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Via tape loops and synth motifs sent from LA to NY, sound artist Christopher Royal King has teamed with violinist and composer Christopher Tignor toward richly timbral, emotionally gripping works of spontaneity that unfurl immense details with each replay while marrying west coast outboard-ambient to studied east coast modern classical. The resulting debut album, A Wave From A Shore, exhibits both artists' sonic identifiers falling in and out of cooperation before binding into a new entity distinct from either's solitary palettes. A visual artist whose work includes album covers for Thrice and Deftones in addition to video bumps for Adult Swim, Christopher Royal King spent his teenage years cutting his teeth on heavy metal and punk before gravitating, quickly and perhaps unexpectedly, toward experimental composers like Philip Glass and Terry Riley. This unlikely seesaw of influences led directly to King forming the post-rock pillar This Will Destroy You with fellow San Antonio native Jeremy Galindo. Similar to his former band's output, King's solo meanderings impart a mood of buoyancy and contemplation while hinting at darker, more shadowy hues beneath the glimmer, making his music stand apart from the glut of New Age droners and modular-synth influencers.

Heiko Voss has earned near mythical status as a torchbearer for the emotional, deeply felt and quietly radical style of electronic music. The blissed-out radiance of his Kompakt Pop single, “I Think About You” remains one of the label catalog highlights and a stellar run of collaborative singles as Schaeben & Voss; others might know him for his stewardship of the excellent, much-underrated Firm imprint. But with his new album, 3:30 Minutes To Live, released by Michael Mayer’s label Imara, Voss returns after a long silence with a beautiful collection of songs that hymn heartbreak with a lusciously melodic touch.

There is something definitive and newly confident in 3:30 Minutes To Live that has it feeling like a real statement of intent if compared to his earlier releases. “Although it’s not, 3:30 Minutes To Live feels like my debut album,” Voss reflects. “All releases before were more song sketches or electronic dance tracks.” Bunkering down in Teary Eyes Studio, Voss worked up somewhere between thirty and forty sketches of songs, which he whittled down to the twelve collected here, all of them situated in a unique space, but very much in accord with Voss’s defining aesthetic, which he describes as “indie pop music with a lot of guitar, electronic elements and a great love for melancholic ‘80s synth-lines.”

Voss is sensitive to both variety and consistency – 3:30 Minutes To Live sits together as an assured, vibrant collection of pop songs, but it’s marked by all kinds of surprising incident, like the guitar solo that erupts out of “This Is My Life”, or the acoustic guitar-led melancholy of the closing “This Summer”. It’s all borne of the alchemy of the studio process and the intimate romance of music-making. “If you constantly feel a little bit like you’re in love while writing and producing your music – simply because of the sound of the synth flowing warmly and gently through the room, or because the sequence of notes awakens something in you, or even a randomly arising groove in the loop of a guitar lick makes you shout, ‘Ha!!’ – then it usually becomes a beautiful song,” Voss nods. “Those moments make me happy.”

There’s also a delicious tension between the push of the music, its melodic lushness and gliding, ballerina-like movement, and the darker currents that pull through Voss’s lyrics, inspired by a “short, dramatic and toxic love affair.” This may read like familiar terrain for a pop album, but the way Voss weaves language through both the extra-linguistic joys of music and the inarticulate speech of the heart somehow allows for direct communication that is simultaneously plain-spoken and deeply profound. “Say It” is a simple, devastatingly effective plaint of alienation; “She Wasn’t Lonely” a simple portrait of everyday living set to chiming, clacking guitars, the music in the bridge taking astral flight as the titular character ‘lets herself go.’

A smart and sharp collection of songs that captures you with its gorgeous melodicism just as it blindsides you with its aching heart, 3:30 Minutes To Live is Heiko Voss at his most assured and open-hearted best.

