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Since emerging in the early 2000s with releases on the seminal Merck label, Proswell (Joseph Misra) has proven to be one of the most original voices in IDM. People Are Giving And Receiving Things At Incredible Speeds (PAGARTAIS), his debut on Sheffield's Central Processing Unit, is another Proswell record which overflows with creative energy. Containing five widescreen electronic epics, PAGARTAIS showcases some of the most ambitious work in the discographies of both artist and label.

The core sonic palette of PAGARTAIS is one schooled in the IDM and electronica sounds of imprints like Rephlex Records, B12 and Skam. These tracks are helmed by thick washes of keys, an array of playful synth tones and drums so deft it's sometimes hard to tell whether they have been programmed or played live. However, across almost forty minutes of music here Proswell explodes preconceptions about genre and form, his music gleefully jumping from one new sound to the next while assimilating electro, prog, computer game music, post-jazz and pretty much everything in between.

Opener 'PAGARTAIS I' sets the tone for the rest of the record. This is a track which never sits still - beginning with a distorted melee of drums that comes off like a strange new version of breakbeat, 'PAGARTAIS I' moves through some thrillingly idiosyncratic takes on Rephlex-school IDM, stargazing Detroit electro and The Comet Is Coming's futurist electronic jazz across its near-ten-minute runtime. Following number 'PAGARTAIS II' is no less impressive, referencing the hyper-modern computer sounds of Iglooghost and Kai Whiston while containing a driving opening section which could have soundtracked one of the legendary Wipeout games.

Although this fabulously unpredictable record often zips along at high speeds, Proswell is also able to dial things back when he needs to. Indeed, the second half of PAGARTAIS finds him slowing down a tad in order to deliver some of the album's most atmospheric material - 'PAGARTAIS III' blends cutting-edge electronics with sonorous jazz harmonies and fizzing improvised lead lines, the mysterious 'PAGARTAIS IV' is a sort of freeform variation on the maximalist, colourful electronica of Galaxy Garden-era Lone, and the slinking computerised Braindance number 'PAGARTAIS V' recalls Calum Gunn's recent CPU drop Addenda.

Really, though, none of these comparisons quite do justice to the inventive capacity of this music - Proswell's in a lane of his own here. An incredibly innovative fusion record that takes in IDM, prog, computer music, electro and plenty more besides, People Are Giving And Receiving Things At Incredible Speeds (PAGARTAIS) is the sound of a unique musical mind in full flight.

RIYL: Calum Gunn, Kai Whiston, Iglooghost, Rustie, Bogdan Raczynski

Der großartigen Sängerin Billie Holiday nähert man sich immer sehr respektvoll, behutsam ihrem tragischen Leben gegenüber, aber auch voller Bewunderung der fantastischen Musik, die sie erschaffen hat. Die aktuelle Analogue Productions/Verve Edition in 45rpm, verteilt auf zwei super sauber gepressten Vinyl-Scheiben, unterstreicht dies akustisch mehr als deutlich. Dabei ist die Tatsache, dass die Aufnahmen in Mono sind, ein soundtechnischer Haupt-Gewinn. Der Klang gewinnt dadurch definitiv an Intensität, Tiefe und Druck. Die Scheibe erschien erstmals 1955. Eine geniale Band bannte damals 12 wunderbare Lieder auf die analogen Studiobänder. Neben Sängerin Billie Holiday agieren noch die Schlagzeuger Larry Bunker und Alvin Stoller, Harry „Sweets“ Edison an der Trompete, Barney Kessel an der Gitarre, Jimmy Rowles am Piano und Ben Webster am Saxophon. Den Bass teilen sich Red Mitchell und Joe Mondragon. Der Opener „Do NothingTill You Hear From Me“ ist maximal fesselnd. Holidays Stimme erfüllt den ganzen Hörraum. Kessel spielt dazu wunderschön bluesig-trockene und wohlklingende blue notes. Websters Saxophon ist so unendlich präsent, dass man unschwer meinen könnte, man säße inmitten des Ensembles. Mit Swing und Maxi-Groove kommt „But Not For Me“. Jazz as Jazz can! Herrlich perlen die Klavierfiguren von Rowles. Der Kontrabass kommt dabei so unendlich druckvoll und dynamisch. Das muss man hören, fühlen und spüren. Holidays Stimme hat dabei soviel Klangfarbe, dass man nur noch Schwärmen kann. Die zwei 180 Gramm schweren LPs kommen im ästhetisch gestalteten Klappcover. Dieser audiophile Edelstein gehört in jede gut sortierte Schallplattensammlung, und zwar definitiv schrankenlos Genre-übergreifend. wb

Dieses neueste Werk, das zwölfte Studioalbum der Band, wurde hauptsächlich während derselben Aufnahmesessions von TLGA aufgenommen, vor, während und nach dem jüngsten Covid-Notfall, von den verschiedenen Bandmitgliedern und schließlich wie üblich vom Toningenieur/Produzenten außerordentlichen Talents Karl Groom von Threshold bearbeitet, abgemischt und gemastert.

Somit ist die Besetzung des Albums dieselbe wie beim letzten: nämlich Stu Nicholson (Gesang), Dean Baker (Keyboards) und Spencer Luckman (Schlagzeug), Lee Abraham (Gitarren) und Mark Spencer (Bassgitarre). Das Hauptalbum besteht aus fünf Tracks sowie zwei Bonustracks auf der CD.

Wie schon bei TLGA hat 'The Long Goodbye' einen klaren und zeitgemäßen Klang, beinhaltet aber musikalisch immer noch eine Vielzahl von Einflüssen, einschließlich einiger Anspielungen auf das progressive Erbe der Band, insbesondere im epischen abschließenden Titeltrack, in dem der Alterungsprozess und das schwierige und heikle Thema der früh einsetzenden Demenz hoffentlich mit einer gewissen Ernsthaftigkeit behandelt werden.

Dieses neueste Werk, das zwölfte Studioalbum der Band, wurde hauptsächlich während derselben Aufnahmesessions von TLGA aufgenommen, vor, während und nach dem jüngsten Covid-Notfall, von den verschiedenen Bandmitgliedern und schließlich wie üblich vom Toningenieur/Produzenten außerordentlichen Talents Karl Groom von Threshold bearbeitet, abgemischt und gemastert.

Somit ist die Besetzung des Albums dieselbe wie beim letzten: nämlich Stu Nicholson (Gesang), Dean Baker (Keyboards) und Spencer Luckman (Schlagzeug), Lee Abraham (Gitarren) und Mark Spencer (Bassgitarre). Das Hauptalbum besteht aus fünf Tracks sowie zwei Bonustracks auf der CD.

Wie schon bei TLGA hat 'The Long Goodbye' einen klaren und zeitgemäßen Klang, beinhaltet aber musikalisch immer noch eine Vielzahl von Einflüssen, einschließlich einiger Anspielungen auf das progressive Erbe der Band, insbesondere im epischen abschließenden Titeltrack, in dem der Alterungsprozess und das schwierige und heikle Thema der früh einsetzenden Demenz hoffentlich mit einer gewissen Ernsthaftigkeit behandelt werden.

Musique Infinie is the collaborative project of Manuel Oberholzer a.k.a. Feldermelder and Noémi Büchi.Their album »Earth«, released through the Hallow Ground label, is based on a spontaneously composed live score for Alexander Dovzhenko’s groundbreaking 1930 silent movie »Zemlya« (»Earth«) created for the 24th edition of the VIDEOEX festival for experimental film.

Frequently cited as a masterpiece of early 20th century filmmaking, the movie deals with the collectivisation of Ukraine’s agriculture. The Swiss duo complemented it with atmospherically rich electronic soundscapes that are both deeply immersive and highly evocative. As a stand-alone music release, the two-piece »Earth« album captures the essence of Büchi and Oberholzer’s collaboration that is marked by mutual trust and musical versatility that puts them in a state of »togetherness trance,« as they call it.

Oberholzer has been highly productive as a composer, musician, sound designer, and installation artist in recent years, releasing a slew of solo albums as well as a variety of collaboration records with artists such as Sara Oswald and Julian Sartorius. Büchi has recently debuted as a solo composer and sound artist working with electroacoustic techniques to create a »symphonic maximalism for the end of the world,« as she dubs it.

Both are prolific and versatile artists with a penchant for working conceptually, however their collaboration as Musique Infinie is an improvisational and thus by design an intuitive one.

Their sessions start with an exchange on emotions and thoughts rather than theoretical questions or aesthetic debates. When they get to work—often for several hours—they rarely talk.

They approached »Earth« the same way, improvising freely together and using only a few select samples from the film’s original score in the process. Their open-ended approach is marked by an aesthetic ambivalence that perfectly corresponds with the movie’s own inherent contradictions.

Dovzhenko approached his socio-political subject with poetic imagery and philosophical rigour, juxtaposing notions of traditionality with the depiction of modernity.

