Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums des ätherischen Albums ,Moonlust" von The Holydrug Couple freut sich Sacred Bones Records, eine Special Art Edition auf Vinyl mit brandneuem holografischem Regenbogen-Laminat-Artwork zu präsentieren. Moonlust wurde ursprünglich 2015 veröffentlicht und markierte eine mutige Weiterentwicklung für das chilenische Duo. Das Album vermittelt ein Gefühl von Sehnsucht und Transparenz und taucht ein in eine spacige, psychedelische Dream-Pop-Welt, umhüllt von romantischen Synth-Leads, popigen, distanzierten Vocals und halluzinogenen Klanglandschaften. The Holydrug Couple sind dafür bekannt, ihre eigene Realität zu erschaffen, und haben eines der revolutionärsten psychedelischen Alben des letzten Jahrzehnts geschaffen. Mit Songs wie ,If I Could Find You (Eternity)", der Sie auf eine zarte Reise durch den Weltraum mitnimmt, getragen von Ives Sepúlvedas Gesang und kaleidoskopischen Synthesizern, und ,Atlantic Postcard", durchdrungen von lebhaften Arpeggio-Ambient-Klängen, ist ,Moonlust" ein Muss für alle Liebhaber des psychedelischen Rocks.
quête:füse
First Word Records are proud to bring you 'Penny Ballads', a 5-track EP from Royce Wood Junior.
Royce Wood Junior is a Grammy & Mercury Award-nominated musician, songwriter and record producer from London, currently based in Brighton. As a multi-instrumentalist, he's collaborated with a litany of brilliant artists over the years, such as Jamie Woon, Nao, Disclosure, Jessie Ware, Olivia Dean, Joy Crookes, Jamie Lidell and Jordan Rakei, additionally to touring with the likes of the legendary Thomas Dolby. He's released two acclaimed solo albums to date ('The Ashen Tang' in 2015, and 'No Two Blue Ticks' in 2021).
'Penny Ballads' demonstrates RWJ's varied talents, with a collection of alternative soul compositions, each one as unique as the next. It includes the first two singles, the Poplife-Prince era flavoured 'Go Get Your Money', and the double-time future funk adrenaline shot, 'Clean Up', along with three previously-unreleased tracks. 'Beretta' is low-slung soul funk, beginning with quirky squelchy synths, before the soulful lead vocal of feature artist Lucey Way breezes in to melt everyone's hearts. 'Things' sweeps in next, an infectiously soulful midtempo heavy soul bop, with an instant earwork of a hook, like a modern-day Steely Dan / Doobie Brothers, complete with a head-nodding string section to end the track. The collection concludes on a more melancholy downtempo tip with 'Rolling'; an almost-folktronic anthem, with a key refrain that wouldn't be out of place on a 70's Stevie piece.
RWJ (aka Jim Wood) says of this project… "Back in the 17 and 1800's Troubadours and minstrels would go from Tavern to Tavern selling Penny Ballads, single sheets of music and lyrics written quickly and frivolously to make a quick buck.. It strikes me that we're in a similar phase in the way we value music in 2025. An old Penny Ballad was cheap and dog-eared, ink-smudged, sung aloud by firelight, Now songs live in the digital ether, dissolved in the air, a ghostly breath paid in micro cents. The new era of Penny Balladry is here, and weird.
This EP is a snapshot of my writing over a two year period. Focussed on minimal recording styles, one mic on the drums, generally first or second takes on parts and vocals, I wanted the music to feel like small moments with lyrics that talk about the weird nuances of being alive as a latter stage human on the cusp of the Ai revolution. Culturally so evolved, but physiologically still just a bunch of mammals walking about with primitive fears and needs. Just trying to reconcile it all moment to moment…"
Previous support for Royce's music has included Radio 1's Future Sounds, BBC 6 Music's New Music Fix, Annie Mac, Clara Amfo, Jo Whiley (BBC Radio 2), Mary Anne Hobbs, Jamz Supernova, Tom Robinson, Huw Stephens (BBC 6 Music), Zane Lowe and MistaJam. There have been sessions previously for the likes of Red Bull and press from Huck, Line of Best Fit, Clash, Aesthetica & DIY magazine.
Entirely self-written and self-produced, this EP gives a solid taste of RWJ's talents. A deeply funky diverse set of music from an immensely talented individual.
'Penny Ballads' is due to be released on vinyl & digital, 24th October 2025.
The vinyl version also includes an exclusive additional mix of the first single 'Go Get Your Money'.
- A1: In The Time It Takes To Drown 6 45
- A2: John The Baptist Was A Creature Of Habit 7 40
- A3: Under The Mariana Trench 3 35
- A4: The Double Life Of A Seahorse 5 25
- B1: Lamenting The Colours Of Melting Ice 4 27
- B2: If A River Runs Through It 7 09
- B3: Clouds Over The Rain In Spain 6 05
- B4: Blind To The Last Of Its Kind 5 55
Zwei Meister-Improvisatoren, die ihre wortlosen Gemälde aus dem Nichts komponieren, erforschen weiter den tiefen Raum der Zukunft/Vergangenheit. Ihre kollaborativen Kräfte sind noch lange nicht auf dem Höhepunkt, und diese Reise führt sie weiter ins Unerforschte. Diese Stücke entfalten sich als offenkundige Geistesblüten. Sie schaffen einen Baldachin aus Klangformen, in dem sie die seltene Sprache der Welterschaffung sprechen. Dies ist nicht einfach nur Musik, es ist eine Reise ohne Karten, Inside. Diese neue LP führt Nelson & Kramer tief unter die Meere der Erde und zieht den Hörer an ihrer Seite hinab, während sie die unbekannten Strömungen erforschen, die die menschliche Vorstellungskraft beflügeln, flüssig, immer in Bewegung und immer im Wandel. Es ist ein Ausflug in die tiefsten Tiefen der Ambient-Musik und ein Neuanfang an dem Ort, an dem das Leben selbst begann. Der Grund des Ozeans hat einen neuen Klang, und er ist atemberaubend schön. ENG Further explorations into the deep space of the future/past by two master-improvisors who compose their wordless paintings out of thin air. Their collaborative powers are nowhere near their peak and this voyage takes them further into the Uncharted. These pieces unfold as revelatory mind blooms. Creating a canopy of sound forms inside which they speak the rarified language of world creating. This isn't just music, it's a journey without maps, Inside. This new LP takes Nelson & Kramer deep under the earth's seas, pulling the listener down beside them as they explore the uncharted currents that fuel the human imagination, fl uid, always moving, and always changing. It is an excursion into the lowest depths of Ambient Music, and a new beginning from the very place where life itself began. The floor of the ocean has a new sound, and it is breathtakingly beautiful.
»Chronotopia« is the second album by composer-performer Elisabeth Klinck. After collaborating closely with artist Oscar Claus to blend her violin playing with electronic soundscapes and field recordings on her 2023 debut Picture a Frame (Hallow Ground), Belgian electroacoustic artist Elisabeth Klinck now turns inward. On Chronotopia, she takes a more song-oriented approach, embracing her voice as a vital counterpart to her violin, intertwining their sounds like threads in a dynamic, multicolored fabric. The record marks an essential turning point in her artistic evolution and opens up a rich internal world. It is a tapestry of sound, emotion, and curiosity spun from—both literally and figuratively—her growing voice.Klinck, who works as a composer and performer in theater, wrote the pieces between tours and recorded the album in the same place as its predecessor, the Spanish Pyrenees. Though the outside world isn’t as explicitly reflected in the recordings as it was the case on »Picture a Frame,« her sophomore album responds to the outside world by capturing both the expansive serenity of the mountains and the frenetic pulse of life on the road. Eschewing her previous, more atmospheric and abstract approach, Klinck creates a landscape that is built on the song and filled with intimacy. Her music feels at once vulnerable and deeply human, balancing the rawness of improvisation with the careful precision of melody-led composition.Klinck describes »Chronotopia« as a playful exploration of time—its fluidity, its constraints, and its influence on how we navigate the world. These notions reverberate through her melodies and lyrics, which dance between moments of shimmering clarity and messy, beautiful chaos. These contrasts are further accentuated by the cunning interplay of voice and violin, which itself reflects the artist’s fascination with duality and transformation. Recorded in both organic and controlled environments, »Chronotopia« blurs the lines between intuition and design. The »time space« into which Klinck invites her audience is a place where sound becomes touch, time bends like light, and every moment carries the thrill of discovery
- A1: The Bug – Hooked (Hyams Gym, Leytonstone)
- A2: Ghost Dubs – In The Zone
- A3: The Bug – Believers (Imperial Gardens, Camberwell)
- B1: Ghost Dubs – Hope
- B2: The Bug – Burial Skank (Arches, Vauxhall)
- B3: Ghost Dubs – Dub Remote
- C1: The Bug – Alien Virus (West Indian Centre, Leeds)
- C2: Ghost Dubs – Down
- C3: The Bug – Militants (The Rocket, Holloway)
- D1: Ghost Dubs – Into The Mystic
- D2: The Bug – Dread (Mass Brixton)
- D3: Ghost Dubs – Midnight
When Chuck D proclaimed "Bass, how low can you go?" on Public Enemy's anthemic 'Bring the Noise,' maybe he was pre-empting or inciting the 10,000 fathoms-deep, spine-bending basslines and sub-quake tremors of 'Implosion.'
Implosion is a crushing split album, appropriately released on The Bug's own PRESSURE label. Mapping out a new form of spectral dub, the sound is deliberately immersive, introverted, and yes, definitely implosive. In pursuit of heavy lids, blurred vision, and merciless bass bin punishment, it’s one part meditation, two parts low-end theory, and essentially a confession of devoted sound system addiction.
As expected from a tag team featuring British soundlab explorer and 'London Zoo' composer Kevin Martin, aka The Bug, and Michael Fiedler, aka Jah Schulz—a long-time graduate of Germany's new school of sound system reggae culture—the duo approaches their target differently yet share the goal of keeping their sound "raw" (Fiedler) and "brutally minimal" (Martin). This proves that opposites can attract, even if their tools are different and their methods sometimes diverge.
From such a disparate combo, hailing from different geographical and aesthetic backgrounds, contrasts are certainly on display, even within each artist's own contributions. From the melancholia and transcendence of 'Alien Virus (West Indian Centre, Leeds),' to the duality of ascension and descension on 'Hope,' or the Sunn 0))) in dub, visceral drone of 'Dread (The End, London),' to the tripped-out repetitions of 'Midnight,' which reinvents Chain Reaction for post-millennials, the result is both sacred and narcotic. Each track illuminates the emotional impact and atmospheric pressure being explored across this deceptively sparse album—a mastery of tone and texture.
This collection might be as reduced, minimal, and deep as The Bug has ever gone, perhaps echoing the solemnity of his recent Kevin Richard Martin Black release and invoking the futurist steppas self-pioneered on his previous Pressure album. Alternatively, Fiedler‘s Ghost Dubs project ventures into his most heavyweight direction yet, which is no mean feat considering his previous, the critically acclaimed album Damaged, was a monstrously massive triumph of analogue weight and enviable sound design.
Implosion is ice-cool, a stark contrast to the warmth and sociability of traditional Jamaican roots and the current trends in digi-dub. Instead, the mood is soaked in tension and intense dread, finding an unexpected melting point where classic dub's stark rhythm attack, isolationist ambience's eerie drift, dub techno's floatation strategies, and even the relentless riffs of doom metal collide. As the bass-obsessed pair drop what is arguably the heaviest ambient dub album to emerge from any electronic sector—a moody counterpoint to The Orb's fluffy clouds, etc, Martin has cited The Roots Radics, Black Jade, and On U Sound's Pounding System as heavily influencing his approach to the album, while Fiedler has expressed his admiration for Adrian Sherwood's productions and Rhythm & Sound's enchanting soundscape. Yet, the super heavyweight pulsations, emotive resonances, and bone-rattling vibrations detonated here effortlessly go far beyond these influences.
Shadowy and elusive, there’s a mysteriousness at this record's core. A haunting moodiness oscillating between nostalgia and future shock. Despite the deadly fixation with SLOW and HEAVY, the album maintains a totally hypnotic swing throughout. Implosion and its lead single 'Imploded Versions' are testaments to being enveloped in bass, seduced by bass, submerged in bass, and utterly crushed by bass, as The Bug and Ghost Dubs seek to craft a new form of dub for zonal headz and Babylon seekers.
Mastered by Stefan Betke (a.k.a. POLE) at Scape Mastering studio, this record is heavy as f-ck without resorting to continuous distortion. It’s low-end worship taken to an absolute extreme, yet remains highly listenable and definitely danceable, albeit at the slowest of paces. Sacred and narcotic, this is low-end worship amplified to the max. Dive in if you dare.
- A1: Military Cut
- A2: Mc Battle
- A3: Basketball Throwdown
- A4: Fantastic Freaks At The Dixie
- A5: Subway Theme
- A6: Cold Crush Bros At The Dixie
- B1: Double Trouble At The Amphitheater
- B2: South Bronx Subway Rap
- B3: Street Rap
- B4: Busy Bee At The Amphitheater
- B5: Fantastic Freaks At The Amphitheater
- B6: Gangbusters
- B7: Rammellzee & Shockdell At The Amphitheater
- B8: Down By Law
- C1: B Boy Beat
- C2: Yawning Beat
- C3: Crime Cut
- C4: Gangbusters
- C5: Cuckoo Clocking
- C6: Meetings
- C7: Military Cut
- C8: Razor Cut
- C9: Subway Theme
- C10: Busy Bees
- C13: Jungle Beat
- D1: Wildstyle Scratch Tool
- D2: Baby Beat
- D3: Jungle Beat
- E1: Fantastic Freaks Live At The Dixie
- C11: Down By Law
- C12: Baby Beat
GATEFOLD VINYL 2LP - TRANSPARENT BLUE + ORANGE, A2 Colour Poster, 5x Film Set Photos, Flexi Disc, Sticker Sheet
Blurring the lines between fiction and documentary, the seminal film Wild Style, directed by Charlie Ahearn and developed alongside Fred Braithwaite aka Fab Five Freddy, offered an iconic snapshot of the emerging New York hip hop scene in the early ‘80s. Considered one of the first hip hop films, it documents the styles, culture, attitudes, and most importantly, the music of this evolving era. The accompanying soundtrack remains one of the most influential in hip hop history, featuring a who’s who of artists who stood out during the movement’s nascent block party days.
“Making hip hop’s first and most beloved feature film, Wild Style, with Charlie Ahearn and creating the original music is one of my proudest accomplishments.” - Fab 5 Freddy
In celebration of Arrow Films restoring the original Wild Style film in 4K, Mr Bongo is proud to present this special-edition reissue package. The release comes as a double LP pressed on transparent blue and orange vinyl, offering a freshly curated tracklist that brings together the finest songs from previous editions, the full sought-after instrumental album, and Kenny Dope’s top edits. Also included are an A2 colour poster, five film set photos, a flexi disc containing Fantastic Freaks Live at the Dixie, and a Wild Style sticker sheet.
Originally released on Animal Records, founded by Chris Stein of Blondie fame, the soundtrack focuses on the hip hop scene as it evolved from the streets to the recording studio. Co-produced by Stein and Braithwaite, it features the Double Trouble pairing of Rodney Cee and KK Rockwell, The Chief Rocker himself Busy Bee, and the mighty line-ups of both The Cold Crush Brothers and The Fantastic Freaks, to name but a few. The music offers a transportive glimpse into the streets of the South Bronx, capturing the free-form, roaming nature of the film - it’s rough around the edges, but utterly absorbing.
Behind those foundational voices of hip hop’s first wave was a selection of backing beats that have underpinned and influenced the genre ever since. Easily mistaken for lifted breakbeats from old records, the songs on the Wild Style soundtrack are all unique creations. Overseen by Braithwaite and Stein, with Stein also on guitar and effects, they were intended as a homage to those early breakbeats. Drummer Lenny “Ferrari” Ferraro, who played for Aretha Franklin before emerging on the punk scene, and bassist David Harper laid down many of the iconic grooves, two somewhat forgotten participants in shaping a legendary sound.
Over time, the Wild Style soundtrack, with its Charlie Chase and Grand Wizard Theodore scratches, recurring sounds and motifs, and indelible lyrics, has become a hip hop touchstone: endlessly sampled and referenced, the bedrock of so much music to follow. It perfectly encapsulated the essence of the film, the scene, and hip hop’s emergence from the Bronx to the attention of the wider world. It was, and remains, the blueprint.
Kirill Matveev, Rasmus Hedlund, Tm Shuffle
An Actor Is The Only Person...Who Believes In The Words He...
VUO14 delivers a journey through spacey deep techno moods, guided by Kirill Matveev. Side A features two tracks seamlessly blended into one continuous flow, inviting you to either focus on each part individually or let the narrative unfold as a whole.
On the flipside, Rasmus Hedlund takes the listener further into the night, raising the tension with a hypnotic dub excursion. Closing the record, Tm Shuffle reshapes the atmosphere into a bass-heavy, reverberated and house-tinged version - best experienced in front of a powerful sound system.
A versatile record for deep techno selectors and sonic explorers alike.
Fobos Hailey is the sound of a new era. Reminiscent of the anti-authoritarian, boundless soundscapes of the early '90s, his music carries an infectious, ethereal flair of self-determination. Bulletproof oozes liquid confidence and swagger — it's the kind of sound that lights a fire in your belly. Throw it on your sound system, and you'll be dodging bullshit like Neo dodges bullets in The Matrix. Fobos Hailey elegantly showcases the breadth of his production — from heavy-hitting bangers to self-reflective, contemplative jams. Get ready to be dosed with some of the freshest sounds of 2025. This masterful LP reimagines the rave sound we love from the past and pushes it into a future-facing, modern form.
- A1: Neon Pulse
- A2: Rapture In Blue W/ Cecile Believe
- A3: Haze W/ Ellie
- A4: A Silent Shadow W/ Bdrmm
- B1: New Life W/ Yunè Pinku
- B2: Greasy Off The Racing Line W/ Alison Mosshart
- B3: Until The Moon Starts Shaking
- C1: The Ghost Of Her Smile W/ Julie Dawson
- C2: Disturb Me W/ Yeule
- C3: In Keeping (Soon We'll Be Dust) W/ Walter Schreifels
- C4: Tremor
- D1: A Memory Wrapped In Paper And Smoke
- D2: I Feel You W/ Art School Girlfriend
Red Vinyl[30,88 €]
Tremor erscheint zu einem Zeitpunkt, an dem Averys Arbeitspensum für Außenstehende kolossal erscheint. Als Produzent, DJ, Musiker und Remixer, der ständig mit anderen zusammenarbeitet, hat er kürzlich DRONE:NODRONE von The Cure neu interpretiert, wofür er allgemeine Anerkennung erhielt. Seine Arbeit als eines von drei Mitgliedern von Demise of Love (eine Gruppe, die gemeinsam mit Ghost Culture und Working Men’s Club gegründet wurde) liefert derzeit den Soundtrack für die verschwommenen, undurchsichtigen Ränder der Tanzflächen auf der ganzen Welt. Das Album ist Averys erste Veröffentlichung bei Domino.
Die Platte ist voller unerwarteter Kollaborationen, darunter: Yeule, Art School Girlfriend, Ryan von bdrmm, Yune Pinku, Cécile Believe, Walter Schreifels von Rival Schools, Julie von New Dad und Alison Mosshart. „Tremor” wurde teilweise von David Wrench und teilweise vom legendären Alan Moulder gemischt. Es ist ein Breitwand-Album, auf dem sich Daniel mehr denn je auf Instrumentierung stützt und diese Klänge mit seiner charakteristischen, dunklen, techno-ähnlichen Produktion ergänzt. Es gibt wunderschöne melodische Parts, große elektronische Hits, härtere Grunge-Parts und wunderschöne Ambient-Momente, die einen wieder zur Ruhe kommen lassen.
The core duo of Max D and Matt Papich debut on Peak Oil following full-lengths for Future Times and PAN with a fresh suite of tactile, diffuse fusion. Half the collection emerged from a 2021 session at Tempo House rounded out by Dustin Wong, Mezey, and Jeremy Hyman, while the rest took shape in moments both collaborative and isolated, collaged together with CDJs into something more liquid and liminal than the sum of its parts.
Across fractured jazz, pitch-shifted downtempo, revelatory guitar, and interstitial interplay, Lifted’s sound is one of flux, fragments, and filigree. Oblique harmonic synergies dusted in chance encounters and rogue acoustics. Diverse moods mapped with split strings and the space between notes. Music untethered by form or expectation, snaking like an ungrounded cable through a geodesic dome of deep-listening.
Serenity Now returns with the next dose of bangers from DOC ’N ’ P1LL in the form of RX
PRESCRIPTIONS Volume 2.
Following last year ’s widely appreciated debut, the Stockholm-based duo is back with four
brand new club-oriented tracks, once again rooted in their self-made genre Synth-Tech – a
fusion of
synth-driven techhouse, melodic tech and deep house, built around a sound that ’s cerebral
and deep. With their unique sound, DOC ’N ’ P1LL mix snappy drums and percussive
elements with hard-hitting melodies, creating tracks that hit with precision and energy.
Volume 2 explores a wider range of moods while keeping things direct and floor-focused.
From the bouncy opener to the more hypnotic and stripped-down moments, each track
reflects the duo ’s long-standing experience both behind the decks and in the studio.
If Volume 1 laid the foundation for Synth-Tech, this second installment takes it further –
deeper, weirder, and even more confident. Four new flavours. Same prescription. No filler –
just four cuts made for peak-time impact.
- Fyordh - Malabar
- Gotama - Shanti
- Eastern Wizard - El Sueno Santo
- Trabbart, Sahraaoui - Memories
- Rameff - Cosmic Bindi
- Majnoon, Zeynel - Pinarbasi
- Fausto Messina - Pekmez
- Raw Main - Above The Hil
- Tamer Elderini - Monaya
- Bluepaper, Okassus - Exertion
- Carlos Campos, Ravin - Mysterio
- Dj Phellix & Idin Gorji - Aman (Original Mix)
- Vs Prjct - Pianissimo
- Ephlum & Stephane Salerno - Upendo
- Omary - Motherland
- Nora B & Determind - Nho Nguoi Yeu (Original Mix)
Winter Sessions in Courchevel - compiled by DJ Ravin Bereit für den Winter? Mit Winter Sessions in Courchevel präsentiert der legendäre DJ Ravin eine exklusive Doppel-Compilation, die den Soundtrack für stilvolle Höhenflüge liefert - von glamourösen Nächten in den Alpen bis zu entspannten Après-Ski-Momenten. Die Auswahl vereint feinste World Lounge, Electro-Chill und festliche Deep Vibes - perfekt abgestimmt auf die Atmosphäre des Luxus-Skiorts Courchevel. Mit dabei sind renommierte Buddha-Bar-Künstler wie Majnoon, VS Prjct, DJ Phellix, Souhail Artwork, Omary, Carlos Campos und viele mehr. Ob auf exklusiven Partys oder in ruhigen Stunden am Kamin - diese Musik schafft Räume für Emotion, Eleganz und Eskapismus. Jeder Track ist ein Fenster in eine Welt zwischen Tradition und Moderne, zwischen globaler Klangästhetik und alpinem Chic.
Zum 20-jährigen Jubiläum ihres ikonischen Debütalbums Silent Alarm veröffentlichen Bloc Party drei limitierte Jubiläumsformate: eine 2LP auf weißem Vinyl mit dem original Album, eine 2CD Edition mit dem original Album und Bonus Discs, welche Demos, B-Sides und eine BBC Peel Session beinhalten. Außerdem ist ein 12-seitiges Booklet inkl. Lines Notes und einem Vorwort von Produzent Paul Epworth. Die Deluxe-Box umfasst alle oben erwähnte als 4LP Set. 2LP für das original Album und 2LP für die Bonustracks und Raritäten sowie Demos und Sessions. Wobei es hier ein 24-seitiges Booklet mit noch nie veröffentlichten Fotos der Band und exklusive Liner-Notes gibt. Ein Muss für Fans und Sammler gleichermaßen.
White Vinyl
The Modern Soul Septet (later Modern Soul Band) was one of the hottest and most popular dance music groups in East Germany from the late 1960s to the mid-1980s.
In its early years, this band played a very unusual, raw, authentic, and freaky brand of funky Soul-Beat and Jazz-Rock for East Germany, which thrilled many music lovers and dance enthusiasts. The Modern Septett became one of the most booked dance bands in the country and recorded numerous outstanding tracks for the radio. Ahead of their time and too raw and hard for the state label, only two tracks were published in this first creative period. By the mid-70s, the Modern Soul Band had arrived in the midst of Fusion-Jazz and, thanks to their steadily growing popularity, finally received their first LP production in 1976. This album "Soul Komplex" fills a long-overdue gap in the band's discography and is an absolute must for any collector of East German Soul and Jazz.
Previously unreleased East German high class late 1960s and early 1970s funky Soul-Beat and raw Jazz-Rock titels.
- A1: Ashley Mcbryde - Your Cheatin’ Heart (Live On The Grand Ole Opry, September 7Th, 2024)
- A2: Marty Robbins & Marty Stuart - El Paso (Full Circle Mix)
- A3: Patsy Cline - Crazy (Live On The Grand Ole Opry, February 7Th, 1962)
- A4: Johnny Cash - Ring Of Fire (Live On The Grand Ole Opry, August 30Th, 1968)
- A5: Loretta Lynn - Coal Miner's Daughter (Live On The Grand Ole Opry, October 19Th, 1985)
- A6: Darius Rucker - Kiss An Angel Good Mornin' (Live On The Grand Ole Opry, February 14Th, 2021)
- B1: Dolly Parton Feat. Patty Loveless, Marty Stuart - I Will Always Love You (Live On The Grand Ole Opry, May 19Th, 2007)
- B2: Don Schlitz Feat. Vince Gill - The Gambler (Live On The Grand Ole Opry, March 29Th, 2025)
- B3: The Charlie Daniels Band - The Devil Went Down To Georgia (Live On The Grand Ole Opry, March 21St, 2014)
- B4: The Oak Ridge Boys - Elvira (Live On The Grand Ole Opry, February 20Th, 1981)
- B5: Luke Combs - Tennessee Whiskey (Live On The Grand Ole Opry, October 29Th, 2016)
- C1: George Jones & Alan Jackson - He Stopped Loving Her Today (Full Circle Mix)
- C2: Kelsea Ballerini - I Was Country When Country Wasn’t Cool (Live On The Grand Ole Opry, March 19Th, 2025)
- C3: Randy Travis - Forever And Ever, Amen (Live On The Grand Ole Opry, October 4Th, 2011)
- C4: Keith Whitley - Don't Close Your Eyes (Live On The Grand Ole Opry, March 19Th, 1988)
- C5: Reba Mcentire - Fancy (Live On The Grand Ole Opry, September 22Nd, 2017)
- D1: Alan Jackson - Chattahoochee (Live At The Grand Ole Opry's Carnegie Hall Performance, November 14Th, 2005)
- D2: Vince Gill & Patty Loveless - Go Rest High On That Mountain (Live On The Grand Ole Opry, March 14Th, 2015)
- D3: Carrie Underwood - Jesus, Take The Wheel (Live On The Grand Ole Opry, August 10Th, 2018)
- D4: Old Crow Medicine Show, Dom Flemons, Billy Strings, Molly Tuttle - Mama Don’t Allow It / Will The Circle Be Unbroken? (Live On The Grand Ole Opry, August 8Th, 2020)
GATEFOLD DOUBLE VINYL WITH SPOT UV FRONT COVER
Following the skewed-unself-help-brilliance of ‘Sus Dog’ (which marked his first full foray into songs, abetted by Thom Yorke), and its companion piece ‘Cave Dog’, Chris Clark returns to the dancefloor’s simple, but no less affecting pleasures, with ‘Steep Stims’.
“I found it hard to pull away from listening to this record, hard to stop making it, I had to remove myself from the Stims and stop enjoying it at some point. The album feels like nature to me. I love it when electronic music feels more naturalistic than acoustic music, more potent, that’s the devil’s trick, the promise of electronic music.” comments Chris.
“I used an old synth - the Virus on all of the tracks. I used it at Mess in Melbourne - run by my friend Robin Fox - I loved it so much I had to buy one when I got back to the UK, it took a while to find. They’re a bit clunky to program but make some of my most favourite sounds.”
‘Steep Stims’ marks a back-to-basics approach, invoking the early years of gung-ho creativity enforced by limitations in technology at the time. “Most of the tracks on this album capture the spirit of making music on old samplers, which don’t have much memory time”, explains Clark. “It reminds me of making ‘Clarence Park’, my first album, where I would have to finish tunes in the session, as they would be saved on floppy disks and I couldn’t easily go between tracks. This new record is just a few synths and a few choice sounds; the writing is the important thing.”
Made quickly, ‘Steep Stims’ reflects the immediate rave energy of his live show, but that’s not to say it’s basic floor fodder, as it’s rife with personality, synth magic, and knack for melody. Although swift and impressionistically captured rather than laboured over, it’s still formidably deft, with plenty of oddball weirdness lurking beneath the dancefloor.
Soft, orange, scorched, brutal, the opening track ‘Gift and Wound’ captures the classic dance music dread / awe / euphoria combo perfectly, before ‘Infinite Roller’ merges sparkly-minimalism with snarling bass and soft sines, which turn more dense and metallic as it progresses.
The melancholic smoke belch of ‘No Pills U’ gives strong classic vibrations, which is belied by its creation, made in just 20 minutes. “I love working quickly sometimes”, comments Clark. “Inspiration hits, rough and ready. It’s off the cuff but also screams ‘don’t gild the lily with nonsense, keep it simple keep it clean’”. Segueing into its elder brother, the piece becomes bigger and beatier on ‘Janus Modal’, where it permutates for over 7 minutes of fluttering, beatific club majesty.
At ‘18EDO Bailiff’ you inexplicably find yourself at a clearing, things have suddenly got much quieter. You enter a decrepit and eerie old house, and as you move through its unsettling interior, you arrive at ‘Globecore Flats’. A real piano tuned to 18 notes per octave gives the pair of tracks a haunted, olde worlde feel, which promptly gets eaten by a huge tech step tearout monster, birthing a strange but exotic beast.
The white hot ‘Blowtorch Thimble’ is all hooktasm-rave-hyper-amen-energy, whilst acidic flute leaps around like Ian Anderson on pingers throughout the catchily simple jump-up lurch of ‘Civilians’.
“‘In Patient’s Day Out’ is like some sort of Morricone-does-kraut-rock-with-drum-machines, but that’s probably just in my head” says Clark. “I made several versions of this then went with the early mix but cranked through some choice outboard because it just had something.”
Drumless, yet still full of exhilarating-big-trance-drama, ‘Who Booed The Goose’ flashes by in stroboscopic fast forward, then ‘5 Millionth Cave Painting’ gives a palate cleanser, letting “the virus with its delicious broken, luxurious reverb have a moment”, before ‘Negation Loop’ swoops down in all its glory, with Clark’s tweaked vocals leading deconstructed trance breakdowns, tape edits and brutal noisebursts.
An antidote to the bombast of its predecessor is ‘Micro Lyf’, which closes the set on a poignant note, of sorts. Muted staccato gives way to field recordings “that gradually put it in this outside space; alien in a meadow somewhere nameless. It feels like a sinkhole. The record kinda swallows itself up and then is gone”, ends Chris.
Berlin’s ZentaSkai returns to his Mask Records with the ‘Billie’ EP, collaborating with Palawan, Jeremy Reinhard, and Thomas Grün for release on vinyl only, 2nd November 2025. He kicks off with the solo cut 'A1', which is quick, sophisticated, raw House with a funky clip to the beats that diffuses heat in the grainy sustained pads. It brings serene emotional release through stylish hypnosis and gorgeous vocals that blend seamlessly into the mix. Next, ZentaSkai collaborates with the mysterious Palawan, as he did on one track of his 2023 album The Architecture Of The Mind, on 'A2.' This one suspends you in backlit synth glows while rounded drums and funky claps tap out the supple rhythm. Cautious hope comes from the quiet chord stabs and soft focus melodies in what is a masterclass in deep Techno minimalism. 'B1' reunites ZentaSkai with Cologne's Jeremy Reinhard following previous cuts on that same 2023 album. Reinhard has long been a pillar of his local Berlin scene as a resident DJ, but also the wider underground with his own label Lekker Record. Their track taps into dub depths but ups the pace and allows radiant synths to piece the surface next to muttered spoken word that keep it intimate and perfectly seductive for body and mind. Last of all is a collab with Austrian Thomas Grün, who has been shaping deep and Tech House with his immaculate grooves for decades. Their 'B2' brings US garage snares to buoyant drums and douses them in layers of fuzzy synth warmth. It's meditative yet direct with an ever-rising sense of hope that makes it all the more indelible. ZentaSkai (aka No Mad Ronin, Matt Nowak, and MASK) is a German DJ and producer active since 1997. Based out of his studio in Berlin, ZentaSkai runs the Zaijenroots label and, since 2017, the Mask sub-label, which houses his stunning 2023 ‘Architecture of the Mind’ LP as well as his Cuddling Monsters project with Laura Merino Allue, who has been significantly involved in the label's work since 2023. - with other credits including a release on Jerome Sydenham’s Ibadan Records and support from the likes of Richie Hawtin, Joseph Capriati, Marcel Dettmann, Luke Slater, Laurent Garnier, DVS1, Ben Sims, and Radio Slave.
Ohne Musik kein Kino. Ohne Philippe Sarde kein französisches Kino!
Philippe Sarde ist einer der größten Filmkomponisten. Das ist umso bemerkenswerter, als er seine gesamte
Karriere in Frankreich und bei französischen Produktionen verbracht hat. Er ist verantwortlich für die
Musik von „Les choses de la vie“ (Claude Sautet), „Mort d’un pourri“ (George Lautner), „Beau-père“
(Bertrand Tavernier), „La guerre du feu“ (Jean-Jacques Annaud) und „Music Box“ (Costa Gavras). Es
brauchte ein „Best Of“, um die 50-jährige Karriere dieses Giganten zu feiern. In 40 Titeln durchquert er
Epochen, Genres und Atmosphären. Unverzichtbar für jeden großen Musikfan. Dieses Album ist als CD
und Doppel-Vinyl erhältlich und enthält Auszüge aus den 40 Original-Soundtracks der Filme, die 10 Jahre
lang bei BMG digital veröffentlicht wurden, sowie den Titel „La chanson d’Hélène“ aus dem B.O. „Les
choses de la vie“.
