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Seit über 30 Jahren ist Simon Joyner eine Ausnahmeerscheinung - ein vollkommen unabhängiger Künstler, der sich ganz auf sein Handwerk konzentriert. Der in Omaha lebende Singer-Songwriter veröffentlichte Anfang der 90er Jahre erstmals Musik und ist seitdem seinem Weg treu geblieben. Joyners Songs voller stiller Freude und Herzschmerz haben verschiedene Generationen von Künstlerkollegen geprägt und zeigen sich als offensichtlicher Einfluss bei Acts wie Bright Eyes oder Kevin Morby sowie als Anklänge gemeinsamer Perspektiven bei den nachfolgenden Lenkers, Oldhams und Molinas. "Tough Love", Joyners 19. Studioalbum, setzt diesen Aufwärtstrend fort. Obwohl es untrennbar mit der persönlichen Trauer von "Coyote Butterfly" aus dem Jahr 2024 verbunden ist - dem autobiografischen Album, das Joyner nach dem Tod seines Sohnes aufgenommen hat - erforscht dieses neue Album das Konzept der ,tough love" als Dichotomie, die auf verschiedene fiktive Beziehungen angewendet wird, darunter romantische, familiäre und politische. Dieser Balanceakt zeigt sich in lebhaften Schilderungen alltäglicher Herzensschmerzen und in der Auseinandersetzung mit politischer Wut und dem Verrat am amerikanischen Traum. Eines der Wunder von Joyners Werk ist, dass sich seine Muster nicht wiederholen, sondern wandeln. Anspielungen auf Cohen, Dylan und die Velvets sind seit den frühen Lo-Fi-Tagen Teil seines Songwritings, doch die Art und Weise, wie diese Vorbilder einfließen, verändert sich ständig. Während Joyners raue Akustiksongs im Rampenlicht stehen, werden sie von E-Gitarren angestachelt und sind von experimentellen Tendenzen durchdrungen. Die Rocksongs bilden einen Mittelweg zwischen minimalistischen Grooves, die von Velvet Underground der Loaded-Ära übernommen wurden, und der ekstatischen rhythmischen Verrücktheit von Can. Wenn wir beim vorletzten Track, ,Anniversary Song", angelangt sind, haben die geisterhaften Vocals und die Scratches des mikrotonalen Synthesizers die Grenzen zwischen Joyners Folk-Sänger-Herz und seinem Avantgarde-Geist verwischt. All das mündet in den 20-minütigen Titeltrack, der "Tough Love" abschließt - ein erschütternder Sturz in einen scheinbar bodenlosen Abgrund aus Reue, Überlebensschuld und unverblümter Trauer. Er leiht sich eine repetitive Struktur aus Lou Reeds erzählter Suite ,Street Hassle" und kombiniert sie mit dem seitenfüllenden Zeugnis von Dylans ,Sad-eyed Lady of the Lowlands", Joyner erzählt dazu aus der Perspektive seines verstorbenen Sohnes, der zu seinem Vater spricht, all seine Fehler darlegt und schonungslos hervorhebt, dass nichts davon rückgängig gemacht werden kann. Bald jedoch öffnet sich diese Qual zu etwas Transzendentem, sowohl in ihrer eleganten Bildsprache als auch in ihrer ätherischen Atmosphäre. Die letzten Momente des Albums gewähren die Erlaubnis zur Selbstvergebung und hoffentlich eines Tages auch zum Verständnis. Dieses kathartische Ende bringt all die verworrenen Gefühle, die sich durch "Tough Love" ziehen, auf den Punkt. So wie Joyner das Songwriting aus ungewöhnlichen Blickwinkeln angegangen ist, die sich jedes Mal ändern, wenn er zur Gitarre greift, um ein neues Album aufzunehmen, so verändert sich auch auf "Tough Love" seine Beziehung zu Trauer, den alltäglichen Kämpfen und dem ewigen Streben nach etwas Besserem.

Big Crown freut sich, das zweite Album von Thee Marloes, ,Di Hotel Malibu", zu präsentieren. Es erweitert den Rahmen - ein selbstbewusster Schritt weg von den Grenzen, die ihren Sound einst klar definierten, hin zu etwas Durchlässigerem, Gesprächigerem und zutiefst Indonesischem. Zwei Jahre sind vergangen, seit ,Perak", das Debütalbum des Trios aus Surabaya bei Big Crown Records, ihren einzigartigen Sound vorstellte. Dieses neue Album bricht nicht mit dieser Tradition, sondern erweitert sie und zeigt, wie sehr sie als Band seit der Veröffentlichung ihres Debüts und all den damit verbundenen Erfahrungen gewachsen sind. Bestehend aus der Sängerin und Keyboarderin Natassya Sianturi, dem Gitarristen und Produzenten Sinatrya Dharaka und dem Schlagzeuger Tommy Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von gemeinsamen Referenzpunkten und einem ausgeprägten Sinn für Groove geprägt sind.

Auf diesem Album erweitert sich diese gemeinsame Sprache. Die Arrangements bewegen sich über ein breiteres Spektrum, mit neuen instrumentalen Farben, unerwarteten rhythmischen Wendungen und einem lockereren Ansatz in Bezug auf die Struktur. Die Band beschreibt es als eine Reaktion auf die letzten zwei Jahre ihres Lebens: soziale Realitäten, Liebesleben in Der Album-Opener ,Under the Silver Moon" ist ein kühler Two-Stepper, der die bitteren und süßen Seiten von Fernbeziehungen vor einem luftigen musikalischen Hintergrund thematisiert. ,Six Years" ist eine Seite aus dem Leben der Sängerin Natassya Sianturi und ihrem Kampf, den Schritt zu wagen, einen bequemen und sicheren Tagesjob aufzugeben, um ihrem Traum von einem erfüllten Leben zu folgen.

Big Crown freut sich, das zweite Album von Thee Marloes, ,Di Hotel Malibu", zu präsentieren. Es erweitert den Rahmen - ein selbstbewusster Schritt weg von den Grenzen, die ihren Sound einst klar definierten, hin zu etwas Durchlässigerem, Gesprächigerem und zutiefst Indonesischem. Zwei Jahre sind vergangen, seit ,Perak", das Debütalbum des Trios aus Surabaya bei Big Crown Records, ihren einzigartigen Sound vorstellte. Dieses neue Album bricht nicht mit dieser Tradition, sondern erweitert sie und zeigt, wie sehr sie als Band seit der Veröffentlichung ihres Debüts und all den damit verbundenen Erfahrungen gewachsen sind. Bestehend aus der Sängerin und Keyboarderin Natassya Sianturi, dem Gitarristen und Produzenten Sinatrya Dharaka und dem Schlagzeuger Tommy Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von gemeinsamen Referenzpunkten und einem ausgeprägten Sinn für Groove geprägt sind.

