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Cam Cameron appears to be another one of those performers from an infinite list of Black American artists that cut a solitary 45 single and then disappear into obscurity never to be seen or heard from again. Couple this with the passing of any of the relevant protagonists from the time along with any of the surviving ones ever diminishing memories and the job of collating events and artists back stories from over 50 years ago becomes that much harder.

Cam Cameron appears to be one of those artists (although our investigations are ongoing). Therefore, from the information currently gleaned, the artist Cam Cameron was none other than Alvin Cameron the writer of the featured song “You Say”, with Cam being a kind of nickname. The string arrangements on both “They Say” and “I’m A Lonely Man” were provided by the late John Andrew Cameron a hugely respected arranger, producer and songwriter within the Chicago music scene of the 1960’s and early 70’s, more often credited as Johnny Cameron. Johnny’s credits can be found on many recordings of the time often working with fellow Chicago music scene producer Clarence Johnson, some of the highlights from this liaison being the song “I Really Love You” recorded by both Jimmy Burns (Erica) and Bobby James (Karol) and the girl group, ‘The Lovelites’, on their acclaimed album “With Love From The Lovelites” (Uni). Johnny’s involvement with the Scott Brothers goes as far back as 1965 when he provided the musical arrangements on The Howard Scott penned song “I’ve Got To Get Over” recorded by Syl Johnson for the TMP-Ting label. Although they share the same surname, Alvin (Cam) Cameron is believed to be of no relation to Johnny Cameron.



“You Say” would gain a release on the independent Capri label owned by Sephus Howard Scott who together with brother Walter Scott composed the 45’s flipside “I’m A Lonely Man”. Howard also featured as one of the songs producers alongside the mysterious Edgar Mullins (a name which has been found on a couple of other tape boxes, the investigations continue).

Musical accompaniment was provided by The Scott Brothers Band, with both songs being recorded at RCA Victor’s Chicago number 2 Recording Studio at 445 North Lake Shore Drive, in the Navy Pier section. on the 10th of August 1967 and released on Capri Records during the month of February 1968.



Cameron’s “You Say” was another 45 that was first introduced to UK Soul Collectors via those much lamented and fondly remembered soul packs, always regarded as a quality collector’s 45 the only regular turntable action remembered was provided by Northampton’s very own discerning DJ Cliff Steele at venues such as ‘Detroit Academicals’, ‘Bretby Country Club’ and later ‘Albrighton’ during the leaner days of the UK Rare Soul Scene?! Hopefully a wider appreciation of both sides of this soulful Windy City 45 beckons! The second release in Soul Junction’s Capri series.

Der legendäre Blues-Mundharmonika-Frontmann Junior Wells nimmt uns mit auf eine gefühlvolle Reise in die Vergangenheit mit dieser Neuauflage von In My Younger Days, einer vom Label Red Lightnin' zusammengestellten Sammlung von frühen Chicago-Blues-Stücken. Die hier vorgestellten Stücke gehören zu den erdigsten von Juniors obskurer Aufnahmekarriere, bevor er bei einem großen Label unterschrieb. Völlig geradlinige und geradezu erfrischende Bluesmusik,

Crypt of the Wizard is proud to present Peace Vaults - I & II on vinyl and digital formats. New blood from the Viennese gutters. Amidst the vile and hostile ravines of sooted stone and waste filled waters is a glade to be found. Peace Vaults erect four pillars of crude and stoic Black Metal, guided by luring vocals and synth melodies, which shimmer like ominously kaleidoscopic light through cracks in the walls of rat filled sewers. Hissing through cracked and blackened feedback Peace Vaults produce jangly off-kilter rhythms, awash with raw metal energy and diffuse post punk lethargy. Frantically pulling chaotic drum patterns and howling guitar leads into rhythmic structure until, wild, they pull themselves apart again. This compilation of the band's two demo tapes rightly now presented on vinyl marks the beginning of an ongoing union between Peace Vaults and Crypt of the Wizard with new material due in the not so distant future

With her distinct sound treatment and signature improvised performances, Liliane Chlela has been pushing forward the boundaries of ‘Experimental and Electronic Music’ in Lebanon and the Middle East/West Asia and North Africa for over a decade both as a solo artist and via her various local and international collective projects. One of the most versatile female producers/musicians in the Middle East/West Asia and North Africa, Chlela constructs a characteristic sound both as a composer/producer and as a live musician. She further explores the connections between improvisation and sound treatment by approaching numerous musical genres with her signature techniques. Relentless and heavy dark electronic beats mingle with anger and anguish on Liliane Chlela’s album “Safala”. The Lebanese producer and hybrid DJ tapped into her personal memories to bring forth a sonic concoction anchored in the inherited oral epistemologies of her ancestors. Memories intertwine with Beirut, using incantations inherited from Chlela’s grandmother as building blocks to build an eight track album. From warding off the evil eye to protest sounds from the past year of events in Lebanon, the album haunts the listener to invoke a striking elegy on terror and anger, while inducing a rollercoaster of sonic eruptions.

tapetopia 008 Der Expander des Fortschritts was founded in 1986. The “risk group” described itself as “pop musique concrète” or “abstract pop”. Der Expander des Fortschritts relied on disharmony and ruptures, which resulted in radio plays in a song format; the GDR as a realsocialist satire provided its material. Even the band’s name was a cultural appropriation of the superstructure by the substructure: “progress” was a fetishized word in the GDR, factory sports clubs would add it to their name, solidarity concerts would use it as a motto. The title “Urknall · Horde · Mensch” resulted from an Expander-typical translation of “Weltall, Erde, Mensch”, a compendium ceremoniously presented to each initiator on the occasion of their socialist youth initiation. In 1988, the band released the tape album on their own label Irrmenschkassette, a big bang in a tiny edition. The tapetopia series, using the original layouts and track lists, publishes cassette editions from the GDR underground of the 1980s, especially from the “walledin” scene in East Berlin. More than three decades after their initial “release”, most of these tapes have yet to be heard on either vinyl or CD, even though they made an audible mark in the canon of GDR subculture. Despite the tiny original editions of the time, many of the bands were considered cult in countercultural circles, which made them highly suspect in informed circles.

