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Following up their 2020 EP Barcelona IRREAL delivers eight troglodyte anthems of radikal hardcore punk. Borrowing heavily from the Hear Nothing era DISCHARGE and echoing equally Suomi classics DESTRUKTIONS/ MELLAKKA and AOQ demo era CRO-MAGS, IRREAL creates a maelstrom of hypnotic feedback. Era Electrónica Catalan and Spanish anarchist lyrics bind the bands primitive sonic assault, delivering a modern hardcore punk record without an ounce of modern attitude. Punk as it is meant to be; nasty, aggressive, political and uncompromising. Recorded, mixed and mastered by Markus at No Master's Voice in Copenhagen. Cover art by Arturo PS. IRREAL will be touring the Iberian Peninsula early June with TENSÖ.

Legenden hat die Heavy-Metal-Welt so einige hervorgebracht. Aber keine ist wie Mat Sinner. So viel Überzeugung, Herzblut und Aufopferungsgabe, so viel puren Heavy-Metal-Geist, so viel Hingabe findet man normalerweise nicht gebündelt in einer einzelnen Person.
Seit 1982 frontet er die nach ihm benannte Band, mit der er sich jetzt triumphal in Form von »Brotherhood« zurückmeldet: ein massives Album, dessen Titel ebenso selbsterklärend ist wie die Mission seines Schöpfers. In Eigenregie produziert und von Jacob Hansen (u.a.
VOLBEAT) gemixt/gemastert, ist sie eine Platte, die die bandinterne Bruderschaft ebenso unter dem Herzen trägt wie die Bruderschaft der weltweiten Heavy-Metal-Gefolgschaft. "Wir gehören zusammen - und
dieses Album soll das zum Ausdruck bringen," so Sinner.

Ins Rampenlicht gerückt wird jene Gefolgschaft insbesondere auch durch die zahlreich auf dem Album vertretenen Gäste (s.u.). Mit Hooks, Riffs und präziser Härte revitalisiert Mat Sinner Tugenden, die er vor vier Jahrzehnten miterfand. Die auf »Brotherhood« vertretene
Wucht und Härte sowie die messerscharfen Riffs werden
selbstAngehörige des innersten SINNER-Fanzirkels aus
den Latschen kippen lassen.

Legenden hat die Heavy-Metal-Welt so einige hervorgebracht. Aber keine ist wie Mat Sinner. So viel Überzeugung, Herzblut und Aufopferungsgabe, so viel puren Heavy-Metal-Geist, so viel Hingabe findet man normalerweise nicht gebündelt in einer einzelnen Person.
Seit 1982 frontet er die nach ihm benannte Band, mit der er sich jetzt triumphal in Form von »Brotherhood« zurückmeldet: ein massives Album, dessen Titel ebenso selbsterklärend ist wie die Mission seines Schöpfers. In Eigenregie produziert und von Jacob Hansen (u.a.
VOLBEAT) gemixt/gemastert, ist sie eine Platte, die die bandinterne Bruderschaft ebenso unter dem Herzen trägt wie die Bruderschaft der weltweiten Heavy-Metal-Gefolgschaft. "Wir gehören zusammen - und
dieses Album soll das zum Ausdruck bringen," so Sinner.

Ins Rampenlicht gerückt wird jene Gefolgschaft insbesondere auch durch die zahlreich auf dem Album vertretenen Gäste (s.u.). Mit Hooks, Riffs und präziser Härte revitalisiert Mat Sinner Tugenden, die er vor vier Jahrzehnten miterfand. Die auf »Brotherhood« vertretene
Wucht und Härte sowie die messerscharfen Riffs werden
selbstAngehörige des innersten SINNER-Fanzirkels aus
den Latschen kippen lassen.

Legenden hat die Heavy-Metal-Welt so einige hervorgebracht. Aber keine ist wie Mat Sinner. So viel Überzeugung, Herzblut und Aufopferungsgabe, so viel puren Heavy-Metal-Geist, so viel Hingabe findet man normalerweise nicht gebündelt in einer einzelnen Person.
Seit 1982 frontet er die nach ihm benannte Band, mit der er sich jetzt triumphal in Form von »Brotherhood« zurückmeldet: ein massives Album, dessen Titel ebenso selbsterklärend ist wie die Mission seines Schöpfers. In Eigenregie produziert und von Jacob Hansen (u.a.
VOLBEAT) gemixt/gemastert, ist sie eine Platte, die die bandinterne Bruderschaft ebenso unter dem Herzen trägt wie die Bruderschaft der weltweiten Heavy-Metal-Gefolgschaft. "Wir gehören zusammen - und
dieses Album soll das zum Ausdruck bringen," so Sinner.

Ins Rampenlicht gerückt wird jene Gefolgschaft insbesondere auch durch die zahlreich auf dem Album vertretenen Gäste (s.u.). Mit Hooks, Riffs und präziser Härte revitalisiert Mat Sinner Tugenden, die er vor vier Jahrzehnten miterfand. Die auf »Brotherhood« vertretene
Wucht und Härte sowie die messerscharfen Riffs werden
selbstAngehörige des innersten SINNER-Fanzirkels aus
den Latschen kippen lassen.

