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Silberfarbenes Vinyl. 80er-Jahre-Synthie-Rock-Pop-Magie für Fans von Vierspuraufnahmen. Der DIY-Außenseiter Rick Cuevas war ein Post-Punk-Flüchtling auf der Suche nach einer Vision für einen Hit. "The Birds", 1984 zu Hause aufgenommen, ist der 40 Jahre verspätete Viralkracher und eine von acht retro-futuristischen Hymnen, die Cuevas' Debütalbum ausmachen. Diese von den analogen Bändern neu gemasterte Jubiläumsausgabe repliziert das Original, das in einer Auflage von nur 200 Exemplaren erschienen war, für maximalen Teleportationswert.

WHEN A NIGHT IN SOUNDS LIKE A NIGHT OUT! Eine schillernde 11-Track-Reise durch die handverlesenen Perlen unter Numeros besten. Eccentric verbindet die zeitlose Wärme des klassischen Soul mit einem frischen, modernen Twist: Eccentric Modern Soul präsentiert eine weitläufige Klanglandschaft, die sich sowohl nostalgisch als auch neu anfühlt.

"Kunst zu kreieren ist für mich ein ständiger Kampf den Fokus zu behalten; denn wir leben in einer Zeit voller Unterbrechung und Zerrüttung, äußert sich die Tune-Yards Sängerin Merrill Garbus über ihr sechstes Album "Better Dreaming". Mit einer klaren Haltung zu Antifaschismus, Befreiung und Anderssein präsentiert das neue Album einige der eingängigsten und funkigsten Pop-Momente von Tune-Yards bisher - und ja, tanzen kann man dazu auch. Die Songs entstanden für Garbus und ihren Bandkollegen und Partner Nate Brenner mit ungewöhnlicher Leichtigkeit - sie ließen die Musik einfach fließen und folgten jeder kreativen Spur, die sich ergab. Nach der Isolation in der Pandemie und der langen Pause von Tourneen und Live-Shows war das Bedürfnis, sich von Musik bewegen zu lassen, stärker denn je. Auch die einzigartige Erfahrung, ein menschliches Wesen heranwachsen zu sehen, prägte den Entstehungsprozess. Ihr gemeinsames Kind, heute drei Jahre alt, ist auf dem Song "Limelight" zu hören - ein Song, der aus gemeinsamen Tanzmomenten zur Musik von George Clinton entstand. Die Songs wurden als Duo aufgenommen und basieren - mit einer Ausnahme - auf Merrills Drum-Loops und Rhythmusstrukturen, ähnlich wie auf ihren frühen Alben_Ç»"Bird-Brains"_Ç»und_Ç»"W H O K I L L". Der Opener_Ç»"Heartbreak"_Ç»baut riesige Vokalharmonien um einen druckvollen Beat aus Klicks, Pops, Samples und gedubbten Snares. Garbus besingt darin Herzschmerz als Antrieb, als Herausforderung - Zeilen wie "Watch me survive another heartbreak"_Ç»wirken wie ein Aufruf zum Weitermachen. Das treibende_Ç»"How Big is the Rainbow"_Ç»setzt auf Four-on-the-Floor-Rhythmus und versprüht Disco-House-Energie - mit der Atmosphäre eines queeren Club-Hits voller Strobo und Intensität. "Better Dreaming"_Ç»ist ein kraftvolles Manifest für Selbstliebe, kollektives Handeln, Befreiung auf der Tanzfläche sowie die Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Angesichts der Herausforderungen und Unsicherheiten der Gegenwart stellt sich Tune-Yards die Frage: Wie viel echte Energie und Freude lassen sich durch Musik überhaupt transportieren? Mit seinem mitreißenden, lebensbejahenden Art-Pop für eine Welt im Umbruch macht_Ç»"Better Dreaming"_Ç»genau das.

"Kunst zu kreieren ist für mich ein ständiger Kampf den Fokus zu behalten; denn wir leben in einer Zeit voller Unterbrechung und Zerrüttung, äußert sich die Tune-Yards Sängerin Merrill Garbus über ihr sechstes Album "Better Dreaming". Mit einer klaren Haltung zu Antifaschismus, Befreiung und Anderssein präsentiert das neue Album einige der eingängigsten und funkigsten Pop-Momente von Tune-Yards bisher - und ja, tanzen kann man dazu auch. Die Songs entstanden für Garbus und ihren Bandkollegen und Partner Nate Brenner mit ungewöhnlicher Leichtigkeit - sie ließen die Musik einfach fließen und folgten jeder kreativen Spur, die sich ergab. Nach der Isolation in der Pandemie und der langen Pause von Tourneen und Live-Shows war das Bedürfnis, sich von Musik bewegen zu lassen, stärker denn je. Auch die einzigartige Erfahrung, ein menschliches Wesen heranwachsen zu sehen, prägte den Entstehungsprozess. Ihr gemeinsames Kind, heute drei Jahre alt, ist auf dem Song "Limelight" zu hören - ein Song, der aus gemeinsamen Tanzmomenten zur Musik von George Clinton entstand. Die Songs wurden als Duo aufgenommen und basieren - mit einer Ausnahme - auf Merrills Drum-Loops und Rhythmusstrukturen, ähnlich wie auf ihren frühen Alben_Ç»"Bird-Brains"_Ç»und_Ç»"W H O K I L L". Der Opener_Ç»"Heartbreak"_Ç»baut riesige Vokalharmonien um einen druckvollen Beat aus Klicks, Pops, Samples und gedubbten Snares. Garbus besingt darin Herzschmerz als Antrieb, als Herausforderung - Zeilen wie "Watch me survive another heartbreak"_Ç»wirken wie ein Aufruf zum Weitermachen. Das treibende_Ç»"How Big is the Rainbow"_Ç»setzt auf Four-on-the-Floor-Rhythmus und versprüht Disco-House-Energie - mit der Atmosphäre eines queeren Club-Hits voller Strobo und Intensität. "Better Dreaming"_Ç»ist ein kraftvolles Manifest für Selbstliebe, kollektives Handeln, Befreiung auf der Tanzfläche sowie die Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Angesichts der Herausforderungen und Unsicherheiten der Gegenwart stellt sich Tune-Yards die Frage: Wie viel echte Energie und Freude lassen sich durch Musik überhaupt transportieren? Mit seinem mitreißenden, lebensbejahenden Art-Pop für eine Welt im Umbruch macht_Ç»"Better Dreaming"_Ç»genau das.

WHEN A NIGHT IN SOUNDS LIKE A NIGHT OUT! Eine schillernde 11-Track-Reise durch die handverlesenen Perlen unter Numeros besten. Eccentric verbindet die zeitlose Wärme des klassischen Soul mit einem frischen, modernen Twist: Eccentric Modern Soul präsentiert eine weitläufige Klanglandschaft, die sich sowohl nostalgisch als auch neu anfühlt.

Legendary Latin jazz percussionist Poncho Sanchez returns with his 31st recording, Live at The Belly Up Tavern. Recorded at the iconic venue in Solana Beach, California, this electrifying live album captures the raw energy and passion that have defined Sanchez’s storied career.
A GRAMMY Award winner for Latin Soul (Best Latin Album, 1999), Sanchez has spent decades honoring and expanding the Latin jazz tradition. With a discography that includes classics like Soul of the Conga, Latin Spirits, Out of Sight!, and Psychedelic Blues, his music bridges Afro-Cuban rhythms, hard bop, and soul, bringing the spirit of legends like Dizzy Gillespie and Chano Pozo to a new generation.
Following his tribute album Chano y Dizzy! and the dynamic Live in Hollywood, Sanchez once again delivers a masterful live performance, full of infectious grooves, rich storytelling, and blazing solos. Live at The Belly Up Tavern is a must-have for jazz lovers and fans of high-energy, soulful Latin music.

Julie in Memphis. Während Erics Trip auf Eis lag, flog die Herzogin des kanadischen Flanells im Dezember 1996 in den Süden, um ein Album mit Balladen über postpartale Depression aufzunehmen. Zusammen mit Howe Gelb von Giant Sand und David Shouse von The Grifters, fängt Loneliest In The Morning Julies blaue Phase mit zitternder Genauigkeit ein.

Just as Duster's landmark debut album Stratosphere was making its first orbit, Clay Parton, Dove Amber, and Jason Albertini tracked a largely improvised companion capsule under their Valium Aggelein alter ego. An ode to '70s Kosmische, Hier Kommt Der Schwartze Mond is a skeletal space nap for the prozac generation. Remixed and remastered from the original 16 track analog tapes, the 1998 album has been adjoined by 15 period-appropriate bonus tracks. A fuzzy masterpiece, hidden in plain sight, by the most important slowcore band of all time.

This fourth selection of outernational dub from Richard Norris is the best one yet. Booming bass, seismic echoes and fathoms deep reverb take up a widescreen space and shake the foundations. Mighty dub versions and melodies. Dive in!

Unter Präsidentschaftskandidaten und zukünftigen Astronauten, war die North Carolina Agricultural and Technical State Universität in Greensboro eine Brutstätte für schwarze Spitzenleistungen, Aktivismus und Talent. Unter einem halben Dutzend Labels versammelte der lokale Tölpel Walter Grady eine wechselnde Besetzung von Städtern, Homecoming-Queens und großen Männern auf dem Campus um einen schillernden Sound zu manifestieren, der sowohl einheimisch und revolutionär war. "Eccentric Soul: The Linco-Label" versammelt melodische Meilensteine aus dem Geburtsort der Bürgerrechtsbewegung.