Büchi and Oberholzer accordingly work with motives that at o ce seem anthemic and elegiac, working with sounds and musical motives that evoke a sense of familiarity in one moment before transforming into something futuristic and uncanny in the next. Their score for »Zemlya« is not to be understood as a mere interpretation of the movie, but rather a re-narration or even re-negotiation of its aesthetic and emotional qualities under their very own terms. »Earth« is an album that concisely depicts what is at the core of the duo’s musical partnership

Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach dem viel beachteten Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er eine Solokarriere startete, die in zwei Studioalben mündete: "Gone With The Wind" (1984) und "Even The Score" (1988). Am 22. Januar 1994 wurde der legendäre Sänger in Atlanta, Georgia, im Alter von 37 Jahren erschossen. Die "Sessions"-Compilation vereint eine Reihe verschiedener Projekte, an denen Rhett Forrester im Laufe seiner allzu kurzen, aber dennoch beeindruckenden Karriere beteiligt war. Die meisten dieser Aufnahmen sind im Vergleich zu den bekannteren Veröffentlichungen von Rhett Forrester, sei es mit der legendären Band Riot, Jack Starrs erstem Soloalbum "Out Of The Darkness" oder Rhett's eigenem Solo-Output, in Vergessenheit geraten. Den Anfang machen die "Dirty Water Sessions", die erstmals auf dem längst vergriffenen Compilation-Album "Hell Or Highwater" zu hören waren und in Texas mit dem Gitarristen und Co-Autor Jonathan Grell aufgenommen wurden, der früher bei der Band Winterkat spielte. Diese Songs sind die allerletzten Aufnahmen, die Rhett vor seinem frühen Tod machte. Als nächstes folgt das Projekt "Dogbone", eine Band, die Rhett mit den ehemaligen Keel-Mitgliedern Brian Jay und Dwain Miller gründete. Diese Aufnahmen wurden Mitte der 1990er Jahre in begrenztem Umfang halboffiziell veröffentlicht, sind aber bis heute weitgehend ungehört geblieben. Außerdem enthält "Sessions" den einzigen Track aus dem "Thrasher"-Projektalbum mit Rhett. Dieser Track wurde von Andrew Duck McDonald und Carl Canedy produziert und war auch auf der "Hell Or Highwater"-Compilation zu hören. Den Abschluss dieser Veröffentlichung bilden die Demos für Dr. Dirty, bekannt als "The Clear Lake Sessions". Diese Aufnahmen bildeten die Grundlage für die vollständigen Dr. Dirty-Aufnahmen, die auf der High Roller Records-Veröffentlichung "Rhett Forrester - The Canadian Years" zu hören sind.

Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach dem viel beachteten Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er eine Solokarriere startete, die in zwei Studioalben mündete: "Gone With The Wind" (1984) und "Even The Score" (1988). Am 22. Januar 1994 wurde der legendäre Sänger in Atlanta, Georgia, im Alter von 37 Jahren erschossen. Die "Sessions"-Compilation vereint eine Reihe verschiedener Projekte, an denen Rhett Forrester im Laufe seiner allzu kurzen, aber dennoch beeindruckenden Karriere beteiligt war. Die meisten dieser Aufnahmen sind im Vergleich zu den bekannteren Veröffentlichungen von Rhett Forrester, sei es mit der legendären Band Riot, Jack Starrs erstem Soloalbum "Out Of The Darkness" oder Rhett's eigenem Solo-Output, in Vergessenheit geraten. Den Anfang machen die "Dirty Water Sessions", die erstmals auf dem längst vergriffenen Compilation-Album "Hell Or Highwater" zu hören waren und in Texas mit dem Gitarristen und Co-Autor Jonathan Grell aufgenommen wurden, der früher bei der Band Winterkat spielte. Diese Songs sind die allerletzten Aufnahmen, die Rhett vor seinem frühen Tod machte. Als nächstes folgt das Projekt "Dogbone", eine Band, die Rhett mit den ehemaligen Keel-Mitgliedern Brian Jay und Dwain Miller gründete. Diese Aufnahmen wurden Mitte der 1990er Jahre in begrenztem Umfang halboffiziell veröffentlicht, sind aber bis heute weitgehend ungehört geblieben. Außerdem enthält "Sessions" den einzigen Track aus dem "Thrasher"-Projektalbum mit Rhett. Dieser Track wurde von Andrew Duck McDonald und Carl Canedy produziert und war auch auf der "Hell Or Highwater"-Compilation zu hören. Den Abschluss dieser Veröffentlichung bilden die Demos für Dr. Dirty, bekannt als "The Clear Lake Sessions". Diese Aufnahmen bildeten die Grundlage für die vollständigen Dr. Dirty-Aufnahmen, die auf der High Roller Records-Veröffentlichung "Rhett Forrester - The Canadian Years" zu hören sind.

Remix package deluxe! Ede & Deckert feat Sargland’s catchy new wave post punk hit Immer gets the special treatment. Their tale of lover’s grief or delight is being put through the mangle by a varied bunch of remixers. Literally taking the advance party its Berlin’s Narciss with two different takes. Known to be without fear of emotional peaks and blessed with the usual sense of delight, they manage to hit the nail on its head. The Venice Remix is a master class in vintage sounds coming through new speakers: primed for the prime time, while the Salford version does exactly what the name implies: for lads and lovers.

Followed up by the simplicity of grass roots house music. Cinthie channels her inner DJ Duke and choreographs the indie dance steps back to basics. The Curses Vocal keeps the instrumental, stays in the original vibe, but switches the vocals – and the language. Finally, Kid Simius takes us on a bumper car ride somewhere between Miami Sound Machine and Yazoo.

Immer works its magic in every way for everyone and now on almost any dance floor.

Heute kündigt die mitreißende Pfeiferin Molly Lewis ihr Debütalbum „On The Lips“ an, das am 16. Februar über Jagjaguwar erscheint. Im vergangenen Jahr hat Molly an der Seite von Mark Ronson und Andrew Wyatt eine der emotionalsten Szenen des Hollywood-Hits „Barbie“ vertont, Modehäusern wie Chanel, Gucci und Hermes ihr einzigartiges Talent geliehen und Weyes Blood auf Tour unterstützt. Auf ihrem kommenden Debütalbum lädt sie ein ins Café Molly, eine Lounge-Bar, wie es sie nicht mehr gibt. Das Licht ist gedämpft, die Martinis sind eiskalt, die Bänke sind aus Samt, und die Bühne ist bereit für das elektrisierende Talent der Pfeiferin Molly Lewis. Nach dem exotischen Stil der „The Forgotten Edge“ EP und der an Tropicalia angelehnten „Mirage“ EP wollte sie den Sound des Café Molly für ihr Debütalbum „On The Lips“ einfangen, eine verträumte Hommage an klassische Stimmungsmusik, die neblige Visionen von Hollywood-Jazzclubs, italienischen Kinosoundtracks und anhaltenden Umarmungen zwischen Liebenden heraufbeschwört. Ziehen Sie sich also einen Stuhl heran, bestellen Sie Ihren Lieblingsdrink und machen Sie sich bereit, sich zu verlieben. „On The Lips“ wurde mit dem Produzenten Thomas Brenneck (Menahan Street Band, Charles Bradley, Amy Winehouse) in den Diamond West Studios in Pasadena aufgenommen. Während der Sessions wurde Molly auf den 10 Tracks des Albums von einer Reihe gefeierter Musiker unterstützt, darunter Nick Hakim, der für den Latin Grammy nominierte brasilianische Gitarrist Rogê, Leland Whitty und Chester Hansen von Badbadnotgood, die Chicano-Soul-Gruppe Thee Sacred Souls auf dem melancholischen "Crushed Velvet", der experimentelle Jazz-Pianist Marco Benevento und Leon Michels von El Michels Affair. Das Album enthält zwei Coverversionen: Dave Berrys Pop-Standard "The Crying Game" aus den 1960er Jahren und Jeanettes "Porque Te Vas" von 1974. Gleichzeitig mit der heutigen Ankündigung wird die Single "Lounge Lizard" mit Musikvideo veröffentlicht, inspiriert von Julie Londons Erscheinung im Film The Girl Can't Help It von 1956.

