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NEIL ARDLEY – KALEIDOSCOPE OF RAINBOWS The Definitive 2LP Reissue of a Landmark in British Jazz Fusion
Analogue October Records proudly presents the long-awaited reissue of Kaleidoscope of Rainbows, Neil Ardley’s 1976 masterpiece, originally released on Gull Records. Produced by Neil Ardley and recorded at London’s famed Morgan Studios, the sessions were engineered and mixed by Martin Levan, capturing one of the most ambitious and beloved works in British jazz. Following the acclaimed reissues of Courtney Pine’s Journey to the Urge Within (AOR-001-ST) and Neil Ardley’s Harmony of the Spheres (AOR-002-ST)—both praised by the audiophile press including The Tracking Angle—this third release confirms Analogue October as one of today’s most meticulous and exciting reissue labels.
A Suite of Sound and Colour
Commissioned for the 1975 Camden Jazz Festival, Kaleidoscope of Rainbows is structured as a seven-part suite, each movement reflecting a colour of the spectrum. Ardley’s composition weaves together jazz improvisation, progressive rock energy, and orchestral elegance in one of the most imaginative British jazz recordings of the era. Featuring Ian Carr, Barbara Thompson, Tony Coe, Trevor Tomkins, and Geoff Castle, the album is a who’s who of the UK’s vibrant 1970s jazz scene.
Cut at Abbey Road, Pressed at Record Industry
For this definitive edition, Analogue October worked directly from the original Gull master tapes. Mastering was entrusted to Miles Showell at Abbey Road Studios, using his renowned half-speed process to extract every detail and dynamic from Ardley’s score. To give the music the headroom it deserves, the reissue has been expanded to a deluxe 2LP set, pressed on the highest-quality vinyl at Record Industry in Haarlem, Netherlands. The result is a presentation that finally does justice to the scope and brilliance of Ardley’s vision.
Deluxe Package – Restored from the Source
The artwork has been meticulously restored from the original film elements, ensuring a sleeve of unmatched vibrancy and fidelity. Inside, a 12-page booklet printed on heavyweight card features an in-depth essay on Neil Ardley and the making of Kaleidoscope of Rainbows, written by Jazzwise magazine editor Mike Flynn, alongside rare photographs from the period.
Curated and Produced by Craig Crane
As with every Analogue October release, Kaleidoscope of Rainbows has been curated and produced by label founder Craig Crane with a collector’s eye for detail and a deep respect for the music’s legacy. This reissue is not only the definitive vinyl edition of one of the great British jazz fusion albums—it also continues the label’s mission to restore and celebrate the most vital recordings of the era.
Neil Ardley’s Kaleidoscope of Rainbows—vivid, expansive, and timeless—returns as the essential edition for audiophiles and jazz lovers alike.
Retail-ready product description (short form):
Produced by Neil Ardley and recorded in 1976 at London’s Morgan Studios, engineered and mixed by Martin Levan, Kaleidoscope of Rainbows is a cornerstone of British jazz fusion. This definitive 2LP reissue, mastered at Abbey Road by Miles Showell from the original Gull master tapes and pressed at Record Industry (NL), finally gives the music the dynamic headroom it deserves. The deluxe edition includes restored artwork and a 12-page booklet featuring an in-depth essay by Jazzwise editor Mike Flynn.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Continuing in its series of Yoko Ono reissues, Secretly Canadian has announced that Ono’s seminal 1982 album It’s Alright (I See Rainbows) will be released August 28, 2026, in expanded CD and digital versions, and on vinyl for the first time in more than forty years, with expanded and enhanced artwork. Influenced equally by 1960s girl group vocals and 1980s synthesizer experimentation, It's Alright (I See Rainbows) is an album of “adventurous… lush… committed and convincing avant-gardism” (Rolling Stone). As Ono said in her 1992 Onobox liner notes, “It was ’82 and it seemed as though I was finally in sync with the world.” Vacillating from a widow’s never-truly-over grief, to the necessary uplift for an artist and mother to continue her life’s missions, tracks like “Loneliness” and “Spec of Dust” make way for poptimism via “Let the Tears Dry,” and title track “It’s Alright.” As Ono said of the album in 1983, “It’s like my diary that I went through… and I’m just saying, hey, I’ve got the same kind of emotions that you’ve probably got too, and here I am saying hello… Around December 8th or whatever, I was feeling really heavy and feeling sort of down, you know… and then, side two, it’s all right… It was Sean Lennon who says, ‘Wake up, wake up, mommy.’ Like an angel that came and said, ‘Wake up!’… Wake up and dream love, and let the tears dry and I see rainbows. And sort of I’m saying all that. In result of Sean waking me up, see?” Lennon, speaking of his mother in a more recent interview with NPR in 2025, “She would say that energy is just energy, so you can turn it into anything you like. And she always said that she would take that negative energy and turn it into something productive and creative… It never stopped her from creating and putting herself out there, and I really think that it paid off… You never know how long it'll take for people to appreciate you if you just kind of hang on and don't give up.”

Kyung Wha Chungs Debütalbum, eine Kombination der Violinkonzerte von Sibelius und Tschaikowski, gilt
seit über 50 Jahren weithin als Meilenstein. Bei seiner Veröffentlichung erhielt es eine begeisterte Kritik
vom damaligen Chefkritiker des „Gramophone“, Edward Greenfield, und wurde in der Sendung „Building
a Library“ von BBC Radio 3 zur Top-Empfehlung gekürt. Das London Symphony Orchestra unter André
Previn sind kongeniale Partner der großen koreanischen Violinistin.
Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und von Sidney C. Meyer in den renommierten EmilBerliner-Studios unter Verwendung ihrer 100 % rein analogen Techniken (AAA) geschnitten. Es werden
ausschließlich analoge Quellen aus den originalen Stereo- und Quadrophonie-Masterbändern verwendet,
darunter auch kürzlich entdeckte analoge Master von frühen Digitalaufnahmen.
Diese in Deutschland bei der Schallplattenfabrik Pallas auf 180 g Virgin-Vinyl gepressten Deluxe-GatefoldVeröffentlichungen in limitierter Auflage enthalten: das Original-Artwork und Liner Notes; Archivfotos und
Faksimiles der Original-Aufnahmeblätter. Jede einzelne Veröffentlichung enthält individuelle Anmerkungen
von Dominic Fyfe, in denen die Geschichte der Aufnahme, der technische Hintergrund und der MasteringProzess detailliert beschrieben werden

Set sail for the next leg of the journey! Diggers Factory is thrilled to present the One Piece: Into the Grand Line (Soundtrack from the Netflix Series) Deluxe Vinyl Boxset.

Following the Straw Hat Crew as they finally move Into the Grand Line, the soundtrack captures the epic, high-seas energy of the hit series. Composed by the powerhouse duo Sonya Belousova & Giona Ostinelli, the score blends orchestral scale with pirate folk-rock grit, now pressed on stunning colored wax.
Whether you're dodging Baroque Works or looking for a giant whale, this box set is the ultimate treasure for any Straw Hat at heart.
2LP Black Audiophile Vinyl: Two black vinyl representing the fiery spirit of adventure and the deep mysteries of the Grand Line.
Custom Die-Cut Jackets: Two single jackets featuring a central die-cut hole that reveals the beautiful map-work of the inner labels.
16-Page Booklet: A deep dive into the production with exclusive set stills and behind-the-scenes imagery from Season 2.
Double-Sided Poster (20" x 27"): Choose your vibe with the cinematic group shot of the crew or the iconic "Grand Adventure Awaits" sunset art.
6 Exclusive Postcards: Vintage-style travel postcards from legendary stops like Loguetown, Little Garden, and Drum Island.
Sticker Board: A collection of high-quality stickers including Laboon, the Going Merry, and Luffy's legendary $30,000,000 Wanted Poster.
Collector's Box: All contents are housed in a premium, wooden-textured outer box.
Netflix's epic high-seas pirate adventure, ONE PIECE, returns for Season 2-unleashing fiercer adversaries and the most perilous quests yet. Luffy and the Straw Hats set sail for the extraordinary Grand Line-a legendary stretch of sea where danger and wonder await at every turn. As they journey through this unpredictable realm in search of the world's greatest treasure, they'll encounter bizarre islands and a host of formidable new enemies.

505 Games und Laced Records präsentieren die mitreißende Musik von „WUCHANG: Fallen Feathers“ auf Doppel-Vinyl.

Die gesamte Musik wurde von Joe Caithness speziell für Vinyl gemastert. Das Gatefold-Cover ziert ein Artwork des Entwicklers Leenzee, das den Protagonisten Bai Wuchang darstellt.

Die Handlung spielt im Land Shu während der Ming-Dynastie, und die Filmmusik spiegelt eine Welt wider, die von kriegführenden Fraktionen, einer mysteriösen Krankheit und monströsen Kreaturen heimgesucht wird. Die Musik fängt die feierliche Schönheit der Landschaft und die darunter lauernde Furcht ein und verbindet traditionelle chinesische Instrumente und kraftvolle Gesangsdarbietungen mit grandiosen Orchesterarrangements und unheilvollen Gesangseinlagen.

Zusammen bilden Musik und Artwork ein Werk, das sich zugleich elegant und unheilvoll anfühlt – ein Artefakt, das der untergegangenen Dynastie, die es repräsentiert, würdig ist.