tapetopia 004 The Leipzig band Neu Rot represented a singular phenomenon within the alternative music reservoir of the GDR. As with so many bands that cultivated a more sophisticated sound in the late 80s, Neu Rot’s beginnings had been in punk rock. But, with a remarkable rigour against itself, the band steadily worked its way towards post-rock. This thorough process came to fruition in 1988 with the production of the tape “Halt An”. It had been preceded by the band’s struggle for its very own means and their technical feasibility. Neu Rot’s pilgrimage to its own centre was not unimpeded. The band’s name was perceived by the GDR’s cultural watchdogs as an erratic chain of associations between the suspicious word “Neu” and the ideological signal colour red. The band was legal, but its lyrics were deemed illegal. The edition of “Halt An” was somewhere between over fifty and under one hundred copies. Jörg Stein (voc, g, casio sk-1, yamaha ps-2) Karsten Maaß (bg, voc) Anke Mehlhorn (vl, casio sk-1) Henrik Eiler (dr, voc, casio sk-1) Produced by Mike Stolle & Jörg Stein Lyrics by Jörg Stein, except „Sometimes“ and for „Die Schlange“ by Christoph Wielepp Tape artwork by Daniel Schörnig Tape cover photos by Daniel Schörnig Published by Henryk Gericke Liner notes by Henryk Gericke Remastered by Black Flag Mastering/ Friedemann Kootz © Music by Neu Rot except „Sometimes“ (traditional) recorded Oktober 1988, Leipzig Thanks to: Mike Stolle, Adrian Neumann, Nikolaus Michael, Horst Pfaff, Andreas Berger, Christoph Wielepp, Daniel Schörnig and to the unknown roommate Lachmund Christian Andersen, Michael Barthel, Sarah Baumann, Ralph Gabriel, Ronald Galenza, Jakob Geisler, Ulrike Geisler, Gerd Gericke, Elke Grabinski, Gabriele Herzog, Egmont Hesse, Sabine Jansen, Siegfried Männer, Bettina Matten-Gericke, Christian Morin, Frank Siewert, Philipp Strobel, Christoph Tannert, Stefan Widdess, Margarete Wohlan In memory of Michael Pfaff.

":Duett" - der Name ist Programm auf diesem Album, dem zweiten aus dem Hause ASP. Endlich kommen die Fans in den Genuss, auch dieses Werk als limitierte Picture-Vinyl ihr eigen nennen zu dürfen. Nicht nur verhalf das zweite Kapitel des Zyklus den Musikern zum finalen Durchbruch auf den Tanzflächen der Schwarzen Szene, es brachte damals auch viel Licht in die Geschichte rund um den Schwarzen Schmetterling. So wurde die Rahmenstory vor allem in der trancigen "Kleinen Ballade vom Schwarzen Schmetterling" erläutert (und von Pit Hammann im gleichnamigen Bilderbuch kongenial bebildert), und in "Versuchung" wohnt die Zuhörerschaft der Zwiesprache zwischen zwei Wesen bei, die nicht mit- und auch nicht ohne einander können. Eine Zerrissenheit, die vielen Hörern eine ebenso nachvollziehbare wie spannende Reise ins eigene Ich ermöglichte.

Auch das energetische "Kokon" - wie der Rest des Albums noch stark vom elektronischen Sound der Anfangstage geprägt - erhielt einen Ehrenplatz in den Herzen der Fans und stellt besonders im Live-Kontext einen veritablen Nackenbrecher dar. Weitere All-Time-Fan-Favourites wie das epische "Schwarz" oder das zornige "Besessen" runden das Gesamtkunstwerk ab und belegen schon zu Beginn ihrer Karriere die musikalische und textliche Vielseitigkeit des ASP'schen Œuvres.

"Hast du mich vermisst?" - mit dieser selbstbewussten Frage starteten ASP im Jahr 2000 ihre Karriere. Nun erscheint ihr Debütalbum auf Picture-Vinyl. Viel ist seitdem geschehen im Hause ASP. Viele Geschichten wurden erzählt, durch viele Jahre sind wir gemeinsam gereist, haben den Dunklen Turm besucht, sind als Raben durch die Lüfte geschwebt, haben im Kerker gesessen, an Klippen gehangen und im Horror-Hotel gewohnt, sind durch die Tiefsee getaucht und wieder an Land gespült worden. Und all dies begann mit der Frage, die nach über zwei Jahrzehnten aktueller scheint denn je: "Hast du mich vermisst?" - denn die Musiklandschaft braucht heute dringender als je zuvor einen musikalischen Geschichtenerzähler, der es schafft, mehr als nur Hintergrundbeschallung zu liefern, nämlich ein klangliches Refugium für alle, die mehr suchen als nur Oberflächlichkeiten und Wohlfühlgedudel.

Doch auch wenn der Stil der Band sich weiterentwickelt hat und die Themen- und Bilderwelten immer stärker ausgeweitet wurden - jedem Anfang wohnt ein Zauber inne, und Songs wie "Schwarzer Schmetterling" und "Und wir tanzten (Ungeschickte Liebesbriefe)" dürfen auch heute noch, nach über zwei Dekaden, auf kaum einer Setlist fehlen. Publikum und Musiker ergehen sich auf Konzerten gleichermaßen in Emotionalität und Bedeutsamkeit dieser Lieder. Und auch weitere Hits wie "Sing Child" oder "Where Do the Gods Go?" erfreuen sich nach all den Jahren - unter anderem ihrer ausgesprochenen Tanzbarkeit wegen - außerordentlicher Beliebtheit. Das belegt den Kultcharakter dieses Erstlingswerkes und des ersten Kapitels des Schmetterlingszyklus.

"Javelin" verbindet musikalischen Schwung mit emotionaler Weite. Manchmal hat man das Gefühl, dass das Album von einem großen Team produziert wurde - aber das ist es ganz und gar nicht: Fast jeder Sound hier ist das Ergebnis von Stevens zu Hause, der selbst etwas geschaffen hat, das sich manchmal wie ein Zeugnis der Studio-Opulenz der 70er Jahre in Los Angeles anfühlt. Die Beiträge stammen von einem engen Freundeskreis - Adrienne Maree Brown, Hannah Cohen, Pauline Delassus, Megan Lui und Nedelle Torrisi -, die bei vielen Songs Harmonien beisteuern, sowie von Bryce Dessner, der bei "Shit Talk" akustische und elektrische Gitarre spielt. Der zärtliche und mystische Abschluss des Albums, "There's A World", wurde von Neil Young geschrieben. Während "The Ascension", das von der New York Times als "ein Schrei der Verzweiflung und ein Gebet um Erlösung" gelobt wurde, eine kunstvolle, aber dringliche Elektronik verwendet, um sich dem Moment zu nähern, beginnt "Javelin" wie ein Selbstporträt, detailliert und doch schlicht. Dies ist Stevens' intimstes Werk, das an "Seven Swans" oder "Carrie & Lowell" erinnert und den Hörer in die Nähe seiner inneren Abrechnung ruft. "Javelin" wird von einem 48-seitigen Booklet mit Kunst und Essays begleitet, die alle von Stevens geschaffen wurden, darunter eine Reihe von akribischen Collagen, zerschnittenen Katalogfantasien, Puff-Paint-Wortwolken und sich wiederholenden Farbfeldern. Die 10 kurzen Essays - abwechselnd lustig, tragisch, ergreifend, stumpfsinnig und spezifisch - bieten kleine Einblicke in Lieben und Verluste, die ihn und diese Lieder geprägt haben.