Dem großen Publikum ist der Autor Max Goldt ein Begriff. Anders der Musiker Max Goldt, welcher in den 1978 über eine Kleinanzeige auf den Gitarristen und Songschreiber Gerd Pasemann stoß. Aus ihrer gemeinsamen Zusammenarbeit ist in den 80er-Jahren das musikalisch kontrastreiche Projekt Foyer des Arts entstanden: "Melancholische, manchmal resignative Stücke wechselten sich wie selbstverständlich mit komischen und surrealen ab", schreibt Max Goldt im Booklet zu seinem CD-Boxset "Draußen die herrliche Sonne". John Peel gefiel Foyer des Arts so gut, dass er nicht nur alle Stücke des Albums "Die Unfähigkeit zu Frühstücken" mehrmals in seinen Sendungen spielte, sondern das Duo schlussendlich auch als eine der wenigen deutschsprachigen Bands zu einer der legendären Peel Sessions einlud. 1986 erschien, mit zwei Jahren Verspätung, die "Unfähigkeit zu frühstücken", das zweite Album von Foyer des Arts, welches dem britischen Radio-DJ John Peel so gut gefiel, dass er in jeder seiner Shows ein Stück davon spielte. Schließlich wurden Gerd Pasemann und Max Goldt eingeladen, eine John-Peel-Session aufzunehmen, was für eine deutschsprachige Band eine seltene Ehre darstellte. Im Oktober 1986 reiste das Berliner Duo nach London und tat sich mit drei Mitgliedern der umtriebigen Formation "The Higsons" zusammen, die bereits viel Erfahrung als Sessionmusiker hatten und bei nur einer Probe die vier mitgebrachten Songs von Foyer des Arts rasch lernten, zwei von dem bereits erwähnten Album und zwei ganz neue, "Könnten Bienen fliegen" und "Frauen in Frieden und Freiheit". Die Aufnahmen fanden am folgenden Nachmittag in dem legendären Maida Vale Studio 4 statt, wo alle anderen John-Peel-Sessions ebenfalls entstanden. "Es war eine sehr entspannte Atmosphäre, und die Musiker waren exzellent", erinnert sich Max Goldt, "und hinterher traf man sich mit John Peel in "The Vine Bar", seinem Stammlokal". Im Jahre 2000 fragte Goldt bei der BBC nach dem Verbleib der Session Tapes und bekam die Auskunft, sie wären höchstwahrscheinlich gelöscht worden, was ihn nicht wunderte, denn die BBC war berüchtigt für ihre schlechte Archivierungspolitik. Die haben ja sogar komplette Dusty-Springfield-Shows gelöscht. Zwanzig Jahre später jedoch hat der Kölner Tontechniker Tom Morgenstern mit Hilfe einer Kollegin von der BBC die verschollen geglaubte Aufnahme aufgestöbert, und hier ist sie nun, 35 Jahre später, in alter Frische.

THE NOW LEGENDARY 1985 UK TV SPECIAL CELEBRATING THE 30TH
ANNIVERSARY OF THEWORLD-RENOWNED TRACK IS BACK ON VINYL.
Written in October 1955 & released in January 1956, ‘Blue Suede Shoes’
was an instant classic earning a place in the history books when it
became the first million-seller to crossover from the Country chart to the
Pop & R&B listings
Swiftly covered by Elvis Presley & later The Beatles, the song remains a
Rock’n’Roll anthem. Fitting then that Carl Perkins, the man who wrote & first
performed ‘Blue Suede Shoes’, should be accorded a television special to
celebrate its 30th anniversary. On 21st October 1985 at London’s Limehouse
Studios a superstar cast of friends & fans joined Carl Perkins to record a TV
special celebrating his career & the classic songs that he had recorded during it.
Perkins was joined on stage by George Harrison & Eric Clapton along with other
stars including Dave Edmunds, Slim Jim Phantom & Lee (Stray Cats) Rocker plus
Earl Slick & singer Rosanne Cash, daughter of the legendary Johnny Cash.
George Harrison struck up a lasting friendship with Perkins & much of the
continued interest in the programme lies in the prominent role played by Harrison.
The former Beatle takes lead vocal on several tracks as well as playing guitar &
having a great time. The Beatles connection is even stronger in that Harrison is
joined by former colleague Ringo Starr with the show representing their first
reunion gig since the mid-1970’s.
This album captures the concert & the All- Star band performing Perkins’ finest
songs including ‘Blue Suede Shoes’, ‘That’s Alright Mama’ & ‘Whole Lotta Shakin’
Going On’. CARL PERKINS & FRIENDS FEATURING GEORGE HARRISON, ERIC
CLAPTON & MORE AVAILABLE VIA MADFISH.

Classic Double Black Vinyl, DL card. The Nightingales' last original full-length for two decades stands as the final masterpiece postpunk album released before the C86 era. Back on vinyl for the first time in over 3 decades, the reissue is updated to include the whole of the 1985's 7" single "It's A Cracker" and "What A Carry On" 12" EP, plus a clutch of rare tracks never before released on vinyl and a bit of history from Robert Lloyd. Despondently anti-Thatcher and with an air of hopelessness, In The Good Old Country Way has the sense that time was allowed for experimentation and reflection during its creation. Expectations were high as The Nightingales released their sole Vindaloo album and possibly the most underrated album of the postpunk era. The opening number is heavy on the hoedown, not unlike records their pals The Mekons would release around the same time - a rootsy underlayment to songs of wit, energy and observation, adaptable both to lengthy groove-based observation and high-octane rants alike. Maria Smith's violin weaves in and out of songs, while the rhythm section of Pete Jenner (bass) and Ron Collins (drums) hold what might have been a disjointed mess, but it's multi-instrumentalist / arranger Pete Byrchmore who shares the spotlight with Lloyd. "It's A Cracker" stuns, not stylistically dissimilar to their recent records for the first ninety seconds, though featuring a bridge hinting at new developments in their sound which could be heard on the next Nightingales release, ‘What A Carry On’. A sublime record, it features the powerful title track in two version, one of the band's best songs, "Comfort And Joy", and the tenderly alienating "First My Job". "Lloyd's cracked it. A fucking good album." Mark E. Smith, The Fall.

Experimental elements of Baroque and Chamber Pop make up this indie
rock band from Phoenix, Arizona - Emby Alexander creates a focused
aesthetic through thoughtful craft of self-produced music, art, and film
Even while constantly seeking out new textures, techniques, and feelings, SOARS
ERA epitomizes the Emby Alexander vibe. Consummate explorers and
overachievers, the four-piece have swum further than their already wild farthest
reaches and established a new spiritual psychedelic home.

Für ihr zweites Album 'TORSCHLUSSPANIK!' wählte die Liverpooler Psychedelia-Band The Fernweh einen schlankeren, direkteren Ansatz für das Songwriting. Statt Eindrücke oder Abstraktionen zu malen, werden Botschaft und Songs in kräftigen, primären Farben schnell auf den Punkt gebracht. 'TORSCHLUSSPANIK!' bringt Frustration und Verwirrung über den Zustand der Dinge zum Ausdruck, bekräftigt aber auch seinen Glauben an die reiche und komplizierte Erfahrung der Menschheit.