„Ein bisschen Frieden“, „Flieg nicht so hoch, mein kleiner Freund“, „Papillon“, „Ein leises Lied“, „Mit dir vielleicht“, „Allein in Griechenland“ oder „Ich bin zurück“. Diese Hits von Nicole kennt wohl jeder und kann jeder mitsingen.

Nicole ist die die Grande Dame der deutschen Popschlagerszene, seit vielen Jahren auf den größten, schillerndsten Bühnen unterwegs. Aber sie liebt auch die Zurückgezogenheit, um als klassische Singer-Songwriterin an ihrer Musik zu arbeiten. Sie schafft es ehrliche Einsichten und pures Gefühl, in bewegende Songs zu übersetzen, die gerade durch diesen Tiefgang so faszinierend und zeitlos sind.

Vor allem bleibt sie sich treu und weiß ihren unverkennbaren Sound immer wieder ganz behutsam neu und weiter zu denken: Unaufgeregt und immer absolut nah am eigenen Leben, gewährt sie Einblicke in ihr Leben und ihre Weltsicht - passend zu Ihrem schweren Kampf gegen die Krankheit. Sie möchte Mut machen und zeigen, dass es sich lohnt zu kämpfen, auch gegen eine scheinbar nicht zu besiegende Krankheit.

„Ein bisschen Frieden“ bescherte Nicole Millionenverkäufe und Top-Platzierungen in ganz Europa. In den vier Jahrzehnten, die seit diesen ersten Sensationserfolgen der Euro-Gold-Single vergangen sind, folgten zwei Dutzend weitere Longplayer, für die sie gleich 11 Goldene Stimmgabeln sowie 17-mal den ersten Platz bei der ZDF-Hitparade gewann. Auf die Zweitplatzierung beim World Popular Song Festival in Tokio (1983) folgten zudem ein ECHO-Pop in den Neunzigern, mehrfach die Goldene Europa und 2017 der smago! Award.


2024 feierte Nicole Ihren 60. Geburtstag und setzte diesen Trend fort. Das Album „Carpe Diem“ gilt als eines ihrer Besten und wurde mit einem Chart-Eintritt gekürt.

Stillstand hat es für Nicole nie gegeben – auch 2026, nach 45 Jahren auf der Bühne, nicht. Bereits die erste Single „Ich will mehr“ machte deutlich, wohin die Reise geht: nach vorne. Mit ihrem neuen Album „Meine Schätze“ blickt Nicole auf ihre außergewöhnliche Karriere zurück und setzt gleichzeitig ein kraftvolles Zeichen für Aufbruch, neue Wege und echte Lebensfreude.

„Meine Schätze“ produziert von ihrem kongenialen Produzententeam – Achim Meier, Zoran Grujovski und Jens Carstens, ist dabei kein klassisches Best-of-Album. Stattdessen hat Nicole ganz persönliche Songperlen aus 45 Jahren ausgewählt – Lieder, die sie geprägt, begleitet und inspiriert haben. Dazu gehört auch ihre gefühlvolle Interpretation des Don-McLean-Klassikers „And I Love You So“.
Teilweise neu arrangierte Akustikversionen verleihen den Songs eine besondere Intensität und zeigen ihre emotionale Tiefe ebenso wie ihre zeitlose Kraft. Gemeinsam mit musikalischen Weggefährten und Freunden wie Heinz Rudolf Kunze, John Kelly, Johnny Logan, Nino de Angelo und Mickie Krause entstand ein Album, das Mut macht, nach vorne zu blicken und das Leben bewusst zu genießen. Diese positive Energie trägt Nicole mit ihrer unverwechselbaren Stimme – kraftvoll, klar und berührend wie selten zuvor. Eine Nicole, die viele überraschen wird.

Die Botschaften der Songs haben auch nach 45 Jahren nichts von ihrer Aktualität verloren. Sie stehen für Hoffnung, Zuversicht und die Überzeugung, dass gute Musik Generationen verbindet.

Musikalisch präsentiert sich „Meine Schätze“ in einem modernen, frischen Soundgewand. Gefühlvolle Streicher des F.A.M.E.'S. Skopje Studio Orchestra treffen auf einen atmosphärischen Mix aus Folk, Pop und Schlager – eingängig, emotional und voller Tiefe. Ein Klangbild, das bewegt und lange nachhallt.
Besonders bemerkenswert: Die Produktion setzt bewusst auf echte, handgemachte Musik. Statt künstlicher Intelligenz stehen hier authentische Musikerinnen und Musiker, echte Instrumente und ehrliches musikalisches Handwerk im Mittelpunkt – ein klares Bekenntnis zu Qualität, Leidenschaft und echter Emotion.

Product Text:

When we go searching for a Black avant-garde, we have to be prepared to look in unexpected places. The route to a Black avant-garde involves walking down – what some might consider – peculiar highways. Where they see strangeness, a road leading them nowhere, we see nothing but beauty. The paths Darren Cunningham went down, the highways he took to make Actress, are a chapter in the story of the Black avant-garde. Cunningham the footballer. Cunningham the Wulfrunian. Cunningham the ex-footballer. Cunningham the DJ. Cunningham the Londoner. Cunningham the producer. Cunningham the painter. Cunningham the writer. Cunningham the composer. This is where the Black avant-garde in Britain is made. This is where you have to go to find it.

Across an expansive discography of more than ten LPs, Actress has created his own arcane language of hermetic references and inter-dimensional electronic composition.

Radical Frame arrives 18 years since debut album Hazyville, and it feels like an apotheosis. The image realised. We get the full gamut of Actress signatures. Short bursts of broken down music. Tiny sketches of zoomed-in sound. Refracted dance floor heat. And we get more.

Perhaps Radical Frame is a container for everything that Cunningham has built so far. A frame he is handing over to the next in line. The next artist to make their own way in the Black British avant-garde.



Wenn wir nach einer schwarzen Avantgarde suchen, müssen wir bereit sein, an unerwarteten Orten zu suchen. Der Weg zu einer schwarzen Avantgarde führt - wie manche finden mögen - über ungewöhnliche Pfade: wo sie Fremdheit sehen, einem Weg, der nirgendwohin führt, sehen wir nichts als Schönheit. Die Wege, die Darren Cunningham beschritt, die Highways, die er befuhr, um Actress zu erschaffen, sind ein Kapitel in der Geschichte der schwarzen Avantgarde. Cunningham, der Fußballer. Cunningham, der Wulfrunianer (Anm.: Einwohner von Wolverhampton). Cunningham, der Ex-Fußballer. Cunningham, der DJ. Cunningham, der Londoner. Cunningham, der Produzent. Cunningham, der Maler. Cunningham, der Schriftsteller. Cunningham, der Komponist. Hier entsteht die schwarze Avantgarde in Großbritannien. Hier muss man hingehen, um sie zu finden.

In einer umfangreichen Diskografie von mehr als zehn Alben hat Actress seine eigene, geheimnisvolle Sprache aus hermetischen Referenzen und interdimensionalen elektronischen Kompositionen geschaffen.

„Radical Frame” erscheint 18 Jahre nach seinem Debütalbum, „Hazyville”, und fühlt sich wie eine Apotheose an: das Bild ist vollendet. Wir bekommen die ganze Bandbreite von Actress' Markenzeichen zu hören: Kurze Ausbrüche reduzierter Musik, winzige Skizzen von vergrößertem Klang.

Vielleicht ist „Radical Frame“ ein Gefäß für all das, was Cunningham bisher geschaffen hat. Ein Rahmen, den er an den Nächsten weitergibt. An die nächsten Künstler:innen, die seinen eigenen Weg in der britischen Avantgarde der Schwarz.

Product Text:

When we go searching for a Black avant-garde, we have to be prepared to look in unexpected places. The route to a Black avant-garde involves walking down – what some might consider – peculiar highways. Where they see strangeness, a road leading them nowhere, we see nothing but beauty. The paths Darren Cunningham went down, the highways he took to make Actress, are a chapter in the story of the Black avant-garde. Cunningham the footballer. Cunningham the Wulfrunian. Cunningham the ex-footballer. Cunningham the DJ. Cunningham the Londoner. Cunningham the producer. Cunningham the painter. Cunningham the writer. Cunningham the composer. This is where the Black avant-garde in Britain is made. This is where you have to go to find it.

Across an expansive discography of more than ten LPs, Actress has created his own arcane language of hermetic references and inter-dimensional electronic composition.

Radical Frame arrives 18 years since debut album Hazyville, and it feels like an apotheosis. The image realised. We get the full gamut of Actress signatures. Short bursts of broken down music. Tiny sketches of zoomed-in sound. Refracted dance floor heat. And we get more.

Perhaps Radical Frame is a container for everything that Cunningham has built so far. A frame he is handing over to the next in line. The next artist to make their own way in the Black British avant-garde.



Wenn wir nach einer schwarzen Avantgarde suchen, müssen wir bereit sein, an unerwarteten Orten zu suchen. Der Weg zu einer schwarzen Avantgarde führt - wie manche finden mögen - über ungewöhnliche Pfade: wo sie Fremdheit sehen, einem Weg, der nirgendwohin führt, sehen wir nichts als Schönheit. Die Wege, die Darren Cunningham beschritt, die Highways, die er befuhr, um Actress zu erschaffen, sind ein Kapitel in der Geschichte der schwarzen Avantgarde. Cunningham, der Fußballer. Cunningham, der Wulfrunianer (Anm.: Einwohner von Wolverhampton). Cunningham, der Ex-Fußballer. Cunningham, der DJ. Cunningham, der Londoner. Cunningham, der Produzent. Cunningham, der Maler. Cunningham, der Schriftsteller. Cunningham, der Komponist. Hier entsteht die schwarze Avantgarde in Großbritannien. Hier muss man hingehen, um sie zu finden.