"Javelin" verbindet musikalischen Schwung mit emotionaler Weite. Manchmal hat man das Gefühl, dass das Album von einem großen Team produziert wurde - aber das ist es ganz und gar nicht: Fast jeder Sound hier ist das Ergebnis von Stevens zu Hause, der selbst etwas geschaffen hat, das sich manchmal wie ein Zeugnis der Studio-Opulenz der 70er Jahre in Los Angeles anfühlt. Die Beiträge stammen von einem engen Freundeskreis - Adrienne Maree Brown, Hannah Cohen, Pauline Delassus, Megan Lui und Nedelle Torrisi -, die bei vielen Songs Harmonien beisteuern, sowie von Bryce Dessner, der bei "Shit Talk" akustische und elektrische Gitarre spielt. Der zärtliche und mystische Abschluss des Albums, "There's A World", wurde von Neil Young geschrieben. Während "The Ascension", das von der New York Times als "ein Schrei der Verzweiflung und ein Gebet um Erlösung" gelobt wurde, eine kunstvolle, aber dringliche Elektronik verwendet, um sich dem Moment zu nähern, beginnt "Javelin" wie ein Selbstporträt, detailliert und doch schlicht. Dies ist Stevens' intimstes Werk, das an "Seven Swans" oder "Carrie & Lowell" erinnert und den Hörer in die Nähe seiner inneren Abrechnung ruft. "Javelin" wird von einem 48-seitigen Booklet mit Kunst und Essays begleitet, die alle von Stevens geschaffen wurden, darunter eine Reihe von akribischen Collagen, zerschnittenen Katalogfantasien, Puff-Paint-Wortwolken und sich wiederholenden Farbfeldern. Die 10 kurzen Essays - abwechselnd lustig, tragisch, ergreifend, stumpfsinnig und spezifisch - bieten kleine Einblicke in Lieben und Verluste, die ihn und diese Lieder geprägt haben.

Föllakzoid wächst durch Entschlackung und versucht mit jeder Platte, längere Zeiträume mit immer weniger Elementen zu füllen. Und wie der beste Techno, Kraut und Psychedelia im Laufe der Zeit bewiesen haben, ist manchmal der minimalste Rahmen das stärkste Gefäß für Transzendenz. Das ist es, was Föllakzoid mit V erreicht haben, ein immersives Werk, das den Hörer auf eine verführerische Reise direkt auf die Tanzfläche mitnimmt. Die kreative Perspektive der Band bestand schon immer darin, die narrativen, musikalischen und visuellen Paradigmen, die physische und digitale Vorstellungen prägen, zu verlernen, um eine metrische Zeit-Raum-Struktur zu schaffen, die sowohl den Autor als auch die Erzählung auflöst. Als kreatives Projekt der queeren und transsexuellen Künstlerin Domingæ hat die Band eine einzigartige Erfahrung in der Psychedelic-Rock-Szene gemacht. Im Gegensatz zu früheren Föllakzoid-Platten, die in einzelnen Takes mit der gesamten Band aufgenommen wurden, dauerte es einen Monat, um ihr neuestes Album V aus mehr als 70 einzelnen Stems zu erstellen. Gitarren, Bass, Schlagzeug, Synthesizer und Gesang wurden isoliert aufgenommen, und der Produzent Atom TM, der bei den Aufnahmen nicht anwesend war, wurde dann gebeten, die vier Sequenzen der Stems ohne jegliche Länge, strukturelle Einschränkungen oder Richtlinien neu zu organisieren. Die dem Spiel innewohnenden Möglichkeiten waren endlos und wurden doch durch die innere Logik des Spiels selbst und durch den Geist der Spieler zusammengehalten. V ist eine Übung, bei der es darum geht, mit der kleinstmöglichen Anzahl von Wörtern eine ausführliche Geschichte über nichts zu erzählen. Es ist eine Geschichte über die Elektrizität und den Code, den wir bewohnen - oder der uns bewohnen könnte - und die man sich mit herzzerreißenden Bässen, flirrenden Beats, kopfschüttelnden Melodien und einer unheilvollen Anziehungskraft vorstellen kann, die sich manchmal wie echte Hypnose anfühlt.

Sign Libra's third album Hidden Beauty is an intimate voyage through feminine nature, guided by the arts of subtext, musical collage, and mysterious allusions. Elegantly arranged, enigmatic, and mischievous, Hidden Beauty seeks to "release the invisible and bring fragility to the surface." From the rainforests of Closer to the Equator (Sounds of the Dawn, 2016 / Antinote, 2018) to the surreal lunar landscape of Sea to Sea (RVNG Intl., 2020), Agata Melnikova, the Latvian musician behind the Sign Libra symbol, has developed a signature blend of evocative composition with lyricless, ethereal vocalizing. Hidden Beauty attends to a closer space than her first two albums, a playfully layered pastiche of refined references, drawing musical inspiration from the assortment of Erik Satie, the early work of Mylène Farmer and Laurent Boutonnat, and 90s R&B. The first inklings of Hidden Beauty arrived in 2019, with the basic contours of the album sculpted in 2020 and early 2021. Like Sea to Sea, Hidden Beauty was invented as a solitary creative effort, but this time under uniquely hermetic impositions. Tethered to the world only by screen, the artist sought inspiration from an unlikely array of activities: new, unorthodox approaches at composing, learning French, a virtual pedagogical practice, and plenty of jubilant dancing in her flat, sunglasses on, to 90s dance music. Hidden Beauty moves inward from the distant spaciousness of Sea to Sea in favor of a "chamber-like" sound, reflecting the intimate environs of its creation. Balancing the New Age balletic resonance of Closer to the Equator and the cosmic-dancerly tracks of Sea to Sea, Hidden Beauty combines deft, postmodern arrangements with popular, contemporary suggestions. The reverb drenching her previous recordings is sponged up in the songs of Hidden Beauty, giving the exercises contained within a feeling of presence, and closeness. And always Agata's crystalline vocal furnishings, less a lead vocal than a first instrument, the ever-returning counterpoint in a beatific swirl. The other hidden elements of this work are plenty, and perhaps best left concealed for the listener's enjoyment. Or perhaps they are hidden in plain sight and sound, depending on what the puzzle pieces reveal to your imagination. Sign Libra's Hidden Beauty will be released in vinyl, Japanese import CD, and digital editions on November 3, 2023. A portion of the proceeds from this release will benefit Coral Guardian, a non-governmental organization working internationally and with local communities to protect coral ecosystems.