Auf diesem Album erweitert sich diese gemeinsame Sprache. Die Arrangements bewegen sich über ein breiteres Spektrum, mit neuen instrumentalen Farben, unerwarteten rhythmischen Wendungen und einem lockereren Ansatz in Bezug auf die Struktur. Die Band beschreibt es als eine Reaktion auf die letzten zwei Jahre ihres Lebens: soziale Realitäten, Liebesleben in Der Album-Opener ,Under the Silver Moon" ist ein kühler Two-Stepper, der die bitteren und süßen Seiten von Fernbeziehungen vor einem luftigen musikalischen Hintergrund thematisiert. ,Six Years" ist eine Seite aus dem Leben der Sängerin Natassya Sianturi und ihrem Kampf, den Schritt zu wagen, einen bequemen und sicheren Tagesjob aufzugeben, um ihrem Traum von einem erfüllten Leben zu folgen.

Shaped from fragile, emotionally charged piano motifs that distort, disappear and transform into dense, cinematic textures, 'CANALS' is a debut that's finely matured, the result of years of friendship and growth. Italian artist Vanja Sturno and Montréal-based Belgian-Spanish composer Pablo Geeraert (aka Sanea Ima) have worked together extensively on various projects up until now, but 'CANALS' is their first official release as a duo. Having both studied music academically, the pair were eager to work more intuitively, so applied their well-honed set of skills to sound that, instead of fitting into a conceptual box, reflected more personal experiences.

Back in 2023, Geeraert travelled to Rome to support his friend at a difficult time and, during the trip, received some bad news of his own. The complicated feelings unconsciously surged through a series of delicate Ryuichi Sakamoto-inspired piano improvisations and a new project began to coalesce. They didn't realize it at the time, but once the record was finished, Sturno and Geeraert began to understand that the entire process had been a form a joint catharsis - a release of pressure. They were able to function so effortlessly and swiftly because they had already provided the space for each other to resonate emotionally and the music flowed from that point.

So the album's title, while remaining ambiguous, suggests its formation: a sequence of eight interconnected channels that feed a creative whole. On the first segment, Sturno and Geeraert's initial recordings can be perceived most nakedly, the melancholy, Satie-like phrases floating peacefully for a moment before the tranquility is agitated by stormy distortions and swelled into thick waves of harmony. The piano provides the record with its emotional anchor, offering focus and clarity as multi-dimensional noise wells up around it before inevitably dissipating, leaving gentle, unadorned sounds once again.

And the familiar instrument is reshaped into a wheezing artificial organ on the animated 'CANALS III', punctuated by percussive, tape-warped pitch fluctuations that seem to bite into its very essence. Gauzy acoustic granulations snowball into a powerful, bass-heavy crescendo on the fourth part, setting the tenor for the album's second half. But after the crushing 'CANALS VI', possibly Sturno and Geeraert's heaviest track, a brief tremolo-heavy vignette that ripples through experimental rock and ambient music's braided history, the duo clear the air with a jazzy diversion, introducing soft woodwind blasts as a palate cleanser before an epic, widescreen finale.

It's an album that's best absorbed as a whole, a vortex of ritualistic, rhythmic repetitions that Sturno and Geeraert appropriately refer to as "spiral listening".

Seit mehr als drei Jahrzehnten bahnt sich David Eugene Edwards einen einzigartigen Weg durch die amerikanische Musikszene. Zunächst mit dem dunklen Folk-Dringlichkeit von 16 Horsepower, dann mit der andächtigen Intensität von Wovenhand und in jüngerer Zeit durch die reduzierte Klanglandschaft seiner Soloarbeiten. Auf seinem zweiten Soloalbum "Mercurial Silence" setzt Edwards den Weg fort, den er auf seinem Debütalbum "Hyacinth" aus dem Jahr 2023 eingeschlagen hat, und dringt gleichzeitig durch den erweiterten Einsatz elektronischer Produktion und vielschichtiger Texturen in neue Klangwelten vor. Auf dem Album kanalisiert Edwards die krasse Intensität, die einen Großteil seiner Karriere geprägt hat, und greift gleichzeitig auf eine breitere Klangpalette zurück, die sich zugleich uralt und modern anfühlt. Seine unverwechselbare Stimme bewegt sich durch die Schichten aus Streichern, perkussiven Drones und gespenstischer Elektronik und verleiht dem Album die Aura einer Welt außerhalb unserer Reichweite. Über seine 12 Songs hinweg verfeinert Edwards hier die thematische Ausrichtung, die erstmals auf seinem Debüt erkundet wurde, und erweitert gleichzeitig seinen Fokus, um die wiederkehrenden Geschichten zu betrachten, die verschiedene Kulturen über Himmel und Erde und deren stetes Miteinander erzählen. Musikalisch zeichnet sich das zweite Solowerk durch die bewusste Verschmelzung akustischer Instrumente mit ausgeprägten elektronischen Elementen aus. Synthesizer, programmierte Rhythmen und dichte Ambient-Texturen verbinden sich mit Edwards' eher traditionellen Arrangements und schaffen einen Klang, der zwar karg bleibt, aber gleichzeitig die räumliche Tiefe der Songs erweitert. Während frühere Projekte oft auf rohe physische Kraft setzten, wirkt "Mercurial Silence" mit einer anderen Art von Kraft. Das Album entfaltet sich geduldig, atmosphärisch und überwältigend.