Unter Präsidentschaftskandidaten und zukünftigen Astronauten, war die North Carolina Agricultural and Technical State Universität in Greensboro eine Brutstätte für schwarze Spitzenleistungen, Aktivismus und Talent. Unter einem halben Dutzend Labels versammelte der lokale Tölpel Walter Grady eine wechselnde Besetzung von Städtern, Homecoming-Queens und großen Männern auf dem Campus um einen schillernden Sound zu manifestieren, der sowohl einheimisch und revolutionär war. "Eccentric Soul: The Linco-Label" versammelt melodische Meilensteine aus dem Geburtsort der Bürgerrechtsbewegung.

Es ist ein unwahrscheinlicher Eindruck, den Xmal Deutschland in den frühen Achtzigern nicht nur auf das hiesige, sondern auch auf ihr britisches Publikum gemacht haben. Es war wie gebannt von den unvermittelten Stakkato-Rhythmen, der mysteriösen (also: deutschen) Sprache und der Kraft und Vision der beteiligten Musikerinnen. 40 Jahre später, genauer am 9. Mai 2025, erscheint nun "Gift: The 4AD Years", mit dem das Londoner Label die Jahre 1983/1984 wieder aufleben lässt. Die 3xLP führt das fiebrige "Fetisch", das mächtige "Tocsin" und die korrespondierenden EP-Tracks zu einem Ganzen zusammen, das pulsiert vor Energie und Haltung. Enthalten sind auch die Bandklassiker "Incubus Succubus II" und "Qual". Das Coverartwork mit einer Fotoarbeit von Peter Schulte wurde auf Grundlage von 23 Envelope-Originalarbeiten von Timothy O"Donnell designt. Es kommt begleitend zu den originalen Sleeve-Fotografien von Nigel Grierson. Hinzu kommt ein Fotobuch mit Bildern von Kevin Cummins, Paul Slattery, Sheila Rock und weiteren sowie einem Text von Chris Roberts. "Gift: The 4AD Years" erscheint am 9 Mai digital, auf Doppel-CD sowie als 3xLP auf transparentem, rotem Vinyl sowie exklusiv in Deutschland als Crystal Clear Vinyl.

3xLP Boxset mit den remasterten 4AD-Alben Fetisch und Tocsin und den EPs Incubus Succubus II und Qual Es ist ein unwahrscheinlicher Eindruck, den Xmal Deutschland in den frühen Achtzigern nicht nur auf das hiesige, sondern auch auf ihr britisches Publikum gemacht haben. Es war wie gebannt von den unvermittelten Stakkato-Rhythmen, der mysteriösen (also: deutschen) Sprache und der Kraft und Vision der beteiligten Musikerinnen. 40 Jahre später, genauer am 9. Mai 2025, erscheint nun "Gift: The 4AD Years", mit dem das Londoner Label die Jahre 1983/1984 wieder aufleben lässt. Die 3xLP führt das fiebrige "Fetisch", das mächtige "Tocsin" und die korrespondierenden EP-Tracks zu einem Ganzen zusammen, das pulsiert vor Energie und Haltung. Enthalten sind auch die Bandklassiker "Incubus Succubus II" und "Qual". Das Coverartwork mit einer Fotoarbeit von Peter Schulte wurde auf Grundlage von 23 Envelope-Originalarbeiten von Timothy O"Donnell designt. Es kommt begleitend zu den originalen Sleeve-Fotografien von Nigel Grierson. Hinzu kommt ein Fotobuch mit Bildern von Kevin Cummins, Paul Slattery, Sheila Rock und weiteren sowie einem Text von Chris Roberts. "Gift: The 4AD Years" erscheint am 9 Mai digital, auf Doppel-CD sowie als 3xLP auf transparentem, rotem Vinyl sowie exklusiv in Deutschland als Crystal Clear Vinyl.

Detroit’s Apollo Brown and Rochester’s Hassaan Mackey operate in a world where every drum slap lands like a timeworn truth and every bar drips with lived-in wisdom. Brown’s production is rich with that signature crackle—soul loops stretched and repurposed into something both hauntingly nostalgic and unmistakably fresh. Mackey’s delivery is sharp yet unhurried, weaving Northern NY grit with effortless poise. It’s the kind of record that doesn’t beg for attention but demands respect. Now available on Black & Yellow Starburst Vinyl. Sounds Beautiful Like The Truth.

Charlie Megira's self-reflexive final album found him far from his Beth She'an Valley home and surrounded by a new cast of Hillbillies. After spending 15 years toying with goth, sound collage, grunge, and dark wave, Boom Chaka Boom Boom is a sprawling mix of plunking country blues, Black Lodge terror, ambient montages, 17th century Lutheran hymns, and noodling spaghetti western kitsch. Deck his soul with gladness.

Die irische Musikerin Maria Somerville kündigt ihr zweites Album "Luster" für den 25. April an. Es ist zugleich ihr Debüt bei 4AD. Mit dem Announcement erscheint die Single "Garden". Der Track taucht ihre sirenenhaften Vocals in einen Sound aus schwirrendem Feedback, luftiger Percussion und nostalgischen Gitarren, der Erinnerungen an die klassische 4AD-Phase heraufbeschwört. Bereits im letzten Jahr war der hypnotische Shoegaze-Track "Projections" erschienen, mit dem Somerville eine erste Spur in Richtung des Sounds ihres kommenden Albums gelegt hatte. Somerville wuchs im ländlichen County Galway an der bergigen und rauen irischen Westküste auf. Sie zog später nach Dublin, wo sie an ihrem Signature-Sound arbeitete: atmosphärischem Dreampop, der von der Landschaft ihrer Jugend geprägt bleibt. Die ätherischen Gitarrenklänge, spärlichen Rhythmen und elektronischen Ambient-Sounds hielt sie erstmals auf dem 2019 selbst veröffentlichten Album "All My People" fest, einem Werk, das knietief in Nostalgie und Sehnsucht watet. Erst als sie nach Connemara zurückkehrte, in ein Haus nicht weit von dem, in dem sie aufwuchs - und von wo aus man einen der größten Seen des Landes, den Lough Corrib, überblicken konnte - begann Somerville mit der Arbeit an Musik, die schließlich zum neuen Album "Luster" werden sollte. Während ihr DIY-Debüt Erinnerungen und Melancholie in nebligen Slowcore hüllte, zeigen die zwölf neuen Tracks eine Künstlerin, die sich des Weges, den sie eingeschlagen hat, viel sicherer ist. "I can see more clearly than I could before. I know now what"s true for me", singt sie passend in "Trip". Gestärkt durch die neue, alte Umgebung und ermutigt durch ihre Community, entwickelte Somerville wieder kreative Energien. Der Boden erwies sich im wahrsten Sinne als fruchtbar, als sie in lockeren Wohnzimmer-Sessions erste Demos aufnahm, die später u. a. mit J. Colleran und Ian Lynch (Lankum) ausgearbeitet und schließlich vom New Yorker Engineer Gabriel Schuman (Oneohtrix Point Never, Princess Nokia, David Byrne) gemixt wurden. Eine gewisse Popularität erreichte Somerville auch durch ihre "Early Bird Show" auf NTS Radio, wo sie seit 2021 zwei Mal die Woche ein Morgenprogramm hostet, in dem sie Musik zwischen Shoegaze und traditionellem irischen Folk vorstellt. Im selben Jahr unterschrieb sie ihren Vertrag bei 4AD, wo sie bislang zwei Compilation-Beiträge veröffentlichte und mit ihren Labelmates Dry Cleaning auf Tour ging. 2025 wird sie mit Band Shows auf der ganzen Welt spielen, darunter auch Konzerte in Deutschland.

Die norwegische Musikerin, Künstlerin und Autorin Jenny Hval kündigt mit Veröffentlichung der Single "To Be A Rose" ihr neues Album "Iris Silver Mist" und europäische Livedates an. Benannt ist das Album nach einem Duft des Parfümeurs Maurice Roucel, über das man sagt, es rieche mehr noch als nach Silber nach Stahl, sei kalt und stechend, zugleich aber sanft und schimmernd - so als trete man früh an einem nebligen morgen aus dem Haus, der Körper noch warm vom Schlaf. Ein Parfüm mit seinen Herznoten und Akkorden teilt sich die Sprache mit der Musik. Beide reisen durch die Luft, unverkennbar und doch unsichtbar. Die Geschichte von "Iris Silver Mist" beginnt aber nicht mit Musik, sondern mit ihrer Abwesenheit. Als die Pandemie dazu führte, dass es keine Orte mehr für Livemusik gab, wurden die Gerüche von Zigaretten und Seife, der des warmen Schweißes unterm Bühnenlicht und der geteilten WCs ersetzt: durch körperloses, algorithmisches Hören zuhause. Für Hval führte das zu einem plötzlichen, seit Teenager-Zeiten eingeschlafenen Interesse an Parfum. Riechen, lesen, sammeln, schreiben - sie tauchte ab in die Welt der Düfte, während sie ihre Musik vorerst auf Eis legte. Es brauchte ein Jahr, um zu verstehen, was passiert war: Hval war auf der Suche nach einem anderen Weg, physische Nähe zu empfinden. Die Leerstelle, die die Musik hinterlassen hatte, hatte sie mit Düften gefüllt. "Iris Silver Mist" ist vielleicht auch deshalb so sinnlich, greifbar und intim - berührend wie Gerüche, Klänge und Bilder, wenn sie zusammen wirken. In einer Reihe von Performances, die Hval im letzten Jahr unter dem Titel "I want to be a machine" auf die Bühne brachte, spielte sie erstmals Songs vom kommenden Album. Sie umgab sich dabei mit Reiskochern, die die Songs in den dunstigen Duft von Reis hüllten. Die Albumkampagne mit einer solchen Liveperformance zu starten, war eine ungewöhnliche Herangehensweise. Aber es hatte auch etwas sehr Unmittelbares. Mit der Unterstreichung des physischen Elements der Musik, des Live-Aspekts an sich, brachten die Songs Hval jene Erfahrungen zurück, die ihr so lang gefehlt hatten.

