch, das das gesamte Konzert dokumentiert. Das sind MONO. Das ist "Forever Home".

Als MONO zum ersten Mal die Idee eines Live-Konzerts mit Orchesterbegleitung hatten, schien dies ein einmaliger Traum zu sein, der einzigartige Umstände, ein riesiges Team gleichgesinnter und großzügiger Mitwirkender und eine Menge Glück erfordern würde. Genau zehn Jahre nach Beginn ihrer Karriere war dies ihr mit Abstand ehrgeizigstes Projekt. Sie flogen aus ihrer Heimat Japan - wo sie zu dieser Zeit ironischerweise weniger bekannt und erfolgreich waren als in den Vereinigten Staaten und Europa - nach New York City, wo sie ein Orchester zusammenstellten, einen historischen Veranstaltungsort in der Nähe des Lincoln Centers sicherten und auf sich selbst setzten, um einen wirklich unvergesslichen Abend zu gestalten. Das Konzert war nicht nur ein voller Erfolg, sondern begründete auch einen wesentlichen Teil der Identität von MONO: die orchestrale Live-Performance. Seit dieser magischen Nacht in NYC im Jahr 2009 haben MONO mehr als drei Dutzend Live-Konzerte mit einer Vielzahl von Orchestern in fast ebenso vielen Ländern weltweit gegeben. Ihr letztes solches Konzert in Japan lag jedoch mehr als 15 Jahre zurück. Ein Vierteljahrhundert nach Beginn ihrer legendären Karriere sind MONO endlich nach Hause zurückgekehrt. ,Forever Home: Live in Japan with Orchestra PITREZA" feiert MONOs 25-jähriges Jubiläum mit der ,OATH"-Orchestral-Welttournee, die in den letzten Monaten des Jahres 2024 20 Konzerte in Europa, Asien und den Vereinigten Staaten von Amerika umfasste. ,Forever Home" wurde vor ausverkauftem Haus im Spotify O-EAST in Tokio aufgenommen und präsentiert ein 12-köpfiges Orchester unter der Leitung des Orchesterdirektors und häufigen Kollaborateurs Chad McCullough, das MONO bei der Aufführung ihres aktuellen Albums ,OATH" in voller Länge begleitet. Das 100-minütige Konzert endet mit zwei der bekanntesten Songs der Band - ,Ashes in the Snow" und ,Everlasting Light" -, die eine Hommage an den ersten Orchester-Live-Auftritt vor 15 Jahren in New York City darstellen. ,Forever Home" wurde von Matt Cook, dem langjährigen Tontechniker von MONO, aufgenommen und gemischt und fängt die ehrwürdige Gruppe in ihrer natürlichen Umgebung und in ihrer transzendenten Höchstform ein. Mit der symphonischen Begleitung des japanischen Orchesters PITREZA verwandeln MONO einen Raum in Tokio in ein grenzenloses Meer - launisch, kontemplativ und überwältigend. Die physischen Formate von ,Forever Home" sind angemessen umfangreich und besonders. Das von dem langjährigen Art Director und Mitarbeiter Jeremy deVine entworfene 2xCD-Set ist in einer vierfachen Gatefold-Hülle verpackt und enthält einen Konzertfilm in Spielfilmlänge auf hochauflösender Blu-ray, unter der Regie von Yusaku Mitsuwaka. Es ist ein atemberaubendes Werk der Multi-Kamera-Kinematografie, das das Live-Erlebnis von MONO perfekt einfängt. Die 3xLP im Dreifach-Klappcover ist auf audiophilem schwarzem Vinyl oder als limitierte farbige Vinyl-Variante erhältlich. Sowohl das CD- als auch das LP-Format enthalten jeweils ein umfangreiches 28-seitiges, vollfarbiges Archiv-Fotobuch, das das gesamte Konzert dokumentiert. Das sind MONO. Das ist "Forever Home".