Heiko Voss hat sich als Fackelträger einer emotionalen, von ganzem Herzen kommenden und nicht auf den ersten Blick radikalen Spielart von elektronischer Musik einen nahezu mythischen Status erarbeitet. Das schiere Glück, welches seine Kompakt Pop-Single "I Think About You" aus dem Jahr 2003 immer noch ausstrahlt, macht sie nach wie vor zu einem der Highlights des Label-Katalogs, wo sie neben einer ganzen Reihe hervorragender Singles als Schaeben & Voss steht; andere kennen Heiko vielleicht durch das tolle und vielfach unterschätzte Label Firm, für das er zusammen mit Thomas Schaeben verantwortlich war. Mit seinem neuen Album “3:30 Minutes To Live”, das am 4. März 2022 auf Michael Mayers Label Imara erscheint, kehrt Voss nun nach einer langen Pause mit einer wunderschönen Sammlung von Songs zurück, die den Herzschmerz – getragen auf den Schwingen unwiderstehlicher Melodien – ausgiebig besingen.

“3:30 Minutes To Live” kommt mit einer gehörigen Portion Überzeugung und Selbstbewusstsein daher, was im Vergleich zu seinen früheren Veröffentlichungen wie ein bewusstes Statement wirkt. "Obwohl es das nicht ist, fühlt sich ‘3:30 Minutes To Live’ wie mein Debütalbum an", meint Voss. "Alle meine vorherigen Veröffentlichungen waren eher Song-Skizzen oder elektronische Dance-Tracks."

Im Teary Eyes Studio arbeitete Voss zwischen dreißig und vierzig Songskizzen aus, die er auf die zwölf hier versammelten Songs reduzierte, die alle ihren eigenen Raum einnehmen, dabei aber sehr gut mit Voss' übergeordneter Ästhetik harmonieren, die er als "Indie-Pop-Musik mit viel Gitarre, elektronischen Elementen und einer großen Liebe für melancholische 80er-Jahre-Synthies" beschreibt.

Voss ist sowohl für Abwechslung als auch für Konsistenz empfänglich - “3:30 Minutes To Live“ ist eine selbstsichere, lebendige Sammlung von Popsongs, die aber auch von allerlei Überraschungen geprägt ist, wie dem Gitarrensolo, das aus “This Is My Life” herausbricht, oder die von einer Akustikgitarre getragene Melancholie des abschließenden “This Summer”.

Das alles ist entstanden aus der besonderen Alchemie des Studioprozesses und der intimen Romantik des Musikmachens. "Wenn du beim Schreiben und Produzieren deiner Musik ständig das Gefühl hast, ein bisschen verliebt zu sein – einfach weil der Klang des Synthesizers warm und sanft durch den Raum fließt, oder weil die Notenfolge etwas in dir weckt, oder sogar ein zufällig auftauchender Groove im Loop eines Gitarren-Licks dich ein 'Ha!' ausrufen lässt – dann wird daraus meist ein schöner Song", nickt Voss. "Diese Momente machen mich glücklich."

Es entsteht eine besondere Spannung zwischen dem positiven Elan der Musik, ihrer melodischen Verschwendungssucht, den gleitenden, Ballerina-artigen Bewegungen und den dunkleren Strömungen, die durch Voss' Texte ziehen, die von einer "kurzen, dramatischen und giftigen Liebesaffäre" inspiriert sind. Das mag sich wie ein vertrautes Terrain für ein Pop-Album anhören, aber die Art und Weise, wie Voss die Sprache sowohl durch die nonverbalen Elemente der Musik als auch durch den nicht artikulierten Ausdruck des Herzens verwebt, ermöglicht eine Art direkte Kommunikation, die gleichzeitig ausgesprochen klar und trotzdem tiefgründig ist. “Say It" ist eine erschütternd einprägsame Anklage von Entfremdung; "She Wasn't Lonely" ist ein einfaches Porträt des alltäglichen Lebens, untermalt von klappernden Gitarren, in dem die Musik einen astralen Flug unternimmt, während die Titelfigur sich "gehen lässt".

“3:30 Minutes To Live“ ist eine kluge und scharfsinnige Sammlung von Songs, die den Zuhörenden mit ihren wunderschönen Melodien fesseln, aber auch mit einer Menge schmerzenden Gefühlen konfrontiert. Ein Album, auf dem Heiko Voss ganz bei sich ist und Euch dabei mehr als nur sein Herz öffnet.