In einer umfangreichen Diskografie von mehr als zehn Alben hat Actress seine eigene, geheimnisvolle Sprache aus hermetischen Referenzen und interdimensionalen elektronischen Kompositionen geschaffen.

„Radical Frame” erscheint 18 Jahre nach seinem Debütalbum, „Hazyville”, und fühlt sich wie eine Apotheose an: das Bild ist vollendet. Wir bekommen die ganze Bandbreite von Actress' Markenzeichen zu hören: Kurze Ausbrüche reduzierter Musik, winzige Skizzen von vergrößertem Klang.

Vielleicht ist „Radical Frame“ ein Gefäß für all das, was Cunningham bisher geschaffen hat. Ein Rahmen, den er an den Nächsten weitergibt. An die nächsten Künstler:innen, die seinen eigenen Weg in der britischen Avantgarde der Schwarz.

The record is largely sung in Scots language, one of Scotland’s three official languages along with Gaelic and English. “Scots gives me a way of expressing myself which is connected directly with the landscapes I love. It brings the songs alive and it is a fascinating language. The name of the record is in Scots - Forefowk means the people who came before, or ancestors. When we say ‘mind me,’ we can mean a few things- remind, remember, watch over or care for me. The record explores how tradition needs to be constantly reconnected with, built upon, looked after, and shared.”
Quinie sings with a style inspired by Scottish Traveller singers. “I began singing unaccompanied Scots Song in 2015 after hearing Scots Traveller singer Sheila Stewart on the radio. Initially I felt like I shouldn't sing these songs because I'm not a Traveller, and I saw people around me doing that in a way that made me uncomfortable. But on the other hand this music made sense to me and I felt driven to learn. Over the years I have met Traveller friends who taught me that settled people sharing these songs could contribute to raising awareness. Scottish Travellers are marginalised and discriminated against in modern Scotland, despite being custodians of so many of our important traditions. So I started to perform them and tell this story. From there I built on my repertoire and started writing my own songs”.
To develop this record, Quinie travelled across Argyll with her horse. They went on a pilgrimage of sorts through the ancient landscapes of the West of Scotland to explore the interconnected relationships between people, ancestors, animals, and place. The album’s vinyl release is accompanied by a book and film, documenting this unusual research process.
Forefowk, Mind Me was recorded in August 2024 at The Big Shed in Highland Perthshire with support from Creative Scotland. Quinie is accompanied by an ensemble of musicians: Ailbhe Nic Oireachtaigh (viola), Oliver Pitt (duduk, bouzouki, percussion), Harry Górski-Brown (small pipes, violin), and Stevie Jones (double bass, recording, and mixing). Each of these artists brings their own distinctive voice, bridging contemporary experimental practice with worlds of traditional and early music.

Das in den USA ansässige Trio ist seit 2013 aktiv und besteht aus Ryan Lott, Ian Chang und Rafiq Bhatia. Getragen von Neugier und der Suche nach einem Gleichgewicht zwischen roher emotionaler Intimität und akribischen elektronischen Kompositionen lässt sich Son Lux, wenn nötig, den Genres Experimental Rock, Post-Rock und Electronic Rock zuordnen.

Ihren ersten Durchbruch erlebten sie mit dem Titel „Easy“, einschließlich Alternativversionen von Woodkid (2013) und Lorde (2014). Nominiert für den Oscar® und den BAFTA in der Kategorie „Beste Originalmusik“ für Everything Everywhere All at Once (2022 – Daniel Kwan). Son Lux traten bei den Oscars anlässlich ihrer Nominierung für den besten Song gemeinsam mit David Byrne und Stephanie Hsu auf. Weitere Filmmusiken: „Thunderbolts“ (Marvel).
Im Jahr 2026 arbeitete Son Lux mit Poppy und Harmony Korine an einem neuen Song und Video für Bungie Studios „Marathon“ (Videospiel). Zahlreiche Synchronisierungen, darunter „The Vow“ (HBO), „Skins“ (UK) (E4), „Baby“ (Netflix), „Good Girls“ (NBC) und „American Horror Story“ (FX)...
Lott und seine Bandkollegen – Gitarrist Rafiq Bhatia und Percussionist Ian Chang – stürzten sich in das rhythmisch opulenteste und textlich eindringlichste Son-Lux-Album, das es bisher gab. In fast zwei Jahrzehnten hat sich Son Lux einen Ruf für Pracht und Schwung erworben, doch 'Out Into' ist etwas anderes: eine kraftvolle Suite aus greifbaren, detailverliebten Songs, die aus schillernden Momenten kollektiver Improvisation entstanden sind.

The Homesick sind ein abenteuerlustiges niederländisches Trio, das Stile wie Post-Punk, Krautrock, New Wave und experimentellen Pop mit furchtloser Neugier und Hingabe meisterhaft miteinander verschmilzt. Frei von Dogmen und doch rastlos romantisch, haben sich THE HOMESICK über mehrere Alben hinweg immer wieder neu erfunden - vom mitreißenden Debütalbum *Youth Hunt* bis hin zum barock angehauchten Durchbruchsalbum *The Big Exercise*, das bei Sub Pop erschien. Auf ihrem dritten, unabhängig veröffentlichten selbstbetitelten Album - entstanden in der Zeit nach der Pandemie - verschmolz das Trio sein breites Referenzspektrum zu einem schlankeren, pulsierenden Sound. Nun, auf ihrem vierten Album (und dem ersten bei Siluh Records), haben The Homesick in zehn Tracks ihre ganz eigene, höchst einfallsreiche und durchweg unterhaltsame Version von Clubmusik geschmiedet. Dabei schaffen sie einen mitreißenden Fluss zwischen den Stücken und pendeln mühelos zwischen der eingängigen, von City-Pop inspirierten Lead-Single ,Esperanto", dem von 808-Beats getragenen Herzschmerz-Song ,Policelessness" und der märchenhaften Disco-Nummer ,The Bees". Um diese funktionale und zugleich fantastische Tanz-Odyssee zu realisieren, holten sich The Homesick ein viertes Paar Ohren zur Unterstützung ins Boot. Der in Amsterdam ansässige Produzent und Künstler Rimer London - eine Schlüsselfigur sowohl im Mainstream als auch im Underground - verlieh dem Material seine eigene, markante und pop-orientierte Note, nachdem das Trio seine Tüfteleien im Studio abgeschlossen hatte. Dieser frische kreative Schub half der Band, sich an pop-geschukten Vorbildern zu orientieren, etwa beim sinnlichen ,Love off the Leash" oder dem wehmütigen West-Coast-Pop von ,Hey". Indem sie stärker auf clubbige, von den 80ern inspirierte Sounds setzten als auf den disharmonischen Post-Punk früherer Tage, ließ sich das Trio oft von einer Lawine aus Ideen mitreißen - so etwa beim treibenden Electro-Pop von ,Sway the Needy". Letztlich ging es darum, jedem Track einen ganz eigenen klanglichen Charakter zu verleihen: ,Humdrum" wagt die Nähe zu den Talking-Heads-Klassikern, während der hektische Dub von ,Street Cyst" in unwiderstehliche Hyperpop-Anleihen mündet. Ihren Ruf als eigenwillige Scenesters untermauern The Homesick zudem mit dem mitreißenden Synth-Pop-Marsch ,Horse Alone". Und eines ist sicher - es gibt noch weitaus mehr eklektische Grandezza auf "What's Up With All These Shangri-Las" zu entdecken. Lass The Homesick der Soundtrack zu deinen offenen Fragen sein - es lohnt sich wirklich.