Apnea concludes an eventful 2023 with "Sulitkveteba EP" by Tbilisi's Hamatsuki. Recognized for past releases on Fantastic Planet and Mind Controller Rectifier, Hamatsuki crafts a three-track journey that explores the depths of music.

Fusing sustained lo-fi pads, ethereal gated echoing vocals, and entrancing trippy acid lines, this EP resonates with a nostalgic rave essence. Each track takes listeners on a vivid sonic adventure, capturing the spirit of bygone rave eras while infusing a fresh perspective into the beats.

Murdock will release his second album in January 2024. The first was released in 2018, collected 20 million streams, and reached radio in Belgium and abroad with a number of strong singles, partly thanks to guest appearances from UK legend Jenna G and reggae hero Errol?Dunkley.?Studio Brussel chose 'Make Me Stronger' and 'Different Way' for daytime radio, George FM in New Zealand played 'Dollars Aren't Cheap' so much that the track made it into the top 10 of the national Shazam list, and in the UK it was 'Double Dutch' with?Roni Size that convinced BBC Radio 1.?

This time he once again brings Sena Dagadu on board, with whom he scored his biggest hit to date: Can't Keep Me Down has almost 12 million streams and the title is tattooed on loads of body parts worldwide.?She will provide goosebumps again on the upcoming album with 'Reign'.?Omar Perry (son of!) gets on board for 'Fire Burning', which will also be the anthem of the upcoming Rampage edition in the Sportpaleis, Ayah Marar helps the euphoric 'Lost In You' to a dose of soul, and new talents Emilie Rachel and Medyk?steal the show on 'Living In The Moment' and 'Runaway' respectively, on which Murdock combines drum & bass with their pure songwriting skills.?Advance single 'Cola' has already done extremely well: 600,000 streams in a few months, and a lot of radio play in Belgium, New Zealand and United Kingdom.?The album is called X-Ray as each track represents a piece of the identity that makes Murdock a whole.

Die Jubiläumausgabe zum 30-jährigen Geburtstag des zeitlosen Meisterwerks von East Village!

Das zeitlose Meisterwerk 'Drop Out' von East Village erscheint nach 30 Jahren in einer eleganten Neuauflage. Das Album, eine Mischung aus süßen Mollakkorden, dylanesken Texten und folkigen Einflüssen, verbindet geschickt Vergangenheit und Gegenwart, und gilt als verlorener Klassiker der Ära. Ein Must-have für Liebhaber zeitloser Gitarren-Pop-Musik.

Some Female:Pressure right here with the latest NVST release; Silence Itself Is Noise! This is her debut for SSPB delivering a 6 track ep which are a reflection of her adventurous club sets, a well-balanced mix of powerful beats and expansive atmospheres haunted by skittering echoes of the dancefloor. Each track feels like fleeting memories of the club filtered through the human experience - flickering moments illuminated by strobes and shrouded in smoke, laced with the tang of sweat and psychedelics. Opener "Tiny Mistakes Feeling HOT (Hellisnotamyth version)" coalesces from curling vapors into infernal acid lines and rhythmic fragments that evaporate almost as soon as they appear. "The Devil Loves The Detail (Lucifer's Fire Version)" builds into an inescapable pulse amidst frayed synthesizers, pressure building to fever pitch before "The Danger Zone Of GFY (Freedom Version)" opens out into icy, astral synths. "Monster of Business (Style Edition)" shifts closer to the dancefloor with a slinking, syncopated groove, conversations from the smoking area or studio creeping in at the edges, before erupting into the frazzled bounce of "The Goat and the Night." "The Silence Itself is Noise (Nonstop Bass Version)" loops back once again to more cavernous atmospheres, warped bells and strafing melodic flourishes ringing out amidst fizzing distortion and skeletal percussion. Silence Itself is Noise doesn't clamour for attention, it necessitates it. Once again, NVST proves herself unafraid to challenge club orthodoxy, and unwilling to patronize listeners, instead making deft use of tension and release to create genuine moments of surprise and transcendence.

In den Jahren 1961 und 1962 hätte sich der Gitarrist Grant Green eigentlich auch gleich in Rudy Van Gelders Tonstudio in Englewood Cliffs als Untermieter einquartieren können. Denn in diesem Zeitraum war er dort an mehr als zwei Dutzend Einspielungen für Blue Note Records beteiligt. Die eine Hälfte machte er unter eigenem Namen, die andere Hälfte als Sideman von Größen wie Stanley Turrentine, Lou Donaldson, Hank Mobley, Ike Quebec, Horace Parlan und Baby Face Willette.
Um den Markt nicht zu übersättigen, sah sich Alfred Lion dazu gezwungen, einige von Greens Aufnahmen zu archivieren. Fünf von ihnen erschienen erstmals in den 1980ern. Darunter auch das im Januar 1962 entstandene Album “Nigeria”, das zu den unterbewerteten Juwelen des Gitarristen gehört. Zu erleben ist Grant Green auf ihm mit einer wirklich erstklassigen Band und einem ebenso exzellenten Repertoire (mit dem Sonny-Rollins-Klassiker “Airegin” und vier zeitlosen Standards).
BLUE NOTE TONE POET EDITION: Stereo, produziert von Joe Harley, komplett analog von Kevin Gray von den Originalbändern gemastert, RTI-Pressung (180g), stabiles deluxe tip-on jacket, wattierte Innenhülle.

Kepler is free” represent the brand new Athenian Urban Jazz scene in full. You may say that they actually started the whole scene with their debut album "Teegarden" by Veego Records, an instant sold out! Voted by local music portals as one of the best albums of 2020 and probably one of the best debuts ever when it comes to the Greek jazz game. “Kepler Is Free” jazz rock ensemble makes expansive music that straddles the line between '70s soul-jazz, alternative hip-hop, and experimental electronica.

The name of the band is inspired by a retired space telescope launched by NASA to discover Earth-size planets orbiting other stars. Named after astronomer Johannes Kepler. Founded in November of 2018 by Sokratis Tsentoglou (drums) who gathered George Migdanis (electric guitar), Nikiforos Nugent (keys), Spyros Zardas (trumpet) and Vasilis Alexopoulos (bass guitar), they all came together from different musical backgrounds in order to create original and groundbreaking material.

Commuting over their shared love of jazz and hip-hop, they composed their debut album, “Kepler”, with five tracks that highlighted their love for the music of GoGo Penguin, Badbadnotgood and Alfa Mist.