Gleich mit dem hymnischen Opener „Moria“ weiss "Unholy Cross" mit zu reißen und lässt nicht wieder los. Hier ist auch erstmals der neue Sänger Patrik „Pata“ Johansson, in Aktion zu bewundern. Sein Organ ist einfach prädestiniert für diese Art von Musik und verleiht „Unholy Cross“ zusätzliche Tiefe. So werden Songs wie die emotionale Halbballade „Brothers Of War“ (vielleicht die schönste dieser Art seit Hammerfall´s „Glory To The Brave“) und das starke „The Ones We Left Behind“, aber auch Up-Tempo-Song Marke „In The Dead Of Night“ zu herausragenden Kompositionen eines durchgängig auf Höchstniveau operierenden Albums, welches nun endlich wieder als Vinyl erscheint.

(2022 Reissue)

Roxy Music veröffentlichen am 13. Mai eine neue Half-Speed gemasterte Version ihres Albums „Stranded“.

Der dritte Longplayer von Roxy Music bescherte der Band nicht nur ihr erstes Nummer-1-Album in Großbritannien, sondern war auch das erste, das einem breiteren US-Publikum bekannt wurde. „Stranded“ ist eine gelungene Sammlung von Songs, die von Anfang bis Ende begeistert - vom Album-Opener und der HitSingle „Street Life“ über die ergreifende Ballade „Just Like You“ bis hin zum epischen Titel „Mother Of Pearl“, der als eine der größten Bryan Ferry-Kompositionen aller Zeiten gilt.

Anlässlich des 50-jährigen Jubiläums von Roxy Music wurde ”Stranded” von Miles Showell in den Abbey Road Studios in London neu gemastert. Um die verbesserte Audioqualität widerzuspiegeln, wurde das Artwork überarbeitet und mit einer glänzenden Laminierung versehen, sodass das Album nicht nur eine Schallplatte, sondern ein Kunstwerk ist

It’s the desire to celebrate their sonic bounty that first got Oberst and the band excited about
the idea of comprehensive reissues. But this wouldn’t be a Bright Eyes project if a moment
devoted to appreciating the past weren’t turned into an opportunity to connect with the future.
That’s where the companion EPs (on Opaque Gold vinyl) come in. Or as Oberst puts it, “the
supplemental reading” for the primary reissues: one six-track EP per reissued album, each
featuring five reworked songs from that album. “My thing was they had to sound different from
the originals, we had to mess with them in a substantial way.” Plus one cover that felt “of the
era” in which that particular albums was made - a song that meant something to the band at
the time. To help the EPs come alive in the fullest way, Bright Eyes called in lots of old friends,
like Bridgers, M. Ward, and Welch and Rawlings, as well as new ones like Katie Crutchfield of
Waxahatchee.
‘Fevers And Mirrors’ is pressed on Merlot Wave coloured double vinyl.

It’s the desire to celebrate their sonic bounty that first got Oberst and the band excited about
the idea of comprehensive reissues. But this wouldn’t be a Bright Eyes project if a moment
devoted to appreciating the past weren’t turned into an opportunity to connect with the future.
That’s where the companion EPs (on Opaque Gold vinyl) come in. Or as Oberst puts it, “the
supplemental reading” for the primary reissues: one six-track EP per reissued album, each
featuring five reworked songs from that album. “My thing was they had to sound different from
the originals, we had to mess with them in a substantial way.” Plus one cover that felt “of the
era” in which that particular albums was made - a song that meant something to the band at
the time. To help the EPs come alive in the fullest way, Bright Eyes called in lots of old friends,
like Bridgers, M. Ward, and Welch and Rawlings, as well as new ones like Katie Crutchfield of
Waxahatchee.
 ‘Fevers And Mirrors’ is pressed on Merlot Wave coloured double vinyl

It’s the desire to celebrate their sonic bounty that first got Oberst and the band excited about
the idea of comprehensive reissues. But this wouldn’t be a Bright Eyes project if a moment
devoted to appreciating the past weren’t turned into an opportunity to connect with the future.
That’s where the companion EPs (on Opaque Gold vinyl) come in. Or as Oberst puts it, “the
supplemental reading” for the primary reissues: one six-track EP per reissued album, each
featuring five reworked songs from that album. “My thing was they had to sound different from
the originals, we had to mess with them in a substantial way.” Plus one cover that felt “of the
era” in which that particular albums was made - a song that meant something to the band at
the time. To help the EPs come alive in the fullest way, Bright Eyes called in lots of old friends,
like Bridgers, M. Ward, and Welch and Rawlings, as well as new ones like Katie Crutchfield of
Waxahatchee.
‘Fevers And Mirrors’ is pressed on Merlot Wave coloured double vinyl.

Neue Mini-LP des in Brüssel lebenden, spanischen Produzenten Manu Dia, der Daft Punk, Brian Eno, Bon Iver und Burial als Einflüsse nennt und bereits mit Tokimonsta, Petit Biscuit, San Holo und Panama zusammengearbeitet hat. Das Ergebnis ständiger Experimente und einer schlichten, kreativen Herangehensweise ist die Kombination aus atmosphärischen Klanglandschaften und einer ausgeprägten Pop-Sensibilität, die Dancefloor-inspirierte Euphoria und flüchtige, vom Leben inspirierte Emotionen vermengt.

Die zweite Split-Veröffentlichung des Jahres von 20 Buck Spin bietet den ersten Output von TERMINAL NATION seit der krachenden "Holocene Extinction"-LP, die im düsteren Pandemie-Sommer 2020 veröffentlicht wurde. Mit von der Partie auf der Split sind die japanischen Ultra-Heavy-Könige KRUELTY, die nach der Veröffentlichung der furiosen Alben "A Dying Truth" und "Immortal Nightmare" im Jahr 2020 gerade auf Tour in den USA und Europa waren.