Heute kündigt die mitreißende Pfeiferin Molly Lewis ihr Debütalbum „On The Lips“ an, das am 16. Februar über Jagjaguwar erscheint. Im vergangenen Jahr hat Molly an der Seite von Mark Ronson und Andrew Wyatt eine der emotionalsten Szenen des Hollywood-Hits „Barbie“ vertont, Modehäusern wie Chanel, Gucci und Hermes ihr einzigartiges Talent geliehen und Weyes Blood auf Tour unterstützt. Auf ihrem kommenden Debütalbum lädt sie ein ins Café Molly, eine Lounge-Bar, wie es sie nicht mehr gibt. Das Licht ist gedämpft, die Martinis sind eiskalt, die Bänke sind aus Samt, und die Bühne ist bereit für das elektrisierende Talent der Pfeiferin Molly Lewis. Nach dem exotischen Stil der „The Forgotten Edge“ EP und der an Tropicalia angelehnten „Mirage“ EP wollte sie den Sound des Café Molly für ihr Debütalbum „On The Lips“ einfangen, eine verträumte Hommage an klassische Stimmungsmusik, die neblige Visionen von Hollywood-Jazzclubs, italienischen Kinosoundtracks und anhaltenden Umarmungen zwischen Liebenden heraufbeschwört. Ziehen Sie sich also einen Stuhl heran, bestellen Sie Ihren Lieblingsdrink und machen Sie sich bereit, sich zu verlieben. „On The Lips“ wurde mit dem Produzenten Thomas Brenneck (Menahan Street Band, Charles Bradley, Amy Winehouse) in den Diamond West Studios in Pasadena aufgenommen. Während der Sessions wurde Molly auf den 10 Tracks des Albums von einer Reihe gefeierter Musiker unterstützt, darunter Nick Hakim, der für den Latin Grammy nominierte brasilianische Gitarrist Rogê, Leland Whitty und Chester Hansen von Badbadnotgood, die Chicano-Soul-Gruppe Thee Sacred Souls auf dem melancholischen "Crushed Velvet", der experimentelle Jazz-Pianist Marco Benevento und Leon Michels von El Michels Affair. Das Album enthält zwei Coverversionen: Dave Berrys Pop-Standard "The Crying Game" aus den 1960er Jahren und Jeanettes "Porque Te Vas" von 1974. Gleichzeitig mit der heutigen Ankündigung wird die Single "Lounge Lizard" mit Musikvideo veröffentlicht, inspiriert von Julie Londons Erscheinung im Film The Girl Can't Help It von 1956.

High Roller Records, Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach ihrem gut aufgenommenen Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er mit der Arbeit an seinem ersten Soloalbum begann. "Gone With The Wind" wurde ursprünglich 1984 auf dem französischen Label Bernett Records veröffentlicht. "Even The Score" von 1988 war das zweite und letzte offizielle Soloalbum von Rhett Forrester, da der legendäre Sänger am 22. Januar 1994 im Alter von 37 Jahren in Atlanta, Georgia, erschossen wurde. Obwohl auf "Even The Score" kein weiteres Studioalbum folgte, hörte Rhett nicht auf, neue Musik aufzunehmen. Er arbeitete mit verschiedenen Musikern in unterschiedlichen Bands und Projekten über einen Zeitraum von sechs Jahren bis zu seinem frühen Tod 1994 zusammen. Zwei davon sind auf "The Canadian Years" zu hören. Dr. Dirty (die Gruppe hieß ursprünglich Mr. Dirty, wurde aber wegen der Verwendung von zwei D's als Logo in Dr. Dirty umbenannt) war das Geistesprodukt des Gitarristen Rob Robins. Er erklärt: "Scot Gaines, der Bassist, und ich hatten schon fast ein Jahr lang geschrieben, als wir Rhett Forrester in Calgary trafen. Er hatte gerade seine Zeit bei Rick Plester's Black Symphony beendet. Wir waren auf der Suche nach einem Sänger, mit dem wir ein paar Gigs spielen konnten. Rhett wurde erwähnt, und wir trafen uns mit ihm, und es schien, als würde er gut passen! Wir haben ihm sofort die Songs vorgespielt, an denen wir gearbeitet hatten. Rhett war immer großartig im Studio und hat seine Parts aufgenommen. Ein echter Profi. Egal, was wir ihm vorsetzten, Rhett lieferte immer eine großartige Leistung ab." Die eigentlichen Demo-Sessions für Dr. Dirty fanden von 1992 bis Anfang 1993 statt. Rob Robins: "Wir haben vier Songs in Calgary aufgenommen: 'Red Bone Rock', 'Smoking Gun', 'In And Out' und 'Coming Home'. In LA haben wir 'Rescue Me', 'Hold On', 'Love Song' und 'Too Little Too Late' aufgenommen. Ursprünglich hatten wir ein gewisses Interesse von einem Label, gerade als sich das Projekt auflöste. Einer der wohl ungewöhnlichsten Beiträge von Rhett Forrester war 1992 (kurz vor den Dr. Dirty-Sessions) in Form von The Black Symphony (bestehend aus den drei Songs "In The Beginning", "Redemption" und "End Of Time") entstanden. Black Symphony war das Baby des kanadischen Gitarristen Rick Plester, der erklärt: "Ich habe so ziemlich das gesamte Material für die fünf Alben von The Black Symphony geschrieben. Ich habe in Magazinen in ganz Nordamerika Anzeigen für einen Leadsänger geschaltet und Rhett Forester hat sich gemeldet. Als er mich aus heiterem Himmel anrief, war ich angenehm überrascht, denn ich war schon vorher ein Fan von Riot gewesen. Ein paar Wochen später flogen wir Rhett nach Calgary in Kanada, wo ich zu der Zeit lebte. Einige Tage nach seiner Ankunft nahmen wir drei Songs in einem Studio in Calgary auf. Rhett war sehr unterhaltsam, es machte Spaß, mit ihm zusammen zu sein. Ich genoss seine Freundschaft. Er war sehr engagiert und brachte eine Menge mit. Am Ende war es traurig, dass ich ihn wegen seiner Drogenprobleme und abgebrannten Brücken gehen lassen musste."

High Roller Records, Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach ihrem gut aufgenommenen Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er mit der Arbeit an seinem ersten Soloalbum begann. "Gone With The Wind" wurde ursprünglich 1984 auf dem französischen Label Bernett Records veröffentlicht. "Even The Score" von 1988 war das zweite und letzte offizielle Soloalbum von Rhett Forrester, da der legendäre Sänger am 22. Januar 1994 im Alter von 37 Jahren in Atlanta, Georgia, erschossen wurde. Obwohl auf "Even The Score" kein weiteres Studioalbum folgte, hörte Rhett nicht auf, neue Musik aufzunehmen. Er arbeitete mit verschiedenen Musikern in unterschiedlichen Bands und Projekten über einen Zeitraum von sechs Jahren bis zu seinem frühen Tod 1994 zusammen. Zwei davon sind auf "The Canadian Years" zu hören. Dr. Dirty (die Gruppe hieß ursprünglich Mr. Dirty, wurde aber wegen der Verwendung von zwei D's als Logo in Dr. Dirty umbenannt) war das Geistesprodukt des Gitarristen Rob Robins. Er erklärt: "Scot Gaines, der Bassist, und ich hatten schon fast ein Jahr lang geschrieben, als wir Rhett Forrester in Calgary trafen. Er hatte gerade seine Zeit bei Rick Plester's Black Symphony beendet. Wir waren auf der Suche nach einem Sänger, mit dem wir ein paar Gigs spielen konnten. Rhett wurde erwähnt, und wir trafen uns mit ihm, und es schien, als würde er gut passen! Wir haben ihm sofort die Songs vorgespielt, an denen wir gearbeitet hatten. Rhett war immer großartig im Studio und hat seine Parts aufgenommen. Ein echter Profi. Egal, was wir ihm vorsetzten, Rhett lieferte immer eine großartige Leistung ab." Die eigentlichen Demo-Sessions für Dr. Dirty fanden von 1992 bis Anfang 1993 statt. Rob Robins: "Wir haben vier Songs in Calgary aufgenommen: 'Red Bone Rock', 'Smoking Gun', 'In And Out' und 'Coming Home'. In LA haben wir 'Rescue Me', 'Hold On', 'Love Song' und 'Too Little Too Late' aufgenommen. Ursprünglich hatten wir ein gewisses Interesse von einem Label, gerade als sich das Projekt auflöste. Einer der wohl ungewöhnlichsten Beiträge von Rhett Forrester war 1992 (kurz vor den Dr. Dirty-Sessions) in Form von The Black Symphony (bestehend aus den drei Songs "In The Beginning", "Redemption" und "End Of Time") entstanden. Black Symphony war das Baby des kanadischen Gitarristen Rick Plester, der erklärt: "Ich habe so ziemlich das gesamte Material für die fünf Alben von The Black Symphony geschrieben. Ich habe in Magazinen in ganz Nordamerika Anzeigen für einen Leadsänger geschaltet und Rhett Forester hat sich gemeldet. Als er mich aus heiterem Himmel anrief, war ich angenehm überrascht, denn ich war schon vorher ein Fan von Riot gewesen. Ein paar Wochen später flogen wir Rhett nach Calgary in Kanada, wo ich zu der Zeit lebte. Einige Tage nach seiner Ankunft nahmen wir drei Songs in einem Studio in Calgary auf. Rhett war sehr unterhaltsam, es machte Spaß, mit ihm zusammen zu sein. Ich genoss seine Freundschaft. Er war sehr engagiert und brachte eine Menge mit. Am Ende war es traurig, dass ich ihn wegen seiner Drogenprobleme und abgebrannten Brücken gehen lassen musste."