It’s time for a new Reinhard Voigt EP on Kompakt? It doesn’t feel like it was that long ago since we last heard from him but then again, time is running! His latest release on Kompakt "Was wir spüren" (KOM 402) was released in May 2019. From there we encountered Reinhard's musical work mainly in the form of various digital reissues or in union with his brother Wolfgang together as Voigt & Voigt. Then in August of 2021, a glimmer of musical life from Reinhard reached his loyal fans in the form of a continuation of his RV ultra-minimalist concept series as "RV 05 / RV 06" via our KX imprint.

So that brings us to the present. Two new tracks that preach and spin on the classic Reinhard Voigt sound. Tracks that are as relentless as they are consistent to his signature stoic, radical, minimal techno. "Cha Cha Club" creaks and stomps along so mercilessly that they leave us impatient for the reopening of a dark, foggy club room and to have the bitter taste of gin and chemicals on our palates. Bass drum in, bass drum out - sometimes that's all it takes to be happy.

With "Die Frau, die nach Deutz ging" Reinhard discloses a small tale in the title...that this is the continuation of "Der Mann, der nie nach Deutz kam", a track from “Was wir spüren”. Elements recall Reinhard Voigt's SPEICHER tracks; sovereign, modern techno, monotonous in principle, but here and there interrupted and structured by unexpected signals and sounds in such a way that the track will also work on larger dance floors.

Eine reguläre, brandneue Reinhard Voigt 12inch? Das ist nicht nur gefühlt schon eine ganze Weile her. Time ist ja bekanntlich running. Seit “Was wir spüren” (KOM 402), erschienen im Mai 2019, begegnete uns Reinhards musikalisches Schaffen vor allem in Form diverser digitaler Wiederveröffentlichungen oder im Duett mit seinem Bruder Wolfgang als Voigt & Voigt. Im August letzten Jahres erreichte die treue Fangemeinde dann wenigstens ein kleines Lebenszeichen in Form der “RV 05 / RV 06”, der Fortsetzung seiner ultra-minimalistischen Konzeptreihe auf KX.

Nun also zwei neue Tracks, die so unerbittlich wie konsequent den klassischen Reinhard Voigt-Sound predigen und weiterspinnen – stoisch, radikal, minimal. “Cha Cha Club” knarzt und stampft dabei so gnadenlos voran, dass wir die Wiedereröffnung von geschlossenen Räumen voller Nebel und Dunkelheit und mit dem bitteren Geschmack von Gin und Chemikalien an unseren Gaumen kaum erwarten können. Bassdrum rein, Bassdrum raus, mehr braucht es manchmal nicht zum glücklich sein.

Mit “Die Frau, die nach Deutz ging” erzählt uns Reinhard zumindest im Titel die Fortsetzung von “Der Mann, der nie nach Deutz kam”, einem Track von “Was wir spüren”. Hier erinnert manches an Voigts SPEICHER-Tracks, souveräner, moderner Techno, vom Grundsatz her monoton, aber hier und da von unerwarteten Signalen und Tönen so unterbrochen und strukturiert, dass er auch auf größeren Tanzflächen funktioniert.

Da die Scheibe mit 20 Songs mehr cooles Material enthält, als auf eine einzelne CD passen würde, erscheint „Life Below Zero“ als Doppelalbum.
Zudem wird es eine streng limitierte Fanbox geben, die u.a. eine Bonus-CD mit 6 bisher unveröffentlichten Tracks enthält.
Allein in der Dunkelheit, 24/7 nicht das kleinste Licht, ein wenig Nähe oder den Hauch von Wärme. Nur erdrückende Stille, beklemmende Einsamkeit und klirrende Kälte. In „7even Days of Darkness“ bauen sich nach und nach treibende Beats auf und peitschen Dir eiskalt ins Gesicht. Doch Du
trotzt dem scheinbar aussichtslosen Schicksal und entgegnest: „Now I will gather power and bring it to an end.“ Du kämpfst, aber die Kälte und
das Eis scheinen Dich zu überwältigen und in die Knie zu zwingen...Doch dann tauchen plötzlich Dr. Schnee, Der Frost, °Celsius und von Fahrenheit
vor Dir auf und halten Dir den „Mirror“ vor Dein nahezu erstarrtes Gesicht. Mit melodiösen Synthie-Sounds, eindringlichem Gesang und Beats,
zu denen Du einfach tanzen MUSST, tauen sie Deine eingefrorenen Glieder auf und schenken Dir neue Hoffnung. Du erkennst, dass Musik, Liebe
und Freude stärker sind als Dunkelheit und Kälte.
20 Songs. 14 auf Englisch. 6 auf Deutsch. Auf „Life Below Zero“ finden sich so viele deutsche Tracks, wie auf keinem anderen Eisfabrik-Album
zuvor. Die Meister des Future-Pop zeigen mal wieder, wie man innerhalb von Sekunden das Eis bricht und ein wahres Feuerwerk an heißen Beats,
mitreißenden Synthie-Sounds und großartigen Texten auf die Tanzfläche und die Gehörgänge abfeuert.
Gänsehaut und Muskelkater vom Tanzen sind hier gleichermaßen vorprogrammiert und eins ist sicher: bei den ganzen fetten Dance-Tracks wird
so schnell niemandem kalt.