The Homesick sind ein abenteuerlustiges niederländisches Trio, das Stile wie Post-Punk, Krautrock, New Wave und experimentellen Pop mit furchtloser Neugier und Hingabe meisterhaft miteinander verschmilzt. Frei von Dogmen und doch rastlos romantisch, haben sich THE HOMESICK über mehrere Alben hinweg immer wieder neu erfunden - vom mitreißenden Debütalbum *Youth Hunt* bis hin zum barock angehauchten Durchbruchsalbum *The Big Exercise*, das bei Sub Pop erschien. Auf ihrem dritten, unabhängig veröffentlichten selbstbetitelten Album - entstanden in der Zeit nach der Pandemie - verschmolz das Trio sein breites Referenzspektrum zu einem schlankeren, pulsierenden Sound. Nun, auf ihrem vierten Album (und dem ersten bei Siluh Records), haben The Homesick in zehn Tracks ihre ganz eigene, höchst einfallsreiche und durchweg unterhaltsame Version von Clubmusik geschmiedet. Dabei schaffen sie einen mitreißenden Fluss zwischen den Stücken und pendeln mühelos zwischen der eingängigen, von City-Pop inspirierten Lead-Single ,Esperanto", dem von 808-Beats getragenen Herzschmerz-Song ,Policelessness" und der märchenhaften Disco-Nummer ,The Bees". Um diese funktionale und zugleich fantastische Tanz-Odyssee zu realisieren, holten sich The Homesick ein viertes Paar Ohren zur Unterstützung ins Boot. Der in Amsterdam ansässige Produzent und Künstler Rimer London - eine Schlüsselfigur sowohl im Mainstream als auch im Underground - verlieh dem Material seine eigene, markante und pop-orientierte Note, nachdem das Trio seine Tüfteleien im Studio abgeschlossen hatte. Dieser frische kreative Schub half der Band, sich an pop-geschukten Vorbildern zu orientieren, etwa beim sinnlichen ,Love off the Leash" oder dem wehmütigen West-Coast-Pop von ,Hey". Indem sie stärker auf clubbige, von den 80ern inspirierte Sounds setzten als auf den disharmonischen Post-Punk früherer Tage, ließ sich das Trio oft von einer Lawine aus Ideen mitreißen - so etwa beim treibenden Electro-Pop von ,Sway the Needy". Letztlich ging es darum, jedem Track einen ganz eigenen klanglichen Charakter zu verleihen: ,Humdrum" wagt die Nähe zu den Talking-Heads-Klassikern, während der hektische Dub von ,Street Cyst" in unwiderstehliche Hyperpop-Anleihen mündet. Ihren Ruf als eigenwillige Scenesters untermauern The Homesick zudem mit dem mitreißenden Synth-Pop-Marsch ,Horse Alone". Und eines ist sicher - es gibt noch weitaus mehr eklektische Grandezza auf "What's Up With All These Shangri-Las" zu entdecken. Lass The Homesick der Soundtrack zu deinen offenen Fragen sein - es lohnt sich wirklich.

Ipecac freut sich, Cor de Lux in der Familie willkommen zu heißen. Das Quartett aus North Carolina kreiert eine grenzenlose und lebendige Mischung aus Post-Hardcore, Shoegaze und experimentellem Gitarrenrock, die sich lebendig anfühlt und nicht hastig zusammengeschnitten wirkt. Sie lassen sich von Acts wie Fugazi und Blonde Redhead inspirieren und standen bereits mit Pile, Superchunk, Archers Of Loaf und anderen auf der Bühne. Das Quartett aus North Carolina hat seine Identität auf altmodische Weise aufgebaut: laute Proben, instinktive Zusammenarbeit und Live-Auftritte, die neugierige Einheimische zu treuen Anhängern machten. Sie haben einen eigenen Sound entwickelt, der in Spannung und Bewegung verwurzelt ist: die Dringlichkeit des Post-Hardcore, die Atmosphäre des Shoegaze und die Unberechenbarkeit des gitarrenorientierten Sounds. Das von J. Robbins produzierte Album vermittelt die Intensität der Live-Auftritte, ohne dabei an Schärfe einzubüßen.

You have to wonder why Railcard took so long to be born: their debut album feels like it should have been in your collection for years.


But it wasn’t until 2025 that Rachel Love (Dolly Mixture), Ian Button and Peter Momtchiloff (both Heavenly) met at a gig, realised that they were exactly the same age, and decided that this was an excellent reason to form a new band. The shared history, the same pop references, the parallel lives… Railcard had to happen, and there was no time to lose. Two Steps At A Time - the album title and theme song - express exactly how quickly Railcard have worked since then - jumping over pavement cracks and whistling past graveyards to get these songs written, recorded and released while they are still sweet and fresh.


The band released three digital EPs in early 2026, which were then gathered onto a CD and released by Skep Wax and Slumberland. They sold out very quickly. The critical response to a mail-order-only CD was far greater than anyone expected.


Railcard made their live debut in December 2025 and had by then recruited their fourth member: Allison Thomson (Trash Can Sinatras, The Love Band), whose flawless trumpet and swirly keyboard-playing complete the Railcard sound, allowing the band to fulfil the significant ambition and range of the songs, which are mostly co-written and often co-sung by Love and Button. “Flannelette” and “Sunday Sun”, delicate and swoony, could almost be Slapp Happy at their most Bacharach. “Foxy”, mysterious and charming, has more than a hint of Kate Bush December magic. The raucous duet “I’m A Disaster” is The Kinks meets deadpan Shangri-Las. The title track could have been an alternative theme tune for Whatever Happened To The Likely Lads. “Runaround” is like a school choir doing The Raincoats. “Unstable Neighbour” is mesmerising and insistent: it might make you think of Stereolab; we might imagine an indiepop Hawkwind. Peter Momtchiloff also contributes two wonderful songs on the album: the fragile and hallucinatory “Paper Thin” and the Love-meets-Undertones rush of “Hillman Minx”.


As with the first EPs, Railcard enlisted the sonic services of Medway psych expert Allan Crockford (of The Prisoners, James Taylor Quartet and many more) who has delivered mixes that pump with vintage valve energy and reverby depth.


Railcard have a string of UK dates through the summer and Autumn.

Brazilian artist Rubel isn’t one to be pigeonholed and typecast into staying in one sound. Casas, the follow-up to his debut album Pearl from 2015, brought a bigger, more epic, and richer production quality to the table. Fusing the worlds of MPB and hip hop, Rubel’s sophomore LP built on the momentum of its predecessor, gaining a Latin-Grammy nomination along the way. Mr Bongo is proud to be giving Casas its first worldwide release on vinyl and CD outside of Brazil and Japan.

The cliché they say is that the second album is always the trickiest; however, Rubel doesn’t seem to have had any problems on Casas. It’s a fountain of creativity and originality, marking an artist in full flow.

Conceived after Rubel spent six months living in Los Angeles, Casas is MPB-leaning at its core but is also driven by a hip hop inspired pulse. There is a clear influence from hip hop’s aesthetic across the 2010s woven subtly but fundamentally throughout. Nods to Frank Ocean, Kendrick Lamar and Tyler, The Creator can be heard across an album full of playful edge and personality. Luscious string-led arrangements and tracks that explore the rich folkloric rhythms of Brazil, sit next to songs with low-fi drum machines and features from acclaimed Brazilian rappers.

One of the highlights of the album, ‘Mantra’, starts with a traditional Brazilian rhythm that morphs into a hazy hip hop beat. A sublime song with a hooky call and response chorus, it features a guest appearance and verse by the Brazilian MC Emicida. Another highlight is the epic ‘Colégio’ (College) which further showcases the melding of stripped back drum machine beats with cinematic, sweeping arrangements. Elsewhere, ‘Partilhar’ is a swaying, heartwarming hug. A tale of longing and love that has become a singalong fan favourite at Rubel’s concerts.

Casas also shines a light on a string of key players in Brazil’s new vanguard, such as Pedro Fonte, Gus Levy, and Brazilian rapper / poet Rincon Sapiência to name a handful. The record has pop sensibilities yet also feels underground. It beats with the heart of a singer-songwriter, a feeling that was felt so strongly on Pearl, yet this time is bolstered by a level of arrangement and richness of sound that take it to another dimension - soaring horn and string sections elevating the songs from home recording to stadium-ready anthems. Keeping that intrinsic beauty and simplicity of a well-constructed song yet reframing it within a pop context is the true gift of this album.

Casas cemented Rubel’s status as one of Brazil’s leading contemporary talents and a key figure enriching the country’s already effervescent scene.

Shaped in the shadows and sounds of the legendary Topanga Canyon, California. The debut album from Biita Houdei is buoyed by a magic that feels wildly and beautifully untamed; wild-hearted sentiments that are shaped by the world around it, fascinated by the enchantment of it all, and delivered via a collective (harmony layered) voice that understands the complex nature of what it means to be alive in the here and now.

Produced by Haley Heynderickx, 'This Bed Was Made For Me' is a striking collection of stirring, signature folk songs animated by subtle instrumentation and orchestral flourishes. It feels lived in: vocals weave together in a beautiful harmonic dance, seasons shift, sunshine appears and bold psychedelic colours warm the horizon.

In the early stages of making her debut album, Biita Houdei knew two things: that she wanted the recordings to feel distinctly and palpably warm, and that she would sew a unique patch for every song on the album. The first of those things is subjective, though brightness pours in from all corners of This Bed Was Made For Me. The second became a laborious task she undertook throughout the process, the completion of which is testament to the slow process of it all, to the physical commitment and patience required to make a full work of art.

The patches she crafted during the making of This Bed Was Made For Me became a full quilt, one that now adorns the album’s front cover. Beneath it sits a striking collection of Houdei’s stirring, signature folk songs, brought into fruition with the help of fellow songwriter Haley Heynderickx, in her first lead production role, and the album’s producer/engineer Sahil Ansari. It’s also the first release Biita (pronounced “bee-tah”) is releasing under her newly-taken name, one that was gifted to her by her auntie and means "unique" in the Farsi language. “I proudly take this name,” Biita says of the change. “It makes me feel that much closer to my Persian heritage.”

Recorded across ten back-to-back and full days, the album touches on themes of love and heritage, of taking chances, the preciousness of time and the impact we all have on the world around us. A number of the songs were written in Topanga, California, while Biita settled into a new home as wild fires raged, and as she adjusted to a life which no longer held distinct seasonal changes, far from the Ozark Mountain home she felt so attached to. Such themes reveal themselves in a variety of ways across the album’s fourteen songs, that key sense of warmth retained in the bones of the album whether they are stepping into darkness or seeking out light.