Seit mehr als drei Jahrzehnten bahnt sich David Eugene Edwards einen einzigartigen Weg durch die amerikanische Musikszene. Zunächst mit dem dunklen Folk-Dringlichkeit von 16 Horsepower, dann mit der andächtigen Intensität von Wovenhand und in jüngerer Zeit durch die reduzierte Klanglandschaft seiner Soloarbeiten. Auf seinem zweiten Soloalbum "Mercurial Silence" setzt Edwards den Weg fort, den er auf seinem Debütalbum "Hyacinth" aus dem Jahr 2023 eingeschlagen hat, und dringt gleichzeitig durch den erweiterten Einsatz elektronischer Produktion und vielschichtiger Texturen in neue Klangwelten vor. Auf dem Album kanalisiert Edwards die krasse Intensität, die einen Großteil seiner Karriere geprägt hat, und greift gleichzeitig auf eine breitere Klangpalette zurück, die sich zugleich uralt und modern anfühlt. Seine unverwechselbare Stimme bewegt sich durch die Schichten aus Streichern, perkussiven Drones und gespenstischer Elektronik und verleiht dem Album die Aura einer Welt außerhalb unserer Reichweite. Über seine 12 Songs hinweg verfeinert Edwards hier die thematische Ausrichtung, die erstmals auf seinem Debüt erkundet wurde, und erweitert gleichzeitig seinen Fokus, um die wiederkehrenden Geschichten zu betrachten, die verschiedene Kulturen über Himmel und Erde und deren stetes Miteinander erzählen. Musikalisch zeichnet sich das zweite Solowerk durch die bewusste Verschmelzung akustischer Instrumente mit ausgeprägten elektronischen Elementen aus. Synthesizer, programmierte Rhythmen und dichte Ambient-Texturen verbinden sich mit Edwards' eher traditionellen Arrangements und schaffen einen Klang, der zwar karg bleibt, aber gleichzeitig die räumliche Tiefe der Songs erweitert. Während frühere Projekte oft auf rohe physische Kraft setzten, wirkt "Mercurial Silence" mit einer anderen Art von Kraft. Das Album entfaltet sich geduldig, atmosphärisch und überwältigend.

Marvin Gaye always dreamed of being a smooth crooner, “sitting on a stool, possibly behind a piano,” delivering velvety songs like Nat King Cole. But Motown had other plans. Pushed between raw R&B and polished pop, Gaye fought to find his own voice, eventually rising to become one of the greatest soul singers in history.

Motown Records released the first Marvin Gaye record in 1961 "(I'm Afraid) The Masquerade Is Over", a single intended for (radio) promotion from the singer's debut album. This was followed up by the officially released "Let Your Conscience Be Your Guide" a week later. Gaye scored his first real hit with "Stubborn Kind of Fellow" in 1962, which he had co-written himself, joking about his alleged stubbornness. He found his own unique style with the single released at the end of the year: "Hitch Hike". The foundations were now laid for an enormous series of chart successes: "Pride And Joy", "Can I Get A Witness", "How Sweet It Is (To Be Loved By You)" and "Ain't That Peculiar" are all Motown classics from 1963-1965 which are still being regularly played today after all these years. The duets he recorded with Kim Weston ("It Takes Two"), especially Tammi Terrell and Diana Ross were certainly at least as good.

He scored his biggest ever hit with "I Heard It Through The Grapevine" in 1968. "What's Going On" from the same titled album became a number 1 hit in the USA. The album was received as a masterpiece and is regarded as one of the most important records in pop history. In 1973, the artistically and commercially very successful, "Let's Get It On" album was mainly a musical ode to Marvin's love for his new muse Janis Hunter. His journey continued after a turbulent relationship, addiction and a dramatic creative rebirth in Belgium, where he crafted the global hit “Sexual Healing in 1982.

Marvin Gaye left behind timeless hits, groundbreaking albums, and a legacy that shaped the sound of modern soul. His story, from ambition to artistry, from struggle to brilliance, remains as powerful as the music he created.

Music On Vinyl proudly presents a special coloured vinyl edition of the Marvin Gaye Collected album which is available as a limited edition of 10.000 individually numbered copies on white (LP1) and silver coloured vinyl (LP2) and includes a booklet with liner notes.

Vegas is the self-titled album from the one-off collaboration between Terry Hall (The Specials) and Dave Stewart (Eurythmics). Originally released in 1992, the album combines elements of electronic music and pop with alternative rock influences.

The album was recorded in London with additional contributions from drummer and programmer Olle Romö, and showcases a more atmospheric side of both Hall and Stewart. It includes the singles "Possessed", "She", and "Walk into the Wind", the latter featuring vocals by Siobhan Fahey (ex-Bananarama, Shakespears Sister).

Vegas is available as a limited edition on orange vinyl.

Sunday in the Park with George presents the music from the original 1984 Broadway production of Stephen Sondheim and James Lapine’s acclaimed musical. Recorded shortly after the show’s premiere, the album features the original cast performing Sondheim’s layered score, inspired by Georges Seurat’s painting "A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte".

The cast of the musical is led by Mandy Patinkin and Bernadette Peters, whose performances tell a story about art, love, and artistic legacy across two time periods. The recording includes notable songs such as “Sunday,” “Finishing the Hat,” and “Move On.” Winner of the Pulitzer Prize for Drama, Sunday in the Park with George is widely regarded as one of Sondheim’s most distinctive works. Produced by Thomas Z. Shepard, the recording won the 1984 Grammy Award for Best Cast Show Album.

The soundtrack of Sunday in the Park with George is available as a limited edition on blue vinyl and includes a 4-page booklet. The 2LP is packaged in a deluxe sleeve with linen laminate finish.

Nur um es uns kompliziert zu machen, wollten die Cyanide Pills zeitgleich mit der Veröffentlichung ihres kompletten Singles-Albums eine neue Single herausbringen. Also, ja, diese limitierte 7"-Single enthält zwei neue Tracks, die NICHT auf ihrer neuen Doppel-LP/CD ,Singled Out" zu finden sind. Cyanide Pills veröffentlichten 2009 ihre erste 7"-Single ,Break It Up", gefolgt von weiteren 14 fantastischen 45ern, zuletzt eine Split-Single mit den Schweizer Nasty Rumours Anfang letzten Jahres. Die meisten dieser Veröffentlichungen enthielten exklusive, nicht auf Alben enthaltene B-Seiten, die Damaged Goods für ,Singled Out" zusammengestellt haben. Schön, sie alle an einem Ort zu haben, oder? Alle Tracks wurden im Billiard Room in Leeds mit Produzent Carl ,Razorblade" Rosamond aufgenommen.

Neon pink vinyl. Their first new music since 2019, 'Killing The Buzz' sees The Black Wizards entering a new era, with their first release via Hassle Records. Signalling a bold step forward in sound, they shift towards a raw, garage-driven sound, built around direct arrangements, live energy and a strong sense of urgency. The Porto-based trio lay down a striking first impression on the single: Joana Brito's wiry, spitfire vocals volley off José Gomes' gravelly replies, over a chugging, serpentine groove propelled by Helena Peixoto's restless percussion. "Do you print yourself out pretty to look better in banners?" Brito questions archly, referencing the political signage that dots the streets of their home country, Portugal. Speaking on the track, Brito comments: "Killing the Buzz came out pretty funny & sarcastic, while talking about a real subject. The song is about being fed up with people in power positions, be it economical, political or social."