Eines der größten Talente der britischen Blues-Szene. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei Jahren in Folge (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year” gewählt. 
Als Teenager verschlang er die Musik von Eric Clapton und Ray Charles – „Ray hat mich als Person und meine Einstellung zur Musik völlig verändert.” Von alten Delta-Platten über Soul-Künstler wie Sam Cooke, Bill Withers und den Stax-Sound bis hin zu Jazz-Sängern wie Billie Holiday und Frank Sinatra sowie Singer-Songwritern wie Van Morrison, Townes van Zandt, Bob Dylan, Nick Drake und zeitgenössischen Künstlern wie Ray LaMontagne, Norah Jones und Foy Vance.
Seine Musik hat eine zeitlose melancholische Qualität. Mit seiner Ehrlichkeit und Offenheit, die jeden ansprechen, schöpft er aus Angst und Verletzlichkeit, vermittelt dies jedoch mit einer weltgewandten Eleganz. Für Connor Selby sind keine Grenzen gesetzt. Das ist leicht zu verstehen, wenn man seine gefühlvolle Mischung aus Blues und seinen emotional introspektiven Songtexten betrachtet, die sein beeindruckendes Gitarrenspiel ergänzen. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.

In the magical kingdom of Fiore, Lucy Heartfilia, a celestial spirit mage, joins the legendary guild Fairy Tail, renowned for its eccentric members and explosive adventures. Alongside Natsu Dragneel, a fire-powered Dragon Slayer, and his friends Happy the flying cat, Erza, and Gray, the adventure is only just beginning!



This double vinyl will feature a selection of the best opening and ending themes from the series, transporting you back to the enchanting world of Fairy Tail as if by magic.

Von der Band als „spirituelle Schwester von ‚Alma’s Cove‘“ beschrieben, verlagert „Mt. Sava“ die Kulisse von üppiger Küstenruhe zu der beeindruckenden Weite bergiger Wüstenlandschaften – eine Kulisse, die „den Zuhörenden sowohl die Ruhe eines Sternenhimmels fernab vom menschlichen Leben als auch die Brutalität und Wildheit des Lebens in der Wüste erleben lässt“, so die Band. An anderer Stelle auf „Mt. Sava“ laden Yuuf die Hörer:innen ein, diese weite Landschaft in sechs Tracks weiter zu erkunden. Der Opener, „Moon Dive“, gibt sanft den Ton an und bietet einen friedlichen und meditativen Raum, der zum Nachdenken und Ausruhen einlädt, während die Nacht langsam zu Ende geht. Im Gegensatz dazu fängt „Night Aïr“ den pulsierenden Rhythmus der Wüste nach Einbruch der Dunkelheit ein, inspiriert von der einzigartigen Atmosphäre, den Düften und den Temperaturschwankungen der Bergnächte; „ein Gefühl, das in einer bergigen und wüstenartigen Umgebung mit großen Temperatur- und Feuchtigkeitsschwankungen während des Tag-Nacht-Zyklus viel deutlicher zu spüren ist“, fügen sie hinzu.

„Ørken Bloom“, vom dänischen Wort für Wüste, ist ein dynamischer, temporeicher Track, der die aufgehende Sonne widerspiegelt. „Calima“ hingegen bietet einen Moment der Ruhe und bezieht sich auf die Winde, die den Sand der Sahara über Kontinente hinweg tragen.

Mit "Plan 76" entwickeln The Orchestra (For Now) ihren maximalistischen Ansatz dessen, was sie selbst als "London Prog" bezeichnen, weiter. Die EP kombiniert avantgardistische Rock-Theatralik, komplexes klassisches Zusammenspiel, pastoralen Barock-Indie, Post-Hardcore-Dynamik, jazzige Freakouts und alles dazwischen und ist eine Meisterleistung in Sachen Spannung und Entspannung. Die Elemente, die ihr Debüt zu einem Durchbruch machten, sind immer noch vorhanden: Die Kompositionen sind unvorhersehbar und doch unverkennbar eingängig, und es gibt skurrile Referenzen an die Popkultur und die sie umgebende Welt. Doch hier wird alles auf ein höheres Niveau gebracht, die zugrunde liegende Fragilität in einen Mantel musikalischen Selbstvertrauens gehüllt, der nur mit solch großem Ehrgeiz entstehen kann.

Die Lead-Single "Hattrick" fasst ihre Entwicklung perfekt zusammen. Sättigung und Kontrast wurden gesteigert, die dunkleren Ecken akzentuiert, ihre breitere Palette lebendiger und farbenfroher. Labyrinthartige Instrumentierung schwillt an und explodiert in Momenten schamanischer Stimmkraft, filmischer Streicher, einer treibenden Rhythmusgruppe und ungezügelter Gitarren, bevor sie aufflammt und grüblerischen, nachdenklichen Versen weicht.