Johnny Marr, einer der einflussreichsten Gitarristen seiner Generation, wagte 2013 mit seinem Debütalbum
„The Messenger“ den Schritt in die Solo-Karriere und erreichte damit die Top 10 der britischen Albumcharts. Nun erscheint dieses bahnbrechende Soloalbum in einer exklusiven, limitierten Vinyl-Edition mit
dem stilvollen „Messenger Marble“-Design – ein absolutes Muss für Fans und Sammler. „The Messenger“
markierte einen entscheidenden Wendepunkt in der Karriere des Kultgitarristen und festigte seinen Status
als Solokünstler nach Jahren erfolgreicher Kollaborationen. Das Album zeigt Marrs Songwriting-Talent und
seinen unverwechselbaren musikalischen Stil, der über seine Arbeit mit The Smiths hinausreicht. Von der
energiegeladenen Hymne des Titelsongs und „Upstarts“ bis zur introspektiven Schönheit von „New Town
Velocity“ entführt das Album den Hörer in Marrs vielfältige musikalische Welt.
Die unvergleichliche Klangqualität des Albums, aufgenommen in Großbritannien und Berlin und gemischt
in den legendären Abbey Road Studios, wird in dieser Sammleredition perfekt wiedergegeben. Ob Sie das
Album zum ersten Mal hören oder es erneut entdecken – „The Messenger“ ist ein Beweis für Johnny Marrs
außergewöhnliches Talent und ein Meilenstein der modernen Gitarrenmusik.
Erleben Sie „The Messenger“ in diesem besonderen neuen Format: Die Neuauflage auf der exklusiven
„Messenger Marble“-Vinyl ist ab dem 21. November 2025 erhältlich.
Blue-Note-Produzent Alfred Lion hielt den Pianisten und Komponisten Andrew Hill für ebenso einzigartig
wie Thelonious Monk und dokumentierte seine Musik mit seltener Leidenschaft. Obwohl die Alben, auf
denen Hill ausschließlich eigene Kompositionen präsentierte, damals nicht zu den Bestsellern des Labels
gehörten, ließ Lion ihn zwischen 1963 und 1970 ein rundes Dutzend aufnehmen. “Judgment!” entstand
1964 in einer besonders fruchtbaren Phase, in der der Pianist innerhalb von nur vier Monaten und stets
unterstützt von anderen innovativen Musikern auch die Alben “Black Fire”, “Smoke Stack” und “Point Of
Departure” für Blue Note einspielte.
1[35,71 €]
++ Packende Roman- und Hörspiel-Fortsetzung, brandneues Musikalbum und inspirierendes FantasyAbenteuer für die ganze Familie – „DÄMMERLAND II – Zwischen zwei Himmeln“ greift die Fäden des
gefeierten Erstlings auf und verspricht jede Menge neue Abenteuer ++
Das einzigartige Musik- und Fantasy-Adventure geht in die nächste Runde: Anknüpfend an den sensa- len #2-Charteinstieg im vergangenen Jahr, erscheint „DÄMMERLAND II – Zwischen zwei Him
“ im November 2025! Auch der von Malte Hoyer (Versengold), Hannes Braun (Kissin’ Dynamite)
Annie Hurdy Gurdy konzipierte Nachfolger, der mit einer musikalischen Starbesetzung wie Versen
Joachim Witt, Bülent Ceylan, Eisbrecher, The Dark Tenor, Beyond the Black und vielen weiteren
artet, verspricht packendes Fantasy-Storytelling und den passenden Soundtrack dazu: Der illustri
Fortsetzungsroman „DÄMMERLAND II“ wird flankiert vom gleichnamigen Studioalbum und einem
ren Hörbuch-Highlight für die ganze Familie
- A1: Mehr
- A2: Sonne
- A3: Augenblick
- A4: Porzellan
- A5: Unter Wasser
- A6: Wie Ich Den Marilyn-Manson-Ähnlichkeitswettbewerb Verlor
- A7: Unsichtbar
- A8: Apocalypse Wann Anders
- A9: Schon Wieder
- A10: Immer Noch
- A11: Alle Dasselbe
- A12: Kein Zurück
- A13: Dermitder
- A14: Dusche
- A15: Noch Einmal
Damit eins gleich klar ist: Auf FARIN URLAUBs zweitem Album ist erst mal Schluss mit lustig.
Es dauert ganze vier Verse, und ein unmissverständliches „Feuer frei“ legt einem nahe, den Kopf für den
Rest des Albums lieber unten zu halten … und besser isses, denn es wird fortan konsequent mit der Gitarre
niedergemäht, was nicht in geduckter Haltung hinterm umgekippten Esstisch kauert*. Sogar die SkaAnleihen klingen nach Ska-ta-ta-ta-ta.
Und Pustekuchen für jeden, der glaubt, sich am wohlvertrauten Sound durch das hangeln zu können, was
da auf einen niederhagelt.
Da kommt einer eigenständig – aber diesmal nicht allein. FARIN URLAUB schart erstmals Teile seines
„Orchester voll Dynamit“ um sich, das ihn fortan live begleitet: Zwar spielt er – Bläser ausgenommen –
wieder alle Instrumente selbst ein, doch die Damen vom RACING TEAM leihen ihm diesmal ihre Stimmen.
Kein Wunder also, dass AM ENDE DER SONNE schnurstracks auf die 1 ging.
URLAUB hat ein fieses Album in eine fiese Welt geworfen. Eine Welt, über der ein teilnahmsloser Lichtball
prangt, um irdisches Elend unbarmherzig auszuleuchten („Sonne“). Eine Welt, in der man’s nicht einmal
mehr schafft, das Meer romantisch zu verklären („Unter Wasser“), weil man vom eigenen Haushalt mit
Anlauf aufs Maul kriegt („Dusche“), während einer mit dem Schraubenschlüssel rhythmisch auf die Heizung
hämmert.
Die 180-Gramm-Vinyl-Wiederveröffentlichung von AM ENDE DER SONNE erscheint am 21.11.2025 mit
Downloadcode.
*) Das Album ist nicht nur gewaltig, es ist auch großzügig, denn eventuell gibt’s einen Hidden-Track.
- A1: Side A
- B1: Side B
Limitierte Vinyl-Auflage des 2021er Tapes ""Brooklyn Pirates: Neighbourhoods In The Sky, 2014–2021"" (Death Is Not The End), einer Recherche in den Archiven des Radiomoderators David Goren aus Brooklyn, New York. Seit mehreren Jahren erforscht dieser die Piratensender-Community in NYC und produziert Sendungen & Podcasts für BBC World Service und KCRW. In jüngster Zeit katalogisiert Goren seine Streifzüge durch die lokalen Frequenzen mithilfe der Brooklyn Pirate Radio Sound Map (BPRSM) und spürt so den noch immer bestehenden Verbindungen zwischen nicht lizenziertem Rundfunk und der lokalen Nachbarschaftskultur Brooklyns im digitalen Zeitalter nach.
Vorliegende Sammlung vereint Cut-Up-Aufnahmen von wilden Soca-Jams, Kompas über Wahlnachrichten aus Grenada, haitianischen Traueranzeigen und Werbung für jamaikanische Patty-Shops und spirituelle Heiler – samt Sendungen türkischer, orthodoxer und sephardisch-jüdischer Piratensender. Die B-Seite deckt den Zeitraum von Mitte der 2010er bis Anfang 2021 ab und fängt insbesondere die einzigartig eigenwilligen und hyperlokalen Reaktionen der Brooklyn Pirates auf den globalen Zerfall der frühen 2020er Jahre ein – Coronavirus-Pandemie, George Floyd, Biden-Wahl, u.a. – und dient als wichtiges Dokument der Sozialgeschichte, das den Wert von DIY-Community-Sendungen in einer Zeit weltweiter Lockdowns und des völligen Zusammenbruchs der Politik demonstriert.
Tracklisting:
- On Our Own Way
- Elfnsafety
- Class Of 65
- Generation Apart
- Sussed You Out
- Cant Be Arsed
- Dont Wanna Be Like You
- Queen Of Sleeze
- Stand
- Fry Up
- Your Old Man
- Spirit Unbroken
"On the Huh" is taken from the deepest UK slang term 'on the huh' meaning: Not level, crooked or wonky. Comprised of singer Sloss (Braindance), guitarist Chris (Infa Riot), bassist Dave (Special Duties) and drummer Tom (Infa Riot), "ON THE HUH" from Norwich have taken the scene by storm with their first album "Bit on the side", which was sold out in a few weeks. Now it's time for their new album "Second Time Around"! The 12 new songs are a perfect match of glam, brickwall, and streetpunk with strong Oi! and rock and roll influences. "On the Huh" are "on our own way" and what really sets this record miles apart, however, is the sense for catchy songwriting and the fun and authenticity they convey with every chord. "Class of 65" is a melodic homage to the original Mods from the 1960s and the youth cult that like rock and roll, influenced rebels and subcultures from Punk, Oi to Brit-Pop and beyond. Society is changing, but good old British punk rock will never go out of style. Songs like "Generation apart" or "Spirit unbroken" hit the bullseye. When you sit at the bar in an English pub after work, watching the guys at the dartboard, 'On the Huh' could be sitting at the next table. From the jukebox, 'Sussed Out' and 'Don't Wanna Be Like You' are blasting. You take a big sip of your pint, smile quietly to yourself, and nod. Outside, the world keeps spinning rapidly and has forgotten what really matters. "'Second time around' is like an old friend to you_ `Is there a more beautiful compliment for a band and their music?
"On the Huh" is taken from the deepest UK slang term 'on the huh' meaning: Not level, crooked or wonky. Comprised of singer Sloss (Braindance), guitarist Chris (Infa Riot), bassist Dave (Special Duties) and drummer Tom (Infa Riot), "ON THE HUH" from Norwich have taken the scene by storm with their first album "Bit on the side", which was sold out in a few weeks. Now it's time for their new album "Second Time Around"! The 12 new songs are a perfect match of glam, brickwall, and streetpunk with strong Oi! and rock and roll influences. "On the Huh" are "on our own way" and what really sets this record miles apart, however, is the sense for catchy songwriting and the fun and authenticity they convey with every chord. "Class of 65" is a melodic homage to the original Mods from the 1960s and the youth cult that like rock and roll, influenced rebels and subcultures from Punk, Oi to Brit-Pop and beyond. Society is changing, but good old British punk rock will never go out of style. Songs like "Generation apart" or "Spirit unbroken" hit the bullseye. When you sit at the bar in an English pub after work, watching the guys at the dartboard, 'On the Huh' could be sitting at the next table. From the jukebox, 'Sussed Out' and 'Don't Wanna Be Like You' are blasting. You take a big sip of your pint, smile quietly to yourself, and nod. Outside, the world keeps spinning rapidly and has forgotten what really matters. "'Second time around' is like an old friend to you_ `Is there a more beautiful compliment for a band and their music?
"On the Huh" is taken from the deepest UK slang term 'on the huh' meaning: Not level, crooked or wonky. Comprised of singer Sloss (Braindance), guitarist Chris (Infa Riot), bassist Dave (Special Duties) and drummer Tom (Infa Riot), "ON THE HUH" from Norwich have taken the scene by storm with their first album "Bit on the side", which was sold out in a few weeks. Now it's time for their new album "Second Time Around"! The 12 new songs are a perfect match of glam, brickwall, and streetpunk with strong Oi! and rock and roll influences. "On the Huh" are "on our own way" and what really sets this record miles apart, however, is the sense for catchy songwriting and the fun and authenticity they convey with every chord. "Class of 65" is a melodic homage to the original Mods from the 1960s and the youth cult that like rock and roll, influenced rebels and subcultures from Punk, Oi to Brit-Pop and beyond. Society is changing, but good old British punk rock will never go out of style. Songs like "Generation apart" or "Spirit unbroken" hit the bullseye. When you sit at the bar in an English pub after work, watching the guys at the dartboard, 'On the Huh' could be sitting at the next table. From the jukebox, 'Sussed Out' and 'Don't Wanna Be Like You' are blasting. You take a big sip of your pint, smile quietly to yourself, and nod. Outside, the world keeps spinning rapidly and has forgotten what really matters. "'Second time around' is like an old friend to you_ `Is there a more beautiful compliment for a band and their music?
Aldean feiert seine beispiellose Erfolgsgeschichte in den Musikcharts mit der Veröffentlichung von „Jason
Aldean – 30 Number One Hits“. Diese umfassende Sammlung vereint all seine Nummer-1-Hits und bietet
Fans den ultimativen Soundtrack der letzten zwei Jahrzehnte der Country-Musik. Von seinem sensationellen
Debütalbum von 2005 bis hin zu seinen jüngsten Charttoppern – diese definitive Veröffentlichung dokumentiert die Karriere eines modernen Musikstars, dessen Musik bis heute den Sound der Country-Musik prägt.
Ob Sie ein treuer Fan sind oder seine Musik erst jetzt entdecken: „30 Number One Hits“ ist eine Hommage
an Aldeans unübertroffene Erfolgsgeschichte und ein absolutes Muss für jede Country-Musik-Sammlung.
- A1: I Saw Her Standing There (Take 2)
- A2: Money (That’s What I Want) (Rm7 Undubbed)
- A3: This Boy (Takes 12 And 13)
- A4: Tell Me Why (Takes 4 And 5)
- A5: If I Fell (Take 11)
- A6: Matchbox (Take 1)
- A7: Every Little Thing (Takes 6 And 7)
- A8: I Need You (Take 1)
- B1: I’ve Just Seen A Face (Take 3)
- B2: In My Life (Take 1)
- B3: Nowhere Man (First Version – Take 2)
- B4: Got To Get You Into My Life (Second Version – Unnumbered Mix)
- B5: Love You To (Take 7)
- B6: Strawberry Fields Forever (Take 26)
- B7: She’s Leaving Home (Take 1 – Instrumental)
- C1: Baby, You’re A Rich Man (Takes 11 And 12)
- C2: All You Need Is Love (Rehearsal For Bbc Broadcast)
- C3: The Fool On The Hill (Take 5 – Instrumental)
- C4: I Am The Walrus (Take 19 – Strings, Brass, Clarinet Overdub)
- D1: Hey Bulldog (Take 4 – Instrumental)
- D2: Good Night (Take 10 With A Guitar Part From Take 5)
- D3: While My Guitar Gently Weeps (Third Version – Take 27)
- D4: (You're So Square) Baby I Don't Care (Studio Jam)
- D5: Helter Skelter (Second Version – Take 17)
- D8: Julia (Two Rehearsals)
- E1: Get Back (Take 8)
- E2: Octopus's Garden (Rehearsal)
- E3: Don't Let Me Down (First Rooftop Performance)
- E4: You Never Give Me Your Money (Take 36)
- E5: Here Comes The Sun (Take 9)
- E6: Something (Take 39 – Instrumental – Strings Only)
- F1: Free As A Bird (2025 Mix)
- F2: Real Love (2025 Mix)
- F3: Now And Then
- D6: I Will (Take 29)
- D7: Can You Take Me Back? (Take 1)
Anthology 4 - Triple LP. The new volume from The Beatles Anthology Collection.
Anthology 4, is newly curated by Giles Martin, including 13 previously unreleased demos, plus fascinating session and other rare recordings dating from 1963 to 1969. It also includes the band’s final single, ‘Now And Then’, released in 2023, and new mixes of The Beatles’ Anthology-associated hit singles: the GRAMMY-winning ‘Free As A Bird’ and ‘Real Love’, given new life by their original producer, Jeff Lynne, using de-mixed John Lennon vocals. Furthermore, Anthology 4 presents 26 tracks that have never previously been released on vinyl.
The track notes are written by Kevin Howlett with an introduction compiled from 1996 interviews recorded with The Beatles’ close friend and adviser Derek Taylor.
Pressed on 180g black vinyl, the triple LP is housed within poly-lined inner bags and a triple gatefold sleeve.
- 1: Sign Of A Storm
- 2: Pouring
- 3: By Silent Wings
- 4: The Rising Of The Flames
- 5: The Gallant Crow
- 6: The Everdarkgreen
- 7: The Rising Of The Flames (Bonus Track)
- 8: Chorale (Bonus Track)
Amber/Black Smoke Vinyl[36,35 €]
Skepticism's celebrated debut album's 30th anniversary edition with bonus material out in November Stormcrowfleet, Skepticism's monumental 1995 debut, remains a landmark of funeral doom — an album that defined both a sound and a legacy. This 30th anniversary edition of the classic was newly mixed from the original tape reels by Anssi Kippo in 2018 at Astia Studio under supervision of the band and is now freshly cut for vinyl. "Stormcrowfleet was originally released on CD. Instead of taking the easiest route we wanted to make the vinyl version the best it can be. We bought the multi-track tapes at the end of the recording sessions back in the day and have stored them for possible later use. This use became the Stromcrowfleet reissue - not just a vinyl edition but a complete remix of the album from the original recordings." "In the remix sessions nothing was added or changed in the original recordings. The mix was done at Astia-studio with high quality analog equipment. In fact most of the equipment used did exist in 1995. What did not exist back in then was more than two decades of audio engineering tradition dedicated to processing extreme metal. In this process that tradition manifested in the form of Anssi Kippo - multiple award winning producer who handled the mixing in co-operation with the band members. In short the target was not to do a different mix but one with the original vision for the album with better equipment and engineering." comments the band. The 30th anniversary edition of Stormcrowfleet features two bonus tracks from the 1994 demo cassette AEOTHE KAEAR cut directly from the original studio master tape, released on vinyl now for the first time ever. Also including a special anniversary edition booklet illustrating the making of the album. A milestone of doom metal history, expanded and reintroduced for a new generation.
- 1: Sign Of A Storm
- 2: Pouring
- 3: By Silent Wings
- 4: The Rising Of The Flames
- 5: The Gallant Crow
- 6: The Everdarkgreen
- 7: The Rising Of The Flames (Bonus Track)
- 8: Chorale (Bonus Track)
Black Vinyl[32,35 €]
Skepticism's celebrated debut album's 30th anniversary edition with bonus material out in November Stormcrowfleet, Skepticism's monumental 1995 debut, remains a landmark of funeral doom — an album that defined both a sound and a legacy. This 30th anniversary edition of the classic was newly mixed from the original tape reels by Anssi Kippo in 2018 at Astia Studio under supervision of the band and is now freshly cut for vinyl. "Stormcrowfleet was originally released on CD. Instead of taking the easiest route we wanted to make the vinyl version the best it can be. We bought the multi-track tapes at the end of the recording sessions back in the day and have stored them for possible later use. This use became the Stromcrowfleet reissue - not just a vinyl edition but a complete remix of the album from the original recordings." "In the remix sessions nothing was added or changed in the original recordings. The mix was done at Astia-studio with high quality analog equipment. In fact most of the equipment used did exist in 1995. What did not exist back in then was more than two decades of audio engineering tradition dedicated to processing extreme metal. In this process that tradition manifested in the form of Anssi Kippo - multiple award winning producer who handled the mixing in co-operation with the band members. In short the target was not to do a different mix but one with the original vision for the album with better equipment and engineering." comments the band. The 30th anniversary edition of Stormcrowfleet features two bonus tracks from the 1994 demo cassette AEOTHE KAEAR cut directly from the original studio master tape, released on vinyl now for the first time ever. Also including a special anniversary edition booklet illustrating the making of the album. A milestone of doom metal history, expanded and reintroduced for a new generation.
- Advance
- Extended Field
- Suspension
- Impulse Array
Extended Field vereint Horse Lords und Arnold Dreyblatt für die achtzehnte Ausgabe von FRKWYS, einer generationsübergreifenden Zusammenarbeit abenteuerlustiger Musiker, die sich von der klanglich strahlenden Welt der reinen Stimmung angezogen fühlen - einem alten Stimmungssystem, bei dem die Tonintervalle aus ganzzahligen Verhältnissen abgeleitet werden. Dreyblatt tauchte erstmals in den 1970er Jahren in New York in diesen Ansatz ein, während Horse Lords fast vier Jahrzehnte später begannen, dessen Möglichkeiten zu erforschen und anzuwenden. Gemeinsam schaffen sie eine lebendige harmonische Umgebung, die von ihrer gemeinsamen Leidenschaft für Rhythmus angetrieben wird und eine Verbindung von diskreter, aber verwandter Ästhetik für die Ewigkeit herstellt. Dreyblatt ist ein Pionier des psychoakustischen Phänomens und war von 1975 bis 1977 Assistent von La Monte Young, bevor er bei dem legendären Alvin Lucier an der Wesleyan University studierte. Er entdeckte die klangliche Kraft angeregter Saiten, rüstete einen Kontrabass mit Klaviersaiten nach und schlug mit schnellen Schlägen darauf, um einhüllende Wolken metallischer Obertöne zu erzeugen. Dreyblatts Album Nodal Excitation aus dem Jahr 1982 legte einen klanglichen Entwurf fest, der bis heute das Herzstück seiner pulsierenden Musik bildet. Schließlich zog er nach Berlin und leitete im Laufe der Jahre verschiedene Ensembles, die das kompositorische Gerüst, das er um seine klingenden Töne herum aufgebaut hatte, verstärkten und interpretierten. Im Gegensatz zu Dreyblatts hyperfokussierter Praxis haben Horse Lords einen ganz eigenen ekstatischen, hybriden Sound entwickelt: Hard-Driving-Rhythmen unterstützen eine Kollision aus traditioneller Ritualmusik, Free Jazz und spektral brillanten elektronischen Schauern psychoakustischer Klänge. Nachdem sie sich mit ihrem 2020 erschienenen Album ,The Common Task" eine treue Fangemeinde aufgebaut hatten, zog der Großteil der Band 2021 nach Deutschland, wobei sich Gitarrist Owen Gardner und Bassist Max Eilbacher in Berlin niederließen und Saxophonist Andrew Bernstein nur wenige Stunden entfernt in Bayern. Schlagzeuger Sam Haberman blieb in Baltimore, trifft sich aber weiterhin mit der Band für Albumaufnahmen, darunter das 2023 erscheinende Album ,Comradely Objects", und ausgedehnte Tourneen. Ohne es zu wissen, teilten beide Seiten ein gegenseitiges Interesse an der Musik des anderen. Anfang 2017 schlug Dreyblatts langjähriger Kollege und Freund Werner Durand ihm vor, sich die Band anzuhören. Er erinnert sich: ,Nachdem ich sie gehört hatte, antwortete ich schnell: ,Klingt großartig! Ein bisschen wie meine Musik. Ich habe noch nie von ihnen gehört!` Ich schickte ihnen eine Nachricht über ihre Bandcamp-Seite, und sie antworteten: ,Hallo! Danke für die Nachricht, wir sind große Fans deiner Musik!` Aber erst als Dreyblatt die Band im Oktober 2021 in Berlin sah, kreuzten sich ihre Wege endlich. Einige Tage später schlug Bernstein eine Zusammenarbeit vor. Dieser Prozess verlief langsam, aber sicher; beide Seiten waren sehr beschäftigt, und als die Musiker schließlich zusammenkamen, mussten sie unterschiedliche harmonische Vorstellungen miteinander in Einklang bringen und brauchten jemanden, der Haberman am Schlagzeug ersetzte. Dreyblatt schlug Andrea Belfi vor, einen angesehenen italienischen Schlagzeuger und Komponisten, der in Berlin lebt. In den folgenden Kompositionssitzungen lernten Horse Lords und Dreyblatt die Feinheiten der harmonischen Vorlieben des jeweils anderen kennen und fanden Wege, diese zu einem einheitlichen Klang zu verschmelzen. ,Andrew und Owen schlugen Strukturen für die Navigation durch meine Tonsysteme vor", erklärt Dreyblatt, ,während Max in SuperCollider gewichtete algorithmische Frequenzmuster entwickelte." Viele Bewohner des Stimmungsuniversums haben hartnäckige Überzeugungen darüber, was richtig und was falsch ist, daher ist die Geduld und Offenheit beider Seiten ziemlich ungewöhnlich, wobei die Partnerschaft faszinierende Akzente und Veränderungen hervorbringt. ,Als Fans von eingeschränkter/algorithmischer Kunst (nicht der schlechten Art!) haben wir beschlossen, diese Matrix in den Mittelpunkt unserer Entscheidungsfindung zu stellen, um uns sowohl eine nicht willkürliche Möglichkeit zu geben, die ansonsten unendlichen Möglichkeiten zu begrenzen, mit denen man bei der Komposition mit Zahlen konfrontiert ist, als auch einen Ausweg aus festgefahrenen Gewohnheiten", schreibt Gardner über die Schaffung von Grenzen für ihre harmonischen Welten. Anstatt den Prozess einzuschränken, zwang diese Entscheidung die Musiker, ihre Komfortzone zu verlassen, und erforderte mehr Einfallsreichtum und Bedachtsamkeit bei ihren Entscheidungen. Das Endergebnis ist weit mehr als die Summe seiner Teile, da beide Parteien sich auf die Ideen des anderen einlassen, ohne die Vorrangstellung ihrer eigenen Ideen zu opfern. Der galoppierende polyrhythmische Antrieb, der ein charakteristisches Merkmal der Musik von Horse Lords ist, bleibt allgegenwärtig, und ein Stück wie ,Extended Field" nutzt die numerische Matrix von Dreyblatts System sowohl harmonisch als auch rhythmisch. In dem sich endlos wandelnden Drone-Stück ,Suspension" umschmeicheln Horse Lords Dreyblatts gestreifte Bogenstriche mit ihren eigenen pulsierenden Tönen. Obwohl ihre Rolle in den jeweiligen Werken unterschiedlich ist und sie im Verhältnis zu anderen Elementen in unterschiedlichen Anteilen vorkommen, ist die harmonische Erforschung das Herzstück dieser atemberaubenden Zusammenarbeit. Wie man im Schlussstück ,Impulse Array" erkennen kann, führt das Stöbern der Horse Lords in Dreyblatts Matrix zu den klanglichen Entdeckungen, für die sie leben. Wie Gardner bemerkt: ,Jede Wendung offenbart einen überraschenden, aber irgendwie unvermeidlichen neuen Akkord, dessen Verlauf seltsamerweise an einen Bach-Choral erinnert, der sowohl sehr zielgerichtet als auch ohne Ziel ist."
Moving Pressure marks its fifth release, and the first one to stretch across a double vinyl with full sleeve artwork. It isn't framed as an album, yet its sequencing carries a narrative weight that lingers between immediacy and introspection.
MP05 welcomes on board Australian producer Connor Wall, whose work fuses tightly wound rhythm and immersive atmosphere, balancing precision with a sense of openness. His sound is rooted in the physical pull of the dancefloor, yet drawn toward zones of suspension and elusion. And Moving Pressure 05 captures that duality very clearly. Momentum sets the tone from the outset - taut drum programming, metallic accents, and structures that build energy in decisive bursts. There's a sense of propulsion that feels engineered for peak hours, exuding a tightening grip on the floor. Gradually, tension loosens up, stretching patterns into spirals, layering vaporous pads and resonant low-end that opens a more interior space.
Together, the two arcs trace Wall's range with clarity: body and mind, force and dissolve. Rather than presenting opposites, they reveal different angles of the same language. An exploration of density, atmosphere, and the subtle thresholds between the two.
Dijon hatte mit Absolutely (2021) bereits bewiesen, wie man musikalische Narrative durch Performance-Visuals neu definiert. Nach diesem Generationen-Debüt zog sich Dijon zurück, gründete eine Familie und ließ Fans gespannt auf das Nachfolgewerk warten.Am 15.08.2025 veröffentlichte Dijon sein neues Album "Baby".Das neue Album entstand hauptsächlich in Isolation zu Hause, in enger Zusammenarbeit mit musikalischen Mitstreitern wie Andrew Sarlo, Henry Kwapis und Michael Gordon. Baby ist erneut ein definierendes Werk von Dijon, das bereit ist, die zeitgenössische Musiklandschaft zu prägen und damit auch für Vinyl-Enthusiasten von großem Wert sein wird.
- Jawbreaker
- Reckoning
- Genie's Got A Problem
- Weekend Suffering
- Borderline Crazy
- Check Your Head
- Sick Adrenaline
- Everybody Riot
- Go Fuck Yourself
- Chaos In A Bombshell
- Devilicious
This exclusive repress comes as a special edition limited vinyl in red, yellow, and white splatter - the signature Peacemaker colours. The Cruel Intentions are finally re-issuing their long sold-out debut album No Sign of Relief! The band has gained massive international attention after being featured on the soundtrack of HBO Max's hit series Peacemaker, directed by James Gunn. On "No Sign of Relief" you'll find the tracks Jawbreaker, Borderline Crazy, Sick Adrenaline and Reckoning - four songs personally handpicked by Gunn for the series. This exclusive repress comes as a special edition limited vinyl in red, yellow, and white splatter - the signature Peacemaker colours. "No Sign of Relief" is an album bursting with confidence and energy that instantly rubs off on the listener. It's groovy, angry, cheeky, and fun - music that sparks emotions of rage, joy, confidence, and pure excitement.
Zum 15-jährigen Karrierejubiläum der belgischen Songwriterin Selah ist es Zeit für ihr allererstes LiveAlbum mit dem Titel ”As One”.
Das Best Of Live , daß alle ihre großen Hits enthält (”Raggamuffn”, ”This World”, ”Alone”, ”Pills”...).
Als Blu Ray ist die Live Show, die im letzten Jahr in Löwen – Het Depot (Belgien) aufgenommen wurde,
der CD Version beigefügt.
- A1: Feat. Victoria Hillestad High Life 1:26
- A2: Feat. Victoria Hillestad Here Comes The King (Extended Album Version) 1:28
- A3: Remis 1:49
- A4: Ruby In A Rush 1:05
- A5: Ruby's Dreams 1:23
- A6: Feat. Kenyatta Joyner First And Last (Extended Album Version) 3:04
- A7: James' Suspension 1:47
- A8: Saying Sorry 2:07
- A9: Charming Rivalry 1:03
- A0: The Flagship Store 2:08
- A1: Romance Interrupted 1:31
- A2: Feat. Victoria Hillestad Feels Like Home (Extended Album Version) 2:27
- B1: Young Beaufort 2:07
- B2: Feat. Dominik Büchele A Secret Place (Extended Album Version) 3:22
- B3: Graham's Declaration - Wtf ?! 2:04
- B4: Under Water 1:53
- B5: Feat. Victoria Hillestad Let Down (Extended Album Version) 3:32
- B6: In Between Two Worlds 2:54
- B7: What Do You Want? 4:04
- B8: Feat. Victoria Hillestad Let Down (Acoustic Version) 0:53
- C1: Off To A Good Start 1:37
- C2: James' Fragile Heart 4:33
- C3: The Funeral 4:31
- C4: You Have A Good Heart 2:17
- C5: Marching Theme 1:06
- C6: James' Testimonial 5:32
- C7: An Unexpected Visit 1:21
- C8: An Invitation To London 1:13
- D1: It's Perfect 2:22
- D2: Feat. Kenyatta Joyner Let Go 1:46
- D3: The Will 1:53
- D4: Feat. Victoria Hillestad Our Land 2:51
- D5: Just The Two Of Us 1:24
- D6: The Future Belongs To The Believer 1:32
- D7: The Interrogation 2:02
- D8: Feat. Victoria Hillestad Stories Yet To Be Told 3:19
- D9: Syml Carry No Thing 3:30
"The complete Helluva Boss: Season 1 (Original Soundtrack) from hit animated series Helluva Boss created by Vivienne “VivziePop” Medrano. Includes a brand new original song “BUZZZN,” full version of “My World Is Burning Down Around Me”, “Rock Version” of “I.M.P Jingle,” and a Garry Blipp cover of “Oh Millie.”
Featuring original music by Sam Haft and vocals from cast members including Brandon Rogers (Blitzo), Bryce Pinkham (Stolas), Richard Horvitz (Moxxie), Vivian Nixon Williams (Millie), Erica Lindbeck (Loona), Norman Reedus (Striker), Cristina Vee (Verosika Mayday), Mara Wilson (Mrs. Mayberry), Barrett Wilbert Weed (Octavia), Alex Brightman (Fizzarolli), James Monroe Iglehart (Asmodeus), Rochelle Diamante (Beelzebub), and more!"
Originally released in 2011 during the second big coming of deep house, Maya Jane Coles' 'Focus Now' EP returns as part of 20/20 Vision's Full Circle 30th Anniversary series. It's been out of print for years and harks back to a very different sound from Coles, who has since spread her sonic wings into many different worlds. This reissue features all three original tracks, starting with 'Focus Now,' a soft focus and bubbly blend of pulsing synths and rubbery drums, 'Little One' which was something of a warehouse classic of its time, and 'Senseless' with Coles' own vocals and slow motion drum churn. Alongside those is 'The High Life', another syrupy and warm blend of smooth drums and aching vocal hooks that, like the rest of the cuts, is freshly remastered.
- 01: Back At School
- 02: Dead Roo
- 03: I'm Up You're Out
- 04: Loser
- 05: Nightshift
- 06: Hooray Fuck
- 07: Do It To Me
- 08: Never Grow Old
- 09: What
- 10: Elle
40 Years COSMIC PSYCHOS, 40 years dirty, mean, simple, garagey punk rock & roll! EU pressing of the guys seminal 1991 album, the first for Amphetamine Reptile Records back then Noisy alternative punk rock from Down Under for fans of Stiff Richards, The Chats, Nashville Pussy, Supersuckers, Hard -Ons, AmpRep, early Sub Pop "As 1990 set in, Jones vacated the guitar spot. Knight and Walsh asked their friend Robbie Watts, a self-taught guitarist, to join the fold. Watts said yes and Cosmic Psychos ventured to Wisconsin to record their third full-length release at producer Butch Vig's Smart Studios. Released in 1991, Blokes You Can Trust was the band's first record for the American noise rock label Amphetamine Reptile, after the bandmembers became drinking buddies with label head Tom Hazelmeyer. ... The Psychos conducted a European tour during which they developed an unusual trademark. After seeing many other rock bands take bows after performances, at the end of a show in Potsdam, Germany, Cosmic Psychos decided to alter the tradition by pulling down their pants and mooning the unsuspecting audience." - Do we have to say more? Classic.
Born from a profound devotion to the piano and a reverence for the organic flow of life, byt’ surprises listeners by presenting "paths of sand", a remarkable creation by Amsterdam-based composer xico, offering sound and soul to those willing to listen beyond the surface.
Through the magic of experimentation, xico captured the fleeting beauty of the muse of improvisation, as described by Nachmakovich, transforming the ephemeral into something lasting. Performances recorded on the same old piano during the 2023 Kaalstaart Festival in the Netherlands have since evolved into a fully realized work. A journey of nearly three years of dedicated silence that began with Telva’s intuitive recognition of xico’s voice, starting with an invitation to her radio show and blossoming into a captivating fascination with what unfolded. This process led to the art of shaping the selected live recordings into a collector’s item, now materialized as a limited edition of 200 pressed vinyl copies, forever remaining as an artistic memento.
Perfectly attuned to the energy of the autumn equinox, paths of sand unfolds as an intimate reflection of music’s ability to hold what cannot be held, to speak what cannot besaid, and to embody what can never be described.
xico is a sound artist and improviser from Ibiza whose work explores the merging point between disruptive and post-natural soundscapes, crafting immersive sonic environments through compositions that unfold like ecosystems.