Dead Head wurde 1989 in der Region Zwolle/Kampen in den Niederlanden gegründet. Von Anfang an zeigte die Band eine harte Arbeitsmoral
und veröffentlichte mehrere Demos und gab eine Menge Live-Shows. Die Band veröffentlichte außerdem drei Alben in voller Länge und eine EP,
bevor sie mit der Arbeit an ihrem vierten Album „Haatland“ begannen. Mit sechs Jahren zwischen „Kill Division“ und „Haatland“ perfektionierte
die Band ihren rohen, aggressiven Thrash Metal-Sound noch mehr. Die Produktion verbesserte sich erneut und die Band zeigte, dass ihr Potenzial
dem vieler etablierter Namen im Thrash Metal-Genre ebenbürtig war. Glücklicherweise wird „Haatland“ 2021 von Petrichor auf 2-CD und LP neu
aufgelegt, damit die Welt dieses Meisterwerk schierer Brutalität und raffinierter, eindringlicher Melodien wiedererkennen kann. Petrichor hat
der CD-Version dieser Neuauflage wieder eine Menge Bonusmaterial hinzugefügt. Dead Head ist keineswegs ein Knaller aus der Vergangenheit,
denn 2022 wird die Band ein neues Album veröffentlichen. Ein rasendes Stück Thrash vom Feinsten. Großartige Produktion, wahnsinnige Riffs
und wahnsinnige Vocals kombiniert, um dir den Schädel zu zerschmettern.

Das Album fühlt sich an, als höre man einem Storyteller zu, doch wenn man genau hinhört, sind es eigentlich eher Bilder, die der alte Ruhrpott-Indianer mit der sonoren Stimme im Kopf entstehen lässt. Der Ton macht die Musik, aber eben auch die Musik!

Sie treibt schon mitunter seltsame Blüten, diese Pandemie. Da haut ein nunmehr 65-jähriger Gitarrist und Songschreiber nicht nur ein hochgelobtes Album mit seiner 43 Jahre alten Band Extrabreit raus, das sogar nach heutigen Zeitmaßstäben durchaus als Comeback bezeichnet werden kann, sondern bastelt innerhalb von zwei Jahren noch zwei Soloalben zusammen. Mitnichten weil er musste.
Tief verwurzelt im sehr geschmackvollen Classic Rock sind die musikalischen Einflüsse nicht zu überhören. Gleichzeitig überfordern aber weder die Sounds noch die Texte den geneigten Hörer, so dass sich dieses zeitlose „Alterswerk“ problemlos in einem Rutsch durchhören lässt. Und über welches Album kann man das heute schon noch sagen.
Songs schreiben, Songs singen und vor allem Geschichten erzählen ... das kann er, dazu ist er auf der Welt. Deren Wirrungen Kleinkrieg nicht nur wahrnimmt, sondern in ihrer Absurdität und Melancholie schamlos für seine Lieder verwendet. Man sollte sich Stefan Kleinkrieg und sein Werk „Die Sonne scheint für alle" anvertrauen. In „Alte Liebe" heißt es: „Es wäre schön, wenn es schön gewesen wär‘." Dieses Resümee muss man hier nicht ziehen - Treffer versenkt. (Seb Hinkel)

Repress

Art Teachers goes deep into modern sounds with its delightfull ambiance accompagnied by
freaky "glurps" vocals. Fuzzy connection between (US) Motor City & Stuttgart (EU) amplified by dark
synth lines and the mechanics of new wave in full effect! Ltd - 250 copies.

