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Ahora, die neue Platte von Melenas, ist das genaue Gegenteil von "dem schwierigen dritten Album". Während andere Bands unter einem Mangel an Inspiration leiden, der typisch für diesen heiklen kreativen Moment ist, erscheint unser spanisches Quartett unbesiegbarer denn je, mit einer Sammlung umwerfender Songs und revitalisiert mit einer herrlichen neuen Klangpalette, die folgende Frage aufwirft: Kann man Jangle Pop und Garage Rock mit Synthesizern machen? Wenn man sich Songs wie 'K2' oder 'Bang' anhört, ist die Antwort ein klares Ja, denn das herrliche Pochen der analogen Keyboards, die Ahora dominieren, verrät nicht den Sound von Melenas, diese brodelnde Vibration, die bisher die Gitarren lieferten und ihre Songs in den Pop-Himmel trieben.

Die neuen Texturen, die Vintage-Synthesizer wie der Korg Delta oder der Yamaha PSR-36 liefern, bewahren diese Unmittelbarkeit und prägen faszinierende neue Farbschattierungen, indem sie die klangliche Identität der Band ausdehnen und mit neuen Nuancen versehen, vom kristallinen Pop von '1986' bis zu den düsteren, aber bewegenden Untertönen von 'Flor de la Frontera'. Dieser neue Reichtum an Klangfarben steht im Übrigen im Einklang mit einem Album, auf dem Melenas viel zu sagen haben: Sein Titel (übersetzt "Now") will, so die Band, "die Bedeutung der Zeit rechtfertigen, um darüber nachzudenken, wie wir unseren Alltag leben, mit wem wir unsere Momente teilen und wie wir es tun (oder nicht tun) wollen". Eine Erkundung ihrer eigenen Identität, ihrer Beziehungen zu anderen und der Bedeutung von "Zusammengehörigkeit, geteilten Gefühlen und gemeinsamen Aktionen". Gleichzeitig vertiefen die neuen Klänge symbolisch diese Themen: Das Konzept der Zusammengehörigkeit wird in den Gesangsharmonien vermittelt, die reichhaltiger und ausgefeilter sind.

Das Konzept der Zeit wird mit Hilfe einiger verblüffender Sequenzer, Arpeggiatoren und mechanischer Rhythmen vermittelt. Kombiniert mit Melenas' Gespür für Pop machen diese Elemente viele dieser Songs zu einer aufregenden Mischung aus dunkleren, maschinenartigen Tönen (die Cold-Wave-Echos von 'Flor de la Frontera', der Kraut-Rhythmus von 'Bang') und himmlischen Melodien. All dies wird mit einer Fülle von schillernden elektronischen Arrangements verwoben, die handwerklich perfekt gemacht sind, aber mit der Energie einer Live-Band gespielt werden, in einer sehr post-punkigen Verbindung von Synthesizern mit echtem Bass und Schlagzeug.

Das Ergebnis sind solche Wunder wie "Dos pasajeros", "Tú y yo", "1986" oder das wunderschöne "Promesas", letzteres ein wahrer Neo-Synth-Pop-Klassiker. Melenas sind mehr denn je im Besitz ihrer kreativen Kräfte. Nicht so sehr, um ihrer Musik - die im Wesentlichen immer noch in der Liebe zum Pop verwurzelt ist - eine neue Wendung zu geben, sondern um ihre Songs mit einer neuen elektronischen Energie und einem neuen Vibe zu versehen.

Adam Gibbons meldet sich mit Volldampf mit seinem achten Lack Of Afro-Studioalbum zurück. Es ist ein Album voller Hoffnung, Optimismus und guter Zeiten, inspiriert von seiner US-Reise zu den legendären FAME Aufnahmestudios in Muscle Shoals. In einer über 17-jährigen Karriere, in der seine Musik in Filmen und TV-Shows auf der ganzen Welt zu sehen/hören war und millionenfach gestreamt wurde, musste Adam viele Herausforderungen überwinden und kehrt nun auf SQUARE ONE, den Anfangspunkt, zurück. Dabei liefert er seine bisher beste Arbeit ab und geht auf seine erste US-Tour. Mit einem erneuerten Sinn für Inspiration und Energie ist Adam entschlossen, den Funk am Leben zu erhalten.

This EP is the first release to mark the start of a new adventure, illustrating Rude Jude's commitment to a smooth and melodic vintage sound.

Featuring 3 original songs, a cover and an epilogue, it is deeply inspired by the legends of Adult Oriented Rock and a mix of 70s/80s Soft Rock, Jazz and Pop.

The contribution of the talented vocalist, songwriter and violin player, Jon GK can't be understated in creating and interpreting these songs. All the parts are played by musicians and the production is made through as much analog gear from that era as possible. It is not just a tribute but an attempt to carry the torch and bring something new to the current music landscape.

Numen ist das dritte Album von ALKALOID, und es enthält einige der kompliziertesten, nachdenklichsten, aber auch komplett verrückten Ideen der Band. Das Album wird aus der gottähnlichen Perspektive eines uralten Außerirdischen erzählt, der mit seinem dämonischen Grunzen die gesamte Galaxie umgestalten kann.

ALKALOID sind immer noch durch ihre Liebe zum Death Metal verbunden. Schließlich handelt es sich um eine Supergroup, die aus Gründungsmitgliedern von OBSCURA, DARK FORTRESS und SPAWN OF POSESSION besteht. Das feurige, mit den Fingern getippte Solo, das sich nach der Hälfte von "Clusterfuck" herauskristallisiert, wird wie eine Ameise unter einem Drop-D-Hammersturm zerquetscht.

Aber auf "Numen" spielt die bayerische Band auch mit allen möglichen Genre-Experimenten. "The Cambrian Explosion" stellt den Tech-Death mit verführerischen Anflügen von Jazz und Flamenco auf den Kopf.
ALKALOID sind die verrückten Wissenschaftler des Metal. Mit "Numen" haben sie eine weitere explosive Mischung aus progressivem Death Metal geschaffen!