Die norwegische Musikerin, Künstlerin und Autorin Jenny Hval kündigt mit Veröffentlichung der Single "To Be A Rose" ihr neues Album "Iris Silver Mist" und europäische Livedates an. Benannt ist das Album nach einem Duft des Parfümeurs Maurice Roucel, über das man sagt, es rieche mehr noch als nach Silber nach Stahl, sei kalt und stechend, zugleich aber sanft und schimmernd - so als trete man früh an einem nebligen morgen aus dem Haus, der Körper noch warm vom Schlaf. Ein Parfüm mit seinen Herznoten und Akkorden teilt sich die Sprache mit der Musik. Beide reisen durch die Luft, unverkennbar und doch unsichtbar. Die Geschichte von "Iris Silver Mist" beginnt aber nicht mit Musik, sondern mit ihrer Abwesenheit. Als die Pandemie dazu führte, dass es keine Orte mehr für Livemusik gab, wurden die Gerüche von Zigaretten und Seife, der des warmen Schweißes unterm Bühnenlicht und der geteilten WCs ersetzt: durch körperloses, algorithmisches Hören zuhause. Für Hval führte das zu einem plötzlichen, seit Teenager-Zeiten eingeschlafenen Interesse an Parfum. Riechen, lesen, sammeln, schreiben - sie tauchte ab in die Welt der Düfte, während sie ihre Musik vorerst auf Eis legte. Es brauchte ein Jahr, um zu verstehen, was passiert war: Hval war auf der Suche nach einem anderen Weg, physische Nähe zu empfinden. Die Leerstelle, die die Musik hinterlassen hatte, hatte sie mit Düften gefüllt. "Iris Silver Mist" ist vielleicht auch deshalb so sinnlich, greifbar und intim - berührend wie Gerüche, Klänge und Bilder, wenn sie zusammen wirken. In einer Reihe von Performances, die Hval im letzten Jahr unter dem Titel "I want to be a machine" auf die Bühne brachte, spielte sie erstmals Songs vom kommenden Album. Sie umgab sich dabei mit Reiskochern, die die Songs in den dunstigen Duft von Reis hüllten. Die Albumkampagne mit einer solchen Liveperformance zu starten, war eine ungewöhnliche Herangehensweise. Aber es hatte auch etwas sehr Unmittelbares. Mit der Unterstreichung des physischen Elements der Musik, des Live-Aspekts an sich, brachten die Songs Hval jene Erfahrungen zurück, die ihr so lang gefehlt hatten.

Das Album "The Scholars" spielt auf dem fiktiven Campus der Parnassus Universität. Die Songs des Albums erzählen von Studierenden und Dozierenden sowie deren Erlebnissen als lose Erzählung über Leben, Tod und Wiedergeburt. Die erste Single "Gethsemane" gibt einen Vorgeschmack auf die spirituelle Reise, die das komplette Album prägt. Im Mai 2020 veröffentlichten Car Seat Headrest (Sänger Will Toledo, Gitarrist Ethan Ives, Schlagzeuger Andrew Katz und Bassist Seth Dalby) ihr experimentelles, beatlastiges Album "Making a Door Less Open" - just in dem Moment, als die Welt zum Stillstand kam. Die darauffolgende Phase der erzwungenen Pause zog sich über Jahre. Als sie 2022 endlich wieder auf Tour gehen konnten, waren sie überrascht und erfreut, dass ihr Publikum jünger war als je zuvor. Dank des unerwarteten viralen Erfolgs von "It"s Only Sex" und "Sober to Death" hatte eine neue Generation ihre Coming-of-Age-Klassiker "Teens of Denial" und "Twin Fantasy" für sich entdeckt. "The Scholars" wurde von Toledo produziert und größtenteils analog aufgenommen. Für die Lyrics und die erzählerische Struktur ließ sich Toledo durch Klassiker inspirieren - von Shakespeare über Mozart bis hin zu Opernmusik. Musikalisch orientiert sich "The Scholars" behutsam an großen Rock-Opern und Konzeptalben wie "Tommy" von The Who oder "Ziggy Stardust" von David Bowie. Die erste Albumhälfte dreht sich um Studierende und ihre spirituellen und persönlichen Krisen, während die zweite Hälfte von einer epischen Auseinandersetzung zwischen Tradition und Aufbruch handelt. "Ein Problem vieler Rock-Opern ist, dass die einzelnen Songs der Story untergeordnet werden und dadurch weniger für sich stehen", sagt Toledo. "Ich wollte einen Mittelweg finden, bei dem jeder Song als eigenständiger Charakter funktioniert - als würde er auf die Bühne treten und seinen großen Moment haben." Auf Sound lag diesmal ein besonderer Fokus. Ethan Ives übernahm eine aktivere Rolle in der Soundgestaltung, was zu einer dichten, vielschichtigen Produktion führte. Neben Stücken wie dem 19-minütigen "Planet Desperation" enthält das Album auch eingängige Songs wie "The Catastrophe (Good Luck With That Man)", das an den Folk-Pop der 60er Jahre erinnert. Car Seat Headrest sehen in "The Scholars" eine neue Ära ihrer Bandgeschichte, die weit über die Anfänge des ehemaligen Soloprojekts hinausgewachsen ist. Das Album erscheint als CD und auf Vinyl als Doppel-LP mit 28-seitigem Booklet.

Das verträumte Debütalbum der neuen texanischen Welle des amerikanischen Krautrocks. Aufgenommen 1996, bewegt sich "The Fun Of Watching Fireworks" zwischen zwischen Lo-Fi und Living Stereo. Mit hypnotischen Chemtrails, Ampex 456 Polyfaserstaub und subtropisches Ozon, während die Farfisa aufgewärmt wird. Remastered von den Originalbändern, als Erinnerung daran, wie das Leben in den früheren Zeiten gewesen ist. Unbefugte sind willkommen.

Farbiges "Too Tired Too Shine" VInyl. Das verträumte Debütalbum der neuen texanischen Welle des amerikanischen Krautrocks. Aufgenommen 1996, bewegt sich "The Fun Of Watching Fireworks" zwischen zwischen Lo-Fi und Living Stereo. Mit hypnotischen Chemtrails, Ampex 456 Polyfaserstaub und subtropisches Ozon, während die Farfisa aufgewärmt wird. Remastered von den Originalbändern, als Erinnerung daran, wie das Leben in den früheren Zeiten gewesen ist. Unbefugte sind willkommen.

Steeped in Caribbean flavor and seasoned with a fistful of hand-percussion, "Yamar" was initially sidelined from 2009's Cult Cargo: Grand Bahama Goombay for feeling less like cargo than an authentic piece of pan-Americana. Phish fans may recognize this previously unattainable A-side as it as been a staple in their setlists since the late '80s, imported by bassist Mike Gordon who heard the Mustangs performing it in a Bahamian hotel. Backed with the sweltering "Words To My Song," this doubler-sider is a must for any sea side or pool side DJ.

Idas viertes Album wurde finanziert von Capitol, in 14 Studios aufgenommen, vom New Yorker Label Tiger Style veröffentlicht und ging im Jahr-2000-Trubel unter. Die 14 Songs von "Will You Find Me" sind ein unermüdliches Kompendium und Ode an Schlaf, Sex, nächtliche Gespräche und andere bettlägerige Aktivitäten. Diese erweiterte Deluxe Edition zum 25-jährigen Jubiläum kommt in der Vinylausgabe mit 34 Outtakes, alternativen Abmischungen, 4-Spur-Demos und Covers aus dem umfangreichen Fundus der Band, die sich thematisch über vier LPs verteilt. Das begleitende 24-seitige Booklet dokumentiert Ida's Major Label Album, das es nie gab, mit atemberaubenden Fotos und einem ausführlichen Essay von Douglas Wolk.

Transparent Cloudy Clear "This Water" Vinyl. Idas viertes Album wurde finanziert von Capitol, in 14 Studios aufgenommen, vom New Yorker Label Tiger Style veröffentlicht und ging im Jahr-2000-Trubel unter. Die 14 Songs von "Will You Find Me" sind ein unermüdliches Kompendium und Ode an Schlaf, Sex, nächtliche Gespräche und andere bettlägerige Aktivitäten. Diese erweiterte Deluxe Edition zum 25-jährigen Jubiläum kommt in der Vinylausgabe mit 34 Outtakes, alternativen Abmischungen, 4-Spur-Demos und Covers aus dem umfangreichen Fundus der Band, die sich thematisch über vier LPs verteilt. Das begleitende 24-seitige Booklet dokumentiert Ida's Major Label Album, das es nie gab, mit atemberaubenden Fotos und einem ausführlichen Essay von Douglas Wolk.

m Herbst 2022 reiste Jerome Reuter, der luxemburgische Singer-Songwriter und Kreativkopf von ROME, erneut auf die grüne Insel, um dort einige entspannte Wochen mit seinen irischen Freunden zu verbringen. Wie nicht anders zu erwarten war, wurde viel getrunken und gelacht. Es entstanden aber auch Songs. Und am Ende der Reise erblickte eine weitere, faszinierende "Dublin Session" das Licht der Welt.

Wurden die Tracks der ersten Dublin Session noch im legendären "Sonic Studio" in der irischen Hauptstadt aufgenommen, zog man sich für die zweite Session bewusst in die grünen Hügel von Wexford County zurück, um in Brian Brodys "Ballycale Studio" vollkommen ungestört und ganz ohne Zeitdruck musizieren zu können. Alle daraus entstanden Lieder der "Dublin Session II" sind unveröffentlichte Neukompositionen, denen Dank renommierter, irischer Musiker der landestypische Folk-Sound innewohnt.