The fact that all the members were young and had not played in other Jazz bands before was something that shook the Greek Jazz community. ''Second Light'' was recorded in difficult conditions and was delayed quite a while until it was finished due to the pandemic.

The band played a handful of sold out shows in Athens over the last few months proving with their performance and the attendance that the band created a crossover from Jazz to pop audience. "Juno" track was a smash hit on legendary "En Lefko'' Radio station over the last two years. Worth to mention that just a month before the release of their second album Kepler is Free collaborated with LEX, one of the most famous rappers in Greece with the "Spike Lee" track.

Betty & The Code Red is a life and creative partnership between Benin-born Tunde Obazee and his girlfriend Betty. The pair grew up in Nigeria and would play all manner of instruments to entertain people at the local school before staying together as they went on to live in Italy and the US. Obazee performed at colleges and universities despite no formal training and eventually recorded a selection of tunes together including a small album on relatively new bits of gear like the Yamaha RX7. Especial has collated some of their best work across two new EPs, this being one of them.

DRIVETRAIN/Fairytale Turbo-charged to ignite any sound system with the ruthless energy of pure acid over subsonic frequencies is the impetus for a hypnotic vocal mantra. REOSC/Alarms A boisterous awakening, pounding with the quaking pulse that transmits bleeps and dings, effectively producing a warning signal to move your body.

CLOUDMASTERWEED/Sweet A mesmerizing groove opens with a hammering kick, directing a determined bassline, while chord progressions escort erratic female echoes.

TAKUYA YAMASHITA & TOMI CHAIR/Heaven’s Jungle Packed with rhythm, melody and shrewdly orchestrated pads, piano, and an unrestrained bass hook, a persuasive female voice captures the ambience.

In the midst of the pandemic, Enjoy Jazz Festival has developed a musical project whose members will be recruited new every year and then debut at a concert on UNESCO International Jazz Day, April 30. The members come from the jazz scene of the German state of Baden-Württemberg. "We wanted," festival director Rainer Kern stresses, "not only to revitalize the fragile network of outstanding creative minds, but also to rethink it artistically as a rolling system." Two experienced and renowned band leaders, Alexandra Lehmler and Erwin Ditzner, now curate an annually changing ensemble of outstanding artists of the most diverse provenance. As part of a voluntary commitment, the ensemble is to be organized in a sustainable, diverse, and, in three years at the latest, completely gender-equal
and climate-fair manner. Thus, as a commitment to the goals of the "European/Local Green Deal" (and with reference to the jazz standard "On Green Dolphin Street"), the name Green Dolphin Orchestra was created. Another special feature: The renowned Oriental Music Academy Mannheim (OMM), a long-standing partner of the Enjoy Jazz Festival, receives a white card, so that musicians with a migration background or protagonists from other musical cultures are always part of this "orchestra of many" and constantly expand its sound language.

The project has a free improvisation approach with changing personnel. "We actually even thought of drawing lots for the different formats within the band pool," explains saxophonist Alexandra Lehmler. "We decided against it in the case of the first concert and instead put together curated formations." And drummer Erwin Ditzner adds, "In principle, however, this procedure remains an option." It was important to the two of them to also mix the genres represented by the individual musicians in such a way that free space for something truly new could emerge. "We wanted to challenge ourselves," Lehmler sums it up. The only restriction: a time code was assigned to each sub-project. "Each formation was given a time limit, although it was possible to virtually override this limit by spontaneous
reshuffling," says Ditzner, explaining one central of the few rules. "In concrete terms, this meant that after eight minutes, the improvisation in progress was either ended or new musicians simply joined in the ongoing creative process, while others took themselves out of the game."

Alexandra Lehmler summarizes the artistic impact of the ensemble as follows: "We really cross-fertilize each other. In order to push this process even further, we forced ourselves when putting together the ensemble not to fall back on our 'favorite playing partners', i.e. musicians with whom one feels particularly at home. In other words, we consciously wanted to step out of our comfort zone with this project." The present pieces were recorded live in Heidelberg during the ensemble's premiere concert on the occasion of International Jazz Day on April 30, 2022.

Nachpresssung 2021 als Audiophile Black Vinyl! Doppel-LP auf schwarzem 180gr Vinyl. "Aufheben" oder "Aufhebung" ist ein deutsches Wort mit einigen scheinbar gegensätzlichen Bedeutungen. Über das bloße Aufheben eines Gegenstandes oder das Aufheben einer Regelung hinaus benutzt Hegel den Begriff, um zu erklären, was passiert, wenn These auf Antithese trifft. Als neues Album von THE BRIAN JONESTOWN MASSACRE wurde ,Aufheben" im Studio von Anton Newcombe in Berlin und in der berühmt-berüchtigten DDR-Radiostation ,Studio East" aufgenommen. Mit dabei: Matt Hollywood als Originalmitglied der Band. Außerdem versammeln sich hier Will Carruthers (SPACEMEN 3 , SPRITUALIZED) , Constatine Karlis (DIMMER) und Thibault Pesenti (ROCKCANDYS); zum Gesang trägt Eliza Karmasalo (auf Finnisch!) bei. Hier trifft sich der traditionelle Sound des BRIAN JONESTOWN MASSACRE mit vermischten östlichen Einflüssen und bringt die gesamte Verrücktheit mit, die man in den letzten 40 Jahren entdeckt hat. Das BRIAN JONESTOWN MASSACRE hat sich über die Jahre hinweg zu einer musikalischen Kommune für respektierte Musiker entwickelt und brachte seit den 90er Jahren große Bands hervor: BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB, THE WARLOCKS, THE SILVER ROCKETS, THE BLACK ANGELS, THE RAVEONETTES und THE DILETTANTES (um nur ein paar zu nennen) sprießen aus dem musikalischen Stammbaum des BRIAN JONESTOWN MASSACRES. Die Konstante: Frontmann Anton Alfred Newcombe.

This EP contains six tracks previously released as three 7" singles in 2003, and have not been available for almost two decades. Emerson Kitamura played his favourite songs from different eras and places with his organ equipped with bass pedals and accompanied by the legendary drum box TR-808.

Having had a long career playing keyboards in bands and sessions, Kitamura came to the fore in Japan with his self released 7" on his Bubblingnotes label. In 2018, he burst onto the international scene with his EP for EM Records, The Countryside Is Great, which gave him an opportunity to stretch out his inimitable style to make a bass/dub re-work of the Thai hit. The EP also debuted his collaboration with the guitarist/singer/songwriter/ mmm, with their cover of George McCrae's Rock Your Baby. The duo went on to release their LP Chasing Giants on Kitamura's label, and to grace Europe with a few legendary gigs.