Encouraged by an understanding of chance as nature’s and awareness' most accessible voice, he focuses on creating generative live-sets with varying degrees of unpredictability. For him, subordinating human intention to nature’s order is a conscious choice, and making art through this lens becomes a statement and a spiritual practice. With his distinctive touch, his compositions resonate with the world in unexpected and profound ways, offering experiences you may never have heard before.
12LP
Anthology 1-3: track listing remains as per original releases.
4 x 3LP albums in triple gatefold sleeves and slipcase
The Anthology Collection 12LP set includes the three groundbreaking Anthology albums from the mid-1990s, remastered in 2025 by Giles Martin, plus a new compilation, Anthology 4. Containing 191 tracks, the collection’s studio outtakes, live performances, broadcasts and demos reveal the musical development of The Beatles from 1958 to the final single ‘Now And Then’ released in 2023.
Anthology 4 features 13 previously unreleased tracks and 17 songs selected from Super Deluxe versions of five classic albums. In addition to fascinating outtakes dating from 1963 to 1969, the album includes new 2025 mixes by Jeff Lynne of ‘Free As A Bird’ and ‘Real Love’.
Furthermore, Anthology 4 presents 26 tracks that have never previously been released on vinyl.
Pressed on 180g black vinyl, each 3LP album will be housed within a triple gatefold sleeve, featuring the original art, sleevenotes by Mark Lewisohn, and restored photos for Anthology 1-3; Anthology 4 has brand new sleevenotes written by Kevin Howlett alongside photos. The outer slipcase features the original Klaus Voorman triptych art, and a 3/4 O-Card image of the band with detailed track listing.
- 1: In The Absence
- 2: Aevum
- 3: My Own
- 4: Apricity
- 5: Strange Kind Of Creature
- 6: Friends Of Mine
- 7: My Dove, To Sleep
- 8: Earthing
- 9: Together, Apart
- 10: Of Becoming
- 11: Threads
Vanbur – artist duo consisting of composers Jessica Jones & Tim Morrish – are releasing their debut album release this autumn. The album scoops up Earthing and my dove, to sleep, made famous by the Netflix show ONE DAY, alongside previous material from their debut EP ‘Human’ including In Cold Light which had a huge TikTok moment around the show’s release. Written over several years, ‘Of Becoming’ reflects a maturing of Vanbur’s sound as they themselves have gone through major life changes and transitions, which are addressed both lyrically and sonically in this impressive body of work. There’s a dreamlike quality to the album, representing the sometimes disorientating dichotomy found in immense change of wistful nostalgia and strength found in adaptation. Recorded at Church Studios with a 12-piece ensemble, the album weaves between lush orchestral heights such as Of Becoming and Friends of Mine and edgier alt-pop bangers such as Strange Kind Of Creature. Jess’ vocals are at times ethereal and textured, and at times lean further into her song-writing sensibilities with their most personal lyrics yet. With the pair’s range and skillset across production and composition fully explored, the album is a triumph of song-writing. The band have worked with filmmaker and Creative Director Matt Houghton on a strong visual aesthetic, from key artwork to narrative promotional films shot on 35mm. With graphic design by Torsten Posselt, the vinyl will have a tactile and natural quality tying in with the analogue feel of the campaign. Vanbur’s debut EP, Human, was released in 2018 and received press coverage in Clash, Ear Milk, Higher Plain etc and was played across BBC 6Music shows. The had their debut performance at the 100 Club and plan to bring a scaled up version to stages in 2026. The follow up remix EP included remixes by Mogwai and Katie Gately, and their music has been placed in hit-shows including One Day (Netflix), The Rising (Sky), Hanna (Prime) and Queens (Nat Geo).
- A1: Whole World In My Town 03 05
- A2: Welt In Einer Stadt (2025 Version) 03 59
- A3: Morgen 02 27
- A4: Lilac 03 01
- A5: Gaze Aus Staub 02 29
- A6: Autumn In Paris 04 44
- B1: Gentle Giants 03 42
- B2: Alles Vor Augen 03 47
- B3: Nothing Heavy 03 41
- B4: Ich Sehe Den Blumen Beim Sterben Zu (2025 Version) 04 40
- B5: No More Roses 03 50
»Lilac« is the first Donna Regina album since 2019’s »Transient.« The world has changed considerably since then, which has also left its mark on the Berlin indie pop duo. The songs released as part of the 2021 single »Welt in einer Stadt« (»World in a City«) for Karaoke Kalk had already dealt with the pandemic-induced standstill and its effects on urban space, and also the rest of the album shows that Günther and Regina Janssen have been influenced by recent social and political developments. »In ›Lilac,‹ I imagine good ol’ Earth as a big ol’ bear shaking us off because it can’t stand us anymore,« says Regina Janssen. It has become a serious album, Günther affirms, but he is also adamant that it is not a sad one. Musically, Donna Regina have remained true to the spirit of their early work, recently re-released by Karaoke Kalk: their arrangements are as minimalist as they are emotionally rich.
»The music is always there,« says Regina Janssen about the creation of the tracks on »Lilac.« As always, the two record their music »track by track and without computers,« as Günther notes. Samples play a smaller role this time than on earlier albums, with analogue instruments such as a monophonic synthesiser and, above all, guitars coming to the fore again. This frames lyrics that are being delivered by Regina in German, English, or in both languages. They delve even further into the intricacies of urban life. »Cities are underrated! What a civilisational achievement it is to have so many people living under one sky,« says Regina. »They constantly put you in touch with the unfamiliar. Sometimes they’ll be overwhelming, and they are always alive.« This ambivalence shapes the tone of the album that ponders on the state of the world today.
Starting with the ominous sounds of »Whole World In My Town,« through the dreamscapes of »Autumn In Paris,« to the elegiac conclusion of »No More Roses,« Regina and Günther Janssen move through different timbres and styles with a few select means. Their preference for minimalist electronics becomes evident at times, while elsewhere the pieces open up to balladic arrangements in which the guitar plays a leading role. This turns »Lilac« into a city by itself, the songs forming its soundscape: every neighbourhood looks different, every street has its own character.
- Popafangout
- I Don't Have The Heart
- I Could Find Out
- Queen Of Globes And Mirrors
- (I Wanna) Be Your Girl
- Gonna Learn To Crawl
- Balloon 1
- I Don't Adore-Youo
- All The Prefabs
- Talking In Your Sleep
- Fall In Love Again
- Serene Haus Of Hair
- (In A While) You'll Be Mine
- Balloon 2
- Ex-Priest / In A Hole Of A Home
- Takes So Long
- Stop To Say Hello
- All The Shops And Stores Are Closing Now
- Maria Don't
- Crown Of Thorns
- Balloon 3
Manchmal geht einfach alles POP! Fall in Love Again with "Balloon Balloon Balloon"! Unterwerfung. Das ist das Wort, das mir in den Sinn kommt, wenn ich mich mit Kai Slaters Sharp Pins auf den überwältigenden Pop-Planeten begebe. Das Universum funktioniert nur, wenn man sich unterwirft: sich der Liebe unterwirft, sich der Rockmusik unterwirft. Sich der Kraft zu unterwerfen, die von einem Jungen ausgeht, der seine Gitarre schwingt, um makellosen Gitarrenpop zu kreieren, der ins Pantheon der Idole gehört, zu denen er mit diesem Album aufsteigt. Natürlich ist es verständlich, dass man zunächst wütend ist. Alle waren wütend auf Big Star, weil sie den Beatles zu nahe kamen. Und alle werden wütend auf Sharp Pins sein, weil sie dasselbe tun und dann noch Guided by Voices mit ins Spiel bringen. Wie kann er es wagen? Diese Überheblichkeit. Welcher 20-Jährige glaubt, er könne Robert Pollard übertrumpfen? ,Queen of Globes and Mirrors?" Ein Verbrechen. Mit dem noch schlimmeren Verbrechen, Songs zu schreiben, die so rätselhaft zeitlos sind, dass man glauben könnte, sie seien aus einem verlorenen Beatles-Band gestohlen worden. ,I Don't Have the Heart" und ,(I Want to) Be Your Girl" lassen einen wirklich im Unklaren darüber, wann und wo sie entstanden sind. Aber wenn der Lo-Fi-Noise-Pop von "Balloon Balloon Balloon" uns an etwas erinnert, dann daran, dass nur Kai das kann. Mit seiner 12-saitigen Gitarre und seiner unermüdlichen Besessenheit von Popmusik ist Slater einzigartig ausgestattet, um nicht nur von Pollard und Chilton das Erbe anzutreten, sondern auch den Byrds, den Temptations, den Four Tops und allen anderen Künstlern nachzufolgen, die versuchen, die wahre Liebe auf Band zu bannen. Er wendet die Taktik ,um Vergebung bitten, nicht um Erlaubnis" an, wenn er sich bei diesen Größen bedient, und uns bleibt nichts anderes übrig, als Slater zu vergeben, dass er uns diese Rock'n'Roll-Juwelen schenkt, die er aus der Vergangenheit in eine Zukunft katapultiert, die so melodisch makellos und doch kantig und aufrichtig ist, dass wir ihm auch dafür danken müssen, dass er das Genre vor der Bedeutungslosigkeit bewahrt hat. Denn was Slater hinzufügt, ist ganz und gar sein Eigen. Eine unbeschreibliche Sensibilität für das Songwriting, die trotz der zahlreichen Anleihen nur ihm gehören kann. Am Ende des Albums schluckt man jegliche Wut oder Ungläubigkeit, die man vielleicht hatte, und akzeptiert, dass Sharp Pins wirklich so gut sind. Auf diesem umfangreichen, aber niemals überladenen Album erschafft Slater eine Welt voller kleiner Pop-Perlen, die so einfach und dumm gut sind, dass sie uns daran erinnern, dass eine andere Welt möglich ist. Denn es ist nicht nur so, dass die Songs unmöglich aus dem Kopf gehen, was sie auch sind. Es ist Slaters eigene Hingabe an dieses Streben nach dem perfekten Popsong, die uns glauben lässt, dass dies nicht nur möglich ist, sondern auch ausreicht, um dem Leben wieder Form und Farbe zu geben. Fall in Love Again ist keine Empfehlung, sondern eine Verpflichtung. Nicht nur gegenüber einem schönen Mädchen, von denen es auf dem Album viele gibt, sondern gegenüber der Welt selbst. Vielleicht ist es dann möglich, die Zukunft zu erreichen, von der der 20-jährige Slater selbst träumt, aber bis dahin haben wir seine Liebesbriefe an den Rock'n'Roll und die Welt um ihn herum, die uns Gesellschaft leisten.
Moving freely through time and space via experimental DIY recordings since 2009, Joasihno return with their fourth album "Spots".
“Find your spot in the shade,” a truly laid-back and incredibly soft-spoken MC once advised, yet in a world that seems to get shadier every day, it’s probably time to finally get out and face the sun. Southern German experimental pop duo Joasihno – initial solo founder Cico Beck (The Notwist, Aloa Input, Spirit Fest) and drummer/composer Nico Sierig (Instrument, Fehler Kuti) – seem to know exactly when it’s time to shine. Idiosyncratic genre tweakers since day one, they have been operating at their own pace, mostly staying in their own shady corner. Yet, almost a decade after their most recent “Meshes” (an album that came with a whole legion of tiny music robots), it’s high time for them to take over more corners, to reclaim even more spots between lo-fi and sci-fi, retro electronica and contemporary classic. Drawing upon influences as varied as Reich, Riley, and Ryuichi, múm, Meek, and Moondog, while also nodding to other experimental twosomes (e.g. The Books), the duo’s fourth full-length “Spots” is set to arrive via Alien Transistor in late 2025.
Leaving soulless automation and all things artificial to others, Joasihno launch the latest record on “2 Squares” that feel like a peaceful, almost bucolic version of retro space age: lights blink ever so softly as easy-going bass tones point at today’s introspective flight arc. Electronic shapes align and things lift off – with a majestic 8-bit sunrise soon appearing right in front of us. Whereas playful title song “Spots” is a miniature Rube Goldberg kind of device, with quirky plucked strings and glitches setting off more and more contraption layers, “Crackleboom” is uncharted energy, an open landscape, an expanding bonfire that leads to a long-forgotten piano, all dust-covered in some kind of saloon. Space might be only noise to others, here, it’s foreboding screeches (“Dizzle Whistle”) that make room for A-side center piece “Forest Lights”: a steady beat that lures us to a clearance in the woods. Things break and shatter in the distance, but this spot right here is for hypnosis, dancing, sylvan spirits. And yeah, it’s surprisingly hot down here in the undergrowth…
Opening side B with a fun banger that takes the unhinged dancing to the playground – “Characa Orb.” feels like French kids on swings going crazy, a tipsy, tongue-in-cheek electro blow-out between Oizo and Orbis Tertius –, things get even more cinematic throughout the second half. Even the cheapest, lo-fiest gear is sufficient to make “The Slow Hour” glow like true, timeless pop royalty. In fact, the very same pop spirits roam and celebrate freely in the chirpy coves of mesmerizing “Detune Lagoon” – more hand-crafted sci-fi/lo-fi loops you’ll only find after facing the ghosts of Lynch or Sakamoto on those night-time trails under the “Deep Moon”. It’s all DIY spots, spots that leave room to dream or dangle, drape yourself over or dive into. Returning to the leafy bower on a melancholy post rock tip, we eventually learn that “Death Is Real” – and so we’re left with a laterna magica that turns and turns and turns. It’s a beautiful spot where light and shadows keep on dancing, just like they’ve always done, ever since the dawn of this madcap universe.
Househead London launch their 2nd 12" release - a limited-edition Chicago Vs London sampler featuring Glenn Underground and Emmaculate Remixes.
Following a string of critically acclaimed events featuring Chi-Town royalty, Househead London further cement their relationship with Chicago on this vinyl release which features two of the city’s esteemed producers - Glenn Underground & Emmaculate - remixing two sterling new tracks from two of the UK’s most exciting producers - Prefix One and Wez Whynt.
Opening the EP is an artist who needs very little introduction, Glenn Underground. A leading international producer & DJ who seems to effortlessly slide between Deep, Soulful, Disco, Jazz and beyond, Glenn boasts an exceptional discography that very few could compete with. His Cosmic Disco Journey Mix here weaves its lo slung groove in a funky off-kilter disco style with piano ripples as Nambi’s voice shimmers on top. Nambi’s heartfelt soars across Glenn’s Cosmic Journey remix unfurling beautiful piano and taut Chi-town beats. Deep and vocal, it’s got that raw soul power that both Glenn and Chicago are known for.
Known for his exquisitely high attention to detail and quality, Emmaculate is one of the go-to producers and sound engineers in Chicago. Working closely with Terry Hunter on a multitude of projects and a shining light across the global soulful house scene, he’s regularly featured across impressive labels such as Dopewax, Yorubasoul, United Music, Soulstice Music and S&S Records. His lush, tough-edged Remix of ‘Feelin’, rolls on with melodic piano hooks to unlock the groove and boosted with extra keys and vocal refrains before the full vocal unfolds. Solid and deep, “Feelin’ is pure joy for the dance floor.
Die frühesten Aufnahmen des legendären Singer-Songwriters Blaze Foley. Einfach, geradlinig und kraftvoll - ,Sittin' By The Road" enthält 12 Titel, die während Blazes ,Baumhaus"-Zeit in Georgia aufgenommen wurden. Die hier vorgestellten Titel wurden Mitte der 1970er Jahre auf Blazes heimischem Tonbandgerät aufgenommen, das er auf seinen Reisen zwischen Texas und dem ländlichen Georgia mit sich führte. Diese Songs zeigen Blazes Talent in seiner frühen Form. Das Album enthält mehrere Songs von Blaze, die heute als Klassiker gelten, darunter ,Cold, Cold World", ,Election Day", ,Clay Pigeons" und ,If I Could Only Fly". Das Album enthält außerdem drei Songs von Foley, die auf keiner anderen Aufnahme zu finden sind: ,The Way You Smile", ,Fat Boy" und der Titelsong. Als Blaze 1989 auf tragische Weise ermordet wurde, war er außerhalb der Kreise der rebellischen Songwriter von Austin kaum bekannt. Heute wird er als einer der großen Songwriter von Texas verehrt. Townes Van Zant und Lucinda Williams haben beide bewegende Hommagen an Blaze geschrieben. Seine Songs wurden von John Prine, Merle Haggard, Lyle Lovett, Billy Strings und Willie Nelson gecovert.
- Live Like Ya Mean It
- Worth Fighting For
- It’s Going To Be Alright
- Heaven In This Hell
- Running Back To Your Heart
- Lethal Dose Of Lose
- Archer’s Song
- Seeing Is Believing
- No One Wins
- Hang On Til Tomorrow
- When The Summer Ends
Seit Midnite City 2017 wie ein Tornado die Welt im Sturm eroberten, die müde Musikszene am Kragen packten, ihr wieder Leidenschaft, Spaß, Melodie und Farbe einflößten und sich an die Spitze kämpften, wurden sie zu den wahren Königen des Hair Metal! Die Formation veröffentlichte bisher vier von den Kritikern gefeierte Alben, wobei ihr zweites Werk „There Goes The Neighbourhood“ neben vielen anderen Auszeichnungen als eines der besten Alben in der Geschichte des japanischen Burrn Magazin gelistet wurde. Seitdem tourt Midnite City mit ihrer mitreißenden, energiegeladenen Show durch die ganze Welt, headlined unzählige Tourneen in Großbritannien, spielt Shows in ganz Europa, Amerika, Brasilien und Australien, und absolvierte zwei ausverkaufte Tourneen in Japan, wobei sie eine ständig wachsende Fangemeinde auf der ganzen Welt, bekannt als „The Midnite Army“, begeistert. Im November 2025 kehren die Briten mit ihrem bisher stärksten Album, „Bite The Bullet“, zurück, das alle Erwartungen erfüllt, die Fans an ein Midnite City-Album haben. Von superpoppigem, eingängigem und hooklastigem Partyrock über melodische Rockmonster bis hin zu arena-tauglichen Powerballaden und Glam-Metal-Hymnen mit Attitüde und einer Prise Glam – knüpft „Bite The Bullet“ dort an, wo Platin-Bands Ende der 80er Jahre aufgehört haben. Und keine andere Band der Szene schafft dies derzeit mit mehr Authentizität, Überzeugung, Stil oder Selbstbewusstsein, wodurch die Midnite City wie ein leuchtendes Licht in einem Meer an Nachahmern scheint. Gemischt vom Grammy-preisgekrönten Produzenten Chris Laney (Europe, Crash Diet, Crazy Lixx etc.) liefert „Bite The Bullet“ einen Sound, der wie geschaffen ist für die größten Stadien rund um den Globus und auf einen Schlag alles zurückbringt, was den Hair Metal der späten 80er Jahre so aufregend, energiegeladen und extravagant machte. Midnite City liefert erneut ein Album, das dafür gemacht ist, aufgedreht und laut gespielt zu werden! Die Party fängt gerade erst an ... und alle sind eingeladen. Seht euch die Band auf ihrer Tour 2025/2026 an. Line-up: Rob Wylde (vocals, guitar), Miles Meakin (lead guitar), Josh Williams (bass guitar), Ryan Biggs (drums), Shawn Charvette (keyboard)
- 1: The Greatest Gift Of All
- 2: Go Tell It On The Mountain
- 3: Heaven Came (On Christmas Day)
- 4: Little Drummer Boy
- 5: Still The Light
- 6: Silent Night
- 7: On This Holy Night
- 8: Joy To The World
- 9: Reason For The Season
- 10: Winter Wonderland
Legendary Metal Band STRYPER Announces Long-Awaited Christmas Album 'The Greatest Gift Of All' out November 21 via Frontiers Music Srl Iconic and long-running Christian metal band STRYPER is set to release their long-anticipated Christmas album, The Greatest Gift Of All, on November 21st via Frontiers Music Srl. Fans have been requesting a holiday record for years—and now, the wait is finally over. The celebration begins this July with the release of the first single, "Still the Light". STRYPER's current lineup features original members Michael Sweet, Robert Sweet, and Oz Fox, alongside bassist Perry Richardson. Together, they continue to craft what they believe is some of the most powerful and inspiring music of their career. The band recently wrapped up a successful world tour in support of their latest studio album, When We Were Kings. The tour spanned the USA, Europe, and South America, and marked the band’s 40th anniversary—a milestone celebrated with a dynamic setlist featuring classic hits, fan favorites from the newer era, outfit changes, and an upgraded stage production. As STRYPER continues to evolve, they remain a cornerstone of Christian rock and metal, blending faith and heavy music for four decades. Looking ahead, the band is also working on a Kickstarter-funded documentary directed by Chris Atkins, offering a behind-the-scenes look at their remarkable journey. With over 10 million albums sold worldwide and several Billboard Top 40 hits, STRYPER shows no signs of slowing down as they continue to write, record, and perform for their global fanbase.
- 1: September Song
- 2: I'm A Stranger Here Myself
- 3: Die Muschel Von Margate
- 4: Matrosen Song
- 5: It Never Was You
- 6: Youkali
- 7: Fürchte Dich Nicht
- 8: The Saga Of Jenny
- 9: Je Ne T’aime Pas
- 10: Will You Remember Me?
- 11: Zuhälterballade (Feat. Viola Odette Harlow)
- 12: Surabaya Johnny
- 13: Mack The Knife
- 14: Lost In The Stars (Feat. Metropole Orkest)
- 15: Surabaya Johnny (Live At Café Carlyle)
Rufus Wainwright's I'm a Stranger Here Myself - Wainwright Does Weill is a compelling tribute album that delves into the rich and complex songbook of German-American composer Kurt Weill. Known for his theatrical flair and vocal prowess, Wainwright brings a unique interpretation to Weill's compositions, which are celebrated for their fusion of classical, cabaret, and jazz elements. Premiering in May 2023 at New York City's Café Carlyle, "Wainwright Does Weill" marked Wainwright's first extensive exploration of Weill's repertoire. Rufus Wainwright’s fascination with Kurt Weill’s music goes back for decades — in his early twenties he wore out the vinyl grooves of Teresa Stratas’ famous Weill album. While Weill‘s musical influence can be heard in Wainwright‘s own songs, he had never dedicated an entire evening to singing the German musician’s songs, until now. With the Pacific Jazz Orchestra under the baton of Chris Walden, he has expanded the orchestral palette for his approach to Kurt Weill.
- 1: The Prince
- 2: One Step Beyond
- 3: My Girl
- 4: Night Boat To Cairo
- 5: Baggy Trousers
- 6: Embarrassment
- 7: The Return Of The Los Palmas
- 8: Grey Day
- 9: Shut Up (Single Edit)
- 10: It Must Be Love
- 11: Cardiac Arrest
- 12: House Of Fun
- 13: Driving In My Car
- 14: Our House
- 15: Tomorrow's (Just Another Day)
- 16: Wings Of A Dove
- 17: The Sun And The Rain
- 18: Michael Caine
- 19: One Better Day
- 20: Yesterday's Men (Single Edit)
- 21: Uncle Sam (Single Edit)
- 22: Sweetest Girl (Single Edit)
- 23: (Waiting For) The Ghost Train
Relive the early years of Madness with 'Hit Parade Vol. 1 1979-1986'. This 23-track 2LP set remembers the early years of Madness; containing a selection of their biggest hits and best loved tunes. It includes 23 UK Top 40 hits such as 'One Step Beyond', 'Embarrassment', 'My Girl', and 'Night Boat To Cairo'.
Beautifully packaged in a deluxe, gatefold sleeve, this 2LP collection is pressed on translucent red vinyl. The fully illustrated inner sleeves contain new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley, in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
Firmly established as national treasures and as one of the UK’s most cherished and beloved bands, Madness are adored by their loyal and huge following. Their consistently sold-out shows illustrate their enduring qualities resulting in their popularity continuing to grow and grow.
- 1: The Harder They Come (Live At Madstock 992)
- 2: Lovestruck
- 3: Johnny The Horse
- 4: Drip Fed Fred (The Conspiracy Mix)
- 5: Shame And Scandal
- 6: Girl Why Don’t You
- 7: Sorry (Radio Edit)
- 8: Nw5 (Radio Edit)
- 9: Dust Devil (Radio Edit)
- 10: Sugar And Spice (Radio Edit)
- 11: Forever Young (Melt Music Radio Edit)
- 12: My Girl 2 (Radio Edit)
- 13: Never Knew Your Name
- 14: How Can I Tell You (Radio Edit)
- 15: Misery
- 16: La Luna
- 17: Mr.apples (Toerag Mix)
- 18: Can't Touch Us Now
- 19: Bullingdon Boys
- 20: C'est La Vie
- 21: Baby Burglar
- 22: Round We Go (Single Version)
Experience the modern era of Madness with 'Hit Parade Vol. 2 1992-2024'. This 22-track 2LP set relives the more modern, contemporary years of Madness; containing a selection of hit singles, fan favourites and much-loved tunes. Including 'NW5', 'Shame and Scandal', 'Sorry', 'Drip Fed Fred', 'Mr Apples' and the Top 10 single 'Lovestruck'.
Beautifully packaged in a deluxe, gatefold sleeve, this 2LP collection is pressed on translucent blue vinyl. The fully illustrated inner sleeves contain new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley, in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
Firmly established as national treasures and as one of the UK’s most cherished and beloved bands, Madness are adored by their loyal and huge following. Their consistently sold-out shows illustrate their enduring qualities resulting in their popularity continuing to grow and grow.
- A1: Baggy Trousers
- A2: Our House
- A3: It Must Be Love
- A4: One Step Beyond
- A5: House Of Fun
- A6: Night Boat To Cairo
- A7: My Girl
- A8: Embarrassment
- B1: Wings Of A Dove
- B2: Mr.apples (Toerag Mix)
- B3: Michael Caine
- B4: Driving In My Car
- B5: Never Knew Your Name
- B6: Lovestruck
- B7: Nw5 (Radio Edit)
Enjoy a Madness career-spanning overview with Hit Parade; a 15-track highlights LP, featuring 13 UK Top 40 hits including Our House, It Must Be Love, Baggy Trousers, Lovestruck, and the No.1 single House of Fun.
Pressed on classic black vinyl, the fully illustrated inner sleeve contains new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley, in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
- 1: The Prince
- 2: One Step Beyond
- 3: My Girl
- 4: Night Boat To Cairo
- 5: Baggy Trousers
- 6: Embarrassment
- 7: The Return Of The Los Palmas
- 8: Grey Day
- 9: Shut Up (Single Edit)
- 10: It Must Be Love
- 11: Cardiac Arrest
- 12: House Of Fun
- 13: Driving In My Car
- 14: Our House
- 15: Tomorrow's (Just Another Day)
- 16: Wings Of A Dove
- 17: The Sun And The Rain
- 18: Michael Caine
- 19: One Better Day
- 20: Yesterday's Men (Single Edit)
- 21: Uncle Sam (Single Edit)
- 22: Sweetest Girl (Single Edit)
- 23: (Waiting For) The Ghost Train
- 1: The Harder They Come (Live At Madstock 992)
- 4: Drip Fed Fred (The Conspiracy Mix)
- 5: Shame And Scandal
- 6: Girl Why Don’t You
- 7: Sorry (Radio Edit)
- 8: Nw5 (Radio Edit)
- 9: Dust Devil (Radio Edit)
- 10: Sugar And Spice (Radio Edit)
- 11: Forever Young (Melt Music Radio Edit)
- 12: My Girl 2 (Radio Edit)
- 13: Never Knew Your Name
- 14: How Can I Tell You (Radio Edit)
- 15: Misery
- 16: La Luna
- 17: Mr.apples (Toerag Mix)
- 18: Can't Touch Us Now
- 19: Bullingdon Boys
- 20: C'est La Vie
- 21: Baby Burglar
- 22: Round We Go (Single Version)
- 2: Lovestruck
- 3: Johnny The Horse
Beautifully packaged in a deluxe slipcase, this 4LP box set combines the red vinyl.
Volume 1 and blue vinyl Volume 2 2LP collections. The fully illustrated inner sleeves contain new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley,
in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
- 1: Pure Energy 09:8
- 2: Clint 06:53
- 3: 5.000 Feet Up 1:19
- 4: Give The Vibes Some 05:51
On “Cold Sweat,” James Brown famously called to “give the drummer some.” In 1974, Philadelphia vibraphonist Khan Jamal called to Give the Vibes Some, with superb results. Pianist and composer Jef Gilson’s PALM label gave Jamal the platform he needed to deliver a thorough exploration of contemporary vibraphone. After launching PALM in 1973, Gilson quickly demonstrated that he would only produce records not found anywhere else. Give the Vibes Some, PALM number 10, was another confirmation of this guiding principle.
Raised and based in Philadelphia, Khan Jamal took up the vibes in 1968, after two years in the army during which he was stationed in France and Germany. Decisively drawn to the instrument by the work of the Modern Jazz Quartet’s Milt Jackson, Jamal studied under Philadelphia vibraphone legend Bill Lewis and soon made his debuts in the local underground.
Early in 1972, Jamal made his first recording, with the Sounds of Liberation. The band attempted an original fusion of conga-heavy grooves with avant-garde jazz soloing. Saxophonist Byard Lancaster, an important figure in Jamal’s development, contributed much of the solo work. Later in 1972, Jamal made his leader debut with Drum Dance to the Motherland, a reverb-drenched, never-to-be-replicated experiment with live sound processing. Both albums appeared on the tiny musician-run Dogtown label.
“We couldn’t get no play from nowhere. No gigs or recording sessions or anything. So I took off for Paris,” Jamal recalled in a Cadence interview with Ken Weiss. “Within a few weeks, I had a few articles and I did a record date. It didn’t make me feel good about America.” That was in 1974, while Byard Lancaster was recording the music gathered on Souffle Continu’s recent The Complete PALM Recordings, 1973-1974.
Jamal’s record date delivered Give the Vibes Some. At its core, it was an exploratory solo vibraphone album, even if two tracks added (through technological resourcefulness?) a très célèbre French drummer very much into Elvin Jones appearing under pseudonym for contractual reasons. Another track, for which Jamal switched to the vibes’s wooden ancestor, the marimba, added young Texan trumpeter Clint Jackson III. The most notable article published on Jamal during this stay in France was a Jazz Magazine interview. Jamal’s last word there were “The Creator has a master plan/drum dance to the motherland.” “Give the vibes some” could be added to this programmatic statement.
White/Green Vinyl[31,89 €]
Das Multi-Platin-Quartett All Time Low aus Maryland - Alex Gaskarth, Jack Barakat, Rian Dawson und Zack Merrick - ist bekannt für seinen hymnischen, unnachahmlichen Sound und seine treue Fangemeinde.
Sie kündigen die bevorstehende Veröffentlichung ihres zehnten Studioalbums Everyone's Talking! an, das am 17. Oktober über ihr eigenes Label Basement Noise Records in Zusammenarbeit mit Photo Finish Records/Virgin Music Group erscheinen wird.
- 1: Ogyatanaa Show Band - You Monopolise Me
- 2: Honny And The Bees Band - Psychedelic Woman
- 3: Wellis Band - Bindiga
- 4: The Uhuru Dance Band - Yahia Mu
- 5: Sawaaba Soundz - Owuo
- 6: St. Peter And The Holy Men - Bofoo Beye Abowa Den
- 7: Asaase Ase, Ebo Taylor - Ohiani Sua Efir
- 8: Hedzoleh Soundz - Edinya Benya
- 9: Honny And The Bees Band - Sisi Mbon
- 10: The Black Star Sound - Nite Safari
Seminal sounds from the golden age of Ghanaian music. Highlife, rock, and soul collide and merge with tradition and culture. New styles meet old styles. A new generation renews old musical customs. New fashions meet old fashions, creating new fusions. Features rare tracks from Hedzoleh Soundz, Ogyatanaa Show Band, Honny & the Bees and early Ebo Taylor (Asaasa Sa). These tracks were originally available on vanishingly rare 70s pressings, then a highly collectible 5LP box set released in 2009. This special vinyl edition is produced in conjunction with the James Barnor archive, featuring a previously unpublished 1976 photo from the archive of Ghana’s most famous photographer. Comes with Obi-strip.
Gettin' High On Your Own Supply is the third studio album by the English electronic group Apollo 440 and was originally released in 1999.
Following the success of "Ain't Talkin' 'Bout Dub", the group continued further success with "Lost in Space", which reached number 4 in the
UK Singles Chart, and "Stop the Rock", which also ended up in the Top 10.
The success of "Stop the Rock" continued and was also featured in video games such as FIFA 2000 and Gran Turismo 3 as well as a long list of movies including Boys and Girls and Gone in 60 Seconds.
Gettin' High On Your Own Supply is available as a limited edition of 1000 individually numbered copies on green marbled vinyl
- The Bullshit Talker
- Instastory Hashtag Tourlife
- Halloween Is Stupid
- Have You Ever Been On A Bobsleigh Track?
- Cascada Is Always A Good Choice
Mit Live in Bangalore legt der Kölner Schlagzeuger und Komponist Jo Beyer das dritte Album seines Quartetts vor - ein fulminantes Live-Dokument aus dem renommierten Windmills in der südindischen Metropole Bangalore. Fünf hochenergetische Tracks voller Spiellust, Wucht und Tour-de-Force-Momenten zeigen die Band in absoluter Topform. Entstanden gegen Ende einer intensiven Indien-Tournee, fängt die Aufnahme einen Abend ein, an dem alles stimmte: ein extrem gut eingespieltes Ensemble, ein Raumklang von Weltklasse und ein Publikum, das restlos aus dem Häuschen war. Sämtliche Titel existieren bereits in Studioversionen, doch hier sind sie hörbar gereift - durch jahrelanges Zusammenspiel, erweiterte Improvisationen und radikale Interaktion. Besonders prägnant ist die ungewöhnliche Besetzung ohne Bass, die ein unverwechselbares, rhythmisch starkes Klangbild schafft. Mit Pianist Felix Elsner an Bord hebt Beyer das Quartett endgültig auf ein neues Level - kraftvoll, kompromisslos und voller Überraschungen.
Never Sleep charity tape series focuses on London's pirate radio momentous rise with a true pioneer.
Femme enterpriser DJ Rap holistifies futurism with a cacophony of Ragga, Hardcore and Transatlantic soundscapes. A bass propagation filled with landmark pointillism, matriarchal musicianship and acidic House.
Soundclashing all machismo in sight, rugged mercurial stripped back bedlam for the peak time listener. Complexificating with hypnotic FX, "WHERES THE RAVE" signalling, flawless magnetica and hyperbolic genre splicing. Rap brings the "mood", hybrid soundsystem lashing and method only she fully enablises.
Literally sleeping inside and DJing on Fantasy FM from the age of 16 (you can hear her doing the ads at the start), this mix showcases an incredible time for the burgeoning sounds of the new millenia and the rise of pirate radio across London.
DJ Rap recently released her 6th studio album and is well known for her charity work and love of club culture. A female pioneer in the UK music industry and a long lasting staple in the Electronic history lexicon.