The album feels lived in and alive; dust swirls, seasons shift, sunshine appears and is held. Biita calls it ‘psychedelic’ and there is indeed a sense of that in the world building, in the way the bold colours are always shifting. Formed of fourteen songs, and filling nearly forty-five minutes, This Bed Was Made For Me not only builds a whole world for listeners to inhabit but also implores you to stay a while. This was deliberate, indeed it’s Biita’s wish that listeners give the album dedicated time; to learn its shape, to explore it fully, away from the instant grab of playlists and skewed algorithms.

“Many of my favourite albums didn’t reveal themselves instantly to me,” Biita, now based in the Catskill Mountains of New York, explains. “Some did, of course, but I had to work to understand the full scope of the piece as a whole. I encourage people to dive deeper into everything that they choose to consume. It is not my intention to sound pretentious, but instead, I am trying harder to explain the gratitude I have for being able to craft every part of this album— using my hands, my brain, my voice, my visions. To me, it is an all encompassing work of art,” she continues. “Making the quilt was laborious. Taking the cover photo was laborious. No shortcuts, but rather a manual and tangible approach. I am thankful for the time it took.”

Zuhause ist kein fester Ort. Es ist ein sich wandelnder Begriff, der in der Geborgenheit des Mutterleibs beginnt und sich dann in die Sicherheit der elterlichen Arme verlagert. In der Kindheit erweitert er sich auf Klassenzimmer und Freundschaften. Im frühen Erwachsenenalter entdecken wir unsere Unabhängigkeit und fangen an, Räume zu schaffen, die nur uns selbst gehören. Bei der Vorstellung eines ,Zuhauses für immer" geht es weniger um Beständigkeit als vielmehr um einen Rückzugsort. Dort fallen alle Masken ab, und wir finden zu unserem wahren Selbst. HOME ist ein Album, das auf der einzigartigen Chemie zwischen den Outer-World-Mitgliedern Kenneth Close (Positive No) und Tracy Wilson (Dahlia Seed, Ringfinger, Positive No) basiert - eine farbenprächtige Liebessprache, die synthetische Klänge und Samples mit Schlagzeug, Gitarre, Bass, Keyboards und Gesang überlagert und so die Grenze zwischen moderner Technologie, einer gemeinsamen Geschichte und einer einheitlichen emotionalen Wahrheit verschwimmen lässt. Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Albums ,Who Does the Music Love?" hat sich Outer World von einem Duo zu einer sechsköpfigen Band entwickelt, wobei ,HOME" sich wie der Soundtrack zu einem imaginären Spionagefilm anhört: hochdramatisch und spannungsgeladen, mit verhedderten Bettlaken als Höhepunkt. Hier gibt es keine Grenzen zwischen den Genres, es findet ein Dialog statt zwischen: ,Outernational"-Grooves, italienischen Western-Soundtrack-Komponisten, Hazlewoods Twang-Gitarren, Spectropop-Beat-Girls der 60er, Lagos-Highlife, zeitgenössischen klassischen Chorarrangements, isländischer Avantgarde, Bond-Bösewichten, Kunstobjekten aus der ersten Punk-Ära, östlicher Philosophie und der Kunstschule in Athens, Georgia, in den 80ern - all das ist darin enthalten, verwoben zu einer einzigartigen Stimme.

Tiffany Day has quickly emerged as one of the most compelling voices in hyper-digital pop, blending emotional chaos, internet-born edge, and forward-thinking production into a sound entirely her own. Born in Toronto and raised in Kansas, Tiffany first broke through with a viral cover of “Hallelujah,” building a YouTube audience of over 500,000 subscribers before graduating high school. She began releasing original music in college, quickly developing a devoted fanbase drawn to her wit, vulnerability, and genre-fluid instincts.

A self-directed creative force, Tiffany has made her live show a defining pillar of her artistry, fusing choreography, visuals, and electronic-driven transitions that push her beyond traditional pop performance. In 2024, she independently funded and sold out several headline shows across a North American tour. She later expanded into the DJ scene, launching BASSFLUFF, a series of standalone events that generated viral moments DJing everywhere from gyms to nail salons.

Her 2025 releases marked a sharp sonic evolution, leaning into electroclash and hyperpop textures. Singles like “BREAKUP,” “TELL ME WHAT I DID,” and “START OVER” generated millions of views across platforms and earned coverage from NME, Ones to Watch, On The Radar, and beyond, positioning her at the forefront of a new wave of digital-native pop artists.

That momentum culminates in her album HALO, released April 3, 2026 via Broke Records. The project debuted at #1 on the Apple Music Electronic chart and #25 on the Billboard Electronic/Dance Albums Chart, drawing early co-signs from artists like Laufey and Yunjin (LE SSERAFIM) alongside coverage from Pitchfork, The FADER, NYLON, LA Times, and more. To mark the release, Tiffany staged three headline shows—each of which sold out in under five minutes. With her production across nearly every track, HALO marks Tiffany's most cohesive and ambitious work to date, solidifying her not just as an artist to watch, but as a defining voice in the next era of hyperpop.

Tiffany Day has quickly emerged as one of the most compelling voices in hyper-digital pop, blending emotional chaos, internet-born edge, and forward-thinking production into a sound entirely her own. Born in Toronto and raised in Kansas, Tiffany first broke through with a viral cover of “Hallelujah,” building a YouTube audience of over 500,000 subscribers before graduating high school. She began releasing original music in college, quickly developing a devoted fanbase drawn to her wit, vulnerability, and genre-fluid instincts.

A self-directed creative force, Tiffany has made her live show a defining pillar of her artistry, fusing choreography, visuals, and electronic-driven transitions that push her beyond traditional pop performance. In 2024, she independently funded and sold out several headline shows across a North American tour. She later expanded into the DJ scene, launching BASSFLUFF, a series of standalone events that generated viral moments DJing everywhere from gyms to nail salons.

Her 2025 releases marked a sharp sonic evolution, leaning into electroclash and hyperpop textures. Singles like “BREAKUP,” “TELL ME WHAT I DID,” and “START OVER” generated millions of views across platforms and earned coverage from NME, Ones to Watch, On The Radar, and beyond, positioning her at the forefront of a new wave of digital-native pop artists.

That momentum culminates in her album HALO, released April 3, 2026 via Broke Records. The project debuted at #1 on the Apple Music Electronic chart and #25 on the Billboard Electronic/Dance Albums Chart, drawing early co-signs from artists like Laufey and Yunjin (LE SSERAFIM) alongside coverage from Pitchfork, The FADER, NYLON, LA Times, and more. To mark the release, Tiffany staged three headline shows—each of which sold out in under five minutes. With her production across nearly every track, HALO marks Tiffany's most cohesive and ambitious work to date, solidifying her not just as an artist to watch, but as a defining voice in the next era of hyperpop.

Kissin' Dynamite veröffentlichen ihr selbstbetiteltes 9. Studioalbum in kompletter Eigenregie. Doch nicht nur die Rahmenbedingungen zum Album zeugen von Ende und Neuanfang. Genau diese beiden Themen wurden auch inhaltlich in den neuen Songs aufgegriffen.

So ist die Single-Auskopplung »Glory Days« eine Stromgitarren-getriebene Reminiszenz an die glorreichen, vergangenen Tage, in der sich inhaltlich jeder einzelne wiederfinden kann. Sommer-Cabrio-Vibes garantiert!
Der Stampfer »I Salute You« kann als eigene Art und Weise des Frontmanns verstanden werden, sich von seinen Fans zu verabschieden. Musikalisch rollt der Titel schwer wie ein Panzer voran und bahnt sich mit triumphierend klingenden Dudelsäcken und prominenter Unterstützung von der Band Saltatio Mortis als Feature-Künstler seinen Weg in die Gehörgänge.
Die ausufernde Rockballade »The Good Goodbye« erzählt vom Schmerz der notwendig gewordenen Trennung, aber auch davon, dass es weitergeht, auch wenn es anders ist, als zuvor.
Im Arena-Rocker »I'll Be« wird ein Schwur geleistet, immer da zu sein, immer präsent zu sein. Der Titel ist wie gemacht für die ganz großen Bühnen.
Das zunächst düster daherkommende »Nothing Breaks Like A Heart« baut sich kontinuierlich auf, bis im Chorus die s.g. Hero-Kadenz ebendiesen zum perfekten Singalong-Refrain macht. Thematisch geht es um leere Versprechungen, die ein gebrochenes Herz nach sich ziehen.
Bei »The Night Is Calling« wird jedes Partyherz höher schlagen. Es ist die perfekte Rockhymne.

Auch optisch hat man bei diesem Langspieler Nägel mit Köpfen gemacht: Das Cover und seine Wirkung erschließen sich dem geneigten Betrachter unmittelbar. Zu sehen ist ein verführerisch roter Kussmund, der eine nicht weniger knallrote, Dynamitstange küsst. Es wurde der Bandname und somit auch gleichzeitig der Albumname bebildert! Das Cover wirkt dabei schon fast ikonisch. Man kann sich das Motiv jetzt schon auf T-Shirts, Taschen, Autos und co. vorstellen.

Zu den brandneuen 6 Songs gesellen sich weitere 7 Titel der ersten zwei Alben des Quintetts. Diese wurden neu aufgelegt und ins typische Kissin-Dynamite-Gewand gepackt. Hier wurde nicht gegeizt:
So bekam ein Song der ersten Stunde »Out In The Rain« prominente Unterstützung von der Band Amaranthe.
Für die geheime Schwabenhymne »Steel Of Swabia« wurde passenderweise Ralf Scheepers von Primal Fear verpflichtet. Außerdem wurde ein gigantisches Gitarrensolo von Dragonforce-Gitarrist Sam Totman beigesteuert.