This EP represents Kitamura's roots, with two Jackie Mittoo covers, some jazz evergreens, and a stellar version of the Lou Rawls classic

Der Detroit-Spucker Danny Brown ist nicht ohne Grund ein Fanfavorit. Nur wenige MCs haben die pure lyrische Wildheit in eine so fesselnde Persönlichkeit gehüllt. Dannys Beats und Reime sind berüchtigt, er wusste immer, wann er die Dramatik ankurbeln musste. In einer Zeit, in der sich Hip-Hop in zahllose Richtungen aufspaltete, schien Brown alles einer Wissenschaft zu verdanken – mit seinem bahnbrechenden Album XXX war er die Speerspitze einer Bewegung des avantgardistischen Internet-Hip-Hop, in dessen Schatten wir heute noch leben. Seitdem hat Brown Raver auf europäischen Festivals in Aufruhr versetzt, eine Brücke zwischen alten und neuen Rap-Königen geschlagen (Kollabos von Earl Sweatshirt bis Q-Tip) und ist mit den renommiertesten Underground-Labels für elektronische Musik verbunden. Und dabei ist er unerklärlicherweise er selbst geblieben ist, macht sich auch nicht die Mühe zu erklären, wie er das Gleichgewicht hält. QUARANTA beginnt endlich, den Vorhang zu öffnen und enthüllt die inneren Monologe eines Künstlers, der seine Fans seit über einem Jahrzehnt verblüfft. Browns sechstes Studioalbum, das während der Pandemie-Lockdowns im Jahr 2021 geschrieben wurde, ist autobiografisch und persönlich, wie man es vom MC selten zuvor gehört hat. 'Es gab nicht viel zu tun, also war es das Beste für mich', sagt er, 'alles, was ich durchgemacht habe, in die Musik zu integrieren.'

Der Detroit-Spucker Danny Brown ist nicht ohne Grund ein Fanfavorit. Nur wenige MCs haben die pure lyrische Wildheit in eine so fesselnde Persönlichkeit gehüllt. Dannys Beats und Reime sind berüchtigt, er wusste immer, wann er die Dramatik ankurbeln musste. In einer Zeit, in der sich Hip-Hop in zahllose Richtungen aufspaltete, schien Brown alles einer Wissenschaft zu verdanken – mit seinem bahnbrechenden Album XXX war er die Speerspitze einer Bewegung des avantgardistischen Internet-Hip-Hop, in dessen Schatten wir heute noch leben. Seitdem hat Brown Raver auf europäischen Festivals in Aufruhr versetzt, eine Brücke zwischen alten und neuen Rap-Königen geschlagen (Kollabos von Earl Sweatshirt bis Q-Tip) und ist mit den renommiertesten Underground-Labels für elektronische Musik verbunden. Und dabei ist er unerklärlicherweise er selbst geblieben ist, macht sich auch nicht die Mühe zu erklären, wie er das Gleichgewicht hält. QUARANTA beginnt endlich, den Vorhang zu öffnen und enthüllt die inneren Monologe eines Künstlers, der seine Fans seit über einem Jahrzehnt verblüfft. Browns sechstes Studioalbum, das während der Pandemie-Lockdowns im Jahr 2021 geschrieben wurde, ist autobiografisch und persönlich, wie man es vom MC selten zuvor gehört hat. 'Es gab nicht viel zu tun, also war es das Beste für mich', sagt er, 'alles, was ich durchgemacht habe, in die Musik zu integrieren.'

Erster Release der Light In The Attic Re-Issue Serie zu Ehren von LEE HAZLEWOOD mit Stücken von so essentiellen Alben wie ,Cowboy In Sweden". Mit Duetts mit Suzi Jane Hokom, Ann Margret und Nina Lizell. Extensive Linernotes und bisher ungesehene Photos. Mit seinem Schnurrbart und dem klingenden Bariton war LEE HAZLEWOOD einer der Stars der späten 60er Jahre. Obwohl er wahrscheinlich am bekanntesten wegen seiner Arbeit mit NANCY SINATRA ist (er schrieb ihren Megahit ,These Boots Are Made For Walking"), leistete HAZLEWOOD auch fernab dieser besonderen Glamourkönigin beachtliche Arbeit und fand später große Fans in BECK, SONIC YOUTH und JARVIS COCKER. Für den Record Store Day 2012 präsentiert Light In The Attic den Startpunkt einer Anthologie mit ,Singles, Nudes&Backsides", die LEEs beste Solosongs und Duetts seines Lee Hazlewood Industries Sublabels (LHI) versammelt. Die Serie wird sich Material von LHI widmen (das hier zum ersten Mal von den analogen Originaltapes neu gemastert wurde), zusammen mit LEEs Output bei anderen Labels, Raritäten, unveröffentlichten Schätzen und den Filmen von Torbjörn Axelman. Man muss nur das Cover anschauen: umringt von nackten Mädchen, die alle einen unechten Schnurrbart tragen, spielt HAZLEWOOD im Anzug leicht unsouverän den Playboy. Exakt wie dieses Photo zeigen auch die Songs einen gespaltenen Mann: er ist der zärtliche Romantiker, der gebrochene Loser und der zerfurchte Cowboy zugleich.

When it comes to wild men of rock, they didn’t come any wilder than Newcastle’s Animals and their larger-than-life frontman Eric Burdon. His distinctive rasp was instrumental in taking the group to the top of the transatlantic charts; 1964’s ‘House Of The Rising Sun’ . followed by ‘I’m Crying’, and covers of Nina Simone’s ‘Don’t Let Me Be Misunderstood’, Sam Cooke’s ‘Bring It On Home To Me’, and Mann & Weil’s ‘We Gotta Get Out Of This Place’.

Despite splitting from his four bandmates in late 1966 and relocating to the USA, Eric retained the group name and put together a different line-up. These New Animals, turned in some searing Acid-Rock in the shape of ‘Spill The Wine’ and ‘San Franciscan Nights’, the latter a paean to Burdon’s adopted home that made the Top Ten Charts on both sides of the Atlantic.

Good things take time. What’s 17 years? Not even a quarter of Keith Richards! 17 years lay between Heiko Voss’ debut album “Call Me Killer” and the incredible follow-up “3:30 Minutes To Live”, which saw the light of day in 2022 on Michael Mayer’s “other label” IMARA. There are serious voices saying that the 80s were only really complete with the release of this album. Now it took the blink of an eye of a year for the remixes to be finished. And they turned out so well that Michael Mayer from KOMPAKT licensed the “3 Remixes for Heiko Voss” without further ado.