RED VINYL REPRESS.

This is Fugazi's debut record, released in 1988. These 7 songs were later combined with the 6 tracks from the Margin Walker EP and released on the 13-Songs Maxi CD.

This EP (on red vinyl) was re-cut from the Silver Sonya masters in 2008 at Chicago Mastering Service and comes with a free MP3 download of the album.

“Sunlight to blue … Blue to blackness” - This was one of the more upbeat title suggestions for the very bare, back to basics, reflective album from The Durutti Column. Originally released in June 2008, Sunlight to Blue… was a conscious response to the previous two polished and ‘studio-based’ releases. Here he created some sparse, simply beautiful 'sketches' as he once called them, more reminiscent of his work from the early eighties. Many of the pieces are instrumentals played on his Juan Montero flamenco guitar, and he returns to 'Without Mercy' for the last track 'Grief' whilst reinventing 'Never Known' from LC. Now, for the first time, the LP is available remastered and re-packaged as a gatefold double 12” 180gram vinyl release.

This album also saw the debut of the then talented young pianist and singer, Poppy Morgan, who co-wrote the melancholy Ananda as a duet with what Reilly dryly called 'intrusive guitar'. For the uninitiated, Vini was the first artist signed to Manchester’s influential Factory Records, co-wrote and played on Morrissey’s first solo album ‘Viva Hate’, and was heavily featured in the Manchester music culture film, ’24 Hour Party People’. Vini Reilly has recorded under the name The Durutti Column since 1978 and has a rich portfolio of work, releasing over twenty albums in this time. Ever critical of Vini’s voice, but ever a fierce champion of his talent, the late Tony Wilson would surely appreciate this return of The Durutti Column.

Unrelenting but utterly charismatic across four tracks, Valerie Ace's debut EP blends her lived experience intertwined with today's increasingly complex politics of club culture with a thirst for experimentation, unpicking and subverting the strains of toxic masculinity that still run deep through contemporary culture. This is first-rate dancefloor discourse with little room for chin-stroking.

Grey Marbled Vinyl
Mit unerschütterlicher Hartnäckigkeit hat die undurchdringliche Schwermetall-Hartkernfabrik HATEBREED eine weitere eiserne Guss- und Schallwaffe mit dem Gewicht des falschen Selbst hervorgebracht. Es ist keine Überraschung, dass ihr achtes, abendfüllendes Album das Ergebnis des üblichen Schweißes und Blutes ist, das HATEBREEDs einzigartige Nische in der Musikwelt seit über zwei Jahrzehnten zementiert hat. Bekannt für ihre Fähigkeit, ihren Fans eine intensive und kathartische Veröffentlichung zu bieten, haben HATEBREED ihren Schreibstil durch diesen Albumzyklus herausgefordert, um Material zu produzieren, das in einer zeitgenössischen Welt, die von Überreizung, emotionaler Dämpfung und mangelnder sozialer Geduld überflutet ist, außergewöhnlich gut zu vergleichen ist. "Weight Of The False Self' ist eine perfekte Darstellung von HATEBREED im Jahr 2020, ein frischer Ansturm von baldigen Klassikern mit all den Elementen, die Sie vom ersten Tag an hierher geführt haben", erklärt Gitarrist Frank Novinec. Fast jedes Individuum trägt ein metaphorisches Gewicht in Bezug auf sein emotionales Konstrukt. Unsere Erfahrungen prägen, wer wir werden, und im Laufe der Zeit entsteht allmählich eine schwere Last, die wir immer weiter mitschleppen. Für viele von uns wird die Last so groß, dass wir uns schwer tun, von unten herauszukommen, geschweige denn uns zu bewegen.