FFO: OBSCURA, BEYOND CREATION, FRACTAL UNIVERSE

Numen ist das dritte Album von ALKALOID, und es enthält einige der kompliziertesten, nachdenklichsten, aber auch komplett verrückten Ideen der Band. Das Album wird aus der gottähnlichen Perspektive eines uralten Außerirdischen erzählt, der mit seinem dämonischen Grunzen die gesamte Galaxie umgestalten kann.

ALKALOID sind immer noch durch ihre Liebe zum Death Metal verbunden. Schließlich handelt es sich um eine Supergroup, die aus Gründungsmitgliedern von OBSCURA, DARK FORTRESS und SPAWN OF POSESSION besteht. Das feurige, mit den Fingern getippte Solo, das sich nach der Hälfte von "Clusterfuck" herauskristallisiert, wird wie eine Ameise unter einem Drop-D-Hammersturm zerquetscht.

Aber auf "Numen" spielt die bayerische Band auch mit allen möglichen Genre-Experimenten. "The Cambrian Explosion" stellt den Tech-Death mit verführerischen Anflügen von Jazz und Flamenco auf den Kopf.
ALKALOID sind die verrückten Wissenschaftler des Metal. Mit "Numen" haben sie eine weitere explosive Mischung aus progressivem Death Metal geschaffen!

FFO: OBSCURA, BEYOND CREATION, FRACTAL UNIVERSE

Revealed a few seasons ago thanks to the abrasive potential of their riffs, the French duo Bandit Bandit consisting of Maëva & Hugo imposes its musical genre, as well as an insolent ease to handle the French language, which one can hear in their amazing first album, 11:11.

In 2019 came the first show, the first music video, the first studio session. The name "Bandit Bandit" was born during a photo shoot with a friend, in a desert landscape, wearing scarves, boots and pistols. As for the repetition of Bandit, it is to better underline the duality of the project which, very quickly, found its own public, thanks to tracks as striking as "Maux", the first french-written one, and an imagination which incites the press to nickname them the Bonnie & Clyde of rock.

After two electrifying EPs, "Bandit Bandi"t and "Tachycardie", the duet needed to "explore further than the rock-genre itself" on a 11:11 produced by Azzedine Djelil (Rita Mitsouko, Catherine Ringer, Minuit, Lulu Van Trapp...). This first album mixes music genres, investigates pop music with all its amplitude, as a guiding thread between raw rock and the more sophisticated alternative style. Until now self-centered and cathartic, the texts of Bandit Bandit remain intimate on 11:11 while proving to be political, freed from prudishness, playing with words. Their unrestrained music resonates loudly throughout this album with a devouring desire as insatiable as contagious.
"11:11", frist album. Includes "Toxique Exit", "Si j' avais su " & " La marée ". Available on Cd & Vinyl.

'Imagination Is A Weapon' lautet der Slogan des neuen GUNSHIP Albums. Diese Aussage fasst das Kernthema ihrer dritten Platte zusammen. GUNSHIP lädt seine Zuhörer ein, die Macht der Vorstellungskraft zu feiern und sich auf die Suche nach dem Einhorn in ihrem eigenen Leben zu begeben. Taucht schwelgend ein in die Fantasie – findet Euer Einhorn. Die entschlossenen Träumer werden die Welt verändern, wenn ihre Visionen in die Realität umgesetzt werden. Mit ihrem dritten Album UNICORN sprengen GUNSHIP weiterhin die Grenzen des Synthwave-Genres. Zu den besonderen Gästen zählen: John Carpenter, Gavin Rossdale (Bush), Dave Lombardo (Slayer), Carpenter Brut, Timmy Cappello (Lost Boys), Health, Tyler Bates (John Wick, Guardians Of The Galaxy), Lights, Power Glove, Charlie Simpson, Britta Phillips (Jem) und Milkie Way (Wargasm).

'Imagination Is A Weapon' lautet der Slogan des neuen GUNSHIP Albums. Diese Aussage fasst das Kernthema ihrer dritten Platte zusammen. GUNSHIP lädt seine Zuhörer ein, die Macht der Vorstellungskraft zu feiern und sich auf die Suche nach dem Einhorn in ihrem eigenen Leben zu begeben. Taucht schwelgend ein in die Fantasie – findet Euer Einhorn. Die entschlossenen Träumer werden die Welt verändern, wenn ihre Visionen in die Realität umgesetzt werden. Mit ihrem dritten Album UNICORN sprengen GUNSHIP weiterhin die Grenzen des Synthwave-Genres. Zu den besonderen Gästen zählen: John Carpenter, Gavin Rossdale (Bush), Dave Lombardo (Slayer), Carpenter Brut, Timmy Cappello (Lost Boys), Health, Tyler Bates (John Wick, Guardians Of The Galaxy), Lights, Power Glove, Charlie Simpson, Britta Phillips (Jem) und Milkie Way (Wargasm).