Running back guru GERD JANSON was an early adopter of the album. Highly motivated, he twirls “Follow Your Line” rhythmically somehow in the direction of Kate Bush’s “Running Up That Hill”. How did he do that? Never mind. It grooves like crazy and keeps even larger floors moving.

ADA, the Hamburg grand dame of techno pop, has taken on the in tongue speaking funk banger “Talking Man” and dipped it in fairy dust. The result is probably the most sensational, soulful club track ever. Honestly.

The package is rounded off with a powerful Dub Version of “Follow Your Line” by the IMARA and KOMPAKT boss himself. Because he can do it.

Open your heart, let the remixes in.

Gut Ding will Weile haben. Was sind schon 17 Jahre? Nicht mal ein Viertel Keith Richards! 17 Jahre lagen zwischen Heiko Voss’ Debutalbum “Call Me Killer” und dem unglaublichen Nachfolger “3:30 Minutes To Live”, der 2022 auf Michael Mayers “anderem Label” IMARA das Licht derWelt erblickte. Es gibt ernstzunehmende Stimmen, die besagen, dass die 80er Jahre eigentlich erst mit der Veröffentlichung dieses Albums vollendet waren. Nun hat es einen kurzen Wimpernschlag von einem Jahr gedauert, bis die Remixe fertig waren. Und die sind so gut geworden, dass Michael Mayer von KOMPAKT die “3 Remixe für Heiko Voss” kurzerhand lizenziert hat.

Ein “early adopter” des Albums war Running Back Obermotz GERD JANSON. Top motiviert zwirbelt er “Follow Your Line” rhythmisch irgendwie in Richtung Kate Bush’s “Running Up That Hill”. Wie hat er das nur gemacht? Egal. Es groovt wie Bolle und hält auch größere Floors in Bewegung.

ADA, die Hamburger Grand Dame des Techno Pop hat sich des in Zungen sprechenden Funk Kloppers “Talking Man” angenommen und ihn ordentlich in Feenstaub getunkt. Dabei entstand der wohl sensationellste, soulfulste Club Track ever. Ehrlich.

Abgerundet wird das Paket mit einer kräftigen Dub Version von “Follow Your Line” vom IMARA bzw. KOMPAKT Boss selbst. Weil er’s kann.

Herzklappen auf, Remixe rein.

Jordan Munson ist ein Komponist, Performer und Multimedia-Künstler. In seinen Werken erforscht er die Erinnerung und unsere Beziehung zur Technologie, und es heißt, dass er "akustische Melodien und elektronische Rhythmen mit aufregender Absicht verschmilzt" (The New York Times). Seine Kompositionen beruhen auf einer Ausbildung in Perkussion, Improvisation, Pop und Sounddesign und stellen subtile Landschaften mit reichhaltigen Texturen und treibenden Melodien einander gegenüber. Munson setzt Technologie ein, um natürliche Klänge zu interpretieren und umgekehrt, wobei er sich auf die Übertragungsverluste konzentriert, die durch diese ständige Neusynthese entstehen. "Heartless Fools" wurde 2018 in den Greenhouse Studios in Reykjavík, Island, aufgenommen. Seit diesen ersten Aufnahmen ist die Musik durch weitreichende Zusammenarbeit mit Musikern aus Jazz, Klassik und Pop gewachsen. Zu den Künstlern gehören das experimentelle Pop-Trio Square Peg Round Hole, die Sänger*innen Isaiah Robinson und Hanna Benn sowie die isländische Cellistin Pórdís Gerdur Jónsdóttir. Während die Musik selbst nicht politisch sein soll, bezieht sich der Titel "Heartless Fools" auf die Reaktion von zwei Personen auf die aktuelle politische Landschaft. Die erste arbeitet sich durch Schock und Trauer, während sie die Realitäten dieser Welt wahrnimmt, und versucht, dem Ganzen einen Sinn zu geben. Die andere, angeheizt durch einen Verlust der kulturellen Identität, ist voller Wut, die sie antreibt, unmenschliche Dinge zu tun. Dies zeigt sich in der Musik als Kampf zwischen Ordnung und Chaos, Kontemplation und Ungeduld. Die Werke stehen in einem ständigen Spannungsfeld, sowohl intern und miteinander.

Cat Stevens veröffentlichte 1967 sein Debütalbum „Matthew & Son“ und etablierte sich damit in der FolkClub-Szene. Der Musiker aus dem Herzen Londons erreichte mit Matthew & Son Platz 7 der britischen Charts. Die Singles ”I Love My Dog” und ”Matthew & Son” - letztere erreichte Platz 2 in Großbritannien - machten ihn zum Teenie-Idol.

Gleichzeitig wurden Cats Songs von anderen Künstlern gecovert, zum Beispiel von The Tremoloes, die mit ”Here Comes My Baby” ebenfalls 1967 einen Hit hatten, der seinen Ruf als begnadeten Songwriter begründete.

Standing In The Light, das viel geliebte dritte Album von Level 42, ist wieder als LP in
einer streng limitierten audiophilen Gold-Vinyl-Pressung erhältlich.
Level 42 - der Bassist und Sänger Mark King, der Keyboarder und Sänger Mike Lindup,
der Gitarrist Boon Gould, der Schlagzeuger und Texter Phil Gould und der Studiotüftler
Wally Badarou - waren 1983 angesehene Überlebende der Britfunk-Explosion der frühen
80er Jahre, hatten aber noch nicht den ganz großen Durchbruch geschafft. Live waren sie
eine unübersehbare Attraktion, aber ein echter kommerzieller Erfolg blieb ihnen verwehrt.
Polydor erkannte dies und schickte die Gruppe nach LA, um mit Larry Dunn und Verdine
White von Earth, Wind & Fire zu arbeiten und ihrem Sound eine zusätzliche Dimension zu
verleihen.
Es sollte jedoch kein EWF-Horn- und Mystikfest werden; Standing In The Light optimierte
und kommerzialisierte den Sound der Gruppe, ohne dabei ihre einzigartige britische
Interpretation von Jazz-Funk zu verlieren. Out Of Sight, Out Of Mind war die erste
Singleauskopplung des Albums und verpasste nur knapp die britischen Top 40; die
nächste Veröffentlichung bescherte der Gruppe jedoch ihren ersten Top-10-Hit und einen
Vorgeschmack auf den Erfolg, den sie in den kommenden Jahren genießen sollte. Living It
Up (The Sun Goes Down) war ihr erster Top-10-Hit im Vereinigten Königreich und ist ein
funkbasierter Knaller. Infolgedessen war Standing In The Light das erste Top-10-Album
von Level 42. Es enthält auch das intensive, politische I Want Eyes, das Lieblingsstück
von Schlagzeuger Phil Gould in Zusammenarbeit mit Mark King, sowie fünf weitere
Beispiele für den einzigartigen Groove der Gruppe

Repress!