Die Band versteht es wie keine andere, ihrer Musik einen übergroßen Pathos zu verleihen, der nicht Comedy ist, nicht Welt verbessernd, sondern einfach mitten ins Herz geht! Geile Hooks, knackige Riffs, eingängige Melodien!

Für all das und mehr stehen Kissin' Dynamite.

A recent signee to Chess Club Records, Jo Geller aka jo from school, finds herself among the independent label’s pedigree of homegrown artists who have gone on to attain major success. Alumni such as Billie Marten, an artist long admired by Jo, as well as Wolf Alice, are just a couple of names who found their initial support through Chess Club.

At 22-years-old, jo from school’s graceful, carefully crafted but devastatingly delivered songs hit with an air of maturity that lands far beyond her years. An embrace for spontaneity and imperfection gives her material its character; primarily as an artist focussed on doing things her own way.

Writing on the piano since the tender age of nine, Jo self-taught herself guitar as a teenager during lockdown, joining the illustrious Brit School: “I was the only musician in my world until I went to Brit School, then I was the worst musician there,” she says. “It gave me a kick. I went from thinking that it was cooler to not care about anything, to realising the more you cared, the cooler and more individual it made you.”

Largely produced by Rich Cooper (CMAT, Billie Marten), so far both singles from the EP have been supported by BBC Radio 1, Radio 2 & 6Music. Huw Stephen's has invited Jo to feature in his Huw You Are segment airing on 6Music on 29th July, and Jess Iszatt has already had Jo as her Introducing featured artist on BBC Radio London. Rolling Stone UK featured jo as their Play Next artist last month, along with CLASH who just confirmed a Next Wave feature to run on EP release. Outlets like Line of Best Fit, DORK, DIY and Wonderland have all came to the table to champion jo too. We've also seen impressive audience growth in just 2 months – with jo adding more than 3k new followers across platforms since her debut single 'Chicken' was released on 6th May.

On the live front, jo was invited by Dirty Hit's Skullcrusher to support on her UK + European headline tour in June, with past supports also including TTSSFU, Daffo, Esme Emerson. Jo has been booked for Night Currents festival in Portsmouth and invited to support 1000 Rabbits, both in October, and will be Playing Estrella Soundhood Festival in London in September too.

Back in November 2015, after years of collaborations with such as Ghostface Killah, Raekwon, Obie Trice, Sean Price, Kool G Rap, Eternia and countless others, Toronto-based producer MoSS released his debut producer album entitled "Marching To The Sound Of My Own Drum". Since the beginning of his career, the Canadian beatsmith, record digger and music connoisseur has been making a name for himself with his signature sound and on this record he gives an amazing display of what he's capable of doing being backed up by an all stars team that features AZ, Havoc, Slum Village, Onyx, Inspectah Deck, Ill Bill, Skyzoo, Guilty Simpson and 20+ other legendary MC's. A few years after its original release, we've decided to team up with MoSS to bring you this masterpiece on wax and, for the occasion, he's also added an unreleased bonus track called "We Here" that features Smif-N-Wessun that, together with "Emotional Redux", we've put on a 7" together with its instrumental. Limited edition of 500 hand-numbered copies, with the first 200 pressed on orange/black A-side B-side vinyl, and 300 on black vinyl.

BONUS 7”

A1. Emotional Redux (feat. Big Gov, Guilty Simpson, Jon Connor, Vstylez, Willie The Kid)
B1. We Here (feat. Smif-N-Wessun) UNRELEASED
B2. We Here (Instrumental)

Diese Ausgabe des 19. Studioalbums „Magnification“ von Yes wurde mit halber Geschwindigkeit auf Lackplatten geschnitten und auf zwei 180-Gramm-LPs gepresst, um eine äußerst detailreiche Wiedergabe zu
gewährleisten. Sie ist in einem Gatefold-Cover mit neuem Artwork verpackt, das auf den Originalentwürfen
von 2001 basiert.
„Magnification“ der Progressive-Rock-Legenden Yes, das ursprünglich im September 2001 erschien, war
ihr erstes Studioalbum mit Orchesterbegleitung seit „Time and a Word“ aus dem Jahr 1970. Mit Orchesterarrangements des Komponisten Larry Groupé, eingespielt vom San Diego Symphony Orchestra, enthält
„Magnification“ den Titelsong, „Don’t Go“ und „In The Presence Of“, die auf ihrer „Yessymphonic Tour“
zur Promotion des Albums zu hören waren, während bei „Give Love Each Day“ Bassist Chris Squire den
Gesang übernimmt.
Dies ist das letzte Yes-Studioalbum mit Jon Anderson als Sänger und – da kein Keyboarder dabei ist
– das erste, auf dem nur vier Mitglieder von Yes zu hören sind.

Das 1989 erschienene Album „Slip of the Tongue“ zeigt Whitesnake in voller Arena-Rock-Power. Mit „Fool
for Your Loving“ und „The Deeper the Love“ sowie angetrieben von David Coverdales kraftvollem Gesang
und Steve Vais virtuoser Gitarrenarbeit ist diese Ausgabe auf 180-g-Vinyl gepresst – und liefert ausgefeilte
Hooks, eine beeindruckende Produktion und Hardrock der späten 80er Jahre auf dem Höhepunkt.

„Slide It In“, ein wegweisendes Album von Whitesnake aus dem Jahr 1984 und dokumentiert den Wandel
der Band von ihren bluesigen Wurzeln hin zu arenatauglichem Hardrock. Mit herausragenden Titeln wie
„Love Ain’t No Stranger“ und dem Titelsong, getragen von David Coverdales kraftvollem Gesang, ist diese
Ausgabe auf 180-g-Vinyl gepresst – und liefert die eingängigen Hooks, die schneidenden Gitarren und die
Selbstsicherheit, die den Grundstein für den weltweiten Erfolg legten.

It's been a while hasn't it?! Well say 'Hello' to this new slab of wax from THEE CYBERMEN, because they NEVER SAID GOODBYE Some thirty years have passed since the last album from Dan Price (guitar & vocals) and Pete Scoundrel (bass, keys & vocals) but they didn't slip away quietly, in fact they kept on gigging and writing songs until the time was right and ladies and gents, that time is NOW! With the sterling help of rhythm dynamo Bruce Brand (MILKSHAKES, HEADCOATS etc. etc.) on drums and Surf maestro Hipbone Slim (AKA Sir Bald Diddly etc. etc.) on guitar the purveyors of pure, unalloyed BorderBeat have returned once more! This time with twelve all original tunes drenched in garage, beat, surf and attitude, recorded at Gizzard vintage analogue studio in London for that authentic sound.The long-awaited new platter from THEE CYBERMEN lands on your turntable like a fistful of fireworks displaying the band's 60s beat and Medway garage influences proudly in its grooves.

Nach den vielgelobten Moonlight Concessions mit ihrer Band Throwing Muses kehrt Kristin Hersh im Jahr 2026 mit einem düstereren, zugleich jedoch zart ausgearbeiteten Soloalbum zurück. Sugar On Blackstone erkundet die Themen Leben und Tod, Reichtum und Armut sowie jene kleinen, aber prägenden Momente der Kindheit, die bis ins Erwachsenenalter nachhallen. Als zutiefst persönliches und emotional weitreichendes Werk reflektiert das Album über die beständigen Bande zwischen Musikern, Familie und Freunden - und darüber, wie bestimmte Klänge, Orte und Erinnerungen einen Menschen plötzlich wieder lebhaft ins Bewusstsein rufen können. Aufgenommen Anfang dieses Jahres in den Stable Sound Studios in den Niederlanden, wird Hersh auf dem Album von ihren langjährigen musikalischen Weggefährten Rob Ahlers (50FOOTWAVE) am Schlagzeug und dem Cellisten Pete Harvey (Throwing Muses) begleitet. Das Ergebnis ist eine karge, und doch warme Liedersammlung, die ein Gleichgewicht zwischen Zerbrechlichkeit und Kraft, zwischen Intimität und Spannung hält. Entstanden im Nachgang einer persönlichen Tragödie und vor dem Hintergrund ständiger Reisen, von Waldbränden und rastloser Bewegung quer durch Amerika, durchzieht das gesamte Album eine Atmosphäre der Unruhe. Doch inmitten dieser Dunkelheit findet Hersh Momente der Zärtlichkeit und Verbundenheit. Als ergreifendes und vielschichtiges Werk, das gerade in seiner Verletzlichkeit Stärke ausstrahlt, erweist sich Sugar On Blackstone als ein weiteres unverzichtbares Kapitel im gefeierten und sich stetig weiterentwickelnden Gesamtwerk von Kristin Hersh. Für Fans von PJ Harvey, Emma Ruth Rundle, Beth Gibbons, Low, Yo La Tengo, Throwing Muses, Alternative (Rock), Dark Folk, Post-Americana, Independent, Grunge Singer/Songwriter

When Pouya dropped The South Got Something To Say in the summer of 2019, it wasn’t just a title—it was a definitive statement of growth. Nodding to André 3000’s iconic 1995 Source Awards declaration, the Miami pioneer used his third studio album to prove that his raw, independent formula had mutated into something deeper, more mature, and entirely unmatched in the underground rap landscape. Now, for the first time since its digital release, this pivotal moment in Florida hip-hop history is finally available on wax, offering listeners something tangible they have been anticipating for years.