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Jorja Smith is officially back. Further to making a recent return to the musical sphere with her singles ‘Try Me’ and ‘Little Things’, today she has confirmed the details of her highly anticipated second album,
‘falling or flying’, set for release globally on September 29th 2023 via FAMM and available to pre-order now - here.
Alongside the announcement, Jorja has also unveiled the album's poignant artwork; a stunning portrait of her, shot on film by the prestigious British photographer, Liz Johnson Artur. In addition, Jorja has also announced a series of UK live shows in September, commemorating the release of the album. Further details below.
Through her new record, Jorja has delivered an undeniable modern classic, effortlessly condensing any number of disparate styles and genres into music which thrillingly broaches any gap between Jazz, Soul, R&B and Funky House. A bold, brave nd courageous leap forward from her critically acclaimed debut album ‘Lost and Found’ -
‘falling or flying’ is an album that speaks to the musical and emotional era where Jorja is now, and how she got here. It isn’t so much an exploration of how she’s found herself but more a statement that she has arrived, and that her understanding of her life, her relationships, and her feelings, have deepened, matured and crystallised as she
enters her twenty six year. ‘And despite it all,’ she says, ‘it's definitely a journey I've just started. That's what's crazy. It's only just begun.’
Sonically, this album, a no-skips body of work, isn’t like anything you’ve heard before. It sits masterfully in this same space of excitement, self-exploration and self-assertion that Jorja does. Compromised of deep, thumping drums, racing basslines, irresistible hooks and distinctive beats, ‘falling or flying’ runs at the same pace that Jorja’s mind does. ‘I don't slow down enough’ she says. ‘This album is like my brain. There’s always so much going on but each
song is definitely a standstill moment.’
Much of the creative energy that shaped the album emerged from studio sessions with the producer duo DAMEDAME* back in her hometown of Walsall, where, to Jorja, the heart is. The album is both a sonic and an emotional tour of where she’s been, and what she’s been about, in the two years since she dropped her latest offering, ‘Be Right Back’. ‘It touches on breakups, relationships with my friends, relationships with old friends,
relationships with myself.’ She says. ‘It's definitely about a lot of relationships, but every song I write I can sing it to myself.’
Of the many British voices in music today, Jorja is among the most commanding, writing at a pitch of intensity and urgency that few can match. Over the past five and half years, since the release of her debut album ‘Lost & Found’, she has been celebrated unanimously across the world for her evocative song-writing, powerful delivery, pure emotion and unbridled talent as a young woman navigating her way through life and in 2021 was the year Jorja’s hiatus from music was broken. Enter ‘Be Right Back’, the holding space between the sensation that was ‘Lost & Found’, and ‘falling or flying’. ‘Be Right Back’ was born from playing, jamming, freestyling, and sounding out what Jorja had been on the edge of expressing all her life. It was a project entirely for her fans. “Be Right Back did exactly what I wanted it to do. It was a little waiting room so people knew I was coming back.”
And come back she has - entering a chapter of her return to music that’s certain to draw in and intoxicate Jorja’s fans and new listeners alike. And what has changed for her, in the five years since ‘Lost & Found’ dominated the charts and the soundscape? “I like this world that I've just come into. And I’m still figuring things out. Always
figuring things out.” Jorja says. “This is the first time I’m putting stuff out there that I can connect with right now.” Over the last few years, it’s been a reflective and transformative step into her mid twenties for her. She’s been able to step into herself and evolve as a songwriter and a woman despite an ever-changing musical landscape.
While she recognises that the global pandemic has been completely devastating, she acknowledges that it allowed her to stay still, to come more into herself, and to be more in control of the person she is, and of her musical output. Like some of the legendary musicians that came before her, Jorja is looking at the chaos and disorder in the
world right now with resourceful, refined eyes, and she sees the glorious opportunity and enormous responsibility that affords. The net result is that while ‘falling or flying' sounds very much like Jorja Smith, it sounds like no Jorja Smith album you have ever heard before. ‘falling or flying’- released on September 29th

“Soothing Breeze” is a compilation of 21 carefully selected beats with oriental traditional instruments, soft drum loops and mystical appeal. The air is calm and pure - it’s time for absolute focus in this tranquil landscape.

Die Musikerinnen der Discodelic-Soul-Band Say She She, die ihren Namen als stille Anspielung auf Nile Rodgers ("C'est chi-chi!: It's Chic!") gewählt hat, veröffentlicht ihr zweites Album "Silver" auf den Spuren eines epischen Durchbruchsjahres, das von Tag zu Tag heller wird. Die drei starken Stimmen von Piya Malik (Stammgast bei El Michels Affair und ehemalige Backgroundsängerin von Chicano Batman), Sabrina Mileo Cunningham und Nya GazelleBrown sind die Frontfrauen der Band. Das harmonierende Trio entstand in einer klassischen New Yorker Geschichte von Freunden, die sich auf dem Weg zur Musik kennenlernten: auf den Tanzflächen der Innenstadt, auf den Dielen der Lower East Side und auf den Dächern von Harlem. "Silver" wurde Anfang des Jahres im Killion Sound Studio in North Hollywood geschrieben und live auf Band aufgenommen und von Sergio Rios (von Orgone) produziert. Während diese analogen Aufnahmetechniken dazu beitragen, Say She She's Sound in einem Fundament aus klanglicher Wärme zu verankern, das nur mit Tonband erreicht werden kann, ist es auch ihr Prozess, den Track im Moment zu produzieren und die Magie der gemeinschaftlichen Kreativität einzufangen, die dazu geführt hat, dass ihr Sound als "eine glorreiche Überladung aus freudigem Enthusiasmus und spiritueller Erhebung" (MOJO) und "durchdrungen vom schrägen Post-Disco-Geist der frühen 80er Jahre in NYC" (The Guardian) beschrieben wurde. Silver, das Element, ist bekannt als das Metall des Selbstbewusstseins und der Spiegel der Seele. Die 16-Song-Doppel-LP zeigt nicht nur, dass die Band an Selbstvertrauen gewonnen hat, sondern spiegelt auch eine tiefere Erkundung ihrer punkig-schicken, weiblich-vorwärts gerichteten Sensibilität wider.