TERMINAL NATION unterstreichen ihren Status als eine der härtesten Bands auf dem Planeten mit drei neuen Tracks auf der A-Seite, die allen Imperialisten, die die Fäden der Welt ziehen, den Krieg erklären. Die Düsternis des Death Metal, die Panzerartige Gewalt im Stile BOLT THROWERs, gepaart mit der wilden Kraft des Hardcore-Breakdowns; sind die Songs voll von der Wut einer Nation, die kurz davor ist, im totalen Chaos überzukochen.

KRUELTY haben ebenfalls den richtigen Punkt gefunden, an dem Hardcore auf stampfenden Death und Doom Metal der alten Schule trifft. "Suppression" und "Under Your Pressure" offenbaren einige der druckvollsten, strukturerschütternden Riffs und blutigen Beatdowns, die die Band bisher hervorgebracht hat.

Außerdem hat jeder Sänger von TERMINAL NATION und KRUELTY einen Gastauftritt auf einem Track des jeweils anderen, wobei Tatami von KRUELTY auf "Sacrificial Capital" von TERMINAL NATION und Stan von TERMINAL NATION auf "Under Your Pressure" von KRUELTY zu hören sind. Die drückendste Split des Jahres 2022? Aber sicher!

Die zweite Split-Veröffentlichung des Jahres von 20 Buck Spin bietet den ersten Output von TERMINAL NATION seit der krachenden "Holocene Extinction"-LP, die im düsteren Pandemie-Sommer 2020 veröffentlicht wurde. Mit von der Partie auf der Split sind die japanischen Ultra-Heavy-Könige KRUELTY, die nach der Veröffentlichung der furiosen Alben "A Dying Truth" und "Immortal Nightmare" im Jahr 2020 gerade auf Tour in den USA und Europa waren.

TERMINAL NATION unterstreichen ihren Status als eine der härtesten Bands auf dem Planeten mit drei neuen Tracks auf der A-Seite, die allen Imperialisten, die die Fäden der Welt ziehen, den Krieg erklären. Die Düsternis des Death Metal, die Panzerartige Gewalt im Stile BOLT THROWERs, gepaart mit der wilden Kraft des Hardcore-Breakdowns; sind die Songs voll von der Wut einer Nation, die kurz davor ist, im totalen Chaos überzukochen.

KRUELTY haben ebenfalls den richtigen Punkt gefunden, an dem Hardcore auf stampfenden Death und Doom Metal der alten Schule trifft. "Suppression" und "Under Your Pressure" offenbaren einige der druckvollsten, strukturerschütternden Riffs und blutigen Beatdowns, die die Band bisher hervorgebracht hat.

Außerdem hat jeder Sänger von TERMINAL NATION und KRUELTY einen Gastauftritt auf einem Track des jeweils anderen, wobei Tatami von KRUELTY auf "Sacrificial Capital" von TERMINAL NATION und Stan von TERMINAL NATION auf "Under Your Pressure" von KRUELTY zu hören sind. Die drückendste Split des Jahres 2022? Aber sicher!

Vile's krachendes zweites Album "Depopulate" ist ein moderner Klassiker des amerikanischen Death Metal! Zum ersten Mal auf Vinyl.

"Depopulate" ist Viles zweites Full-Length-Album und hat den besten Sound und die beste Albumproduktion zu bieten und zweifellos 9 Tracks puren Death Metal. Sie bauen den New Yorker Stil des Metals, der von Immolation und anderen ihrer Art entwickelt wurde, weiter aus und verbinden extreme Technik mit einer Prise Gore. Eine gelungene Kombination!

Das Talent von Colin Davis und Co. kommt in jedem Track auf allen Ebenen zum Tragen. Auch wenn der Sound hypertechnisch erscheinen mag - es gibt diese wirklich eingängigen Riffs, die einem immer wieder den Tag versüßen. Diese Art von Stücken, die man sich immer wieder anhört und die man lernen möchte, wenn man ein Instrument spielt. Das Schlagzeug von Tyson Jupin ist absolut makellos - die Double-Bass-Arbeit ist schon sehr beeindruckend, aber die Geschwindigkeit ist ein Muss für diese Art von Musik. Produzent und Sänger Juan Urteaga hat wirklich den Bauch und die Stimmbänder im Griff und gibt den Tracks eine ganz kranke Gesangsarbeit.

Last but not least haben Colin Davis und der zweite Gitarrist Aaron Strong ein brillantes Talent. Von allen Death Metal-Veröffentlichungen aus dem Jahr 2002, ist dies eine der besten Veröffentlichungen - einfach guter, altmodischer Death Metal mit Klasse.

Die britische Band Fellowship wird mit ihrem Debütalbum die Power-Metal-Szene mit eingängigen Melodien, rasanten Gitarren und lebensbejahender Lyrik aufmischen! “The Saberlight Chronicles" steht in der magischen Tradition von Twilight Force, Rhapsody und Majestica und hebt die Emotionen des Genres auf ein neues Niveau. “The Saberlight Chronicles" ist zu gleichen Teilen ein erzählerisches High-Fantasy-Konzeptalbum und eine gefühlvolle Sammlung von absoluten Knallern... zumindest sagen sie das so - sie sind schließlich Briten! Das Album greift das Thema psychische Gesundheit in einer Zeit auf, in der wir alle eine Aufmunterung brauchen, und erzählt eine mythische Geschichte über Selbstwert, Selbstfindung und die Suche nach Mut; Und dies alles in Songs, die so eingängig sind, dass man schon beim ersten Hören mitsingt. Metal hat sich noch nie so gut angefühlt!

Limited to 500 copies

Das hochgelobte und mittlerweile legendäre Debütalbum von DARKANE wurde ursprünglich 1999 veröffentlicht.

Die Band existierte erst seit sieben Monaten, als sie "Rusted Angel" bei Dug Out Productions mit dem Produzenten Daniel Bergstrand aufnahm. Zunächst wollten DARKANE eine Mischung aus Göteborg-Metal und Florida-Death-Metal spielen, doch während der Aufnahmen begannen sie mit Growls und melodischem Gesang zu experimentieren - etwas, das in diesem Genre neu war und in naher Zukunft sehr beliebt werden sollte.

Nach der Veröffentlichung erhielt "Rusted Angel" großartige Kritiken in Magazinen auf der ganzen Welt. Das deutsche Rock Hard Magazin vergab den ersten Platz beim Soundcheck, während das niederländische Aardschok Magazin den zweiten Platz vergab.