Wer hat die Bibliothek von Mr Lehmann verwüstet? Die drei ??? stehen vor einem Rätsel, das sie zu einem Nobelpreisträger führt.
Bei Mr Lehmann wurde eingebrochen, doch nicht nur ein wertvolles Buch wurde gestohlen, auch alte Briefe seiner Eltern sind verschwunden. Als wenig später auch bei Lehmanns Bruder eingebrochen wird, werden die Detektive hellhörig. Die Ermittlungen führen Justus, Peter und Bob nach Seven Palms, dem Haus von Thomas Mann in Kalifornien. Was hat die Familie Lehmann mit dem Schriftsteller zu tun?

Wer hat die Bibliothek von Mr Lehmann verwüstet? Die drei ??? stehen vor einem Rätsel, das sie zu einem Nobelpreisträger führt.
Bei Mr Lehmann wurde eingebrochen, doch nicht nur ein wertvolles Buch wurde gestohlen, auch alte Briefe seiner Eltern sind verschwunden. Als wenig später auch bei Lehmanns Bruder eingebrochen wird, werden die Detektive hellhörig. Die Ermittlungen führen Justus, Peter und Bob nach Seven Palms, dem Haus von Thomas Mann in Kalifornien. Was hat die Familie Lehmann mit dem Schriftsteller zu tun?

More than a decade into one of contemporary folk’s most quietly extraordinary careers, Alela Diane returns with Who's Keeping Time? The Portland songwriter’s seventh full-length came as the consequence of intuition, coincidence, and community. “I came to the end of a season last year,” Alela shares. “My daughters had grown a bit. I no longer had babies waking me in the middle of the night. I could hear myself think again.” More and more, those thoughts circled music.

The ultimate spark for Alela’s return to her music community came in April of last year with the death of her close friend and mentor Michael Hurley — folk legend and indispensable presence in the Portland music scene. Tracked live in the attic of her 1892 Victorian home, Who’s Keeping Time? was produced by Sam Weber (Madison Cunningham, Anna Tivel) and brought to life with staples from the local music orbit, including members of the bands Lucius and Blind Pilot and fellow singer-songwriters Anna Tivel and AC Sapphire. Over the years, Alela's lustrous discography has gathered major critical acclaim from the likes of Pitchfork, NPR Music, The Guardian, and plenty more. UNCUT counted her work in their ambitious “50 best singer-songwriter albums” of all time roundup—a canon comprising John Lennon, Joni Mitchell, Joan Baez, Paul Simon—with Consequence echoing that significance, declaring, “Hers is a timeless sound, that of a wayfaring troubadour, which only seems to come a few times a generation.” The Portland songwriter’s seventh full-length album, ‘Who’s Keeping Time?’ will be available on LP, CD and Digitally.

CASSETTE VERSION

AFTER DARK is the latest project from French producer Onra, conceived as the soundtrack to an imagined late-night film. Entirely self-produced, the album continues the sophisticated R&B and Modern Soul direction explored since his 2010 classic Long Distance and 2018's accomplished Nobody Has To Know, focusing on late 80's / early 90's inspirations.

Structured like a film unfolding between dusk and dawn, After Dark moves through themes of intimacy, urban solitude, distance, and quiet indulgence. Analog synthesizers, tight drum programming, understated basslines, and selective live saxophone textures shape a cohesive body of work that favors mood and narrative over excess. The sequencing reinforces its cinematic intent, opening and closing with intro and outro pieces that frame the record as a cohesive night-time narrative album.

Over 20 years since emerging in the mid-2000s from the beat scene, Onra has steadily evolved from sample-based Hip-Hop production toward polished, song-oriented projects rooted in contemporary R&B and Funk. With After Dark, he delivers one of his most focused and refined statements to date: a mature, immersive album built for late hours, and attentive listening.

At last, Tokyo’s RAW DISTRACTIONS release their debut LP after a couple of demos and four singles on Hardcore Survives and Pogo 77. RAW DISTRACTIONS have been raised onthe catalogue of Beat the System, Clay Records and Riot City. They play lean and hard hitting UK82 punk with some raging guitar work and a gutteral vocalist who spits and snarls but never forgetting the hook. It’s instant, raw and unhinged and would sit perfectly next to Charged GBH, One Way System and The Exploited but with that Japanese magic dust. This is raw punk but hard and melodic rather than overblown.

Considered the most accomplished modern jazz harpist, Dorothy Ashby (1932-1986) established the harp as an improvising jazz instrument, beyond earlier use as a novelty or background orchestral instrument. She proved the harp could play bebop as adeptly as the instruments commonly associated with jazz. Presented here is one of her best albums, Dorothy Ashby Plays for Beautiful People (Prestige PR7639 - also issued as In a Minor Groove), a 1958 quartet session featuring venerable players Frank Wess, Herman Wright, and Roy Haynes.

When The Lights Gone is the new Album from Nostalgia 77. A set of simple songs in primary colours it explores Lamdin’s familiar themes of memory, time, truth and identity. After a hiatus of several years from releasing personal work Producer Benedic Lamdin has two albums set for release this year of which ‘When The Lights Gone’ is the first. When The Lights Gone renews Lamdin’s partnership with Berlin based singer Yosa. Her tracks with Nostalgia 77 are some of their most popular with 30 plus million streams. “It was great to reconnect with Yosa after years not working together. She was about to start a family in Berlin and it seemed like the perfect time to try and pick up - to catch something before that new phase began. “Becoming immersed in family life is such an all encompassing experience It’s sometimes dreamlike in its own way. I think this record has something of that - it is naive and childlike in certain ways itself.” This album is a private press release on Lamdin's new label but publishing a press support is provided by Tru Thoughts.

Bruiser Wolf’s razor-sharp wit meets Harry Fraud’s luxury street sound on Made By Dope, a collaboration that feels both raw and refined. Fraud laces the project with his signature hazy loops, velvet drums, and smoked-out soul, giving Bruiser the perfect canvas to deliver his off-kilter flows, animated storytelling, and punchline-heavy bars. The result is a record that balances Detroit energy with high-end production polish. Now available on vinyl, Made By Dope is pressed for collectors and connoisseurs alike, bringing the album’s textured sonics to life in full analog warmth. From the cinematic instrumentals to Bruiser’s unmistakable voice cutting through each groove, this physical edition captures the chemistry of two distinct styles meeting at their sharpest point. A must have for fans of the Wolf, and the Wave alike.