The South Got Something To Say captures Pouya at a lyrical and sonic turning point. While maintaining the blistering flows, heavy bass, and visceral Florida energy that initially put him on the map, the album opens the door to intense themes of mortality, legacy, and the heavy toll of independent success. It bridges the gap between the frantic energy of the SoundCloud era and a mastery of songwriting, offering fans a remarkably transparent look into the mind of an artist surviving the very chaos that birthed him. Standouts like "Cruisin' in the MIA" and "Florida Thang" showcase his signature rapid-fire delivery, perfectly balancing the record's darker, more introspective moments.

The sonic diversity of the project is anchored by a stellar lineup of collaborators who push Pouya into new creative territory. He enlists Three 6 Mafia royalty Juicy J alongside heavy-hitting underground peers like Ghostemane and City Morgue, while seamlessly pivoting into the melodic, hazy soundscapes of indie-pop artist Cuco and longtime producer Rocci on tracks like "Talk to Me Before I Die" and "Mood Swing Misery." This striking balance of aggressive phonk and melodic vulnerability solidifies the album as a cohesive, genre-bending journey rather than a mere collection of singles.

For years, vinyl collectors and die-hard fans have begged for this underground masterpiece to be immortalized on wax. This first-ever vinyl pressing delivers the booming low-ends and intricate, therapeutic bars exactly how they were meant to be experienced. From the opening nostalgic chords to the final fading beats, this release stands as an essential artifact of the modern underground rap movement, finally giving a landmark Southern album the premium physical presentation it deserves.

Remastered limited edition double vinyl with double-sided screenprinted poster-cover (sleeve folds out to be one huge poster). A real collectors item!

When Off Off came out around June 1984, one couldn’t speak of an independent music scene in Portugal. Warm Records’ vague existence didn’t have any impact and Dansa do Som’s inaugural release appeared only in December. 10 years after the revolution, after two IMF interventions, a lot of political instability (not to say turmoil, in the first couple of years) and the natural excesses of a sudden burst of freedom, the Portuguese consumer had more choices but a generally poor standard of living. There was no entrepreneurial culture and serious second thoughts about investing private money in risky ventures.

After many complaints about the whole music scene (institutions, critics and record label executives, popular and classical music alike), something that would continue well beyond the end of the decade, Telectu decided to finance, record, produce, release and sell an album with complete independence from outside structures. Their karmic reward was profit. According to Vítor Rua, Off Off was the only album fully payed by the duo and the only one that really payed off. Not an easy accomplishment for a double LP housed in a large (also double-sided) screenprint with complicated cuts and folds. The artwork was conceived by António Palolo, a friend and multidisciplinary artist. It was based on a collage of heavily saturated and xeroxed polaroids framed in shocking pink and green. Palolo was considered the third member of Telectu, regularly producing slides, video and other visual support for their shows. The inspiration for the type of cover came from GRM’s Gramme series.

Off Off is divided in four distinct sides, each one corresponding to a “theme” or “function” related to Telectu’s manifold artistic interests and interactions. The titles are also gateways to influences and a small portion of Portuguese cultural life:

- Side 1 / “Diagonale” is dedicated to Egídio Álvaro, art critic and gallery director (he opened Diagonale in Paris). Performance art was arguably his main artistic concern over the years, so the music on this side is suggested for use by one or more performers in live or playback situations. The three tracks segue into each other, linked by a synth arpeggio much in the same way as Telectu’s previous “Belzebu” álbum (1983);

- Side 2 / “Anarké” is dedicated to the composer Filipe Pires, one of Jorge Lima Barreto’s recurring invocations when asked about worthwhile contemporary music in Portugal. It is subtitled “concert music”, proposing «a new form of listening». Three tracks also, and these are separated by “clap interludes”, which basically consisted in the following: JLB and VR each had a pair of headphones on, and they clapped their hands according to the rhythm of the music each one was listening. Both musicians were interacting with a different Steve Reich piece: Vítor with “Music for Mallet Instruments”, Jorge with “Six Pianos”. The result is disjointed clapping, an awkwardly deliberate celebration of their own music. Telectu applauded themselves.

- Side 3 / “Cornucópia” is subtitled “music for theatre” and dedicated to Luís Miguel Cintra and Luís Lima Barreto (JLB’s brother), both connected to the Cornucópia theatre company. The side consists of several short pieces previously used as interludes in the Cornucópia staging of “Mariana Espera Casamento” (1983). Field recordings, mood pieces, ambience and a numeric poem (“Soneto Soma 14x”, by E.M. de Melo e Castro) read by João Perry, a quite well-known stage actor. His voice is treated with a flanger effect;

- Side 4 / “Palolo” is “video music”. It’s a one-take mix recorded from cassette sources (Telectu studio experiences) and done live while watching António Palolo’s Om film (1978) projected on the living room wall. It’s a deep, immersive, quasi-mystical 20-minute piece perfectly suiting the meditative, abstract, fluid images created by Palolo by mixing paint and water inside a bathtub. One imagines the Cosmos, hardly suspecting the technique. The film is 90 minutes long, so the music on the LP is of course edited.

The six titles on sides 1 and 2 evoke demons, all of them with conflicting symbolism, since it varies from culture to culture, religion to religion. No explanation is given and Vítor Rua has no idea where this imagery comes from. During virtually the whole stretch of the 1980s, Jorge was the one in charge of titles and concepts, and Vítor didn’t bother too much even reading the liner notes :) In any case, when you synchronize the listening experience with the imagery, a powerful impression emerges, a feeling of being in the presence of these entities while placing yourself inside the sonic narrative.

Off Off is undoubtedly a seminal album in the history of electronic music, as much Heldon as Fripp & Eno, jazz and American minimalism, cosmic out-thereness, mantric miniatures. Telectu at the height of their powers, still very early on, delivering an album-manifesto advocating intermedia art and the fierce independence of Portuguese musicians «from the scum of capitalist music industry monopolies. It’s a path to follow, albeit one that requires enduring hardships and retaliation from music industry gangsters.» Despite a few journalists deemed «capable of being free», the media are «enslaved by the dominant and fascist imbecility of the speculators of light music.» Off Off is addressed to those journalists «and to an audience angry at the cultural misery imposed upon us ..., certain that this music will open new horizons of musical pleasure in the conception of Portuguese avant-garde music, and in the open consciousness of us all. OFF OFF repeats Freedom.»

Those two words are a direct lift from Alberto Arbasino’s 1968 book Off Off, the basis of which is a critical analysis of Theodor Adorno’s and Dwight MacDonald’s ideas concerning the stratification of culture in different levels (high, mid and low) and the pervasiveness of mass culture in the form of a culture industry. In very simplistic terms, and that is precisely the point that inspired Jorge, Arbasino argued that it was possible and desirable to effect a revolution from below, cultivating alternative circuits completely cut-off from what he termed the in-in reality. Telectu’s record was a deliberate demonstration that it could be done, displaying Freedom in the face of all the gatekeepers and other human obstacles.

"Emergence of Shadow" (Mint Condition Records / Self Distribuzione)—the new album by Davide
Ghidoni, produced by Gianluca Pighi—is arriving: its digital release is set for Friday, September 11,
while the vinyl will be available starting Friday, September 18.
A trumpeter with a career marked by international collaborations, Ghidoni here signs his most
personal project to date. It is a predominantly instrumental record in which the trumpet becomes a
voice, a narrative, and an emotion. The only vocal track is "Come On Closer," performed by Heidi
Vogel (The Cinematic Orchestra), creating a moment of suspension and intensity within the project.
Davide Ghidoni’s passion for music and the trumpet was born in his childhood around the age of ten,
fueled also by Western films and Ennio Morricone’s soundtracks: those melodies, where the trumpet
played a central role in the duels of The Good, the Bad and the Ugly, deeply shaped the artist's
imagination and sound.
Ghidoni has always maintained an open and curious approach, letting himself be inspired by different
genres, artists, and musical cultures. His projects naturally coexist with influences ranging from rock
to soul, jazz to blues, and other languages that have left a mark on his path. Rather than identifying
with a single genre, he prefers to view music as a guiding thread capable of uniting different styles
through emotion, sensitivity, and respect for artistic identity.
"Emergence of Shadow" represents a new chapter in his journey. After numerous collaborations with
various artists, the musician felt the urge to undertake a completely his own project, giving shape to
ideas he had nurtured for a long time.
The record is inspired by the 1970s soul, rock, and blues sounds, but the goal is not to faithfully
reproduce or imitate those genres: the atmospheres, themes, and arrangements recall that sonic
world, yet are reinterpreted through a personal and original sensibility. The trumpet remains the
primary narrative element, supported by meticulous arrangements and a solid rhythm section that
enhance its character and expressive intensity.
Alongside the sounds that distinguish his path, the album also explores deeper emotional
dimensions. Some tracks are fluid and atmospheric, born from the desire to recount vibrations
without rigid schemes, letting melodies and dynamics guide the listener on an inner journey. The aim
is to offer an engaging listening experience in which music communicates directly, beyond words.
The album encapsulates everything Davide Ghidoni wanted to express and fully represents his
artistic identity: a timeless instrument to communicate emotions and engage in dialogue with different
musical traditions, always keeping the pursuit of musical quality and sharing with the public at its
core.