Immerse yourself into the universe of orcs, hobbits and elves through the soundtracks of The Hobbit & The Lord of the Rings with this limited edition 2LP.

Emmavie is one of the London R&B's scene most exciting talents - equally shining as both a leading vocalist and a one-of-a-kind producer. Known for her collaborations with Alfa Mist, Soulection, The Alchemist, IAMNOBODI, ROMderful and an outpouring of public support from respected names the like DJ Jazzy Jeff, Phonte, and Knxwledge - Emmavie has quickly become the talk of the town in many music circles at the moment, with her refreshingly unique original production (think late 90's Timbaland meets neo-soul era J Dilla), sharp writing skills, and a voice that instantly pulls you in.

Im Gepäck haben sie ihr viertes Studioalbum ‚Expedition One‘, welches die fiktive Geschichte des Lebens auf unserem Planeten im Jahr 2055 erzählt. Der gläserne Mensch ist bittere Realität geworden, körperliche und psychische Erkrankungen bestimmen zunehmend mehr unser Dasein. Angeführt von fünf Kommandanten plant ein Team aus abtrünnigen Mitarbeitern von Geheimdienst, Militär und führenden Technologieunternehmen eine Überlebensexpedition zu fernen Planeten. Ihre Mission: die Menschheit von der zerstörten Erde in eine neue Welt zu bringen, um neues Leben zu schaffen. ‚Expedition One‘ kommt am 19.01.2024 als elegant farbige Ltd. Doppel-Vinyl, als Digipak sowie digital und begeistert mit einer Vielzahl abwechslungsreicher Kompositionen und einer intelligenten Sci-Fi-Story, die aktueller kaum sein könnte.

Black Grape, eine Band, die nur in Manchester entstehen konnte, melden sich mit dem brandneuen Album ORANGE HEAD zurück. Shaun Ryder (Happy Mondays) hat sich vom wilden jungen Rabauken zu einem britischen Nationalschatz entwickelt. Ihm zur Seite steht Rapper Paul Leveridge aka Kermit. Black Grape gelten als eine der innovativsten und kultigsten Bands der letzten 25 Jahre. Sie hatten vier Top-10-Singles, ihr Debütalbum 'It's Great When You're Straight… Yeah' schoss 1995 direkt auf #1 der UK Charts und wurde mit Platin ausgezeichnet. Der Nachfolger 'Stupid Stupid Stupid' erreichte 1997 Gold. Black Grape waren schon immer ein düsteres, kosmisches musikalisches Puzzle, das Rock, Hip-Hop, Acid House, psychedelischen Pop und Reggae mit Ryders Gossenpoesie vermischte, vorgetragen in seinem unnachahmlich-hysterischen Stil.

Die Crystal Fighters melden sich mit ihrem fünften Album „LIGHT+“ zurück! Das Konzept hinter „LIGHT+“ war einfach: Eine Neu-Definition der Crystal Fighters, indem sie zu ihren Grundwerten zurückkehren. Daher ist ihr neues Album voller Ideen – von Rave-Workouts bis hin zu tropischem Pop, von Anklängen an kolumbianischen Cumbia bis hin zu köstlichen Popmelodien. „Mehr Licht. Mehr Positivität. Mehr Klarheit. Wir alle brauchen mehr Hoffnung in unserem Leben.“ Crystal Fighters sind wie ein Lichtstrahl in der Dunkelheit – bald geht die Sonne auf und die Party kann beginnen. Passend dazu erscheint das Album auf „Glow In The Dark“ Vinyl und als CD!

LA-based composer/arranger E. Lundquist (aka Eric Borders) returns with ‘Art Between Minds’. Having cut his teeth in the LA hip-hop and beats scene and explored realms of cosmic-funk under previous monikers, E. Lundquist’s music displays a rich tapestry of influences including the cinematic & experimental jazz-infused library music that influenced his previous LP ‘Multiple Images’. Now he is back with another ample helping of his hallucinogenic sonics, utilizing a bevy of vintage gear to replicate that warm glow of ’70s jazz-funk. From the Fender Rhodes MKI to the ARP Odyssey, to the Mellotron, the keys and synths he employs on these tracks display a genuine appreciation for the groove-driven music of The ‘Me” Decade.

The album plays like the score to a cult classic B-movie. The sun-drenched haze of “Soliloquy” could easily be what you hear during the calm before the storm in a Blaxploitation flick and the laidback crawl of “Euphoria” seems ripped right out of a fuzzy ‘70s blue movie. But there is a certain sophistication here, like the way the horn section, slinky guitar, and trippy synths combine on “Escape” to sound like liquid one moment and like a summer breeze the next.

While E. Lundquist’s artistry will eventually take him to new plateaus of sound, where he is right now is undoubtedly a high watermark in his career. He has become a torchbearer for jazz-funk in a new jazz revolution, updating the sub-genre with his delicate balance of digital and analog elements that will easily appeal to fans of Kamaal Williams, Surprise Chef, BADBADNOTGOOD, Khurangbin, Robohands and similar.

Repress 2024

Servus everybody!

Why "the hell" didn't anyone think of this before? It was so obvious: When the same music goes the same way, the truth always lies on the turntable.

KOMPAKT presents the long-awaited "two-tracker", cold-pressed and remixed. The Voigt brothers meet Helmut Geier and vice versa, or: Kölsch meets Löwenbräu, because we stand by you, star of the south.

So let's welcome the megahit "W.I.R." by Wassermann from 2000 in a brand new DJ Hell remix, and a remix by Voigt & Voigt of DJ Hell's "Anything Anytime" anthem from 2017. Two classics that go down like liquid gold. It comes from the heart.

Ja, Servus mitanand!

Warum ist da eigentlich niemand vorher d’rauf gekommen, es lag doch immer auf der Hand: Wenn gleiche Musik denselben Weg geht, liegt die Wahrheit immer auf dem Plattenteller.

KOMPAKT präsentiert Euch den lang erwarteten Zweiteiler, kalt gepresst und geremixt. Die Voigt-Brüder treffen auf Helmut Geier und vice versa, oder: Kölsch trifft auf Löwenbräu, denn mer stonn zo Dir, Stern des Südens.

Begrüßen wir also den Megahit "W.I.R." von Wassermann aus dem Jahr 2000 im neuen DJ Hell-Remix und den Remix von Voigt & Voigt zu Hells "Anything Anytime"-Hymne aus dem Jahr 2017. Zwei Klassiker, die runtergehen wie flüssiges Gold. Et kütt vun Hätze, oder wie der Bajuware sagt: ’S kimmd vo Herzn.