Die New Wave Of British Heavy Metal Band Apocalypse aus London wurde um 1980 von Gitarrist Steve Grainger gegründet. Die Band ging aus zwei Bands im Norden Londons hervor. Phaze und Stone Lady. Ursprünglich verließen Nick Brent, Dave (MEX) Higgen (Stone Lady) und Marc und Steve Grainger (Phaze) Mex die Band, um eine andere Richtung einzuschlagen und das Octave Studio und die PA Company in Nordlondon zu gründen. Dave Robertson stieß dazu und Apocalypse wurden gegründet. Ironischerweise war es Dave (Mex) Higgen, der die Band APOCALYPSE nannte. Es dauerte zwei Jahre, bis die Band ihre einzige Single "Stormchild" für Gate Records veröffentlichte. Nach kleineren personellen Problemen mit einer anderen Band gleichen Namens änderte die Band ihren Namen in Omega und nahm die Nummer "Blood Sacrifice" für die eher obskure "Metal Warriors"-Compilation von Ebony auf (erschienen 1983). "The Prophet" wurde ursprünglich 1985 auf Rock Machine (im Grunde eine Unterabteilung des Punk-Labels Razor Records) veröffentlicht. Die Besetzung bestand aus Dave Robertson (Bass, Gesang), Nick Brent (Gitarren, Gesang), Steve Grainger (Leadgitarren, Keyboards, Gesang) und Graham Roberts (Schlagzeug). Die High Roller Wiederveröffentlichung des Albums kommt mit neuem, hochwertigem Cover-Artwork. Die CD-Ausgabe enthält unveröffentlichte Demoaufnahmen von "Summertime", "Heat of the Night", "Abandon Hope", "Blood Sacrifice" und "The Child" als exklusives Bonusmaterial.

Die New Wave Of British Heavy Metal Band Apocalypse aus London wurde um 1980 von Gitarrist Steve Grainger gegründet. Die Band ging aus zwei Bands im Norden Londons hervor. Phaze und Stone Lady. Ursprünglich verließen Nick Brent, Dave (MEX) Higgen (Stone Lady) und Marc und Steve Grainger (Phaze) Mex die Band, um eine andere Richtung einzuschlagen und das Octave Studio und die PA Company in Nordlondon zu gründen. Dave Robertson stieß dazu und Apocalypse wurden gegründet. Ironischerweise war es Dave (Mex) Higgen, der die Band APOCALYPSE nannte. Es dauerte zwei Jahre, bis die Band ihre einzige Single "Stormchild" für Gate Records veröffentlichte. Nach kleineren personellen Problemen mit einer anderen Band gleichen Namens änderte die Band ihren Namen in Omega und nahm die Nummer "Blood Sacrifice" für die eher obskure "Metal Warriors"-Compilation von Ebony auf (erschienen 1983). "The Prophet" wurde ursprünglich 1985 auf Rock Machine (im Grunde eine Unterabteilung des Punk-Labels Razor Records) veröffentlicht. Die Besetzung bestand aus Dave Robertson (Bass, Gesang), Nick Brent (Gitarren, Gesang), Steve Grainger (Leadgitarren, Keyboards, Gesang) und Graham Roberts (Schlagzeug). Die High Roller Wiederveröffentlichung des Albums kommt mit neuem, hochwertigem Cover-Artwork. Die CD-Ausgabe enthält unveröffentlichte Demoaufnahmen von "Summertime", "Heat of the Night", "Abandon Hope", "Blood Sacrifice" und "The Child" als exklusives Bonusmaterial.

Ponte Del Diavolo schlägt die Brücke zwischen zwei getrennten Welten. Schließlich ist die Band nach der echten "Teufelsbrücke" benannt, einer steilen Straße, die die Bauern im Mittelalter auf ihrem Weg nach Italien überqueren mussten.
Obwohl die fünf Mitglieder von Ponte Del Diavolo aus einer freundschaftlichen Jamsession hervorgegangen sind, bildeten sie bereits ein ziemlich eklektisches Gespann, als sie sich im Winter 2020 in Turin, der kultivierten italienischen Metropole, offiziell zusammenfanden. Während die meisten Metal-Bands von einem Gitarrenduo angeführt werden, kommen die Italiener mit zwei Bassisten als Basis. Ihr Debütalbum "Fire Blades from the Tomb" verbindet klassischen, kultigen Doom Metal mit modernen Einflüssen aus Post-Punk und Dark Wave. Die Leadsingle und der Eröffnungstrack "Demone" wird von einer tiefschwarzen Bassline gepeitscht. Man könnte Erba del Diavolo leicht mit Siouxsie Soux verwechseln, so cool wechselt sie zwischen hektischem Sprechgesang und düsteren, verführerischenm Raunen. Lassen Sie sich von Ponte Del Diavolo in die dunklen Künste Italiens entführen.

Treten Sie mit Tamás Kátais visionärem Projekt in das Reich des Avantgarde-Metal ein: Thy Catafalque. Seit über zwei Jahrzehnten leistet Thy Catafalque meisterhaft Pionierarbeit im Bereich der extremen Metal-Musik. Jetzt wird das bahnbrechende Album Sublunar Tragedies, das den Beginn dieser musikalischen Reise markierte, auf dem Label Season of Mist wiedergeboren. Ursprünglich wurde dieses avantgardistische Meisterwerk im September 1999 der Weltöffentlichkeit vorgestellt und dient als Grundlage für das Vermächtnis von Thy Catafalque. Versetze dich in das Jahr 1999 - als die Welt eine neue Perspektive auf den Metal kennenlernte. Thy Catafalque tauchten auf und boten eine einzigartige Mischung aus harschen Black-Metal-Klängen und detaillierten Synthesizer-Überlagerungen, die eine Symphonie hervorbrachte, die sich über die Konventionen der damaligen Zeit hinwegsetzte. Heute steht Sublunar Tragedies als ein Relikt von Kátais fortwährendem künstlerischen Schaffen und ist bereit, das Publikum durch seine Wiederveröffentlichung auf Season of Mist erneut zu fesseln.

JOACHIM WITT ist eine Lichtgestalt der deutschen Kulturszene. Seit über 40 Jahren steht der erfolgreiche Musiker auf der Bühne. In diesen Jahrzehnten hat er eine enorme Wandelbarkeit bewiesen. 17 Alben veröffentlichte Joachim Witt seit 1980. Beginnend mit "Silberblick" und der Auskopplung "Der Goldene Reiter" (Gold-Status) in der Zeit der NDW, über das 1998 erschiene Comeback-Erfolgsalbum "Bayreuth I", das Platin Status erreichte, bis "DOM" in 2012 mit der Singlekopplung "Gloria" und dem kontrovers diskutierten Video, seinen Auftritten beim Wacken Open-Air oder auch seiner jüngst entdeckten TikTok-Karriere: Der 74-Jährige gebürtige Hamburger ist ein Garant für Vielseitigkeit, Genre Wechsel und Stil-Mischungen.

Sein neues Album trägt den Titel "Der Fels in der Brandung" . Keine Metapher passt zu JOACHIM WITT persönlich besser: Der Ausnahmekünstler hat im Laufe seines Lebens immer wieder Veränderungen unternommen, unzählige Herausforderungen gemeistert, Höhen und Tiefen durchlebt und dabei seine künstlerische
Integrität fortwährend bewahrt.

JOACHIM WITT nimmt sich immer wieder neuer Visionen an und verwirklicht diese konsequent.

"Der Fels in der Brandung" ist ein Album, das seine Zuhörer auf vielen Ebenen überraschen wird. In enger Zusammenarbeit mit dem Flensburger Gold-Produzenten Hardy Krech (Elephant Music), hat JOACHIM WITT wieder einen neuen und eigenen Sound kreiert, der seine Stärken und seine Botschaften in eindrucksvoller Weise mit elektronischen Klängen und Gitarrenmelodien verwebt

Danielle Boutet’s P »Pièces« is a mysterious artifact of Quebecois marginalia, self-released in 1985. Moving from languid ennui to high drama, »Pièces« is a dreamy gestalt, an album that borders Chanson, spoken-word, jazz noir, and minimalism, conjured from the chasm between acoustic and electronic realms. »Pièces« allows us a window into the highly intimate songcraft and compositional skill of an artist who longed to linger not in the public eye, but in relation with others and the world around her.