Es sind diese Kämpfe, die sich durch das Gewicht des falschen Selbst übersetzen lassen. "Ob man es sieht oder nicht, jeder trägt eine Last. Die Musik, die wir lieben, hilft uns, diese Last zu tragen", erklärt Sänger Jamey Jasta. Stücke wie "Cling To Life" liefern ein Wortspiel, das normalerweise bedeutet, sich verzweifelt an die letzten Atemzüge zu klammern, aber hier zeigen diese Worte, dass es nach wahrem Verlust und Trauer aufrichtige Erleichterung bringen kann, sich an die Idee von Glück und Zukunft zu klammern. Am anderen Ende des philosophischen Spektrums präsentiert die erste Single "Instinctive (Slaughterlust)" nicht nur ein neues Vokabular-Wort, sondern schreit auch nach der Kraft, die von unseren Verteidigungsmechanismen ausgeht, wenn wir in eine Ecke gedrängt werden. Wenn jemand von seiner Vergangenheit verfolgt wird, von einer anderen Person, oder wenn er nur sein eigenes Territorium verteidigt, ist es nur eine Frage der Zeit und der Entfernung, bis er zu einer wilden, ursprünglichen Bestie explodieren kann. "Es sollte verboten sein, ein so schweres Lied zu machen", beschreibt Bassist Chris Beattie. Das Lied "Wings Of The Vulture" ist eine Metapher für all die negativen Kräfte der Natur, des Schicksals und der Menschheit, die hoffen, uns in einigen unserer schwächsten Momente zu erbeuten, indem sie auf den Tod von etwas Sinnvollem warten. "A Stroke Of Red" berührt, entgegen dem, was auf den ersten Blick scheint, das Konzept, die Wahl zu haben, sich selbst oder anderen zu schaden. "Auge um Auge, aber das macht jeden blind. Wenn man einmal diesen dunklen, gewalttätigen Weg gegangen ist, gibt es kein Zurück mehr.

Dieses Lied ist eine dunkle Leinwand; ich verlasse meinen Körper, um schreckliche Dinge auf einer anderen Ebene zu tun, und komme zu mir selbst zurück, um daraus zu lernen, so dass man diesem dunklen, fleischlichen Verlangen niemals nachgibt", erklärt Jasta. Das Album-Artwork des renommierten Heavy-Metal-Künstlers Eliran Kantor zeigt einen Mann, der an der massiven Skulptur einer Steinbüste herummeißelt. In Kantors klassischem Malstil, der durch den Lehm von Aufruhr und Traurigkeit bricht, beginnt ein Licht durch den Fels zu scheinen, während der Bildhauer sein Gesicht von den blendenden Strahlen der Heilung abwendet. Das Bild kombiniert visuell die Themen des Albums, nämlich den emotionalen Kampf und die Überwindung des Schmerzes, nachdem Schichten von Depression, Angst, Verrat und Herzschmerz die Seele eines Menschen verhärtet haben. Im Laufe von mehr als 20 Jahren und 8 Alben ist der Schreibprozess für eine Band wie HATEBREED in ihren Wurzeln sicher geblieben, aber dennoch hat sie sich nach knackigen und überzeugenden Stücken mit progressivem Sound umgeschaut, die dem Mix hinzugefügt werden sollen. Es gibt Wellen von frischen Klängen, während das massive Fundament, auf dem HATEBREED stehen, weiterhin stark gehalten wird. "Auf diesem Album habe ich mich wirklich angestrengt und mich dazu gebracht, die Dinge umzuschreiben, bis sie besser waren, bis es klickte. Ich habe mich aus dieser Komfortzone herausgerissen. Im Zeitalter der Altlasten, in dem die Bands so viele Hits aus ihrem Katalog bei Shows spielen müssen, hören wir gerne, dass die Fans neue Songs verlangen, wenn wir live spielen", erklärt Jasta, "wir haben mit diesem Album wirklich unsere Stärken ausgenutzt". "An fleischigen Rippen und adrenalingeladenen Trommeln mangelt es auf dieser Platte nicht. Ich bin stolz darauf, dass wir durchweg einen Soundtrack liefern, zu dem man in seinem Wohnzimmer moshen und seine Wohnung zerstören kann", erklärt Schlagzeuger Matt Byrne. Bei der erneuten Aufnahme des Albums mit Hilfe von ZEUSS erlebte die Band ein Gefühl der Herausforderung und des Durchbruchs, das es ihr ermöglichte, eine neue Ebene des Klangs zu erreichen.