Auf "The Dublin Session II" verbindet sich auf fast schon ganz natürliche und vor allem sehr harmonische Art und Weise ROMEs ureigener Stil aus Proto-Folk mit dem Klang des Traditional Irish Folk. Hierfür rekrutierte Co-Produzent, langjähriger Freund und musikalischer Mitstreiter Brian Brody (Rack & Ruin) kurzerhand das Who-is-Who irischer Musiker wie Ronan O Snodaigh (Dead Can Dance, Kíla) am Bodhran, Eoin O Cionnaith (Van Morrison, Christy Moore) an den Uilleann Pipes, Matthew Hanaphy am Banjo und den Tin Whistles, Goshia Gasior auf der Violine und Andy Slowey am Bass.

Unter den Kompositionen befinden sich Lieder wie das eingängige, fast tanzbare "Hold the Line" oder das bitter-böse "The Tsarist Army", die einen Kontrapunkt zu melancholischeren Kompositionen wie "My White Rose" und "Muse of Fire" setzen. Nicht unbeeinflusst vom Kriegsgeschehen in Europa und den Zeichen der Zeit entstand so ein multilinguales Kleinod mit Liedtexten auf Französisch ("La Peau Dernière"), Deutsch ("An der Landwehr"), Englisch und Gälisch ("Eirigh Anois!" u.a.).

Totgeglaubte leben bekanntlich länger und so stellt man mit ROME fest: Der europäische Geist ist wohlauf!

Melancholische Gitarrenakkorde, ein introspektiver Gesang, und immer wieder bedrohliche und energische Ausbrüche mit Percussions und Stakkato. Zwischen intimem Songwriting und Soundtrack-inspiriertem Pathos bewegt sich Jerome Reuter, der nun, 2025, das zweite Jahrzehnt seiner Band ROME feiert.

Zwei Dekaden begleitet das Luxemburgische Bandprojekt ROME nun also die Europäische Tragödie. Und während sich die Alben der ersten zehn Jahre noch vor allem historischen Themen widmeten, treten in der nicht mindert produktiven Ära zwischen 2016 und 2025, die auf dieser neuen "Anthologie" dokumentiert wird, auch aktuelle und grundsätzliche philosophische Fragestellungen ins Zentrum. ROME orientierte sich immer am großen Bild. Im Songwriting deutlich inspiriert vom französischen Chanson, dem späten Johnny Cash und Nick Cave, wurden von Beginn an auch literarische Quellen verarbeitet, und werden sie nicht namentlich genannt (wie bei "The Secret Germany" Paul Celan), so schwingen sie doch zwischen den Zeilen mit, die Denker - nicht nur - des 20. Jahrhunderts. Philosophische und gar okkulte Aspekte werden auf den Alben reflektiert ("The Hyperion Machine", "Hall of Thatch", "The Lone Furrow", "Le Ceneri di Heliodoro"), doch immer wieder wird es konkret, sei es mit Blick auf die russische Invasion in der Ukraine ("Gates of Europe", "World in Flames") und grundlegende Konflikte, die mythisch gelesen werden ("Coriolan", "Hegemonikon"). Wiederkehrend ist das mythische Motiv der Sonne, so auch auf dem jüngsten Werk "Civitas Solis".

Mal als volles Band-Line-Up, mal als Singer-Songwriter, und immer wieder im Austausch mit anderen Musikern (etwa Nergal von Behemoth oder der schwedischen Punklegende Thåström), Jerome Reuter erfindet sich beständig neu, und arbeitet kontinuierlich an einer singulären Stimme in der gegenwärtigen Popkultur. Wie ein Januskopf zurückgewandt in die Zukunft blickend.

A Man Against Time...

Die Schatten des Krieges verdunkeln Europa. Die 20er Jahre des neuen Jahrtausends erwecken beklemmende Erinnerungen an jene Zwischenkriegszeit einhunderte Jahre zuvor, aus der unweigerlich der Zweite Weltkrieg entstand. Nun steht die Ukraine in Flammen, täglich bedrängt von russischen Angriffen. Und Europa ist zerrissen in diesem Konflikt, der oft nur wie der Vorbote eines viel größeren Katastrophe wirkt.

Jerome Reuter hat mit seiner Band ROME die Musik als Mittel gewählt, Europas Schicksal zu kommentieren und zu verarbeiten. Seit 2005 schreibt er Lieder und Konzeptalben, die sich den Schlüsselmomenten der Geschichte widmen, ihre Mythen und Narrative reflektieren und kommentieren. Dabei behandelt er historische Themen aus einer künstlerischen Distanz, dekonstruiert Ereignisse und Ideologeme, betrachtet sie aus unterschiedlichsten Perspektiven und gibt sie uns als Frage zurück. Er wird vom mal melancholischen, mal wütenden Zeitzeugen zum teilnehmenden Beobachter, aus dessen individualsubjektiver Sicht die Dinge unmittelbar mit Pathos aufgeladen erscheinen. Mit ROME sollen wir erkennen, beobachten, erschauern und erschrecken, aber auch neu erstrahlen: "We walk in brightest Black towards the Sun".

Reuters Songwriting gleicht oft einer Reise, auf der sich visuelle Eindrücke mit persönlichen Gesprächen mischen. Als lese man in seinem Tagebuch nach einem turbulenten Tag, der persönlich reflektiert und schließlich in ikonische Metaphern gegossen wird. "Civitas Solis" soll ausdrücklich nicht als Konzeptalbum verstanden werden, wie wir es zuvor so oft von ROME erleben durften. Immer schien sich Reuter ganz jenen Themen zu verschreiben, ging in emotionaler Hingabe und Identifikation auf, nur um dann wieder Distanz einzunehmen, um das Geschehen aus einer neuen Perspektive und in anderem Licht zu betrachten.

Jerome Reuter ist ein Suchender auf den verschlungenen Wegen der Geschichte, getrieben von einer Sehnsucht nach Europa, dem Mythos, der Utopie - zwischen aufgeklärtem Manifest und irrationaler Festung. Als zentrale Metapher dient ihm diesmal Civitas solis, der "Sonnenstaat" aus der utopischen Schrift des Dominikaners Tommaso Campanella (1623). Darin wird der wirtschaftliche und politische Aufbau eines idealen Staates imaginiert - eine der ersten gesellschaftlichen Utopien. In der Welt von ROME kann dieses Modell höchst ambivalent gelesen werden, denn Reuter bewegt sich von jeher assoziativ zwischen Anarchismus und Traditionalismus.

Stilistisch bedient sich ROME auf "Civitas Solis" einer ungewöhnlichen Bandbreite - angelegt zwischen der Liedermacherkunst von Jacques Brel, Leonard Cohen und Townes van Zandt, kalten Dark Wave-Akkorden und akzentuierten Akustikgitarren. Das Wechselbad aus martialischen Hymnen und introspektiven Balladen kehrt zu zahlreichen Schlüsselmomenten aus zwanzig Jahren Bandgeschichte zurück und wie alle ROME-Alben wirft es vor allem Fragen auf. Provozierende Fragen. Was wird unsere Zukunft bringen? Und was bedeutet das für Europa? Uns bleibt nichts übrig, als in die Fern blicken, "standing on the Western Wall". Jerome Reuter ist ein "Man against Time" und mit ihm bezeugen wir den Sturm.

Das traurige Mädchen aus dem Soft-Grunge der 90er Jahre. Beziehung am Ende, schwanger, Oma stirbt. Die übliche 21. Reise um die Sonne. Zwischen Erics Trip-Alben, Freunden und wechselnden Kleidergrößen klimperte Julie ihre niedergeschlagenen Schlafzimmer-Pop-Tagebücher durch ein Rat II-Verzerrerpedal und verließ die Szene. Die erweiterte Ausgabe zum 29. Jubiläum enthält seltene 7"-Tracks und ein Foto von Julie mit ihrem Hund Samantha.

Das traurige Mädchen aus dem Soft-Grunge der 90er Jahre. Beziehung am Ende, schwanger, Oma stirbt. Die übliche 21. Reise um die Sonne. Zwischen Erics Trip-Alben, Freunden und wechselnden Kleidergrößen klimperte Julie ihre niedergeschlagenen Schlafzimmer-Pop-Tagebücher durch ein Rat II-Verzerrerpedal und verließ die Szene. Die erweiterte Ausgabe zum 29. Jubiläum enthält seltene 7"-Tracks und ein Foto von Julie mit ihrem Hund Samantha.

Das traurige Mädchen aus dem Soft-Grunge der 90er Jahre. Beziehung am Ende, schwanger, Oma stirbt. Die übliche 21. Reise um die Sonne. Zwischen Erics Trip-Alben, Freunden und wechselnden Kleidergrößen klimperte Julie ihre niedergeschlagenen Schlafzimmer-Pop-Tagebücher durch ein Rat II-Verzerrerpedal und verließ die Szene. Die erweiterte Ausgabe zum 29. Jubiläum enthält seltene 7"-Tracks und ein Foto von Julie mit ihrem Hund Samantha.

Julie in Memphis. Während Erics Trip auf Eis lag, flog die Herzogin des kanadischen Flanells im Dezember 1996 in den Süden, um ein Album mit Balladen über postpartale Depression aufzunehmen. Zusammen mit Howe Gelb von Giant Sand und David Shouse von The Grifters, fängt Loneliest In The Morning Julies blaue Phase mit zitternder Genauigkeit ein.