Born in Quebec City, Boutet studied music at the University of Montreal, where she focused on composition and percussion, before becoming involved in Montreal’s feminist and lesbian art scene. Primarily written, performed, and recorded by Boutet, with voice, guitar work, and technical assistance by Sylvie Gagnon, Pièces was created during a paradigm shift in home recording. Originally composed for the piano, Boutet and Gagnon utilized a consumer-friendly Tascam 4-track Portastudio and versatile Yamaha DX-7, alongside guitar, bass, marimba, and the human voice, to expand and contemporize the original composition’s scope.

Inspired by prog rock and British poet and musician Anne Clark, »Pièces« translates Boutet’s influence by moving between sunny, wistful fairytale and dark, wintry dirge. Filled with longing marimba, vertiginous, startling synth pads, and folk guitar, each track on Pièces offers a wholly unique proposition. Some are modal and rife with the ethereal psychological tension of a sci-fi soundtrack, while others are more like entering a smoke-laced lounge, the entertainer embodying seduction.

With the sprechgesang of artists like Serge Gainsbourg, there is an intense intimacy to Boutet’s delivery, sometimes as if she is performing for an audience of one. As one lyric goes, translated to English from French: “Like holograms/ Images from a world/ That inhales souls/ And exudes drama.” Another song contains an excerpt from The Tao of Physics: “The eastern sages specify clearly that they do not identify an ordinary void, but rather, a void having an infinite creative potential.”

To English-language audiences, the album’s title, »Pièces«, might seem to simply refer to the eleven different pieces. The title can also, of course, refer to parts of a larger whole, but Boutet is keen to point out that there is also another meaning: In French, a pièce is a room. On the cover of the original cassette, Boutet is seen sitting on a chair, alone in an empty apartment, a cable snaking at her feet. Listening to »Pièces« is like entering eleven different rooms: whether a study encased in shadow, a greenhouse left to wither in an eternal frost, or a divine nave.

Boutet sold a few dozen copies around Montreal, a scene mostly occupied by the new wave explosion de rigueur, but the inclusion of Pièces in the 1987 issue of Ladyslipper—the North Carolina-based mail order catalog that championed women musicians of all calibers and careers—led to more exposure throughout North America. “In the catalog,” Boutet says, “they included it in the New Age section, but I was, and still am, aware that this album is relatively unclassifiable.”

Boutet would release one more album, titled Musiques Urbaines, before getting pulled in the direction of interdisciplinary art and theory. “Although I never stopped making music, I lost all interest in public diffusion or performance,” Boutet says. Despite her departure from performance and publicly releasing music, she left behind a strange and enthralling document of Montreal’s 1980s feminist fringe, an aural document of the historic moment when self-recorded music and its practical potential became a prismatic reality.

Danielle Boutet’s Pièces arrives February 16, 2024 as part of uncommon¢ (“uncommon sense”), an open-ended, serialized endeavor from Freedom to Spend that provides new meaning for rarefied recordings from music’s outermost fringe.

Die schönsten, traurigsten und innigsten Songs kommen noch immer aus Skandinavien. Als Christian Kjellvander sich in dem winzigen Dorf Österåker, eine halbe Autostunde nördlich von Stockholm, eine alte Kirche kaufte, war klar, dass er seine Heimat gefunden hatte: für sich, seine Familie und seine Songs. Der schwedische Singer/Songwriter brauchte einen Ausgangs- und einen Endpunkt, dazwischen kann er mit seinen Liedern auf der ganze Welt unterwegs sein, im Vorprogramm von Leonard Cohen oder Kris Kristofferson singen, mit seinen Bandprojekten Loosegoats und Songs Of Soil touren oder Solo-Konzerte spielen, die nur so vor Intensität und Erhabenheit leuchten. So wie sein neues Album "A Village: Natural Light" es schon im Titel trägt. Lieder über nicht weniger als Leben, Lieben und Sterben. Es sind keine Lieder, die einen weit fort tragen, sondern sie stehen mit beiden Beinen fest auf dem Boden. Und doch atmen sie etwas Überirdisches, eine raue Schönheit wie in einem kargen, nördlichen Wald und die Klarheit einer mittendrin entspringenden Quelle. Kjellvander erzählt, er habe, als er diese Lieder schrieb, auf dem Dorffriedhof als Leichengräber gearbeitet. Nicht, weil er so morbide wäre, sondern weil er den wahrhaftigsten Job, den es nur geben kann, machen wollte. Das setzt er als Songwriter konsequent fort Und als Musiker lässt er die Lieder dann so hell erstrahlen, dass man ihn quasi vor sich sieht, wie er sich die Erde von den Händen reibt, die Gitarre nimmt und in seiner Kirche seine Stimme erhebt.

Sublime Christian folk jazz from 1970s Norway. In the '60s and '70s churches throughout Europe had serious competition for the attention of its younger members. The ecclesiastical establishment was shocked to hear teenagers expressing 'Sympathy for the Devil' rather than sympathy for Christ and his teachings. In Norway at this time the same situation was prevalent as was happening across Europe; teenagers were turning their back on the church and embracing the temptations and pleasures of the flourishing new pop culture. Priest Olaf Hillestad was all to aware of what was going on, and instead of relying on the floundering traditional methods of rounding up his flock, he embraced the musical aspirations of his younger followers. In so doing he founded the Forum Experimentale in Oslo, an organisation that promised in its statutes to "boldly work for a renewal in service life, church music and church art". It was here in the late '60s where That's Why founder members Jan Simonsen and Per Arne Løvold became responsible for the jazz masses at Forum Experimentale's chapel. Together with some top-notch musicians from other Christian music centres around the Oslo district, they recorded two albums in 1970 and 1971 under the moniker That's Why. That's Why blended deep acoustic and electric jazz with elements of Norwegian folklore and Christianity. They also included interpretations of young and old transcendental Norwegian poets such as Sidsel Mørck Krogdahl, Alfred Hauge and Aslaug Vaa, as well as introducing English and Swedish songwriters such as Åke Rosenstrøm and Charles Wesley and even William Blake's "Children of the Future Age" into the mix. This highly original fusion of secular rhythmic music, jazz improvisation and a distinguished selection of transcendental lyrics is one of the standout qualities of That's Why, separating them from more programme-orientated Christian music. The unique mix leads the listener to think they are hearing among the record grooves the tightness of grey, sober Protestantism along with the ecstasy of a lay preacher. This listener, for one, has never heard anything quite like it.

2023 Repress

Frank Maston’s Tulips is a sample-ready film score to the best 70s movie never made. Originally a super-limited self-release on his Phonoscope label in late 2017, Tulips has already become incredibly sought-after. Be With were introduced to Maston by mutual friends Aquarium Drunkard and it didn’t take long before we decided this modern classic deserved a reissue.

Inspired by the deep-grooving soundtracks of Italian cinema - think Morricone, Umiliani and Alessandroni - Maston conceived the entire Tulips project as a continuation of these revered works. Frank designed the artwork and made two 16mm films to accompany the music: “It wasn’t just the LP… it was kind of a whole vibe I was trying to create. Not really trying to emulate the things that influenced me but more trying to make something that could sit alongside those records on a shelf. I’m still very proud of the project.”

There’s a distinct library music feel too, with wiry organ, spacey keyboards and loping 60s guitar hinting at KPM and DeWolfe. Like the best library music, Tulips creates a cinematic universe through sound alone, evoking moving images in the listener’s technicolour imagination. It turns out that was accidentally on purpose: “I was discovering a lot of library music for the first time… listening to a composer’s entire catalog or finding all this obscure stuff. I wasn’t entirely conscious of the influence until I started making this music and realized I was channeling the vibe. That’s when I began focusing more on weaving melodic themes throughout the record to make it function more like a soundtrack”.

Tulips was recorded between 2015 and 2017 in a small studio in a village called Zwaag in Holland, during downtime from Frank’s touring duties with Jacco Gardner’s band. “Tulips” comes from the title of the very first demo he made in Holland, it was the first thing that came to mind. Makes sense.

Recording in Europe with some very European influences in mind, Frank wanted to eschew any American influences. But we can still feel the studio wizardry of the likes of Brian Wilson and Harry Nilsson in there somewhere. A psychedelic bedroom-pop song-cycle, full of hypnotic hooks and dusty drums, Tulips manages to sound charmingly homemade yet wholly widescreen.

Dreamy opener “Swans” is an exquisite soul instrumental and recalls the soft-psych of Koushik, which Be With loves of course. Tropicalia influences abound in the cool and breezy “New Danger” and the KPM-references are loud and proud on the lush organ pop of “Old Habits”. Fast-paced “Chase Theme No. 1” manages to be both tense and laid back, decorated by acid-drenched spaghetti Western guitars. The glorious Gainsbourg-esque melancholia of “Infinite Bliss” is all gauzy flutes and happy-sad vocalizing and the title is almost perfect: it’s bliss, no question; *if only* it went on forever. Side A closes with “Evening”, a subtle bossa nova beat thing. Gorgeous.