Nach Abschluss seiner gefeierten Neuaufnahmen der ersten sechs Alben von Modern Talking präsentiert Thomas Anders mit »The Best« 2026 die Essenz dieses besonderen Projekts: eine Sammlung der größten Hits in neuem Sound, ergänzt um die brandneue Single »The Best Is Yet To Come«, die als musikalisches Versprechen verstanden werden darf und das Kapitel dieser außergewöhnlichen Reise eindrucksvoll erweitert.

Mit dem Best-of-Album bündelt der Sänger erstmals die größten Hits aus seinen aufwendig neu interpretierten Modern-Talking- Klassikern auf einem Album.

Die Songs von Modern Talking haben Musikgeschichte geschrieben und zählen bis heute zu den erfolgreichsten deutschen Pop-Exporten aller Zeiten. Mit Welthits wie »You're My Heart, You're My Soul« oder »Cheri Cheri Lady« prägte das Duo den Sound der 80er-Jahre weit über Europa hinaus und erreichte ein Millionenpublikum von Südamerika bis Asien.

Dass diese Titel auch Jahrzehnte später nichts von ihrer Strahlkraft verloren haben, zeigt nicht zuletzt ihre ungebrochene Präsenz im Radio, auf Streaming-Plattformen und bei Konzerten rund um den Globus. »The Best« erscheint als hochwertiges Best-of-Album in verschiedenen Formaten und fasst die größten Momente dieses besonderen Projekts zusammen. Ein musikalisches Statement, das zeigt: Die Geschichte dieser Songs ist noch lange nicht zu Ende erzählt, denn das Beste kommt bekanntlich erst noch.
Tracklisting

“One of Berghain’s longest-serving residents, Luke Slater has been defining bleepy, polyrhythmic, industrial-strength techno as Planetary Assault Systems since the mid-nineties. P.A.S albums tend to come together in their own time:

“External signals and signs combine until the recipe feels right, both musically and from being ‘out there’,” Slater adds. “10 years since I released Arc Angel on Ostgut Ton, and it’s a fitting pleasure to combine live show ideas and studio work for the new album, served up with raw energy” That patience runs through his whole Ostgut catalogue; since Temporary Suspension brought its machine-tooled weight and alien feeling to the label in 2009, each P.A.S. release on Ostgut Ton has been its own quest for discovery, from The Messenger’s search for sounds not yet present in club music to Arc Angel’s focus on melody to the deep hypnosis of Plantae.

His new album, Planetary People has the deliberate imagination and depth of a record that took its time, shaped as much by live rooms and crowds as by the studio.

“Into The Night” creates a haunting, dystopic environment of corroded acid saturated in echo, absorbing from the first second. “Labyrinth” breaks into buoyant tribal percussion, modulated chirps trading off over propulsive drums. “Quadrant 10” is clean, delay-drenched techno, buzzing with noise splatters over saturated thuds. “Sermon Of The Light Tides” scrambles metallic bell sequences that distort and evolve throughout, reminiscent of a dial-up modem crossed with a game of Frogger, squelching between percussive bursts and stripped-back kicks. “Brave Cosmo” is tormentingly menacing, eerie synths panning around buried vocal fragments over frantic percussion. “Retina Burn” rolls on fierce, cement-mixer 909 cycles, rave stabs over a ride that locks you in, the whole track stuttering and repeating before stripping back to a bare echoing kick and building itself again. “Thunder Major” barrels on open hats and reverb-drenched claps ricocheting through twisting wreaths of delay, mesmeric and relentless. “Beton Brut” marches juggernaut percussion stamping through hall reverb so vast you can visualise the room, the darkest and most unrelenting track on the record. “No Ninja” crunches in metallic and immediate, a wiry plucked lead threading through glitch with the bass held low and deep, mixed so precisely you can see every layer stacked in your mind’s eye. “Ha Jam” is danceable techno with plenty of funk and a sophisticated looseness, a vocal laugh bouncing off clanging metal blocks and rave stabs. “Lynx” lowpasses its rave stabs and crystalline beeps, chirpy hats ticking, cold metal repeats, old school and mesmeric. “Generation Slip” closes everything out, ominous and churning, skittering percussion and electrical sparks rattling through steel, a freight train barrelling on into oblivion.

Les Rallizes Dénudés returns with Disque 4 -’76 Studio et Live-, the latest in the ongoing series of official archival releases from the celebrated Japanese underground band.

In 1991, Les Rallizes Dénudés released what would become the only official albums issued during the band’s lifetime: ’67-’69 STUDIO et LIVE, MIZUTANI / Les Rallizes Dénudés, and ’77 LIVE. What no one knew at the time was that Takashi Mizutani was already deep into preparing another record.

Disque 4 reconstructs the track list Mizutani had put together for that fourth album. This includes the single “White Awakening," recorded in 1976 at the studio in Takadanobaba BIG BOX as part of the sessions that would become known among collectors as the “Virgin Demos.” Production and mastering of this archival release were handled once again by Makoto Kubota, assembling the album from the masters left behind by Mizutani, utilizing newly discovered tapes as additional sources.

Prepared by Mizutani using a variety of formats, including U-Matic, open reel, and DAT, the tracks were originally labeled with working titles such as “Disque 4” and “Record No. 4,” indicating that Mizutani intended them for inclusion on a possible fourth album. The recordings were taken primarily from studio sessions that all seemed to have taken place around 1976, which aligns with the claim that Mizutani himself once made that “there exists an album of studio recordings made with the same members as ‘77 LIVE.” His notes also suggest an attempt to sequence the tracks as a vinyl LP, splitting them into A and B sides. It's not hard to imagine that in the era of CDs in the early 1990s, an album on analog LP would have been an extremely difficult sell. Thus, the “Fourth Album” had become another lost piece of the intricate Rallizes myth.

Les Rallizes Dénudés may be notorious for the colossal volume and extended song lengths in their live settings. But this work, centered around studio recordings and condensed onto a single LP record, transcends the common impression of the band’s aggressive flood of noise. Instead, the “lyricism” at its core emerges with striking clarity. And needless to say, this is precisely the charm of the Rallizes that continues to captivate fans worldwide today.