Julie in Memphis. Während Erics Trip auf Eis lag, flog die Herzogin des kanadischen Flanells im Dezember 1996 in den Süden, um ein Album mit Balladen über postpartale Depression aufzunehmen. Zusammen mit Howe Gelb von Giant Sand und David Shouse von The Grifters, fängt Loneliest In The Morning Julies blaue Phase mit zitternder Genauigkeit ein.

Die irische Musikerin Maria Somerville kündigt ihr zweites Album "Luster" für den 25. April an. Es ist zugleich ihr Debüt bei 4AD. Mit dem Announcement erscheint die Single "Garden". Der Track taucht ihre sirenenhaften Vocals in einen Sound aus schwirrendem Feedback, luftiger Percussion und nostalgischen Gitarren, der Erinnerungen an die klassische 4AD-Phase heraufbeschwört. Bereits im letzten Jahr war der hypnotische Shoegaze-Track "Projections" erschienen, mit dem Somerville eine erste Spur in Richtung des Sounds ihres kommenden Albums gelegt hatte. Somerville wuchs im ländlichen County Galway an der bergigen und rauen irischen Westküste auf. Sie zog später nach Dublin, wo sie an ihrem Signature-Sound arbeitete: atmosphärischem Dreampop, der von der Landschaft ihrer Jugend geprägt bleibt. Die ätherischen Gitarrenklänge, spärlichen Rhythmen und elektronischen Ambient-Sounds hielt sie erstmals auf dem 2019 selbst veröffentlichten Album "All My People" fest, einem Werk, das knietief in Nostalgie und Sehnsucht watet. Erst als sie nach Connemara zurückkehrte, in ein Haus nicht weit von dem, in dem sie aufwuchs - und von wo aus man einen der größten Seen des Landes, den Lough Corrib, überblicken konnte - begann Somerville mit der Arbeit an Musik, die schließlich zum neuen Album "Luster" werden sollte. Während ihr DIY-Debüt Erinnerungen und Melancholie in nebligen Slowcore hüllte, zeigen die zwölf neuen Tracks eine Künstlerin, die sich des Weges, den sie eingeschlagen hat, viel sicherer ist. "I can see more clearly than I could before. I know now what"s true for me", singt sie passend in "Trip". Gestärkt durch die neue, alte Umgebung und ermutigt durch ihre Community, entwickelte Somerville wieder kreative Energien. Der Boden erwies sich im wahrsten Sinne als fruchtbar, als sie in lockeren Wohnzimmer-Sessions erste Demos aufnahm, die später u. a. mit J. Colleran und Ian Lynch (Lankum) ausgearbeitet und schließlich vom New Yorker Engineer Gabriel Schuman (Oneohtrix Point Never, Princess Nokia, David Byrne) gemixt wurden. Eine gewisse Popularität erreichte Somerville auch durch ihre "Early Bird Show" auf NTS Radio, wo sie seit 2021 zwei Mal die Woche ein Morgenprogramm hostet, in dem sie Musik zwischen Shoegaze und traditionellem irischen Folk vorstellt. Im selben Jahr unterschrieb sie ihren Vertrag bei 4AD, wo sie bislang zwei Compilation-Beiträge veröffentlichte und mit ihren Labelmates Dry Cleaning auf Tour ging. 2025 wird sie mit Band Shows auf der ganzen Welt spielen, darunter auch Konzerte in Deutschland.

Following the success of last year’s Walks - their first album of completely original compositions - Group Listening release a new 12” vinyl of Tell Everyone Everything via PRAH Recordings.

The title track and artwork are informed by decay, expiration and musical renewal.

“The title comes from a music festival that happened a few years back in Bristol. A really small DIY festival, called Tell Everyone Everything. I really liked the title - so I stole it. The name stuck in my mind as something very open and positive - a radical action. It could be taken as a proposal for progressive change, or a revolutionary art manifesto,” explains Paul Jones.

“The cover art is a photo that I took a long time ago somewhere on a beach in Sir Benfro (Pembrokeshire). The colours are all weird because it was taken on a very expired roll of Kodachrome. It’s sort of eerie. The bucket and spade had just been left there. It was one of the last ever rolls of Kodachrome to be processed, I snuck it into the developers on the last month they were still open, just before the very last processing plant was shut down forever.”

The release features remixes by both Ancient Plastix (who the duo toured with in 2024) and Loggsplitter. The band were delighted with the results: “I loved watching Ancient Plastix every night and was thrilled when he agreed to remix our song. It turned out great too”, says Stephen. Of the Loggsplitter remix Paul says: “It’s like a hot blast of compressed air travelling across the downs from a ravers airhorn. Lush”

Nachdem sich die Sache in den letzten Monaten bereits abgezeichnet hatte und Julien Baker & TORRES kürzlich auch ihre erste gemeinsame Single "Sugar in the Tank" veröffentlichten, kündigen die beiden nun ihr Debütalbum "Send a Prayer My Way" an. Es erscheint am 18. April bei Matador. Die Idee, zusammen ein Country-Album zu machen, kam bereits 2016 auf, als Baker & TORRES ihre erste gemeinsame Show spielten. So entstand ein Werk, das wie alle beständigen Country-Alben daran erinnert, dass niemand auf dieser Welt allein und Musik ein verlässlicher und steter Begleiter ist. "Send a Prayer My Way" enthält zwölf Song von radikaler Empathie, in denen zweite und auch dritte Chancen gewährt werden und es bei allem Ringen und Bedauern auch Humor und Widerstand gibt. Mit der Ankündigung des Albums erscheint die neue Single "Sylvia", eine Hommage an einen Wegbegleiter ganz besonderer Art. TORRES berichtet: "An dem Morgen, an dem ich loswollte, um Sylvia aus dem Tierheim zu holen, machte ich mir zu Hause noch einen Kaffee und schaltete das Radio ein. Dolly Partons "Cracker Jack" lief. Ich brach in Tränen aus - es fühlte sich an, als würde das Universum mir sagen, dass sie mir gehören würde - dabei war Sylvia nur als Pflegehund vorgesehen. Ich weiß noch, wie ich dachte, dass ich gerne einen Song wie diesen schreiben würde, einen Song, den die Menschen innerhalb von fünf Sekunden nach dem Einschalten im Innern spüren können. Denn jeder, der schon einmal die Ehre hatte, sein Zuhause mit einem heißgeliebten Haustier zu teilen, weiß, dass es zur Familie gehört." Den ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album hatten Julien Baker & TORRES bereits vor einem Monat mit einem Auftritt bei Jimmy Fallon gegeben. Dort spielten sie ihre Debütsingle "Sugar in the Tank". Der Song berichtet von Erfahrungen beim Aufwachsen als queere Person in den Südstaaten. Er spiegelt nicht nur die Liebe der beiden zur dort tief verwurzelten Country-Musik wider, sondern transportiert auch die Traditionen und die Ikonographie des Genres ins Hier und Jetzt. "Send A Prayer My Way" ist ein Country-Album, geschrieben und gesungen in bester Outlaw-Tradition - trotzig, subversiv und entschlossen, trostspendend und aufrichtig. Es erscheint am 18. April 2025.

Nachdem sich die Sache in den letzten Monaten bereits abgezeichnet hatte und Julien Baker & TORRES kürzlich auch ihre erste gemeinsame Single "Sugar in the Tank" veröffentlichten, kündigen die beiden nun ihr Debütalbum "Send a Prayer My Way" an. Es erscheint am 18. April bei Matador. Die Idee, zusammen ein Country-Album zu machen, kam bereits 2016 auf, als Baker & TORRES ihre erste gemeinsame Show spielten. So entstand ein Werk, das wie alle beständigen Country-Alben daran erinnert, dass niemand auf dieser Welt allein und Musik ein verlässlicher und steter Begleiter ist. "Send a Prayer My Way" enthält zwölf Song von radikaler Empathie, in denen zweite und auch dritte Chancen gewährt werden und es bei allem Ringen und Bedauern auch Humor und Widerstand gibt. Mit der Ankündigung des Albums erscheint die neue Single "Sylvia", eine Hommage an einen Wegbegleiter ganz besonderer Art. TORRES berichtet: "An dem Morgen, an dem ich loswollte, um Sylvia aus dem Tierheim zu holen, machte ich mir zu Hause noch einen Kaffee und schaltete das Radio ein. Dolly Partons "Cracker Jack" lief. Ich brach in Tränen aus - es fühlte sich an, als würde das Universum mir sagen, dass sie mir gehören würde - dabei war Sylvia nur als Pflegehund vorgesehen. Ich weiß noch, wie ich dachte, dass ich gerne einen Song wie diesen schreiben würde, einen Song, den die Menschen innerhalb von fünf Sekunden nach dem Einschalten im Innern spüren können. Denn jeder, der schon einmal die Ehre hatte, sein Zuhause mit einem heißgeliebten Haustier zu teilen, weiß, dass es zur Familie gehört." Den ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album hatten Julien Baker & TORRES bereits vor einem Monat mit einem Auftritt bei Jimmy Fallon gegeben. Dort spielten sie ihre Debütsingle "Sugar in the Tank". Der Song berichtet von Erfahrungen beim Aufwachsen als queere Person in den Südstaaten. Er spiegelt nicht nur die Liebe der beiden zur dort tief verwurzelten Country-Musik wider, sondern transportiert auch die Traditionen und die Ikonographie des Genres ins Hier und Jetzt. "Send A Prayer My Way" ist ein Country-Album, geschrieben und gesungen in bester Outlaw-Tradition - trotzig, subversiv und entschlossen, trostspendend und aufrichtig. Es erscheint am 18. April 2025.