Dies ist das wichtige zweite Album von DARKANE. Nach dem Debütalbum "Rusted Angel", bei dem DARKANE noch nicht wussten, wie sie klingen wollten, hatten sie dieses Mal einen Stil zu entwickeln.
Christofer sagte 2001 in einem Interview: "Ich mag es, Musik zu schreiben, die aus technischen, brutalen Teilen besteht, die sich zu einem eingängigeren Refrain auflöst, bei dem man sich von all dem schwierigen Input erholen kann".

DARKANE wollten, dass "Insanity" schneller und melodischer wird, einfach mehr von allem im Vergleich zu "Rusted Angel". Diesmal luden sie auch einen größeren Chor und ein Orchester ein, um das Intro ("Calamitas") aufzunehmen, das auch als Intro für kommende Live-Shows dienen sollte. Lawrence Mackrory hatte DARKANE nach den Aufnahmen zu "Rusted Angel" und vier Liveshows verlassen, und sein Platz wurde von Andreas Sydow eingenommen. Nach fünf intensiven Aufnahmewochen bei Dug Out Productions in Uppsala, Schweden, wiederum mit dem Produzenten Daniel Bergstrand, war das Album endlich fertig.

In der letzten Nacht im Studio schlug ein Blitz in das Studio ein und zerstörte das Mischpult. Das war der Zeitpunkt, an dem DARKANE beschlossen, das Album "Insanity" zu nennen.

Nach der Veröffentlichung von "Insanity" spielten DARKANE unter anderem ihren allerersten US-Auftritt auf dem Milwaukee Metal Fest XV.

black midi, das sind Geordie Greep (Gitarre, Gesang), Cameron Picton (Bass, Gesang) und Morgan Simpson (Schlagzeug), ihr 3. Album "Hellfire" erscheint am 15. Juli auf Rough Trade Records. Die erste Single daraus hat den wohligen Titel "Welcome To Hell". "Hellfire" wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers "Cavalcade" in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts "Schlagenheim" ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist "Hellfire" wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album". Während die Geschichten von "Cavalcade" in der dritten Person geschildert wurden, erzählt "Hellfire" seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte. Die Entstehung von "Hellfire" dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama "Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am "Cavalcade"-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst.

black midi, das sind Geordie Greep (Gitarre, Gesang), Cameron Picton (Bass, Gesang) und Morgan Simpson (Schlagzeug), ihr 3. Album "Hellfire" erscheint am 15. Juli auf Rough Trade Records. Die erste Single daraus hat den wohligen Titel "Welcome To Hell". "Hellfire" wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers "Cavalcade" in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts "Schlagenheim" ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist "Hellfire" wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album". Während die Geschichten von "Cavalcade" in der dritten Person geschildert wurden, erzählt "Hellfire" seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte. Die Entstehung von "Hellfire" dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama "Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am "Cavalcade"-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst.

"Still in shape, my methods refined", singt Paul Banks in "Toni", dem Eröffnungsstück und der ersten Single von Interpols siebtem Album "The Other Side of Make-Believe". Mit dem diesem Album betritt die Band Neuland: Parallel zur Erkundung der düsteren Unterströmungen des Zeitgeists sind die neuen Songs von Interpol von Sehnsucht und Anmut durchzogen. Daniel Kesslers Signature- Gitarren-Sound, Samuel Fogarinos messerscharfe Percussion-Präzision und Paul Banks sonore Stimme strahlen eine Verletzlichkeit aus, die viele langjährige Fans der Band überraschen dürfte. "Es gibt immer ein siebtes Mal für einen ersten Eindruck", so Banks darüber. Die Aufnahmen zu "The Other Side of Make-Believe" begannen im Jahr 2020 aus der Ferne heraus. Anfang 2021 trafen sich Interpol erneut, um in einem angemieteten Haus in den Catskills an neuem Material zu feilen, bevor sie es später im selben Jahr in Nordlondon fertigstellten. Dabei arbeiteten sie zum ersten Mal mit der Produzentenlegende Flood (Mark Ellis) zusammen und taten sich anschließend wieder mit dem ehemaligen Co-Produzenten Alan Moulder zusammen. Der Titel von "The Other Side of Make-Believe", das Cover und der lyrische Hang zu Fabeln, Nebelkerzen und der Wandelbarkeit der Wahrheit spiegeln Banks Abscheu vor den Verwerfungen des Informationszeitalters wider. Das Album wird sich im Bewusstsein der Interpol-Fans bald ebenso vertraut anfühlen, wie es für die Band bei den Aufnahmen zu der Platte der Fall war. Das Trio-Noir hat fast sieben Alben und mehrere Besetzungswechsel besser überstanden, als irgendjemand hätte vorhersagen können, und sich dabei nie selbst verloren. Heutzutage sind Interpol eine der am markantesten klingenden Rockbands des 21. Jahrhunderts. Seit nun mehr einem Vierteljahrhundert verfeinern Interpol ihre Methoden, womit sich dann auch der Kreis zum ersten Song des neuen Albums wieder schließt.

In the late 90’s and early aughts, internet video capabilities like Real Video and Quicktime were expanding, proving the early prophecy that ‘anyone would be able to have their own television channel on the internet’ was indeed coming true. After the critical success of Mulholland Drive, director David Lynch doubled down on the medium, funneling virtually all of his time into personally animating, filming, and scoring content for his own internet destination: davidlynch.cm. It was fertile and limitless ground for a creative like Lynch, allowing him to return to the days of his experimental film roots, where it was actually possible for him to have his hands on every element of the process.