Die Musikerinnen der Discodelic-Soul-Band Say She She, die ihren Namen als stille Anspielung auf Nile Rodgers ("C'est chi-chi!: It's Chic!") gewählt hat, veröffentlicht ihr zweites Album "Silver" auf den Spuren eines epischen Durchbruchsjahres, das von Tag zu Tag heller wird. Die drei starken Stimmen von Piya Malik (Stammgast bei El Michels Affair und ehemalige Backgroundsängerin von Chicano Batman), Sabrina Mileo Cunningham und Nya GazelleBrown sind die Frontfrauen der Band. Das harmonierende Trio entstand in einer klassischen New Yorker Geschichte von Freunden, die sich auf dem Weg zur Musik kennenlernten: auf den Tanzflächen der Innenstadt, auf den Dielen der Lower East Side und auf den Dächern von Harlem. "Silver" wurde Anfang des Jahres im Killion Sound Studio in North Hollywood geschrieben und live auf Band aufgenommen und von Sergio Rios (von Orgone) produziert. Während diese analogen Aufnahmetechniken dazu beitragen, Say She She's Sound in einem Fundament aus klanglicher Wärme zu verankern, das nur mit Tonband erreicht werden kann, ist es auch ihr Prozess, den Track im Moment zu produzieren und die Magie der gemeinschaftlichen Kreativität einzufangen, die dazu geführt hat, dass ihr Sound als "eine glorreiche Überladung aus freudigem Enthusiasmus und spiritueller Erhebung" (MOJO) und "durchdrungen vom schrägen Post-Disco-Geist der frühen 80er Jahre in NYC" (The Guardian) beschrieben wurde. Silver, das Element, ist bekannt als das Metall des Selbstbewusstseins und der Spiegel der Seele. Die 16-Song-Doppel-LP zeigt nicht nur, dass die Band an Selbstvertrauen gewonnen hat, sondern spiegelt auch eine tiefere Erkundung ihrer punkig-schicken, weiblich-vorwärts gerichteten Sensibilität wider.

Die Musikerinnen der Discodelic-Soul-Band Say She She, die ihren Namen als stille Anspielung auf Nile Rodgers ("C'est chi-chi!: It's Chic!") gewählt hat, veröffentlicht ihr zweites Album "Silver" auf den Spuren eines epischen Durchbruchsjahres, das von Tag zu Tag heller wird. Die drei starken Stimmen von Piya Malik (Stammgast bei El Michels Affair und ehemalige Backgroundsängerin von Chicano Batman), Sabrina Mileo Cunningham und Nya GazelleBrown sind die Frontfrauen der Band. Das harmonierende Trio entstand in einer klassischen New Yorker Geschichte von Freunden, die sich auf dem Weg zur Musik kennenlernten: auf den Tanzflächen der Innenstadt, auf den Dielen der Lower East Side und auf den Dächern von Harlem. "Silver" wurde Anfang des Jahres im Killion Sound Studio in North Hollywood geschrieben und live auf Band aufgenommen und von Sergio Rios (von Orgone) produziert. Während diese analogen Aufnahmetechniken dazu beitragen, Say She She's Sound in einem Fundament aus klanglicher Wärme zu verankern, das nur mit Tonband erreicht werden kann, ist es auch ihr Prozess, den Track im Moment zu produzieren und die Magie der gemeinschaftlichen Kreativität einzufangen, die dazu geführt hat, dass ihr Sound als "eine glorreiche Überladung aus freudigem Enthusiasmus und spiritueller Erhebung" (MOJO) und "durchdrungen vom schrägen Post-Disco-Geist der frühen 80er Jahre in NYC" (The Guardian) beschrieben wurde. Silver, das Element, ist bekannt als das Metall des Selbstbewusstseins und der Spiegel der Seele. Die 16-Song-Doppel-LP zeigt nicht nur, dass die Band an Selbstvertrauen gewonnen hat, sondern spiegelt auch eine tiefere Erkundung ihrer punkig-schicken, weiblich-vorwärts gerichteten Sensibilität wider.

Ein weiterer außergewöhnlicher Release in der hochgelobten WaJazz-Reihe ist dem Leben und der Musik eines der berühmtesten japanischen Jazzmusiker der letzten 60+ Jahre gewidmet, dem legendären Saxophonisten Jiro Inagaki mit seiner Soul Media-Band und ihrer goldenen Ära 1968-1980. Diese ultimative Kollektion erscheint auf goldfarbigem 180g Doppelvinyl im Gatefold mit detaillierten Linernotes von Yusuke Ogawa (Universounds), Kommentaren von Jiro und exklusiven Fotos. 16 mal pures Gold aus Jazz, Jazz-Funk und Jazz-Rock, darunter eine unveröffentlichte Version des Tracks 'Express' – erstmals auf Vinyl!

Der Plan sah vor, im Frühjahr 2023 direkt wieder ins Studio zu gehen, bei dem alten Freund Paul Grau in Motril, Spanien. Noch euphorisiert von der gelungenen Herbst-Tour machten Gisbert zu Knyphausen, Moses Schneider und Tobias "der dünne Mann" Friedrich Nägel mit Köpfen und buchten, was zu buchen war. Einziges Problem: sie hatten keinen einzigen neuen Song. Aber man wächst an seinen Aufgaben, nicht wahr? Irgendwo in der untersten Schublade, hinter der Rolle Zwirn, dem Anspitzer und der Ballpumpe lag dann doch noch das ein oder andere Instrumental, ein halbes Lied, ausgeschwitzte Reime und drei angebissene Texte. Um Weihnachten herum kamen in einem klammen, kleinen Übungsraum noch diverse ganz neue Stücke hinzu. Im Januar 23 traf sich die Husten-Delegation mit der Live-Ergänzungsmaschine Marcus Schneider (Gitarre), Ben Lauber (Schlagzeug) und Arne Augustin (Keyboard), um 15 oder 16 neue Lieder zu arrangieren. Obwohl Motril nicht mit Wärme und Sonne geizte, sahen sich am Ende der zwölftägigen Aufnahmen alle etwas verwundert an ob der Düsternis der Stücke. Wie sollte man das Konvolut sinnvoll auf einem Album anordnen? Also alles auf Schwarz. Von dunkel nach hell.Auf dem Weg kommt man aus dem dystopischen "Bis morgen, dann" an der Trauer von "Ja und ja" vorbei, schaut "Elli" dabei zu, wie sie unter die Armutsgrenze rutscht, bettelt "Lass mich bitte nicht in Ruh", blickt auf "Die andere Seite der Angst", sieht dem verblichenen Träumer Achim hinterher, tanzt "Nüchtern im Club", stellt sich hinter dem "Flamingo Hotel" ein paar philosophische Fragen, erinnert sich an ferne Tage und "Weiße Tiger" und bittet die Welt um Vergebung, da der perfekte Song auch mit "Für immer und ewig" nicht gelungen ist. Am Ende erschien es nur logisch, das Album "Aus einem nachtlangen Jahr" zu nennen.Ladies and Gentlemen: Aus einem nachtlangen Jahr - wohin auch immer. PS: Es passt sprichwörtlich ins Bild, dass die Berliner Künstlerin Tina Berning an wunderschöner Melancholie kaum zu überbietende Zeichnungen beisteuerte, für die Dunja Berndorff das perfekte Artwork fand.