Geoff Kirkwood (Man Power)

I’dgained some notoriety as a music producer and DJ but I hit a horrible case of writers block around 2018.

The problem I was finding was that I was trying to shoe horn every smart arsed clever dick musical reference I had into the music I was making, but the function of dance music is to make people dance, not to show people who broad your musical references are, so I was making pretty shitty music that landed in the middle and didn’t achieve either aim.

To tackle this I ended up committing to just trying to make the most expressive and wanky experimental stuff I could. I was immersed in club culture at the time so the whole enterprise started as a joke, hence the name “Bed Wetter”. However when I fully submitted to just naked exploration the really unexpected thing that happened was that I found myself unavoidably having to deal with a lot of my own bullshit. That bullshit turned into the “Billy Mill is Dead” album, which was essentially the sound of me excavating my own life and looking at how I felt about where I was from, where I was headed, my family, my history, my region and all of the things i have conflicting feelings about.

It was partially catharsis and also a bit of deprogramming around being able to call myself an artist after being raised to believe that wasn’t an option for me.

I self released Billy Mill is Dead in the months before the pandemic and it found it’s fair share of love in the places I hoped would connect with it, and just the right amount of being ignored by people who I’m pleased didn’t feel it. This all lead to me being emboldened enough to apply for an artist in residence position at a big regional opera house months later in the middle of lockdown.

My feeling was that if my DJ career was potentially over for the remainder of my lifetime then there was no harm in exploring this alternative method of expression to see where it could take me.

I submitted a ridiculously ambitious plan for what I would like to do as a project, and to my absolute shock I was selected for the position.

I was 40 years old and from a scarcity background so I had a potentially unique response to that kind of validation for the first time and what followed next was a process of me just coming back with bigger and more ridiculous ideas just to find out at whatstage they’d tell me to stop.

The thing is, nobody did. I got as far as suggesting writing a full symphony to be performed by an orchestra before my own nerve gave out and I decided that was probably as far as I should push things.

The problem with people giving you permission to do things is that you then need to go out and figure out how to do those things.

The biggest issue for me, beyond raising the money to pay for everything, was how does a person actually write a symphony?

I was introduced to Fiona Brice, a multi instrumentalist and orchestral arranger. She’s also a recording artist who releases on Bella Union. On top of that she’s a violinist who used to be part of the band Placebo and who used to appear regularly playing for other bands on things like Top of the Pops.

Not only was Fiona uniquely placed to not look down on the strange provenance of someone from an Acid House background wanting to write a symphony, but more to the point we really hit it off from day one.

Fiona coached me in the essentials of writing for an Orchestra, and then I went off and wrote the 8 movements.

I’d love to say I laboured for years over this bit, but it took about 2 weeks in total. I’d also love to say what I wrote was a complete symphony, but the version of this which is solely me feels like looking at something without your glasses on. The shape,feel and borders were all there, but the definition was absent. Fiona taught me the broad language of a symphony, but without her it would have lacked all intonation, nuance and detail. Where I had shaped ideas with a hammer, she brought out my meaning with precision using a scalpel.

I think the prodigiously quick turnaround for the music is as much proof of how conceptually and musically aligned Fiona and I are. I know we’re both incredibly proud of what we’ve created.

It took nearly 2 more years to stage the debut performance in what was potentially the most traumatic period of my life which saw me embroiled in an international crisis with my own family and the death of my father, all with the backdrop of COVID.

The work itself is inspired by the working class experience, but it’s also a comment on how we get to decide what we are and how we’re defined, and we get to choose what we do to prove these things.

The original recording was contractually impossible to ever share again, so we re-recorded it in a working men’s club with jobbing (albeit world class) players. In many ways it’s a record that feels like it shouldn’t exist, which is why we’re all so happy that it does.

Lovemonk and Barcelona’s Marula Café bring back their Marula Soulfood 7" series with two standout tracks taken from The Jade’s debut album, "Love Harder". Behind The Jade is Oli Stewart, aka Casbah 73, leading a transatlantic ensemble of top-tier musicians equipped with heart and heat, bridging worlds while remaining firmly centered around home base Madrid.

‘Let The light In’ is a radiant burst of sunshine and a riotous cross-pollination of sounds. Nebraska’s Josh Hoyer delivers a powerhouse vocal performance, soaring over exuberant rhythms and fluid grooves that feel right at home in sweat-filled basement clubs or an open-air set as the sun dips low over the horizon. On the flip, ‘At The Queensboro’ is a beautiful jazz-funk instrumental that stretches out with elegance, giving its wonderful groove plenty of room to breathe. It was highlighted as one of BBC 6 Craig Charles’ favourite tracks of 2025.

fka boursin returns to Scissor & Thread with From Space Between, following his 2025 debut for the label, Listless Intertext. The Bristol producer continues to explore the more spacious edges of house music, drawing together dub, ambient detail and a loose rhythmic sensibility that has become increasingly characteristic of his work. From Space Between unfolds patiently with sounds appearing at the edges and gradually moving into focus. On the B-side Frank & Tony return with another Housebeat Dub, picking up the thread of their Listless Intertext rework. Francis Harris and Anthony Collins draw the original further into their own language of deep house, giving the rhythm more room and letting the dub elements stretch across the arrangement.
"A half-successful attempt at working with fewer elements in pursuit of a more minimalist approach," says Henry Murray aka fka boursin, "trying to find restraint and sit with gaps in the stereo image where previously I would have reflexively filled them with melodic content. Recorded whilst living alone in another country for a month, the track was borne out of meditations on living in and between unfamiliar places, seasons, languages, currencies, relationships, medications, economics, intentions, sanities, and spaces."

Covering Our Tracks“ ist weit mehr als ein Coveralbum: Satan Takes A Holiday interpretieren Rock- und Popklassiker von Bruce Springsteen bis Charli XCX in ihrem eigenen Mix aus Garage Rock, Punk und Indie neu.
Die schwedische Band gilt als einer der explosivsten Live-Acts Skandinaviens und spielte bereits mit KISS, The Sonics und Backyard Babies. Unterstützung und Lob erhielten sie u. a. von BBC 6 Music, Classic Rock und Iggy Pop.

This is the 12" already immortalized by Gilles Peterson! Dub Souljah, with its classic Roots Reggae/Dub-styled horns and brilliant lead and backing vocals, comes in two versions when Ekowmania meets DJ Sotofett. The first version, in 1970s tradition, is a rocking dancefloor Disco Dub with extended and highlighted percussion parts. Then there's the Ultra Dub – a severely deep and reduced dub where horns and vocals surface only intermittently through constant echoed kicks, minimal hi-hats, and a two-tone bassline. The title track is from Ekowmania's Dr. Afrodub album, produced by Jimi Tenor, but this 12" also includes two non-album cuts: the psychedelic Afro twist of Afrolistic Rock & Roll, and the cosmic Latin-styled Kuusikasi Funk, featuring beautiful saxophone and flute by Jimi Tenor. THIS 12" IS CUT WITH LOUD VOLUME FOR EXCELLENT CLUB USE!

Mit dem Re-Release von Solexs "Low Kick and Hard Bop" feiert Matador das 25-jährige Jubiläum . Das Album kehrt in einer neuen sowie erweiterten Fassung mit dem verschollenen geglaubten Titel "Mr. Crockpot" erstmals auf Vinyl zurück. Das 2001 veröffentlichte Album war das dritte Werk der in Amsterdam lebenden Songwriterin und ehemaligen Plattenladenbesitzerin Elisabeth Esselink. Hier kam ihr samplerbasierter, auf Found Sounds setzender retro-futuristischer Stil voll zur Geltung, mit Hooks, die aus verstaubten Schallplatten, Fernsehen, Radio und Straßenlärm stammten. Eine Generation später bleibt "Low Kick" ein überschwängliches Werk des retro-futuristischen Pop - vielschichtige Breaks, die sich mit bluesigen Riffs, Girl-Group-Grooves und surrealistischer Selbstsicherheit abwechseln. Damals bezeichnete The Wire es als "eine schwindelerregende Vielfalt an Elementen und Überschwang", und wir wagen es, euch zu widersprechen. "Elisabeth Esselink von Solex entführt euch in ihre dadaistische, aus Schnitten, Collagen und Faltungen bestehende Klang-Tanzparty", schreibt Matador-Gründer Chris Lombardi. "Sie rekonstruiert eine Million Klang- und Stilfragmente zu einem kaleidoskopischen musikalischen Meisterwerk." Da die CD das dominierende physische Format jener Ära war, kam Matador nie dazu, "Low Kick" auf Vinyl zu veröffentlichen. Dies ist eine Situation, die wir nun beheben wollen, da das Album auf sein drittes Jahrzehnt zusteuert: Am 11. September erscheint die allererste Vinyl-Pressung.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Von 1964 bis 1980 zauberte Lenny ,King Creole" LaCour auf verschiedenen geheimnisvollen Labels eine knallharte Mischung aus R&B, Keller-Beehive, Hard Funk, Gruppenharmonien und Proto-Disco aus dem Hut. Dieses Deluxe-Doppelalbum versammelt 26 soulige Tricks aus dem Zylinder von Magic Touch, ergänzt durch eine ganze Illusion an Notizen, Fotos und Ephemera im beiliegenden Booklet. Abracadabra.