It was out of this newfound digital freedom that the early seeds of Inland Empire were born, evolving and fissuring from an internet-bound experiment itself, into something much more expansive. The film collated a variety of ideas and working methods that the recent web paradigm had nurtured in Lynch, one of which was an increased frequency of his own solo music productions. Having finished constructing his own personal recording studio in 1998, he was no longer tethered to the scheduling and high premiums of rented studio time and was free to accelerate his musical experimentation without constraint. As a direct result of this was a unique shift in Lynch’s musical trajectory; a shift that would eventually bear multiple albums and a short film featuring a lounge-crooning monkey. In the first weeks of 2005, Lynch would record a blues instrumental and instead of getting someone else to sing on the song, he would sing, via a formant and pitch-altering piece of equipment known as the Boss VT-1. It was because of the davidlynch animated series “Dumbland” that the director had discovered the device that would enable him to be ‘any character he needed.’ With “Ghost of Love,” Lynch was experimenting with bringing those ‘characters’ into his own musical compositions. Intrue Lynch fashion, it’s difficult to know which inspired which: did “Ghost of Love” birth a scene in Inland Empire, or did the film’s ideas birth the song? Just as “In Heaven” had served to encapsulate Eraserhead, “Ghost of Love” managed to encapsulate Inland Empire allowing its listener to close their eyes and immediately channel the film’s images and mood onto the screen of the mind.

“Ghost of Love” is backed with “Imaginary Girl,” originally released via CD single in 2006 are now finally seeing their vinyl and digital release for the first time in celebration of Inland Empire’s 2022 theatrical re-release. Both are signature cinematic Lynchian classics that feature Lynch on guitar and vocals, accompanied by his long-time collaborator and Sacred Bones staple Dean Hurley on bass.

On the outskirts of late 1970s Olympia, Washington, something stirs, sings, and breathes. Cheri Knight, a music composition student at the Evergreen State College, is developing her practice in a quaint but adequately equipped campus recording studio, amalgamating with the sonic timbre of the surrounding time, space, and place, while devoting to her own inner maxims. At once performative and meditative, electronic and organic, collaborative and self-contained, Cheri’s early compositions are simultaneously complete and sketches of a ceremonial process at play. American Rituals captures the artist’s environmental emergence, unearthing a unique compositional voice and signposting a regional sonic ethos.

The path to Evergreen seems gently preordained for Cheri, a whisper in the trees. Growing up in a musical household in Western Massachusetts, she learned to play piano and clarinet, demurring from notated music but composing piano pieces in the minimalist mode of Erik Satie and folk songs inspired by Joni Mitchell. In high school, her class studied John Cage’s work, an epiphanic moment
for the young artist. The group also visited a studio outside Amherst where she encountered the modular limitlessness of a Moog synthesizer. Cheri studied philosophy and music at Whitman College in Washington, and then took a year to build a stone house with some friends in New Hampshire. She settled at Evergreen soon after, carrying with her a zeal for improvisation, creative investigation,
and hands-on experimentation.

'The Present Is A Foreign Land' ist ein ausgereiftes und vollendetes Werk mit 12 Tracks, die komplett von den Brüdern James und Matty Veck-Gilodi in Eigenregie geschrieben und eingespielt wurden. Inhaltlich drehen sich die emotionalen Songs um Themen wie das Impostor-Syndrom, dem Überwinden schwieriger Lebenshindernisse und der Selbstfindung. Für die Produktion zeichnet Mike Horner (Hot Chip, Jess Glynne, YONAKA, u.a.) verantworlich. Die erste Singleauskopplung heisst 'Going Clear', ein ehrlicher und verletzlicher Song, der einmal mehr James' unverwechselbare Stimme mit emotionalem Text vereint, der direkt aus dem Herzen zu Herzen geht. Neben dem neuen Album kann man sich auch auf Liveshows der Jungs in diesem Jahr freuen, u.a. beim Slam Dunk Festival im Sommer neben Alexisonfire, The Wonder Years und Meet Me At The Altar.

'The Present Is A Foreign Land' ist ein ausgereiftes und vollendetes Werk mit 12 Tracks, die komplett von den Brüdern James und Matty Veck-Gilodi in Eigenregie geschrieben und eingespielt wurden. Inhaltlich drehen sich die emotionalen Songs um Themen wie das Impostor-Syndrom, dem Überwinden schwieriger Lebenshindernisse und der Selbstfindung. Für die Produktion zeichnet Mike Horner (Hot Chip, Jess Glynne, YONAKA, u.a.) verantworlich. Die erste Singleauskopplung heisst 'Going Clear', ein ehrlicher und verletzlicher Song, der einmal mehr James' unverwechselbare Stimme mit emotionalem Text vereint, der direkt aus dem Herzen zu Herzen geht. Neben dem neuen Album kann man sich auch auf Liveshows der Jungs in diesem Jahr freuen, u.a. beim Slam Dunk Festival im Sommer neben Alexisonfire, The Wonder Years und Meet Me At The Altar.

Die Post-Rock Meister GOD IS AN ASTRONAUT transformieren ihr grandioses Debüt nach 20 Jahren live im Studio!

20 Jahre nach Veröffentlichung ihres Debüts gefolgt von einer eindrucksvollen Sammlung gefeierter Nachfolger Alben, schliessen in diesem Jahr die Post-Rock Kings von GOD IS AN ASTRONAUT mit ihrem Live Studio Album The Beginning Of The End den Kreis. Am 03. Oktober 2021 live im Windmill Lane Recording Studio in Dublin aufgenommen, enthält das kommende Jubiläums-Album zeitgemäße Transformationen aller Songs ihres ersten Albums „The End Of The Beginning“ aus dem Jahre 2002, und zeigt die Entwicklung der Tracks – dank unzähliger Live Auftritte der Band in 20 Jahren – auf, ohne jedoch auf ihre ursprünglichen Melodien und das Songwriting zu verzichten.

The Beginning Of The End bietet einen grandiosen Einblick in die Entwicklung der irischen Post-Rock-Band GOD IS AN ASTRONAUT in zwei Jahrzehnten. Ein packendes Live-Momentum, welches die letzten 20 Jahre der Band unvergessen macht, und definitiv in jede gut sortierte Post-Rock-Plattensammlung gehört!

(Verve Audiophile Vinyl Reissue Series)

Das vielleicht bestgelaunte Jazz-Album aller Zeiten und ein künstlerischer & aufnahmetechnischer Glanzpunkt. Nachdem Ella Fitzgerald und Louis Armstrong am Abend zuvor gemeinsam bei einem All-Star-Konzert aufgetreten waren, gingen sie am 16. August 1956 in ein Studio in L.A. um dieses Juwel von einem Album
aufzunehmen. Obwohl sie keine Zeit für Proben hatten, stimmte sofort die Chemie, das Ergebnis ist eine der wenigen wirklich unverzichtbaren Aufnahmen des Jazz.