Nachdem er mehrere Jahre lang mit der Band gearbeitet hat und während er normalerweise seine Zeit mit Bands verbringt, die einen ziemlich anderen Sound haben, ist Zeuss in der Lage, HATEBREED zu testen und ihre bereits berüchtigte Schwingung zu erweitern. "Es war wirklich großartig, wieder mit Zeuss an diesem Projekt zu arbeiten. Ich liebe die Art und Weise, wie die Gitarren klingen", kommentiert Gitarrist Wayne Lozinak. Im Laufe der Zeit scheint die Qualität der Produktionstechnologie immer besser zu werden und ein sicheres und produktives Nest zu schaffen, in dem das Album

Bonobo veröffentlicht sein neues Album ‘Fragments’ auf Ninja Tune mit Gastfeatures von Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei & weiteren!

Mit „Fragments“ veröffentlicht Bonobo alias Simon Green die emotional intensivste Platte die er je produziert hat - keine Überraschung also, dass er es auch als sein Opus Magnum betrachtet. Auf dem Album sind Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei, O'Flynn und Miguel Atwood-Ferguson zu hören. Das Album entstand zunächst aus Ideenfragmenten und Experimenten und wurde schließlich in einem Ausbruch von Kreativität zusammengefügt, der sowohl durch Zusammenarbeit als auch durch Greens Flucht in die Wildnis befeuert wurde.
Als einer der größten Namen in der Dance-Musik kann Green auf drei Grammy-Nominierungen und 2 Millionen verkaufte Tickets für die Tour zu seinem 2017er Album, „Migration“, zurückblicken. „Migration“ war ein Top-Ten-Album in mehreren Ländern, ein Top-Five-Album in Großbritannien, erreichte Platz 11 der deutschen Albumcharts und war Billboards Dance-Album Nummer eins in den USA. Außerdem ist er ein beliebter Mainstage-Performer bei den größten Musikfestivals der Welt. „Fragments“ ist eine Serie von zwölf klanglichen Bekenntnissen, die einige der härtesten und tanzbarsten Grooves enthalten, die Green je geschaffen hat. Die Balladen sind perfekt platziert. sie fangen eine Welt im Wandel ein und glühen vor Hoffnung. Die Ideen herauszukitzeln, erforderte anfangs einige harte Arbeit. Der ständig auf Tournee befindliche Green arbeitet am besten, wenn er in Bewegung ist, folglich zwang ihn der weltweite Stillstand zum persönlichen Stillstand.

LTD Edition!

Bonobo veröffentlicht sein neues Album ‘Fragments’ auf Ninja Tune mit Gastfeatures von Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei & weiteren!

Mit „Fragments“ veröffentlicht Bonobo alias Simon Green die emotional intensivste Platte die er je produziert hat - keine Überraschung also, dass er es auch als sein Opus Magnum betrachtet. Auf dem Album sind Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei, O'Flynn und Miguel Atwood-Ferguson zu hören. Das Album entstand zunächst aus Ideenfragmenten und Experimenten und wurde schließlich in einem Ausbruch von Kreativität zusammengefügt, der sowohl durch Zusammenarbeit als auch durch Greens Flucht in die Wildnis befeuert wurde.
Als einer der größten Namen in der Dance-Musik kann Green auf drei Grammy-Nominierungen und 2 Millionen verkaufte Tickets für die Tour zu seinem 2017er Album, „Migration“, zurückblicken. „Migration“ war ein Top-Ten-Album in mehreren Ländern, ein Top-Five-Album in Großbritannien, erreichte Platz 11 der deutschen Albumcharts und war Billboards Dance-Album Nummer eins in den USA. Außerdem ist er ein beliebter Mainstage-Performer bei den größten Musikfestivals der Welt. „Fragments“ ist eine Serie von zwölf klanglichen Bekenntnissen, die einige der härtesten und tanzbarsten Grooves enthalten, die Green je geschaffen hat. Die Balladen sind perfekt platziert. sie fangen eine Welt im Wandel ein und glühen vor Hoffnung. Die Ideen herauszukitzeln, erforderte anfangs einige harte Arbeit. Der ständig auf Tournee befindliche Green arbeitet am besten, wenn er in Bewegung ist, folglich zwang ihn der weltweite Stillstand zum persönlichen Stillstand.