All proceeds go to Four Paws who help Animal Welfare across the UK
Brixton Heights Records is releasing a new original One Drop track, which is a collaborative effort of the Brixton Heights Crew, Kieko De Stefanis and Gaudi. The riddim is composed by Italian producer Kieko De Stefanis.
The lyrics are a re-adaptation of an old Italian reggae song by the Genoese band Sensasciou, voiced by the legendary Peter Hunnigale.
The track features drum and bass by Mafia and Fluxi, piano by Gaudi, brass by Ital Horns and a set of arches by N. Gatti at the Violin and R. Rassi at the Viola. On Side A you will find the sweet voice of the original Mr Honey Vibes, Peter Hunnigale, one of the most formidable contemporary British Reggae artists who is responsible for the rise and fame of Lovers Reggae in Britain in the 80s and 90s, with his chart-topping tunes and award-winning albums.
On Side B the track Caruggi Jazz is an homage to the Italian alleys of Genoa, where the sound of live musical instruments fuses with the perfume of lovers who exchange effusions protected by the shadows of old buildings, in a seductive harmony which mixes unconditional feelings, warm memories and affectionate hopes for the future.
The tracks were mixed by Gaudi and mastered at Anchor Studios by Augustus "Gussie" Clarke. The final result is a unique production that blends vintage vibes with modern sounds.
- A1: Asking Your Name
- A2: Bergen
- A3: Be Free
- A4: Nanai
- A5: Are You A Gentleman?
- B1: You Should*
- B2: Lemons, Oranges And Other Citrus Varietals
- B3: Hey It's Your Computer
- B4: Layer Of Love
- B5: Embrace
In 2019, a brutal epileptic seizure changed my life - the first of more to come. I was forced into solitude, and in that quiet, music became my lifeline. In the following years, I poured everything I had into creating between you and me: a raw, DIY album that is a distillation of my lived experience during this time. The album explores emotional authenticity, freedom of expression, and acceptance: not as abstract concepts, but through visceral experiences that have fundamentally reshaped my art and my sense of self. As a listener, I invite you to explore your vulnerability by joining me in mine. This album is truly between you and me.
Ozzy Jones is a Dutch-Australian interdisciplinary artist whose music blends electronica with indie. Drawing from personal struggles and raw emotion after his seizures started, his debut album between you and me explores vulnerability, male identity, and authentic self-expression. Rooted in Amsterdam's vibrant creative scene, Ozzy's work fuses sound, visuals, and storytelling to create a deeply immersive and honest artistic experience.
Making this album was an absolute joy. We used Rothko’s artwork as a major influence. His use of colour fields, blending, mood and scale really helped us build an album of tracks that could stand on their own and also work together as a coherent whole across all the tones we had been working with. It was also a chance to fall back in love with our 909, 808 and 707.
While working on music for several other projects, the “Rothko” project got renamed Loud Ambient because it did not really sit right with the My Brutal Life series. We often talked about what people make of The Black Dog and whether they think we only make ambient music. We do not. Over the last year or so, one of us would be working on something and someone else would say, “That is a Loud Ambient track.” The name stuck. We liked the funny side of it.
With Loud Ambient, everything just fell into place creatively. Surprisingly for us, the tracklisting never changed, just small tweaks here and there. That rarely happens. It marks a first for us as a band. All the stars aligned and the confidence in this album is the strongest we have ever had.
Loud Ambient was made to dance to, something we have not done in a while. We welcome the return to the dancefloor with both hands. Will you join us?
For his last solo record ‘Through a Room’, Bill Nace shifted his usual saturated guitar sound and added tapes, hurdy gurdy, doughnut pipe, bird calls and the mysterious Japanese taishōgoto. Setting up for the final night of his three day residency at OTO with only the taishōgoto soundchecked, Nace hoped that Parker would arrive with his small soprano as its opposite. “I’ve been interested in state change, you know, playing until there’s a shift in time.” Known for his development of multiphonics to produce a constantly shifting pattern, Evan Parker has evolved an instantly recognizable sound - his work the soprano most distinct. Happily, it was the soprano Evan brought with him and as soon as the two start to play they entwine - taking off in a double helix of keys and reed primed for endless reconfiguration. Space warps under the velocity of playing, the pitch rising unrelentingly. It felt like unending lift off in the room, sheer energy until the last note makes remember your feet have been on the floor the whole time. Total time bending shredding.
–
"They had never played together before. They had never even met each other before this springtime 2024 concert at London’s Café Oto.
Evan Parker, circular breathing maestro of the saxophone, a legend in the universe that is Free Improvisation since the late 1960s and Bill Nace, one of the most intriguing experimental “noise” guitarists of the 1990s/2000s underground scene.
For those of us who have been enamored by the live and documented work of both these gents, this Café Oto duo was a must-hear event. It could have gone anywhere musically and that would have been totally fine. Particularly with Evan having a history of being thrown into a variety of challenging collaborations throughout his career, employing the learned elegance of trust in his own sensitivity to listening, responding, leading, following, sparring, intertwining, dialoguing, creating in the instant and, essentially, dignifying the non-hierarchical grace of chance.
The aesthetics of socialist consideration in Evan Parker’s playing, in his community of expanded and personal technique, for a younger player such as Bill Nace, strikes an exemplary model. This notion of respect would be entirely the reason Nace, when offered a residency at the most critical “new music” room in England, would request to play in duo with Parker.
Bill Nace came to prominence mostly during the apex of experimental music activity in and around Western Massachusetts in the early days of the aughts, with a focus on visual art and free improvisation guitar action. He could be found in the daytime hours, his head hanging down over a notepad, penning fine-tuned illustrations and abstract line drawings, while in the evenings he’d be attending any number of basement noise gigs, many of which he’d be participating in. His guitar style came across as being informed as much as by the physicality of his writing utensils in friction to the page as it was to his hearing and redefining of radical recordings ranging anywhere from the Black Unity Group to Black Flag.
Utilizing various metal files and other small cylindrical objects Bill would allow his guitar and amplifier to be in tandem with the improvisatory movements of his body as the instrument balanced, intentionally and, at times, precariously, upon his lap. The performances came across thrilling and daring and they would be mostly in the context of venues nothing more than a low-ceilinged damp and dank New England basement, a clutch of people hanging onto rusty pipes or sitting up on dilapidated washer/dryer machines, the shards of Bill’s “file guitar” sounds ringing out like the most alive music on Earth.
By the time Bill reached Café Oto in early 2024 he had relocated to Philadelphia all the while releasing a succession of collaborative LPs on his Open Mouth label to present his developing progression of solo and collaborative work. He also would find himself considerably engaged with playing the electric taishōgoto, a keyboard-activated string instrument from Japan which can exist as a one, two, four, five, or six string oblong sound object. Bill’s approach to the taishōgoto would not be too unlike his approach to the traditional electric guitar, though no outboard implements such as files, sticks, and rocks are utilized. The similarity would lie wholly with Bill’s full immersion of high velocity action-playing where, with the taishōgoto, an electric drone beauty occurs. The flurry of sonics and resultant harmonics emanating from the amplifier (which Bill opts to dial into with borderline loud-as fuck volume settings) furthers the meta-mantra properties of the instrument in an astounding display of drone dynamism.
This sound world of Bill’s two-stringed taishōgoto on this Café Oto night worked beautifully with Evan Parker’s improvisatory saxophone conceptions. The duology achieved instant lift off at ground zero only to find it’s eventual finale as if it were organically ordained. Time seemingly morphed from its ancient human construct of control, rendered inconsequential to the torrential transcendence of the room wildly activated by the magic resonance of the multi-directional pan-spatial sonance of the music as if it were some beatific blessing. It was one of those nights where art as a liberating force of spirit gifted the listeners with an offering of exaltation and joy. It was entirely mystical and mind blowing. A night of Total Music."
Thurston Moore, London, 2025
- A1: Off Stage—Med Dark Fade Out (Exit) (Starts Edit)
- A2: On Stage—Strike (Falls) (A) (Vinyl Edit)
- A3: Off Stage—Walk (A) (Vinyl Edit)
- A4: On Stage—Crystal
- B1: Off Stage—Pile & Surfaces (B)
- B2: Off Stage—Leaf K2
- B3: Off Stage—K2 Line (Vinyl Edit)
- B4: Strike Ftx (B) (Vinyl Edit)
- C1: On Stage—Strike Ftx (C)
- C2: Off Stage—Stick & Clap (D1)
- C3: Off Stage—Tree Transition (A)
- C4: Off Stage—Stick Walk (Crystal Approach)
- C5: On Stage—Crystal (Rush)
- D1: Reiy C & Swing Mic (B) (Vinyl Edit)
- D2: Off Stage—Surfaces (All) (Vinyl Edit)
- D3: Off Stage—Leaf K2X
- D4: Alt Stage—Drom (A) (Billy Fulcrum)
- D5: On Stage—Everybody Cycles (Vinyl Edit)
- D6: On Stage—Strike Snx (Vinyl Edit)
- D7: Med Dark Fade Out (Vinyl Edit)
Slip is Paul Abbott’s response to his 3 day residency at OTO in 2023. It’s a continued exploration of the acoustic-digital hybrid drum setup Abbott has been developing for some time, which involves drum kit and synthetic sounds combined closely—through an entanglement of limbs and cables—in an intimate but strange relationship with each other.
Paul Abbott hasn’t had any formal musical training, but has a long history of making music, having collaborated for years with Seymour Wright, Pat Thomas, Michael Speers, Cara Tolmie, Anne Gillis and many others. Eventually, led by a profound suspicion of what is fixed or limited, Abbott began finding other ways to organise sound - or what he calls ‘material’:
“I wanted a way to 'persuade' or guide the possibility of something happening - my activity or the events of an algorithmic composition - for example, but without certainty or formalism. It felt to me, during playing, that certain ideas had a particular sort of shape, but more than the form of a line. I began to write alongside (before/after) playing the drums, and ‘characters’ began to enter the scene as a more wobbly, and therefore appropriate option to notation. Working with these characters allowed me to simultaneously approach body, imagination, language and music: without dividing things up or separating these aspects from each other. It allowed me to leave things messy and entangled, whilst trying to deal with form and specificity: wanting to have some things feel or respond differently to other things at other times.”
In approaching his residency, Abbott developed a fixed cast of characters - crystal, lleaf, reiy.F, reiy.C, strike, nee, qosel, sphu and aahn. They each communicate using different kinds of movement and drum kit/s, and Abbott choreographed them as ‘dances’ based on different feelings, or outlines of behaviours suggestive of ways of moving (body, drums, sounds). He then arranged these characters into ‘compositions’: one for each performance day, with each composition featuring multi-layered activity - options for behaviours, ways to move around the rooms, play drums, develop synthetic sounds, change the lights or re-distribute the sound in the space.
After the performances, Abbott took home 9 hours of recordings split into up to 28 multitrack channels for each day, and re-organised his cast once more into a performance for 2LP, CD and digital. It’s an enormous amount of work - but Abbott is activated by the process. For him, the pleasure of unstable edges, possibilities, slippages, is the vital attraction. Like all living organisms, Abbott’s characters have malleability and responsivity. They stimulate a bundle of possible behaviours, a tendency to act a certain way, a temperament, a boundary of respective limits or affordances.
It’s an affective way of working, inclusive of Roscoe Mitchell, Sun Ra, Nathaniel Mackey and Milford Graves. In ‘Pulseology’(2022), Milford Graves reminds us, ‘Breath varies, so cardiac rhythm never has that (metronomic) tempo. It’s always changing. All the alignments of the heart are determined based on the needs of the cells, specifically tissues and organs. The heart knows if it needs to speed up.’ In Slip, to slip, in a heartbeat, is to descend not into the grid of the even metre accorded to the heartbeat, but into a play of mutability and modality. To change is the condition of the heart.
Mia Moretti makes her Crosstown Rebels debut with ‘Safe With Me’, featuring Irma Thomas. The soulful new single, backed by a remix from Sweden’s Tiger Stripes.
Los Angeles-based DJ and producer Mia Moretti heads to Damian Lazarus’ Crosstown Rebels with ‘Safe With Me’, a disco-house celebration featuring New Orleans soul legend Irma Thomas, the Grammy-winning Soul Queen of New Orleans. Co-produced by award-winning producer Mark “Blakkat” Bell, a longtime figure in house and electronic music whose work spans from M People to King Britt, the release marks a full-circle moment for Moretti, who draws on her years of crate digging, gospel house expertise, and deep love for vocal-driven grooves.
‘Safe With Me’ pairs Moretti’s richly textured production with Thomas’ commanding vocal presence, creating a track that balances heartfelt emotion with dancefloor energy. Similar to Moretti's DJ sets, the track blends gospel, disco, and house sensibilities with storytelling. Swedish mainstay Tiger Stripes reinterprets the track with his own forward-thinking production. Known for his house and techno grooves that have energised clubs from Panorama Bar to Ministry of Sound, he injects ‘Safe With Me’ with shimmering synth layers and driving percussion, making it a perfect complement to the original production.Mia Moretti has established herself with vocal and gospel-driven house sets and productions. Her debut EP ‘Tambor’ (2023) marked a confident step as a producer sampling female bullerengue artists from Colombia, including Petrona Martinez and Toto La Momposina, followed by ‘Best I Can’ (2024) alongside gospel icon Vonita White and remixes from house music pioneers. In 2025, Mia has continued to build momentum with appearances from Ibiza to Paris Fashion Week alongside the launch of her Chef’s Kiss radio show on Diplo’s Revolution. ‘Safe With Me’ continues that trajectory, highlighting her instinct for timeless grooves and soulful storytelling.
Do you believe in spring? Simon Wangen (cello) and Philipp Sutter (piano) pose this question as the title for their new project. Whereas Bill Evans made a demand in 1981, the two Cologne-based musicians believe that in times of uncertainty, crisis, and environmental destruction, it is ok to set a questin mark here. But politics and world events aside: Do you believe in spring? Of course! It's never too late to start something new, get creative, and test your own limits. Simon Wangen is a classically trained cellist, Philipp Sutter a trained jazz pianist. Their different musical roots merge on this instrumental album into a lively mix of neoclassical, new jazz, and Cinéma Nordique. Ten pieces come across as sometimes dark, sometimes wild, sometimes delicate, always focusing on the dialogue between the two instruments that harmonize so well. The subtle use of electronic effects constantly opens up new perspectives and builds a bridge to contemporary sound aesthetics. Cello and piano—this combination has been established for centuries, but can still add new facets today. Do you believe in spring? begins stormily and turbulently, oscillating between romantic, sad, and beautiful moments, and leads from a rather dark beginning to the final and eponymous piece in C major, which leaves the listener with a glimmer of hope. Do you believe in spring? From October 24, 2025!
Do you believe in spring? Simon Wangen (Cello) und Philipp Sutter (Klavier) werfen den Titel für ihr neues Projekt als Frage in den Raum. Wo Bill Evans 1981 eine Forderung formulierte, sind die beiden Kölner Musiker der Ansicht, in Zeiten der Unsicherheit, der Krisen und Umweltzerstörung durchaus ein Fragezeichen setzen zu können. Aber abgesehen von Politik und Weltgeschehen: Do you believe in spring? Natürlich! Es ist nie zu spät, etwas Neues zu beginnen, kreativ zu werden und die eigenen Grenzen zu testen. Simon Wangen ist klassisch ausgebildeter Cellist, Philipp Sutter studierter Jazzpianist. Die unterschiedlichen musikalischen Wurzeln verschmelzen auf diesem Instrumentalalbum zu einer lebendigen Mischung aus Neoklassik, New Jazz und Cinéma Nordique. Zehn Stücke kommen mal düster, mal wild, mal zart daher, stets die Zwiesprache der beiden so gut harmonierenden Instrumente im Fokus. Der dezente Einsatz elektronischer Effekte öffnet immer wieder neue Perspektiven und schlägt eine Brücke zur zeitgenössischen Klangästhetik. Cello und Klavier - diese Besetzung ist seit Jahrhunderten etabliert, aber kann auch aktuell immer wieder neue Facetten hinzubekommen. Do you believe in spring? beginnt stürmisch und aufgewühlt, changiert zwischen romantisch - traurig - schönen Momenten und führt von einem eher düsteren Beginn hin zum letzten und namensgebenden Stück in C-Dur, das die Zuhörenden mit einem Hoffnungsschimmer entlässt. Do you believe in spring? Ab 24.10.2025!
- Thick As Thieves
- Close To Be
- Lover Lover
- Ain't Got Nothing But Time
- Let It Hurt
- Free To Go
- Higher Heights
- Blow A Fuse
- Hiding A Lack Of Pride
- Feed Me A Groove
Just one year and 13 days after their critically acclaimed debut Colorful White Lies, Bergen- based rock band Electric High return with their second album Free to Go. While the debut was a manifestation of the band's first five years of existence, Free to Go is quite the opposite: written, rehearsed and recorded at breakneck speed, the album bursts with freshness, spontaneity and raw energy. Ahead of the release, Electric High have already dropped three singles - Thick as Thieves, Ain't Got Nothing But Time (watch music video) and the title track Free to Go - each showcasing different sides of the record, from singalong anthems to heavier, more hard-hitting rock. Free to Go expands on the band's signature sound: an explosive blend of classic and modern rock. Expect infectious choruses inspired by Aerosmith, Whitesnake and AC/DC, dark riffs echoing Black Sabbath, a touch of 70s glam and punk attitude - along with flavours of contemporary rock à la Arctic Monkeys and Royal Blood. The result is an album that feels both timeless and fresh, balancing melody with sheer power.
- Vicious Mind
- Till You're Gone
- Little Treat
- Trinity
- Downpour
- Roll'n'rock
- Free Your Head
Smashed Sunset Vinyl, limitiert auf 400 Exemplare. Energiegeladen - so lässt sich The Birch am besten beschreiben. Treffende Riffs, druckvolle Rhythmen und alles eingebettet in psychedelische Klangfarben - so erschaffen sie eine Atmosphäre purer Ekstase. Vicious Mind ist ein Abstieg in die moderne Psych-Rock-Welt. Mit seinen sieben Tracks zeigt es auf Seite A eine eher düstere Facette der Band, die sich auf Seite B in eine weichere, mehr Rock'n'Roll-geprägte Stimmung auflöst. Mit einer Reise ins Ausland verschlug es The Birch nach Miami Beach, wo sie ihr zweites Studioalbum aufnahmen - ein Aufenthalt, der dem Album durch die Eindrücke aus dem ,Land of the Free" eine neue Note verlieh. Twangy Gitarren und eine geradeaus treibende Rhythmussektion führen den Hörer in psychedelische Klanglandschaften, die durch einen konstanten Beat lebendig gehalten werden, der einen durch die 30 Minuten von Vicious Mind begleitet.
- A1: Matrix
- A2: Melody And Crystal
- A3: Promise Song
- A4: Lucky Me
- A5: Citrus
- B1: Play Out Loud
- B2: Chasing Blurry Lines
- B3: A Song To Sing With You (Feat. Yukino Sakurai)
- B4: Eternal Eve
- B5: Glass Heart
The smash hit album "Glass Heart" is now available as a limited edition vinyl record!
The Netflix series "Glass Heart" has just begun streaming worldwide. The band "TENBLANK," featured in this passionate youthful musical love story, has
released their debut album, "Glass Heart," in conjunction with the drama's release.
TENBLANK is a rock band formed by four members: the solitary genius musician Fujitani Naoki (played by Sato Takeru), college student drummer Saijo Akane
(played by Miyazaki Yu), hardworking and charismatic guitarist Takaoka Hisashi (played by Machida Keita), and music-obsessed pianist Sakamoto Kazushi
(played by Shison Jun).
The album was released digitally alongside the drama's release on July 31st, and was released on CD the following day, August 1st.
Glass Heart, which attracted attention thanks to the contributions of a stellar lineup of composers including Noda Yojiro (RADWIMPS) and Yaffle, has dominated
charts not only in Japan but also in other Asian countries, creating a global buzz.
Now, this smash hit album "Glass Heart" will be released as a limited edition vinyl record. Experience TENBLANK's music in a new way with the warm texture
and depth of sound that only analog can provide.
Remixes and Edits by MAGIC JAMS (Vinyl Only)
The Shaketown series is back with another sunshine-fueled chapter - this time celebrating the blissful, sun-drenched sounds of the Balearic Islands. Following the highly acclaimed
African Shaketown and Caribbean Shaketown EPs, the third installment, Balearic Shaketown, delivers four irresistible edits and remixes of classic ‘80s pop gems - lovingly reimagined by MAGIC JAMS for today’s dancefloors.
Or Kantor returns with his sophomore album Snake Island, a vivid and cinematic journey through imagined landscapes and lost love, for fans of Eden Ahbez and other seekers of sound and spirit.
Following the critical success of his 2024 debut Sarda Sarda, praised by BBC Radio 6 Music, FIP Radio, RRR Australia, WYEP, KCRW, and Songlines Magazine, Kantor continues to refine his distinctive sonic identity, grounded in instrumental storytelling.
With Snake Island, Kantor ventures deeper into what he calls Subterranean Music, an atmospheric fusion of Mediterranean ballads, desert blues, spiritual jazz, and psychedelic textures. Drawing inspiration from artists such as Gábor Szabó, Omar Khorshid, The Budos Band, Dorothy Ashby, and Tommy Guerrero, he crafts instrumentals that feel both timeless and cinematic.
"Snake Island was written as a soundtrack to a fictional film that disappeared from the world, one that most likely no one has ever seen," says Kantor. "It began as a tragic love story, imagined during my time on a remote island in the Cyclades. Every landscape felt like a scene waiting for music. Eventually, the story gave way to sound."
A respected tattoo artist and founder of the Love Light Studio, Kantor's musical path began after a chance encounter with Johnny Sharoni (Garden City Movement, A&R at Anova Records). During a tattoo session, Sharoni heard Kantor's demos and was immediately struck by their raw beauty.
Kantor now steps confidently into the next chapter of his creative journey. Snake Island is more than an album. It is a mythic, imagined soundtrack to a film that only exists in memory, rendered in tones that shimmer like heat on stone.
Scuba channels timeless, euphoric energy on his Crosstown Rebels debut, ‘GetUppp’. The Hotflush boss delivers two tracks crafted for the later hours, set for release on 21st November 2025.
Damian Lazarus’ Crosstown Rebels welcomes electronic pioneer Scuba for his first appearance on the label with ‘GetUppp’, a two-track release that fuses the UK artist’s trademark low-end pressure with the euphoric pulse of house. The title track glides on slinking percussion, interwoven with subtle soulful vocal nuances, building an irresistible groove that climbs steadily toward full dance-floor release. On the flip, ‘406 Dub’ dives deeper, a stripped, head-down workout that channels the tension and space of dub techno into something hypnotic, trippy, and captivating.
A producer who has continually defied convention, Paul Rose, aka Scuba, has shaped the direction of underground music for over two decades. From his formative role in the UK’s dubstep movement to his era-defining SUB:STANCE residency at Berghain, he’s evolved through techno, house, and beyond while steering his influential Hotflush Recordings imprint - the launchpad for artists like Mount Kimbie and Joy Orbison. He has also delivered critically acclaimed mixes for DJ Kicks, Fabric, and Ostgut Ton, cementing his reputation as one of electronic music’s most astute tastemakers.
Following his acclaimed Digital Underground live tour across 2024, and his latest headline run across Asia with shows in Kyoto, Nagoya, Tokyo, Koh Phangan, Singapore, Danang, Shenzhen, Shanghai, and Beijing, Scuba returns with fresh energy on ‘GetUppp’ - a record that captures the forward-thinking sound that has made him one of underground electronic music’s most influential figures.
- Everything, In Time
- Head In The Ground (Ft. Tiggs Da Author)
- High On The Internet (Ft. Jay Prince)
- Domino Szn
- Diamonds
- Red Flags & Love Hearts
- This Shit Hurts
- Kintsugi
- Ain’t No Love That Blind
- What About Me
- Little Things
- Hell Yeah
- Loverman
- Space
- Rain In Heaven (Demo)
Nach Jahren in der kreativen Zwangsjacke kehrt eine der talentiertesten und markantesten Stimmen Großbritanniens zurück. Ella Eyre kündigt ihr lang erwartetes zweites Studioalbum „everything, in time“ an, das am 21. November über Play It Again Sam erscheint.
Ein Jahrzehnt nach ihrem UK-Top-4-Debüt „Feline“ und unzähligen hochkarätigen Kollaborationen präsentiert Ella endlich ein Werk, das so ungefiltert, furchtlos und vollendet ist wie sie selbst. Mit den 15 Songs von „everything, in time“ erschließt sich das in London geborene Kraftpaket einen Sound, der in sattem Soul, mutigem R&B, Retro-Funk und emotionaler Wahrheit verwurzelt ist.
Nach einer Stimmbandoperation während der Pandemie, die sie zwang, das Sprechen buchstäblich neu zu lernen, gewann Ella neues Selbstbewusstsein. Sie trennte sich von ihrem ehemaligen Label, nahm ihre Aufnahmen mit und startete neu durch. Dieses Album ist sowohl ein Höhepunkt als auch ein Neuanfang: eine mutige Erklärung einer der widerstandsfähigsten und bekanntesten Stimmen der britischen Musik.
- 1: House ≠ Home
- 2: Cold Eyes
- 3: No Breakout
- 4: Monster
- 5: Hourglass
- 6: Killing From The Inside
- 7: To The Unknown
- 8: Not Your Misery
- 9: As We Bleed
- 10: Strangers
- 11: Fall From The Sky
Seven Blood make music that manages to move the listener despite its hard-hitting sounds. Metal meets Emo-Core. Their songs revive the seemingly lost connection between volume and emotionality. However, they refrain from imitating existing bands and create their own sound, which complements the music of their youth with the band's own character. It all started in spring 2023. Anfy, Azaria, and Oli were going through strong personal crises, had known each other for several years, and decided to do what helps most in such a situation: process the pain together through songwriting. Shortly after, Josi joined and completed the band. Their lyrics deal with personal struggles and observations of our society, whether it's the toxicity of individuals or the ignorant attitude of an entire species. Seven Blood embed these lyrics in a brutal wall of sound that gives their thoughtfulness a furious undertone. The combined force of drums, bass, and guitar rises behind the vocals and is complemented by the ethereal and sometimes biting sounds of fanfares and synths. All of this culminates in a musical high that gives the listener the feeling that everything, and simultaneously nothing, is okay.
Seven Blood make music that manages to move the listener despite its hard-hitting sounds. Metal meets Emo-Core. Their songs revive the seemingly lost connection between volume and emotionality. However, they refrain from imitating existing bands and create their own sound, which complements the music of their youth with the band's own character. It all started in spring 2023. Anfy, Azaria, and Oli were going through strong personal crises, had known each other for several years, and decided to do what helps most in such a situation: process the pain together through songwriting. Shortly after, Josi joined and completed the band. Their lyrics deal with personal struggles and observations of our society, whether it's the toxicity of individuals or the ignorant attitude of an entire species. Seven Blood embed these lyrics in a brutal wall of sound that gives their thoughtfulness a furious undertone. The combined force of drums, bass, and guitar rises behind the vocals and is complemented by the ethereal and sometimes biting sounds of fanfares and synths. All of this culminates in a musical high that gives the listener the feeling that everything, and simultaneously nothing, is okay.
- Roadmap
- Icebreaker
- Again
- New York Attitude
- Underground
- The Lemur
- Tilværelse
- What Get's You
The project is co-led by Copenhagen-born saxophonist Andreas Toftemark, a European Jazz Master and recipient of the Bent Jædig Prize, whose career has taken him from the Conservatorium van Amsterdam to The New School in New York. He is joined by Benny Benack III, the multi-award winning Emmy-nominated trumpeter and vocalist lauded for his charismatic performances with the likes of Christian McBride, Chad Lefkovitz-Brown, Peter Bernstein and more. Rasmus Sorensen adds a vital piano voice, fresh from winning a Danish Music Award in 2024 and releasing Balancing Act (2024) featuring modern drum icon Kendrick Scott. On bass, Finnish talent Kaisa Mäensivu - leader of her own project Kaisa"s Machine - brings international credentials shaped at the Sibelius Academy, Manhattan School of Music, and festivals including Pori Jazz. Completing the lineup is New York drummer Joe Peri, a Grammy-winning artist featured on Tony Bennett & Lady Gaga"s Love for Sale and a familiar face at Birdland, Mezzrow, and other NYC institutions. Together, they craft Roadmap - a set of originals born from tours around the Copenhagen Jazz Festival and honed on the road. Each member contributes compositions: from Toftemark"s modal-driven title track and brisk swinger What Gets You to Peri"s hard-hitting opener Icebreaker, Mäensivu"s funk-tinged The Lemur, and Sorensen"s harmonically dense New York Attitude. The quintet also delivers moments of intimacy, with Again - a co-write between Toftemark and Benack - adding lyrics penned on tour and sung with understated warmth. As Benack reflects: "When I play with Andreas, I"m thinking of Joe Henderson and Kenny Dorham, of Clifford Brown and Harold Land. But this isn"t just a revival of a classic hard bop record-the heart and soul of it is the Copenhagen-New York connection."
- Yasmina
- Medley Ii
- Off
- Gel
- Melé
- Sana Ne
- Aurélien
- In Meiner Welt
Mit "Al Mast" legt Adir Jan sein zweites Album vor - fünf Jahre nach dem gefeierten Debüt "Leyla". Der Berliner Singer-Songwriter mit kurdischen Wurzeln bleibt seinem Stil treu: "Cosmopolitan Kurdesque" nennt er die einzigartige Mischung aus orientalischer Tradition, psychedelischem Rock, Indie-Pop und poetischer Bardenkultur. Seine Lieder - gesungen in Zaza, Kurmancî, Türkisch und weiteren Sprachen - erzählen von queerer Liebe, Schmerz, Lust und gesellschaftlicher Rebellion. "Al Mast" ist ein musikalischer Aufschrei gegen Homophobie, Rassismus und Krieg - getragen von Adir Jans klarer Stimme und begleitet von Instrumenten wie Tembûr, Violine, Kanun und E-Gitarre. Die Songs sind bittersüß, treibend und melancholisch - eine Einladung zum Träumen, Tanzen und Nachdenken. Adir Jan schafft mit "Al Mast" ein transkulturelles Klanguniversum, das Brücken schlägt zwischen Morgenland und Abendland, zwischen Tradition und Moderne, zwischen Herzen und Seelen.
Im Juli 1955 reiste der damals 19-jährige Luciano Pavarotti zusammen mit seinem Vater und einem Chor aus
Modena nach Wales, um am Llangollen International Musical Eisteddfod teilzunehmen. Dort gewannen sie
den Wettbewerb der Männerstimmen mit großem Abstand. Dieser besondere Moment inspirierte Pavarotti,
professioneller Sänger zu werden. 40 Jahre später, im Jahr 1995, kehrte er zurück, um während der
Eisteddfod-Woche ein besonderes Konzert im Pavillon zu geben. Diese Aufnahme dokumentiert das bisher
unveröffentlichte, historische Konzert. Zu der versammelten Menge im Pavillon sagte Pavarotti: „40 Jahre,
mein Gott, es fühlt sich an, als wäre es gestern gewesen. Ich habe so viele Dinge getan. Wenn Journalisten
mich fragen, welcher Tag in meinem Leben besonders war, dann sage ich, es war der Tag, an dem ich
diesen Wettbewerb gewann, weil ich mit all meinen Freunden zusammen war.“
Die Sammlung präsentiert ein Programm voller Arien aus Cavalleria rusticana, Il trovatore und Macbeth
sowie bekannte neapolitanische Lieder. Sie enthält außerdem zwei Tracks aus dem Jahr 1955, die als die
ältesten Aufnahmen von Luciano Pavarotti gelten. Das beiliegende, 100 Seiten starke Buch bietet einen
lesenswerten Essay von Maestro Mark Wilkinson über dieses historische Konzert sowie seltene historische
Fotos aus dem Llangollen-Archiv. Die SACDs in dieser Box sind hybrid und verfügen über eine PCM-AudioEbene, die auch auf Standard-CD-Playern abgespielt werden kann, sowie über eine DSD-Ebene.
Der lettische Pianist Georgijs Osokins widmet sein Debütalbum bei der Deutschen Grammophon dem estnischen Komponisten Arvo Pärt. „For Arvo” ist eine Hommage an die baltische Klavierkultur und die
zeitlose Musik des Komponisten anlässlich dessen 90. Geburtstags am 11. September 2025.
Neben Originalwerken für Klavier enthält das Album Osokins eigene Transkriptionen zentraler Pärt-Kompositionen
wie „Fratres”, „Pari intervallo” und „Fragile e conciliante, die das Vertrauen in Osokins’ musikalische Integrität und seine tiefe Auseinandersetzung mit Pärts Werk unterstreicht.
Osokins erforscht mit dem Programm die „verborgenen Beziehungen zwischen den verschiedenen Stücken
in Pärts Klavierwerk“ und spannt so den Bogen von Pärts frühen Kompositionen bis zu seinem charakteristischen Tintinnabuli-Stil. „Ich wollte genau den Moment kompositorischer Erkenntnis einfangen –
von komplexer zeitgenössischer Avantgarde bis hin zu reiner, leuchtender und rätselhafter Schönheit und
Schlichtheit”, erklärt Osokins. Eingespielt wurden die Werke auf einem über 100 Jahre alten blauen
Steinway-Flügel, dessen obertonreicher Klang dem Album eine unverwechselbare Atmosphäre verleiht.
„Dieses Album ist eine Liebeserklärung an Arvo und seine Musik“, so Georgijs Osokins.
Inspiriert von Ornette Coleman wagte sich der Altsaxofonist Jackie McLean Anfang der 1960er auf eigene
Faust in die Welt der Avantgarde vor. Dabei gab er dennoch nie seinen feinen Sinn für Swing und musikalische Strukturen auf. Ein Musterbeispiel für diese experimentierfreudige Phase ist sein 1963 erschienenes
Album “One Step Beyond”, das bei AllMusic die Höchstwertung von fünf Sternen erhielt. Darauf schuf
McLean mit einem einzigartigen Quintett einen unverwechselbaren neuen Sound, den er selbst als “InsideOut” bezeichnete.
Mit seinen mitreißenden Soli und umjubelten Auftritten in der Konzertreihe “Jazz at the Philharmonic” übte
der Tenorsaxofonist Illinois Jacquet einen immensen Einfluss auf den Spielweise des Saxofons im Rhythm &
Blues und Rock ‘n’ Roll aus. Für den JATP-Impresario Norman Granz und dessen Label Clef nahm Jacquet 1956 mit “Swing’s The Thing” auch eines seiner besten Alben auf.
Das neue Live-Album von Def Leppard „Diamond Star Heroes Live From Sheffeld” jetzt auf Blu-ray+2CD,
4K UHD, 2CD und 2LP!