For two decades, Gun Outfit has been a band defined less by genre than by continuity, patience, and a commitment to making music that reflects their lived experience.
Formed in Olympia, Washington in 2006 but long since rooted in Los Angeles, the group has evolved from a raw duo into a quietly formidable five-piece, their sound growing from scrappy post-punk beginnings into something spacious yet intimate, and always underpinned by an experimental edge.
On Process & Reality, Gun Outfit return with their most ambitious and immersive work to-date, a sprawling 80-minute double album shaped by time, environment, and philosophy. Recorded over the course of a single month in the late summer of 2020, on an 80-acre ranch in Pine Flat, California, while a massive forest fire burned less than ten miles away, the seeds of these songs were stark and strange.
Its title, Process & Reality, draws from the central work of philosopher Alfred North Whitehead, whose philosophy places intuition, experience, creativity, and relationality at the center of existence.
The band’s current lineup reflects both longevity and openness. Sharp and Keith remain the band’s primary architects, joined by longtime drummer Daniel Swire, multi-instrumentalist Henry Barnes, and bassist Kayla Cohen. Additional collaborators include Chris Cohen, Warren Lee, and Danny Sasaki all of whom add further depth, leaving subtle fingerprints across the album.
Musically, the album expands the band’s palette without abandoning its core sensibility. Dulcimer, autoharp, sitar, melodica, keyboards, homemade electronics, and a wide range of acoustic and electric textures appear throughout. The sound is mellow yet expansive, songs move between fragility and hefty atmospheric passages.
Influences surface obliquely rather than overtly. Elements of reggae and dub inform the production’s spatial sensibility. Echoes of long-form European jam bands coexist with sharp post-punk. British folk traditions, American country, and classic West Coast songwriting drift in and out of focus; the band is never afraid to lead or follow.

Leonard Cohen's appearance on 20th March 1968 in a BBC television special had a huge impact and contrib-uted greatly to his success in this country. We are delighted to present eleven of the songs he played, rec-orded in excellent sound. Backed by a select group of UK musicians including Danny Thompson and Dave Cousins, Cohen performed seven tracks from his debut LP. The remaining tracks appearing on subsequent records, with the exception of There's No Reason You Should Remember Me. Comes with full recording de-tails and extensive sleeve notes.

The title comes from a previously unreleased version of All The Young Dudes (track one, side one) specially recorded for the BBC. Elsewhere we have two further studio tracks aired by Sounds Of The Seventies, live versions of Midnight Lady and Thunderbuck Ram recorded for FM radio and a ferocious set of four live tracks originally broadcast on French TV in 1971.
Full recording details and extensive sleevenotes are included.

Bleachers' new album “everyone for ten minutes” will be released on 22 May 2026. Described by The New York Times as “anthemic, life-affirming pop rock,” Bleachers are fronted by eleven-time Grammy Award-winning singer, songwriter, musician, and producer Jack Antonoff. Over the past decade, Bleachers have built a massive, devoted following, renowned for their impressive live show and infectious camaraderie. Bleachers’ self-titled fourth studio took the band to new heights including a sold-out Madison Square Garden & the cover of Rolling Stone magazine.

Bleachers' new album “everyone for ten minutes” will be released on 22 May 2026. Described by The New York Times as “anthemic, life-affirming pop rock,” Bleachers are fronted by eleven-time Grammy Award-winning singer, songwriter, musician, and producer Jack Antonoff. Over the past decade, Bleachers have built a massive, devoted following, renowned for their impressive live show and infectious camaraderie. Bleachers’ self-titled fourth studio took the band to new heights including a sold-out Madison Square Garden & the cover of Rolling Stone magazine.

Bleachers' new album “everyone for ten minutes” will be released on 22 May 2026. Described by The New York Times as “anthemic, life-affirming pop rock,” Bleachers are fronted by eleven-time Grammy Award-winning singer, songwriter, musician, and producer Jack Antonoff. Over the past decade, Bleachers have built a massive, devoted following, renowned for their impressive live show and infectious camaraderie. Bleachers’ self-titled fourth studio took the band to new heights including a sold-out Madison Square Garden & the cover of Rolling Stone magazine.

GER NOFX waren sauer (sind es möglicherweise immer noch) und wollten uns das wissen lassen! Ursprünglich 1999 veröffentlicht, war "The Decline" ein mutiges Werk und markierte einen großen Wendepunkt für NOFX. Der Song, der weithin als eines ihrer Meisterwerke gilt, ist ein 18-minütiges Punkrock-Spektakel, das die Entertainmentqualitäten, den lyrischen Witz und die Musikalität der besten Punkrockband aller Zeiten richtig zur Geltung bringt. Der Song, der den Zustand Amerikas satirisch darstellt und die gleichgültigen Massen und Politiker gleichermaßen aufs Korn nimmt, ist auch im Jahr 2026 natürlich leider noch aktuell und kritisiert somit weiterhin die Mächtigen auf eine Weise, zu der nur wenige Künstler den Mut haben. Die Vinyl-Single enthält auf der B-Seite die erste Version von "Clams Have Feelings Too" (das später auf dem Album "Pump Up The Valuum" wieder auftauchte) und ist ein Muss für jeden NOFX-Fan. Erneut auf schwarzem Vinyl wieder da und und limitiert in neuem farbigem Vinyl. Inklusive Beilage mit Texten und Bildern. NOFX were pissed off (possibly still are) and they wanted to let us know! Originally released in 1999,The Decline, was a brave release and marked a huge turning point for NOFX. Widely regarded as their magnum opus, the song is an 18-minute punk rock spectacle that showcases the showmanship, lyrical wit, and musicality of the best punk rock band of all time. Satirizing the state of America and skewering the indifferent masses & politicians alike, the song is eerily relevant in 2026 and continues to critique the powers that be in a way few artists have the courage to do. The vinyl adds first version of "Clams Have Feelings Too" (later resurfacing on the Pump Up The Valuum album) on the flip, the 12" is an essential release for any NOFX fan. Back on black and colored vinyl (ltd), includes insert with lyrics and pics.

The vinyl version of this release compiles the tracks from their two earliest EPs originally released by Ankst whilst the 22 track CD features further unreleased & unheard bonus tracks from this early era.

Super Furry Animals also recently announced additional festival dates to follow their sold out Supacabra Tour dates including stops in Llangollen, Bristol, York, Glasgow and London (their first since late 2016. See full 2026 dates below.

Holding the world record for the longest ever EP title the first EP -Llanfairpwllgwyngyllgogerychwyndrobwllantysiliogogogochynygofod (In Space), was released in 1995, followed in the same year by Moog Droog, with both EPs making up the eight-song track listing of the vinyl version of Precreation Percolation.