Side B opens with the heat-shimmer guitars of “Rain Dance”, evoking an unreleased Byrds or Buffalo Springfield backing track. Yes, it’s that good. “Sure Thing” is music to accompany an elevator ride you never want to end, but in a good way! The ornate “Garçon Manqué” is as beautiful as the instrumentals on Pet Sounds (think “Let’s Go Away For A While”) and the wistful “Turning In” starts like a stroll in the park before Maston introduces a scorched-Earth guitar solo that would startle if it wasn’t so pitch-perfect. “Chase Theme No. 2” is a briefer, more keening counterpart to what we hear on side A. The head-nod bass-drums-keys funk of “Hues” rounds out this staggeringly assured set; still opening each phrase with a plaintive strum, but using vibrato and heavy reverb to accent the electric organ melody. Sublime.

All these top drawer musical references might sound like just more of the usual release notes hyperbole, but there’s a reason that this still-young LP already changes hands for big money. It really is that good. Of course that first pressing didn’t hang around for long and Frank’s regularly been asked about a re-press pretty much ever since.

Re-issuing Tulips on Be With made sense to Frank “because the record would fit in so well with the catalogue”. Having already delved into the archives of KPM and Themes, and beginning to do the same with Coloursound and Selected Sounds, the collaboration “just makes sense and seems inevitable”. We agree.

Frank wasn’t sure a record of instrumentals with obscure soundtrack references would be an easy sell when it was originally released, and was surprised when Tulips turned out to be exactly what some people wanted to hear. We reckon its timeless beauty ensures that it’ll *always* have an audience.

The record was originally cut to be played at 45rpm, a technical quirk that grants the home listener the opportunity to go deeper, for longer. Played at 33rpm, the more languid unfurling of the tracks proves just as wonderful a trip. As a psilocybin-soaked case study from Aquarium Drunkard back in January of 2019 describes, some of the songs sound as if they were intended to be heard that way. The slower speed allowing the listener to step inside and perhaps even “crack the code” of the music’s meaning.

Mastered for this vinyl reissue by Simon Francis and featuring alternative burnt orange artwork from Maston himself, this Be With pressing is limited to just 500 copies. Hypnagogic it may be, but please don’t sleep.

2023 Repress

Maston’s Darkland is a breezy collection of the material from the Tulips sessions that didn’t make it on to the original LP. Originally a digital-only release for those in the know in the autumn of 2018, after re-issuing Tulips in 2020 it made too much sense for Be With to give Darkland a vinyl release.

Like Tulips, Darkland was recorded mostly in Hoorn, in the Netherlands, between 2015-2017 during downtime from Frank’s touring duties with Jacco Gardner’s band. Bits were also done in Los Angeles on some extended trips back home.

The collection plays like an alternate view of Maston’s instant modern classic Tulips; a companion piece to the LP proper with similar mixture of shorter themes and more full length tracks. As Frank Maston explains: “I think Darkland is the shadow of Tulips in a way… what it might’ve been in a different universe. But the heart of Tulips beats in these songs as well and they evoke the same memories and feelings for me. I see my process playing out across these songs - lots of experimentation and trying out new techniques and sounds and just sort of going for it.”

Frank goes on: “It was all from the same pool of material, like 30+ ideas. I was making a lot of little demos… some would be more fleshed out and become songs and others would just be a cool riff and not go anywhere. When I started trying to form it all into an LP I went through all the sessions and ideas and collected the ones I thought were the most fleshed out and cohesive together as a whole. There were a fair amount of songs that were finished and in hindsight really should have been on Tulips (like what would’ve been the title track). And the rest of these songs are either very early versions of tunes that ended up on Tulips or some cool ideas that just ended up being dead ends. It definitely shows how wide my net was in the beginning before I narrowed the record down stylistically.”

Darkland opens with its ornate 39 second title-track before striding into “Tulips”, that full-length title-track that never was. It’s a real head-nod, percussive-rich electric piano stunner that would’ve been a comfortable standout on the album proper. But now this “downlifting” gem is given ample room to shine on this record.

The funky organ-led bass and drums workout “Immaculate Conception” will keep your neck gently snapping while MPC fiends go reaching for their sampler. And that’s gospel. “Love Theme No 3” cuts a breathtakingly stylish vibra-slapped swathe through the middle of the opening side before we’re startled by the pronounced bass and twinkling percussion of “The Owl In Daylight”. Charming digi-drums underpin the wonky synth (quiet-)banger “Innovative Patterns” which has a lovely melodic switch-up in the final third before the tempo (and hairs on your neck) rise on the faintly creepy yet imminently groovy “Osiris”. The gorgeously soft-focus “Groove Experiment No 3” closes out the first half in slow-mo wonderment.

The lushly melancholic “Raincloud” ushers in side B before the emotionally-stirring “Phonic” taps at the door, coming on like the long lost sister to Pet Sounds’ “Let’s Go Away For A While”. Next up, the swooning beauty “Love Theme No 2” keenly sways in front of you, growing ever more insistent and hypnotic. The too-short “Italian Summer” conjures the same flirtatious imagery as the title hints at whilst “Endless” is a fascinating “piano-pella” alternative version to “Rain Dance” from Tulips. “Wonder Theme” has a nostalgic, exotic 60s swing and album closer “Willow” is a hushed, campfire folk gem. The gently circular strumming is just magical.

Speaking to Aquarium Drunkard back in 2019 about the sessions that became Tulips, Frank noted: “I was really surprised by the lack of sunlight during my first winter in Holland, so I would call it Darkland which then became the name of the first demo I wrote during that time. It was also the working title of the record when I first started writing. Some are full songs that didn’t make the cut (including what would have been the title track), some are just ideas that I never finished.”

Whilst we were working on Darkland’s vinyl release Frank explained more specifically about the music that didn’t make it on to Tulips: “When I was putting together the tracklisting for Tulips I was already thinking that whatever didn’t make it onto the LP would be cool to release eventually somehow. The response to Tulips has been so passionate over the years that it’s nice to be able to offer another piece of that world. And for me personally it’s amazing to have more of my work out there in the world. Most common bit of feedback was that many of these songs should have been on Tulips. The odd friend says it’s much better than Tulips.”

Just like Tulips before it, Simon Francis’s vinyl mastering for Darkland has been cut at 45rpm so you can trip out to this as well at a woozy 33 1/3. The artwork too has been designed by Frank himself as a literal visual continuation of the Tulips cover.

We couldn’t possibly say whether Darkland is better than Tulips, and luckily we don’t have to decide.

Immerse yourself in a unique narrative experience, embarking on a vibrant journey that will awaken your senses and evoke warm memories.

Play as Mimi, exploring the precious recollections of your childhood and the times shared with your late grandmother. As past meets present, confront your adult choices with fond childhood memories to uncover lost family secrets.

For the OST, SUPERNAIVE brothers oscillates between melancholy and wonder. They build a strong narrative throughout the songs, taking the listener by the hand to discover their unique poetic universe.

Das lebenslange Armdrücken zwischen Kopf und Herz steht im Mittelpunkt von Faith Crisis Pt 1, dem dritten Album der Emo-Indie-Rocker Middle Kids aus Sydney. Die neuen Songs legen die schmerzhaften, frustrierenden und chaotischen Teile des logischen Puzzles dar, das das Leben jeden Tag von uns verlangt. Produziert von Jonathan Gilmore (The 1975, Beabadoobee), bringen Hannah Joy, Tim Fitz und Harry Day meisterhaft Emotionen des Überwältigtseins zum Ausdruck, die den Hörer von den ersten Takten an fesseln. Das Trio greift erneut auf das Wesentliche des Indie-Rock zurück (Gitarre, Bass, Schlagzeug) und hebt seine Songs mit euphorischen Gesangsdarbietungen, einer mitreißenden Produktion und unvergleichlichen Pop-Sensibilität hervor.

Das lebenslange Armdrücken zwischen Kopf und Herz steht im Mittelpunkt von Faith Crisis Pt 1, dem dritten Album der Emo-Indie-Rocker Middle Kids aus Sydney. Die neuen Songs legen die schmerzhaften, frustrierenden und chaotischen Teile des logischen Puzzles dar, das das Leben jeden Tag von uns verlangt. Produziert von Jonathan Gilmore (The 1975, Beabadoobee), bringen Hannah Joy, Tim Fitz und Harry Day meisterhaft Emotionen des Überwältigtseins zum Ausdruck, die den Hörer von den ersten Takten an fesseln. Das Trio greift erneut auf das Wesentliche des Indie-Rock zurück (Gitarre, Bass, Schlagzeug) und hebt seine Songs mit euphorischen Gesangsdarbietungen, einer mitreißenden Produktion und unvergleichlichen Pop-Sensibilität hervor.