Das Konzert wurde 2023 während ihrer Tournee mit Mötley Crüe in ihrer Heimatstadt Sheffeld in der
Bramall Lane aufgenommen.
Die 4K-UHD-Version enthält auch „One Night Only Live At The Leadmill”, das bereits im letzten Jahr
veröffentlicht wurde. Jetzt das erste Mal im 4K-Format.
Die 2LP wird auf rotem, weißem und schwarzem Splatter-Vinyl gepresst – die Farben stehen für die
Heimtrikotfarben des Sheffeld United FC, der seine Heimspiele im Bramall Lane austrägt.
Plus 4 wurde ursprünglich 1956 bei Prestige veröffentlicht und zeigt Sonny Rollins zusammen mit dem
Cliff Brown/Max Roach Quintett. Das Album wird als besonders starkes Hardbop-Set beschrieben und
enthält fünf Titel, darunter zwei Rollins-Originale, „Pent-Up House“ und eines seiner bekanntesten Stücke,
„Valse Hot“. Diese Neuauflage des Albums erscheint als Teil der OJC-Serie auf 180-Gramm-Vinyl, gepresst
bei RTI, mit vollständig analogem Mastering von den Originalbändern bei Cohearent Audio und einem
Stoughton Tip-On-Cover.
EPICA’s seventh full-length studio effort “The Holographic Principle” signified a significant upping of the musical ante for this most adventurous of modern bands. Recorded once with esteemed producer Joost van den Broek at the controls, “The Holographic Principle” represents the most impressive and powerful expression of EPICA’s boldly inventive sound yet. One listen to thunderous songs like ‘Edge Of The Blade’ and ‘Universal Death Squad’ will confirm that “The Holographic Principle” is EPICA’s heaviest album to date. Meanwhile, the shimmering soundscapes and multi-layered melodrama of ‘Once Upon A Nightmare’ and the towering 11-minute title track confirm that “The Holographic Principle” is also the band’s most musically extravagant and daring release so far. With lashings of sumptuous orchestration and a never-ending stream of ingenious but brutal metal riffs and propulsive rhythms underpinning the whole explosive enterprise, this is an album that raises the bar for the entire symphonic metal genre.
Amand returns to All Day I Dream alongside Belgian newcomer Capoon for their collaborative two-track Ouverture EP. The release arrives with a bonus remix from producer/DJ Khen.
Guided by a shared sense of musical storytelling, Amand and Capoon find common ground in organic instrumentation and cinematic rhythm. Across its two movements, Ouverture unfolds like a passage through dusk and dawn part meditative, part ascendant. The title track’s first part opens in a space of gentle introspection, carried by fluid percussion and softly woven synths. Its counterpart rises with quiet momentum, layering melodic phrasing, captivating vocals, and subtle rhythmic tension into a transportive finale. It’s a delicate and dreamy 12-minute journey that encapsulates the wondrous imagination of All Day I Dream curation.
Khen’s remix expands the emotional arc further, blending the original’s warmth with his signature precision and dynamic melodic control. The result feels both grounded and dreamlike, aligning seamlessly with the label’s ethos of soulful progression and timeless sound design.
Black Vinyl[18,07 €]
GALAXY OXBLOOD RED & BLACK VINYL[18,70 €]
LTD INSOMNIA COL. VINYL[18,07 €]
Lions Law sind 2025 zurück mit "Evermore", ihrem bisher vielleicht wirklich stärksten Album. Die Franzosen sind eine der führenden Oi! und Street Punk Bands Europas, und im Februar 2025 lassen sie ihr brandneues Album aus dem Käfig. Nachdem die Band im letzten Jahr eine Compilation mit all ihren Französisch gesungenen Songs veröffentlicht hat, ist dies der mit Spannung erwartete Nachfolger zu 2020s P, B & S, welcher das Vermächtnis der Band fortführt, ungebremmste explosive Energie und rohe Intensität zu liefern, die Fans auf der ganzen Welt so an ihnen schätzen. Mit 15 komplett neuen Tracks untermauern Lion's Law ihren Status als eine Schlüsselband der globalen Punkszene, bleiben ihren Wurzeln treu und heben ihren Sound doch auf ein neues Level. Seid bereit für die unaufhaltsame Kraft von "Evermore" und bleibt dran an Lion's Law! Inklusive der Highlights "Brother", "Sewer Rats", Titeltrack "Evermore" sowie A Flock Of Seagulls-Cover "I Ran". CD und LP, Vinyl klassisch schwarz und farbig am Start. Oi!
- A1: Filastrocca (Nursery Rhyme) 1:11
- A2: Scuola Di Retorica (School Of Rethorics) 2:08
- A3: Retarius In Lotta (Retarius' Fight) 2:13
- A4: Scena, Fiaba, Pantomima (Scene, Tale, Pantomime) 5:24
- A5: Quartilla 0:31
- A6: Quartiere Dei Bordelli (Brothels' Quarter) 2:26
- A7: Mercato, Nebbia (Market, Fog) 1:02
- A8: Orgia (Orgy) 2:34
- B1: Bali 7:02
- B2: Epitaffio (Epitaph) 1:09
- B3: La Nave (The Ship) 1:34
- B4: Inizio Tempesta (Storm Begins) 1:04
- B5: Tempesta Violenta (Violent Storm) 1:30
- B6: Succhiata (Sucking) 0:12
- B7: Naufragio (Shipwreck) 1:33
- B8: Giardino Di Circe (Circe's Garden) 0:43
- B9: Proseleno 0:51
- B10: La Maga (The Witch) 1:19
- B11: Mangiando Il Cadavere + L'uccello (Eating The Corpse + The Bird) 2:27
Within the world of theatrical archives, there are the known, the unknown, the forgotten, and the lost. Demetrio Stratos' stage compositions for Teatro dell'Elfo's groundbreaking 1979 production Satyricon - directed by future Oscar winner Gabriele Salvatores - represents one such lost artifact now wondrously returned to life. This radical sonic work, integrating extended vocal techniques, Balinese instruments, and pioneering whale song recordings, stands as the final masterpiece of Italy's most visionary vocal experimenter, lost for over four decades until Die Schachtel's extraordinary recovery. As Stratos himself explained: "The musical operation performed on Satyricon is particular: the composer-musician here does not compose, but borrows ready-made music, vivisects it, melts it, intervenes and recomposes it on magnetic tape. The structure of the signifier, from a morphological point of view, presents itself as a conceptual collage." The music is obtained by utilizing compositions and musical elements from David Behrman, Joan La Barbara, Balinese Ketyak, Turkish Nay flute, Yugoslavian bagpipe, Pan flute, and whale song, with synthesizer interventions by Paolo Tofani. It began as part of something known - a wild, immersive theatrical event that inaugurated Teatro dell'Elfo's historic venue in 1979, was almost entirely forgotten, becoming lost and then unknown. The original production marked a radical departure for the company: no longer popular street theatre, but a dark, immersive, sophisticated spectacle that transformed their space into a rough wooden arena with a sand floor. Demetrio Stratos, working with Paolo Tofani (fellow Area member), created an entire sonic universe that subverted every conventional function of stage music. Their composition wasn't accompaniment, but autonomous sonic dramaturgy that integrated extended vocal techniques, archaic electronic elements, Nay flutes, Balinese instruments, and pioneering whale song recordings. The result was a three-dimensional soundscape that enveloped audiences, creating an otherworldly acoustic dimension. Stratos' score even intervened in the actors' vocal delivery, with the recordings capturing both the performance and his coaching sessions with the cast. The production featured young actors destined for fame - Elio De Capitani, Ferdinando Bruni, Cristina Crippa, Corinna Agustoni, Ida Marinelli - guided by Gabriele Salvatores in this adaptation of Petronius' ancient novel. Shortly after the Satyricon performances, Stratos was hospitalized for the condition that would lead to his death at just 33 years old. This work represents his final composition - a haunting farewell from one of Italy's most innovative sound artists. Die Schachtel presents this recovered work in collaboration with Teatro dell'Elfo, pulled from the original magnetic tape and carefully restored. Satyricon '79 is one of the great artifacts of 1970s Italian avant-garde - a wild, grinding sonic expose which sucks the ear into its depths, made in the spirit of collaboration and creative risk-taking. The edition includes critical apparatus with essays, testimonies from protagonists, and period photographic documentation, documenting an unrepeatable moment where theatre, vocal research and sonic experimentation converged. This release marks a poignant moment in experimental music history - Stratos' final work, now rescued from the archives and restored to its rightful place in the canon of Italian avant-garde masterpieces. A true wonder of towering historical importance. As essential as it gets for any fan of experimental music, or the history of the Italian avant-garde. Fully restored and newly mastered from the original analog tapes. Absolutely essential.
Nach gefeierten Auftritten bei den BBC Proms, im Kölner Dom und auf der New York Fashion Week veröffentlicht die Organistin, Chor-Leiterin und Influencerin Anna Lapwood ihr aktuelles Album Firedove jetzt auf Vinyl. Neben den beliebtesten Stücken des Albums sind auch zwei neue Stücke dabei, die extra für die Vinyl aufgenommen wurden: "Nimbus" von der indonesischen Komponistin Eunike Tanzil und eine Toccata von Eugène Gigout.Für ihr Album "Firedove" hat Anna Lapwood neue Arrangements zeitgenössischer Stücke von u.a. Hans Zimmer, Rachel Portman oder Alan Menken aufgenommen. Dabei ist Anna Lapwood nicht nur an der Orgel zu hören, sondern leitet bei den Stücken "Come to Me", "Firedove" und "Make You Feel My Love" auch den Chapel Choir of Pembroke College Cambridge. Beim Stück "Flight" wird Anna Lapwood von der Saxofonistin Jess Gillam begleitet. "Firedove" wurde in den Nachtstunden im Nidaros Dom aufgenommen, einer spektakulären gotischen Kathedrale aus dem 11. Jahrhundert in Trondheim, Norwegen."Ich wollte ein Album schaffen, bei dem die Hörer nie genau wissen, wohin es als nächstes geht. Es gibt viele kleine 'Easter Eggs', die man nicht erwarten würde - so der erste Auftritt des Chors. Ich habe das Gefühl, dass ich endlich gefunden habe, was ich als Künstlerin sagen möchte. Ich bin sehr stolz darauf", erklärt Anna Lapwood.Als roter Faden durchzieht "Firedove" das Motiv des Fliegens und der Entfaltung - ein Sinnbild für Anna Lapwoods künstlerische Entwicklung. Sie ist ein Phänomen. Mit der Orgel der Royal Albert Hall, an der sich fast jede Nacht übt, begeistert sie eine neue Generation von Musikfans auf Instagram und TikTok für ihr gemeinhin als altmodisch geltendes Instrument. Sie hat sich damit nicht nur Millionen Fans auf Social Media erspielt, sondern wurde auch zu Kollaborationen mit Bonobo, MRAYE, Florence & The Machine und Aurora eingeladen. Selbst Tom Cruise besuchte sie bei einer ihren nächtlichen Proben, was zu einer spontanen Orgelstunde führte. 2024 wurde sie für ihr Debüt-Album "Luna" mit einem Opus Klassik ausgezeichnet. Neben ihrer Tätigkeit als Organistin wurde sie mit 21 Jahren zur Musikdirektorin am Pembroke College in Cambridgeshire ernannt und war damit die jüngste Person, die jemals diese Position an einem College der Universitäten Oxford oder Cambridge innehatte und leitete neun Jahre lang deren Chöre.
- Into The Abyss
- Human
- Ultraviolet
- Throne Of The Sunset
- Calamity
- Time
- Silent Anchor
- Splinters
- My Effigy
- Get Your Shit Together
- Never Enough
- Oblivion
- Into The Gray
- H.a.t.e
- Inner Sanctum
Fanbox[54,41 €]
Die deutsche Metalcore-Band Annisokay, 2007 in Halle (Saale) gegründet, hat sich stetig zu einer der spannendsten Heavy-Acts Europas entwickelt. Seit ihren frühen Demos und selbstveröffentlichten EPs hat die Band sechs bedeutende Releases herausgebracht – darunter die »Abyss Pt I & II EPs« – sowie fünf Studioalben, von denen jedes einen deutlichen Entwicklungsschritt in Sound und Reichweite markiert.
Live sind Annisokay ebenso unaufhaltsam: Mit der Abyss Tour und vor allem der »Abyss Pt II Europe«-Tour haben sie ihre explosive Bühnenenergie auf ein neues Level gehoben. Letztere gilt als die größte Headline-Tour ihrer Karriere mit 30 Shows in 14 Ländern, begleitet von ihren bislang größten Festivalauftritten, unter anderem beim Summer Breeze und Wacken Open Air.
2025 steht die Band kurz davor, diese Ära mit »Abyss – The Final Chapter« abzuschließen – Veröffentlichung im November 2025. Dieses Werk vereint Pt I und Pt II zu einem kraftvollen Gesamtstatement und markiert den Höhepunkt ihres bislang ambitioniertesten Projekts.
- Into The Abyss
- Human
- Ultraviolet
- Throne Of The Sunset
- Calamity
- Time
- Silent Anchor
- Splinters
- My Effigy
- Get Your Shit Together
- Never Enough
- Oblivion
- Into The Gray
- H.a.t.e
- Inner Sanctum
Marbled Vinyl[36,35 €]
Die deutsche Metalcore-Band Annisokay, 2007 in Halle (Saale) gegründet, hat sich stetig zu einer der spannendsten Heavy-Acts Europas entwickelt. Seit ihren frühen Demos und selbstveröffentlichten EPs hat die Band sechs bedeutende Releases herausgebracht – darunter die »Abyss Pt I & II EPs« – sowie fünf Studioalben, von denen jedes einen deutlichen Entwicklungsschritt in Sound und Reichweite markiert.
Live sind Annisokay ebenso unaufhaltsam: Mit der Abyss Tour und vor allem der »Abyss Pt II Europe«-Tour haben sie ihre explosive Bühnenenergie auf ein neues Level gehoben. Letztere gilt als die größte Headline-Tour ihrer Karriere mit 30 Shows in 14 Ländern, begleitet von ihren bislang größten Festivalauftritten, unter anderem beim Summer Breeze und Wacken Open Air.
2025 steht die Band kurz davor, diese Ära mit »Abyss – The Final Chapter« abzuschließen – Veröffentlichung im November 2025. Dieses Werk vereint Pt I und Pt II zu einem kraftvollen Gesamtstatement und markiert den Höhepunkt ihres bislang ambitioniertesten Projekts.
- 1: Last Train To Memphis
- 2: The Legend Of Jolie Blonde
- 3: I Spent All My Money Lovin' You
- 5: String Of Hearts
- 6: I Wonder
- 7: Everyday
- 8: Don't Make A Fool Of Yourself
- 9: Homesick Blues
- 10: Forever And Always
- 11: The Sky Isn't Blue Anymore
- 12: Full Moon On The Bayou
- 13: What Are We Doing
- 14: Sing
- 15: Goin' Fishing
- 16: See You Later Alligator
- 17: The Jealous Kind
- 1: Diamonds & Rust
- 2: Fountain Of Sorrow
- 3: Never Dreamed You'd Leave In Summer
- 4: Children And All That Jazz
- 5: Simple Twist Of Fate
- 6: Blue Sky
- 7: Hello In There
- 8: Jesse
- 9: Winds Of The Old Days
- 10: Dida
- 11: I Dream Of Jeannie
- 12: Danny Boy (Medley)
If people were unaware of the significance of Joan Baez to western culture, her portrayal in the Bob Dylan biopic A Complete Unknown (played by Monica Barbaro) underlines how central she was to the popularization of folk music in the early 1960s. And it is her decade- previous relationship with Dylan that hovers joyously over Diamonds & Rust. The title track is about a thinly disguised ex-lover who calls up out of the blue; it remains one of her most loved songs in a 65- year- career.
There's a playful cover of "Simple Twist Of Fate" from Dylan's then just released Blood On The Tracks, complete with impersonation in a later verse; and "Winds Of The Old Days", written in response to Dylan touring again after a lengthy hiatus. Diamonds & Rust is a perfect, sunshine- drenched album of west- coast folk- tinged rock, full of star session players. It could almost have been a signal to all the recent comers on her patch many of them friends and colleagues, Joni Mitchell, Carole King, Maria Muldaur that Baez was here first and was sweetly reasserting her authority. Just listen to her mastery on "Children & All That Jazz", her cover of Stevie Wonder's "Never Thought You'd Leave In Summer" and the poignant closing medley of "I Dream Of Jeannie/Danny Boy".
Leviathan Whispers is an album of longings, laments, deliriums and drones, savage and sublime. Within are breaths, hums and bone songs for shadows and fl ames to dance to. Tim Hill is an inspirational fi gure within the UK arts, jazz, noise and improv world. A shapeshifting maverick exploring Britain's diverse musical traditions, from rough music to industrial folk, free jazz to dub, post-punk to avant-rock, incorporating ambient electronics, hymns and noise. Having worked with pioneering arts company Welfare State International, Tim’s performed inside Stonehenge, on the back of trucks at Notting Hill Carnival, leading giants through the streets of London, Dublin and Galway, at Olympic Torch events, celebratory feasts and leading humanist funerals. Tim is also festival director for The Sound of the Streets, a charity promoting outdoor music and musical director of the Wye Valley River Festival where he helps street bands across the country including The Big Noise in Taunton and Horns of Plenty in Oxford.
Leviathan Whispers is a spectral, contemplative selection of Tim's recorded work, including material created for art installations, outdoor projects, solo performances and personal meditations. Inspired by landscape and the eternal pull of Blake's Albion, baritone, alto and soprano saxophones are mixed with tape loops, old synths, recycled live recordings, woodwinds and reeds. Other sounds are processed by Colin Potter (Nurse With Wound) and drone artist Jonathan Coleclough. The album artwork and accompanying videos feature sound sculptures by Michael Fairfax (Royal Society of Sculptors) alongside unsettling visuals by fi lm-maker and junk-alchemist David Young. "an amazing player - there's a weight to his music with a wonderfully dark edge" Corey Mwamba / BBC Radio 3 Fans of Colin Stetson, John Surman, Anna Von Hausswolff , William Basinski and La Monte Young will fi nd much to savour on this new 12" LP. LAUNCH PARTY: we're holding a special launch event with a live performance and talk by Tim Hill on Saturday, 15th November inside a beautiful Victorian chapel beneath Royal Berks Hospital, Reading.
Die deutsche Synthie-Pop-Band Propaganda wurde 1982 in Düsseldorf gegründet. 1983 unterschrieb sie
einen Vertrag bei ZTT Records und veröffentlichte 1984 ihre erste Single „Dr. Mabuse“. Es folgte das
Debütalbum „A Secret Wish“, von dem die beiden Singles „Dr. Mabuse“ und „Duel“ in die britischen
Top 30 kamen. Das von Mertens und Dörper geschriebene Album „A Secret Wish“ erhielt viel Lob von
Kritikern und erreichte Platz 16 der britischen Albumcharts. Auf das Album folgte die Single „p:Machinery“,
die in Italien, Frankreich, den Niederlanden, Deutschland und der Schweiz ein Hit wurde. Anschließend
verbrachte die Gruppe den Rest des Jahres auf ihrer „Outside World“-Tournee durch Europa und Amerika.
Im November 1985 erschien das Remix-Album „Wishful Thinking“. Ursprünglich war das Album für den
amerikanischen Club-Markt gedacht, es wurde jedoch auch in Europa veröffentlicht. Das von ZTT-Experte
Ian Peel zusammengestellte und kuratierte Box-Set enthält neben dem Album eine Auswahl seltener Mixe,
unveröffentlichter Titel und einiger Live-Aufnahmen. Das Booklet in der kompakten, stabilen CD-Box
enthält eine Notiz von Ian Peel über die Geschichte der Band und den Einfluss, den das Album im Laufe
der Jahre hatte. Die Veröffentlichung wird von einer limitierten 1-LP-Version und einer Blu-ray (SDEExklusiv) begleitet, die einen neuen Atmos-Mix von David Kostin enthält.
- A1: Well (1 07)
- A2: The World Is My Oyster (10 42)
- A3: Snatch Of Fury (Stay) (1 17)
- A4: Welcome To The Pleasuredome (2 32)
- B1: Relax (Come Fighting) (3 55)
- B2: War (& Hide) (6 12)
- B3: Two Tribes (For The Victims Of Ravishment) (4 03)
- C1: Ferry (Go) (1 51)
- C2: Born To Run (3 55)
- C3: San Jose (The Way) (3 09)
- C4: Wish (The Lads Were Here) (2 50)
- C5: Including The Ballad Of 32 (4 32)
- D1: Krisco Kisses (2 59)
- D2: Black Night White Light (4 00)
- D3: The Only Star In Heaven (3 46)
- D4: The Power Of Love (6 05)
- D5: Bang (1 14)
40 Jahre ”Welcome To The Pleasuredome”!
Diese Jubiläumsausgabe, die erstmals in Zusammenarbeit mit der Band selbst zusammengestellt wurde,
enthält 28 unveröffentlichte Titel und nimmt den Hörer mit auf eine Reise von den frühesten Demos und
BBC Radio One Sessions der Band über die Singles bis hin zum Album und darüber hinaus.
Jede CD enthält seltene und in den meisten Fällen unveröffentlichte Versionen von Songs, die den Goldstandard der Musik der 80er Jahre darstellen.
Der weltbekannte Künstler, Produzent und Remixer Steven Wilson hat einen Atmos-Mix sowie Stereound 5.1-Mixe für die Blu-Ray beigesteuert. Das Booklet wurde von Philip Marshall gestaltet und enthält
seltene Fotos und Erinnerungsstücke sowie eine Zeitleiste zum Aufstieg der Band zum Ruhm mit Beiträgen
aller Mitglieder von Frankie Goes to Hollywood.
Darüber hinaus erscheint ein Deluxe-2CD-Set, welches das neu gemasterte Album sowie Versionen aus der
Session und eine Auswahl von Outtakes enthält. Die beiden CDs werden in einem 8-seitigen Digipak mit
einem 20-seitigen Booklet präsentiert.
Außerdem wird es ebenfalls das Album mit Steven Wilson Mix als Remaster auf 2LP geben.
Ab dem 31. Oktober erhältlich!
The Heinz Beauvaix project dates back to the mid-1990’s when Niels Rønne and Flemming Kaspersen played in Danish ambient act Swimwear Catalogue. On an ever growing number of DAT tapes they recorded semi-improvised synth/sampler/sequencer jams that mixed influences from ambient, electro and industrial. Later they began working with more detailed studio productions.
The seven tracks on “Vision Man” combine complex synth pads, interweaving monophonic synth lines, discrete drum rhythms, and strange voice samples. The sound is experimental and melodic at the same time. Influences range from early industrial to IDM, techno and synth pop. Rønne and Kaspersen originally met through a shared obsession with Canadian industrial giants Skinny Puppy. And if there is one seminal album that has influenced the Heinz Beauvaix sound, it is the obscure Skinny Puppy side project Doubting Thomas and their solitary album “The Infidel”, released in 1990.
Others have mentioned influences from bands such as Coil, Severed Heads, Bill Leeb and Rhys Fulber’s Delerium and Future Sound Of London.
“Vision Man” is old school synthesizer music with tunes you can hum.
MD008 is here! — a bold new chapter in theever-evolving world of re-edits. This latest instalmentis a masterclass in versatility and emotion: four distinct cuts, four immersivesoundscapes, each crafted to ignite the dancefloor in its own unforgettableway. From hypnotic vocal firestorms to cinematic tributes, MD008 is a recordthat transcends trends and celebrates the timeless art of groove. Vinyl-only,limited edition — a future classic in the making.
A1 –TVGLips
A relentless vocal workout built to commandattention from the very first beat. “TVGLips” is a powerhouse opener —hypnotic, high-energy, and unapologetically intense. Its driving rhythm andsoaring vocal lines lock dancers into a euphoric trance, pushing momentumhigher with every bar. A weapon of choice for peak-time sets.
A2 –Tu Sei
Radiating pure nostalgia, “Tu Sei” channelsthe neon-lit spirit of the 1980s with a contemporary twist. Shimmering synths,heartfelt melodies, and a groove steeped in retro romance make this track anirresistible dancefloor moment. Equal parts cinematic and soulful, it’s a loveletter to a bygone era — and a timeless anthem for now.
B1 –Inquinada
Where new wave attitude meets disco power.“Inquinada” is a darkly seductive cut that pulses with underground energy — rawbasslines, mechanical percussion, and shimmering synth layers collide to createa sound that’s both nostalgic and futuristic. Perfectly balancing edge andallure, it’s a track that keeps the floor moving deep into the night.
B2 –Gatto Fresco
Closing the EP is aheartfelt homage to one of music’s greatest icons. This is a tribute toFreddie, and it’s pure celebration — anthemic, uplifting, and full of life.With its soaring melodies and infectious groove, it captures the unbreakablespirit and theatrical brilliance of Freddie’s legacy, leaving dancersexhilarated and inspired as the lights come up.
LimitedEdition, Vinyl Only
True to form, MD008 ispressed in strictly limited quantities — once it’s gone, it’s gone forever.Collectors, selectors, and lovers of the edit craft: this is a piece you’llwant in your collection.
LTD EDITION
"Kaidi Tatham maintains one of the most prolific artists from the UK, he's been releasing music for 30+ years and has reached some form of cult status amongst many musicians. Seen as one of the key players in the broken beat movement, he collaborated with everybody from Bugz In The Attic, Dego, IG Culture, Andrew Ashong, to DJ Jazzy Jeff, Patrick Gibin, Volcov and the likes. For this special release he remixed the young Amsterdam-based group RADIOHOP, who are a quartet playing groove-based jazz, with influences from hip-hop, funk, fusion, broken beat & more. In the past 4 years they've made noise all across the country by playing in many venues, at festivals like Super-Sonic Jazz, and their stellar debut album 'All We Do' got really well received in 2024."
Secretsundaze’s recently minted 9FINITY continues its stellar run of explorations into the outer regions of modern club music with an imprint debut from fast-rising talent Milès Borghese.
Borrowing elements from early Detroit techno, and Perlonized minimal, the ‘Antic Drive’ EP distills the German-born, Austria-based producer’s broad spectrum of influences into a highly functional, club-ready collection of tracks that perfectly fits the imprint’s modus operandi.
The A-side kicks off with ‘Do You Ever Fantasize’, a deep club tool built around the vocal sample of the title and punctuated by building drums, alien sonics at every turn, and a mean, highly danceable bassline to boot. The peak time worthy ‘Sustain’ follows an impressive opening, as an incessant mind-looping hypnotic groover aimed straight at the floor.
The EP’s title track ‘Antic Drive’ opens up the flip. Leaning on subtle textures and almost off kilter percussion, minimal broody deepness is the motive here. Borghese’s impressive first outing wraps up with ‘Mateo Does’, a driving rhythm-heavy track built for late nights and early mornings.
As always - the U JAZZ ME vinyl is numbered to 100 copies and it was pressed on 180g black wax.
Music was composed and produced by Bartosz Weber (guitar, electronica) with creative aid of Michał Fetler (saxophones) & Jacek Prościński (drums).
This Molar record was created in a few stages. First it was substantial to find creative means which would spark the new material. The Polyend Tracker was perfect for that as it is both simple and surprisingly fresh. Only after that I applied my favourite environment and comfortably sat in my digital domain. The next stage was to find kindred spirits who share the same mental and musical sensibility. Michał Fetler and Jacek Prościński seemed to fit like a custom-made rubber glove. It was equally important that they are excellent and experienced musicians as well as good humans. Fetler brought his own sensitivity and ideas, we tried sampling his instruments live which you can hear in quite a few places on this record. We still apply this technique during performances. His contribution is best heard in Berry Teaching, or Stimulating Labourer. In both cases he starts the fun and I enter sampling and answering to his parts. Jacek Prościński fits the bill both in terms of his creative approach and contagious enthusiasm. His style also encouraged me to pick up the guitar and completely change a few parts which led to a more extreme ending in Brav0o (initially it was played on synths and calmly faded out into oblivion). What more is there to do than sit back (or stand up, run, float or fall, whichever you prefer listening to music) and enjoy this selection of audio extravaganza.
DarkSonicTales is a project by Rolf Gisler and his eponymous album his first for Hallow Ground. Having been granted an artist residency by the label in a 300 year-old farm house in the Swiss countryside in autumn 2019, the Lucerne-based musician and sound artist explored the peculiar sonic environment of the building and its surroundings through the use of field recordings, modular synthesizers, guitar, bass, kalimbas, a singing saw as well as self-built instruments. "DarkSonicTales" starts with kalimba sounds and field recordings, setting the stage for "Sonic Darkness"- a self-referential spoken word piece whose sinister jazz-like sound calls to mind Bohren & der Club of Gore. The following "Spring Feelings" contrasts insect sounds with harsh noise elements, elegiac drones and a throbbing rhythm. It's not quite what you'd expect from a piece with such a title, but the stories that Gisler tells throughout the record are more concerned with uncovering the hidden histories underneath what meets the eyes than (re-)creating idylls. The nine minute-long "I Still Believe" further underlines that by bringing together glistening synthesizer notes with industrial-like drones and field recordings that give it a palpable effect before Gisler unexpectedly changes course and quite literally bursts into song. Towards the end of "DarkSonicTales," the music becomes notably more minimalistic. Gisler experiments with the dynamics of modular drones on "Kind of Restless," juxtaposing birdsong and ominous electronic noises on "Best Buddies" before a mid-tempo beat emerges, making the record close on a decidedly hopeful note. These dark sonic tales, they have a happy ending. "DarkSonicTales" is an organic album in more than one sense of the word. Reacting to and reflecting the world around him as well as expressing his inner one, Gisler gives the sounds at the core of his multifaceted compositions space and lets them breathe. Working along stark contrasts and with surprising twists, he also shines a light on the atmospheric and emotional ambiguity of the world he encountered during his solitary artist residency-unearthing the hidden layers underneath what is perceivable.
Iconic Club Anthem "Ecstasy (Take Your Shirts Off) by Johnny Vicious" returns with a fresh Remix by DJ Licious.
Belgian label Serious Beats Classics, renowned for reviving essential club tracks for new generations, proudly announces a new remix of the iconic dance anthem "Johnny Vicious feat. Lula - Ecstasy (Take Your Shirts Off)". Originally launched in 1998 on Groovilicious and later immortalized in the club scene with DJ Wout's explosive remix, this timeless track is now reborn with a brand-new remix from DJ Licious.
A fixture of late-'90s raves and clubs around the world, "Ecstasy (Take Your Shirts Off)" became synonymous with sweat-soaked dancefloors and euphoric nights. With DJ Licious's remix, the track fuses the original's raw energy with modern production power, making it as irresistible today as it was in 1998.
"As a kid I was dreaming of becoming a DJ/producer and when I started going out to raves this tune was smashing every dancefloor I went to," says DJ Licious. "Now being able to actually remix that song makes this a full circle moment for me."
- A1: Sorry, No Service
- A2: The 10.23 Am From Amsterdam Lelylaan
- A3: Spontaneous Gathering To Avoid Another Bob Dylan Movie
- A4: I Have Been Doing Some Accounting This Afternoon
- A5: Quidquid Latine Dictum Sit, Altum Videtur
- B1: Sorry, No Silence (Lp-Version)
- B2: Final Exam At The Music Academy
- B3: The High Synths Experiment
- B4: Chairs?!
DJ Marcelle's career has flourished on her own terms, with many critically acclaimed releases: in the past six years alone this Dutch woman has released five albums and numerous ep's. On stage and in the studio she transcends a feeling of freedom whilst always moving forward. Marcelle turns her DJ sets into full-on sonic adventures; she's the g.o.a.t of dancefloor eclecticism.
''Genre-defying and one-of-a-kind are two descriptions that get thrown around a lot in dance music, but DJ Marcelle fits that bill.'' (Resident Advisor)
''A Different Fridge For Cheese: '' An adventurous set that fizzes with vitality, originality and humour.'' (The Wire about her 2024 album)
Mit Communication veröffentlicht Karl Bartos sein visionäres Soloalbum aus dem Jahr 2003 erneut - und trifft damit den Nerv der Zeit. Als prägendes Mitglied von Kraftwerk war Bartos maßgeblich an Klassikern wie "The Model", "The Robots" und "Numbers" beteiligt. Nach seinem Ausstieg 1990 setzte er mit Communication seine musikalische Reise fort - nun mit einem kritischen Blick auf die digitale Medienwelt. Das Album ist eine klanglich präzise und inhaltlich scharfsinnige Auseinandersetzung mit Themen wie Bildüberflutung, Identitätskonstruktion und der Fragmentierung von Realität. Was damals wie ein Blick in die Zukunft wirkte, ist heute aktueller denn je: Smartphones, soziale Medien und algorithmische Manipulation bestimmen unseren Alltag. Bartos gelingt es, elektronische Popmusik mit gesellschaftlicher Reflexion zu verbinden - ein seltenes Zusammenspiel von Klangfreude und Medienkritik. Die Neuauflage auf Bureau B ist keine nostalgische Rückschau, sondern ein Statement zur Gegenwart. "Wir leben in einer Zeit massiver Verhaltensmanipulation", sagt Bartos. "Kybernetik, künstliche Intelligenz - das ist eine große Herausforderung für die Menschheit."
Welcome to the colourful world of Tiombé Lockhart, where post-modern soul meets dub lullabies and much more. In this second album for Mother Tongue she explores more experimental sides of her sophisticated musical palette. Opening track Kali Ma bursts with heavy drums and Tiombé’s signature vocal layers, setting the tone with energy and distinction. Previous single An Osirian Dream is paired with another collaboration with Georgia Anne Muldrow, Strange Things, where dub tones collide with a melancholic soul narrative. The futuristic R’n’B of I Divine meets the head-nodding paradise of Be Good To Me, sewing a rich tapestry of exquisite vocal layers. Get lost in this accomplished voyage into the mind, heart, and spirit of a truly unique artist.