The solo project of Malmö songwriter Katja Nielsen, of acclaimed punk
combo Arre! Arre!, is finally ready to unleash her debut LP 'Violent
Tendencies', a ten-track deep dive into the stories of female murderers
Expertly produced, Violent Tendencies, takes its cues from '60s garage rock and
girl groups rather than the eighties infused goth pop of her early EP's, looking
outward rather than inward for a rollercoaster that veers between a glut of
different genres, themes and lyrical ideas, although still scored through with
Nielsen's sharp ear for melody. Pressed on black vinyl.

Repress

Arad, real name Dara Smith, first joined the VOITAX catalogue in June 2020. Back then, the Irish artist served us up with "Radiance Haze" - a 6-track EP, spanning from heavy-hitting breaks to the ethereal ambience, with heavy features of Smith's vocals. Known for his multidisciplinary vision on music, he has also previously made seminal moves with his work as one half of Lakker, alongside Eomac, dropping groundbreaking music on heavyweight labels such as R&S, Blueprint and Stroboscopic Artefacts. For his second EP on VOITAX, Smith now returns with five beautifully crafted tracks that he titles "Augmented Fantasy". While following a similar approach, he does not fail to expand his repertoire of celestial dream-like atmospheres, which he carefully surrounds with a whole variety of vocals, and accurately placed broken drum patterns. In addition to his own singing, Arad also presents two impressive collaboration tracks, in which one of them features the voice of Stine Omar, also widely known as one half the Berlin-based pop duo EASTER. Driving rhythmics and processed, grainy vocals turn this piece into guaranteed hit material. Another collaboration with the befriended vocalist and music producer Nina Hynes serves as a touching closing chapter for this brilliantly produced, eclectic 5-tracker. All pieces are perfectly glued together while keeping their very individual character and soundscapes. The listener is certainly left with an augmented fantasy, as well as a curiosity to hear more to come from the Irish talent.

After Giorgio Lopez fantastic debut EP on Horisontal Mambo (and a rumored follow up)
we present the "Prins Thomas Diskomiks" takes of 3 select cuts.
Further enhanced and balanced, prolonged and dubbed,
chopped, screwed and glued with the dancefloor and dj in mind.

Lovers of fabulously swung, nice ‘n chunky house music have a treat in store on Hudd Traxx 066 as Swiss producer Agnès makes a very welcome, vinyl only return to our label.

Much-loved for his stripped back and dubby style - with previous EP “Got That Music In My Mind” championed by Disclosure on their Mixmag mix - here we witness the Sthlmaudio Recordings founder loosening up with four shoulder-rolling rides of deep house greatness which commemorates his and Eddie Leader’s tour of South America in 2013/14.

It’s the first new material we’ve heard from the producer since his 2016 EP “Accent Grave” and the track “Embryonic Connections” off our 15th year anniversary collection released early in the year.

Effortless in construction, with the genre’s classic tropes of poking organs, sub-tickling bass, rich atmospheres and cheeky, playful vocal samples littered throughout; the EP’s real beauty comes across in Agnès’ unfathomable grasp of swing and shuffle, instantly injecting listeners with a fidgety energy and need to dance. His percussion sounds fizz, pop and crack in a manner that’d make Kerri Chandler blush while neon-hued pads glue the whole thing together with a radioactive warmth. Chuck in an almost shamanic level of dancefloor understanding & connectivity and what you have here is a breakthrough dose of unrivalled hedonism.

There’s a sophisticated simplicity and sympathy at work here; with a reduced, hard-hitting and well thought out sound palette connecting the tracks together with the same impassioned spirit. That fiery flame of a basement and a red light, encapsulated perfectly and destined to rouse the spirits of house heads across world this Autumn…