Der Plan sah vor, im Frühjahr 2023 direkt wieder ins Studio zu gehen, bei dem alten Freund Paul Grau in Motril, Spanien. Noch euphorisiert von der gelungenen Herbst-Tour machten Gisbert zu Knyphausen, Moses Schneider und Tobias "der dünne Mann" Friedrich Nägel mit Köpfen und buchten, was zu buchen war. Einziges Problem: sie hatten keinen einzigen neuen Song. Aber man wächst an seinen Aufgaben, nicht wahr? Irgendwo in der untersten Schublade, hinter der Rolle Zwirn, dem Anspitzer und der Ballpumpe lag dann doch noch das ein oder andere Instrumental, ein halbes Lied, ausgeschwitzte Reime und drei angebissene Texte. Um Weihnachten herum kamen in einem klammen, kleinen Übungsraum noch diverse ganz neue Stücke hinzu. Im Januar 23 traf sich die Husten-Delegation mit der Live-Ergänzungsmaschine Marcus Schneider (Gitarre), Ben Lauber (Schlagzeug) und Arne Augustin (Keyboard), um 15 oder 16 neue Lieder zu arrangieren. Obwohl Motril nicht mit Wärme und Sonne geizte, sahen sich am Ende der zwölftägigen Aufnahmen alle etwas verwundert an ob der Düsternis der Stücke. Wie sollte man das Konvolut sinnvoll auf einem Album anordnen? Also alles auf Schwarz. Von dunkel nach hell.Auf dem Weg kommt man aus dem dystopischen "Bis morgen, dann" an der Trauer von "Ja und ja" vorbei, schaut "Elli" dabei zu, wie sie unter die Armutsgrenze rutscht, bettelt "Lass mich bitte nicht in Ruh", blickt auf "Die andere Seite der Angst", sieht dem verblichenen Träumer Achim hinterher, tanzt "Nüchtern im Club", stellt sich hinter dem "Flamingo Hotel" ein paar philosophische Fragen, erinnert sich an ferne Tage und "Weiße Tiger" und bittet die Welt um Vergebung, da der perfekte Song auch mit "Für immer und ewig" nicht gelungen ist. Am Ende erschien es nur logisch, das Album "Aus einem nachtlangen Jahr" zu nennen.Ladies and Gentlemen: Aus einem nachtlangen Jahr - wohin auch immer. PS: Es passt sprichwörtlich ins Bild, dass die Berliner Künstlerin Tina Berning an wunderschöner Melancholie kaum zu überbietende Zeichnungen beisteuerte, für die Dunja Berndorff das perfekte Artwork fand.

Tribe Friday ist eine Band gitarrenschwingender Emo-Kids aus den Wäldern Schwedens, die die rauen Indie-Rock-Dancehall-Sounds der frühen 2K-Jahre mit dem Party-Feeling der Generation Z nach der Pandemie verbindet. Ihre von Sarkasmus, Witz und Charme geprägten Songs handeln von Selbstironie, Identität, Verwirrung, Liebe und Tod. Inspiriert von Künstlern wie den Strokes und My Chemical Romance schufen sie auf ihrem hochgelobten Debüt 'Bubblegum Emo' (2022) mit dem Szene-Hit 'Shut Me Up' ihren ganz eigenen Sound. Auf dem neuen Album 'Hemma' wenden Tribe Friday ihre verbesserten Songwriting- und Produktionsfähigkeiten an, um im Indie-Rock-Sound über einige der traurigsten, aber auch ehrlichsten Geschichten über das Erwachsenwerden nachzudenken.

Als Progressive Metal getarnt verdrehen The Hirsch Effekt auf ihrem sechsten Langspieler "Urian" wieder die Gewohnheiten. Das neue Album taucht musikalisch tief in die immer aufdringlicher werdende Ambivalenz aus Krisen und Alltag ein. "Urian" wird der ungebetene Gast genannt, dessen Begegnung meist ziemlich unerwünscht ist. Eine knappe Stunde fesselt es dich klanglich und weist mit einer hinterlistigen Umarmung geschickt auf all den schief gewickelten Mist hin!
"Urian" nimmt sich Zeit, lässt uns zwischen kraftvollem Dauerprasseln atmen und Luftholen. Harte Ansätze vor atmosphärischen Collagen - mal einfühlsam-akustisch, mit ausgefeilten Gesängen und groovigen Passagen - bis dir Urian wieder derb in die Seite prügelt. Deutlich weniger konzeptuell als das 2020er Album "Kollaps" ist es dennoch eine absolute Weiterentwicklung. Textliche Chiffren wirken intimer, Bezüge und Verweise liegen scheinbar klar auf der Hand. So werden sozialpolitische Themen besprochen, bei denen die Musiker sich selbst und die derzeitigen Entwicklungen kritisch hinterfragen. Neben Bots, die sich in Insta-Kommentaren demokratie-zersetzend in menschliche Köpfe einnisten, geben THE denen eine Stimme, die keine haben oder denjenigen, auf die all das schöne Leben noch wartet. Aus diesem zwar dystopischen, allerdings klaren Welt- und Werteverständnis erwächst eine gesittete Hoffnung, dank der "Urian" noch zum Tee verweilen darf.