Manche sagen, es sei Albert Einstein gewesen, der das gesagt hat, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass es Hristo Stoichkov war: ,Glück gibt es nicht." Manche Bands leben ihre gesamte Karriere von einem einzigen Song, was Experten als One-Hit-Wonder bezeichnen. Hier würden wir es wahrscheinlich einfach als Strohfeuer bezeichnen, etwas, das uns etwas vertrauter ist. Andere Bands schaffen es, ein oder zwei großartige Alben herauszubringen, vielleicht sogar drei. Darüber hinaus wird es schwieriger, Bands mit mehr als vier soliden Alben zu finden. Diese Bands haben etwas Besonderes, eine Art Magie. Jeder, der sie kennt, hat eine klare Referenz, eine Grundlage, ein Konzept, eine Art, Dinge zu tun, die einen fesseln und in ihren Bann ziehen, genau wie in diesem Fall. CRIMs fünftes Album "Futur Medieval" hält die Flamme ihrer vorherigen vier Alben am Leben. Es ist ein Killer-Album, voller Energie und Leidenschaft. Wie immer gibt es Hymnen, Refrains zum Mitsingen, den charakteristischen synchronen Punch in jedem Song und diese elektrisierenden Gitarren, die von der ersten Note an ihre Trümpfe ausspielen. Wie es in einem ihrer Songs heißt: ,"Nichts Neues?" Na und? Erwachsenes Vergnügen ist genau das, - Jordi "Unclu" Sabatés Ametller CRIM wurde 2011 gegründet und sind wohl die größte Punkband Kataloniens/Spanien. Diese äußerst leidenschaftlichen Musiker haben sich lokal einen Namen gemacht, spielen mittlerweile immer wieder vor Tausenden von Leuten und haben starke Songs, die in vielerlei Hinsicht eine sehr florierende Szene in Nordspanien vorantreiben. Die Popularität von Crim außerhalb Kataloniens wächst rasant, da sich ihre Authentizität in ihrem Sound widerspiegelt und ihr kompromissloser Ansatz in vielerlei Hinsicht universell ist und für Fans leicht erkennbar und einladend, unabhängig davon, welche Sprache sie sprechen. Jeder, der diese Band live gesehen oder ihre Alben gehört hat, kann die Kraft und Energie bezeugen, die sie besitzt. FFO Cock Sparrer, Leatherface, Social Distortion CD, klassisch schwarzes oder mehrfarbiges Vinyl!
Four late-night burners from Francesco Carvetta, marking the second chapter of Lirica White Series. Deep, hypnotic, and spiked with a dark funky twist, this is music designed for dancefloors that thrive past the witching hour.
Torque and tension drive “Larch (Acid Mix)”, its 303 lines spitting early-2000s bite through a continuous escalation of energy and unexpected turns. “503” heads into progressive territory, sleek, propulsive, and subtly echoing a bygone era without ever lapsing into nostalgia.
On the flip, “Supaline” takes a more playful route: a wobbling bassline underpins restless synth chatter, shaping a groove in constant motion. Closing with depth, “That Wakes Me” unfolds like a cinematic trip, atmospheric and tinged with melancholy, yet never cold, leaving the record suspended in late-night resonance.
Two years after making their bow via a fine contribution to the Claremont Editions 3 compilation, Nuremberg’s Neumayer Station are ready to drop their debut full-length excursion, the mesmerising and immersive Crossings.
The brainchild of drummer-turned-producer Michael Kargel, a musician with a bulging CV that includes stints in various German indie-pop and rockabilly bands, Crossings was co-produced and mixed by Frank Mollena (best known to Claremont 56 fans as the man behind the Fürsattl and Bambi Davidson projects), with additional contributions by Alexander Sticht and an impressive roll call of guest musicians plucked from Nuremberg’s vibrant musical underground.
Recorded at different points over the last three years, the eight tracks showcased on Neumayer Station’s inspired debut album draw influence from the hypnotism of classic German ‘kosmische’ recordings, the freewheeling and stoned headiness of CAN, and the gently unfurling beauty of sun soaked Balearica. Kargel, Mollena and their collaborators set the tone with opener ‘Unterführung’, where Sticht’s layered and sonically hazy vocalisations rise above space-rock guitar motifs, droning analogue synth sounds, languid bass and slow-motion drum breaks. With effects aplenty and all manner of melodic electronic flourishes, it’s a deeply psychedelic and mind-expanding affair.
‘Nalut’ follows, with Kargel’s own atmospheric howls and whistles cannily combining with sun-bright tropical guitars, echoing chords and delay-laden saxophone solos riding the dub-flecked, low-slung groove. The collective’s Balearic influences are explored in more sonic detail on ‘A Gentle Flow’, a shuffling and soft-focus affair marked out by emotive piano & jazz guitar, brushed percussion, sunrise-ready synths and pleasingly stretched-out electronic textures. Neumayer Station return to this drifting, morning-fresh and eyes-closed sound later in the LP, via the wonderous ‘Von der Morgenröte’.
The heady influence of spaced-out dub production techniques comes to the fore on ‘Bassrutscher’, an Alexander Sticht co-production rich in Americana-influenced guitar textures, metronomic dub bass, rim-shot heavy drums, mazy organ and orange-hued sundown sounds. It ushers in the more up-tempo shuffle of ‘Zielgerade’, an inner space, out-of-mind affair whose driving but loose-limbed groove provides a platform for exotic, droning and otherworldly guitar, sax and synth sounds. As with all great albums, Crossings gently builds towards a triumphant and memorable conclusion. The spacey Balearic/kosmische crossover of ‘Feeling Forst’, where darting intergalactic synth sounds rub shoulders with gentle acoustic guitars in a hallucinatory soundscape, tees up closing cut ‘Crossings’, the krautrock-rooted, sax-sporting slab of enveloping late-night beauty that first introduced listeners to Neumayer Station back in 2023. It’s a fitting conclusion to a staggeringly good debut album.
Debt is a new album by Harvey Sutherland about the cost of doing business in the meme economy. In his first LP since the 2022 debut, Boy, the Australian artist reduces his fusiony disco repertoire to ten microhoused funk essentials. This is minimalism not so much as aesthetic conceit than pressurised container, shaken in the Escherised time and space unique to our overdriven, red-lining present. The album's title nods to the financial contortions necessary to strive/survive/thrive as an independent artist. But Debt is better understood as the ledger of what we owe, and to whom, in the course of a creative life. What's the ROI on being an artist, a son, a friend, a partner, a father? Have we been worth our loved ones' own investments? If that sounds transactional, this is merely the lingua franca of our overwhelmingly digital culture, a grifter's bazaar in which Bob Dylan tunes up over Salt Bae, and Wordsworth's pitch is opposite the Rizzler.
Debt came to life when Harvey Sutherland acquired a freightload of Y2K minimal cargo from Akufen, Ricardo and Baby Ford—courtesy of local Melbourne hero Martin L—which bent the album towards a moreish pointillism. The resulting music's eyes-down minimal gestures within expressive pop shapes feels apt for the apparently contradictory things we can't help craving: immediacy and craft, on-tap "authenticity," life lessons drawn from Reel nonsense. A few years after the "neurotic funk" of Boy, a thorough excavation of interiority that comprised Harvey Sutherland's first LP proper, Debt is his to-the-point response to pressures that manifest outside the self. But in its own way it remains a reflection of Harvey Sutherland's musical innerscapes, which stretch across the grit and glitter of private-press disco and the sensual grids of Metro Area.
- A1: Inner Urge
- A2: Sotope
- B1: El Barrio
- B2: You Know I Care
- B3: Night And Day
Joe Henderson had fully hit his stride by the time he made Inner Urge, his 4th album for Blue Note, recorded in November 1964. After a series of quintet dates, this was the tenor saxophonist’s first quartet album, and it featured an extraordinary line-up with McCoy Tyner on piano, Bob Cranshaw on bass, and Elvin Jones on drums. The foursome deliver a diverse set consisting of three Henderson originals including the remarkable title track and the Monkish “Isotope,” as well as a gorgeous ballad performance of Duke Pearson’s “You Know I Care” and a nimble swing through Cole Porter’s “Night and Day.” This Blue Note Classic Vinyl Edition is all-analog, mastered by Kevin Gray from the original master tapes, and pressed on 180g vinyl at Optimal.
- A1: We Don't Give A Fuck
- A2: Come On Baby, Scrape My Data
- A3: Ignore The Vore
- B1: Rabbit Season
- B2: Creeping Up From The Pit
- B3: Psychowar
- C1: Innermission
- C2: Dual Wield
- C3: Id Crisis Angel
- C4: Down To The Essence
- C5: Despite Having No Money At All I’m Just Another Rat In The Mall
- D1: Phantom Doom
- D2: Dread Architect (Featuring Drumcorps)
- D3: I-Void Destroyer
Black Vinyl[23,95 €]
Doppel-LP auf Galaxy Opaque Vinyl im vollfarbigen Sleeve mit bedruckter Innenhülle
The first ASFON release has been a year-long labour of love that has come into being from what felt like a lucid dream, off in the distance, too crazy to believe was real. From our first meeting in the Freerotation yurt to late-night exchanges in Bristol, Winkles (Jamie Slater) has been sharing tracks that lingered long after the party ended. Their raw textures and warped sense of time found a natural home in our sets, eventually leading to the emergence of ‘The Unavoidable EP’, a collection of four diverse tracks which form a singular, immersive experience.
On A1 journey, The Unavoidable Consequence Of Familiarity, a knocking kick opens the door to this new sound world, introducing us to the granular clicks, crazed telephony and vocoded grunts which populate the deep space of Winkles’ imagination. Machines whir and perception shifts in the space between distant synth stabs, while a pulsating bassline battles to break through the filter and create a throbbing low end. Hallucinatory and deep, this is the perfect introduction to both the EP and the ASFON outlook.
Semi Stretches sees Winkles pick up a signal from beyond the outer rim, fire up the hyperdrive and lock into the rolling hum of intergalactic techno. Juggernaut bass forms the perfect counterpoint to the rapid fire rim shots trembling away up top as this Venusian club craft battles static, drives through the milky cosmic and transports the dancing bodies to a Multicoloured Plasticine Universe.
Cutting the engines and switching to suspended animation, Winkles lets us drift through a hazy dream-space where there’s no up or down, where twinkling arps, insectile electronics and hazy sirens coalesce into a psychotropic swirl.
Out of this multicoloured mirage comes Osaka-based astral traveller Erik Luebs, who translates that peak-time ambient bubbler into a Balearic chugger which emerges from the ether to add another dimension to the EP. Rubberised bass, velvet pads and nuanced percussion ensure this is perfect for poolside play in a land of pink sand and sideways tides.
- 01: Grotesque (Chapter 2)
- 02: Duo + 1
- 03: Night Out (Theme From Early Snow In Munich)
- 04: Paraphrase Sw (Theme For Stevie Wonder)
- 05: Feat. Zdenka Kovacicek - Peep Show (Theme From Early Snow In Munich)
- 06: Love Experiment (End Credits From Whatever You Can Spare)
- 07: Video Games (Theme From Early Snow In Munich)
- 08: Whatever You Can Spare (Orchestral Version)
- 09: Early Snow In Munich (Opening Credits)
- 10: The Forrest Date (Theme From Whatever You Can Spare)
- 11: The Graduates (Theme From The Graduates)
- 12: Oberhausen (Theme From Way To Your Neighbour)
- 13: Winter's Wish (Theme From Winter's Wish)
A new release from Fox & His Friends Records, Chapters (Screen & Stage Dancefloor Jazz from Yugoslavia 1971-1984) by Ozren Depolo brings to light a trove of previously unreleased music spanning more than a decade of his work in film, theater and television. This gatefold audiophile 180g LP, including a 12-page booklet with archival photos and detailed liner notes, offers for the first time a full album composed exclusively of Depolo's own authorship, drawn from master tapes held in private and institutional archives. Mastering and cutting was done by Frank Merritt from The Carvery Ozren Depolo rarely pursued opportunities to record original material, in part due to a general lack of interest among local publishers in jazz discography. Yet he was more than a gifted composer: he was also an accomplished saxophonist, clarinettist, flutist, pianist, arranger and occasionally, a jazz journalist who contributed articles to specialized programs on Radio Zagreb. Depolo also played in international big bands alongside jazz greats such as Clark Terry, Oliver Nelson and Gerry Mulligan, as well as in formations led by Bosko Petrovic, including the Nonconvertible All Stars and the B.P. Convention Big Band. He was a member of ensembles including The Alfi Kabiljo Orchestra, The Dragutin Diklic Ensemble, Jugoslovenska Pop Selekcija, The Stipica Kalogjera Octet, Vaclav Zahradnik & His East All Stars Band and the Zagreb Jazz Quintet. As both composer and arranger, he produced a significant body of work for large jazz orchestras and small ensembles. He was deeply engaged in jazz improvisation and avant-garde classical music, recording numerous chamber pieces for saxophone. A long-standing member of Acezantez, Zagreb's renowned contemporary music ensemble, he also collaborated with international figures such as Ted Curson, John Lewis, Johnny Griffin, Art Farmer, Leo Wright, Art Taylor, Slide Hampton and Lucky Thompson. This selection also includes his collaboration with Igor Savin and jazz vocalist Zdenka Kovacicek who were played on Karl Lagerfeld's fashion shows. The release demonstrates how Depolo was able to shift fluidly between idioms: from driving big-band passages to intimate chamber-like arrangements, from funk-tinged motifs to lyrical, impressionistic soundscapes. This stylistic breadth, always anchored in his deep jazz and funk sensibility, gave his music an adaptability perfectly suited to the hybrid world of stage and screen. The LP highlights that versatility while also presenting the coherence of his artistic voice, one that had gone unrecognized precisely because it was dispersed across so many contexts.
- 1: 9/7
- 2: Ql 3
- 3: Ynepn
- 4: 5ªvenida
- 5: Setolvida
- 6: Favorosa
- 7: La Fe
- 8: Vuelves
- 9: Santa Rosa
- 10: Unpoco
- 11: Sntk
- 12: Corazón
- 13: La Fuente L’amapola
- 14: Ntn
- 15: Me Dolía Igual
“9:30 PM” is the musical autobiography of Queralt Lahoz. An emotional and chronological journey where the artist explores her roots, memories, and deepest emotions. Through genres that blend tradition and modernity, Queralt speaks to us of grief, empowerment, desire, and struggle. An album born from her story and transformed into art, guided by family, resistance, and passion. Her voice, her truth, her origin: everything begins at 9:30 PM.
- You Are(The Government)
- 1000: More Fools
- How Much Is Enough?
- When?
- Give You Nothing
- Land Of Competition
- Forbidden Beat
- Best For You
- Suffer
- Delirium Of Disorder
- Part Ii(The Numbers Game)
- What Can You Do?
- Do What You Want
- Part Iv(The Index Fossil)
- Pessimistic Lines
Obwohl "Suffer" lediglich eine Laufzeit von 26 Minuten hat, war die Platte für Fat Mike, den Sänger und Bassisten von NoFX, in Bezug auf das amerikanische Punk-Revival der Neunziger "das Album, das alles veränderte". Tatsächlich bedeutete der dritte Langspieler der Band 1988 nicht nur den internationalen Szenedurchbruch für Bad Religion, er schuf auch die Grundlage für den massiven Erfolg des Epitaph-Labels, das mit The Offspring, NoFX, Rancid und Pennywise just jene Gruppen unter Vertrag nahm, die in den Neunzigern mit Melodic Hardcore, Pop-Punk und Skatepunk für Furore sorgten. "Suffer" bot für die damalige Zeit etwas völlig Neues: Schnelle, aber sehr melodische Songs mit mehrstimmigen Gesängen und Hintergrundchören sowie abrupte Rhythmuswechsel; hinzu kamen der klare Gesang Greg Graffins, der durch eine exakte Aussprache und Metrik gekennzeichnet ist, sowie intellektuell inspirierte Lyrics. Bad Religion spielten die 15 Songs von "Suffer" in der Originalbesetzung - Greg Graffin (Gesang), Brett Gurewitz (Gitarre), Greg Hetson (Gitarre), Jay Bentley (Bass), Pete Finestone (Schlagzeug) - im April 1988 im Westbeach Recorders-Studio in Hollywood ein. Das Album wurde von Brett Gurewitz und Donnell Cameron in acht Tagen aufgenommen und gemixt.
- Freedom From Stress
- Ease Into
- Opening Night
- Slow R&B
- Two Shall Become One
- Susie's Challenge
- Looking For
- Coracao
- Song Of Joy
- Line 2 4 U
- Flirti Di Notte
- Coolbreeze
- Reel Track 1
- Following A Rainbow
- Happy To See The Sunrise Again
- Daydream
- A.c
COOLBREEZE BLUE VINYL[34,87 €]
Gönnen Sie sich eine dringend benötigte Auszeit für Ihren Geist, ganz bequem von zu Hause aus. Die erste Zusammenstellung der Secondhand-Laden- und YouTube-Lieblinge Paradise Is A Frequency, The Style of Life, umfasst 70 Minuten mit Wein-Cooler-Core, Smooth-Jazz-CDRs für den Massenmarkt, Aerobic-Proto-Vape-VHS und Aufzug-tauglichen Library-Music-Tape-Loops von Künstlern wie Metamorphosis, Lorad Group, Ski Johnson, Mensah und anderen. Verteilt auf zwei Mainframes und mit einem Booklet mit Reflexionen, Ausgrabungsstätten und Tapetengruppen für weitere Lifestyle-Upgrades. Das fiktive Software-Update für die nächste Version von Ihnen.
Gönnen Sie sich eine dringend benötigte Auszeit für Ihren Geist, ganz bequem von zu Hause aus. Die erste Zusammenstellung der Secondhand-Laden- und YouTube-Lieblinge Paradise Is A Frequency, The Style of Life, umfasst 70 Minuten mit Wein-Cooler-Core, Smooth-Jazz-CDRs für den Massenmarkt, Aerobic-Proto-Vape-VHS und Aufzug-tauglichen Library-Music-Tape-Loops von Künstlern wie Metamorphosis, Lorad Group, Ski Johnson, Mensah und anderen. Verteilt auf zwei Mainframes und mit einem Booklet mit Reflexionen, Ausgrabungsstätten und Tapetengruppen für weitere Lifestyle-Upgrades. Das fiktive Software-Update für die nächste Version von Ihnen.
- The Kkk Took My Baby Away
- Man-Trap
- Signals Of Love
- The Double Axe
- Modern Terms Of Abuse
- Ecoming Unbecoming Me
- Paint It, Black
- Walking On My Grave
- Jim Bowie
- Sex And Flies
- He's Gonna Kill That Girl
- Fire In The Mountains
- I Can't Find Pleasure
- The Money Will Roll Right In
Wenn Sie das ungute Gefühl hatten, dass 2025 irgendwie das Jahr von Thee Headcoatees werden würde, dann klatschen Sie sich selbst herzlich ab - denn überraschenderweise ist es tatsächlich so! Wir können indirekt den Tod unseres lieben verstorbenen Great Ribbon, Mr. Don Craine, dafür verantwortlich machen, dass Thee Headcoats 2022 ein Comeback feierten. Ursprünglich hatten sie geplant nur eine Tribute-EP als Thee Headcoats Sect aufzunehmen - zusammen mit Dons Downliner Sect-Kollegen Keith Grant Evans - aber dann stellten sie fest, dass sie noch ein paar Stunden Zeit im Studio hatten, und dachten sich, dass sie genauso gut auch ein neues Headcoats-Album aufnehmen könnten. Und warum auch nicht? Das Ergebnis war, ohne viel Aufhebens, das Album "Irregularis (The Great Hiatus)", das 2023 bei Damaged Goods erschien. Ende 2024, noch bevor man ein Deerstalker-Band entwirren konnte, waren die Jungs schon wieder am Werk, und eine weitere neue Headcoats-LP war ,im Kasten", deren Veröffentlichung ursprünglich für Anfang dieses Jahres geplant war. ABER dann kam irgendwo jemand auf die Idee: ,Warum sollten nur die Jungs den ganzen Spaß haben? Wie wäre es, wenn wir auch den Sisters of Suave, Thee Headcoatees, eine Chance geben?" Mit allen ihnen zur Verfügung stehender männlichen List und Tücke schalteten Thee Headcoats und Damaged Goods ihre Charmeoffensive ein. Mit purer Entschlossenheit und Hartnäckigkeit wurden Ludella Black, Kyra LaRubia, Bongo Debbie und Holly Golightly nacheinander aus ihren Verstecken gezerrt, wo sie sich lautstark wehrten (was sie am besten können), um die 14 Killer-Songs aufzunehmen, die auf ihrem neuesten Album mit dem raffinierten Titel ,Man-Trap" zu finden sind. Das war keine Kleinigkeit! Anfang 2025 wurde also eine Aufnahmesession in den renommierten Ranscombe Studios in Rochester gebucht, Gin und Snacks wurden vorbereitet, und im Handumdrehen waren die Backing Tracks im Kasten - Thee Headcoats wieder zurück als die beste Backing-Band und Thee Headcoatees zurück am Gesang. Billy Childish übernahm die Produktion. Unbeeindruckt von einigen geografischen Hindernissen auf dem Weg dorthin war Ende Mai das Ergebnis ein glänzendes neues Headcoatees-Album! UND WAS FÜR EIN ALBUM! Es ist mindestens genauso gut wie alle ihre Alben aus den Neunzigern und vielleicht sogar noch besser... (,Ja-a-a-a!", flüstert der Geist von Don Craine.) Diese Mischung aus großartigen Coverversionen und einigen fantastischen neuen Songs ergeben eine verdammt gute LP. Betreten Sie "Man-Trap" auf eigene Gefahr - Sie wissen, dass Sie es wollen! Und falls Sie sich fragen, wie die Mädchen ihre Zeit seit der Veröffentlichung von ,Here Comes Cessation" im Jahr 1999, also vor nur 26 Jahren (!), verbracht haben, lesen Sie weiter... LUDELLA BLACK hat drei Soloalben sowie Veröffentlichungen mit The Masonics vorzuweisen und gerade erst mit The 5,6,7,8's aufgenommen. Nebenbei sang sie auch mit The Shall-I-Say Quois, zusammen mit ihrer Freundin Kyra. KYRA LaRUBIA war Anfang der 2000er Jahre kurzzeitig bei The A-Lines neben Bongo Debbie & Nurse Julie (von Stuck-Ups / Buffets / CTMF) und arbeitete an einer Neuauflage ihres Albums ,Here I Am, I Always Am". Die Musik trat dann in den Hintergrund, während Kyra sich auf ihre Promotion in Sport- und Bewegungswissenschaften konzentrierte. Seit 2005 ist sie Dozentin an der University of Kent. BONGO DEBBIE hat weiterhin in einigen Bands getrommelt. Sie ist Mitglied von Ye Nuns (The Monks Tribute Band), The A-Lines, Dutronc und hat kürzlich unter anderem für die Sting-Rays ausgeholfen. HOLLY GOLIGHTLY hat seit 1999 neun Soloalben veröffentlicht, sechs davon mit Lawyer Dave in The Brokeoffs, sang ein Duett mit Jack White auf dem Album ,Elephant" von The White Stripes und tourte um die Welt.
- A1: Dipped
- A2: Sony Ericsson
- A3: 149
- A4: Chaplins
- A5: American Aunty
- A6: Peter's Room
- B1: One Lucky Man
- B2: Making Out At The Skatepark
- B3: Trope
- B4: Rhinoplasty
- B5: Best And Fairest
- B6: Colt
HighSchool veröffentlichen ihr lang ersehntes selbstbetiteltes Debütalbum. Das Melbourner Duo Rory Trobbiani und Luke Scott sorgte erstmals mit der Debüt-EP „Forever At Last“ für Aufsehen, zog daraufhin nach London um mit Dan Carey (Wet Leg, Fontaines D.C., Franz Ferdinand) einige Songs aufzunehmen. Mit ihrem aufregenden Mix von Lo-Fi-, New-Wave-, Gothic- und Post-Punk-Sounds konnten sie bereits das Publikum auf zahlreichen Festivals und Supports für Sam Fender, Chvrches und zuletzt Wunderhorse begeistern. Für die Arbeit an ihrem Debütalbum zogen Trobbiani und Scott nach Australien zurück, holten sich Unterstützung von den Produzenten Ben Hillier (Blur, Depeche Mode) und Finn Bellingham (RIP Magic, Sam Akpro, Sunken) und haben nun eine essentielle Platte im Gepäck. Kernthema ist passend zum Bandnamen das Hochschulleben. Die 12 Tracks kanalisieren perfekt die rastlose Energie und die rosaroten Mythen der Jugend.
- Dreaming
- What About Me?
Blue Vinyl[10,04 €]
Die erste Single von einem der vielversprechendsten neuen Stars der aktuellen Soul-Szene. Tauche ein in die Welt von Taylor Williams, einem talentierten jungen Soulsänger aus Greensboro, North Carolina. Er wurde der Colemine-Familie durch Blake Rhein, dem Gitarristen der Indications, vorgestellt und fand sofort eine kreative Verbindung zu Label-Besitzer Terry Cole. Seine erste Single für Colemine wurde in der Portage Lounge in Loveland, Ohio, mit Charles Alley am Schlagzeug aufgenommen. Taylor strahlt einfach Talent, Charisma und Freundlichkeit aus. Kurz nachdem die Rhythmus-Tracks für ,Dreaming" aufgenommen waren, schrieb er schnell den Refrain und die Strophen und nahm seinen Gesang im ersten Anlauf auf. Auf der B-Seite dieser 45er-Single ist Taylor Williams mit seiner Interpretation eines Juwels der Numero Group von The Exceptional Three zu hören. Produziert von Leroi Conroy in roher und minimalistischer Weise, bringt Taylor diesen staubigen Song ins Jahr 2025, ohne dabei die eindringliche Authentizität des Originals zu verlieren. Mr. Williams verleiht dem Track nicht nur seine hochfliegende und gefühlvolle Stimme, sondern spielt auch Gitarre, Orgel und Vibraphon. Ein wahrer Renaissance-Soul-Mann!
- La Vallée Du Sommeil
- Corridor
- Vieux Silence
- La Nuit Voilée
- Au Point Du Jour
- Le Temps D'antan
- Entre Deux Mondes
- La Saison Blanche
Da ich schon seit Jahren von Andrew Chalks Arbeit mit MIRROR (und auch von seinen Solo-Projekten als FERIAL CONFINE sowie seinen vielen Kollaborationen mit David Jackman, The New Blockaders, Daisuke Suzuki usw.) und Timo van Luijk (als Af Ursin, In Camera, La Poupée Vivante und Kollaborationen mit Kris Vanderstraeten und anderen) fasziniert, war ich natürlich neugierig, von ihrem Duo-Projekt ELODIE zu hören. Das Projekt wurde 2010 gegründet und hat bis heute schon elf wunderschöne Alben rausgebracht. ,Vieux Silence" für Ideologic Organ ist ihre erste Veröffentlichung außerhalb ihres eigenen Plattenlabels Faraway Press & La Scie Dorée. Das ist aber nicht das erste Mal, dass Ideologic Organ und ELODIE zusammenarbeiten. Sie traten im Februar 2012 bei einem von mir kuratierten Abend in London zusammen mit Jessika Kenney und Eyvind Kang auf. Elodies Auftritt war einer der feinfühligsten und gekonntesten, die ich je gesehen habe ... so still, während draußen vor den Fenstern des Cafe Oto in London der Schnee fiel, versank das Publikum spürbar in hochkonzentriertem Zuhören. Die Erinnerung daran ist echt beeindruckend, wenn man bedenkt, wie sparsam die einzelnen Elemente an diesem Abend eingesetzt wurden. ,Vieux Silence" und ELODIE im Allgemeinen regen sofort die visuelle Vorstellungskraft an, vielleicht gefiltert durch alte Aquarelle, Bandkorn, antike Linsen, vergessene Ebenen des Zuhörens und beobachtende Geduld. Auf diesem wunderschönen Album arbeiten Chalk & van Luijk auch mit Klavier, Pedal Steel und Klarinette zusammen (gespielt von Tom James Scott, Daniel Morris und Jean-Noel Rebilly). Jedes Detail wurde sorgfältig durchdacht und Schritt für Schritt koloriert, wie ein impressionistisches Aquarell. - Stephen O'Malley, Les Lilas 2017
DOUBLE VINYL
The full album on vinyl for the first time, packaged with the classic original Designers Republic artwork
ABOUT
To celebrate the 20th anniversary, Collabs 3000: Metalism, the original classic pure techno album and first full-length collaboration between techno innovators Chris Liebing and Speedy J, is remastered and reissued via NovaMute.
Originally launched by Speedy J (aka Jochem Paap) as a platform for 12" collaborations with other artists, the Collabs series laid the groundwork for what would become one of techno's most compelling partnerships. The first release with Chris Liebing, Collabs 300 (featuring 'Trick_' / 'Treflon_'), landed in 2004 to a rapturous response; its machine-funk intensity and unmistakable breakdowns helped define the sound of early 2000s techno whilst revealing a writing and production chemistry that demanded a larger playground for their work.
That creative spark ultimately manifested in Collabs 3000: Metalism, a landmark record for techno. Combining the pair's mastery of subversive electronics and peak-time techno, the album remains a career highlight for both artists: a smouldering collision of taut techno rhythms, sonic abstraction, and, as the title suggests, robust metallic beats.
The 20th anniversary edition of this timeless techno masterpiece has been fully remastered by Liebing himself and is available on CD and for the first time on vinyl across 2 discs.
- Sickness
- Lemon Garland
- Alley Cat
- Halfway Up The Lawn
- Be Gentle With Me
- Elephant
- Locket
- Pond
- Gathering The Pieces
- The Quiet One
- Darkness
- Outro (Angel)
"Patching", das intime Debütalbum der in Minnesota lebenden Sängerin und Songwriterin runo plum, fängt auf elegante Weise die Kontraktion, Expansion und Befreiung einer intensiven Phase emotionaler Heilung ein, und zwar in sanftem, strahlendem Indie-Rock. "Patching" ist ein üppiges Debütalbum, das aus einem gebrochenen Herzen entstanden ist und reichhaltige Klangmomente enthält, die emotionale Leere ausgleichen und aus einem Ende Expansion schaffen. Die ungezügelte Aufrichtigkeit des Albums ist nichts Neues für runo plum, die seit einem halben Jahrzehnt in ihrem Schlafzimmer ihre komplexen Folk-Songs schreibt und still und leise veröffentlicht. Während der Pandemiejahre erregte sie zunehmend die Aufmerksamkeit eines immer größer werdenden Kreises von Zuhörern und begann, unabhängig eine Reihe von Singles und EPs zu veröffentlichen, während sie sich gleichzeitig als Support für Searows, Angel Olsen und Hovvdy. Das Album dokumentiert die zweischneidige Natur von Liebe und Verlust in einem schmerzhaften freien Fall des Indie-Rock mit derselben unverblümten Offenheit wie die frühen Alben von Julia Jacklin und Big Thief. ,Patching" wurde in einer Hütte im ländlichen Vermont über einen Zeitraum von zwei Wochen aufgenommen. Zusammen mit Lutalo, dem in Minnesota geborenen, in Vermont lebenden Musiker und Produzenten und runos Kollaborateur, der Instrumentalistin und Freundin Noa Francis konzentrierte sich das Trio auf den honigsüßen, zeitgeprägten Klang einer hundertjährigen Akustikgitarre und die angenehme Wärme von runos Stimme. Auf den zwölf Tracks von ,Patching" malt runo melodische Bögen, die sich drehen und taumeln, und schafft Songs, die sowohl die dunstigen Höhen als auch die dunkelblauen Tiefen aller natürlichen Zyklen, die die Welt drehen lassen, einfangen.
"Patching", das intime Debütalbum der in Minnesota lebenden Sängerin und Songwriterin runo plum, fängt auf elegante Weise die Kontraktion, Expansion und Befreiung einer intensiven Phase emotionaler Heilung ein, und zwar in sanftem, strahlendem Indie-Rock. "Patching" ist ein üppiges Debütalbum, das aus einem gebrochenen Herzen entstanden ist und reichhaltige Klangmomente enthält, die emotionale Leere ausgleichen und aus einem Ende Expansion schaffen. Die ungezügelte Aufrichtigkeit des Albums ist nichts Neues für runo plum, die seit einem halben Jahrzehnt in ihrem Schlafzimmer ihre komplexen Folk-Songs schreibt und still und leise veröffentlicht. Während der Pandemiejahre erregte sie zunehmend die Aufmerksamkeit eines immer größer werdenden Kreises von Zuhörern und begann, unabhängig eine Reihe von Singles und EPs zu veröffentlichen, während sie sich gleichzeitig als Support für Searows, Angel Olsen und Hovvdy. Das Album dokumentiert die zweischneidige Natur von Liebe und Verlust in einem schmerzhaften freien Fall des Indie-Rock mit derselben unverblümten Offenheit wie die frühen Alben von Julia Jacklin und Big Thief. ,Patching" wurde in einer Hütte im ländlichen Vermont über einen Zeitraum von zwei Wochen aufgenommen. Zusammen mit Lutalo, dem in Minnesota geborenen, in Vermont lebenden Musiker und Produzenten und runos Kollaborateur, der Instrumentalistin und Freundin Noa Francis konzentrierte sich das Trio auf den honigsüßen, zeitgeprägten Klang einer hundertjährigen Akustikgitarre und die angenehme Wärme von runos Stimme. Auf den zwölf Tracks von ,Patching" malt runo melodische Bögen, die sich drehen und taumeln, und schafft Songs, die sowohl die dunstigen Höhen als auch die dunkelblauen Tiefen aller natürlichen Zyklen, die die Welt drehen lassen, einfangen.
"Patching", das intime Debütalbum der in Minnesota lebenden Sängerin und Songwriterin runo plum, fängt auf elegante Weise die Kontraktion, Expansion und Befreiung einer intensiven Phase emotionaler Heilung ein, und zwar in sanftem, strahlendem Indie-Rock. "Patching" ist ein üppiges Debütalbum, das aus einem gebrochenen Herzen entstanden ist und reichhaltige Klangmomente enthält, die emotionale Leere ausgleichen und aus einem Ende Expansion schaffen. Die ungezügelte Aufrichtigkeit des Albums ist nichts Neues für runo plum, die seit einem halben Jahrzehnt in ihrem Schlafzimmer ihre komplexen Folk-Songs schreibt und still und leise veröffentlicht. Während der Pandemiejahre erregte sie zunehmend die Aufmerksamkeit eines immer größer werdenden Kreises von Zuhörern und begann, unabhängig eine Reihe von Singles und EPs zu veröffentlichen, während sie sich gleichzeitig als Support für Searows, Angel Olsen und Hovvdy. Das Album dokumentiert die zweischneidige Natur von Liebe und Verlust in einem schmerzhaften freien Fall des Indie-Rock mit derselben unverblümten Offenheit wie die frühen Alben von Julia Jacklin und Big Thief. ,Patching" wurde in einer Hütte im ländlichen Vermont über einen Zeitraum von zwei Wochen aufgenommen. Zusammen mit Lutalo, dem in Minnesota geborenen, in Vermont lebenden Musiker und Produzenten und runos Kollaborateur, der Instrumentalistin und Freundin Noa Francis konzentrierte sich das Trio auf den honigsüßen, zeitgeprägten Klang einer hundertjährigen Akustikgitarre und die angenehme Wärme von runos Stimme. Auf den zwölf Tracks von ,Patching" malt runo melodische Bögen, die sich drehen und taumeln, und schafft Songs, die sowohl die dunstigen Höhen als auch die dunkelblauen Tiefen aller natürlichen Zyklen, die die Welt drehen lassen, einfangen.