Later that year, with a record deal on the table and future classics such as God! Show Me Magic and Hangin’ With Howard Marks already making up the SFA’s set list, the band’s path following “two years of chaos” (including a legendary 1993 debut ‘gig’ at Bangor University’s Banana Lounge, lasting all of five minutes due to technical and chemical misadventure) was set. In the album’s liner notes, singer, Gruff Rhys writes: “It would have been the best gig ever, had we not daisy chained so many synthesizers together, that it resulted in a terminal systems failure.”

By summer they’d joined Oasis, Primal Scream and The Jesus and Mary Chain in the Creation Records family, leading to a huge London signing party that saw members of the band famously thrown out of.

The term of intriguing genre experimentation, spanning long-form electro, blissed out instrumentals and expansive prog-influenced rock, heard across much of Precreation Percolation was subsequently refined and channeled into their thrilling, 1996 debut album, Fuzzy Logic and their untamed live performances.


While consciously and frequently referring to the unheard, untold and unforeseen as a naturally nostalgia-resistant band, Super Furry Animals look ahead to reconvening with fans to celebrate their shared history as the Supercabra Tour gets underway.




(the vinyl comes with a copy of the CD in a slim card wallet)

Das bahnbrechende Debütalbum ,Oshin" von DIIV kommt mit einem neuen Cover zurück in die Läden! Das erste Album von DIIV verbindet auf coole Weise Erinnerungen mit Halbvergessenem und schafft so eine musikalische Welt aus alter Luft und frischem Wind. Diese Songs erinnern uns an die Liebe in all ihrer irdischen Perfektion und Perversion. Ein Großteil der Anziehungskraft von DIIV entstand in dem Prozess, den Zachary Cole Smith durchlief, um diese ersten Kompositionen mitten im Sommer zu entdecken, während er sich in einer Ecke eines Malerateliers in Bushwick ohne Klimaanlage und mit Blick aus dem Fenster verkrochen hatte. Er umgab sich mit Kassetten und LPs von Lucinda Williams, Arthur Russell, Faust, Nirvana und Jandek, mit Schriften von N. Scott Momaday, James Welsh, Hart Crane, Marianne Moore und James Baldwin sowie mit Träumen von Außerirdischen, Zuneigung, Geistern und der fernen Natur (wie er sie sich von seinem Fenster mit Blick auf die Morgan L-Bahn aus vorstellte). Die daraus resultierende Musik ist ebenso tiefgründig wie einhüllend und lädt dazu ein, sich in einer Zeit von Kurzform-Inhalten und endlosem Scrollen in ihren Verflechtungen zu verlieren.

At the time, Mikio Masuda was frequently mentioned as a Japanese jazz musician on par with the soft-and-mellow crossover sound of artists like Bob James and Ramsey Lewis. With a supple sensibility that moves effortlessly between jazz and rock, he stands as one of the defining figures of the 1970s. Now, one of his essential masterpieces, "Moon Stone", has been confirmed for reissue as the fifth installment from SPIN THIS NOW!

Electric Piano, Organ, Clavinet, Synthesizer - Mikio Masuda
Drums - Hideo Yamaki
Electric Bass - Motohiko Hamase
Electric Guitar - Kazumi Watanabe
Electric Guitar, Vocals - Kazumasa Akiyama

Masao Yagi’s memorable first leader date, by a musician active since the dawn of Japanese jazz and also known as a devoted Monk scholar. This album features Monk’s compositions throughout, including classics such as "’Round Midnight", "Straight, No Chaser", and "Blue Monk".

Masao Yagi (p)
Sadao Watanabe (as)
Akira Nakano (tp)
Masanaga Harada (b)
Teiichi Tabata (dr)

“I Believe I’ll Dust My Broom” is one of Robert Johnson’s most iconic recordings, later made even more famous by Elmore James’ legendary interpretation,
which helped establish the signature “broom style” in blues music. The track brilliantly translates boogie-woogie piano bass patterns into a single-guitar
performance, showcasing Johnson’s extraordinary technique.

“Dead Shrimp Blues” is often interpreted as a metaphor for sexual impotence, with Johnson’s emotionally resonant vocal delivery adding a sense of haunting
emptiness to the track.

“Come On In My Kitchen” remains one of Johnson’s most covered and celebrated songs. Said to draw inspiration from the Mississippi Sheiks’ hit “Sitting On
Top Of The World,” the song’s repeating guitar phrases create an unmistakable sense of melancholy and depth.

“They’re Red Hot,” on the other hand, stands out as one of Johnson’s most unusual recordings, performed in a lively hokum style. Featuring brisk, jive-inflected
guitar and Johnson’s rapid-fire vocal delivery, the track has even been described as a possible precursor to early rap music.

Crystal Clear Vinyl. Ambient-Post-Rock aus San Diego, dem Rückzugsort der Millennials für Post-Hardcore. Aufgenommen zwischen den Tourneen zu "Tristeza", verwebt das zweite Album von The Album Leaf zarte Gitarrenklänge, klimperndes Klavier, nachdenkliche Synthesizer, unheimliche Feldaufnahmen und treibende Percussion zu einer Meditation über das Vergehen der Zeit. Diese remasterte 25-jährige Jubiläumsausgabe entspricht dem Original, mit neuen Anmerkungen des Autors Adam Gnade und bisher unveröffentlichten Fotos. Eine beeindruckende Stunde akustischer Photosynthese.

Die Gegenkultur-Ikone Hyd bringt ihr zweites Album raus, voll mit dynamischen, abwechslungsreichen Popsongs. Hyd holt ihre kreativen Freunde mit rein, um die Musik zu machen, darunter Hudson Mohawke, Sophie, Finn Keane (der gerade ein mega Jahr hinter sich hat als Produzent für Charli xcx), Marcus Andersson, Saint Patrick und Sophies Bruder Benny Long. Das Artwork wurde vom Fotografie-Phänomen Michael Bailey Gates aufgenommen, die Vinyl-Schallplatte wurde vom Produzenten umru gestaltet und die Musikvideos wurden vom Schauspieler Bobbi Salvor Menuez gedreht. Hayden modelt regelmäßig für Courreges, Junya Watanabe und Balenciaga und wird von der Company Gallery (NYC) für ihre visuelle Kunst vertreten. Hyd war auch der Gründer von QT, einem Performance-Kunstprojekt, das aus Hayden, Sophie und AG Cook zusammensetzt und bei XL Recordings unter Vertrag steht. Hyds neues Album beschäftigt sich damit, was es bedeutet, sich zwischen Formen zu bewegen, eine Form zu übernehmen und sich gleichzeitig in eine andere zu verwandeln; queere Ökosysteme der Fürsorge. ,Als ich 2017 mein Augenlicht verlor, begann ich, anders zu sehen. In völliger Dunkelheit wird dir klar, dass du über deinen Körper hinaus existierst. Da habe ich angefangen, dieses Material zu schreiben."