Die norwegische Metalcore-Band verbindet Genres und überschreitet mit ihrem einzigartigen Sound Grenzen, erntet internationales Lob und festigt ihre Position als Pionier im norwegischen Metalcore. Bekannt für ihren experimentellen Ansatz und die Verschmelzung von klassischem Metalcore mit urbanen Elementen, hat sich ATENA als eine ernst zu nehmende Kraft im Genre etabliert. 'Subway Anthem', das mit Spannung erwartete neue Album von ATENA, wird vom renommierten schwedischen Produzenten Henrik Udd (Bring Me The Horizon, Architects oder Imminence) gemischt und gemastert. Das Album verspricht, die Grenzen ihres Genres noch weiter zu verschieben und die Fans mit furchtloser musikalischer (Neu-)Erkundung zu fesseln. Zusätzlich zur bevorstehenden Albumveröffentlichung bereitet sich ATENA auf eine spannende Herbsttour 2023 vor, bei der sie ihre elektrisierenden Live-Auftritte dem Publikum in ganz Europa präsentieren. Ihre Single 'Subway Anthem' hat bereits große Anerkennung gefunden.

The DIAMOND DOGS ladies and gentlemen!
One of the world's finest pure rock & roll bands, still doing it just how they please, sounding better than ever.
New record "About The Hardest Nut To Crack" was recorded live. 12 brilliant tracks, all mixed/produced/written and arranged from scratch at Strawberry Studios over eight days in the early spring of 2023. It's a hell of a statement!

Sound Like: The Faces, Rod Stewart, Ronnie Lane, Ronnie Wood, J Geils Band.

"The Flying Guillotine 2" is the bloody sequel to Serenace's first appearance on Shaw Cuts in 2019, continuing the head-lopping violence with a group of freedom fighters lead by the heroic Ma Teng battling against the evil despot Emperor Yung and his reign of terror.

Teng has developed a protective device, similar to a spiky metal umbrella, that allows him to defend against the deadly flying guillotine attacks of the violent regime. "Current", its bombastic drum patterns, razor-sharp synth waves and vicious vibe strengthens the rebels to resist the brutal assaults.

But the Emperor immediately reacts, creating a double flying guillotine to counter Ma Teng's iron umbrella and the rebel union is left defenseless again. "Aiming From A Distance", a vivid breakbeat cut combining rolling percussion, arpeggiated synth chords and sirens from hell, raises the rebels' hopes to give them another answer.

Secret insurgent Na Lan infiltrates the Emperor's inner circle by gaining his trust with a group of female warriors whom he allows to train with the flying guillotine palace guards. However, Na Lan only wants to steal the plans of the improved weapon and deliver it to the rebel squad, in order to devise another counteracting force. With the crisp bassline and the energy-filled breaks of "Test 21", the rebels can gain an insight into the elaborated guillotine and find a possible way to defeat it.

Farron's profound techno version of "Current" brings in the necessary tension for the final showdown. The improved double flying guillotine VS a new secret defensive system. Will the rebels be able to team up and defeat the tyrant once and for all? No matter what happens, the saga continues.

Paolo Mosca makes intricate, multi-layered electronic music. Inspired by the early club sound pushed by the pioneers from his home region Veneto, he fuses house, trance and ambient - and moves forward. The Metaphysics EP displays the artist's passion and ingenuity, unfolding technical skill that makes clear his studio clock is set to 2023 and not 1993. On "Luciddreams" a statically charged beat and organ bass work up a groove. Accompanied by a misty pad and a slow, pensive arpeggiator, it pulses towards the break: there an acid line emerges, finds its spot in the mix, and refuels the track. "Energia" draws from a bolder, more euphoric range. Hand drums, a glittering lead and airy yet restrained chords float soaked in reverb and delay. A lean bass sequence tightly keeps the rhythm as flanged claps and subtly positioned sweeps create extra movement. The second side's opener, "Under the sea" features a formant filter lead meandering within the sweaty framework of heavily gated choir pads and a frugal bassline that eventually gets layered with an M1. Modulated vocals and strokes of additional melody ensure the stereo field again gets used to its full capacity. "Acqua" is a fitting coda. Some familiar patches are deployed over a tumbling beat that takes charge of the pace from the get-go. The palette might seem bright and blissful, but as always, the track's latticework contains enough contrast for a slight feeling of melancholy to keep simmering beneath. Mosca cited his meditation routine, how it helps him materialize ideas and thoughts, as a main drive upon finishing this record. The Metaphysics EP is a ruminative work. Comprised of four explorations in deftly manipulating energy with due attention to balance and momentum, it easily flows between genres, details darting in and out, showing the artist's understanding of composition and dance music history. It is a deep-dive selection of club-oriented cuts we are excited to release on Altered Circuits.

Daptone bzw Soul/R&B/Reggae Fans dürfen sich freuen! Victor Axelrod, legendärer Produzent, Arrangeur, Aufnahme- und Mischtechniker, sowohl als auch Keyboarder hat bereits über mehr als zwei Jahrzehnte diverse Veröffentlichungen des New Yorker Labels veredelt.

Mit 'If You Ask Me To...' erscheint nun die erste LP unter seinem Namen für das Label - eine exzellente Sammlung an Singles, die zwischen 2007 und 2023 veröffentlicht wurden, sowie unveröffentlichten Tracks von Sugar Minott und Binky Griptite. Der Ursprung des Albums liegt in einer Anfrage von Daptone nach einem Sharon Jones-Remix (2007), aus dem die Reggae-Version von 'How Long Do I Have To Wait For You?' hervorging. Dies öffnete die Tür zu weiteren Erkundungen von Reggae/Soul-Synergien innerhalb des Katalogs und bestätigte die musikalische und kulturelle Verbindung zwischen Daptones 'Kern-Soul-Sound' und Axelrods Leidenschaft für jamaikanische Musik. Dank Axelrods außergewöhnlichem Geschmack und den bemerkenswerten Beiträgen des Gitarristen Tom Brenneck, Originalbändern aus Bob & Genes MoDo-Diskografie, Mitgliedern von The Frightnrs u.a. aus der New Yorker Reggae-Community wird das Vermächtnis bahnbrechender jamaikanischer Künstler wie Alton Ellis, Tony Gregory und Ken Parker weiterleben und eine ganz neue Generation von Reggae- und Soul-Fans inspirieren.