Zur EP erklärt die Band: "Plan 76 vervollständigt die Geschichte, die wir ursprünglich erzählen wollten. Sie führt die Themen unserer ersten Veröffentlichung fort, platziert das dort Bewährte aber in anderen Welten und Situationen. Instrumental gesehen ist sie für uns anspruchsvoller. Nicht, weil wir unglaublich komplizierte Parts spielen, sondern im Gegenteil – wir haben versucht, sie zu verfeinern, anstatt sie zu verkomplizieren. Es gibt unglaublich exponierte Momente, in denen wir die Instrumentierung reduziert haben (was für uns nicht selbstverständlich ist). Diese EP bereitet auch den Boden für das, was als Nächstes kommt."

In den letzten Jahren hat die Band einen Aufstieg erlebt, von dem die meisten neuen Acts nur träumen können. Sie spielten auf der Hauptbühne des Green Man Festivals, traten beim End Of The Road Festival auf und spielten mehrere ausverkaufte Headliner-Konzerte, bevor sie überhaupt eine Single veröffentlichten. Nachdem sie ihren Sound auf der Londoner Live-Tour verfeinert hatten, veröffentlichte die Band Anfang des Jahres ihre mit Spannung erwartete Debüt-EP "Plan 75", die sowohl bei Kritikern als auch bei ihrer Fangemeinde für Begeisterung sorgte.

„I Can’t Let Go“ ist die erste Zusammenstellung der Aufnahmen der Brooklyn-Sängerin Evie Sands aus den 60er Jahren, die alle 15 Titel ihrer ersten 8 Singles auf der Vinylversion enthält. Die CD-Ausgabe umfasst weitere 11 Titel, darunter ihre kompletten 45er-Singles aus den Jahren 1963 bis 1970. · Sands, die bereits als Kind zu singen begann und schon in jungen Jahren im Studio arbeitete, verfügte über eine kraftvolle und faszinierende Stimme, die ihr Alter Lügen strafte und auf klassischen 45er-Singles zu hören war, die von Soul- und Rock-Sammlern sowie Liebhabern von Girlgroups und Femme-Pop gleichermaßen geschätzt wurden. · Nach ersten Veröffentlichungen bei ABC und Gold tat sich Sands 1965 mit dem Songwriting-, Arrangement- und Produktionsteam Chip Taylor und Al Gorgoni zusammen, um eine Reihe exzellenter und oft erstaunlicher Platten bei den Labels Blue Cat, Cameo und A&M aufzunehmen, die in ihrem vielbewunderten ersten LP gipfelten. Dabei nahm sie die Originalversionen (und definitiven Versionen) von „Take Me For A Little While“, „I Can't Let Go“, dem Northern-Soul-Floor-Filler „Picture Me Gone“ und dem majestätischen „Angel Of The Morning“ auf und sah ungläubig zu, wie sie alle zu Hits für andere Künstler wurden. Nachdem sie 1969 mit „Any Way That You Want Me“ endlich einen eigenen großen Hit gelandet hatte, folgte nach einer kurzen Auszeit Anfang der 70er Jahre ein gut aufgenommenes Comeback-Album, „Estate Of Mind“, und zwei US-Top-50-Hitsingles. Durch die kontinuierliche Weiterentwicklung ihrer Produktions- und Songwriting-Fähigkeiten standen bald die Größen der Popmusik Schlange, um mit ihr zusammenzuarbeiten und ihre Songs aufzunehmen: Barbra Streisand, Dusty Springfield, Karen Carpenter, Dionne Warwick und später auch Missy Elliot coverten Sands' Kompositionen, und Elvis hätte es beinahe auch getan... · „I Can’t Let Go“ wurde von Jai Rathbone in enger Zusammenarbeit mit Evie Sands zusammengestellt, die ihre Gedanken und Erkenntnisse über diesen frühen Abschnitt ihrer Karriere teilt. Mit zahlreichen Illustrationen versehen, ist dieses Buch ein Muss für jeden Fan. · Bewundern Sie erneut (oder zum ersten Mal) die Vielseitigkeit eines der bestgehüteten Geheimnisse der 60er Jahre: die volle, emotionale und wahrhaft unverwechselbare Stimme von Evie Sands.