The music of Atlanta trio Omni has always swung fast and hit hard. And Souvenir, their fourth album and second for Sub Pop, packs their biggest punch yet. Inactive during the majority of the pandemic-the longest downtime in their history-they approached this recording with lots of pent-up energy. Guitarist Frankie Broyles, singer/bassist Philip Frobos, and drummer Chris Yonker converted their creative fuel into sharp, driving songs that land immediately, sporting chopping riffs, staccato beats, and wiry melodies. Why does Souvenir sound so sharp? Because each track is a compact unit that stands on its own, reflecting the time and place in which it was created. That's why Omni called the album Souvenir: it's a collection of audio objects, a stash of musical miniatures. Think of it as a family photo album, a binder of rare playing cards, a shoebox holding precious gems. Take "Plastic Pyramid," the first song Omni wrote after coming out of lockdown. Filled with twists and turns, it's a journey unto itself, charged by clanging chords, spinning rhythm, and Frobos trading lines with Izzy Glaudini of Automatic, with whom Omni toured with last fall. (Glaudini sings on two other Souvenir tracks, the first guest vocalist the band has collaborated with). Or take opener "Exacto," a slicing web of intertwined guitar and bass. Its razor-fine notes and syncopated beats perfectly match pointillist Frobos lyrics such as "Exacto, de facto, concise, quite right"-a line that could well be an Omni mantra. The precision and clarity of Souvenir comes from some new Omni developments. For one, this is their first album with Yonker as their full-time drummer, and his forceful playing adds exclamation points to every pointed moment on Souvenir. In addition, the trio worked with Atlanta-based engineer Kristofer Sampson for the first time. Sampson pushed the band to a higher degree of power, with Frobos's vocals more upfront in his pulsing mix and the rest of the music leaping out of the speakers. You might notice that Frobos' singing is a bit more emotional and even nostalgic this time around. In crafting his vocals, he was inspired by the early college radio rock of formative favorites like REM, the Cure, and Big Audio Dynamite-the kind of bands whose melodies could have been top 40 hits in an alternative universe. The lyrics on Souvenir are also by turns funny, absurd, and even cryptic. A wry humor has always coursed through Omni's songs, and this time, it comes in shades of both dark and light. In "Granite Kiss," an "astronomical" love story concludes with the hope that "we can decay together," while in "PG," a romantic walk in the park includes a rose-colored mugging. Immediacy rushes throughout every moment of Souvenir, making it the band's most powerful album to date. Omni has truly crafted a musical keepsake-a set of songs that you'll want to keep close, an aural memento you'll cherish for the rest of time.

As part of our continuing Suede30 campaign, Demon Records will be issuing Suede’s fifth, sixth, seventh and eighth singles as highly collectable 7” picture discs, reproducing the original arresting cover images on the discs. • Released on 14th February 1994, the band’s fifth single was a new song, “Stay Together”. Peaking at number 3 in the UK charts, it remains Suede’s highest-charting single (along with “Trash”). The Bside was “The Living Dead”. • Neither song was included on the “Dog Man Star” album, released in October 1994.

Das Opus Magnum des ehemaligen Emperor-Frontmanns!

Mehr als jeder andere Künstler, der aus der fruchtbaren Black-Metal-Szene der frühen 90er Jahre hervorging, hat sich Ihsahn fest als unberechenbarer Außenseiter etabliert. Als Frontmann und Chefkomponist der legendären Band Emperor schrieb er das Regelwerk für epische, extreme Musik mit einer Reihe von Alben neu, die noch immer als Klassiker gelten. Ihsahns einzigartiger Ansatz und sein freies musikalisches Ethos sorgten dafür, dass seine Fans das Unerwartete erwarten konnten, als er seine Solokarriere startete. Ein komplettes Konzeptalbum, das in zwei Versionen vorliegt: Metal und Orchestral. Ihsahn hat sein bisher bestes, einzigartiges und kraftvollstes Album geschaffen.

Im Einklang mit den filmischen Inspirationen folgen Musik und Text zwei parallelen Erzählungen mit immer wiederkehrenden Themen. Die Haupthandlung wird in der Metal-Version präsentiert, während die Nebenhandlung in der Orchesterversion verwurzelt ist.

Das Opus Magnum des ehemaligen Emperor-Frontmanns!

Mehr als jeder andere Künstler, der aus der fruchtbaren Black-Metal-Szene der frühen 90er Jahre hervorging, hat sich Ihsahn fest als unberechenbarer Außenseiter etabliert. Als Frontmann und Chefkomponist der legendären Band Emperor schrieb er das Regelwerk für epische, extreme Musik mit einer Reihe von Alben neu, die noch immer als Klassiker gelten. Ihsahns einzigartiger Ansatz und sein freies musikalisches Ethos sorgten dafür, dass seine Fans das Unerwartete erwarten konnten, als er seine Solokarriere startete. Ein komplettes Konzeptalbum, das in zwei Versionen vorliegt: Metal und Orchestral. Ihsahn hat sein bisher bestes, einzigartiges und kraftvollstes Album geschaffen.

Im Einklang mit den filmischen Inspirationen folgen Musik und Text zwei parallelen Erzählungen mit immer wiederkehrenden Themen. Die Haupthandlung wird in der Metal-Version präsentiert, während die Nebenhandlung in der Orchesterversion verwurzelt ist.

Der legendäre Rockgitarrist Steve Hackett wird sein neues Studioalbum "The Circus And The Nightwhale" am 16. Februar 2024 über InsideOut Music veröffentlichen. Die 12 Tracks von "The Circus And The Nightwhale" sind ein Rite-of-Passage-Konzeptalbum, in dessen Mittelpunkt eine junge Figur namens Travla steht. Für den Musiker haben die 13 Tracks einen autobiografischen Aspekt, der über sein 30. Solo-Album sagt: "Ich liebe dieses Album. Es sagt die Dinge, die ich schon seit langer Zeit sagen wollte." Aufgenommen zwischen den Tourneen 2022 und 2023 im Siren Studio in Großbritannien - mit Gastbeiträgen aus Schweden, Österreich, den USA, Aserbaidschan und Dänemark - umfasst die Besetzung von "The Circus And The Nightwhale" neben Steve an elektrischen und akustischen Gitarren, 12-saitiger Gitarre, Mandoline, Mundharmonika, Percussion, Bass und Gesang einige bekannte Gesichter. Roger King (Keyboards, Programmierung und orchestrale Arrangements), Rob Townsend (Saxophon), Jonas Reingold (Bass), Nad Sylvan (Gesang), Craig Blundell (Schlagzeug) und Amanda Lehmann (Gesang). Nick D'Virgilio und Hugo Degenhardt kehren als Gäste an den Drumhocker zurück, der hervorragende Tontechniker Benedict Fenner ist an den Keyboards zu hören und Malik Mansurov ist wieder an der Gitarre. Und schließlich ist auch Steves Bruder John Hackett wieder an der Flöte zu hören. Steve fasst "The Circus And The Nightwhale" wie folgt zusammen: "Es ist eine schöne Reise, die schmutzig, kratzig und rauchig beginnt und dann himmlisch und göttlich wird. Wie kann man da widerstehen?" Das Album wird als Ltd CD+Blu-ray Mediabook (inkl. 5.1 Surround Sound & Hi-Res Stereo Mixes), Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g LP + LP-Booklet & als digitales Album erhältlich sein.

Der legendäre Rockgitarrist Steve Hackett wird sein neues Studioalbum "The Circus And The Nightwhale" am 16. Februar 2024 über InsideOut Music veröffentlichen. Die 12 Tracks von "The Circus And The Nightwhale" sind ein Rite-of-Passage-Konzeptalbum, in dessen Mittelpunkt eine junge Figur namens Travla steht. Für den Musiker haben die 13 Tracks einen autobiografischen Aspekt, der über sein 30. Solo-Album sagt: "Ich liebe dieses Album. Es sagt die Dinge, die ich schon seit langer Zeit sagen wollte." Aufgenommen zwischen den Tourneen 2022 und 2023 im Siren Studio in Großbritannien - mit Gastbeiträgen aus Schweden, Österreich, den USA, Aserbaidschan und Dänemark - umfasst die Besetzung von "The Circus And The Nightwhale" neben Steve an elektrischen und akustischen Gitarren, 12-saitiger Gitarre, Mandoline, Mundharmonika, Percussion, Bass und Gesang einige bekannte Gesichter. Roger King (Keyboards, Programmierung und orchestrale Arrangements), Rob Townsend (Saxophon), Jonas Reingold (Bass), Nad Sylvan (Gesang), Craig Blundell (Schlagzeug) und Amanda Lehmann (Gesang). Nick D'Virgilio und Hugo Degenhardt kehren als Gäste an den Drumhocker zurück, der hervorragende Tontechniker Benedict Fenner ist an den Keyboards zu hören und Malik Mansurov ist wieder an der Gitarre. Und schließlich ist auch Steves Bruder John Hackett wieder an der Flöte zu hören. Steve fasst "The Circus And The Nightwhale" wie folgt zusammen: "Es ist eine schöne Reise, die schmutzig, kratzig und rauchig beginnt und dann himmlisch und göttlich wird. Wie kann man da widerstehen?" Das Album wird als Ltd CD+Blu-ray Mediabook (inkl. 5.1 Surround Sound & Hi-Res Stereo Mixes), Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g LP + LP-Booklet & als digitales Album erhältlich sein.