"Erster Detektiv: Justus Jonas. Zweiter Detektiv: Peter Shaw. Recherchen und Archiv: Bob Andrews."Seit 1979 übernehmen die Hörspielhelden aus Rocky Beach jeden Fall - und scheuen dabei weder Risiko und Gefahren. Die drei ??? stehen für das Unbekannte, für ungelöste Fälle, mysteriöse Geschehnisse. In 40 Jahren Hörspiel-Geschichte haben die drei Fragezeichen nicht nur mehr als 200 Fälle gelöst - sondern auch Kultstatus erreicht.Hier nun die vierte mit weiteren zehn Abenteuern. Als Picture Vinyls (ReReleases) in limitierter Auflage: 031/und das Narbengesicht032/und der Ameisenmensch033/und die bedrohte Ranch034/und der rote Pirat035/und der Höhlenmensch036/und der Super-Wal037/und der heimliche Hehler038/und der unsichtbare Gegner039/und die Perlenvögel040/und der Automarder
- 1: Avó I
- 2: Avó Ii
- 3: Avó Iii
- 4: Avó Iv
- 5: Avô I
- 6: Avô Ii
- 7: Avô Iii
- 8: Avô Iv
Guilherme Granado & Bruno Abdala reunite for a second volume of beats, jazz ghosts and synth-funk dust.
Following their first outing earlier this year (Vol. 1 on Sucata Tapes / SUC66), the duo returns with a bigger, deeper, and smoother bang on Vol. 2 – Filhos.
The grooves remain intact, expanding on the raw funk blueprint of Vol. 1 — now infused with Tropicália-rooted freedom, Sun Ra-style celestial chaos, and a tighter, more confident feel. The sonic palette is rich and eclectic: samplers, bells, analog synths, drums, marimba, vibraphone, bass, violas, and more are layered into a warm, rhythmic tapestry that honours the past while forging new sonic terrain.
At its core, Filhos (Portuguese for "Sons") is a tribute to lineage and tradition. It reflects the idea that we are all shaped by what came before — and through music, Guilherme & Bruno honor that legacy while pushing it into the future.
- Intro
- Dieses Gefühl
- Ans Ende Dieser Welt
- Fuck You
- Chaos Und Wahnsinn
- Narrenschiff
- Die Welt Zerbricht
- Ich Kann Mich Selbst Nicht Verstehen
- Lass Mich Los
- Scherben
- Vom Teufel Verstossen
- Immer Weiter
- Ich Brenne Fürs Leben
Seit 2016 schmettert die Band aus Niedersachsen ihren Fans fette, treibende Rockmusik um die Ohren. Die eingängigen Metaleinflüsse und die unverwechselbare Stimme von Frontmann Christoph prägen dabei den rauen Sound der Band. Bei ihren Live-Shows bringen sie nicht nur ungebremste Energie, spürbare Freude und echte Emotionen auf die Bühne - sie reißen ihr Publikum mit und hinterlassen einen bleibenden Eindruck, der noch lange nach dem letzten Ton nachhallt. Mit Ihrem neuen Album "Zerrissen" legen sie noch einmal eine Schippe drauf! In einer Zeit, in der Hass auf den Straßen lauter wird und rechte Parolen wieder salonfähig erscheinen, setzen Sie ein klares Zeichen: Wir stehen zusammen - gegen Rassismus, gegen Ausgrenzung, gegen rechte Hetze. Unser Projekt ist mehr als nur Musik. Es ist ein Aufschrei, ein Widerstand, ein kollektives ,FUCK YOU" gegen Intoleranz und Ignoranz. Wir geben der Wut eine Stimme - und der Menschlichkeit ein Gesicht. Mit kraftvollen Texten, ehrlicher Emotion und unmissverständlicher Haltung. Als CD im Digipak mit 16-seitigem Booklet oder LP 180gr schwarzes Vinyl, 300 Stück handnummeriert mit Einleger
Neues Album der unbestrittenen, unverzichtbaren amerikanischen Rock’n’Roll-Band Cheap Trick zum 50-
jährigen Bandjubiläum. Fünf Jahrzehnte lang standen sie für unvergessliche Hooks, stadiontaugliche Hymnen und den unverkennbaren Power-Pop-Punch. Jetzt feiern die Mitglieder der Rock’n’Roll Hall of Fame
Cheap Trick unglaubliche 50 Jahre Bandjubiläum mit der Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten
neuen Albums!
Das ist nicht einfach nur neue Musik; es ist der Beweis einer legendären Karriere. Von den legendären
Riffs von Rick Nielsen und dem donnernden Bass von Tom Petersson über den beeindruckenden Gesang
von Robin Zander bis hin zum unerbittlichen Beat, der ihren Sound definiert hat, bietet dieses Album alles,
was Fans seit Generationen lieben. Freut euch auf frische, elektrisierende Tracks, die ihre charakteristische
Energie mit dem zeitlosen Songwriting verbinden, das sie zu einer der beliebtesten Rockbands gemacht
hat.
Feiert mit uns fünf Jahrzehnte beispiellosen Einflusses und puren Rock’n’Roll-Spirit. Diese neue Songsammlung beweist, dass die Flamme von Cheap Trick heller brennt als je zuvor. Machen Sie sich bereit, aufzudrehen!
- A1: In Der Tierhandlung, 1. Folge 0:53
- A2: Döf 0:08
- A3: Love Me 3:34
- A4: Arafat 3:29
- A5: Arbeiter 2:52
- A6: Deutsches Mädel 2:54
- A7: Döf 0:09
- A8: Josef 3:32
- A9: In Der Tierhandlung, 2.Folge 3:38
- B1: Codo 5:12
- B2: Taxi 3:11
- B3: Trude 3:10
- B4: L. Hirschinger 2:42
- B5: Döf 0:09
- B6: In Der Tierhandlung, 3. Folge 2:13
- B7: Anka 4:06
Und ich düse, düse, düse, düse im Sauseschritt - und bring die Liebe mit"... Codo düst wieder durchs All:"DÖF" - farbige remastered Vinyl-ReIssue des legendären Kultalbums erscheint am 14.11.2025.Mit einer Mischung aus dadaistischem Humor, elektronischem Minimalismus und unwiderstehlichen Ohrwurmqualitäten schrieb DÖF 1983 Musikgeschichte. Nun erscheint das legendäre selbstbetitelte Album DÖF erstmals seit Jahrzehnten wieder als LP-ReIssue, und das in einer limitieren, farbigen und remastered Vinyl-Edition für Sammler und Fans von Austropop und der Neuen Deutschen Welle.Im Zentrum des Albums steht der Mega-Hit "Codo... (Ich düse im Sauseschritt)", der nicht nur die Charts über die Grenzen des deutschsprachigen Raums hinaus eroberte, sondern auch zu einem der ikonischsten NDW-Songs wurde. Mit seinem eigenwilligen Sprachwitz, dem charmant-schrägen Elektropop und einer unverwechselbaren Ästhetik prägte DÖF eine ganze Generation.Hinter DÖF - kurz für "Deutsch-Österreichisches Feingefühl" - standen die österreichischen Kabarettisten Joesi Prokopetz und Manfred Tauchen, die gemeinsam mit der Berliner Musikerin und Produzentin Annette Humpe (Ideal, später Ich + Ich) ein einzigartiges Klangbild zwischen Satire, Pop und Zeitgeist erschufen. Humpe war nicht nur an der Produktion des Albums beteiligt, sondern prägte auch den charakteristischen Sound maßgeblich mit - ein kreatives Crossover zwischen Wiener Schmäh und Berliner Coolness.Codo ist zurück - und mit ihm das gesamte DÖF-Universum, wie es klingt, knistert und lebt.DÖF - "DÖF" - farbige, remastered Vinyledition
- In My Lifetime Pt. 1
- In My Lifetime Pt. 2
- So High
- Hotter Than The Sun
- Morning (By Your Side)
- Deep Red Cherry Night
- Out Of My Control
- Conditional Love
- Plb
- Kingsford Avenue
- Flying
- My Fantasy Life
- Life Of The Party
Begonia kehrt mit ihrem dritten Album ,Fantasy Life" zurück, das am 24. Oktober 2025 über Birthday Cake Records veröffentlicht wird. Nach dem für den Polaris-Preis nominierten Album ,Powder Blue" und den dazugehörigen EPs vertieft dieses Album ihren genreübergreifenden Ansatz - eine üppige, emotionsgeladene Mischung aus Alternative Pop, Soul, R&B und Trip Hop. Geschrieben unter der Sonne von Los Angeles und aufgenommen im eisigen Winter von Winnipeg, erkundet ,Fantasy Life" das Magische und Alltägliche und umarmt Illusionen, Freude, Herzschmerz und Hoffnung mit ungefilterter Intensität. Die Lead-Single ,So High" Geschrieben unter der Sonne von LA und aufgenommen im eisigen Winter von Winnipeg, erkundet ,Fantasy Life" das Magische und Alltägliche und umarmt Illusionen, Freude, Herzschmerz und Hoffnung mit ungefilterter Intensität. Die Lead-Single ,So High" stellt das emotionale Wechselspiel des Albums vor - verspielt und bekennend, selbstbewusst und unverfälscht. Wie immer steht Begonias unvergleichliche Stimmgewalt im Vordergrund und wechselt innerhalb eines Augenblicks von einem kraftvollen Gesang zu einem intimen Flüstern. In ihren Texten behandelt sie Themen wie psychische Gesundheit, queere Identität, Freundschaft, Selbstwertgefühl und Liebe mit gleichermaßen Klarheit und Chaos. In dreizehn Titeln lässt sie ihre Eigenartigkeit und Weisheit koexistieren und steht voll und ganz zu ihrem Wesen. Mit über 15 Millionen Streams, hochkarätigen Playlists und Presseberichten von CBC, Exclaim!, The Globe & Mail und Line of Best Fit hat sich Begonia als eine der markantesten Popstimmen Kanadas etabliert. Ihre Live-Präsenz ist elektrisierend, und mit Release-Shows in Toronto und New York, einer Headliner-Tournee durch Kanada im Jahr 2026 und einer gemeinsamen Headliner-Tournee mit The Bros. Landreth im Herbst in Großbritannien und der EU ist Fantasy Life bereit, weltweit für Furore zu sorgen.
Nach Ihrem letzten Projekt in 2022 meldet sich das australische Pop-Rock Phänomen 5 Seconds of Summer endlich mit ihrem neuen Album Everyone’s A Star! zurück, welches am 14. November erscheint! Die
mehrfach Platin-ausgezeichnete Band konnte in ihrer Karriere bereits mehrere Alben auf Platz #1 in den
Billboard 200 platzieren, und weckt somit hohe Erwartungen an ihr neues Projekt.
Für Everyone’s A Star! hat 5SOS mit Top-Produzenten und Songwritern wie Julian Bunetta, John Ryan
und Jason Evigan zusammengearbeitet. Das sind Namen, die auch hinter Hits von One Direction, Sabrina
Carpenter, Maroon 5 und Dua Lipa stehen. So gelingt es der Band ihren Sound neu zu erfinden, ohne
dabei die Essenz zu verlieren, die 5 Seconds of Summer zu einer der bedeutendsten Pop-Bands unserer Zeit
gemacht hat.
Everyone’s A Star! erscheint am 14. November digital wie auch physisch.
- A1: Helsloot & Moat Feat Pete Josef - Guard Your Joy
- A2: Definition, Def Play, Roland Clark, Helsloot - I Dream Deep
- A3: Helsloot - Be Strong
- A4: Helsloot - Take Time
- B1: M A.n.d.y. Vs Booka Shade - Body Language (Helsloot Remix)
- B2: Helsloot - Take Care (Revisited)
- B3: Helsloot & Richard Judge - We Get High
- B4: Helsloot - Thinking Of Us
- C1: Sailor & I, Helsloot - Best Of Me
- C2: Audiofly Feat Fiora - 6 Degrees (Helsloot Remix)
- C3: Helsloot & Tom Zeta - Impulse
- D1: Helsloot - Is This What You Want
- D2: Helsloot & Beacon - I Was There
- D3: Helsloot - Fomo
Body Language Vol. 27 marks the return of Get Physical's landmark series, curated this time by Dutch producer Helsloot. Since its launch in the early 2000s with curators like Dixon, Modeselektor, and DJ Hell, Body Language has become one of the most respected compilation formats in electronic music - a series that captures moments in club culture while pointing to the future.
For this new chapter, Helsloot brings his melodic and emotional touch to the project, weaving together exclusive originals, collaborations, and carefully chosen reinterpretations. A special highlight is his remix of the legendary "Body Language" by M.A.N.D.Y. vs. Booka Shade, which bridges the series' heritage with its modern vision.
Across four sides, Helsloot balances intimate songwriting with dancefloor energy, joined by guests including Richard Judge, Pete Josef, Sailor & I, and Beacon. The result is both a personal artistic statement and a continuation of the Body Language legacy - a timeless journey designed for deep listening as well as club play.
Debütalbum der australischen Post-Punk-Band dust. Mit einer Mischung aus kantigen Instrumenten und melancholischen Klanglandschaften, die eine viszerale, genreübergreifende Identität schaffen, haben Schlagzeuger Kye Cherry, Bassist Liam Smith, Saxophonist Adam Ridgway und die beiden Sänger/Gitarristen Justin Teale und Gabriel Stove einen Sound entwickelt, der sowohl kathartisch als auch konfrontativ ist. Ihre Debüt-EP ,et cetera, etc", die Anfang 2023 veröffentlicht wurde, fängt einen rohen und spontanen Ausschnitt aus der frühen Entwicklung der Band ein. Der Schwung, den sie durch die Veröffentlichung gewonnen haben, führte zu ausverkauften Shows im ganzen Land und Festivalauftritten bei Laneway, Pitchfork und London Calling. Ihre Auftritte bei BIGSOUND, The Great Escape in Brighton und SXSW Austin, TX erhielten auf der internationalen Bühne hervorragende Kritiken. Gegen Ende 2023 tourte die Band durch Australien als Support von Interpol und Bloc Party und stand gemeinsam mit den Shoegaze-Pionieren Slowdive im Enmore Theatre in Sydney und trat gemeinsam mit Protomartyr in Antwerpen auf. Ihre kraftvolle Live-Präsenz brachte ihnen eine weitere Einladung ein, gemeinsam mit Interpol zum 20-jährigen Jubiläum von Antics aufzutreten, wobei sie die Bühne einiger der renommiertesten Veranstaltungsorte in Großbritannien und Europa betraten. Im Jahr 2024 begann dust, ihren Sound neu zu definieren, indem sie Free-Jazz-Einflüsse und halllastige Gitarrenklänge in ihre Singles einfließen ließen und damit Anleihen bei Shoegaze und Experimentalismus machten. dusts Entwicklung setzt sich auf ihrem Debütalbum ,Sky Is Falling" fort. Ihr Sound, der auf Genre-Defiance und Neuerfindung basiert - Shoegaze und elektronischer Experimentalismus Seite an Seite mit schwer fassbaren Saxophonarrangements und abrasiven Gitarrenlinien - ist fest in Melancholie und Selbstreflexion verwurzelt. Anarchischer Drive, der an Geese bis Double Virgo erinnert, mit glückseligen Anspielungen auf Klassiker wie Sonic Youth und My Bloody Valentine.
- Hot Love & The Lazy Poet
- Madalena
- Royal
- Turbulence & The Night Rays
- Echo Of A Rose
- Mr. Action
- Dr. Darkness
- The Empress Of Organos
- Jed Stone
- Rockdale
- Factory Fiction
Das fünfte Studioalbum von Goose und die zweite Veröffentlichung der Band im Jahr 2025 knüpft an den Erfolg von ,Everything Must Go" aus dem April an. ,Chain Yer Dragon" entführt die Zuhörer in eine reichhaltige, vollendete Welt aus Musik und vertrauten Charakteren und lädt sie ein, den Lichtern und Klängen durch schmuddelige Bars und lange Nächte auf der Straße zu folgen, die in der Klarheit eines frischen Morgengrauens verschwinden. ,Chain Yer Dragon" zeigt die Vielseitigkeit von Goose und präsentiert Rock-Songs im Stil der 70er Jahre, die sich vertraut anfühlen und durch Improvisation zum Leben erweckt werden. ,Chain Yer Dragon" spielt mit der Form und wird durch einen natürlichen Produktionsstil getragen, der dem Album das rohe, freizügige Gefühl der elektrisierenden Live-Shows der Band verleiht. Mit Titeln, die Gooses musikalische Karriere umspannen, dient ,Chain Yer Dragon" als Bindeglied zwischen einigen der frühesten, sehr beliebten Songs der Gruppe und ihrer aktuellen Entwicklung als Vierergruppe. Mit Live-Klassikern wie ,Echo of A Rose", ,Empress of Organos", ,Rockdale" und Fan-Favoriten wie ,Factory Fiction" greift ,Chain Yer Dragon" die Ursprünge der Band auf. Der Albumauftakt mit neuen Tracks wie ,Madalena" und ,Royal" konkretisiert das Universum der Night Rays Band und erweitert Ideen, die Gitarrist und Sänger Rick Mitarotonda und sein Songwriting-Partner Matt Campbell bereits 2011 entwickelt hatten. ,Es gibt eine Welt, die sich aufbaut und die sich wie die treibende Kraft dieses Albums anfühlt", sagte Mitarotonda. ,Viele dieser charakterorientierten Songs stammen aus einer Zeit und einem Ort, an dem wir unsere musikalische Stimme gefunden haben, und es ist sehr befriedigend, sie nicht nur aus der Perspektive unserer heutigen Identität und unseres heutigen Standorts wieder aufzugreifen, sondern auch weiterzuentwickeln. Diese Songs haben eine Reise hinter sich, und es fühlt sich richtig an, dass sie nun endlich ein Zuhause gefunden haben." ,Chain Yer Dragon" bietet Persönlichkeiten, Schauplätze und Musik, in denen man sich verlieren kann. Lyrische Rückgriffe und strukturiertes Storytelling erzählen eine Geschichte, die zwar nicht linear ist, sich aber dennoch zusammenhängend anfühlt. Das Album treibt den ständig wachsenden musikalischen Katalog von Goose voran und erinnert gleichzeitig daran, dass man manchmal, um voranzukommen, die Vergangenheit annehmen muss.
- Lying Eyes
- Sound Of Sinning
- La La La Love Me
- Promises
- Falling Apart
- Hanging On
- Strange Love
- Find My Way Back Home
- Holding Back Your Love
- Too Long (Feat. Ben L'oncle Soul)
- Everyone's Got
GREEN VINYL[23,49 €]
Colemine Records freut sich, eine spezielle 10-Jahres-Jubiläumsausgabe von ,Sound of Sinning", dem bahnbrechenden Studioalbum von Monophonics, zu präsentieren. Seit ihrer Gründung im April 2015 tragen Monophonics stolz die Fackel der reichen Musikgeschichte und -kultur San Franciscos durch die Generationen bis in die heutige Musiklandschaft. Sie halten an Traditionen fest, sind aber keineswegs Puristen, sondern spielen ihre eigene Musikrichtung, die als ,Psychedelic Soul" bekannt ist. Auf ihrem vorherigen Album ,In Your Brain" ließ sich die Band von Acts wie den frühen Funkadelic, Sly and The Family Stone und den von Norman Whitfield produzierten Platten der Temptations beeinflussen. ,Sound of Sinning" markierte den Beginn des Wachstums der Band in allen Bereichen. Mit Einflüssen aus Northern Soul, Doo-Wop, Rock ,n` Roll, Psych Pop und Filmmusik zeigen Monophonics ihre Vielseitigkeit, bleiben aber ihren Wurzeln treu. Insgesamt ist es herzliche Musik mit Old-School-Vibes, ohne dabei die Gegenwart aus den Augen zu verlieren. Diese Musik ist geprägt von dem zeitlosen Gefühl, als man noch Songs schreiben und produzieren konnte, die man sich immer wieder anhören konnte. ,Sound of Sinning" wurde von Kelly Finnigan & Ian McDonald produziert und auf einem alten Tascam-Acht-Spur-1/4-Zoll-Bandgerät in den Transistor Sound Studios in San Rafael, Kalifornien, aufgenommen. Seit ,Sound of Sinning" hat die Gruppe das von Kritikern hochgelobte Album ,It's Only Us" (2020) und das Konzeptalbum ,Sage Motel" (2023) veröffentlicht, das sich über 10.000 Mal verkauft hat. Die Band tourt weiter, hat kürzlich eine Reihe von Shows mit dem legendären Lee Fields absolviert und steht vor einer internationalen Tournee für 2025.
- Necromancy
- Then We'll Rise
- Voodoo Ritual
- Events Of Flesh
- Open The Gates
- The Other Side
- Burning Moon Sickness
- Bloodfreak
Season of The Dead is a visceral, cinematic extreme metal project born from the twisted minds of Titta Tani (former drummer of Necrophagia and Goblin), Giacomo Anselmi (former Goblin guitarist and current member of Goblin Legacy), and Enrico Giannone, founder and owner of Time To Kill Records, acting as producer and visionary behind the entire concept. The idea is as brutal as it is clear: to resurrect the blood-soaked legacy of horror-infused death metal, channeling the rotten spirit of bands like Necrophagia, Mortician, and Fulci, while paying tribute to the grotesque imagery and raw energy of cult underground horror films. Influences range from Killjoy to City of the Living Dead, The Beyond, and Cannibal Holocaust, creating a soundscape that feels like a soundtrack to a lost VHS splatter nightmare.
- 01: Lou
- 02: Divagação 6/8
- 03: Phil Night
- 04: Surprise Blues
- 05: Avessos
- 06: Divagação Nº 1
Born in Buenos Aires in 1934, Hector 'Costita' Bisignani is one of the leading figures in Latin American jazz. Settling in São Paulo in the late 1950s,
he quickly established himself as one of Brazil's most renowned flutists and saxophonists, collaborating with major artists such as Sérgio Mendes, Elis Regina,
Hermeto Pascoal, João Donato, and Gato Barbieri. His career also led him to play alongside Michel Legrand, Lalo Schifrin, Burt Bacharach, and Ray Conniff,
demonstrating his international influence. A founding member of Sérgio Mendes' Sexteto Bossa Rio, he contributed to the rise of Brazilian jazz by incorporating
local rhythms and bold compositions. He is also renowned as a teacher, making him a respected figure for several generations of musicians. With a career
spanning more than 70 years, he remains a pioneering figure in the history of Latin American jazz. 1981, now reissued, perfectly illustrates this creative freedom.
Recorded in the exuberant spirit of the 1970s and 1980s, it blendsbaião, jazz-funk, and Braziliansoul. Ledbyhissaxophone, flute,and clarone,andbackedbyhisGalleryClubband,
thisrarerecordingembodies the vibrant energy of a scene where experimentation and virtuosity went hand in hand.
- Out Of Nowhere
- If You Should See
- No Dreaming
- Too Right
- Better (For Esther)
- On Luxury
- Trigger Finger
- Watching The Waiting
Das Wort ,tween" klingt irgendwie nach einer bestimmten Art von Unbeholfenheit, und das ist meistens nicht so positiv. Aber sieh es mal so: Etwas ,tween" ist dabei, sich zu etwas anderem zu entwickeln, und dieser Entwicklungsprozess hat seine ganz eigene Schönheit. Es ist irgendwie cool, das zu erkennen und zu feiern - sich darauf einzulassen. Jenn Wasner und Andy Stack - die beiden Hälften der Band - haben diese Songs als ,keinen Schritt nach vorne, sondern einen Schritt zur Seite in der Zeit" beschrieben. Mit anderen Worten: Sie passten einfach nicht zum fünften Album. Aber nur weil sie nicht dorthin passten, heißt das nicht, dass sie nirgendwo hingehören. Sie in Shriek zu zwängen, wäre unehrlich gewesen; sie zu verwaisten, wäre irgendwo zwischen kriminell und einfach nur albern gewesen. Tween ist voller wunderschöner Wye Oak-Songs, deren einziges Vergehen das Timing und der Kontext waren, gemacht von zwei Leuten auf dem Höhepunkt ihres Schaffens. In einem Moment umarmen Jenn und Andy ihren schwebendsten Cocteau-Twins-Instinkt (,If You Should See"), im nächsten sind sie wieder ein bisschen im Civilian-Territorium (,No Dreaming") und später sind sie geschmeidig und elektronisch und wunderschön 80er-mäßig (,On Luxury"). Der rote Faden: Das sind keine Ausgestoßenen oder Ausschnitte. Tatsächlich könnte Tween sogar leichter zugänglich sein als Shriek. Es sollte in die Riege der großartigen Nicht-Alben der Geschichte aufgenommen werden, deren Namen versuchen, ihre tatsächliche Qualität herunterzuspielen, wie R.E.M.s Dead Letter Office, The Whos Odds and Sods und vielleicht sogar Dinosaur Jr.s Whatever's Cool With Me.
Oblique returns with a highly personal project: 3 tracks from (or with) friends who all helped create/inspire/influence the sound of the label.
Ivano Tetelepta, Roger Gerressen and Ben Buitendijk already had loads of jam sessions when suddenly "Dilated Pupils" happened. It launched a project that consists of spontaneous studio jams in various formats (involving a dozen of befriended artists on multiple EP's, remixes and even an label). Six years later the original track, after which the project was named, will finally see the light of day!
Bas Amro's "Languor" shows that he, besides having an ear for reimagining classics, can also do his own ,)
Cyspe's "Reminisce" more than deserves the full B-side to close the EP off. A stunning 14 minute trip through the depths of what this incredibly talented producer has to offer!
2025 Repress
Mihai Popoviciu, one of the most esteemed names in the deep house and minimal scene, is set to unveil his anticipated new album, ‘Puzzle Box’, on Bondage Music. As one of the label’s core artists, Popoviciu returns for his second full-length album release on the imprint following his successful 2016 album, ‘Home’ - available on vinyl from 15th November 2024.
With a career spanning over a decade and with releases on numerous influential labels such as 8Bit to Berg Audio, Popoviciu has firmly established himself as a go-to within the minimal-leaning realms of house music. Known for intricate soundscapes and deep, hypnotic grooves, his work continues to captivate audiences globally. On ‘Puzzle Box’, he delves deeper into his signature stripped-back yet soulful aesthetic, offering a diverse collection of tracks that traverse through various sonic textures.
“With Puzzle Box, each track unlocks something deeper with every listen” - Mihai Popoviciu.
Consisting of thirteen tracks in total, ‘Puzzle Box’ showcases the Romanian’s sound to its fullest. On the vinyl edition, fans are treated to standout tracks like ‘Batiscaf’, ‘Storm Rider’, and ‘Far Gone’ — vinyl-only gems that capture Popoviciu’s talent for layering subtle, dubby tones with groovy rhythms. The opening track, ‘They All Say’, sets the mood with smooth, atmospheric beats with a skippy groove, followed by the dynamic “Video” and the driving, pulsating energy of “Frankfurt.”
Popoviciu’s skill in crafting versatile productions is showcased throughout the album, with each track offering something unique.
From the sleek, melodic strains of ‘Puzzle Box’ to the hypnotic, rolling basslines of ‘Kinetic’, this LP is a journey into his meticulously constructed sound. The digital version also features the bonus track ‘Body Count 2’, offering a final, rhythmic flourish to round off the release.
‘Puzzle Box’ further cements Mihai Popoviciu’s role as a mainstay on Bondage Music, a label which continues to champion forward-thinking, minimal-leaning house music. With this latest LP, Popoviciu once again proves why he remains a favourite, building on his storied career with another masterclass in refined, deep electronic music.
- A1: Identified Patient – The Female Medical College Of Pennsylvania (Marcel Dettmann Pitched High Version)
- A2: Tocotronic – Bis Uns Das Licht Vertreibt (Marcel Dettman Version 2 Remix)
- A3: Cristian Vogel – Untitled (Marcel Dettmann Cut)
- B1: John Bender – Victims Of Victimless Crimes (Marcel Dettmann Cut)
- B2: Clark – Dirty Pixie (Marcel Dettmann Edit)
- B3: Junior Boys – Work (Marcel Dettmann Remix)
- C1: Mutant Beat Dance - The Human Factor Ft. Naughty Wood (Marcel Dettmann Edit)
- C2: Experimental Products – Who Is Kip Jones (Marcel Dettmann Cut)
- C3: Marcel Dettmann – Water Feat. Ryan Elliott (My Own Shadow Remix)
- D1: Severed Heads – We Come To Bless The House (Marcel Dettmann Edit)
- D2: Albert Kuningas - Astraaliprojektio (Marcel Dettmann Edit)
- D3: K.alexi Shelby – Season Of The Real (Marcel Dettmann Edit)
- E1: Ian North – Sex Lust You (Marcel Dettmann Edit)
- E2: Ford Proco – Expansión Naranja (Feat. Coil) (Marcel Dettmann Edit)
- E3: Nitzer Ebb – Shame (Marcel Dettmann Edit)
- F1: Frank Duval – Ogon (Marcel Dettmann Edit)
- F2: Yello – Limbo (Marcel Dettman Version 2 Remix)
- F3: Conrad Schnitzler – Das Tier (Marcel Dettmann Edit)
Cassette / Tape[16,18 €]
2025 REPRESS
A DJ, producer and significant figure in contemporary electronic music, Marcel Dettmann steps forward to contribute to Running Back’s ongoing Mastermix series. Whereas previous editions of Mastermix have taken an ear to the sound of lapsed, legendary clubs such as Wild Pitch and Front, Dettmann’s curation deftly captures the man himself in ongoing perpetual motion, raiding the vault for his own precision-tooled edits, long-employed on dancefloors to devastating effect. Alongside a continuous mix, this release arrives as a 3LP gatefold, and as a limited edition cassette.
Closely associated with Berlin’s techno landscape, Dettmann was born and raised in the former GDR, then later immersed in the bleary-eyed counter cultural landscape of post-unification Berlin. Initially oriented by post-punk, industrial and new-wave music, Dettmann has been DJing since 1993, always expanding and perfecting his repertoire. He later began working behind the counter at the city’s tastemaking rave boutique Hard Wax, and a decade after he first dropped a needle, became (and remains) resident at notable local nightspot Berghain/Panorama Bar, where his instincts have helped sculpt the signature sound of both main dancefloors.
Of course, you’re probably not asking, “Who is Marcel Dettmann?” More importantly, you might want to know; just what treats has he gifted us here? The trip begins with a simple pitch-shift skywards, transforming Identified Patient’s creeping ‘The Female Medical College of Pennsylvania’ into a peak-time freakout, before an alternate take on Toctronic’s ‘Bis uns das Licht vertreibt’ emerges from the vaults for the first time. Dating from 1995, and one of Dettmann’s all-time favourites, Cristian Vogel’s ‘Untitled’ clambers back into the box with respectable cuts, while John Bender’s ‘Victims of A Victimless Crime’ kicks off the flip sporting a new arrangement, transporting us back to the foundations of a confident, stripped-back sound.
A few subtle edits to Clark’s perilously funky ‘Dirty Pixie’ takes us to Dettmann’s remix of Junior Boys. Produced in 2010, it transposes the Canadian duo’s sophisticated pop with our curator in his minimal prime, and has since become an irresistible prize for high-minded diggers. The same can be said for Experimental Products’ explosive proto-electro anthem ‘Who Is Kip Jones?’, empowered from pricey Discogs purgatory with just the slightest of tweaks. It’s deservedly sandwiched between the guiding influences of Chicago and Detroit in the form of Mutant Beat Dance’s raw ‘The Human Factor’ and a shimmering new version of previous solo production ‘Water’, featuring close friend and Ostgut Ton ally, Ryan Elliot.
The second half of the Mastermix seamlessly connects the mechanical past and digital present of EBM and industrial in the dance, with Dettmann’s instincts as a guiding hand. Severed Heads’ iconic ‘We Have Come To Bless This House’ emerges with mere nips and tucks, while Nitzer Ebb’s ‘Shame’ is significantly reimagined as a highwire act of rhythm and tension, setting up a sensual second take on a 2017 remix of ‘Limbo’ from Swiss synth heroes, Yello.
Core musical memories are shaken and stirred with a context-shifting take on Frank Duval’s emotional classic ‘Ogon’, while Ian North’s ‘Sex Lust You’ and Ford Proco’s notable Coil collaboration ‘Expansion Naranja’ effectively throb with only minor adjustments, respectfully imagined as “shadow versions”. Meanwhile, a simple breakbeat lifts Albert Kuningas’s ‘Astraalprojektio’ in the direction of wide-eyed dancefloors, while a fresh take on K-Alexi Shelby’s ‘Season of The Real’ inexplicably emerges somehow even funkier than before.
The conclusion of the compilation leads back to Das Tier from the prolific experimentalist Conrad Schnitzler, whose swirling synths and hypnotic vocals are duly tightened by Dettmann, but only as he puts it, “in conversation with the original.” Concluding three discs and thirty years of commitment to the dancefloor, this Mastermix not only offers us the opportunity to eavesdrop on this endless exchange, but to gain some sought-after material for our own record collections.
- Inzovu Y'imirindi
- Imbabazi Twese
- Tabara Ryangombe
- Inyange Ibarusha Kwera
- Urujeje Rw'imisozi 1000
- Ibango Ry'ibanga
In den späten 1980er Jahren veröffentlichten der Sänger Bizimungu Dieudonne, seine Frau Agnes Umbibizi und eine Begleitband aus Familienmitgliedern und Freunden in Eigenregie eine visionäre Kassette mit stotternden E-Gitarren, hüpfenden Basslinien und Call-and-Response-Gesang. Ihre Kombination aus 80er-Jahre-Studio-Zauberei und traditionellen ruandischen Lobgesängen führte zu hypnotischen, ausgedehnten Jams, die zu dieser Zeit in Ostafrika einzigartig waren. Die Texte priesen die Schönheit der Landschaft und die Heldentaten der alten Götter. In klagenden Akustikstücken, die zwischen den elektrischen Knallern eingestreut waren, riefen Bizimungu und Agnes zur Einheit in der gespaltenen Nation auf. Ihre Botschaft war eine unheimliche Vorahnung des bevorstehenden Völkermords in Ruanda, der tragischerweise allen Mitgliedern der Gruppe das Leben kostete. Bizimungu und Agnes wurden 1994 von Hutu-Milizen getötet. Ihre Musik, die in der gesamten Region beliebt war, geriet in den folgenden Jahrzehnten weitgehend in Vergessenheit. Wir hörten dieses Album zum ersten Mal 2018 durch den Musikwissenschaftler Matthew Lavoie und verbrachten Jahre damit, nach überlebenden Mitgliedern der Band zu suchen. Letztes Jahr fand der Co-Produzent und Moderator von Voice of America, Jackson Mvunganyi, Bizimungu und Agnes' Tochter Noella in Kigali. Zum Zeitpunkt des Todes ihrer Eltern war sie erst acht Jahre alt und hatte es sich zur Aufgabe gemacht, das Werk ihrer Eltern einer neuen Generation in Ruanda näherzubringen. Obwohl ihre Familie bei dem Völkermord fast alles verloren hatte, blieb Noella auf wundersame Weise eine CD mit den Originalaufnahmen von Inzovu Y'imirindi erhalten. Es ist überwältigend, diese Musik endlich in ihrer ganzen Fülle und Unmittelbarkeit zu hören, wunderschön remastered in den Osiris Studios und auf höchstem Qualitätsniveau auf Vinyl gepresst bei David Rawlings' Paramount Press. Nun kann die wichtige Musik und Botschaft von Bizimungu und Agnes mit der Welt geteilt werden.