Als Warped Tour Pop-Punk und American Apparel Indie-Rock das seltsame Post-Y2K-Milieu Gitarren-Band-Milieu dominierten, lieferten Bostons Karate einen fesselnden Schuss Rock, der sich ständig zwischen verschiedenen Schattierungen von unterirdischen Klängen bewegte. Die ruhigen Momente auf Karates viertem Album haben viel von der alten, ungezügelten Intensität, verwoben mit gedämpften Jazz-Melodien und Slowcore-Zurückhaltung. Diese 25-jährige Jubiläumsausgabe von Unsolved entspricht der Originalpressung aus dem Jahr 2000 und enthält auf Seite D die zwei Tracks der "Death Kit" 7" und den Song von der Crownhate Ruin Splitsingle.

Cherrie Coke Bottle Vinyl. Als Warped Tour Pop-Punk und American Apparel Indie-Rock das seltsame Post-Y2K-Milieu Gitarren-Band-Milieu dominierten, lieferten Bostons Karate einen fesselnden Schuss Rock, der sich ständig zwischen verschiedenen Schattierungen von unterirdischen Klängen bewegte. Die ruhigen Momente auf Karates viertem Album haben viel von der alten, ungezügelten Intensität, verwoben mit gedämpften Jazz-Melodien und Slowcore-Zurückhaltung. Diese 25-jährige Jubiläumsausgabe von Unsolved entspricht der Originalpressung aus dem Jahr 2000 und enthält auf Seite D die zwei Tracks der "Death Kit" 7" und den Song von der Crownhate Ruin Splitsingle.

"Real Emo" only consists of the DC emotional hardcore scene and the late `90s Delaware Valley screamo scene.... Frail were at the epicenter of that vibrant straight edge youth gaggle, screaming their throats bloody in baggy pants. Discontent with the metallic hardcore format, the quintet pursued Gen-X's ferocious, noisy rage against everything at San Diego's galloping pace. No Industry includes vital singles for the Yuletide, Bloodlink, and Kidney Room labels, plus rare comp tracks from across their `93-95 run. Make Your Own Noise.

Lion_and the mean ecstasy of "You've Got A Woman," the B-side to their sole release_comprise a rare burst of psychedelic-Western soul from two names best known for Dutch progressive rock and new wave. Drummer Peter de Leeuwe, departing from the symphonic leanings of Dutch prog-fixtures Ekseption, penned it in 1975, layering syncopated explosions of hand-claps, vibraslap and slick drumwork with neutron-star density, with super-producer Hans van Hemert nearly bursting Glenn Robles' vocals through the fore. The "Shoes Subtle Edit" provides exactly that, gently teasing the organ- and requinto-hinted contours of the track to better suit the treasure within. Chicago-based septet Whitney have brought some attention to "You've Got A Woman" with a recent cover, and the faith with which they recreate much of the original instrumentation proves the extent of Lion's accomplishment.

Wenn sie nicht gerade aus dem Fenster auf die stürmische Skyline von Manhattan blickte, verbrachte Margo Guryan ihre dreißiger Jahre damit, Ohrwürmer für Leute wie Bobbie Gentry, Jackie DeShannon, Claudine Longet, Carmen McCrae und Julie London bei CBS's April Blackwood Music zu schreiben. Guryans zeitlose Gedanken über Liebe, Sonntage, Erdbeben, Weinen und Jungs namens Timothy haben unzählige Filme und virale Videos unterlegt. Meisterwerke aus früheren Zeiten. 28 ihrer Songwriting-Demos aus den 60er und 70er Jahren sind auf dieser 25-jährigen Jubiläums-Doppelalbum-Edition.

Dogma, die treuen Wahrheitssucher, veröffentlichen ihr selbstbetiteltes Debütalbum jetzt auf CD und LP. Das Album erzählt eine kraftvolle
musikalische Geschichte, die tief in die menschliche Psyche eindringt. Frontfrau Lilith sagt: „Auf unserem Debütalbum enthüllen wir eine rohe und
unverblümte Erzählung, die den Kampf gegen aufgezwungenen Glauben, ungerechte Zensur und die Befreiung von unlogischen Überzeugungen
beleuchtet. Es ist eine Reise durch verlorene Unschuld und eine Rebellion gegen archaische Zwänge. Ein kühnes Statement, das die Auflehnung gegen
gesellschaftliche Normen einfängt. Es geht darum, sich zu befreien, unsere Wahrheit anzunehmen und die uns auferlegten Beschränkungen
herauszufordern.“
Lilith führte weiter aus: „Visuell ist das Album-Artwork eine gewagte Reflexion der Allgegenwart der Lust in der Menschheit, unabhängig von allen
Bedingungen. Es dient als kühnes visuelles Testament, das die Wahrheit entlarvt, dass Lust ein inhärenter Teil unserer Natur ist, frei von jeglichen
auferlegten Beschränkungen wie falscher Moral und unlogischem Glauben.“ Dogma fordert uns auf, die Rebellion anzunehmen und unsere fleischlich
Gelüste zu entfesseln. Sie werfen die Ketten der Bescheidenheit beiseite und beschwören einen Sturm der Sinnlichkeit herauf, der unerschütterliche
Aufmerksamkeit und leidenschaftliches Mitmachen verlangt

Mit "Glory" veröffentlicht Mike Hadreas aka Perfume Genius sein siebtes Studioalbum. Zusammen mit seinem Partner Alan Wyffels und Produzent Blake Mills ist eine Platte entstanden, die nach außen hin strahlt, in seinen makabren Bildern und seinem aufgewühlten Innern aber das Tor in eine Welt von Entfremdung, Sehnsucht und Verlangen aufmacht. Es ist der Konflikt zwischen dem Außen und dem Innen, der Hadreas beschäftigt, der Widerspruch zwischen einem künstlerischen Leben in der Öffentlichkeit und dem Wunsch nach Isolation. In seinen Charakterskizzen betrachtet der US-Künstler mit der Sorgfalt eines Schriftstellers Szenen von Freundschaft, Verlangen und Intimität durch eine queere Prima, während er sich musikalisch geöffnet und in seinem Songwriting-Prozess mehr Raum für Gruppendynamik gelassen hat: "Es ist auf eine Weise kollaborativ, die es besser macht", so Hadreas, "aber auch beängstigender - es fühlt sich verletzlicher an". Dass Glory dennoch ein zutiefst persönliches Album geworden ist, liegt auch daran, dass Hadreas seine eigenen Ängste vor dem Hintergrund der Entwicklung einer den Zeitgeist durchdringenden, allgemeinen Paranoia reflektiert. Mit seinen fein gesponnenen Tracks wirkt "Glory" beizeiten wie eine Kollektion neuer Standards für queere Romantiker und alte Seelen im Tumult der Gegenwart.

Whipped up in the dust of Rene & Rene’s Tejano tornado “Angelito,” the Dynamic label was just one among San Antonio record and real estate mogul Abe Epstein’s enterprises. Dynamic’s flagship outfit, the Commands, marched “No Time For You” up to the middle of the charts in 1966 with performance chops honed jet-sharp by the demanding Air Force Base circuit. That take off paved a runway for 20 more soulful Dynamic singles over an impressive 30-month campaign. Epstein’s open-door policy brought a diverse cross-section of Texas talent into convergence within his General McMullan Drive studio, as whites, blacks, and Latinos alike suited up for service in whichever new group the call of duty called for. Epstein’s Alamo City melting pot is ladled out here in 21 (28 on the 2LP) of Dynamic’s most intriguing dishes by the Tonettes, Little Jr. Jesse & the Tear Drops, Don & the Doves, Willie Cooper & the Webs, Bobby Blackmon & His Soul Express, and Doc & Sal. Lone Star pic sleeves, full-color dancehall photography, and rich ephemera plant a new flag for soul in soil that’s seen its share of hoisted banners.

Mit "Glory" veröffentlicht Mike Hadreas aka Perfume Genius sein siebtes Studioalbum. Zusammen mit seinem Partner Alan Wyffels und Produzent Blake Mills ist eine Platte entstanden, die nach außen hin strahlt, in seinen makabren Bildern und seinem aufgewühlten Innern aber das Tor in eine Welt von Entfremdung, Sehnsucht und Verlangen aufmacht. Es ist der Konflikt zwischen dem Außen und dem Innen, der Hadreas beschäftigt, der Widerspruch zwischen einem künstlerischen Leben in der Öffentlichkeit und dem Wunsch nach Isolation. In seinen Charakterskizzen betrachtet der US-Künstler mit der Sorgfalt eines Schriftstellers Szenen von Freundschaft, Verlangen und Intimität durch eine queere Prima, während er sich musikalisch geöffnet und in seinem Songwriting-Prozess mehr Raum für Gruppendynamik gelassen hat: "Es ist auf eine Weise kollaborativ, die es besser macht", so Hadreas, "aber auch beängstigender - es fühlt sich verletzlicher an". Dass Glory dennoch ein zutiefst persönliches Album geworden ist, liegt auch daran, dass Hadreas seine eigenen Ängste vor dem Hintergrund der Entwicklung einer den Zeitgeist durchdringenden, allgemeinen Paranoia reflektiert. Mit seinen fein gesponnenen Tracks wirkt "Glory" beizeiten wie eine Kollektion neuer Standards für queere Romantiker und alte Seelen im Tumult der Gegenwart.