Die musikalische Liebesgeschichte des Duos begann im Sommercamp, wo die beiden in der Schweiz geborenen Musiker ihre Playlists miteinander teilten. Das Teilen von Playlists führte zum Teilen von Träumen, und so wurde Psycho Weazel geboren. Ihre Musik ist ein retro-futuristisches Elektronik-Spektakel, das Indie-Dance, Cold Wave und EBM miteinander verbindet. In ihrem Studio am Ufer des Neuenburgersees haben sie einen beeindruckenden genreübergreifenden Katalog geschaffen. Diese ansteckenden Tracks bringen die Tanzflächen rund um den Globus zum Glühen - "Mains d'argile" wird da keine Ausnahme sein.

"We Started Nothing is the debut studio album by English indie pop duo The Ting Tings. Jules & Katie's combination of dance, indie pop and new wave proved to be one of the hottest things in 2008. The result being the album peaking at #1 in the UK Albums Chart. We Started Nothing spawned no less than six hit singles, including ""That's Not My Name"", which reached #1 on the UK Singles Chart. Eventually, the band, the album and several singles and videos were nominated for a variety of NME, MTV, Grammy Award and Brit Awards. The Ting Tings won the MTV Award for Best UK Act and ""Shut Up and Let Me Go"" won the award for Best UK Video. We Started Nothing is available on black vinyl and contains an insert."

You just moved to the big city, you end up at a party where you don't know anyone and someone walks up to you and asks: "Hey, are you alone here?". That is exactly the feeling that Porcelain id describes on their debut album Bibi:1, short for the Arabic pet name Habibi. Porcelain id is the pseudonym under which Hubert Tuyishime (they/them/their) has been unleashing unique songs since 2020.

The album - inspired by their move from a quiet provincial town to Antwerp - is the soundtrack to walking into city traffic during rush hour and trusting to get out of the chaos in one piece. It is an ode to exciting encounters with complete strangers and to the friends you can come home to afterwards. A story about being a stranger in a city you've romanticized for so long, the rejection that comes with it, and the false nostalgia with which you look back on it all later on.

At first hearing, the completely English-language Bibi:1 may seem like a brusque farewell to the autobiographical intimacy and lo-fi singer-songwriter music on the previously released EPs Mango and Reprise, and especially on songs like Vlaanderen. But to Porcelain id it feels like an organic evolution. One towards more abstraction, experimentation and electronics, but never detached, and still building on the core of Porcelain id.

The new sound is the result of an intense collaboration with producer and partner in crime Youniss Ahamad, who, despite their different musical backgrounds, immediately felt challenged after Porcelain id's legendary elevator pitch: 'I want to make something that is situated between Nick Cave and the Bad Seeds and Yeezus by Kanye West'.

Together they drew the blueprint for Bibi:1 in Youniss' home studio. Track by track, without looking back. A sporadic, but rigid process that added to the intensity of the album. In the studio, the songs were taken to a higher level. The two invited a pack of talented friends and young musicians to the studio to add parts, a stark contrast to the solitary approach of previous EPs. Aram Abgaryan (recording engineer/synths/vocals), Nard Houdmeyers (guitar), Tim Caramin (drums), David Idrisov (bass), Alban Sarens (sax) and Emma Hessels (vocals) came by. Aram Santy was at the controls during the mixing sessions.

The result sounds like the ultimate symbiosis of Porcelain id and Youniss. Lofi, but ambitious. Fragile, but rough. Poppy, but disruptive. Sometimes challenging. Then welcoming again. Sometimes even danceable. Each song forms a small vignette that is part of a diverse, but coherent unity. Adam Coming Home and Low Poly are closest to the melancholy of Porcelain id's earlier work, while Lights! strikes a new path. First single Man Down, on the other hand, is inspired by the Antwerp students who drown every year and sounds like a wandering nightly stroll through the city. For Brilliant, David Idrisov was asked to 'play bass as if Chet Baker were not a trumpet player, but a bass player', a bizarre assignment that he accomplished with verve. And Cellophane flirts with emo trap and was sung with raspberries between the teeth, to simulate the effect of grills.

Arketip Discs is a Barcelona-based vinyl and digital imprint co-founded by Spear and Makuto that has featured music by Reeko, Truncate, Temudo, ORBE and Eduardo De La Calle.
Makuto is the label head from Spain with a growing reputation and who has kept his productions exclusively to Arketip Discs so far. ''Sfera'' is a hypnotic and atmospheric cut with modular accents and tones that morph and expand in sleek style.
A. Morgan is from Manchester, UK and has been establishing his productions with revered releases on the likes of Jay Clarke's Blackaxon, Joton's New rhythmic, Hans Bouffmyhre's Sleaze and Berlin's BCCO. ''Vogue One'' has a stripped-back style and groove focused rhythm with creative sound design and precise percussion highlights.
VIL is known as a core member of the Portuguese outfit HAYES, and has released music on Ben Klock's Klockworks, Ben Sims' Hardgroove, Shlomi Aber's Be As One, and TWR72's Float amongst others. ''The Reaction'' has a shuffling and quirky rhythm with deep, floating chords and electric elements creating a unique vibe.
Also from Spain, Psyk is the Non Series label owner whose back catalogue includes Tresor, Luke Slater's Mote Evolver, Scuba's Hotflush, Reeko's Mental Disorder and Chris Liebing's CLR to name only a few. Psyk's impressive remix of ''The Reaction'' succeeds in expanding distinct electric fragments from the original into a tapestry of organic, modular soundscapes

Extra Characteristics
Printed Sleeve

Die Wiederveröffentlichung von "Swan Songs" von Lord of the Lost ist ein bedeutendes Ereignis für Fans der Band und des Dark Rock-Genres. Ursprünglich wurde "Swan Songs" als Teil der vielfältigen Diskografie der Band veröffentlicht, die Elemente aus Gothic, Metal und Rockmusik miteinander verbindet. Lord of the Lost, 2007 von Chris Harms in Hamburg gegründet, ist bekannt für ihre theatralischen und visuell beeindruckenden Auftritte sowie für ihre tiefgründigen, erzählerischen Texte. Das Album "Swan Songs" nimmt einen besonderen Platz im Repertoire von Lord of the Lost ein, da es eine eher symphonische und orchestrale Seite der Band zeigt. Diese Herangehensweise unterscheidet sich von ihrem typischen schwereren und aggressiveren Stil und unterstreicht ihre Vielseitigkeit als Musiker. Das Album enthält neu interpretierte Versionen ihrer bestehenden Songs, die an ein klassischeres und symphonischeres Arrangement angepasst wurden, bei dem oft Instrumente wie Streicher und Klavier zum Einsatz kommen, was dem Album einen unverwechselbaren und gefühlvollen Klang verleiht.

Mit "Goldmarie 2.0" präsentieren STONEMAN eine remasterte Neuauflage ihres 2014er Albums "Goldmarie" mit zusätzlichem Cover-Bonustrack "Marie", welcher ursprünglich von Joachim Deutschland performt wurde.
Versteinert ist anders: 10 Jahre nach der ersten Veröffentlichung von "Goldmarie" hat sich die Schweizer Ausnahmeformation um die beiden Traumwandler zwischen Gothic und Metal, Mikki und Rico H immer wieder neu erdacht. Gestrahlt hat man auf den Bühnen in ganz Europa, supportete Größen wie Deathstars, Mono Inc. Xandria, Tiamat und Wednesday 13. Im Gepäck hatte man dabei so manchen provokanten Szene Hit wie "Wer ficken will" und "Mord ist Kunst".
Bittersüße Melodien treffen auf brachiale Härte und auch die eine oder andere lyrische Provokation darf natürlich nicht fehlen!

Mal-One’s new single ‘When The Two 77’s Clashed’ talks about that heady time back in 1977. The year the Rastafarian faith also picked up on a biblical quote that told of an apocalyptic time coming in the year the two 77’s clash in 1977.

Well it was definitely a heady year for the punk movement that also coincided with the release of The Clash’s debut album. Mal-One describes the bands rehearsal rooms where they created the songs and whose entrance supplied the cover shot for the album cover itself. A machine gun splatter through the songs on the album and the meanings they reflected to all our lives. Hope you enjoy the ride back in time, an important time that as the lyric of the songs points out… ‘It even says it in the Bible’…..