Das Nr. 1 Album „Muttersprache“ wurde im Jahre 2015 als Sarah Connor’s achtes Album und erstes Album in deutscher Sprache veröffentlicht.

Das Erfolgsalbum, inklusive der Hitsingle „Wie schön du bist“, erscheint nun am 15.07.2022 als exklusive, limitierte & nummerierte Edition - als farbiges Vinyl Set. Für alle Fans ein absolutes Must Have!

James Last gehört zu einem der bekanntesten und erfolgreichsten Bandleader der Welt. Über 70 Jahre hat er mit einzigartigen Arrangements, unvergleichlichen Melodien und tollen Kompositionen, die Musikwelt begeisterte. Im Laufe seiner Karriere wurden von seinen etwa 190 Plattenproduktionen über 80 Millionen Tonträger verkauft – dafür regnete es mehr als 200 Goldene Schallplatten. Ob in Deutschland oder Kanada, in Australien oder Südafrika, in China, Holland oder Großbritannien: Der swingende Happy Sound
des Orchesters wurde zu einem internationalen Markenzeichen.
Anlässlich seines 90. Geburtstags wurde im April 2019 eine „The Very Best Of“ mit den größten Hits und Klassikern, zahlreichen Eigenkompositionen sowie den bedeutendsten Tracks aus „Music Around the World“ veröffentlicht.

Ein Auszug aus der „The Very Best Of“ erscheint am 15.07.2022 in ganz besonderem Gewand - als exklusives, limitiertes 2LP Set in blauer Vinyl. Ein wahres Schmankerl für seine zahlreichen Fans All Over The
World.

wieder lieferbar Er gilt als einer der wichtigsten Vertreter deutscher Elektronikmusik-Avantgarde: der Komponist und Konzeptkünstler Conrad Schnitzler (1937-2011). Schnitzler studierte bei Joseph Beuys, war Mitglied bei Tangerine Dream und Kluster und veröffentlichte unzählige Solowerke. Das Material auf "Gold" (2003 auf dem Label Marginal Talent erstveröffentlicht) stammt aus den Jahren 1976 bis 78. Die Musik sticht in jeder Hinsicht aus den schnitzlerschen Veröffentlichungen heraus. Allein der Sound lässt kaum vermuten, dass das Material in den 70er-Jahren aufgenommen wurde. Mit seiner komplexen Mehrkanaligkeit, dem perfekten Equalizing, der transparenten Tiefenschärfe und durch die Brillanz der Signale klingt "Gold" so modern, als wäre es viele Jahre später eingespielt worden. Aber auch die Kompositionen sind erstaunlich. Auf abstrakte, atonale Abschnitte folgen handfeste rhythmisch-harmonische Sequenzen, die einerseits an Cluster erinnern, andererseits aber auch auf die elektronische Popmusik der 80er-Jahre hindeuten. Das Vinyl ist 180 Gramm schwer, die Linernotes sind von Asmus Tietchens.

Dritte Auflage, blutrotes Vinyl. In Zusammenarbeit mit dem britischen Entwickler-Studio Kaizen Game Works veröffentlicht das Kölner Soundtrack-Label Black Screen Records im Frühjahr 2021 Barry "Epoch" Toppings funkigen "City-Pop meets Vaporwave"-Soundtrack zu dem von der internationalen Gaming-Presse gefeierten Open World Adventure Game Paradise Killer auf Vinyl. Barrys Toppings Soundtrack erscheint auf limitiertem 180g blutrotem Vinyl und kommt in einem von 80er Animes & City Pop-Alben inspirierten Artwork der deutschen Designerin Mizucat. Zudem enthält das Vinyl ein gefaltetes A2 Poster und einen Download Code. Die Sounds des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Tracks einer anderen Realität. Das Tempo eines Verbrechens, dass alle Verbrechen beendet. Der Beat von lange verlorenen außerirdischen Göttern. Die Playlist des "Investigation Freaks". Lass dich von der Musik ins Paradies führen. Fühle die glühend heiße Sonne auf deiner Haut. Rieche unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, begangen, auf einer tropischen Insel in einer alternativen Realität. Erinnerst du dich daran, wie wir am Strand getanzt haben? Neben den paradiesischen Straßen? Du hast mir dieses Mix-Tape auf dem Dach deines Apartments gemacht. Wir haben den Mond angestarrt. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich glaubte dir nicht. Wie falsch ich doch lag.

Der gefeierte Singer-Songwriter und Produzent Jaymes Young brachte vor kurzem eine Deluxe-Version seines 2017 erschienenen Debüt-Ablums "Feel Something" heraus und legt jetzt noch einmal mit einer Vinyl-Version der original Ausführung nach.

Youngs außergewöhnliches Debütalbum "Feel Something", welches er in seinem Schlafzimmer schrieb, produzierte und aufnahm, schlug bei seiner Veröffentlichung schnell einen intensiven und intimen Nerv
bei den Hörern. Nach seinen bahnbrechenden EPs "Dark Star" und "Habits of My Heart" wurde das Album weltweit über 1,6 Milliarden Mal gestreamt.

Mit Streaming-Hits wie der RIAA-Gold-zertifizierten Single "I'll Be Good" und "We Won't (Ft. Phoebe Ryan)" wurde "Feel Something" von Publikationen wie TIME, Billboard, NYLON und Rolling Stone gelobt, die Young zu einem "Künstler, den man kennen muss" erklärten und seine "große musikalische Bandbreite" lobten. Der kreative und überzeugende Live-Musiker tourte nicht nur mit Künstlern wie Oh Wonder, Vance Joy und London Grammar,
sondern verkaufte auch seine allererste nordamerikanische Feel Something Tour aus.