The Smile veröffentlichen heute zwei neue Remixe für Tracks ihres dritten Albums "Cutouts". "Don"t Get Me Started" im Remix von James Holden und "Instant Palm" als Robert Stillman Remix sind ab sofort digital verfügbar. Für beide Tracks hat der Künstler Weirdcore, der bereits für alle Songs von "Cutouts" Videos kreiert hatte, einen "recycled video mix" erstellt. Die Remixe gibt es als limitierte 12". Das Sleeve-Design von Stanley Donwood kommt in Anlehnung an die ikonische Housebag-Serie von XL Recordings. James Holden und Robert Stillman arbeiten beiden regelmäßig sowohl mit Thom Yorke als auch mit The Smile zusammen. Robert begleitet die Band auf der Bühne, um bei ihren Live-Auftritten Saxofon und Keyboards zu spielen. Zudem steuerte er Saxofon zu allen drei Platten von The Smile sowie zu Thom Yorkes "Confidenza" Soundtrack bei. James hat bereits einen Remix zu Radioheads "Reckoner" veröffentlicht und war als Support auf den Touren von Atoms For Peace und bei Thoms Soloshows zum Album "Tomorrow"s Modern Boxes" dabei.

"Perfect Teeth" war das finale Album der amerikanischen Indie-Institution Unrest. Dreißig Jahre nach der ursprünglichen Veröffentlichung lassen 4AD und die Band es als Doppelalbum neu aufleben. Die 30th Anniversary Edition besteht aus dem remasterten Originalalbum sowie "Extra Teeth", einem Bonusalbum mit EP-Tracks, Singles und Raritäten. Unrest, die ihren Namen einer Henry-Cow-Platte entliehen hatten, gründeten sich 1983 in einer Schule in Arlington, Virginia. Anfangs noch improvisierende Instrumentalband, perfektionierten sie bald einen vielseitigen Sound mit unterschiedlichen Genreeinflüssen. Sie veröffentlichten ihre Musik über TeenBeat, das Label ihres Frontmannes Mark Robinson und später auch bei 4AD, Caroline und Matador. Auf "Perfect Teeth" sind die Gründungsmitglieder Mark Robinson und Phil Kraut sowie Bassistin Bridget Cross (ursprünglich Sängerin von Velocity Girl) zu hören. Das Album wurde im Pachyderm Studio in Cannon Falls, Minnesota aufgenommen, wo erst kurz zuvor Nirvanas "In Utero" fertiggestellt wurde. Brian Paulson, bekannt durch seine Arbeit für Slints "Spiderland", nahm "Perfect Teeth" auf. Die Produktion übernahm Simon LeBon. Für die 30th Anniversary Edition wurde das Album nun inklusive aller Bonustracks - meist auf Grundlage der Originalbänder - neu gemastert. In Zusammenarbeit mit Designer Chris Bigg enstand ein neues Backcover, ein neues Sleeve sowie das "Extra Teeth" Artwork. Der einmalig neu aufgelegte Release kommt mit einem 16-seitigen Art Catalogue mit Linernotes von Unrest, 4AD-Gründer Ivo Watts-Russel und Chris Bigg.

Originally released in 1971, produced by the legendary Sandy Roberton and featuring the likes of Richard & Danny Thompson, Keith Christmas and members of Mighty Baby & Fotheringay, the album has been talked about in glowing terms by an ever increasing fanbase over the years & is highly sought after. It’s a beautiful mixture of folk, psychedelic flourishes and adventurous production combining majestically with Shelagh’s exquisite songwriting and purity of voice. It will immediately appeal to fans of Pentangle, Incredible String Band and Joni Mitchell, as well as the solo records from members of some of the biggest U.S. bands of the 1970s; David Crosby’s ‘If Only I Could remember My Name’ and Gene Clark’s ‘No Other’, and is presented here for the first time ever on vinyl re-issue.

Born in Edinburgh in 1948 before moving to Glasgow and attending the Glasgow School of Art, Shelagh McDonald’s reputation grew rapidly on the London and Bristol folk circuit, gaining a cult following. In her early twenties she cut her first album titled simply ‘Shelagh McDonald’, the following year entering the studio with producer Sandy Roberton (Ian Matthews, John Martyn, Chocolate Watch Band, Steeleye Span) to cut ‘Stargazer’. Unfortunately for Shelagh, following a bad LSD experience, she withdrew from not only the music industry but public life shortly before commencing work on her third album.

However, it is ‘Stargazer’ that continues to grow its reputation, with original copies changing hands for hundreds of pounds.

Imbued with the finest instrumentation and vocal delicacy in late ‘60s folk, the record is heightened by a progressive production approach; the slow organ grooviness in the traditional ‘Dowie Dens of Yarrow’, uplifting gospel overtones of ‘Odyssey’ and the perfect match of melancholic piano and haunting strings by Robert Kirby on the title track. These sublime arrangements all serve Shelagh’s songwriting and soulful voice that invoke the finest folk traditions but at the same time look forward.

The album is the inaugural release on new label Different Strokes For Different Folks with more genre bending, rare and cult records scheduled for 2025.

Unverfälschter, kaputter Art-Punk aus San Diego's Gravity-Szene Mitte der 90er Jahre. Hier gibt es drei Alben von Clikatat Ikatowi - "Orchestrated And Conducted By...", "River Of Souls", und eine erstmalige Vinyl-Pressung ihres 1993er Demos, alle neu abgemischt und remastered von den analogen Originalbändern. Das 24-seitige Begleitbuch enthält Tony Rettmans farbenfrohen Essay mit Dutzenden von Fotos und Flugblättern aus dieser Zeit, die die Geschichte einer Stadt und einer Szene erzählen, die die spätere Form des kommenden Lärms definierte.

Unverfälschter, kaputter Art-Punk aus San Diego's Gravity-Szene Mitte der 90er Jahre. Hier gibt es drei Alben von Clikatat Ikatowi - "Orchestrated And Conducted By...", "River Of Souls", und eine erstmalige Vinyl-Pressung ihres 1993er Demos, alle neu abgemischt und remastered von den analogen Originalbändern. Das 24-seitige Begleitbuch enthält Tony Rettmans farbenfrohen Essay mit Dutzenden von Fotos und Flugblättern aus dieser Zeit, die die Geschichte einer Stadt und einer Szene erzählen, die die spätere Form des kommenden Lärms definierte.

1961 Recordings. Unreleased Jamaican R&B Vocal on the A. SIDE B is a nice up tempo Jamaican shuffle Instrumental.

A premium series of limited edition Japanese pressed 7"s - featuring unreleased and impossibly hard to find gems from the Duke Reid archives.Side A : Never Released. Early Ska Vocal.1961 Recording At Federal Studio. Unknown Duke Reid's Duo Artist. Side B : Recoding At Federal Studio 1961. Great Ska Instrumental. This One Was Recording Before "You're So Delightful" By Skatalites In Jamaica.

Vazz, die die Euro-Pop-Sensibilität von Crepuscule und den ätherischen Goth von 4AD in sich vereinen, kamen in Glasgow an, als der Sound of Young Scotland gerade in Schwung kam. Bewaffnet mit einer Drum-Machine, Gitarre, Bass und Anna Howsons eisigem Gurren, bot das Duo eine düstere Variante einer Szene, die von den Pop-Timern Orange Juice, Josef K und Aztec Camera dominiert wurde. Diese Ausgabe zum 40. Jahrestag ihres Mini-Albums Your Lungs and Your Tongues aus dem Jahr 1986 versammelt die kompletten Cathexis-Aufnahmen und fügt eine Handvoll unveröffentlichter Minimal-Wave-Perlen hinzu. Kälter als Dalwhinnie an der Sommersonnenwende - nimm besser einen Parka mit.

Vazz, die die Euro-Pop-Sensibilität von Crepuscule und den ätherischen Goth von 4AD in sich vereinen, kamen in Glasgow an, als der Sound of Young Scotland gerade in Schwung kam. Bewaffnet mit einer Drum-Machine, Gitarre, Bass und Anna Howsons eisigem Gurren, bot das Duo eine düstere Variante einer Szene, die von den Pop-Timern Orange Juice, Josef K und Aztec Camera dominiert wurde. Diese Ausgabe zum 40. Jahrestag ihres Mini-Albums Your Lungs and Your Tongues aus dem Jahr 1986 versammelt die kompletten Cathexis-Aufnahmen und fügt eine Handvoll unveröffentlichter Minimal-Wave-Perlen hinzu. Kälter als Dalwhinnie an der Sommersonnenwende - nimm besser einen Parka mit.

A collection of the best gospel - soul thumpers from the Boddie Recording Company and BOS Records by way of The Numero Group. Great Lakes Gospel Vol 1 features some of Cleveland's purest and sweetest gospel rarities. An overflowing chalice of funky gospel gems from the Forest City. You could start a church with this thing.

Clear Blue Wave Vinyl. A collection of the best gospel - soul thumpers from the Boddie Recording Company and BOS Records by way of The Numero Group. Great Lakes Gospel Vol 1 features some of Cleveland's purest and sweetest gospel rarities. An overflowing chalice of funky gospel gems from the Forest City. You could start a church with this thing.

A collection of the best gospel - soul thumpers from the Boddie Recording Company and BOS Records by way of The Numero Group. Great Lakes Gospel Vol 1 features some of Cleveland’s purest and sweetest gospel rarities. An overflowing chalice of funky gospel gems from the Forest City. You could start a church with this thing. PULPIT NOT INCLUDED.

A collection of the best gospel - soul thumpers from the Boddie Recording Company and BOS Records by way of The Numero Group. Great Lakes Gospel Vol 1 features some of Cleveland’s purest and sweetest gospel rarities. An overflowing chalice of funky gospel gems from the Forest City. You could start a church with this thing. PULPIT NOT INCLUDED.