Curve were an English alternative rock and electronic music duo from London, formed in 1990 and split in 2005. The band consisted of Toni Halliday (vocals, occasionally guitar) and Dean Garcia (bass, guitar, drums, programming). Halliday wrote the lyrics of their songs and they both contributed to songwriting. Producer Alan Moulder was a prominent collaborator who helped shape their blend of heavy beats and densely layered guitar tracks set against Halliday's vocals.

Doppelgänger is their debut studio album from 1992 and is a continuation of the musical idiom established by the group on its three earlier EPs. Doppelgänger combines elements of dance music and alternative rock with the reverb-laden and distortion-heavy stylings of shoegaze. The album reached No. 11 in the UK Albums Chart and spawned the two singles "Faît Accompli" and "Horror Head".

Doppelgänger is available as a limited edition of 2500 individually numbered copies on translucent orange marbled vinyl and includes an insert.

It’s been a few years since Captain Mustache took a ride with Kompakt – 2021, to be exact, when he released the “Everything” single, and subsequently made an appearance on that year’s entry in the Total series. But this visionary French producer has been busy, indeed fiercely productive, ever since, appearing on Helena Hauff’s Return To Disorder and John Digweed’s Bedrock, collaborating with Dave Clarke, Popof, The Advent, Paris The Black Fu, Keith Tucker from AUX88... and two beautifully eloquent albums, Tourbillon Nocturne and Indigo Memories. But with The Super Album, Captain Mustache returns to Kompakt with his most sublime collection yet. On The Super Album, the Captain soundtracks an imagined “whole day for party people.” He welcomes friends old and new on board: opening with the poetic club banger of “About Love”, with guest appearance from Speakwave (aka dynArec), The Super Album shifts gears into the lush, sunny “Shifting Basslines”, where Captain Mustache’s pulsing electro-disco is the perfect fit for a third collaboration with electroclash pioneers Chicks on Speed. After the deep techno pulsations of “Laser Me” and the glitzy pop shine of “Gimme Ya Mustache”, more guests arrive: Arnaud Rebotini of Black Strobe on the slinky “I Love Watching U”, and then a spoken cameo from the truly legendary French disco diva Amanda Lear on “Mustache Of The Universe”, a glitzy glitterball of a song that’s shrouded in ghostly synths. All those tracks appear on the 12” version of The Super Album – download the digital version and you get six more slices of Mustache magic. Here, the narrative turns more insular, more dancefloor focused – the party people have moved through the daytime and they’re in their element, diving deep into the night-time economy. The album spirals, beautifully, into stark electro, driving techno, with great moments of beauty and melancholy – see the pointillist arpeggios of “Everything” (which features Play Paul), the disco stomp of “Acapulco Citron”, and a breath-taking double-bill of stripped back psychedelic electro on “Pulsions Organiques”, and the layered, luscious, swooning “Clair-Obscur”. From there, it’s an astral glide into the Dopplereffekt-ish “Galaxian Symbiosis” before Foremost Poets join Captain Mustache to wave the night goodbye with the brittle, brilliant “Floorwax”. It’s a day in the life, but all in service to the pleasures of nightlife; the dancefloor is The Super Album’s beacon, your body the pliable material moulded into evocative new shapes by this dense, hypnotic, brilliantly pop album.

Black Truffle is pleased to announce Tender Membranes, the label’s first release from Swedish-Finnish sound artist and electro-acoustic composer Marja Ahti. Active for a decade in the Finnish underground music scene, in recent years Ahti has developed a distinctive approach to patiently unfolding electro-acoustic constructions, documented on a string of solo releases and collaborative projects with Judith Hamann and her husband Niko-Matti Ahti. Working with concrete and instrumental sounds, field recordings, and electronics, Ahti favours neither disjunctive collage nor monolithic consistency; rather, her work is composed of organically unfolding sequences of details and textures, which, as she says, ‘can stretch out or cut fast as long as they have a sense of inner stillness’, a sense that she connects to moments of heightened attention in everyday life. Tender Membranes consists of four lengthy pieces, partly inspired by the image of the senses and mind as membranes allowing for the passage between inner and outer spaces, sensation and its causes, creating a world. Ahti’s unhurried pacing encourages this sense of listening as an opening or surrender to sound, which can often create the impression that the listener is moving through a space zooming in on details. The opening Shrine (Aether) exemplifies this aspect of Ahti’s approach: a bell clears the air with a single long tone, followed by the ambience of outdoor spaces, crackling electronics, an archival recording of a horsefly on a windowpane. Dozens of these moments, varying in length, density, and intensity, move past the listener’s attention, momentarily brought into focus then slipping away. Like those of the masters of the French musique concrète tradition, Ahti’s sounds are not often recognisable, though they might suggest proximity or distance, open environments or closed spaces, the urban or rural, day or night. In Ahti’s work, we do not encounter spectacular metamorphoses à la Parmegiani but rather a state of ambiguity where the listener is often unsure what is organic and what is inorganic, where the careful productions of the synthesizer might end and sounds discovered in the environment begin. What Ahti calls her ‘poetic way of experiencing and organising the familiar and the unfamiliar’ is sustained throughout Tender Membranes, but each piece has its own character. On Dust / Light, human presence is more overt, as what appear to be whispers, singing, and distant speech thread between high frequencies, untraceable drips and pops, and metallic shimmers. In all this there is a melody that you can sing and to which you may dance makes more prominent use of musical instruments, gaining a sombre beauty from half-buried piano chords and organ tones. On the closing Oh Fragrant Witness, a delicate cloud of subtly bending pitches is repeatedly disrupted by a resounding, almost ominous mass of low tones, at once a strange detour from much of what has gone before and an almost classical finale. Arriving in a sleeve reproducing contemporary Finnish photographer Sini Pelkki’s fragmented visions of the everyday, Tender Membranes is a balm to reawaken tired ears.