Ein authentischer Geschichtenerzähler der heutigen Indie-Rock-Szene ist der in Tampa geborene und in New Orleans lebende Singer/Songwriter Thomas Dollbaum, und ,Birds of Paradise" ist sein bisher kraftvollstes und dynamischstes Werk. Nach seinen von Kritikern hochgelobten Alben "Wellswood" (Big Legal Mess, 2022) und "Drive All Night EP" (Dear Life Records, 2025) ist "Birds of Paradise" ein Abschiedsbrief an verlorene Liebste und sein früheres Ich. In diesen Songs sucht Dollbaum nach Akzeptanz an vergänglichen Zwischenorten: in den Kiefernwäldern Floridas, auf Nebenstraßen, die zur 1-95 führen, wo Vögel über das Wasser fliegen. Und obwohl die Geister seiner Alt-Country-Vorgänger Townes und Molina definitiv präsent sind, tritt Dollbaum auf Birds of Paradise aus ihrem Schatten heraus - er winkt der Vergangenheit zu und klingt dabei umso mehr wie er selbst. Dieser Moment - dieses Album - ist längst überfällig. Die Aufnahmen zu Dollbaums beiden vorherigen Veröffentlichungen hatten aufgrund von Umständen, die außerhalb seiner Kontrolle lagen, viel zu lange gedauert, was ihn frustriert zurückließ. Nachdem er acht Jahre lang von zu Hause weg war, war der Ort, den er verlassen hatte, nicht mehr der Ort, an den er sich erinnerte, und die Unveränderlichkeit der Natur fühlte sich wie eine Konstante an, über die er schreiben wollte. Mit einem Gefühl der Unmittelbarkeit schrieb er ,Birds of Paradise" in drei Monaten. Er rief die Musiker an, denen er am meisten vertraute und die er am meisten bewunderte - Nick Corson, Josh Halper und Jake Lenderman - und bat sie, sich mit ihm bei Dial Back Sound in Water Valley, Mississippi, mit dem Produzenten/Toningenieur Clay Jones zu treffen. Sie lernten das Album in vier Tagen ein und nahmen es auf, wobei sie einen Blitz in einer Flasche einfingen, eine klangliche Offenbarung, auf die Dollbaums Songwriting schon immer gewartet hatte. Mit der Hilfe von Lenderman, Halper, Corson und Jones ist ,Birds of Paradise" Dollbaums hart erkämpfter Durchbruch. Lebendig und nachhallend wie Gedichte und Kurzgeschichten, die man nicht vergessen kann: Kojoten heulen, Vögel fliegen nach Süden, Kinder jagen Kaninchen durch das Zuckerrohr und Zigaretten kosten vier Dollar pro Packung. Birds of Paradise erinnert uns daran, woher wir kommen - an die Dinge in uns, die wir vergessen haben - wir brauchten nur Dollbaum, um uns das zu zeigen. So blickt man ohne Angst oder Scham zurück. So sieht Authentizität aus.

'The Endless Dance' is the first collaborative album from Northern Irish producer and composer Hannah Peel and Chinese percussionist Beibei Wang. The record is grounded in the strength of ancient concepts, but comes alive with the joy and freedom of play as together, Peel and Wang travel through the 24 solar terms of the Chinese calendar with a cornucopia of sound in tow – synths and prepared piano alongside traditional and unconventional percussion.

The album is collaged together from recordings made over five days at legendary rural studio Real World, a setting which aligned with the duo’s inspiration from the natural world creating a permanent record of their shared musical landscape, informed by the flora and fauna that emerge and retreat through the seasons.

Both genre-defying, storied artists in their own right, Peel and Wang met while working on Manchester Collective’s 2023 album NEON and 'The Endless Dance' certainly represents a step-change from the duo’s shared classical backgrounds – but their knowledge and training is also the foundation of its freewheeling audacity, giving them the confidence to trust their instincts.

The album is produced by Mike Lindsay LUMP, Tunng, Guy Garvey, Jon Hopkins who, with free rein, brings added energy and creativity to the album, whilst Peel & Wang are also joined by Hyelim Kim on Daegeum, a Korean flute with “colourful overtones on every note”.

Track to track, 'The Endless Dance' is unpredictable and unexpected, which is in part due to the genuine curiosity and outside perspectives that each player brought to the sessions. “I am so familiar with Chinese heritage, but I don't see how it can present in electronics, for instance,” says Wang. “Hannah comes in with that direction, to imagine what the sounds could be together.” The characterful richness of the album stems from the commonalities they found in the sessions. “We both come from cultures where story is really important,” explains Peel. “The attention to detail comes from telling a story, and one note can set that off in a different direction.”

'The Endless Dance' is a major work from two accomplished, singular artists - but it’s also the sound of mutual curiosity and shared fun, or as Wang puts it: “Two women talking in totally different language that had a wonderful chat.”

Brown Spirits are a super-heavy psychedelic three-piece band who play raw energetic super-charged psych rock heavily influenced by krautrock, freejazz and deep funk music from the 1970s that gives them a truly unique and highly addictive sound. The group record and mix their own music to ¼-
inch analogue tape at home maintaining a strictly DIY-ethic.

Brown Spirits are Tim Wold, Agostino Soldati and Ash Buscombe. The group are from the suburbs of Melbourne, Australia, home to an ever-growing
music scene that includes Amyl and the Sniffers, King Gizzard and The Lizard Wizard, Surprise Chef, Tropical Fuck Storm and more.
The group have already released two superb critically-acclaimed album on Soul Jazz Records – ‘Cosmic Seeds’ and Solitary Transmissions’.
Soul Jazz Records are releasing three new albums from the Australian group on one day. All three albums are super-limited one-off special coloured
vinyl pressings of just 500 copies each that will all be deleted on the day of release.

These three albums were originally released (between 2017-2020) in long-deleted very short run-editions - either self-released in Australia or on an
indie German psych label. No copies of Brown Spirits #2 or Brown Spirits #3 are currently available anywhere in the world. Both of Brown Spirits two
earlier releases for Soul Jazz Records are also sold out on vinyl and these three super-limited special edition LPs will also sell out.