- Intro
- Frozen
- Mirror
- Snake Eyes
- Reality Slips
- Sonder
- Out Of Time
- Cranium
- Worth It
- Cost Of Spite
- The Further
- Every Gaze
Weißes Vinyl. Entstanden aus den vielfältigen Facetten der legendären Londoner Hardcore-Szene, verkörpert False Reality die Kernwerte des Genres: Verbundenheit, Stärke und das Durchbrechen von Oberflächlichkeit. Die vier Bandmitglieder, die aus verschiedenen Fraktionen des Szene-Ökosystems zusammengefunden haben, haben sich einen Ruf als eine der dominierendsten Live-Bands der Szene erarbeitet und bringen jahrelange, hart erarbeitete Bühnenpräsenz mit. Heute kündigt die Band FADED INTENTIONS an, ein Debütalbum, das weit mehr ist als nur ein Nachfolger der im letzten Jahr mit Begeisterung aufgenommenen EP Path of Self Destruct, sondern einen enormen klanglichen Fortschritt darstellt, mit dem eine der härtesten Hardcore-Bands Großbritanniens ihren Horizont erweitert und dabei die Vielfältigkeit der menschlichen Existenz aufdeckt.
Hiroki Tamaki (vocals, violin, mandolin, A.Piano, strings ensemble, Oberheim, vocoder) / Eiji Shimamura (drums) / Yuichi Tokashiki (drums) / Akira Okazawa (bass) /
Kenji Takamizu (bass) / Ken Watanabe (bass) / Ken Yajima (E.Guitar) / Fujimaru Yoshino (E.Guitar) / Toshiaki Fuefuki (A.Guitar) / Koichi Tani (A.Guitar) / Yonosuke Segami (percussion) /
Fumitaka Anzai (A&E.Piano, synthesizer) / Keiko Yamakawa (Harp)
A psychedelic spiritual trip led by multiple vocals and synthesizers
A musical picture scroll of ecstasy depicting a world of harmony on a celestial scale
Violinist, composer and arranger Hiroki Tamaki was inspired by the lectures of Indian religious philosopher Bakwan Shree Rajneesh to create a magnificent musical picture scroll.
Tamaki's own vocals are layered on top of each other, and the music is mysterious and harmonious, woven together by synthesizers by Fumitaka Anzai (TPO, Urusei Yatsura music director).
Includes the progressive rock approach of "Poem of Mahamudra" and "Meditation," as well as "River" and "Beautiful Song," which were selected for "Nippon Acid Folk 1970-1980"
(Time Capsule) and are being re-evaluated as hidden gems of acid folk.
- Amnesia
- Math Equation
- Siren Song
- Chin Up Buttercup
- Fallen Cloud
- Blindsided
- Think Twice
- Look Me In The Eye
- The Hopefulness Of Dawn
- Good Riddance
Black Vinyl[22,56 €]
Wenn Liebesdramen klingen wie glitzernde Clubnächte und der Schmerz so tanzbar wird, dass er fast schön ist: Austra verwandelt den Moment des völligen Verlusts in eine Partitur aus Verrat, Trost und neonfarbenem Pathos. Katie Stelmanis hat ihre Stimme immer wie ein kostbares Instrument behandelt, klassisch geschult, in Opern getaucht, vier Alben lang getragen von einer Dramatik, die man auf der Bühne so überzeugend spielen kann, wenn sie im echten Leben ausbleibt. Bis der Vorhang im Frühjahr 2020 einfach ohne Ansage fiel: Die Partnerin, viele Jahre an ihrer Seite, wacht eines Morgens auf, sagt, sie sei unglücklich und verschwindet wie eine Figur, die mitten im dritten Akt aus der Inszenierung läuft. Zurück bleibt Stelmanis, umgeben von einer Welt, die plötzlich so wenig Struktur hat wie ein falsch gesetzter Akkord. Der Titel des neuen Albums, Chin Up Buttercup, ist ein feiner Stich ins gesellschaftliche Fleisch: dieses unausgesprochene Gebot, das Herz zu flicken, das Lächeln anzukleben, einfach weiterzutanzen. Gemeinsam mit Co-Produzent Kieran Adams blickt Stelmanis nach Europa, nach 1998, zu Madonnas Ray of Light, zu William Orbits flirrendem, elektronischem Lichtgewebe. Aus der Trümmermasse persönlicher Verluste baut sie tanzbare Hymnen, die zugleich beschwören und beschweren. Math Equation ist dabei die erste Single und das schlagende Herz: eine Gleichung aus Verrat und Witz, in der Zeilen wie „You said I needed my own friends / So I found them / Then you fucked them“ zugleich Klage, Trotz und poetische Ohrfeige sind. Über allem liegt dieser Hauch von sapphischem Chaos, der Austra hier zu einer großen Erzählerin des gebrochenen Takts macht.
- Amnesia
- Math Equation
- Siren Song
- Chin Up Buttercup
- Fallen Cloud
- Blindsided
- Think Twice
- Look Me In The Eye
- The Hopefulness Of Dawn
- Good Riddance
Neon Orange Transparent Vinyl[24,16 €]
Wenn Liebesdramen klingen wie glitzernde Clubnächte und der Schmerz so tanzbar wird, dass er fast schön ist: Austra verwandelt den Moment des völligen Verlusts in eine Partitur aus Verrat, Trost und neonfarbenem Pathos. Katie Stelmanis hat ihre Stimme immer wie ein kostbares Instrument behandelt, klassisch geschult, in Opern getaucht, vier Alben lang getragen von einer Dramatik, die man auf der Bühne so überzeugend spielen kann, wenn sie im echten Leben ausbleibt. Bis der Vorhang im Frühjahr 2020 einfach ohne Ansage fiel: Die Partnerin, viele Jahre an ihrer Seite, wacht eines Morgens auf, sagt, sie sei unglücklich und verschwindet wie eine Figur, die mitten im dritten Akt aus der Inszenierung läuft. Zurück bleibt Stelmanis, umgeben von einer Welt, die plötzlich so wenig Struktur hat wie ein falsch gesetzter Akkord. Der Titel des neuen Albums, Chin Up Buttercup, ist ein feiner Stich ins gesellschaftliche Fleisch: dieses unausgesprochene Gebot, das Herz zu flicken, das Lächeln anzukleben, einfach weiterzutanzen. Gemeinsam mit Co-Produzent Kieran Adams blickt Stelmanis nach Europa, nach 1998, zu Madonnas Ray of Light, zu William Orbits flirrendem, elektronischem Lichtgewebe. Aus der Trümmermasse persönlicher Verluste baut sie tanzbare Hymnen, die zugleich beschwören und beschweren. Math Equation ist dabei die erste Single und das schlagende Herz: eine Gleichung aus Verrat und Witz, in der Zeilen wie „You said I needed my own friends / So I found them / Then you fucked them“ zugleich Klage, Trotz und poetische Ohrfeige sind. Über allem liegt dieser Hauch von sapphischem Chaos, der Austra hier zu einer großen Erzählerin des gebrochenen Takts macht.
- A1: A Slow Dancing Society (Feat. Flitz&Suppe)
- A2: B-Stone (Feat. Franz Bumm)
- A3: Cruisin (Feat. Malev Da Shinobi)
- A4: Routines
- A5: Green Roses (Feat. Novine & Leavv)
- A6: Downtown
- A7: Reconnect
- B1: Melange (Feat. Yan Nay & Franz Bumm)
- B2: Sunday Afternoon (Feat. J-Tek & Christian Jalon)
- B3: Home Valleys
- B4: Now You Know (Feat. Cloudhead)
- B5: Come Up
- B6: Synthesis (Feat. Kenji)
- B7: Sirocco (Feat. Yan Nay)
Infotext ENG
After establishing himself as one of Europe's most distinctive voices in instrumental hip-hop, Mr. Käfer is ready to tell a different story. His third solo album, A Past Sense, arriving via Melting Pot Music on 11th November, shows a bold creative evolution from his signature lo-fi aesthetic into lush, collaborative territory that spans continents and genres.
His sixth project for Melting Pot Music marks a creative leap from the mood-driven, jazz-tinged instrumentals that built his reputation on releases like Lost Reflections (2019), Orientation (2020), and Now/Again I and II (2021, 2023). Now he's orchestrating a 14-track journey that weaves together hip-hop, soul, jazz, and North African rhythms through collaborations with carefully selected artists including Novine (GER), J-Tek (US), Kenji (US) and Cloudhead (AT).
Thematically, the album explores how memory reshapes identity, questioning the gap between who we were and who we've become. The visual side comes courtesy of acclaimed photographer and art director Robert Winter, capturing this nostalgic-yet-progressive spirit. A Past Sense will also be released on LP.
With A Past Sense, Mr. Käfer steps out from behind the boards and into the spotlight—trading lo-fi playlist comfort and algorithm-driven streams for something deeper. A past sense, maybe. But definitely a future sound.
Infotext DE
Europas instrumentaler Hip-Hop bekommt einen neuen Sound. Mit seinem dritten Soloalbum „A Past Sense“ verabschiedet sich Mr. Käfer von seiner lo-fi-geprägten Vergangenheit und erschafft ein Werk, das über Genres und Kontinente hinausgeht.
Wo frühere Veröffentlichungen wie „Orientation“ (2020) und die „Now/Again“-Serie (2021/2023) durch intime, jazzgetränkte Instrumentals bestachen, öffnet sich „A Past Sense" neuen Horizonten. Auf 14 Tracks verschmelzen Hip-Hop-Fundamentals mit Soul-Harmonien, Jazz-Improvisationen und nordafrikanischen Rhythmus-Patterns.
Die Kollaborationen mit Novine (Deutschland), J-Tek und Kenji (beide USA) sowie Cloudhead (Österreich) sind dabei keine Gastauftritte, sondern organische Begegnungen, die Mr. Käfers Musik in unerwartete Richtungen lenken. Er bricht bewusst aus der Blase algorithmusgetriebener Lo-Fi-Playlists aus und setzt auf echte musikalische wie menschliche Verbindungen.
Thematisch kreist „A Past Sense" um die Macht der Erinnerung und die Frage, wie Vergangenheit unsere Gegenwart formt. Diese konzeptionelle Tiefe spiegelt sich auch in der visuellen Umsetzung wider: Fotograf und Art Director Robert Winter entwickelte eine Bildsprache, die Nostalgie und Zukunftsvision in perfekter Balance hält.
Mit „A Past Sense" positioniert sich Mr. Käfer neu im internationalen Beat-Kosmos. Das Album erscheint am 11. November über Melting Pot Music – digital und auf Vinyl.
- See You Soon
- Double Transgression
- Faux Jazz
- Aesthetic Memory
- A Limited Release Of Exclusive Graves
- Flemington Dream House
- Transmodal Projection
- Sentimental Techno Music
- Personal Computer Ensemble
- Shareware
- Peak Leisure
Der zurückgezogen lebende Elektronikmusiker Jeremy Dower aus Melbourne kündigt eine Compilation mit bisher unveröffentlichten Stücken aus einem Vierteljahrhundert an, die in zwei Hälften unterteilt ist, um sein unaussprechliches Ambient-Techno-Projekt Tetrphnm aus den 90er Jahren sowie die melancholischen Faux-Jazz-Aufnahmen, die er später unter seinem eigenen Namen veröffentlichte, zu präsentieren. Personal Computer Music, 1997-2022 ist der Höhepunkt der laufenden Reissue-Reihe von Chapter Music für Jeremy. Im August veröffentlichte Chapter seine früheren Alben erstmals digital - Sentimental Dance Music For Couples (ursprünglich 2000 über das US-Label Plug Research, Heimat von Veröffentlichungen von Flying Lotus und Jon Tejada) und Music For the Young and the Restless (ursprünglich 2004 auf dem japanischen Label Bit Of Heaven). Zunächst inspiriert von strengem deutschen Techno wie Monolake und Mouse on Mars, wuchs Jeremys Klangwelt und nahm so unterschiedliche Einflüsse wie The Sea and Cake, Joao Gilberto, Jaki Liebezeit und Alain Goraguer auf. Jeremy arbeitete jedoch ganz allein auf der anderen Seite der Welt an diesen Meilensteinen und improvisierte Systeme der ,subtraktiven Komposition" mit billigen Soundkarten aus den 90er Jahren, 12-Bit-Samplern und gebufferten Noise Gates. Seine Musik entwickelte sich in einer parallelen, aber separaten Welt zu Genres, die später als IDM oder Microhouse bezeichnet wurden, aber eigentlich klingt sie wie nichts anderes als Jeremy Dower - magisch einfallsreich, berührend und persönlich. Efficient Space hat einen Tetrphnm-Track auf ihrer beliebten 2018er-Compilation mit australischer Elektronikmusik der 90er Jahre, 3AM Spares, veröffentlicht. Aber Personal Computer Music, 1997-2022 ist Ihre erste Gelegenheit, Jeremy Dowers faszinierende Musikgeschichte mit der Tiefe zu erkunden, die sie verdient.
- Fire (Luke 12:49)
- Nature Is A Song
- Springtime (In Australia)
- Mass-Emmanuel
- Messe Du Saint Esprit
- Light (John 8:12)
- O Brother (Matt. 7:1-5)
- Mary Was Here
- Teenager's Chorus
- O Great Mystery (John 6)
- Christ Our King (Col. 1:13)
- Keshukoran
FIRE VINYL[24,79 €]
Fire of God's Love ist das legendäre Album der australischen Nonne Schwester Irene O'Connor aus dem Jahr 1973 - eine aufrichtige, gefühlvolle und unbewusst psychedelische Songfolge, die der Selbstreflexion und dem Erwachen des inneren Geistes gewidmet ist. Das Album ist eine Sammlung von originellen spirituellen Folksongs, die von O'Connor geschrieben und mit Gitarre, E-Orgel, Drumcomputer und ihrer engelsgleichen Stimme interpretiert wurden. Es wurde von ihrer Mitschwester und Toningenieurin Sister Marimil Lobregat auf erstaunlich futuristische Weise aufgenommen und abgemischt. Freedom To Spend bietet die erste autorisierte Neuauflage dieses heiligen Grals seit 1976; das Album wurde mit Sorgfalt und Bedacht aus den besten verfügbaren Quellen restauriert und remastered. Als junge römisch-katholische Nonne im Orden der Franziskanerinnen von Maria begann Schwester Irene 1953 ihre musikalischen Aktivitäten, als sie von Sydney in ein Kloster in Singapur zog und begann, Kinder mit Lernschwierigkeiten zu unterrichten. Nachdem sie sich eine Akustikgitarre zugelegt und drei einfache Akkorde gelernt hatte, blühten Irenes Lieder dank der Begeisterung der Kinder auf. Durch einen glücklichen Zufall arbeitete ein Elternteil eines Schülers bei einem kommerziellen Radiosender in Singapur, und Irene wurde eingeladen, im Studio des Senders aufzutreten und aufzunehmen. Sie ging hin, trug ihre Ordenstracht und hatte ihre Gitarre dabei, und nahm dort 1965 ihren ersten eigenen Song auf. Unter dem Pseudonym Myiriam Frances, um innerhalb ihres Ordens anonym zu bleiben (,Nonnen machten so etwas nicht", bemerkte O'Connor), veröffentlichte Phillips Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Platten von Schwester Irene. Im Kloster in Singapur lernte Schwester Irene Schwester Marimil Lobregat kennen, eine Mitbrüderin aus dem Franziskanerorden, die Anfang der 1960er Jahre von den Philippinen auf die Insel gezogen war. Mehr als ein Jahrzehnt später trafen sie sich, wie durch göttliche Fügung, in einem anderen Kloster in Point Piper in Sydney wieder. Marimil, ebenfalls Musikerin und Klangenthusiastin, arbeitete als Audio- und Videotechnikerin beim Catholic Radio and Television Centre in Homebush im Westen Sydneys. Schwester Irene, die treu an ihren musikalischen Fähigkeiten feilte, und Schwester Marimil schmiedeten den Plan, sich an mehreren Sonntagnachmittagen im Zentrum zu treffen und die Lieder zu komponieren, die später auf ,Fire of God's Love" erscheinen sollten. Die Lieder von ,Fire of God's Love" werden von Schwester Irene mit ihrer engelsgleichen Sopranstimme gesungen (mit Texten in Englisch, Latein und Malaiisch) und von Schwester Marimil produziert und auf einem Teac 3340S 4-Spur-Tonbandgerät aufgenommen. Marimil trug maßgeblich dazu bei, die unheimliche Jenseitigkeit zu zaubern, die das Album durchzieht. Die kristallklare Stimme von Schwester Irene wird exquisit von einem schimmernden Mosaik aus Hall und analogen Synthesizer-Klängen umhüllt, während sie wie eine Glocke in der Dunkelheit erklingt und so lange nachhallt, bis die Wahrheit oder das Göttliche erscheint. Themen wie Barmherzigkeit, Gnade, Licht und Geheimnis werden von sanften Akustikgitarrenklängen und ewigen Pianotönen untermalt, die sich langsam auf vibrierenden Fäden drehen. Bei den Songs mit Keyboards spielte Schwester Irene alle Parts live in Echtzeit, einschließlich der Basspedale. Die Drum Machine wurde von derselben Orgel erzeugt, die sie spielte, und gleichzeitig ausgeführt. All dies trägt zu einer Atmosphäre erhöhter Präsenz bei, einem organischen Blitz, der tief aus dem Unterbewusstsein kommt. Entstanden aus Ideen, die in einem ruhigen Kloster und abgeschieden von weltlichen Einflüssen entstanden sind, wird der liturgische Rahmen des Albums durch die innige Hingabe zweier Schwestern gefiltert - ihre eigene Interpretation von Popmusik, befreit von Anmaßung und oberflächlichem Glamour. Der Titel des Albums stammt, wie viele seiner Songs, aus einem Bibelvers, in diesem Fall Lukas 12:49. Aber Schwester Irene und Schwester Marimil haben ihn in einen Raum gebracht, in dem alle spirituell Suchenden die Übertragung oder: ungewöhnliche Hermeneutik schätzen können. Die Texte sprechen universelle Bedürfnisse, Wünsche und Sehnsüchte an: ewige Liebe und Zuneigung, ein Ende der Einsamkeit, eine neue Form der Erleichterung, Befreiung von der Angst vor dem Tod. Anstelle von Hymnenformeln bedient sich Schwester Irene, vielleicht unbeabsichtigt, der damals modischen Folk- und Psychedelic-Musik, um eine Predigt zu halten, die sich wie Liebesbriefe an eine göttliche Präsenz liest und über jede formale Religion hinaus zur Seele spricht. ,Fire of God's Love" ist ein inspirierendes Archiv früher elektronischer Experimente zwischen zwei befreundeten Frauen und Mystikerinnen, eine Dokumentation ihrer göttlichen Energie, die auf disziplinierte Weise kanalisiert wurde. Bei seiner Erstveröffentlichung war es weder ein durchschlagender Erfolg noch ein Misserfolg, sondern wurde vor allem mit Neugierde aufgenommen. Die beiden haben nie wieder gemeinsam Musik gemacht, und in den 50 Jahren seitdem zieht ihre einmalige Zusammenarbeit weiterhin Zuhörer an, die sie in Plattenläden entdecken (sei es die Originalpressung von Phillips oder die klanglich überlegene Neuauflage von 1976 bei Alba House Communications) oder eher über YouTube, als zufällig entdeckter und heiß diskutierter Kultklassiker. Heute lebt Schwester Irene in Sydney, Australien, und freut sich, dass ein neues Publikum in ihrer Musik mit Schwester Marimil einen Sinn findet. Ihre Geschichte ist ein Beweis dafür, dass man nicht viel braucht, um ein visionäres, zeitloses Album zu schaffen: ein Tonbandgerät, Freundschaft und ,The Fire of God's Love", um den Weg in die Zukunft zu ebnen. Das kann ein spiritueller Freund sein oder ein irdischer Begleiter direkt neben einem. Sister Irene O'Connors ,Fire of God's Love" wird am 14. November über Freedom To Spend auf Vinyl, CD und als digitale Ausgabe veröffentlicht.
Fire of God's Love ist das legendäre Album der australischen Nonne Schwester Irene O'Connor aus dem Jahr 1973 - eine aufrichtige, gefühlvolle und unbewusst psychedelische Songfolge, die der Selbstreflexion und dem Erwachen des inneren Geistes gewidmet ist. Das Album ist eine Sammlung von originellen spirituellen Folksongs, die von O'Connor geschrieben und mit Gitarre, E-Orgel, Drumcomputer und ihrer engelsgleichen Stimme interpretiert wurden. Es wurde von ihrer Mitschwester und Toningenieurin Sister Marimil Lobregat auf erstaunlich futuristische Weise aufgenommen und abgemischt. Freedom To Spend bietet die erste autorisierte Neuauflage dieses heiligen Grals seit 1976; das Album wurde mit Sorgfalt und Bedacht aus den besten verfügbaren Quellen restauriert und remastered. Als junge römisch-katholische Nonne im Orden der Franziskanerinnen von Maria begann Schwester Irene 1953 ihre musikalischen Aktivitäten, als sie von Sydney in ein Kloster in Singapur zog und begann, Kinder mit Lernschwierigkeiten zu unterrichten. Nachdem sie sich eine Akustikgitarre zugelegt und drei einfache Akkorde gelernt hatte, blühten Irenes Lieder dank der Begeisterung der Kinder auf. Durch einen glücklichen Zufall arbeitete ein Elternteil eines Schülers bei einem kommerziellen Radiosender in Singapur, und Irene wurde eingeladen, im Studio des Senders aufzutreten und aufzunehmen. Sie ging hin, trug ihre Ordenstracht und hatte ihre Gitarre dabei, und nahm dort 1965 ihren ersten eigenen Song auf. Unter dem Pseudonym Myiriam Frances, um innerhalb ihres Ordens anonym zu bleiben (,Nonnen machten so etwas nicht", bemerkte O'Connor), veröffentlichte Phillips Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Platten von Schwester Irene. Im Kloster in Singapur lernte Schwester Irene Schwester Marimil Lobregat kennen, eine Mitbrüderin aus dem Franziskanerorden, die Anfang der 1960er Jahre von den Philippinen auf die Insel gezogen war. Mehr als ein Jahrzehnt später trafen sie sich, wie durch göttliche Fügung, in einem anderen Kloster in Point Piper in Sydney wieder. Marimil, ebenfalls Musikerin und Klangenthusiastin, arbeitete als Audio- und Videotechnikerin beim Catholic Radio and Television Centre in Homebush im Westen Sydneys. Schwester Irene, die treu an ihren musikalischen Fähigkeiten feilte, und Schwester Marimil schmiedeten den Plan, sich an mehreren Sonntagnachmittagen im Zentrum zu treffen und die Lieder zu komponieren, die später auf ,Fire of God's Love" erscheinen sollten. Die Lieder von ,Fire of God's Love" werden von Schwester Irene mit ihrer engelsgleichen Sopranstimme gesungen (mit Texten in Englisch, Latein und Malaiisch) und von Schwester Marimil produziert und auf einem Teac 3340S 4-Spur-Tonbandgerät aufgenommen. Marimil trug maßgeblich dazu bei, die unheimliche Jenseitigkeit zu zaubern, die das Album durchzieht. Die kristallklare Stimme von Schwester Irene wird exquisit von einem schimmernden Mosaik aus Hall und analogen Synthesizer-Klängen umhüllt, während sie wie eine Glocke in der Dunkelheit erklingt und so lange nachhallt, bis die Wahrheit oder das Göttliche erscheint. Themen wie Barmherzigkeit, Gnade, Licht und Geheimnis werden von sanften Akustikgitarrenklängen und ewigen Pianotönen untermalt, die sich langsam auf vibrierenden Fäden drehen. Bei den Songs mit Keyboards spielte Schwester Irene alle Parts live in Echtzeit, einschließlich der Basspedale. Die Drum Machine wurde von derselben Orgel erzeugt, die sie spielte, und gleichzeitig ausgeführt. All dies trägt zu einer Atmosphäre erhöhter Präsenz bei, einem organischen Blitz, der tief aus dem Unterbewusstsein kommt. Entstanden aus Ideen, die in einem ruhigen Kloster und abgeschieden von weltlichen Einflüssen entstanden sind, wird der liturgische Rahmen des Albums durch die innige Hingabe zweier Schwestern gefiltert - ihre eigene Interpretation von Popmusik, befreit von Anmaßung und oberflächlichem Glamour. Der Titel des Albums stammt, wie viele seiner Songs, aus einem Bibelvers, in diesem Fall Lukas 12:49. Aber Schwester Irene und Schwester Marimil haben ihn in einen Raum gebracht, in dem alle spirituell Suchenden die Übertragung oder: ungewöhnliche Hermeneutik schätzen können. Die Texte sprechen universelle Bedürfnisse, Wünsche und Sehnsüchte an: ewige Liebe und Zuneigung, ein Ende der Einsamkeit, eine neue Form der Erleichterung, Befreiung von der Angst vor dem Tod. Anstelle von Hymnenformeln bedient sich Schwester Irene, vielleicht unbeabsichtigt, der damals modischen Folk- und Psychedelic-Musik, um eine Predigt zu halten, die sich wie Liebesbriefe an eine göttliche Präsenz liest und über jede formale Religion hinaus zur Seele spricht. ,Fire of God's Love" ist ein inspirierendes Archiv früher elektronischer Experimente zwischen zwei befreundeten Frauen und Mystikerinnen, eine Dokumentation ihrer göttlichen Energie, die auf disziplinierte Weise kanalisiert wurde. Bei seiner Erstveröffentlichung war es weder ein durchschlagender Erfolg noch ein Misserfolg, sondern wurde vor allem mit Neugierde aufgenommen. Die beiden haben nie wieder gemeinsam Musik gemacht, und in den 50 Jahren seitdem zieht ihre einmalige Zusammenarbeit weiterhin Zuhörer an, die sie in Plattenläden entdecken (sei es die Originalpressung von Phillips oder die klanglich überlegene Neuauflage von 1976 bei Alba House Communications) oder eher über YouTube, als zufällig entdeckter und heiß diskutierter Kultklassiker. Heute lebt Schwester Irene in Sydney, Australien, und freut sich, dass ein neues Publikum in ihrer Musik mit Schwester Marimil einen Sinn findet. Ihre Geschichte ist ein Beweis dafür, dass man nicht viel braucht, um ein visionäres, zeitloses Album zu schaffen: ein Tonbandgerät, Freundschaft und ,The Fire of God's Love", um den Weg in die Zukunft zu ebnen. Das kann ein spiritueller Freund sein oder ein irdischer Begleiter direkt neben einem. Sister Irene O'Connors ,Fire of God's Love" wird am 14. November über Freedom To Spend auf Vinyl, CD und als digitale Ausgabe veröffentlicht.
- Until You're Mine
- Flowers In The Garden
- Stuck On You
- Reflections Of Love
- You Don't Care
- Ain't No Way
- Words Of Wisdom
- Oh It Was Love
- All In The Game
- Now Is The Time
Transparent Pink Vinyl[22,27 €]
Wanda Felicias beeindruckendes Debütalbum ,Now Is The Time_" bei Timmion Records bietet eine dynamische Auswahl an Soul-Songs, die sowohl zeitlos als auch erfrischend aktuell wirken. Unterstützt von den analogen Grooves von Cold Diamond & Mink präsentiert Felicia eine Reihe von Geschichten, die in Vintage-Grooves versunken sind, aber für jede Zeit genau richtig sind.Mit Wurzeln in der New Yorker House- und Acid-Jazz-Szene - und nachdem sie sich jahrzehntelang aus dem Rampenlicht zurückgezogen hatte - kehrt Wanda mit einer gereiften Stimme und einem gereiften Geist zurück, bereit, jeden mit einem schlagenden Herzen zu beeindrucken. Jeder Track auf ,Now Is The Time_" fühlt sich gelebt an: vom schlurfenden Bounce von ,Stuck On You" über den blühenden Optimismus von ,Flowers in the Garden" bis hin zur introspektiven, funkigen Poesie von ,Reflections of Love".Auf dem gesamten Album singt Felicia mühelos, unterstützt von Cold Diamond & Minks reichhaltiger, aber dicht gewebter Palette aus Rhythmusgruppe und Horn-Riffs. Zusammen schaffen sie eine rootsige Klanglandschaft, die den Soul der späten 1960er bis frühen 1970er Jahre mit einem modernen Touch verbindet. Ob Sie sich nun von der Beat-Ballade ,All in the Game" oder dem Southern Soul von ,Until You're Mine" angezogen fühlen, dieses Album schafft seinen eigenen Raum jenseits von Trends - es zelebriert Handwerkskunst, Emotionen und zeitlosen Groove.
Wanda Felicias beeindruckendes Debütalbum ,Now Is The Time_" bei Timmion Records bietet eine dynamische Auswahl an Soul-Songs, die sowohl zeitlos als auch erfrischend aktuell wirken. Unterstützt von den analogen Grooves von Cold Diamond & Mink präsentiert Felicia eine Reihe von Geschichten, die in Vintage-Grooves versunken sind, aber für jede Zeit genau richtig sind.Mit Wurzeln in der New Yorker House- und Acid-Jazz-Szene - und nachdem sie sich jahrzehntelang aus dem Rampenlicht zurückgezogen hatte - kehrt Wanda mit einer gereiften Stimme und einem gereiften Geist zurück, bereit, jeden mit einem schlagenden Herzen zu beeindrucken. Jeder Track auf ,Now Is The Time_" fühlt sich gelebt an: vom schlurfenden Bounce von ,Stuck On You" über den blühenden Optimismus von ,Flowers in the Garden" bis hin zur introspektiven, funkigen Poesie von ,Reflections of Love".Auf dem gesamten Album singt Felicia mühelos, unterstützt von Cold Diamond & Minks reichhaltiger, aber dicht gewebter Palette aus Rhythmusgruppe und Horn-Riffs. Zusammen schaffen sie eine rootsige Klanglandschaft, die den Soul der späten 1960er bis frühen 1970er Jahre mit einem modernen Touch verbindet. Ob Sie sich nun von der Beat-Ballade ,All in the Game" oder dem Southern Soul von ,Until You're Mine" angezogen fühlen, dieses Album schafft seinen eigenen Raum jenseits von Trends - es zelebriert Handwerkskunst, Emotionen und zeitlosen Groove.
- Walking Dead Man
- Sex Sells (Hard)
- Degrade Me
- Black Wedding
- Am I A Ghost?
- 6: Seconds Left
TX2, AKA Evan Thomas, prides himself on injecting authentic stories and experiences from his own life into his lyrics. As someone who is a member of the LGBTQIA+ community himself, he admits he hasn't always fit in. His songs document that experience, but really - his stories are about all of us, penned for anyone who has ever felt alone. Per usual - the singer is willing to cause a little chaos with his new track, if that's what it takes to draw attention to important societal issues. With his tracks, he's making his voice heard loud and clear. "10 years ago I started TX2, and when the project first started I was the joke of my hometown. I was bullied by my entire hometown, and told by family that I would never make it. Years later I am still the joke, but now a punching bag for the entire internet. I've practiced what I've preached and consistently talked about mental health awareness, safety, and LGBT rights just to be made fun of and seen as `one of the most hated artists'. This world is filled with vultures, and I'm sure everyone can relate." Six track debut EP available as CD & LP
- And The Band Played Johnny B. Goode
- If People Don't Like It (It Must Be Good)
- 100: Yards Of Crash Barrier
- A Common Disease
- Dearest Darling
- The Goddess Tree
- The Friends Of The Buff Medways Fancier's Association
- The Devil And God Entwined
- Sally Sensation
- Got Love If You Want It
- The Baby Who Mutilated Everybody's Heart
- Modern Terms Of Abuse
"Die unangefochtenen Könige des Garage Rock" sind wieder da! Zwei Jahre nach ihrem Album "Irregularis (The Great Hiatus)" aus dem Jahr 2023 melden sich Thee Headcoats mit einer neuen Platte zurück, die sich nahtlos in die Reihe ihrer besten Alben aus den 1990er Jahren einreiht. Wir präsentieren Ihnen stolz "The Sherlock Holmes Rhythm ,n` Beat Vernacular". Mit 12 fantastischen Stücken (oder Liedchen, wenn Sie so wollen), die letztes Jahr in den Ranscombe Studios in Rochester aufgenommen wurden. "The Sherlock Holmes Rhythm 'n' Beat Vernacular" erscheint am selben Tag wie "Man-Trap", das brandneue Album von Thee Headcoatees, auf dem die Jungs als Backing-Band fungieren. Thee Headcoats ist eine der vielen Musikgruppen unter der Leitung von Billy Childish und (soweit wir wissen) seine bislang produktivste. Kein Wunder, wenn man Billys unermüdliche Kreativität und seinen vollen Veröffentlichungsplan bedenkt. Thee Headcoats spielen harten R&B, Rock 'n' Roll und Punk Rock, beeinflusst von den frühen Kinks, Pretty Things und vor allem The Downliners Sect, mit einem zusätzlichen Sinn für Humor, der durch Bruce, die Vorliebe des Schlagzeugers für Deerstalker-Hüte, geprägt ist. Thee Headcoats etablierten ihren Stil auf ihrer ersten LP "Headcoats Down" Hangman, 1988 und setzten ihn mit "The Earls of Suavedom" [Crypt, 1989] und "Heavens to Murgatroyd, Even! It's Thee Headcoats! (Already)" [SubPop, 1990] fort. Auf späteren Alben wie "The Messerschmitt Pilot's Severed Hand" aus dem Jahr 1998 kam ein schlankerer, punkigerer Sound zum Vorschein, doch die Jungs blieben ihrem rauen, von den 60ern inspirierten R'n'B treu und klangen auf ihrem Comeback-Meisterwerk "Irregularis (The Great Hiatus)" aus dem Jahr 2023 im Wesentlichen unverändert. "The Sherlock Holmes Rhythm 'n' Beat Vernacular" setzt da noch einen drauf und ist beeindruckenderweise eines der absolut besten Billy Childish Alben der letzten 25 Jahre. Das glauben Sie nicht? Dann kaufen und hören Sie es und lassen sich eines Besseren belehren_





























































































































