The follow-up to their eponymous 2022 debut album, ‘What Is Your Definition Of Happiness?’ finds Dubinski broadening their sonic palette with the help of Grammy award winning producers Mike Horner (Franz Ferdinand, Placebo, Hot Chip) and Robbie Nelson (Beck, Royal Blood, The Kooks). Across an album themed around the concept of happiness you’ll find tales of crushed dreams, doomed romance and the perils of trying to survive as a DIY live band, all set to a compelling suite of bulletproof melodies which fuse elements of Franz Ferdinand, Parquet Courts, The Clash, Maximo Park, and even Paul Simon.

“A lot of these songs have something bittersweet to them,” says vocalist Eugene. “It’s a record of love, happiness, pain, sorrow, grief, healing, growth and acceptance. We wanted to tell a story with this album, and it flows similar to the way the seasons change.”

Watkins Group returns to Frequency Consortium for its second release, pushing further into the murky depths of dubbed-out desolation. Dubh Dubs (Dark Dubs) takes its name literally—seven tracks of cavernous low-end pressure, submerged echoes, and spectral atmospheres, drawing inspiration from the voids between worlds, the unseen corners of deep space, and the eerie stillness of unknown places.

Where Beanntan a’ Bhròin charted a course through the bleak grandeur of the Highlands, Dubh Dubs plunges headfirst into the abyss, embracing the weight of isolation and the slow decay of time. Watkins Group crafts a sound that feels at once infinite and suffocating—pulsing, restrained, and heavy with the dread of something just beyond reach. Tape-warped textures and submerged percussive mutations unfold in glacial movements, calling to mind the nocturnal dub abstractions of Porter Ricks, the blackened ambience of Thomas Köner, and the sub-heavy spirals of Rhythm & Sound at their most ghostly.

A study in tension and negative space, Dubh Dubs marks another compelling entry in the Frequency Consortium catalog—an offering for those drawn to the darker recesses of sound, where every echo leads deeper into the unknown.

In loving memory of my brother and kindred spirit - Marcus Rafferty

(Limited edition to 500 copies, remastered audio, pressed and printed in Indonesia) The 13 tracks contained in this compilation “Begadang: Soneta Group Best Songs, 1975-1980” are some the most innovative music that came out of Indonesia’s music scene in the 1970s, tunes that has cemented Rhoma Irama’s status as the king of the genre.



Dangdut is the biggest musical genre in Indonesia. Dangdut, onomatopoetic name from the sound of hand drums used in this type of music, is what reggae to Jamaicans, country to Americans or skiffle to mid 20th century British people. And in this genre of dang dut, the name Rhoma Irama looms large. He is until today the undisputable king of dangdut and his role as pioneer of the music is already in the history book. In fact, there's one book documenting the outsized role of Rhoma in establishing dangdut as the father of this music. The book is aptly titled Dangdut Story, written by Pittsburgh University music professor Andrew N. Weintraub.



Among Indonesian fans of dangdut, there’s this one misconceptions that dangdut music is that it is an indigenous art form from Indonesia and that it constitutes an amalgamation of local, traditional music of this Southeast Asian nation, with Malay music being the most prominent feature in the mix.



Dangdut pioneer Rhoma Irama is among the first to reject this assertion. “Dangdut music may have originated in Deli (in North Sumatra) but then got the influences from the West and India”, he said.



Indeed, most of Rhoma’s well-known compositions may have been influenced by Indian tunes but some of his best quality works owed much to the West.



Rhoma had long found home in Western pop music. In the early 1960s, after honing his guitar playing skill, Rhoma set up his first band Gayhand to play the tunes of The Beatles, Paul Anka and Tom Jones. In 1972, Rhoma won best singer title in a Southeast Asia singing competition in Singapore playing Tom Jones “I Who Have Nothing.”



Yet, nothing changed Rhoma’s fortune in the music industry, to a point where he decided to leave pop and switched to playing Orkes Melayu (Malay Orchestra) music, first with Orkes Melayu Purnama and later with Soneta Group.



His career soon took off with Soneta, especially after he introduced what ethnomusicologist William H. Frederick considered as “theatre”, through which Rhoma borrows many elements from stage performances of British and American rock bands. These elements, kitsch and pomp, he liberally adopted and became an inseparable part of dangdut itself; tight pants, long hair, platform shoes, glitter and glamour which would not be out of place in Elton John and David Bowie stage show.



And this is actually the contradiction of Rhoma’s brand of Malay music. “One might legitimately ask how imaginative, not to say bizarre, costuming and dancing with abandon could be related to some of the objectives of Rhoma has set for himself and soneta group”, Frederick wrote on his seminal work on the singer, Rhoma Irama and the Dangdut Style: Aspects of Contemporary Indonesian Popular Culture, published in 1982.



From technical point of view, Rhoma not only replaced the acoustic elements from Melayu Music with electric instruments but also created new synthetic sounds that has never been attempted before in Indonesia’s music industry.



Detractors like to point out how much he was indebted to Deep Purple, but a closer inspection reveals how he in fact had mined his influences even deeper.



Notice how Rhoma reproduced funk, which is all the rage in early 1970s, in the song “Santai” (Relax), this album’s closer or “Credit Title (Instrumentalia)” which opens this Darah Muda (Young Blood) soundtrack. The rubbery bass lines that open both songs can easily find home in any Sly and the Family Stone’s or Isaac Hayes’ tunes from that era. Other highlights of the song is the funky guitar licks and the droning Hammond a la George Clinton that stabs deep in the record groove. In the guitar solo, you can also hear the bark of George Harrison’s licks from “Taxman”.



The 13 tracks contained in this compilation “Begadang: Soneta Group Best Songs, 1975-1980” are some the most innovative music that came out of Indonesia’s music scene in the 1970s, tunes that has cemented Rhoma Irama’s status as the king of the genre. Only 500 copies were pressed for this compilation.

Am 28. Februar 2025 machen Stereolab sieben Studioalben erneut als 2LP-Formate erhältlich. Diese verwenden dieselben Remaster wie die erweiterten Vinylausgaben von 2019, die von Bo Kondren bei Calyx Mastering von den Original-1/2-Zoll-Bändern unter der Aufsicht von Tim Gane (Stereolab) geschnitten wurden, jedoch ohne das Bonusmaterial der 3LP-Versionen (die inzwischen eingestellt wurden). Die Idee dahinter besteht darin, Fans und Läden kostengünstigere Formate dieser begehrten Alben zur Verfügung zu stellen. Jede Platte wird im 5 mm dicken Cover mit bedruckten Innenhüllen und einer schützenden PVC-Aussentasche geliefert.

Die Alben:
1. Transient Random-Noise Bursts With Announcements (1993)
2. Mars Audiac Quintet (1994)
3. Emperor Tomato Ketchup (1996)
4. Dots And Loops (1997)
5. Cobra And Phases Group Play Voltage In The Milky Night (1999)
6. Sound-Dust (2001)
7. Margerine Eclipse (2004)

Whipped up in the dust of Rene & Rene's Tejano tornado "Angelito," the Dynamic label was just one among San Antonio record and real estate mogul Abe Epstein's enterprises. Dynamic's flagship outfit, the Commands, marched "No Time For You" up to the middle of the charts in 1966 with performance chops honed jet-sharp by the demanding Air Force Base circuit. That takeoff paved a runway for 20 more soulful Dynamic singles over an impressive 30-month campaign. Epstein's open-door policy brought a diverse cross-section of Texas talent into convergence within his General McMullan Drive studio, as whites, blacks, and Latinos alike suited up for service in whichever new group the call of duty called for. Epstein's Alamo City melting pot is ladled out here in 21 (28 on the 2LP) of Dynamic's most intriguing dishes by the Tonettes, Little Jr. Jesse & the Tear Drops, Don & the Doves, Willie Cooper & the Webs, Bobby Blackmon & His Soul Express, and Doc & Sal. Lone Star pic sleeves, full-color dancehall photography, and rich ephemera plant a new flag for soul in soil that's seen its share of hoisted banners.

FOR FANS OF: Black Label Society, AC/DC, Ozzy Osbourne, Black Sabbath, Torus, Pearl Jam, Candlebox, Alice In Chains
Featuring Dario Larina von Black Label Society
Dario Larina ist vor allem durch seine Arbeit an der Seite des legendären Gitarristen Zakk Wylde bei Black Label Society bekannt. Neben den
Tausenden von Kilometern, die er mit der Band unterwegs war, schredderte Dario neben Zakk Wylde auf dem 2021 erschienenen Album Doom Crew
Inc. und begleitete den Black Label Society-Mastermind und die Sechssaiten-Legende auf das Cover von Guitar World. Bei letzterem brachte Wylde
den Grund, warum er den aufstrebenden Gitarristen an Bord holte, auf den Punkt: „Weil Dario großartig ist.“ Nebenbei brachte er auch zwei
Soloalben heraus, nämlich Dario Lorina und Death Grip Tribulations. Im Laufe des Jahres 2024 stellte er sorgfältig zusammen, was Spirit in the Glass
werden sollte. Er vervollständigte das Lineup mit Brody DeRozie, Mike Gunn und Luis Silva und schrieb und nahm in seinem Heimstudio in Las Vegas
auf, auch bekannt als „Dark Chapel“.

The Notations 1973 viral smash "What More Can I Say" returns to the mother format with their all-time lowrider tail-pipe dragger "I'm Still Here" on this limited, twin-smash Numero Classics 45. Sampled NxWorries, Anderson.Paak, redveil, and Snoop Dog, these Notations hits are sure to tickle the trainspotters and old-timers alike.

White Vinyl. The Notations 1973 viral smash "What More Can I Say" returns to the mother format with their all-time lowrider tail-pipe dragger "I'm Still Here" on this limited, twin-smash Numero Classics 45. Sampled NxWorries, Anderson.Paak, redveil, and Snoop Dog, these Notations hits are sure to tickle the trainspotters and old-timers alike.

War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."