Mit einer #1 in den UK-Vinyl-Single-Charts und der Ankündigung ihres vierten Albums festigen JOHN 2023 ihren Ruf als kompromisslose Post-Hardcore-Kraft. Mit Barry Adamson (The Bad Seeds, Magazine) und dem preisgekrönten Schauspieler Simon Pegg als Gäste vereint 'A Life Diagrammatic' Schlagkraft und Intensität ihrer atemberaubenden Live-Shows mit den zunehmend strukturellen, cineastischen und expressiven Sensibilitäten der Band. Für die Abmischung wurde Seth Manchester (Big Brave, Battles, METZ) engagiert, während Frank Arkwright (Mogwai, Arab Strap, Squarepusher, Autechre) das Mastering in den legendären Abbey Road Studios übernahm. Das Ergebnis ist ein reichhaltiges und eindrucksvolles Hörerlebnis einer fesselnden und genreübergreifenden Band.

Chuwanaga proudly presents Jasual Cazz's inaugural album "Memory Guard". Delving into the heart of jazz fusion, the French trio bridges the nostalgia of bygone years and the avant-garde essence of tomorrow.

Memory Guard surely brings some flavours of the seventies and eighties era with their vintage synthesizers. "Better Before", the joyful "Double Comète" or even "Tell Tale" re-enact this legacy while keeping it always groovy and thoughtful.
But, as if plucked from the ethereal realm of dreams, "Tell Tale", "Mèches" or "Libellule" sound like hidden places, mysterious pieces of music and time where the memory moves forwards.
In the meantime, "Temple", "Jungle Meat" or "L'Arche" venture into modern sonic realms, embracing post-jungle influences that propel jazz into uncharted territories. Body and mind can now synchronize.

Painting an auditory landscape that unfolds in a myriad of hues and forms, Memory Guard really follows the inventiveness of the actual jazz scene but with the emotional intelligence of the French jazz-funk heritage.

Jasual Cazz is the brainchild of Theo Boero on bass, Pierre-Louis Vanier on keys, and Japhet Boristhene on drums, hailing from the vibrant city of Lyon, France.

ENG The new Will Toledo from Austria? - LAUNDROMAT CHICKS is the music project of TOBIAS HAMMERMÜLLER, who just turned 18 and still goes to school. He recorded most of the songs from his debut on Siluh Records by himself. Live he performs them with his band featuring Lena Pöttinger (drums), Theresa Strohmer (guitar, vocals) and Felix Schnabl (bass). Felix Schnabel, on the other hand, has his own garage punk project called SALAMIRECORDER, with Tobias playing bass. Musically, the whole thing sounds like an exquisite jingle-jangle indie/twee-pop sound. It almost seems like a lost album from early influential labels like Flying Nun, Cherry Red, Postcard Records. The songs from "Trouble" were mostly written at home, in the bedroom, in front of the TV and at his favorite spot at the movies. The basic mood of the songs is mostly melancholic, though that you can still cook or dance to, or listen to on the bus when you're on your way to going out with your friends. Tobias Hammermüller took inspiration from the indie rock sound of the 2010s (Snail Mail, Chastity Belt, The Babies, Best Coast, The Drums) and from many new wave hits (Aztec Camera, Psychedelic Furs, Echo and the Bunnymen, Prefab Sprout). The lines of text are largely based on quotes from films. He is particularly fond of the old strips by Éric Rohmer and Wim Wenders, and from New Hollywood/Nouvelle Vague movies, because they often deal with identity crises and escapism, just like his songs.

Oneohtrix Point Never aka Daniel Lopatin stellt sein neues Album AGAIN vor, das für ihn zum Teil 'eine spekulative Autobiografie' ist, eine Übertragung, ein gebannter Rückfluss digitaler Sprachen und Klangparanoia, dessen, woran man sich erinnert und was vergessen wird, alles präsentiert in der für OPN typisch melodischen Note. Ähnlich wie GARDEN OF DELETE aus 2015 entstand auch AGAIN als Zusammenarbeit zwischen Lopatins aktuellem und jüngerem Ich – diesmal als Meditation über seine musikalische Identität im jungen Erwachsenenalter aus der Perspektive des mittleren Alters. AGAIN folgt auf die zahlreichen von der Kritik gefeierten OPN Alben, die ihm renommierte Kollaborationen (The Weeknd, James Blake, Ishmael Butler, Charli XCX, Kelsey Lu, Iggy Pop, Rosalia) und Produktionsaufträge (Anohni, FKA Twigs, David Byrne, Ryuichi Sakamoto, Moses Sumney, Nine Inch Nails) einbrachten.

Die 2023er Deluxe-Edition des Daves East-Albums 'Book Of David' (2022) enthält neun neue Tracks und Kollaborationen von und mit Styles P, Millyz, Berner, B-Real, Katt Rockell und Derrick Millano, produziert von Dave East und seinem Team, darunter Buda & Grandz und Mike Kuz. BOD ist eine Hommage an einige der einflussreichsten Labels und Produzenten in der Hip-Hop-Geschichte, wie Bad Boy, Ruff Ryders, Roc-A-Fella, Wu-Tang Clan, Dipset und State Property und ein Muss für jeden Hip-Hop-Enthusiasten. Schwarzes Doppelvinyl.

Auf "Hunter Gatherer" aus dem Jahr 2020 verfeinerten dieSschweden von AVATAR ihren genreübergreifenden Angriff zu einer unbarmherzigen Salve moderner Metal-Meisterschaft. Angeführt von den Gassenhauern "God Of Sick Dreams" und "Silence In The Age Of Apes" trifft es härter als jedes andere AVATAR-Album und wurde schnell zu einer ihrer meistverkauften Veröffentlichungen.
Hunter Gatherer", ein Juwel in ihrer Karriere, ist nun erneut auf limitiertem Gate-Fold-Vinyl erhältlich.