Das klangliche Spektrum des zweiten Albums Why You Lacking Energy?, vereint alles von ausladenden Klavierballaden bis hin zu massiven Synthie-Hymnen. Von der Band komplett selbst produziert, macht das Zweitwerk tatsächlich das gesamte Spannungsfeld greifbar, das den Sound von Cassia auszeichnet: Es sind Songs, die zwar einerseits ganz klar im Hier und Jetzt verortet sind, die das Leben im Augenblick einfangen - und doch fließen immer wieder auch Gedanken an Zurückliegendes und Zukunftsängste ein in ihre Kompositionen.

Cassia - Rob Ellis (Gesang/Gitarre), Lou Cotterill (Bass) und Jake Leff (Schlagzeug) - kreieren kathartische Indie-Klangwelten, in denen sie all ihre Emotionen ausbreiten, ohne dabei die Kontrolle zu verlieren.
"Tatsächlich lernen wir uns erst durch das Schreiben der Songs richtig kennen", meint Lou, "denn in unseren Texten steckt wirklich alles drin." Schon mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums Replica (2019) avancierte die UK-Band zum Main Stage-Act bei den größten britischen Festivals und sicherte sich auch eine gefeierte Live-Session in den Maida Vale Studios von BBC Radio 1. Während inzwischen auch Clara Amfo,

Annie Mac und Jack Saunders zu ihren Fans zählen (siehe Zitate unten), bekamen sie von BBC Radio 1 bereits zwei Mal das "Hottest Record"-Qualitätssiegel verliehen. Nachdem ihre gefeierten Live-Shows Cassia auch eine Nominierung bei den AIM Awards und einen
Stammplatz auf den jüngsten "Ones to Watch"-Listen zum
Jahreswechsel gesichert hat, dürfen sich die Fans nach
den April-Shows auf weitere Deutschland-Dates im
September freuen

Mother Naomi and daughter Wynonna enjoyed an astounding run of 14
number one singles from 1984 to 1989, ranking them as one of the most
popular country acts of the '80s
Their music combined elements of traditional country harmony singing,
bluegrass, and Appalachian folk with pop, rock, and polished contemporary
production. Moreover, Wynonna's powerful, bluesy, often sexy lead vocals
established her as one of the finest female country singers of her era. But even
more important than their widely accessible sound -- or their considerable visual
appeal -- was their sympathetic understanding of working-class and small-town
women, earned through a long, hard struggle of their own.

2000'S CLASSIC 'BREEDING DEATH' EP DEBUT FROM THE SWEDISH
MASTERS, PRESENTED ON MID-PRICE CD WITH BONUS TRACKS -
FEATURING THE LINE-UP OF ANDERS NYSTROM, JONAS RENKSE,
MIKAEL AKERFELDT & DAN SWANO.Bloodbath is a titan of death metal
from Stockholm, Sweden, notable for the inclusion of Katatonia & Opeth
members &, in their recent era, welcoming Nick Holmes of UK doom
legends 'Paradise Lost' to join in with the brutality
Formed in 1998 with a mutual fascination for horror & the glory days of death
metal from classic bands such as Entombed, Morbid Angel, Cancer & Autopsy,
Bloodbath has remained a leading light of extreme metal since their 'Breeding
Death' EP was unleashed back in 2000, & a formidable force for over 20 years,
cemented in recent times by their 'Grand Morbid Funeral' (2014) opus & its followup, the even blacker- hearted 'The Arrow of Satan is Drawn' in 2018. 'Breeding
Death' was the original catalyst to propel Bloodbath into the death metal sphere
with full force. Primarily dedicated to recreating the buzzsaw, high-energy sound
of mainly Swedish greats such as Entombed, Carnage & Dismember, 'Breeding
Death' was pure death metal worship to reignite the fading old school essence of
brutality as the 21st century dawned.
Bloodbath's initial line- up consisted of Anders Nyström & Jonas Renkse of
'Katatonia' joined by Mikael Akerfeldt of 'Opeth' on vocals & completed by Dan
Swanö of 'Edge of Sanity' on drums. The EP was recorded at The Sanctuary in
Sweden, with production & mixing duties also handled by Dan Swanö.
This edition of 'Breeding Death' is presented on mid-price CD & includes bonus
tracks in the shape of demo versions of the songs 'Breeding Death' & 'Ominous
Bloodvomit'.

Nach dem längsten Winterschlaf aller Zeiten - die neue Spidergawd! Aufgenommen und gemischt in den Sörgarden Studios September 2020, und das erste Spidergawd-Album mit Brynjar Takle Ohr an der Co-Leadgitarre. Mit der Einführung zweier Leadgitarren hat die Band endgültig ihr musikalisches Rückrad gefunden. 'VI' konkretisiert dieses Neue Inkarnation mit voller Power! Zurück ist auch Saxophonist Rolf Martin Snustad, der die Band 2019 verlassen hat. Spidergawd machen exakt da weiter, wo sie schon bei S. 'IV' und S. 'V' aufgehört haben. Der Unterschied diesmal ist der Co-Songwriter Brynjar Takle Ohr, während sich beim Vorgänger noch Bassist Hallvard Gaardløs als Co-Pilot austoben durfte. Die jetzt aus fünf Musikern bestehende Band liefert wuchtigen Hardrock mit klassischen 80er-Jahre-Reminiszenzen, zitiert Bands wie Thin Lizzy & Co und zeigt dabei unmissverständlich auf, 'wo der Barthel den Most holt'.
Eine umfangreiche Europa-Tour ist für 2022 in Planung!
Das abermals aufwendige und ansprechende Artwork ist der wieder der Idee der grafischen Wiedererkennungsmerkmale bei Spidergawd geschuldet.
Das Vinyl kommt in Purple Vinyl und inkl. CD-Beilage! Die LP steckt wieder in einer festen Kunstoffhülle mit dem typischen Öffnungs-Siegel.

Jetzt endlich auch als colored Vinyl erhältlich: das fünfte
Album der US-amerikanischen Deathcore-Formation von
2015. Nach Touren mit Parkway Drive, In Flames und
Betraying The Martyrs ist die Band aus Chicago, Illinois
eine bekannte Szenegröße. Sänger Brandon Butler hat
die Band nach vier Alben verlassen und wurde nun von
Lukas Magya (Arms of Empire) nahtlos ersetz